Renaissance(Renaissance)

Renaissance (Renaissance), eine Ära der intellektuellen und künstlerischen Blüte, die in Italien im 14. Jahrhundert begann, im 16. Jahrhundert ihren Höhepunkt erreichte und einen erheblichen Einfluss hatte Europäische Kultur. Der Begriff „Renaissance“, der eine Rückkehr zu den Werten der Antike bedeutete (obwohl das Interesse an römischen Klassikern im 12. Jahrhundert entstand), tauchte im 15. Jahrhundert auf und erhielt im 16. Jahrhundert in den Werken von Vasari eine theoretische Begründung , dem Werk berühmter Künstler, Bildhauer und Architekten gewidmet. Zu dieser Zeit entstand eine Vorstellung von der in der Natur herrschenden Harmonie und vom Menschen als Krone ihrer Schöpfung.

Zu den herausragenden Vertretern dieser Epoche gehört der Künstler Alberti;

Maler der Renaissance schufen ein kohärentes Weltbild mit innerer Einheit und füllten traditionelle religiöse Themen mit irdischen Inhalten (Nicola Pisano, Ende des 14. Jahrhunderts; Donatello, Anfang des 15. Jahrhunderts). Die realistische Darstellung des Menschen wurde zum Hauptziel der Künstler der Frührenaissance, wie die Werke von Giotto und Masaccio belegen. Die Erfindung einer Möglichkeit, Perspektiven zu vermitteln, trug zu einer wahrheitsgetreueren Wiedergabe der Realität bei. Eines der Hauptthemen der Renaissance-Gemälde (Gilbert, Michelangelo) war die tragische Unversöhnlichkeit der Konflikte, der Kampf und der Tod des Helden.

Um 1425 wurde Florenz zum Zentrum der Renaissance (Florentiner Kunst), doch zu Beginn des 16. Jahrhunderts ( Hochrenaissance) Den Spitzenplatz nahmen Venedig (venezianische Kunst) und Rom ein. Die kulturellen Zentren waren die Höfe der Herzöge von Mantua, Urbino und Ferrada. Die wichtigsten Förderer der Künste waren die Medici und die Päpste, insbesondere Julius II. und Leo X. Die größten Vertreter "nördliche Renaissance„Es gab Dürer, Cranach den Älteren, Holbein. Nordische Künstler ahmten hauptsächlich die besten italienischen Vorbilder nach, und nur wenige, zum Beispiel Jan van Scorel, schafften es, einen eigenen Stil zu schaffen, der sich durch besondere Eleganz und Anmut auszeichnete, später Manierismus genannt .

Künstler der Renaissance:

Berühmte Gemälde von Künstlern der Renaissance

Mona Lisa

Inhalt des Artikels

RENAISSANCE, eine Periode in der Kulturgeschichte West- und Mitteleuropas des 14.–16. Jahrhunderts, deren Hauptinhalt die Bildung eines neuen, „irdischen“, inhärent säkularen Weltbildes war, das sich radikal vom mittelalterlichen unterscheidet. Neues Bild Die Welt fand ihren Ausdruck im Humanismus, der führenden ideologischen Strömung der Epoche, und in der Naturphilosophie, manifestierte sich in Kunst und Wissenschaft, die revolutionäre Veränderungen erlebten. Baumaterial Für ursprüngliches Gebäude neue Kultur diente als Antike, der man sich durch den Kopf des Mittelalters zuwandte und die sozusagen zu neuem Leben „wiedergeboren“ wurde – daher der Name der Epoche – „Renaissance“ oder „Renaissance“ (in Französische Art), ihr später übergeben. Geboren in Italien, der neuen Kultur Ende des 15. Jahrhunderts. geht durch die Alpen, wo als Ergebnis der Synthese von Italienisch und Lokal nationale Traditionen Die Kultur der nördlichen Renaissance ist geboren. Während der Renaissance koexistierte die neue Renaissancekultur mit der Kultur Spätmittelalter, was besonders typisch für Länder nördlich von Italien ist.

Kunst.

Mit dem Theozentrismus und der Askese des mittelalterlichen Weltbildes diente die Kunst im Mittelalter vor allem der Religion, indem sie die Welt und den Menschen in ihrer Beziehung zu Gott in konventionellen Formen darstellte und sich auf den Raum des Tempels konzentrierte. Weder die sichtbare Welt noch der Mensch könnten für sich genommen wertvolle Kunstobjekte sein. Im 13. Jahrhundert V mittelalterliche Kultur Es werden neue Trends beobachtet (die fröhliche Lehre des heiligen Franziskus, das Werk von Dante, dem Vorläufer des Humanismus). In der zweiten Hälfte des 13. Jahrhunderts. markiert den Beginn einer Übergangszeit in der Entwicklung der italienischen Kunst – der Proto-Renaissance (dauerte bis zum Beginn des 15. Jahrhunderts), die den Weg für die Renaissance bereitete. Die Werke einiger Künstler dieser Zeit (G. Fabriano, Cimabue, S. Martini usw.), die in ihrer Ikonographie eher mittelalterlich sind, sind von einem fröhlicheren und weltlicheren Anfang durchdrungen, die Figuren gewinnen an relativem Volumen. In der Skulptur wird die gotische Ätherizität der Figuren überwunden, die gotische Emotionalität reduziert (N. Pisano). Erstmals kam es Ende des 13. – ersten Drittels des 14. Jahrhunderts zu einem deutlichen Bruch mit mittelalterlichen Traditionen. in den Fresken von Giotto di Bondone, der ein Gefühl für dreidimensionalen Raum in die Malerei einführte, voluminösere Figuren malte, der Umgebung mehr Aufmerksamkeit schenkte und vor allem einen besonderen Realismus in der Darstellung des Menschen zeigte, der der erhabenen Gotik fremd war Erfahrungen.

Auf dem von den Meistern der Proto-Renaissance kultivierten Boden entstand Italienische Renaissance, das in seiner Entwicklung mehrere Phasen durchlaufen hat (früh, hoch, spät). Verbunden mit einer neuen, im Wesentlichen säkularen Weltanschauung, die von Humanisten vertreten wird, verliert es seine untrennbare Verbindung mit der über den Tempel hinaus verbreiteten Religion, Malerei und Statue. Mit Hilfe der Malerei beherrschte der Künstler die Welt und den Menschen, wie sie dem Auge erschienen, auf neue Weise künstlerische Methode(Übertragung des dreidimensionalen Raums durch Perspektive (linear, aus der Luft, Farbe), wodurch die Illusion eines plastischen Volumens entsteht und die Proportionalität der Figuren erhalten bleibt). Interesse an Persönlichkeit individuelle Merkmale verbunden mit der Idealisierung des Menschen, der Suche nach „perfekter Schönheit“. Die Themen der Heiligengeschichte verließen die Kunst nicht, aber ihre Darstellung war fortan untrennbar mit der Aufgabe verbunden, die Welt zu beherrschen und das irdische Ideal zu verkörpern (daher die Ähnlichkeiten zwischen Bacchus und Johannes dem Täufer von Leonardo, Venus und der Mutter Gottes). von Botticelli). Die Architektur der Renaissance verliert ihr gotisches Streben nach dem Himmel und gewinnt „klassisches“ Gleichgewicht und Proportionalität, Proportionalität zum menschlichen Körper. Das alte Ordnungssystem wird wiederbelebt, aber die Elemente des Ordens waren keine Teile der Struktur, sondern Dekorationen, die sowohl traditionelle (Tempel, Palast der Behörden) als auch neue Gebäudetypen (Stadtpalast, Landvilla) schmückten.

Als Begründer der Frührenaissance gilt der Florentiner Maler Masaccio, der die Tradition Giottos aufgriff, eine nahezu skulpturale Greifbarkeit der Figuren erreichte, die Prinzipien der linearen Perspektive nutzte und sich von den Konventionen der Situationsdarstellung löste. Weiterentwicklung der Malerei im 15. Jahrhundert. besuchte Schulen in Florenz, Umbrien, Padua, Venedig (F. Lippi, D. Veneziano, P. della Francesco, A. Palaiolo, A. Mantegna, C. Crivelli, S. Botticelli und viele andere). Im 15. Jahrhundert Die Renaissance-Skulptur entsteht und entwickelt sich (L. Ghiberti, Donatello, J. della Quercia, L. della Robbia, Verrocchio und andere; Donatello war der erste, der eine selbststehende runde Statue schuf, die nichts mit Architektur zu tun hatte, und der erste, der einen Nackten darstellte Körper mit Ausdruck von Sinnlichkeit) und Architektur (F. Brunelleschi, L.B. Alberti usw.). Meister des 15. Jahrhunderts (hauptsächlich L.B. Alberti, P. della Francesco) schufen die Theorie Schöne Künste und Architektur.

Die nördliche Renaissance wurde durch die Entstehung eines neuen Malstils, der sogenannten „ars nova“ – „neu“, in den 1420er und 1430er Jahren auf der Grundlage der Spätgotik (nicht ohne den indirekten Einfluss der Giottianischen Tradition) vorbereitet Kunst“ (Begriff von E. Panofsky). Ihre spirituelle Grundlage war den Forschern zufolge vor allem die sogenannte „Neue Frömmigkeit“ der nördlichen Mystiker des 15. Jahrhunderts, die einen spezifischen Individualismus und eine pantheistische Weltanschauung voraussetzte. Urheber des neuen Stils waren die niederländischen Maler Jan van Eyck, die sich ebenfalls verbesserten Ölfarben, und der Meister aus Flemall, gefolgt von G. van der Goes, R. van der Weyden, D. Bouts, G. tot Sint Jans, I. Bosch und anderen (Mitte – zweite Hälfte des 15. Jahrhunderts). Die neue niederländische Malerei stieß in Europa auf große Resonanz: Bereits in den 1430er–1450er Jahren tauchten erste Beispiele auf neues Gemälde in Deutschland (L. Moser, G. Mulcher, insbesondere K. Witz), in Frankreich (Meister der Verkündigung aus Aix und natürlich J. Fouquet). Der neue Stil zeichnete sich durch einen besonderen Realismus aus: die Übertragung des dreidimensionalen Raums durch die Perspektive (wenn auch in der Regel annähernd), den Wunsch nach Volumen. Die zutiefst religiöse „neue Kunst“ interessierte sich für individuelle Erfahrungen, den Charakter eines Menschen und schätzte in ihm vor allem Demut und Frömmigkeit. Seine Ästhetik ist dem italienischen Pathos des Perfekten im Menschen, der Leidenschaft für klassische Formen (die Gesichter der Figuren sind nicht perfekt proportioniert, sie sind gotisch eckig) fremd. Natur und Alltag wurden mit besonderer Liebe und Detailreichtum dargestellt; sorgfältig gemalte Dinge hatten in der Regel eine religiöse und symbolische Bedeutung.

Tatsächlich entstand die Kunst der nördlichen Renaissance an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert. als Ergebnis der Interaktion der nationalen künstlerischen und spirituellen Traditionen der transalpinen Länder mit der Renaissancekunst und dem Humanismus Italiens, mit der Entwicklung des nördlichen Humanismus. Als erster Künstler des Renaissancetyps kann der herausragende deutsche Meister A. Dürer angesehen werden, der jedoch unfreiwillig die gotische Spiritualität beibehielt. Einen völligen Bruch mit der Gotik schaffte G. Holbein der Jüngere mit seiner „Objektivität“ des Malstils. Die Malerei von M. Grunewald hingegen war von religiöser Begeisterung durchdrungen. Die deutsche Renaissance war das Werk einer Künstlergeneration und verlief in den 1540er Jahren im Sande. In den Niederlanden im ersten Drittel des 16. Jahrhunderts. Strömungen, die sich an der Hochrenaissance und dem Manierismus Italiens orientierten, begannen sich auszubreiten (J. Gossaert, J. Scorel, B. van Orley usw.). Das Interessanteste daran Niederländische Malerei 16. Jahrhundert - Dies ist die Entwicklung der Genres der Staffelei-, Alltags- und Landschaftsmalerei (K. Masseys, Patinir, Luke Leydensky). Der auf nationaler Ebene originellste Künstler der 1550er–1560er Jahre war P. Bruegel der Ältere, der Gemälde des Alltags- und Landschaftsgenres sowie Parabelbilder besaß, die normalerweise mit Folklore und einer bitter ironischen Sicht auf das Leben des Künstlers selbst assoziiert werden. Die Renaissance in den Niederlanden endet in den 1560er Jahren. Französische Renaissance, die rein höfischer Natur war (in den Niederlanden und in Deutschland wurde die Kunst eher mit dem Bürgertum in Verbindung gebracht) war vielleicht die klassischste in der nördlichen Renaissance. Die neue Kunst der Renaissance, die unter dem Einfluss Italiens allmählich an Stärke gewann, erreichte in der Mitte der zweiten Hälfte des Jahrhunderts ihre Reife im Werk der Architekten P. Lescot, dem Schöpfer des Louvre, F. Delorme, der Bildhauer J. Goujon und J . Pilon, Maler F. Clouet, J. Cousin Senior. Großer Einfluss Die oben genannten Maler und Bildhauer wurden von der in Frankreich gegründeten „Fontainebleau-Schule“ beeinflusst Italienische Künstler Rosso und Primaticcio, die im manieristischen Stil arbeiteten, aber die französischen Meister wurden nicht zu Manieristen, da sie das unter dem manieristischen Deckmantel verborgene klassische Ideal akzeptierten. Die Renaissance in der französischen Kunst endet in den 1580er Jahren. In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Italienische Renaissancekunst und andere Europäische Länder weicht allmählich dem Manierismus und dem Frühbarock.

Wissenschaft.

Die wichtigste Voraussetzung für das Ausmaß und die revolutionären Errungenschaften der Wissenschaft der Renaissance war eine humanistische Weltanschauung, in der die Aktivität der Welterforschung als Bestandteil des irdischen Schicksals des Menschen verstanden wurde. Dazu kommt die Wiederbelebung der antiken Wissenschaft. Eine wesentliche Rolle bei der Entwicklung spielten die Bedürfnisse der Schifffahrt, der Einsatz von Artillerie, die Schaffung von Wasserbauwerken usw. Verbreitung wissenschaftliche Erkenntnisse, deren Austausch zwischen Wissenschaftlern wäre ohne die Erfindung des Buchdrucks nicht möglich gewesen. 1445.

Die ersten Errungenschaften auf dem Gebiet der Mathematik und Astronomie gehen auf die Mitte des 15. Jahrhunderts zurück. und sind größtenteils mit den Namen G. Peyerbach (Purbach) und I. Muller (Regiomontanus) verbunden. Müller schuf neue, fortschrittlichere astronomische Tabellen (anstelle der Alfons-Tabellen aus dem 13. Jahrhundert) – „Ephemeriden“ (veröffentlicht 1492), die von Kolumbus, Vasco da Gama und anderen Seefahrern auf ihren Reisen verwendet wurden. Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung von Algebra und Geometrie leistete der italienische Mathematiker der Jahrhundertwende L. Pacioli. Im 16. Jahrhundert Die Italiener N. Tartaglia und G. Cardano entdeckten neue Wege zur Lösung von Gleichungen dritten und vierten Grades.

Das wichtigste wissenschaftliche Ereignis des 16. Jahrhunderts. war die kopernikanische Revolution in der Astronomie. Der polnische Astronom Nikolaus Kopernikus in seiner Abhandlung Über die Revolution der Himmelssphären(1543) lehnte das vorherrschende geozentrische ptolemäisch-aristotelische Weltbild ab und postulierte nicht nur Rotation Himmelskörper um die Sonne und die Erde immer noch um ihre Achse, sondern wurde auch zum ersten Mal im Detail gezeigt (der Geozentrismus als Vermutung wurde damals geboren Antikes Griechenland), wie man mit einem solchen System alle Daten astronomischer Beobachtungen viel besser als bisher erklären kann. Im 16. Jahrhundert Das neue Weltsystem fand im Allgemeinen keine Unterstützung in der wissenschaftlichen Gemeinschaft. Erst Galilei lieferte überzeugende Beweise für die Wahrheit der Theorie des Kopernikus.

Aufgrund ihrer Erfahrung äußerten einige Wissenschaftler des 16. Jahrhunderts (darunter Leonardo, B. Varchi) Zweifel an den bis dahin vorherrschenden Gesetzen der aristotelischen Mechanik, boten jedoch keine eigene Lösung für die Probleme an (später tat Galilei dies). . Die Praxis des Artillerieeinsatzes trug zur Formulierung und Lösung neuer Probleme bei Wissenschaftliche Probleme: Tartaglia in der Abhandlung Neue Wissenschaft betrachtete Fragen der Ballistik. Die Theorie der Hebel und Gewichte wurde von Cardano untersucht. Leonardo da Vinci wurde zum Begründer der Hydraulik. Seine theoretischen Forschungen betrafen den Bau von Wasserbauwerken, Landgewinnungsarbeiten, den Bau von Kanälen und die Verbesserung von Schleusen. Der englische Arzt W. Gilbert begann mit der Veröffentlichung eines Aufsatzes die Erforschung elektromagnetischer Phänomene Über den Magneten(1600), wo er seine Eigenschaften beschrieb.

In der Medizin und Anatomie waren eine kritische Haltung gegenüber Autoritäten und ein Vertrauen auf Erfahrungen deutlich zu erkennen. Der Flame A. Vesalius in seinem berühmten Werk Über das Gebäude menschlicher Körper (1543) beschrieb den menschlichen Körper ausführlich, stützte sich dabei auf seine zahlreichen Beobachtungen bei der Sektion von Leichen und kritisierte Galen und andere Autoritäten. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts. Zusammen mit der Alchemie entstand die Iatrochemie – die medizinische Chemie, die neue Arzneimittel entwickelte. Einer ihrer Gründer war F. von Hohenheim (Paracelsus). Er lehnte die Errungenschaften seiner Vorgänger ab und entfernte sich theoretisch zwar nicht weit von ihnen, führte aber als Praktiker eine Reihe neuer Medikamente ein.

Im 16. Jahrhundert Es entwickelten sich Mineralogie, Botanik und Zoologie (Georg Bauer Agricola, K. Gesner, Cesalpino, Rondelet, Belona), die sich in der Renaissance im Stadium der Faktensammlung befanden. Eine wichtige Rolle bei der Entwicklung dieser Wissenschaften spielten Berichte von Forschern aus neuen Ländern, die Beschreibungen von Flora und Fauna enthielten.

Im 15. Jahrhundert Kartographie und Geographie entwickelten sich aktiv, die Fehler von Ptolemäus wurden auf der Grundlage mittelalterlicher und moderner Daten korrigiert. Im Jahr 1490 schafft M. Beheim den ersten Globus. Ende des 15. – Anfang des 16. Jahrhunderts. Die Suche der Europäer nach dem Seeweg zwischen Indien und China, Fortschritte in Kartographie und Geographie, Astronomie und Schiffbau gipfelten in der Entdeckung der Küste Mittelamerikas durch Kolumbus, der glaubte, Indien erreicht zu haben (der Kontinent namens Amerika erschien erstmals bei Waldseemüller). Karte von 1507). Im Jahr 1498 erreichte der Portugiese Vasco da Gama Indien und umsegelte Afrika. Die Idee, Indien und China auf dem Westweg zu erreichen, wurde von der spanischen Expedition von Magellan – El Cano (1519–1522) verwirklicht, die Südamerika umrundete und die erste Weltreise unternahm (die Kugelförmigkeit der Erde wurde nachgewiesen). in der Praxis!). Im 16. Jahrhundert Die Europäer waren zuversichtlich, dass „die Welt heute völlig offen und vollständig ist.“ Menschengeschlecht bekannt." Große Entdeckungen veränderten die Geographie und stimulierten die Entwicklung der Kartographie.

Die Wissenschaft der Renaissance hatte kaum Einfluss auf die Produktivkräfte, die sich auf dem Weg der allmählichen Verbesserung der Tradition entwickelten. Gleichzeitig waren die Erfolge der Astronomie, Geographie und Kartographie die wichtigste Voraussetzung für das Große geographische Entdeckungen, was zu grundlegenden Veränderungen im Welthandel, zu kolonialer Expansion und einer Preisrevolution in Europa führte. Die Errungenschaften der Wissenschaft während der Renaissance wurden zu einer notwendigen Voraussetzung für die Entstehung der klassischen Wissenschaft in der Neuzeit.

Dmitri Samotowinski

Kunst der Renaissance

Renaissance- Dies war die Blütezeit aller Künste, einschließlich des Theaters, der Literatur und der Musik, aber zweifellos war die bildende Kunst die wichtigste davon, die den Geist ihrer Zeit am besten zum Ausdruck brachte.

Es ist kein Zufall, dass es eine Theorie gibt, dass die Renaissance damit begann, dass Künstler sich nicht mehr mit dem Rahmen des vorherrschenden „byzantinischen“ Stils zufrieden gaben und sich auf der Suche nach Vorbildern für ihre Kreativität als erste zuwandten zur Antike. Der Begriff „Renaissance“ wurde vom Denker und Künstler dieser Epoche selbst, Giorgio Vasari („Biografien berühmter Maler, Bildhauer und Architekten“), eingeführt. So nannte er die Zeit von 1250 bis 1550. Aus seiner Sicht war es eine Zeit der Wiederbelebung der Antike. Für Vasari erscheint die Antike als Idealbild.

Anschließend entwickelte sich der Inhalt des Begriffs weiter. Die Wiederbelebung bedeutete zunächst die Emanzipation von Wissenschaft und Kunst von der Theologie, eine Abkühlung gegenüber der christlichen Ethik, die Entstehung nationaler Literaturen und den Wunsch des Menschen nach Freiheit von Beschränkungen katholische Kirche. Das heißt, die Renaissance begann im Wesentlichen zu bedeuten Humanismus.

WIEDERBELEBUNG, RENAISSANCE(französisch renaissance – Renaissance) – eine der größten Epochen, Wendepunkt in der Entwicklung der Weltkunst zwischen Mittelalter und Neuzeit. Die Renaissance umfasst das XIV.-XVI. Jahrhundert. in Italien, XV-XVI Jahrhundert. in anderen europäischen Ländern. Dieser Zeitraum in der Kulturentwicklung erhielt seinen Namen - Renaissance (oder Renaissance) im Zusammenhang mit der Wiederbelebung des Interesses an antike Kunst. Die Künstler dieser Zeit kopierten jedoch nicht nur alte Vorbilder, sondern fügten ihnen auch qualitativ neue Inhalte hinzu. Die Renaissance sollte nicht als künstlerischer Stil oder künstlerische Bewegung betrachtet werden, da es in dieser Zeit verschiedene künstlerische Stile, Richtungen und Trends gab. Das ästhetische Ideal der Renaissance entstand auf der Grundlage einer neuen fortschrittlichen Weltanschauung – des Humanismus. Die reale Welt und der Mensch wurden zum höchsten Wert erklärt: Der Mensch ist das Maß aller Dinge. Besonders die Rolle der kreativen Persönlichkeit hat zugenommen.

Humanistisches Pathos der Zeit auf die bestmögliche Art und Weise in der Kunst verkörpert, die wie in den vergangenen Jahrhunderten darauf abzielte, ein Bild des Universums zu vermitteln. Neu war, dass man versuchte, Materielles und Geistiges zu einem Ganzen zu verbinden. Es war schwierig, jemanden zu finden, der der Kunst gleichgültig war, aber die bildende Kunst und die Architektur wurden bevorzugt.

Italienische Malerei des 15. Jahrhunderts. meist monumental (Fresken). Unter den bildenden Künsten nimmt die Malerei einen Spitzenplatz ein. Es entspricht am besten dem Renaissance-Prinzip der „Nachahmung der Natur“. Basierend auf dem Studium der Natur wird ein neues Bildsystem entwickelt. Der Künstler Masaccio leistete einen würdigen Beitrag zur Entwicklung des Verständnisses von Volumen und seiner Übertragung mit Hilfe von Hell-Dunkel. Die Entdeckung und wissenschaftliche Begründung der Gesetze der Linear- und Luftperspektive beeinflusste maßgeblich das weitere Schicksal der europäischen Malerei. Es entsteht eine neue plastische Bildsprache, deren Begründer Donatello war. Er belebte die freistehende Rundstatue wieder. Sein bestes Werk ist die Skulptur des David (Florenz).

In der Architektur werden die Prinzipien des antiken Ordnungssystems wiederbelebt, die Bedeutung der Proportionen erhöht, neue Gebäudetypen gebildet (Stadtpalast, Landvilla usw.), die Architekturtheorie und das Konzept einer idealen Stadt entwickelt . Der Architekt Brunelleschi baute Gebäude, in denen er das antike Architekturverständnis mit den Traditionen der Spätgotik verband und so eine neue, im Altertum unbekannte fantasievolle Spiritualität der Architektur erreichte. Während der Hochrenaissance wurde die neue Weltanschauung am besten in den Werken von Künstlern verkörpert, die zu Recht als Genies bezeichnet werden: Leonardo da Vinci, Raffael, Michelangelo, Giorgione und Tizian. Die letzten zwei Drittel des 16. Jahrhunderts. angerufen Spätrenaissance. Die Kunst wird derzeit von einer Krise erfasst. Es wird reglementiert, höfisch und verliert seine Wärme und Natürlichkeit. Einige große Künstler – Tizian, Tintoretto – schaffen jedoch auch in dieser Zeit weiterhin Meisterwerke.

Die italienische Renaissance hatte großen Einfluss auf die Kunst Frankreichs, Spaniens, Deutschlands, Englands und Russlands.

Der Aufstieg der Kunstentwicklung in den Niederlanden, Frankreich und Deutschland (15.-16. Jahrhundert) wird als nördliche Renaissance bezeichnet. Die Werke der Maler Jan van Eyck und P. Bruegel d.Ä. sind die Höhepunkte dieser Kunstentwicklungsperiode. In Deutschland war A. Dürer der größte Künstler der deutschen Renaissance.

Die während der Renaissance gemachten Entdeckungen auf dem Gebiet der spirituellen Kultur und Kunst waren von großer historischer Bedeutung für die Entwicklung der europäischen Kunst in den folgenden Jahrhunderten. Das Interesse an ihnen hält auch in unserer Zeit an.

Die Renaissance in Italien durchlief mehrere Phasen: Frührenaissance, Hochrenaissance, Spätrenaissance. Florenz wurde zur Wiege der Renaissance. Die Grundlagen der neuen Kunst wurden vom Maler Masaccio, dem Bildhauer Donatello und dem Architekten F. Brunelleschi entwickelt.

Der Erste, der Gemälde statt Ikonen schuf größter Meister Proto-Renaissance Giotto. Er war der erste, der sich bemühte, christliche ethische Ideen durch die Darstellung realer menschlicher Gefühle und Erfahrungen zu vermitteln und die Symbolik durch die Darstellung realer Räume und spezifischer Objekte zu ersetzen. In Giottos berühmten Fresken Kapelle del Arena in Padua Neben den Heiligen sieht man sehr ungewöhnliche Charaktere: Hirten oder Spinner. Jeder einzelne Mensch in Giotto drückt ganz spezifische Erfahrungen, einen spezifischen Charakter aus.

In der Ära Frührenaissance In der Kunst wird das alte künstlerische Erbe gemeistert, neue ethische Ideale gebildet, Künstler wenden sich den Errungenschaften der Wissenschaft (Mathematik, Geometrie, Optik, Anatomie) zu. Die führende Rolle bei der Bildung ideologischer und stilistischer Prinzipien der Kunst der Frührenaissance spielen Florenz. Die Bilder von Meistern wie Donatello und Verrocchio werden dominiert von der Reiterstatue des Condottiere Gattamelata „David“ Donatellos heroischen und patriotischen Prinzipien („St. Georg“ und „David“ von Donatello und „David“ von Verrocchio).

Der Begründer der Renaissance-Malerei ist Masaccio(Gemälde der Brancacci-Kapelle, „Dreifaltigkeit“) verstand Masaccio die Tiefe des Raumes zu vermitteln, verband Figur und Landschaft mit einem einzigen kompositorischen Konzept und verlieh den Porträts Ausdruckskraft des Einzelnen.

Aber die Entstehung und Entwicklung des Bildporträts, das das Interesse der Renaissancekultur am Menschen widerspiegelte, ist mit den Namen der Künstler der Umrbi-Schule verbunden: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Das Werk des Künstlers sticht in der frühen Renaissance hervor Sandro Botticelli. Die von ihm geschaffenen Bilder sind spirituell und poetisch. Forscher bemerken die Abstraktion und den raffinierten Intellektualismus in den Werken des Künstlers, seinen Wunsch, mythologische Kompositionen mit kompliziertem und verschlüsseltem Inhalt zu schaffen („Frühling“, „Geburt der Venus“), sagte einer von Botticellis Lebensautoren, dass seine Madonnen und Venus den Eindruck erwecken Verlust, der in uns ein Gefühl unauslöschlicher Traurigkeit hervorruft... Einige von ihnen haben den Himmel verloren, andere die Erde.

„Frühling“ „Geburt der Venus“

Der Höhepunkt in der Entwicklung der ideologischen und künstlerischen Prinzipien der italienischen Renaissance ist Hochrenaissance. Leonardo da Vinci gilt als Begründer der Kunst der Hochrenaissance. toller Künstler und Wissenschaftler.

Er schuf eine Reihe von Meisterwerken: „Mona Lisa“ („La Gioconda“) Streng genommen zeichnet sich das Gesicht von Gioconda durch Zurückhaltung und Ruhe aus, das Lächeln, das ihren Weltruhm begründete und später zu einem unverzichtbaren Bestandteil der Werke von wurde Leonardos Schule ist darin kaum zu erkennen. Doch in dem sanft schmelzenden Dunst, der Gesicht und Figur umhüllt, gelingt es Leonardo, die grenzenlose Variabilität menschlicher Gesichtsausdrücke spürbar zu machen. Obwohl Giocondas Augen den Betrachter aufmerksam und ruhig anschauen, könnte man aufgrund der Schattierung ihrer Augenhöhlen meinen, dass sie leicht die Stirn runzeln; Ihre Lippen sind zusammengepresst, aber in den Mundwinkeln sind subtile Schatten zu sehen, die einen glauben lassen, dass sie sich jede Minute öffnen, lächeln und sprechen werden. Der Kontrast zwischen ihrem Blick und dem halben Lächeln auf ihren Lippen lässt die Widersprüchlichkeit ihrer Erfahrungen erahnen. Nicht umsonst quälte Leonardo sein Modell mit langen Sitzungen. Wie kein anderer gelang es ihm, in diesem Bild Schatten, Schattierungen und Halbtöne zu vermitteln, die ein Gefühl lebendigen Lebens entstehen lassen. Nicht umsonst glaubte Vasari, dass an Giocondas Hals eine Ader schlug.

Im Porträt von Gioconda hat Leonardo nicht nur den Körper und die Umhüllung perfekt vermittelt Luftumgebung. Er legte auch ein Verständnis dafür zugrunde, was das Auge braucht, damit ein Bild einen harmonischen Eindruck erzeugt, weshalb alles so aussieht, als ob die Formen auf natürliche Weise aus einander entstehen, wie es in der Musik geschieht, wenn angespannte Dissonanzen durch einen Wohlklang aufgelöst werden Akkord. Gioconda ist perfekt in ein streng proportionales Rechteck eingeschrieben, ihre Halbfigur bildet ein Ganzes, ihre gefalteten Hände verleihen ihrem Bild Vollständigkeit. Von den fantasievollen Locken der frühen „Verkündigung“ konnte natürlich keine Rede mehr sein. Doch so weich alle Konturen auch sein mögen, die wellige Haarsträhne von Mona Lisa harmoniert mit dem transparenten Schleier, und der hängende Stoff, der über ihre Schulter geworfen wird, findet ein Echo in den sanften Kurven der fernen Straße. Dabei beweist Leonardo seine Fähigkeit, nach den Gesetzen von Rhythmus und Harmonie zu schaffen. „Aus ausführungstechnischer Sicht galt die Mona Lisa schon immer als etwas Unerklärliches. Jetzt denke ich, dass ich dieses Rätsel lösen kann“, sagt Frank. Ihm zufolge nutzte Leonardo die von ihm entwickelte „Sfumato“-Technik (italienisch „sfumato“, wörtlich „verschwand wie Rauch“). Die Technik besteht darin, dass die Objekte in den Gemälden keine klaren Grenzen haben sollten, alles sollte sich fließend ineinander verwandeln, die Umrisse der Objekte sollten mit Hilfe des sie umgebenden Licht-Luft-Dunstes weicher gemacht werden. Die Hauptschwierigkeit dieser Technik liegt in kleinsten Abstrichen (etwa ein Viertel Millimeter), die weder unter dem Mikroskop noch mit Röntgenstrahlen erkennbar sind. Daher dauerte es mehrere hundert Sitzungen, um Da Vincis Gemälde zu malen. Das Bild der Mona Lisa besteht aus etwa 30 Schichten flüssiger, fast transparenter Ölfarbe. Für solche Schmuckarbeiten musste der Künstler offenbar eine Lupe verwenden. Vielleicht erklärt die Verwendung einer so arbeitsintensiven Technik die lange Arbeit an dem Porträt – fast vier Jahre.

, „Letztes Abendmahl“ hinterlässt einen bleibenden Eindruck. An der Wand entfaltet sich, als würde es sie überwinden und den Betrachter in die Welt der Harmonie und majestätischen Visionen entführen, das antike Gospeldrama des verratenen Vertrauens. Und dieses Drama findet seine Auflösung in einem allgemeinen Impuls, der sich an die Hauptfigur richtet – einen Ehemann mit traurigem Gesicht, der das Geschehen als unvermeidlich akzeptiert. Christus sagte seinen Jüngern gerade: „Einer von euch wird mich verraten.“ Der Verräter sitzt mit anderen zusammen; Die alten Meister stellten Judas getrennt sitzend dar, aber Leonardo zeigte seine düstere Isolation viel überzeugender, indem er seine Gesichtszüge in Schatten hüllte. Christus ist seinem Schicksal unterworfen, erfüllt vom Bewusstsein der Aufopferung seiner Leistung. Sein gesenkter Kopf mit den gesenkten Augen und die Gesten seiner Hände sind unendlich schön und majestätisch. Durch das Fenster hinter seiner Figur öffnet sich eine liebliche Landschaft. Christus ist das Zentrum der gesamten Komposition, des ganzen Strudels der Leidenschaften, der um ihn herum tobt. Seine Traurigkeit und Ruhe scheinen ewig und natürlich zu sein – und das ist die tiefe Bedeutung des gezeigten Dramas. Er suchte in der Natur nach Quellen perfekter Kunstformen, aber er war es, den N. Berdyaev für den kommenden Prozess der Mechanisierung verantwortlich macht und die Mechanisierung des menschlichen Lebens, die den Menschen von der Natur trennte.

Die Malerei erreicht klassische Harmonie in der Kreativität Raphael. Seine Kunst entwickelt sich von den frühen, kühl-distanzierten umbrischen Madonnenbildern („Madonna Conestabile“) bis hin zur Welt des „glücklichen Christentums“ florentinischer und römischer Werke. „Madonna und der Distelfink“ und „Madonna im Sessel“ sind sanft, menschlich und in ihrer Menschlichkeit sogar gewöhnlich.

Aber das Bild der „Sixtinischen Madonna“ ist majestätisch und verbindet symbolisch die himmlische und die irdische Welt. Raffael ist vor allem als Schöpfer sanfter Madonnenbilder bekannt. Aber in der Malerei verkörperte er sowohl das Ideal des universellen Menschen der Renaissance (Porträt von Castiglione) als auch die Dramatik historischer Ereignisse. „Die Sixtinische Madonna“ (um 1513, Dresden, Gemäldegalerie) ist eines der inspiriertesten Werke des Künstlers. Gemalt als Altarbild für die Kirche des Klosters St. Sixta in Piacenza, dieses Gemälde unterscheidet sich in Konzeption, Komposition und Bildinterpretation deutlich von den „Madonnen“ der Florentiner Zeit. Anstelle des intimen und irdischen Bildes eines schönen jungen Mädchens, das herablassend den Vergnügungen zweier Kinder zuschaut, sehen wir hier eine wunderbare Vision, die plötzlich am Himmel hinter einem Vorhang auftaucht, den jemand zurückgezogen hat. Umgeben von einem goldenen Schein geht Maria feierlich und majestätisch durch die Wolken und hält das Christuskind vor sich. Links und rechts kniet der Hl. vor ihr. Sixtus und St. Warwara. Die symmetrische, streng ausgewogene Komposition, die Klarheit der Silhouette und die monumentale Verallgemeinerung der Formen verleihen der „Sixtinischen Madonna“ eine besondere Erhabenheit.

In diesem Bild gelang es Raffael vielleicht mehr als jedem anderen, die lebenswichtige Wahrhaftigkeit des Bildes mit den Merkmalen idealer Perfektion zu verbinden. Das Bild der Madonna ist komplex. Die rührende Reinheit und Naivität einer sehr jungen Frau verbinden sich in ihm mit fester Entschlossenheit und heroischer Opferbereitschaft. Dieses Heldentum verbindet das Bild der Madonna mit den besten Traditionen des italienischen Humanismus. Die Kombination von Ideal und Realem in diesem Bild erinnert uns an die berühmten Worte Raffaels aus einem Brief an seinen Freund B. Castiglione. „Und ich sage Ihnen“, schrieb Raphael, „dass ich, um eine Schönheit zu malen, viele Schönheiten sehen muss … aber aufgrund des Mangels an …“ schöne Frauen Ich verwende eine Idee, die mir in den Sinn kommt. Ich weiß nicht, ob es Perfektion hat, aber ich bemühe mich sehr, es zu erreichen.“ Diese Worte bringen Licht ins Dunkel kreative Methode Künstler. Ausgehend von der Realität und im Vertrauen auf sie strebt er gleichzeitig danach, das Bild über alles Zufällige und Vergängliche zu erheben.

Michelangelo(1475-1564) ist zweifellos einer der inspiriertesten Künstler der Kunstgeschichte und neben Leonardo Da Vinci die mächtigste Figur der italienischen Hochrenaissance. Als Bildhauer, Architekt, Maler und Dichter hatte Michelangelo großen Einfluss auf seine Zeitgenossen und auf die spätere westliche Kunst im Allgemeinen.

Er betrachtete sich als Florentiner – obwohl er am 6. März 1475 in dem kleinen Dorf Caprese nahe der Stadt Arezzo geboren wurde. Michelangelo liebte seine Stadt, ihre Kunst und Kultur zutiefst und trug diese Liebe bis ans Ende seiner Tage. Er verbrachte den größten Teil seiner Erwachsenenjahre in Rom und arbeitete im Auftrag der Päpste; Er hinterließ jedoch ein Testament, nach dem sein Leichnam in Florenz in einem wunderschönen Grab in der Kirche Santa Croce begraben wurde.

Michelangelo schuf eine Marmorskulptur Pieta(Beweinung Christi) (1498-1500), das sich noch immer an seinem ursprünglichen Standort befindet – dem Petersdom. Dies ist eines der meisten berühmte Werke in der Geschichte der Weltkunst. Die Pieta wurde wahrscheinlich von Michelangelo fertiggestellt, bevor er 25 Jahre alt war. Dies ist das einzige Werk, das er signiert hat. Dargestellt ist die junge Maria mit dem toten Christus auf den Knien, ein Bild, das der nordeuropäischen Kunst entlehnt ist. Marias Blick ist nicht so traurig, sondern feierlich. Das höchster Punkt das Werk des jungen Michelangelo.

Nicht weniger bedeutendes Werk des jungen Michelangelo war ein riesiges (4,34 m) Marmorbild David(Accademia, Florenz), ausgeführt zwischen 1501 und 1504, nach der Rückkehr nach Florenz. Held Altes Testament

Michelangelo wird als gutaussehender, muskulöser, nackter junger Mann dargestellt, der ängstlich in die Ferne blickt, als würde er seinen Feind einschätzen – Goliath, mit dem er kämpfen muss. Der lebhafte, intensive Gesichtsausdruck Davids ist charakteristisch für viele Werke Michelangelos – ein Zeichen seines individuellen bildhauerischen Stils. David, Michelangelos berühmteste Skulptur, wurde zum Symbol von Florenz und wurde ursprünglich auf der Piazza della Signoria vor dem Palazzo Vecchio, dem Rathaus von Florenz, aufgestellt. Mit dieser Statue bewies Michelangelo seinen Zeitgenossen, dass er nicht nur alle zeitgenössischen Künstler, sondern auch die Meister der Antike übertraf. Im Jahr 1505 wurde Michelangelo von Papst Julius II. nach Rom gerufen, um zwei Befehle auszuführen. Am bedeutendsten war die Freskenmalerei im Gewölbe der Sixtinischen Kapelle. Michelangelo arbeitete zwischen 1508 und 1512 auf einem hohen Gerüst direkt unter der Decke und schuf die schönsten Illustrationen für einige biblische Geschichten. Auf dem Gewölbe der päpstlichen Kapelle stellte er neun Szenen aus dem Buch Genesis dar, beginnend mit der Trennung des Lichts von der Dunkelheit, einschließlich der Erschaffung Adams, der Erschaffung Evas, der Versuchung und des Falls Adams und Evas und der Sintflut. Rund um die Hauptgemälde wechseln sich Bilder von Propheten und Sibyllen auf Marmorthronen, anderen alttestamentlichen Figuren und den Vorvätern Christi ab.

Um dieses großartige Werk vorzubereiten, fertigte Michelangelo zahlreiche Skizzen und Kartons an, auf denen er die Figuren der Dargestellten in verschiedenen Posen darstellte. Diese majestätischen, kraftvollen Bilder zeigen das meisterhafte Verständnis des Künstlers für die menschliche Anatomie und Bewegung, das einer neuen Bewegung in der westeuropäischen Kunst den Anstoß gab.

Zwei weitere hervorragende Statuen, Der gefesselte Gefangene und der Tod eines Sklaven(beide um 1510-13) befinden sich im Louvre in Paris. Sie verdeutlichen Michelangelos Herangehensweise an die Skulptur. Seiner Meinung nach sind die Figuren einfach in einen Marmorblock eingeschlossen und die Aufgabe des Künstlers besteht darin, sie durch Entfernen überschüssiger Steine ​​zu befreien. Michelangelo ließ Skulpturen oft unvollendet – entweder weil sie unnötig wurden oder einfach weil sie für den Künstler kein Interesse mehr hatten.

Bibliothek von San Lorenzo Das Projekt für das Grab von Julius II. erforderte architektonische Ausarbeitung, aber Michelangelos ernsthafte Arbeit auf dem Gebiet der Architektur begann erst 1519, als er mit der Fassade der Bibliothek von St. Lawrence in Florenz beauftragt wurde, wohin der Künstler zurückkehrte wieder (dieses Projekt wurde nie umgesetzt). In den 1520er Jahren entwarf er auch die elegante Eingangshalle der Bibliothek neben der Kirche San Lorenzo. Diese Bauwerke wurden erst einige Jahrzehnte nach dem Tod des Autors fertiggestellt.

Michelangelo, ein Anhänger der republikanischen Fraktion, nahm 1527–29 am Krieg gegen die Medici teil. Zu seinen Aufgaben gehörte der Bau und Wiederaufbau von Befestigungsanlagen in Florenz.

Medici-Kapellen. Nachdem Michelangelo längere Zeit in Florenz gelebt hatte, führte er zwischen 1519 und 1534 einen Auftrag der Familie Medici aus, in der neuen Sakristei der Kirche San Lorenzo zwei Gräber zu errichten. In einem Saal mit hohem Kuppelgewölbe errichtete der Künstler an den Wänden zwei prächtige Gräber, die für Lorenzo De' Medici, Herzog von Urbino, und für Giuliano De' Medici, Herzog von Nemours, bestimmt waren. Die beiden komplexen Gräber sollten gegensätzliche Typen repräsentieren: Lorenzo ist ein eigenständiger Mensch, ein nachdenklicher, zurückgezogener Mensch; Giuliano hingegen ist aktiv und offen. Der Bildhauer platzierte allegorische Skulpturen von Morgen und Abend über Lorenzos Grab und Allegorien von Tag und Nacht über Giulianos Grab. Die Arbeiten an den Medici-Gräbern wurden fortgesetzt, nachdem Michelangelo 1534 nach Rom zurückgekehrt war. Er besuchte seine geliebte Stadt nie wieder.

Jüngstes Gericht

Von 1536 bis 1541 arbeitete Michelangelo in Rom an der Bemalung der Altarwand der Sixtinischen Kapelle im Vatikan. Das größte Fresko der Renaissance zeigt den Tag des Jüngsten Gerichts. Christus teilt mit einem feurigen Blitz in seiner Hand unaufhaltsam alle Bewohner der Erde in die geretteten Gerechten, die auf der linken Seite der Komposition dargestellt sind, und in die Sünder, die in Dantes Haus hinabsteigen Hölle (die linke Seite des Freskos). Streng seiner eigenen Tradition folgend, malte Michelangelo zunächst alle Figuren nackt, doch ein Jahrzehnt später „kleidete“ ein puritanischer Künstler sie, als das kulturelle Klima konservativer wurde. Michelangelo hinterließ auf dem Fresko sein eigenes Selbstporträt – sein Gesicht ist auf der vom Heiligen Märtyrer-Apostel Bartholomäus abgerissenen Haut gut zu erkennen.

Obwohl Michelangelo in dieser Zeit weitere Malaufträge erhielt, wie zum Beispiel das Gemälde der Kapelle des Apostels Paulus (1940), versuchte er zunächst, seine ganze Energie der Architektur zu widmen.

Kuppel des Petersdoms. Im Jahr 1546 wurde Michelangelo zum Chefarchitekten des Baus des Petersdoms im Vatikan ernannt. Das Gebäude wurde nach den Plänen von Donato Bramante erbaut, Michelangelo wurde jedoch letztendlich für den Bau der Altarapsis und für die Entwicklung der technischen und künstlerischen Gestaltung der Kuppel der Kathedrale verantwortlich. Die Fertigstellung des Baus des Petersdoms war die höchste Errungenschaft des Florentiner Meisters auf dem Gebiet der Architektur. Während seines langen Lebens war Michelangelo ein enger Freund von Fürsten und Päpsten, von Lorenzo De' Medici bis zu Leo X., Clemens VIII. und Pius III., sowie vielen Kardinälen, Malern und Dichtern. Der Charakter des Künstlers, seine Lebensposition ist anhand seiner Werke schwer zu verstehen – sie sind so vielfältig. Nur in der Poesie, in seinen eigenen Gedichten, befasste sich Michelangelo häufiger und eingehender mit Fragen der Kreativität und seinem Platz in der Kunst. Ein großer Raum in seinen Gedichten ist den Problemen und Schwierigkeiten gewidmet, mit denen er in seiner Arbeit konfrontiert war, sowie den persönlichen Beziehungen zu den bedeutendsten Vertretern dieser Zeit berühmte Dichter Renaissance Ludovico Ariosto hat dafür ein Epitaph geschrieben berühmter Künstler: „Michele ist mehr als sterblich, er ist ein göttlicher Engel.“

Italien ist ein Land mit interessanten und reiche Geschichte. Auf seinem Territorium bildeten sich die mächtigsten Militärimperien der Welt - Antikes Rom. Hier befanden sich auch Städte der alten Griechen und Etrusker. Nicht umsonst gilt Italien als Geburtsort der Renaissance, da es in Europa nur hinsichtlich der Anzahl der Baudenkmäler an erster Stelle steht. Leonardo da Vinci, Michelangelo, Tizian, Raffael, Petrarca, Dante – das sind nur die Kleinsten und weit davon entfernt vollständige Liste all diese Namen von Menschen, die in diesem wunderschönen Land gearbeitet und gelebt haben.

Allgemeine Voraussetzungen

Die Merkmale der Ideen des Humanismus in der italienischen Kultur zeigen sich bereits bei Dante Alighieri, dem Vorläufer der Renaissance, der an der Wende vom 13. zum 14. Jahrhundert lebte. Die neue Bewegung manifestierte sich am deutlichsten in der Mitte des 14. Jahrhunderts. Italien ist der Geburtsort von allem Europäische Renaissance, da hier zunächst die sozioökonomischen Voraussetzungen hierfür gegeben waren. In Italien begannen sich schon früh kapitalistische Beziehungen zu bilden, und Menschen, die an ihrer Entwicklung interessiert waren, mussten das Joch des Feudalismus und die Vormundschaft der Kirche verlassen. Es handelte sich zwar um bürgerliche, aber nicht um bürgerlich begrenzte Menschen wie in den folgenden Jahrhunderten. Dies waren aufgeschlossene Menschen, die reisten, mehrere Sprachen sprachen und aktiv an politischen Ereignissen teilnahmen.

Aurora (1614) – Renaissance-Gemälde

Kulturschaffende dieser Zeit kämpften gegen Scholastik, Askese, Mystik und die Unterordnung von Literatur und Kunst unter die Religion und nannten sich Humanisten. Schriftsteller des Mittelalters übernahmen den „Brief“ von antiken Autoren, also aus dem Zusammenhang gerissene Einzelinformationen, Passagen, Maximen. Renaissance-Autoren lasen und studierten ganze Werke und achteten dabei auf das Wesentliche der Werke. Sie wandten sich auch der Folklore zu, Volkskunst, Volksweisheit. Als erste Humanisten gelten Francesco Petrarca, der Autor einer Reihe von Sonetten zu Ehren von Laura, und Giovanni Boccaccio, der Autor der Kurzgeschichtensammlung „Decamerone“.

Flugmaschine - Leonardo da Vinci

Die charakteristischen Merkmale der Kultur dieser neuen Zeit sind wie folgt:

• Das Hauptthema der Darstellung in der Literatur ist eine Person.
• Er ist mit einem starken Charakter ausgestattet.
• Der Renaissance-Realismus zeigt das Leben im Großen und Ganzen mit einer vollständigen Wiedergabe seiner Widersprüche.
• Autoren beginnen, die Natur anders wahrzunehmen. Wenn es für Dante immer noch die psychologische Bandbreite der Stimmungen symbolisiert, dann bringt die Natur für spätere Autoren Freude mit ihrem wahren Charme.

3 Gründe, warum Italien zum Geburtsort der Renaissance wurde?

1. Italien erwies sich zur Zeit der Renaissance als eines der am stärksten fragmentierten Länder Europas; hier eine einheitliche politische und nationales Zentrum. Ausbildung Einzelstaat wurde durch den Kampf behindert, der im gesamten Mittelalter zwischen Päpsten und Kaisern um ihre Vorherrschaft stattfand. Daher wirtschaftliche und politische Entwicklung verschiedene Bereiche Italien war ungleichmäßig. Die Gebiete im zentralen und nördlichen Teil der Halbinsel gehörten zum päpstlichen Besitz; im Süden lag das Königreich Neapel; Mittelitalien (Toskana), zu dem Städte wie Florenz, Pisa, Siena und einzelne Städte des Nordens (Genua, Mailand, Venedig) gehörten, waren unabhängige und wohlhabende Zentren des Landes. Tatsächlich war Italien ein Konglomerat uneiniger, ständig konkurrierender und kriegführender Gebiete.
2. In Italien entstanden wirklich einzigartige Bedingungen, um das Aufkeimen einer neuen Kultur zu fördern. Dazu trugen das Fehlen einer zentralisierten Macht sowie eine vorteilhafte geografische Lage auf den Routen des europäischen Handels mit dem Osten bei Weiterentwicklung unabhängige Städte, die Entwicklung einer kapitalistischen und neuen politischen Struktur in ihnen. In den führenden Städten der Toskana und der Lombardei bereits im 12.–13. Jahrhundert. Es kam zu kommunalen Revolutionen und es entstand ein republikanisches System, in dem ständig ein erbitterter Parteikampf tobte. Hauptsächlich politische Kräfte Finanziers, wohlhabende Kaufleute und Handwerker traten hier auf.

Unter diesen Bedingungen war die öffentliche Aktivität der Bürger, die Politiker unterstützen wollten, die zur Bereicherung und zum Wohlstand der Stadt beitrugen, sehr hoch. So trug die öffentliche Unterstützung in verschiedenen Stadtrepubliken zur Förderung und Stärkung der Macht mehrerer wohlhabender Familien bei: der Visconti und Sforza in Mailand und in der gesamten Lombardei, der Medici-Bankiers in Florenz und in der gesamten Toskana, Großer Rat Dogen – in Venedig. Und obwohl sich die Republiken nach und nach in Tyranneien mit offensichtlichen Zügen einer Monarchie verwandelten, verließen sie sich immer noch stark auf Popularität und Autorität. Deshalb bemühten sich die neuen italienischen Herrscher um eine Zustimmung öffentliche Meinung und zeigten auf jede erdenkliche Weise ihr Engagement für die wachsende soziale Bewegung – den Humanismus. Sie haben am meisten angezogen herausragende Menschen Zeit – Wissenschaftler, Schriftsteller, Künstler – versuchten sie selbst, ihre Bildung und ihren Geschmack zu entwickeln.

1. Unter den Bedingungen der Entstehung und des Wachstums des nationalen Selbstbewusstseins fühlten sich die Italiener als direkte Nachkommen des großen antiken Roms. Das Interesse an der antiken Vergangenheit, das im Laufe des Mittelalters nicht nachließ, bedeutete nun gleichzeitig Interesse an der eigenen nationalen Vergangenheit, oder genauer gesagt, an der Vergangenheit seines Volkes, den Traditionen seiner Heimatantike. In keinem anderen Land Europas gibt es so viele Spuren des Großen alte Zivilisation wie in Italien. Und obwohl es sich meist nur um Ruinen handelte (zum Beispiel wurde das Kolosseum fast das gesamte Mittelalter über als Steinbruch genutzt), waren es nun sie, die den Eindruck von Größe und Ruhm vermittelten. So wurde die Antike als die große nationale Vergangenheit des Heimatlandes interpretiert.

Auf meine Art geografische Lage Italien nahm früher als andere Länder Westeuropas enge Handelsbeziehungen mit dem Osten auf, was die italienischen Städte erheblich bereicherte. Genua, Venedig und Florenz wurden zu Handels-, Industrie- und Bankenzentren und traten als unabhängige Stadtstaaten in die Arena der internationalen Wirtschaftsbeziehungen ein. Das Bürgertum (dritter Stand) spielte im Leben solcher Stadtstaaten eine wichtige Rolle. Sie konnte in den Städten ihre eigenen Regeln aufstellen. Damit wurde die Diktatur der Kirche endgültig gebrochen. Folglich entstanden Bedingungen für die Entstehung säkulare Kultur, das heißt, erscheint bürgerliche Intelligenz (Wissenschaftler und Philosophen nicht mehr). Kirchenpfarrer). Es erscheint eine Intelligenz, deren Aktivitäten mit Kultur und Kunst verbunden sind.

Die Kultur des Humanismus impliziert eine weltliche Bildung im Gegensatz zur theologischen Bildung.

In vielen europäischen Ländern endete der Kampf gegen die Feudalherren mit der Vereinigung des Landes und in ihnen wurde eine starke zentralisierte monarchische Macht errichtet. In Italien war das anders: Eine Zentralisierung und der Übergang zur absoluten Monarchie fanden nicht statt. Dies bedeutet, dass die Aktivitäten des dritten Standes durch nichts eingeschränkt wurden und er in den Städten eigene Regeln aufstellte. Damit wurde Florenz zur bedeutendsten Stadt, genau wie Athen im antiken Griechenland. Die Entwicklung von Industrie, Handel und Bankwesen gab der Klasse der Handwerker, Kaufleute und Geldwechsler Stärke und Selbstvertrauen. Sie erwiesen sich politisch als so stark, dass sie den Adligen das Wahlrecht und die politischen Rechte im Allgemeinen entzogen. Diese Ereignisse dauerten ein ganzes Jahrhundert (im 14. Jahrhundert). In der Atmosphäre dieser Ereignisse entstand Dantes Genie.

Der aufstrebenden neuen bürgerlichen Klasse war die Tragödie der Weltanschauung, das Pathos des Leidens, der Armutskult (also alles, was sich in der mittelalterlichen Kunst widerspiegelte) fremd. Der Respekt vor dem Sieger wuchs. Der Mensch spürte die Fülle des Lebens in allem – im alltäglichen Kampf, in der Wissenschaft, in Angelegenheiten des Handels und der Bereicherung, in weltlichen Freuden.

Von Renaissance-Künstlern dargestellte Menschen wirken sowohl absolut lebendig als auch außergewöhnlich. Dennoch drangen moderne Themen nicht in die Kunst ein. Sein Inhalt blieb die antike Mythologie. Aber die „göttlichen“ Helden der Antike wurden als echte Menschen dargestellt. Der Mensch – die Krone aller Dinge auf der Welt – wurde mit Gott verglichen, und Gott war mit den Merkmalen einer realen Person ausgestattet, die zeitgleich mit den Künstlern war.

Renaissance ist nicht nur eine Sammlung von Werken der künstlerischen Kultur, sondern Erstens neuer Typ Denken und Religiosität, eine besondere spirituelle Verfassung und Lebensweise.

Die Renaissance verband eine neue Lesart der Antike mit einer neuen Lesart des Christentums.

Die Grundlage der Kunst der Renaissance ist die Suche nach Individualität. Seit der Renaissance beginnt die Bekräftigung des Prinzips der Einzigartigkeit und Originalität jedes Einzelnen. Renaissance verbunden natürlicher Mensch Antike und das christliche Verständnis des von oben mit Wahlfreiheit ausgestatteten Individuums.

Das ethische und ästhetische Ideal der Renaissance ist das Bild eines freien, universellen, sich selbst schaffenden Menschen.

Die Kunst der Renaissance wandte sich an den einfachen Mann, erkannte aber auch Ritter, Heilige, Könige und mythologische Charaktere als Helden an. Aber gleichzeitig spielte die Kirche eine große Rolle bei der Bildung der Renaissance-Kultur – in der Malerei, in der Architektur, in der Musik.

Während der Renaissance entstand eine neue Weltanschauung, die die mittelalterliche Denkweise ablöste. Es erklärte das Leben auf neue Weise und insbesondere die Stellung des Menschen darin. Diese neue Weltanschauung richtete sich an den Menschen und die Erschaffung seiner Hände (humana studia). Aus diesem Wort wurden die Namen „Humanist“ und „Humanismus“ gebildet. (Aber die Konzepte „humanistisch“ und „ menschlicher Mann„haben unterschiedliche Bedeutungen).

Die Humanisten der Renaissance waren keine professionellen Philosophen. Das sind Dichter, Künstler, Schriftsteller, Politiker, Philanthropen. Humanisten der Renaissance sind Menschen, die neu denken. Unter ihnen waren der Tyrann Lorenzo Medici, der berechnende und gerissene Politiker Niccolo Machiavelli und der heimtückische und grausame Caesar Borgia. Sie beschäftigten sich mit Philosophie, Politik, Rhetorik, Ethik, historischer Forschung usw. und im Laufe ihres aktiven Lebens entstand eine neue Art des Denkens – der Renaissance-Humanismus.

Humanisten glaubten, dass die Wissenschaft den Menschen offen stehen sollte, um ihnen das Wissen über die Natur und den Menschen selbst näher zu bringen. Die Wissenschaft der Renaissance rebelliert nicht gegen Gott, sie untersucht die von ihm geschaffene Welt und seine Hauptschöpfung – den Menschen. Und Wissenschaft wird zum Phänomen Kultur XIV– XV Jahrhunderte

Renaissance-Kunst ist Literatur, bildende Kunst, Architektur undtolles Theater.