Musikalische Kunst der Romantik

Die drei Hauptbühnen des europäischen Musicals 19. Romantik Jahrhundert – früh, reif und spät – entsprechen den Entwicklungsstadien der österreichischen und deutschen romantischen Musik. Diese Periodisierung muss jedoch in Bezug auf die wichtigsten Ereignisse konkretisiert und etwas verdeutlicht werden Musikalische Kunst Jedes Land.
Frühstadium der Deutsch-Österreichischen Musikalische Romantik stammt aus den 10. und 20. Jahren des 19. Jahrhunderts und fällt mit dem Höhepunkt des Kampfes gegen die napoleonische Herrschaft und dem anschließenden Beginn einer dunklen politischen Reaktion zusammen. Den Beginn dieser Etappe markierten musikalische Phänomene wie die Opern „Ondine“ von Hoffmann (1913), „Silvana“ (1810), „Abu Hasan“ (1811) und das Programmklavierstück „Einladung zum Tanz“ (1815). ) von Weber, die ersten wirklich originellen Schubert-Lieder – „Margarita am Spinnrad“ (1814) und „Der Waldkönig“ (1815). In den 20er Jahren begann die Blütezeit der Frühromantik, als sich das Genie des früh ausgestorbenen Schubert in voller Kraft entfaltete, als „ Magischer Shooter„, „Euriate“ und „Oberon“ sind die letzten drei, vollkommensten Opern von Beber, in dessen Todesjahr (1820) eine neue „Koryphäe“ am musikalischen Horizont auftauchte – Mendelssohn-Bartholdy, der ein wunderbares Konzert gab Ouvertüre – Ein Sommernachtstraum.
Die mittlere Phase fällt hauptsächlich in die 30er und 40er Jahre. Ihre Grenzen werden durch die Julirevolution in Frankreich bestimmt, die einen erheblichen Einfluss auf die fortgeschrittenen Kreise Österreichs und insbesondere Deutschlands hatte, und durch die Revolution von 1848 bis 1949, die die Revolution kraftvoll erfasste Deutsch-Österreichische Länder. In dieser Zeit blühte in Deutschland das Schaffen von Mendelssohn (gestorben 1147) und Schumann auf, deren kompositorische Tätigkeit nur wenige Jahre lang die angegebene Grenze überschreitet; Webers Traditionen werden von Marschner in seinen Opern aufgehoben (seine beste Oper, Taps Geilschg, entstand 1833); In dieser Zeit entwickelte sich Wagner vom unerfahrenen Komponisten zum Schöpfer solcher Werke helle Werke, wie Tannhäuser (1815) und Lohengrin (1848); Wagners wichtigste schöpferische Errungenschaften lagen jedoch noch vor uns. In Österreich herrschte zu dieser Zeit eine gewisse Flaute im Bereich der ernsthaften Genres, doch die Schöpfer der alltäglichen Tanzmusik, Joseph Lainer und Johann Strauss der Vater, erlangten Ruhm.
Die späte, nachrevolutionäre Periode der Romantik, die sich über mehrere Jahrzehnte erstreckte (von Anfang der 50er bis etwa Mitte der 90er Jahre), war mit einer angespannten gesellschaftspolitischen Situation verbunden (Rivalität zwischen Österreich und Preußen bei der Vereinigung deutscher Länder, die Entstehung des geeinten Deutschlands unter der Herrschaft des militaristischen Preußens und der endgültigen politischen Isolation Österreichs). Zu dieser Zeit ist das Problem einer einheitlichen, gesamtdeutschen Musikkunst akut, Widersprüche zwischen verschiedenen kreativen Gruppen und einzelnen Komponisten werden deutlicher sichtbar und es entsteht ein Richtungskampf, der sich manchmal in hitzigen Polemiken auf den Seiten der Presse niederschlägt. Der nach Deutschland ausgewanderte Liszt unternimmt Versuche, die fortschrittlichen musikalischen Kräfte des Landes zu vereinen, doch seine kreativen Prinzipien, die mit den Ideen radikaler Innovation auf Basis von Software verbunden sind, werden nicht von allen deutschen Musikern geteilt. Eine Sonderstellung nimmt Wagner ein, der die Rolle des Musikdramas als „Kunst der Zukunft“ verabsolutierte. Gleichzeitig wird Brahms, dem es in seinem Werk gelang, die bleibende Bedeutung vieler klassischer Musiktraditionen in ihrer Verbindung mit einer neuen, romantischen Weltanschauung zu beweisen, zum Kopf der Anti-Liszt- und Anti-Wagner-Bewegung in Wien. Das Jahr 1876 ist in dieser Hinsicht bedeutsam: In Bayreuth findet die Uraufführung von Wagners „Ring des Nibelungen“ statt, und Wien lernt Brahms‘ erste Symphonie kennen, die die Zeit der höchsten Blüte seines Schaffens einleitet.

Die Komplexität der musikalischen und historischen Situation dieser Jahre beschränkt sich nicht nur auf die Präsenz verschiedener Richtungen mit ihren Ursprüngen Leipzig, Weimar, Bayreuth. Wien. In Wien selbst entstehen beispielsweise so unterschiedliche Dinge. befreundete Künstler, wie Bruckner und Wolf, einte eine gemeinsame begeisterte Haltung gegenüber Wagner, akzeptierte aber gleichzeitig sein Prinzip des Musikdramas nicht.
In Wien entsteht Johann Strauss Sohn, der musikalischste Führer des Jahrhunderts“ (Wagner). Seine wunderbaren Walzer und späteren Operetten machen Wien zum größten Zentrum der Unterhaltungsmusik.
Die nachrevolutionären Jahrzehnte sind noch immer von einigen herausragenden Phänomenen der Musikromantik geprägt, doch Anzeichen der inneren Krise dieser Bewegung sind bereits spürbar. So wird das Romantische bei Brahms mit den Prinzipien des Klassizismus synthetisiert und Hugo Wolf erkennt sich nach und nach als antiromantischer Komponist. Kurz gesagt, romantische Prinzipien verlieren ihre ausschließliche Bedeutung und werden manchmal mit neuen oder wiederbelebten klassischen Trends kombiniert.
Dennoch kam es auch nach Mitte der 80er-Jahre, als die Romantik offensichtlich zu obsolet zu werden begann, in Österreich und Deutschland zu einzelnen hellen Ausbrüchen romantischer Kreativität: Die letzten Klavierwerke von Brahms und die späten Sinfonien von Bruckner waren von der Romantik überzogen; Die größten Komponisten der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert – der österreichische Mahler und der deutsche Richard Strauss – manifestieren sich in den Werken der 80er und 90er Jahre manchmal als typische Romantiker. Im Allgemeinen werden diese Komponisten zu einer Art Bindeglied zwischen dem „romantischen“ 19. und dem „antiromantischen“ 20. Jahrhundert.)
"Nähe Musikkultur Die von kulturellen und historischen Traditionen geprägte Beziehung zwischen Österreich und Deutschland schließt natürlich bestimmte nationale Unterschiede nicht aus. Im zersplitterten, aber national geeinten Deutschland und im politisch geeinten, aber multinationalen Kaiserreich Österreich („Patchwork-Monarchie“) waren die Quellen des musikalischen Schaffens und die Aufgaben der Musiker teilweise unterschiedlich. So war im rückständigen Deutschland die Überwindung der kleinbürgerlichen Stagnation und des engstirnigen Provinzialismus eine besonders dringende Aufgabe, die wiederum pädagogische Aktivitäten unterschiedlicher Art seitens fortgeschrittener Kunstvertreter erforderte. Unter diesen Bedingungen hervorragend Deutscher Komponist konnte sich nicht nur auf das Komponieren von Musik beschränken, sondern musste zu einer musikalischen und sozialen Figur werden. Tatsächlich haben deutsche Komponisten der Romantik energisch kulturelle und pädagogische Aufgaben wahrgenommen und zur allgemeinen Hebung des Niveaus der gesamten Musikkultur in ihrem Heimatland beigetragen: Weber – als Operndirigent und Musikkritiker, Mendelssohn – als Konzertdirigent und Major Lehrer, Gründer des ersten Konservatoriums in Deutschland; Schumann – als innovativer Musikkritiker und Schöpfer einer neuartigen Musikzeitschrift. Später entfaltete sich eine musikalische Bewegung, die in ihrer Vielseitigkeit selten war. soziale Aktivität Wagner als Theater- und Sinfoniedirigent, Kritiker, Ästhetiker, Opernreformer, Schöpfer eines neuen Theaters in Bayreuth.
In Österreich mit seiner politischen und kulturellen Zentralisierung (der Regimentshegemonie Wiens als politischem und kulturellem Zentrum), mit den eingepflanzten Illusionen des Patriarchats, dem imaginären Wohlstand und mit der tatsächlichen Dominanz der brutalsten Reaktion war eine breite gesellschaftliche Aktivität unmöglich1. In diesem Zusammenhang kann man nicht umhin, auf den Widerspruch zwischen dem bürgerlichen Pathos von Beethovens Werk und der erzwungenen sozialen Passivität des großen Komponisten aufmerksam zu machen. Was können wir über Schubert sagen, der in der Zeit nach dem Wiener Kongress von 1814-1815 als Künstler ausgebildet wurde! Der berühmte Schubert-Kreis war die einzig mögliche Form der Vereinigung der führenden Vertreter der künstlerischen Intelligenz, doch eine echte öffentliche Resonanz konnte ein solcher Kreis im Wien Metternichs nicht finden. Mit anderen Worten: In Österreich waren die größten Komponisten fast ausschließlich Schöpfer Musikalische Werke: Sie konnten sich im Bereich musikalischer und sozialer Aktivitäten nicht ausdrücken. Das gilt für Schubert, für Bruckner, für Johann Strauss, den Sohn, und für einige andere.
In der österreichischen Kultur sind jedoch solche charakteristischen Faktoren zu beachten In einer positiven Art und Weise beeinflusste die Musikkunst und verlieh ihr gleichzeitig eine spezifisch österreichische, „wienerische“ Note. Konzentriert in Wien, in einer eigentümlichen bunten Kombination, Elemente des Deutschen, Ungarischen, Italienischen und Slawische Kulturen schuf den reichen musikalischen Boden, auf dem das demokratisch ausgerichtete Schaffen von Schubert, Johann Strauss und vielen anderen Komponisten wuchs. Die Kombination deutscher Nationalmerkmale mit Ungarisch und Slawisch wurde später charakteristisch für Brahms, der nach Wien übersiedelte.

Spezifisch für die Musikkultur Österreichs war die äußerst weite Verbreitung verschiedene Formen unterhaltsame Musik - Serenaden, Kassationen, Divertissements, die im Werk von einen herausragenden Platz einnahmen Wiener Klassiker Haydn und Mozart. Im Zeitalter der Romantik blieb die Bedeutung der alltäglichen Unterhaltungsmusik nicht nur bestehen, sondern wurde sogar noch stärker. Es ist zum Beispiel schwer vorstellbar, kreativer Look Schubert ohne den volkstümlichen Alltagsstrom, der seine Musik durchdringt und auf Wiener Feste, Picknicks, Parkurlaube und zwangloses Straßenmusikmachen zurückgeht. Doch bereits zu Schuberts Zeiten war eine Schichtung innerhalb der Wiener Berufsmusik zu beobachten. Und wenn Schubert selbst in seinem Werk noch Symphonien und Sonaten mit Walzern und Ländlern verband, die es buchstäblich zu Hunderten gab,1 sowie Märsche, Ecossaisen, Polonaisen, dann machten seine Zeitgenossen Lainer und Strauss der Vater die Tanzmusik zur Grundlage ihrer Tätigkeit. Anschließend findet diese „Polarisierung“ ihren Ausdruck in der Korrelation der Werke zweier Zeitgenossen – des Klassikers der Tanz- und Operettenmusik Johann Strauß Sohn (1825–1899) und des Symphonikers Bruckner (1824–1896).
Beim Vergleich der eigentlichen österreichischen und deutschen Musik des 19. Jahrhunderts stellt sich unweigerlich die Frage nach dem Musiktheater. Im Deutschland der Romantik war die Oper, beginnend mit Hoffmann, von größter Bedeutung als Genre, das die aktuellen Probleme der nationalen Kultur am besten zum Ausdruck bringen konnte. Und es ist kein Zufall, dass die grandiose Eroberung Deutsches Theater In Österreich erschien das Musikdrama Wagnerad, Schuberts wiederholte Versuche, im Theaterbereich Erfolg zu haben, waren jedoch nicht von Erfolg gekrönt Theatermusik, kann man nicht umhin zuzugeben, dass die Situation im Wien von Metternphove keine Anreize für ernsthafte Maßnahmen geschaffen hat Opernkreativität, trug nicht zur Schaffung von Theaterwerken des „großen Stils“ bei. Aber auch volkstümliche Aufführungen mit komödiantischem Charakter blühten auf – Singspiele von Ferdinand Raimund mit Musik von Wenzel Müller und Joseph Drexler und später häusliche Singspiele des Theaters von I. N. Nestroy (1801–1862), die die Traditionen des französischen Varietés aufgriffen. Folglich war es nicht das Musikdrama, sondern die in den 70er Jahren entstandene Wiener Operette, die die Leistungen des Österreichers bestimmte Musiktheater auf gesamteuropäischer Ebene.
Trotz all dieser und anderer Unterschiede in der Entwicklung der österreichischen und deutschen Musik gibt es Gemeinsamkeiten in romantische Kunst beide Länder sind viel sichtbarer. Was sind Spezielle Features die das Werk von Schubert, Weber und ihren nächsten Nachfolgern Mendelssohn und Schumann von der romantischen Musik anderer europäischer Länder unterschied?
Innige, gefühlvolle Texte voller Träumereien sind besonders typisch für Schubert, Weber, Mendelssohn und Schumann. In ihrer Musik dominiert jene wohlklingende Melodie rein vokaler Herkunft, die man üblicherweise mit dem Begriff des deutschen „Liedes“ verbindet. Dieser Stil ist gleichermaßen charakteristisch für Lieder und viele melodische Instrumentalthemen von Schubert, lyrische Opernarien von Weber, „Lieder ohne Worte“ von Mendelssohn und „Ebsebievsky“-Bilder von Schumann. Die diesem Stil innewohnende Melodie unterscheidet sich jedoch von den spezifisch italienischen Opernkantilenen Bellinis sowie von den für die französischen Romantiker (Berlioz, Menerbere) charakteristischen affektiven und deklamatorischen Wendungen.
Im Vergleich zu progressiv Französische Romantik Die österreichische und deutsche Romantik, geprägt von Hochgefühl und Wirksamkeit, erfüllt von bürgerlichem, heroisch-revolutionärem Pathos, wirkt im Allgemeinen eher nachdenklich, selbstverliebt, subjektiv lyrisch. Aber ihre Hauptstärke liegt in der Offenlegung der inneren Welt des Menschen, in jener tiefen Psychologie, die besonders in der österreichischen und deutschen Musik deutlich zum Ausdruck kam und die unwiderstehliche künstlerische Wirkung vieler Musikwerke bestimmt. Das. Dies schließt jedoch einzelne leuchtende Manifestationen von Heldentum und Patriotismus in den Werken der Romantiker in Österreich und Deutschland nicht aus. Dazu gehören die mächtige heroisch-epische Symphonie in C-Dur von Schubert und einige seiner Lieder („An den Kutscher Kronos“, „Gruppe aus der Hölle“ und andere), der Chorzyklus „Leier und Schwert“ von Weber (nach Gedichten von der patriotische Dichter T. Kerner „ Symphonische Studien» Schumann, sein Lied „Zwei Grenadiere“; Schließlich sind einzelne heroische Seiten in Werken wie Mendelssohns „Schottischer Symphonie“ (Apotheose im Finale), Schumanns „Karneval“ (Finale), seiner dritten Symphonie (erster Satz) aber der Heroismus von Beethovens Plan, der Titanismus des Kampfes wiederbelebt neue Basis später - in Wagners heroisch-epischen Musikdramen. In den allerersten Stadien der deutsch-österreichischen Romantik drückt sich das aktive, wirksame Prinzip viel häufiger in Bildern von Pathetik, Aufregung, Rebellion aus, die jedoch nicht wie bei Beethoven einen zielgerichteten, siegreichen Kampfprozess widerspiegeln. Dazu gehören Schuberts Lieder „Shelter“ und „Atlant“, Schumanns Florestan-Bilder, seine „Manfred“-Ouvertüre, Mendelssohns „Run Blaz“-Ouvertüre.

Naturbilder nehmen in den Werken österreichischer und deutscher romantischer Komponisten einen äußerst wichtigen Platz ein. Die „empathische“ Rolle von Naturbildern in Stimmzyklen Schubert und im Zyklus „Die Liebe eines Dichters“ von Schumann. Die musikalische Landschaft ist in Mendelssohns symphonischen Werken weit verbreitet; er wird vor allem mit den Elementen des Meeres in Verbindung gebracht („Schottische Symphonie“, Ouvertüren „Hebriden“, „Stille des Meeres und glückliche Reise“). Aber ein charakteristisches deutsches Merkmal der Landschaftsbilder war jene „Waldromantik“, die in den Einleitungen von Webers Ouvertüren zu „Der magische Schütze“ und „Oberon“, in der „Nocturne“ aus Mendelssohns Musik zu Shakespeares Komödie „A Sommernachts traum". Von hier aus erstrecken sich die Fäden zu solchen Bruckner-Symphonien, als vierte („Romantische“) und siebte, zur symphonischen Landschaft „Das Rauschen des Waldes“ in Wagners Tetralogie, zum Bild des Waldes in Mahlers erster Symphonie.
Die romantische Sehnsucht nach einem Ideal findet in der deutsch-österreichischen Musik insbesondere im Thema des Wanderns, der Suche nach dem Glück in einem anderen, unbekannten Land, ihren konkreten Ausdruck. Dies zeigte sich am deutlichsten in den Werken Schuberts („Der Wanderer“, „Die schöne Müllersfrau“, „Winterreise“) und später bei Wagner in den Bildern des Fliegenden Holländers, des Reisenden Wotan und des wandernden Siegfrieds. Diese Tradition führt in den 80er Jahren zu Mahlers Zyklus „Lieder vom wandernden Lehrling“.
Der große Stellenwert fantastischer Bilder ist auch ein typisch nationales Merkmal der deutsch-österreichischen Romantik (sie hatte direkte Auswirkungen auf den französischen Romantiker Berlioz). Dies ist erstens die Fiktion des Bösen, der Dämonismus, die am meisten Verbreitung gefunden hat lebendige Verkörperung in „Siena im Tal des Wolfes“ aus Webers Oper „Der Zauberschütze“, in „Der Vampir“ von Marschner, der Kantate „Walpurgisnacht“ von Mendelssohn und vielen anderen Werken. Zweitens ist die Fantasie leicht, subtil poetisch und verschmilzt mit wunderschönen, voller Begeisterung Naturbildern: Szenen aus der Oper „Oberon“ von Weber, der Ouvertüre „Ein Sommernachtstraum“ von Mendelssohn und dann das Bild von Wagners Lohengrin - der Bote des Grals. Den Zwischenplatz nehmen hier viele Schumann-Bilder ein, in denen die Fantasie einen wunderbaren, skurrilen Anfang verkörpert, ohne viel Nachdruck auf das Problem von Böse und Gut zu legen.
Auf dem Gebiet der Musiksprache bildeten die österreichische und deutsche Romantik eine ganze Epoche, die im Hinblick auf die allgemeine Entwicklung der Ausdrucksmittel der Kunst äußerst wichtig war. Ohne auf den einzigartigen Stil jedes großen Komponisten einzeln einzugehen, bemerken wir am meisten Gemeinsamkeiten und Trends.

Das weit verbreitete Prinzip der „Liedbarkeit“ – eine typische allgemeine Tendenz im Schaffen romantischer Komponisten – erstreckt sich auf sie Instrumentalmusik. Eine stärkere Individualisierung der Melodie wird durch eine charakteristische Kombination von eigentlichen Gesangs- und Deklamationswechseln, Grundgesang, Chromatisierung usw. erreicht. Die harmonische Sprache wird bereichert: Die typischen harmonischen Formeln der Klassiker werden durch eine flexiblere und vielfältigere Harmonie, die Rolle, ersetzt der Plagalität und Nebenschritte des Modus nimmt zu. Seine farbenfrohe Seite kommt in der Harmonie zur Geltung. Charakteristisch ist auch die allmählich zunehmende Durchdringung von Dur und Moll. Von Schubert stammt also im Wesentlichen die Tradition der gleichnamigen Dur-Moll-Vergleiche (normalerweise Dur nach Moll), da diese zu einer bevorzugten Technik in seinem Werk wurde. Der Anwendungsbereich des harmonischen Dur erweitert sich (besonders charakteristisch sind Moll-Subdominanten in Kadenzen von Hauptwerken). Im Zusammenhang mit der Betonung des Individuums und der Identifizierung subtiler Bilddetails gibt es auch Errungenschaften auf dem Gebiet der Orchestrierung (Bedeutung spezifischer Klangfarben, zunehmende Rolle von Soloinstrumenten, Aufmerksamkeit für neue Spielakzente von Streichern, usw.). Aber das Orchester selbst ändert seine klassische Zusammensetzung grundsätzlich nicht.
Die deutschen und österreichischen Romantiker waren in größerem Maße die Begründer des romantischen Programms (Berlioz konnte sich auch in seiner Symphony Fantastique auf ihre Leistungen verlassen). Und obwohl Software als solche scheinbar nicht typisch ist Österreichischer Romantiker Schubert, aber die Sättigung des Klavierparts seiner Lieder mit figurativen Momenten, das Vorhandensein verborgener Programmierelemente in der Dramaturgie seiner wichtigsten Instrumentalwerke bestimmten den bedeutenden Beitrag des Komponisten zur Entwicklung programmatischer Prinzipien in der Musik. Die deutschen Romantiker haben bereits einen ausgeprägten Wunsch nach Programmatik sowohl in der Klaviermusik (Einladung zum Tanz, Webers Konzertstück, Schumanns Suite-Zyklen, Mendelssohns Lieder ohne Worte) als auch in der symphonischen Musik ( Opernouvertüren Weber, Konzert, Mendelssohns Ouvertüren, Schumanns Manfred-Ouvertüre).
Die Rolle der österreichischen und deutschen Romantiker bei der Schaffung neuer Kompositionsprinzipien war groß. Die Sonaten-Sinfonie-Zyklen der Klassiker werden durch instrumentale Miniaturen ersetzt; Die im Bereich der Gesangstexte von Schubert deutlich entwickelte Zyklisierung von Miniaturen wird auf die Instrumentalmusik übertragen (Schumann). Es erschienen auch große einsätzige Kompositionen, die die Prinzipien von Sonate und Zyklizität verbanden (Schuberts Klavierphantasie in C-Dur, Webers Concertstück, der erste Satz von Schumanns Fantasie in C-Dur). Sonaten-Symphonie-Zyklen wiederum erfuhren bei den Romantikern erhebliche Veränderungen, und es entstanden verschiedene Arten von „romantischen Sonaten“ und „romantischen Symphonien“. Aber die wichtigste Errungenschaft war immer noch die neue Qualität musikalisches Denken, die die Entstehung gehaltvoller und ausdrucksstarker Miniaturen bestimmte, war jene besondere Konzentration musikalischen Ausdrucks, die ein einzelnes Lied oder ein einstimmiges Klavierstück zum Brennpunkt tiefer Ideen und Erfahrungen machte.

An der Spitze der sich rasch entwickelnden österreichischen und deutschen Romantik standen in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts Persönlichkeiten, die nicht nur über herausragende Begabungen verfügten, sondern auch in ihren Ansichten und Bestrebungen weit fortgeschritten waren. Dies bestimmte ihre bleibende Bedeutung musikalische Kreativität, seine Bedeutung als „neuer Klassiker“, die am Ende des Jahrhunderts deutlich wurde, als die musikalischen Klassiker der Länder deutsche Sprache Im Wesentlichen vertreten nicht nur die großen Komponisten des 18. Jahrhunderts und Beethoven, sondern auch die großen Romantiker – Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. Diesen bemerkenswerten Vertretern der musikalischen Romantik, die ihre Vorgänger zutiefst verehrten und viele ihrer Errungenschaften weiterentwickelten, gelang es gleichzeitig, sich völlig zu öffnen neue Welt musikalische Bilder und entsprechende kompositorische Formen. Es stellte sich heraus, dass der vorherrschende persönliche Ton in ihrer Arbeit mit den Stimmungen und Gedanken der demokratischen Massen übereinstimmte. Das haben sie in der Musik etabliert Charakter der Ausdruckskraft, das von B. V. Asafiev treffend als „lebendige, gesellige Rede von Herz zu Herz“ charakterisiert wird und Schubert und Schumann Chopin, Grieg, Tschaikowsky und Verdi ähnlich macht. Asafiev schrieb über den humanistischen Wert der romantischen Musikrichtung: „Das persönliche Bewusstsein manifestiert sich nicht in seiner isolierten, stolzen Isolation, sondern in einer Eigentümlichkeit.“ künstlerische Reflexion alles, wovon Menschen leben und was sie immer und unweigerlich begeistert. In dieser Einfachheit klingen ausnahmslos schöne Gedanken und Reflexionen über das Leben – die Konzentration des Besten, das in einem Menschen steckt.“

Zweig hatte Recht: Eine so wunderbare Generation wie die Romantiker hat Europa seit der Renaissance nicht mehr gesehen. Wunderbare Bilder der Traumwelt, nackte Gefühle und der Wunsch nach erhabener Spiritualität – das sind die Farben, die die Musikkultur der Romantik ausmalen.

Die Entstehung der Romantik und ihre Ästhetik

Während in Europa die industrielle Revolution stattfand, wurden die in die Große Revolution gesetzten Hoffnungen in den Herzen der Europäer zerstört. Französische Revolution. Der im Zeitalter der Aufklärung proklamierte Kult der Vernunft wurde gestürzt. Der Kult der Gefühle und des natürlichen Prinzips im Menschen ist auf das Podest gestiegen.

So entstand die Romantik. In der Musikkultur existierte es nur für kurze Zeit mehr als ein Jahrhundert(1800-1910), während seine Amtszeit in verwandten Bereichen (Malerei und Literatur) ein halbes Jahrhundert früher ablief. Vielleicht ist daran „die Musik“ „schuld“ – es war die Musik, die bei den Romantikern als die spirituellste und freieste aller Künste an der Spitze der Künste stand.

Allerdings bauten die Romantiker im Gegensatz zu Vertretern der Epochen der Antike und des Klassizismus keine Hierarchie der Künste mit ihrer klaren Einteilung in Typen und auf. Das romantische System war universell; die Künste konnten sich frei ineinander verwandeln. Die Idee eines Gesamtkunstwerks war eine der Schlüsselideen der Musikkultur der Romantik.

Diese Beziehung betraf auch die Kategorien der Ästhetik: Das Schöne wurde mit dem Hässlichen, das Hohe mit dem Niedrigen, das Tragische mit dem Komischen verbunden. Solche Übergänge waren verbunden romantische Ironie Es spiegelte auch ein universelles Weltbild wider.

Alles, was mit Schönheit zu tun hat, gefunden neue Bedeutung unter den Romantikern. Die Natur wurde zum Objekt der Anbetung, der Künstler wurde als der höchste aller Sterblichen vergöttert und die Gefühle wurden über die Vernunft gestellt.

Der geistlosen Realität wurde ein schöner, aber unerreichbarer Traum gegenübergestellt. Der Romantiker baute mit Hilfe seiner Fantasie seine neue Welt auf, anders als andere Realitäten.

Welche Themen wählten romantische Künstler?

Die Interessen der Romantiker zeigten sich deutlich in der Wahl der Themen, die sie in der Kunst wählten.

Thema Einsamkeit. Ein unterschätztes Genie oder ein einsamer Mensch in der Gesellschaft – das waren die Hauptthemen der Komponisten dieser Zeit („Die Liebe eines Dichters“ von Schumann, „Ohne die Sonne“ von Mussorgski).
Thema „lyrisches Geständnis“. In vielen Werken romantischer Komponisten gibt es einen Hauch von Autobiographie („Karneval“ von Schumann, „Symphony Fantastique“ von Berlioz).
Thema Liebe. Im Grunde handelt es sich hier um das Thema unerwiderter oder tragischer Liebe, aber nicht unbedingt („Liebe und Leben einer Frau“ von Schumann, „Romeo und Julia“ von Tschaikowsky).
Thema des Weges. Sie wird auch genannt Thema Wanderungen. Die von Widersprüchen zerrissene romantische Seele suchte ihren Weg („Harold in Italien“ von Berlioz, „Die Jahre des Wanderns“ von Liszt).
Thema Tod. Im Grunde war es der geistige Tod (Tschaikowskys Sechste Symphonie, Schuberts Winterreise).
Naturthema. Die Natur in den Augen der Romantik und einer beschützenden Mutter, einer einfühlsamen Freundin und einem bestrafenden Schicksal („Die Hebriden“ von Mendelssohn, „In Zentralasien“ von Borodin). Auch der Kult ist mit diesem Thema verbunden. Heimatland(Polonaisen und Balladen von Chopin).
Fantasy-Thema. Die imaginäre Welt der Romantiker war viel reicher als die reale („The Magic Shooter“ von Weber, „Sadko“ von Rimsky-Korsakov).

Musikgenres der Romantik

Die Musikkultur der Romantik gab Impulse für die Entwicklung der Genres der Kammergesangstexte: Ballade(„Der Waldkönig“ von Schubert), Gedicht(„Die Jungfrau vom See“ von Schubert) und Lieder, oft kombiniert zu Fahrräder(„Myrten“ von Schumann).

Romantische Oper zeichnete sich nicht nur durch die fantastische Natur der Handlung aus, sondern auch durch die starke Verbindung zwischen Text, Musik und Bühnengeschehen. Die Oper wird symphonisiert. Es genügt, an Wagners „Ring des Nibelungen“ mit seinem entwickelten Leitmotivgeflecht zu erinnern.

Zu den Instrumentalgenres der Romantik gehören Klavierminiatur. Um ein Bild oder die Stimmung eines Augenblicks zu vermitteln, genügt ihnen ein kurzes Theaterstück. Trotz seiner Größe sprüht das Stück vor Ausdruck. Sie könnte sein „Lied ohne Worte“ (wie Mendelssohn) Mazurka, Walzer, Nocturne oder Stücke mit programmatischen Titeln („The Rush“ von Schumann).

Wie Lieder werden Theaterstücke manchmal zu Zyklen zusammengefasst („Schmetterlinge“ von Schumann). Gleichzeitig bildeten die kontrastreichen Teile des Zyklus aufgrund musikalischer Zusammenhänge stets eine einzige Komposition.

Die Romantiker liebten Programmmusik, die sie mit Literatur, Malerei oder anderen Künsten verband. Daher wurde die Handlung in ihren Werken oft kontrolliert. Es erschienen einsätzige Sonaten (Liszts h-Moll-Sonate), einsätzige Konzerte (Liszts Erstes Klavierkonzert) und symphonische Dichtungen (Liszts Präludien) sowie eine fünfsätzige Symphonie (Berlioz‘ Symphony Fantastique).

Die Musiksprache romantischer Komponisten

Das von den Romantikern verherrlichte Gesamtkunstwerk prägte die Mittel musikalische Ausdruckskraft. Die Melodie ist individueller geworden, sensibler für die Poetik des Wortes, und die Begleitung ist nicht mehr neutral und typisch in ihrer Struktur.

Die Harmonie wurde mit beispiellosen Farben angereichert, um von den Erfahrungen des romantischen Helden zu erzählen. So vermittelten die romantischen Intonationen der Trägheit perfekt veränderte Harmonien, die die Spannung steigerten. Romantiker liebten den Effekt des Hell-Dunkels, bei dem die Dur-Stimme durch die gleichnamige Moll-Stimme ersetzt wurde, sowie die Akkorde der Seitenschritte und die schönen Vergleiche der Tonalitäten. Auch neue Wirkungen wurden entdeckt, insbesondere wenn es darum ging, den Volksgeist oder fantastische Bilder in der Musik zu vermitteln.

Im Allgemeinen strebte die Melodie der Romantiker nach Kontinuität in der Entwicklung, lehnte jede automatische Wiederholung ab, vermied die Regelmäßigkeit der Akzente und atmete jedem ihrer Motive Ausdruckskraft ein. Und die Textur ist zu einem so wichtigen Bindeglied geworden, dass ihre Rolle mit der Rolle der Melodie vergleichbar ist.

Hören Sie, was für eine wundervolle Mazurka Chopin hat!

Statt einer Schlussfolgerung

Musikkultur der Romantik Wende des 19. Jahrhunderts und 20. Jahrhundert erlebten die ersten Anzeichen einer Krise. "Frei" musikalische Form begann sich aufzulösen, die Harmonie siegte über die Melodie, erhabene Gefühle Die romantischen Seelen gaben schmerzlicher Angst und niederträchtigen Leidenschaften nach.

Diese destruktiven Tendenzen beendeten die Romantik und ebneten den Weg für die Moderne. Doch auch nach ihrem Ende als Bewegung lebte die Romantik sowohl in der Musik des 20. Jahrhunderts als auch in der Musik des aktuellen Jahrhunderts in ihren verschiedenen Komponenten weiter. Blok hatte Recht, als er sagte, dass Romantik „in allen Epochen des menschlichen Lebens“ entsteht.

Romantik in reiner Form ist ein Phänomen der westeuropäischen Kunst. Auf Russisch Musik des 19. Jahrhunderts V. Von Glinka bis Tschaikowsky verbanden sich die Merkmale des Klassizismus mit den Merkmalen der Romantik, wobei das führende Element ein helles, originelles Nationalprinzip war.

Die Zeit (1812, der Aufstand der Dekabristen, die darauf folgende Reaktion) hat ihre Spuren in der Musik hinterlassen. Welches Genre wir auch wählen – Romantik, Oper, Ballett, Kammermusik- Überall sagten russische Komponisten ihr neues Wort.

Anfang des 19. Jahrhunderts - Dies sind die Jahre der ersten und strahlenden Blüte des Romantik-Genres. Die bescheidenen, aufrichtigen Texte finden immer noch Anklang und erfreuen die Zuhörer. Alexander Alexandrowitsch Aljabyew (1787-1851). Er schrieb Liebesromane auf der Grundlage von Gedichten vieler Dichter, aber die unsterblichen sind es "Nachtigall" zu Gedichten von Delvig, „Winter Road“, „I Love You“ basierend auf Puschkins Gedichten.

Alexander Jegorowitsch Warlamow (1801-1848) schrieb Musik für dramatische Darbietungen, aber wir kennen ihn eher aus berühmten Liebesromanen „Rotes Sommerkleid“, „Weck mich nicht im Morgengrauen auf“, „Das einsame Segel ist weiß“.

Alexander Lwowitsch Gurilew (1803-1858)- Komponist, Pianist, Geiger und Lehrer, er schrieb Romanzen wie „Die Glocke läutet eintönig“, „Am Morgen der nebligen Jugend“ usw.

Den prominentesten Platz nehmen hier Glinkas Romanzen ein. Noch niemandem war eine so natürliche Verschmelzung der Musik mit der Poesie von Puschkin und Schukowski gelungen.

Michail Iwanowitsch Glinka (1804-1857)- ein Zeitgenosse von Puschkin, einem Klassiker der russischen Literatur, wurde zum Begründer der Musikklassiker. Sein Werk ist einer der Höhepunkte der russischen und weltweiten Musikkultur. Es vereint Reichtum harmonisch Volksmusik Und höchste Erfolge Können des Komponisten. Zutiefst volkstümlich realistische Kreativität Glinka spiegelte die kraftvolle Blüte der russischen Kultur im 1. Jahrhundert wider Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, verbunden mit dem Vaterländischen Krieg von 1812 und der Dekabristenbewegung. Der helle, lebensbejahende Charakter, die Harmonie der Formen, die Schönheit ausdrucksstarker Melodien, die Vielfalt, Farbigkeit und Subtilität der Harmonien sind die wertvollsten Eigenschaften von Glinkas Musik. In der berühmtesten Oper „Iwan Susanin“(1836) wurde die Idee brillant ausgedrückt Patriotismus der Menschen; Die moralische Größe des russischen Volkes wird in der Märchenoper verherrlicht. Ruslan und Ludmila“. Glinkas Orchesterwerke: „Walzer-Fantasie“, „Nacht in Madrid“ und vor allem „Kamarinskaja“, bilden die Grundlage der russischen klassischen Symphonie. Die Musik zur Tragödie zeichnet sich durch die Kraft des dramatischen Ausdrucks und die Helligkeit ihrer Charakteristika aus. „Fürst Kholmsky“. Glinkas Gesangstexte (Romanzen „Ich erinnere mich an einen wundervollen Moment“, „Zweifel“) – eine unübertroffene Verkörperung russischer Poesie in der Musik.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Eine nationale Musikschule ist geboren. In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. Es herrschten romantische Tendenzen vor, die sich im Werk von A.N. manifestierten. Werstowski, der in seiner Arbeit historische Themen verwendete. Gründer der Russischen Musikschule wurde M.I. Glinka, Schöpferin des Hauptteils Musikgenres: Opern („Ivan Susanin“, „Ruslan und Lyudmila“), Symphonien, Romanzen, wobei er in seiner Arbeit aktiv folkloristische Motive verwendet. Ein Innovator auf dem Gebiet der Musik war A.S. Dargomyzhsky, Autor des Opernballetts „Der Triumph des Bacchus“ und Schöpfer des Rezitativs in der Oper. Seine Musik war eng mit der Arbeit von Komponisten verbunden. Mächtiger Haufen" - M.P. Mussorgsky, M.A. Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, die sich bemühten, in ihren Werken „das Leben, wo immer es ausgedrückt werden mag“ zu verkörpern, indem sie sich aktiv historischen Themen und folkloristischen Motiven zuwandten. Ihre Arbeit begründete das Genre des Musikdramas „Boris Godunow“ und „Khowanschtschina“ von Mussorgski, „Prinz Igor“ von Borodin, „Das Schneewittchen“ und „ Die Braut des Zaren„Rimski-Korsakow ist der Stolz der russischen und internationalen Kunst.“

Spezieller Ort in der russischen Musik beschäftigt P.I. Tschaikowsky, der in seinen Werken das innere Drama und die Aufmerksamkeit für die innere Welt des Menschen verkörperte, die für die russische Literatur des 19. Mazeppa“).

Präsentation „Musikalische Kunst der Epoche der Romantik“ setzt das Thema fort. In diesem Blogbeitrag werden die Hauptmerkmale des Stils vorgestellt. Die der Musik der Romantik gewidmete Präsentation ist nicht nur reich an Bildmaterial, sondern enthält auch Audio- und Audioinhalte Videobeispiele. Leider können Sie die Musik nur hören, wenn Sie den Links folgen PowerPoint-Programm.

Keine Epoche vor dem 19. Jahrhundert hat der Welt so viel gegeben talentierte Komponisten und Künstler und so viele Hervorragende musikalische Meisterwerke wie die Ära der Romantik. Im Gegensatz zum Klassizismus, dessen Weltanschauung auf dem Kult der Vernunft basiert, geht es in der Kunst der Romantik vor allem um das Gefühl.

„In seiner engsten und wesentlichsten Bedeutung ist Romantik nichts anderes als Innere menschliche Seelen, verborgenes Leben sein Herz. Seine Sphäre ist, wie gesagt, das gesamte innere Seelenleben eines Menschen, dieses geheimnisvolle Leben der Seele und des Herzens, aus dem alle vagen Sehnsüchte nach dem Besten und Erhabenen hervorgehen und in den von der Fantasie geschaffenen Idealen Befriedigung zu finden suchen.“ V.G. Belinsky

In der Musik ist es wie in keiner anderen Kunstform möglich, unterschiedlichste Gefühle und Emotionen auszudrücken. Daher wurde die Musik zur Hauptkunst der Romantik. Übrigens, der Begriff "Romantik" erstmals in Bezug auf Musik von einem herausragenden Schriftsteller, Künstler und Komponisten verwendet Ernest Theodore Amadeus Hoffmann, dessen Leben und Schicksal als das deutlichste Beispiel für das Schicksal eines romantischen Helden dienen können.

Musikinstrumente der Romantik

Dank der Fülle der Klangpalette und der Vielfalt der Klangfarben wurde das Klavier zu einem der beliebtesten Musikinstrumente der Romantiker. Im Zeitalter der Romantik wurde das Klavier um neue Möglichkeiten bereichert. Unter den romantischen Musikern gibt es viele wie Liszt und Chopin, die Musikliebhaber mit der virtuosen Darbietung ihrer (und nicht nur ihrer) Klavierwerke in Erstaunen versetzen.

Das Orchester der Romantik wurde mit neuen Instrumenten bereichert. Die Zusammensetzung des Orchesters hat sich im Vergleich zum Orchester der Klassik um ein Vielfaches erhöht. Um eine fantastische, magische Atmosphäre zu schaffen, nutzten Komponisten die Fähigkeiten von Instrumenten wie Harfe, Glasharmonika, Celesta und Glockenspiel.

Der Screenshot der Folie aus meiner Präsentation zeigt dies für jedes Bild Musikinstrument Ich habe ein Beispiel für seinen Klang hinzugefügt. Wenn Sie die Präsentation auf Ihren Computer herunterladen und in PowerPoint öffnen, mein neugieriger Leser, können Sie den Klang dieser erstaunlichen Instrumente genießen.

„Die aktualisierten Instrumente haben den Umfang der Orchesterausdruckskraft unglaublich erweitert und ermöglichen es, die Farbpalette des Orchesters und des Ensembles mit bisher unbekannten Klangfarben, technischer Brillanz und kraftvollem Klangluxus zu bereichern. Und in Solostücken, Konzerten und Fantasien konnten sie die Zuhörer mit beispielloser, manchmal akrobatischer Virtuosität und übertriebener Sinnlichkeit in Erstaunen versetzen und den Konzertdarstellern dämonische und herrschsüchtige Züge verleihen.“ V.V. Beresin

Genres in der romantischen Musik

Neben den populären Genres der vorherigen Ära tauchen in der romantischen Musik neue auf, wie zum Beispiel Nocturne, Vorspiel(was ziemlich geworden ist ein eigenständiges Werk(Erinnern Sie sich an das entzückende Vorspiel Frederic Chopin), Ballade, Impromptu, musikalische Miniatur, Lied (Franz Schubert etwa sechshundert davon zusammengesetzt), Symphonisches Gedicht . In diesen Werken konnte der romantische Komponist die subtilsten Nuancen emotionaler Erfahrungen zum Ausdruck bringen. Es sind die Romantiker, die nach Spezifität streben musikalische Ideen, kam zur Erstellung von Programmaufsätzen. Diese Kreationen wurden oft von Werken der Literatur, Malerei und Bildhauerei inspiriert. Das deutlichste Beispiel für solche Schöpfungen sind die Essays Franz Liszt, inspiriert von Bildern von Dante, Michelangelo, Petrarca, Goethe.

Romantische Komponisten

Der Rahmen des „Genres“ erlaubt es uns nicht, in diesen Eintrag eine Geschichte über die Arbeit romantischer Komponisten aufzunehmen. Meine Aufgabe bestand darin, einen Überblick über die Musik der Romantik zu vermitteln und mit etwas Glück Interesse für das Thema und die Lust am Weitermachen zu wecken Selbststudium Musikkunst der Epoche der Romantik.

Unter den Materialien der Arzamas Academy habe ich etwas entdeckt, das für meinen neugierigen Leser von Interesse sein könnte Musik der Romantik. Ich empfehle dringend, zu lesen, zuzuhören und nachzudenken!

Wie immer schlage ich vor Referenzliste. Ich möchte klarstellen, dass ich die Liste mithilfe meiner eigenen Bibliothek zusammenstelle. Wenn Sie es unvollständig finden, vervollständigen Sie es selbst.

Enzyklopädie für Kinder. T.7. Kunst. Teil drei. Musik, Theater, Kino. – M.: Avanta+, 2001.
Enzyklopädisches Wörterbuch junger Musiker. ‒ M.: „Pädagogik“, 1985.
Musikalisches Enzyklopädisches Wörterbuch. ‒ M.: „Sowjetische Enzyklopädie“, 1990.
Velikovich E.I. Musikalische Reisen in Geschichten und Bildern. ‒ St. Petersburg: Informations- und Verlagsagentur „LIK“, 2009.
Emokhonova L.G. Welt Kunstkultur: Lehrbuch. Ein Handbuch für Studierende. Durchschn. Päd. Lehrbuch Betriebe. – M.: Verlagszentrum „Akademie“, 1998.
Zalessskaya M.K. Richard Wagner. Verbotener Komponist. ‒ M.: Veche, 2014.
Collins St. Klassische Musik durch und durch. ‒ M.: FAIR_PRESS, 2000.
Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Weltkunst. 19. Jahrhundert. Bildende Kunst, Musik, Theater. – St. Petersburg: Peter, 2007.
Rolland R. Leben großartiger Menschen. ‒ M.: Izvestia, 1992.
Hundert große Komponisten / Zusammengestellt von D.K. Samin. ‒ M.: Veche, 1999.
Tibaldi-Chiesa M. Paganini. ‒ M.: Mol. Wache, 1981

Viel Glück!

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- (griech. moysikn, von mousa muse) eine Kunstform, die die Realität widerspiegelt und durch sinnvolle und speziell organisierte Klangsequenzen in Höhe und Zeit, die hauptsächlich aus Tönen bestehen, auf den Menschen einwirkt... ... Musik-Enzyklopädie

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