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Details Kategorie: Bildende Kunst und Architektur des späten 16.-18. Jahrhunderts Veröffentlicht am 04.07.2017 15:31 Aufrufe: 3113

In der westeuropäischen Kunst des 17.-18. Jahrhunderts. Die wichtigsten künstlerischen Richtungen und Strömungen waren Barock und Klassizismus. In vielen europäische Länder Die Akademie der Künste und Architektur wurde gegründet. Aber keiner dieser Stile existierte in der Kunst Englands im 17.-18. Jahrhundert. in seiner reinen Form, weil Sie kamen viel später auf englischen Boden als in andere Länder.

Die englische Kunst dieser Zeit zeichnet sich durch die Aufmerksamkeit für das Gefühlsleben der Menschen, insbesondere die Porträtmalerei, aus. Darüber hinaus widmete die englische Aufklärung den Ideen der moralischen Erziehung des Einzelnen, Problemen der Ethik und Moral besondere Aufmerksamkeit. Ein weiteres führendes Genre der englischen Malerei dieser Zeit war das Alltagsgenre. Wir haben auf unserer Website über die berühmtesten Künstler (T. Gainsborough, D. Reynolds, W. Hogarth) gesprochen.

Die Architektur

Im 17. und 18. Jahrhundert. England war eines der größten Zentren Europäische Architektur. Doch manchmal existierten hier gleichzeitig unterschiedliche Architekturstile und -trends.
Am Ursprung stand die britische Architekturtradition Inigo Jones(1573–1652), englischer Architekt, Designer und Künstler.

Posthumes Porträt von Inigo Jones von William Hogarth (basierend auf Van Dycks Lebensporträt)

Inigo Jones wurde 1573 in London in die Familie eines Tuchmachers hineingeboren. 1603-1605 Jones studierte Zeichnen und Design in Italien. Nach seiner Rückkehr in seine Heimat beschäftigte er sich mit der Gestaltung von Bühnenbildern für Theateraufführungen; er spielte eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung des europäischen Theaters.
1613-1615 Jones ist zurück in Italien und studiert die Werke von Andrea Palladio sowie die Architektur der Antike und Renaissance. Im Jahr 1615 wurde Jones der Hauptverwalter der königlichen Gebäude und begann in Greenwich bald mit dem Bau des Landsitzes von Königin Anne, der Frau von James I.

Queens House

Das zweistöckige Queens House ist ein monolithischer Kubus, komplett weiß und nahezu ohne architektonische Verzierungen. In der Mitte der Parkfassade befindet sich eine Loggia. Queens House war das erste englische Gebäude im klassizistischen Stil.

Tulpentreppe im Queens House, Greenwich

Das nächste Werk des Architekten war das Banqueting House in London (1619-1622). Die zweistöckige Fassade ist fast vollständig mit architektonischen Dekorationen bedeckt. Im Inneren reproduziert eine zweistufige Kolonnade das Erscheinungsbild eines antiken Tempels. Jones‘ Gebäude entsprachen dem damaligen Geschmack des englischen Hofes. Doch erst im 18. Jahrhundert wurde Jones‘ Werk geschätzt: Es wurde von Palladio-Fans wiederentdeckt und seine Werke wurden zu Vorbildern für die Bauten des englischen Palladianismus.

Banketthaus

Ende des 16. und Anfang des 17. Jahrhunderts. Theateraufführungen („Masken“) spielten in der Geschichte des Schlosses eine wichtige Rolle. Besonders berühmt waren die Bühnenbilder und Kostüme von Inigo Jones, einem talentierten Theaterdesigner.
Das Banketthaus ist 34 m lang, 17 m breit und ebenso hoch. Über dem hohen Sockel erheben sich zwei Stockwerke. Breite Fenster sind rhythmisch entlang der Fassade angeordnet. Die Mitte des Gebäudes wird durch 8 Säulen ionischer Ordnung in der unteren Reihe und korinthischer Ordnung in der oberen Reihe hervorgehoben. Über den Fenstern des Obergeschosses befindet sich ein Fries in Form von in Stein gemeißelten Girlanden. Eine elegante Balustrade rundet die Gesamtkomposition ab. Der einzige Saal dieses Gebäudes wurde von Rubens dekoriert.
Ende des 19. Jahrhunderts. Das Gebäude beherbergte eine Ausstellung des Militärhistorischen Museums.

Eine neue Etappe in der Geschichte der englischen Architektur begann in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts, als die ersten Gebäude entstanden Sir Christopher Wren(1632-1723), einer der berühmtesten und angesehensten englischen Architekten.

Gottfried Kneller „Porträt von Christopher Wren“ (1711)

Sir Christopher Wren, ein Architekt und Mathematiker, baute das Zentrum Londons nach dem großen Brand von 1666 wieder auf. Er schuf den Nationalstil der englischen Architektur – den Wren-Klassizismus.
Ren war Wissenschaftler, studierte Mathematik und Astronomie und wandte sich bereits mit über dreißig der Architektur zu. Im Laufe seiner langen und fruchtbaren Karriere gelang es ihm, fast alle seine Pläne zu verwirklichen. Er baute Paläste und Tempel, Bibliotheken und Theater, Krankenhäuser und Rathäuser und entwickelte Wohngebiete in London. Zusammengenommen könnten die vielen Gebäude von Ren eine mittelgroße Stadt bilden. Nach dem „großen Brand“ von 1666 beteiligte sich Wren aktiv am Wiederaufbau Londons: Er baute über 50 der 87 niedergebrannten Kirchen wieder auf. Der krönende Abschluss dieser Aktivität war die grandiose und majestätische Kathedrale St. Paul, das zum größten religiösen Gebäude der protestantischen Welt wurde.

Das am Ufer der Themse gelegene Royal Hospital in Greenwich ist das letzte große Gebäude von Christopher Wren. Der große Krankenhauskomplex besteht aus 4 Gebäuden, die rechteckige Innenhöfe mit einer großzügigen Fläche zwischen den Vordergebäuden bilden, Portiken der Fassaden sind zum Fluss hin ausgerichtet. Breite Stufen, flankiert von majestätischen Kuppelgebäuden, führen zu einem zweiten Platz zwischen einem zweiten Hofpaar. Die Kolonnade aus Doppelsäulen, die den Platz umrahmen, bildet eine sehr eindrucksvolle Perspektive und endet mit dem Queens House von Inigo Jones. Der Architekt beteiligte sich auch am Bau des Greenwich Hospital Nicholas Hawksmoor(1661-1736). Er begann zu Rens Lebzeiten mit der Arbeit und setzte sie nach dem Tod des Architekten fort.
Wren folgte dem Weg von Inigo Jones. Aber Jones nahm den Geist der italienischen Renaissance auf und Wren schuf im Stil des Klassizismus.
Die Traditionen von Christopher Wren wurden fortgesetzt James Gibbs(1682-1754) – die markanteste und originellste Figur der englischen Architektur der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts, einer der wenigen Vertreter des Barockstils in der britischen Architektur. Auch er baute im palladianischen Stil und entlehnte ihm einzelne Elemente.

A. Soldi „Porträt von James Gibbs“

Gibbs‘ größten Einfluss hatte die Arbeit von Christopher Wren, doch Gibbs entwickelte nach und nach seinen eigenen Stil. Seine berühmte Radcliffe Library in Oxford, streng und monumental, zählt zu den schönsten Denkmälern der englischen Architektur.

Die Bibliothek ist hinsichtlich Größe und künstlerischem Wert das bedeutendste Gebäude von Gibbs. Diese besondere zentrische Struktur besteht aus einer 16-eckigen Basis, einem zylindrischen Hauptteil und einer Kuppel. Der Sockel wird von großen gewölbten Tür- und Fensteröffnungen durchschnitten; Der runde Hauptteil ist durch Säulenpaare in 16 Pfeiler gegliedert, in denen sich in zwei Ebenen angeordnete Fenster und Nischen abwechseln. Über der Balustrade erhebt sich eine Kuppel mit einer Laterne.
Die Bibliothek ist eines der besten Denkmäler der englischen Architektur.
Ein weiteres Meisterwerk von Gibbs ist die Kirche St. Martin in the Fields.

Kirche St. Martin in the Fields

Es schmückt den Trafalgar Square in London. In St. Martin in the Fields ist der Einfluss von Christopher Wren zu erkennen, aber der Glockenturm ist kein eigenständiges Gebäude, sondern bildet mit dem Kirchengebäude ein einziges Ganzes. Zunächst kritisierten Zeitgenossen diese Entscheidung des Architekten, doch später wurde die Kirche zum Vorbild für zahlreiche anglikanische Kirchen in England selbst und über seine Grenzen hinaus.

Englischer Palladianismus

Mit dem Namen ist der englische Palladianismus verbunden William Kent(ca. 1684-1748), Architekt, Archäologe, Maler und Verleger.

Villa in Chiswick (1723-1729)

Die Villa wurde von Lord Burlington unter direkter Beteiligung erbaut William Kent. Dies ist das berühmteste Gebäude des englischen Palladianismus. Mit Ausnahme der Fassaden ist es fast wörtlich eine Wiederholung der Villa Rotunda von Andrea Palladio.

Villenpark in Chiswick

Die Parkfassade ist mit einem Portikus mit Giebel geschmückt; eine komplexe und elegante Treppe führt zum Portikus. Die Villa war nicht zum Wohnen gedacht, es gibt weder Schlafzimmer noch eine Küche, es gibt nur Räume für Burlingtons Kunstsammlungen.
Dank der Schirmherrschaft von Lord Burlington erhielt Kent Aufträge für den Bau öffentlicher Gebäude in London, zum Beispiel der Horse Guards.

Pferdewächter

Horse Guards sind die Kasernen der Horse Guards in London. Dies ist William Kents reifstes Werk.
William Kent baute mehrere Paläste in London. Er führte Aufträge für die Innenausstattung von Landresidenzen des englischen Adels aus. Hauptberuf Kents Anwesen wurde zu Holkham Hall in Norfolk.

Holkham Hall in Norfolk

Es war für die Kunstsammlung von Lord Leicester gedacht. Besonders berühmt sind die Innenräume von Holkham Hall voller Seide, Samt und Vergoldung. Auch Möbel wurden nach Kents Zeichnungen gefertigt.

Englischer Park

Der landschaftlich gestaltete englische Park ist eine wichtige Errungenschaft der englischen Architektur des 18. Jahrhunderts. Der Landschaftspark erzeugte die Illusion echter, unberührter Natur; die Anwesenheit von Mensch und moderner Zivilisation war hier nicht zu spüren.
Der erste Landschaftspark wurde in der Palladio-Ära auf dem Anwesen des Dichters Alexander Pope in Twickenham (einem Vorort von London) angelegt. Der französische Park schien ihm die Verkörperung staatlicher Tyrannei zu sein, die sogar die Natur unterwarf (Park von Versailles). Der Dichter betrachtete England als ein freies Land. Ein Erneuerer in der Landschaftskunst Englands war William Kent. Er schuf die besten Landschaftsparks dieser Zeit: den Park der Villa Chiswick House, den Champs-Elysees-Park in Stowe in Mittelengland.

Champs-Élysées-Park

Besonders beeindruckend waren die künstlichen, eigens errichteten Ruinen, die sogenannten Tempel der modernen Tugend. Anscheinend symbolisierten die Ruinen den Verfall der Moral in der modernen Gesellschaft und standen im Gegensatz zum luxuriösen Tempel der antiken Tugend, der von W. Kent im antiken Stil erbaut wurde.

Der von W. Kent im antiken Stil erbaute Tempel der antiken Tugend ist ein rundes Kuppelgebäude, das von einer Kolonnade aus 16 glatten ionischen Säulen umgeben ist, die auf einem niedrigen Podium montiert sind. Der Tempel verfügt über zwei Eingänge in Form von gewölbten Öffnungen, die jeweils über eine 12-stufige Treppe erreichbar sind. Im Inneren des Tempels gibt es 4 Nischen, in denen menschengroße Statuen antiker griechischer Berühmtheiten aufgestellt sind.
Bereits Mitte des 18. Jahrhunderts. Landschaftsparks waren in England, Frankreich, Deutschland und Russland weit verbreitet.

Der letzte große Vertreter des Palladianismus in der englischen Architektur war William Chambers(1723-1796) – schottischer Architekt, Vertreter des Klassizismus in der Architektur.

F. Kotes „Porträt von W. Chambers“

Chambers leistete einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der Landschaftsgartenkunst. Dank Chambers erschienen exotische (chinesische) Motive im traditionellen englischen Landschaftspark.

Große Pagode- das erste Gebäude im Geiste Chinesische Architektur in Europa. Es wurde zwischen 1761 und 1762 in Richmonds Kew Gardens erbaut. entworfen vom Hofarchitekten William Chambers nach den Wünschen der Mutter von König Georg III., Augusta. Die Höhe beträgt 50 m, der Durchmesser der unteren Etage beträgt 15 m. Im Inneren der Pagode gibt es eine Treppe mit 243 Stufen, das Dach ist mit Ziegeln gedeckt.
Nachbildungen der Pagode von Kew erschienen im Englischen Garten in München und anderen Teilen Europas. Auf Wunsch von Katharina II. entwarf Chambers' Landsmann Charles Cameron ein ähnliches Bauwerk im Zentrum des chinesischen Dorfes Zarskoje Selo, doch das Projekt wurde nicht in die Tat umgesetzt. Aber die chinesischen Häuser wurden trotzdem gebaut.

Chinesische Häuser. Chinesisches Dorf im Alexanderpark von Zarskoje Selo

Neoklassizistische Architektur

Als in der Mitte des 18. Jahrhunderts. Die ersten archäologischen Ausgrabungen antiker Denkmäler begannen in Italien; alle großen Vertreter des englischen Neoklassizismus reisten nach Rom, um die Ruinen antiker Gebäude zu besichtigen. Andere englische Architekten reisten nach Griechenland, um antike griechische Gebäude zu studieren. In England zeichnete sich der Neoklassizismus dadurch aus, dass er die Leichtigkeit und Eleganz der Antike übernahm, insbesondere in englischen neoklassizistischen Innenräumen. im Gegenteil, alle Gebäude waren heller und eleganter.

G. Wilson „Porträt von Robert Adam“

Spielte eine besondere Rolle in der Architektur des englischen Neoklassizismus Robert Adam(1728–1792), schottischer Architekt aus der palladianischen Adam-Dynastie, der größte Vertreter des britischen Klassizismus des 18. Jahrhunderts. Adam stützte sich auf das Studium antiker Architektur und verwendete streng klassische Formen. Adams architektonische Tätigkeit war sehr breit gefächert. Zusammen mit seinen Brüdern James, John und William errichtete er Herrenhäuser und öffentliche Gebäude, bebaute ganze Straßen, Plätze und Stadtviertel Londons. Sein kreative Methode- Rationalismus, gekleidet in die Formen der griechischen Antike.

Haus im Syon House-Anwesen in London. Bogen. R. Adam (1762-1764). Rezeption. London, Großbritannien)

Der Empfangsraum im Syon House ist einer von Adams berühmtesten Innenräumen. Der Raum ist mit zwölf blauen Marmorsäulen mit vergoldeten Kapitellen und Skulpturen auf der Oberseite geschmückt. Die Stämme dieser Säulen sind wirklich antik – sie wurden am Grund des Tiber in Rom gefunden, während die Kapitelle und Skulpturen nach den Zeichnungen von Adam selbst angefertigt wurden. Die Säulen tragen hier nicht die Decke, sondern werden einfach an die Wand gestellt, verleihen dem Raum aber ein majestätisches Aussehen.

Schon zu Lebzeiten des Meisters dachten viele über Adams Innenräume nach höchste Errungenschaft Englische Architektur. Die Traditionen ihrer Kunst behielten lange Zeit ihre Bedeutung in der englischen Architektur.
Sondern im Neoklassizismus des 18. Jahrhunderts. Es gab zwei Architekten, deren Stil sich vom „Adam-Stil“ unterschied: George Dance der Jüngere(1741-1825) und Sir John Soane(1753-1837). Das berühmteste Gebäude von Dance war das Newgate-Gefängnis in London (nicht erhalten). John Soane folgte größtenteils Dances Stil, war der Chefarchitekt des Gebäudes der Bank of England (1795-1827) und widmete dessen Bau einen bedeutenden Teil seines Lebens.

„Gothic Revival“ (Neugotik)

Mitte des 18. Jahrhunderts. In England entstanden Gebäude, die Motive verwendeten gotische Architektur: Spitzbögen, hohe Dächer mit steilen Neigungen, Buntglasfenster. Diese Zeit der Begeisterung für die Gotik wird üblicherweise als „Gothic Revival“ (Neugotik) bezeichnet. Es dauerte bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts. und hat sich bis heute zu einem beliebten Stil entwickelt: In England werden Gebäude häufig im gotischen Stil errichtet.
Der Begründer der Neugotik war Graf Horace Walpole(1717-1797) – Schriftsteller, Autor des ersten Horrorromans „Das Schloss von Otranto“. 1746-1790 Er baute seine Villa auf dem Landgut Strawberry Hill (Twickenham, einem Vorort von London) im gotischen Stil um.

Villa

Die Font Hill Abbey in Mittelengland wurde zwischen 1796 und 1807 erbaut. Architekt James Wyeth (1746-1813).

Font Hill Abbey (nicht erhalten)

Bereits im 19. Jahrhundert. Der gotische Stil wurde zum Staatsstil. In diesem Stil Mitte des 19. Jahrhunderts. In London befanden sich die Houses of Parliament im Bau (Architekt Charles Barry) – eines der Hauptgebäude der englischen Architektur dieser Zeit.

A. V. Tschekmarew

Dreifaltigkeitskathedrale

Alexander-Newski-Lavra

als ikonographisches Beispiel

Teil 2. Neues Heiligtum der Hauptstadt

Der Artikel wurde in der Sammlung „St. Petersburg und die Architektur Russlands. Architektur in der Geschichte der russischen Kultur“ veröffentlicht. Bd. 7. M., 2007. S. 317-362.

Dreifaltigkeitskathedrale der Alexander-Newski-Lavra. Westfassade. Foto vom Anfang des 20. Jahrhunderts

Die elisabethanische Ära brachte neue Ideale der Tempelarchitektur hervor. Mit dem Erscheinen der Verklärungskathedrale in der Hauptstadt, die die Bedeutung eines Denkmals für die Thronbesteigung der Kaiserin hatte, wurde die Idee des traditionellen russischen Fünfkuppelbaus wiederbelebt. Durch die Kombination des nationalen „griechischen“ Tempeltyps mit den Prinzipien des Barock entstand eine ganze Gruppe von Gebäuden in den Werken von P. A. Trezzini und F. B. Rastrelli, die auf Befehl der Kaiserin selbst und Menschen aus ihrem Umfeld errichtet wurden. Vor diesem Hintergrund der orthodoxen Renaissance trat die Fremdartigkeit des unvollendeten Schwertfeger-Doms deutlicher hervor. Der petrinische Radikalismus in Bezug auf die ursprünglichen orthodoxen Symbole fand am Hof ​​​​der verehrten Elisabeth offensichtlich keine Unterstützung religiöse Traditionen. Die Idee, die Dreifaltigkeitskathedrale in ihrer bisherigen Form völlig aufzugeben, nahm jedoch wahrscheinlich nicht sofort Gestalt an. Die Demontage galt zunächst als technische Zwangsmaßnahme. Es besteht Grund zu der Annahme, dass später geplant war, die Kathedrale in derselben Form mit einigen geringfügigen Änderungen wieder aufzubauen. Ansonsten ist es schwierig, das Erscheinen eines Stichs von G. Kachalov (nach einer Zeichnung von M. Makhaev) mit einer Ansicht des Alexander-Newski-Klosters im Jahr 1748 zu erklären, der von Archimandrit Theodosius in Auftrag gegeben wurde.

Blick auf das Alexander-Newski-Kloster. Zeichnung von M.I. Makhaeva. 1747

St. Alexander Newski (mit einem Panorama des Alexander-Newski-Klosters). Ikone aus den 1740er Jahren OIRK GE

Es ist etwas überraschend, in den Kirchenordnungen von Kaiserin Elisabeth selbst eine direkte Nachbildung der Dreifaltigkeitskathedrale zu finden. Der Entwurf der Kirche der Auferstehung des Wortes für das königliche Anwesen in Pokrowski-Rubtsow bei Moskau stammt aus dem Jahr 1752.

Seine Urheberschaft wird mit F.-B. Rastrelli in Verbindung gebracht, der weitere Werke für diese Residenz aufführte, und die Zeichnung selbst gehört dem „Architekturstudenten des Büros des Polizeichefs“ Wassili Zabolotsky.

Projekt der Kirche der Auferstehung des Wortes im Palastdorf Pokrowskoje-Rubtsovo. Zeichnung von V. Zabolotsky. 1752 GNIMA im. EIN V. Shchuseva

Der geplante Tempel wiederholt sowohl in seiner Planung als auch in seiner volumetrischen Gestaltung das Schwertfeger-Modell, nur in reduzierter und vereinfachter Form. Die Seltenheit dieses Projekts vor dem Hintergrund der elisabethanischen Tempelarchitektur lässt sich nur durch einen Umstand erklären – die Ehrfurcht der Tochter vor der Persönlichkeit ihres Vaters und infolgedessen vor den mit ihm verbundenen Symbolen. Eine davon war zweifellos die Dreifaltigkeitskathedrale des Alexander-Newski-Klosters. All dies beweist, dass der verurteilte Mann in den frühen 1740er Jahren war. Darüber hinaus behielt der architektonisch betont innovative Tempel seine Bedeutung noch lange. Der Kult der Verehrung des ersten Kaisers verlieh der für die russische Wahrnehmung seltsamen Struktur schon damals einen Gedenkcharakter. 1755 wurde die Kathedrale jedoch abgebaut. Unter Elisabeth kam es nie zu einer Neuauflage der Angelegenheit.

Zusätzlich zu den besprochenen Beispielen ist nur ein Projekt einer Zwei-Glocken-Kirche in der russischen Architektur der Zeit vor Katharina bekannt. Er wurde 1751 von P.A. Trezzini für das Metochion der Dreifaltigkeits-Sergius-Lavra in St. Petersburg angefertigt und versuchte, den Typus der zweiglockenförmigen Kirche, der von der römischen Kirche Sant'Agnese von C. Borromini stammt, mit den russischen fünf zu kompromittieren -gewölbtes Hauptvolumen.

Projekt einer Zwei-Glocken-Kirche für den Metochion-Brunnen der Dreifaltigkeit-Sergius-Lavra in St. Petersburg. Zeichnung von P.A. Trezzini. 1751

Diese und möglicherweise bestehende andere Pläne, die außerhalb der Hauptrichtung des russischen Tempelbaus lagen und keine Unterstützung durch die ideologisch bedeutsamen Initiativen Peters des Großen fanden, hinterließen weder eine stabile Tradition in der russischen Architektur noch die realisierten Denkmäler selbst . Es sollte auch beachtet werden, dass die von Petrus selbst zweimal in den Kathedralen der Hauptstadt vorgenommene Einpfropfung der Zwei-Türme-Typologie in den orthodoxen Kirchenbau nur ein schwaches Echo fand. Das Fehlen ähnlicher Projekte und Gebäude nach 1752 bestätigt das fast vollständige Verschwinden dieses architektonischen Themas in Russland. Allerdings ist die Macht der Autorität von St. Alexander Newski und Peter der Große, multipliziert mit den politischen Ideen der Kaiserin Katharina II , ermöglichte die Wiederbelebung des Typs der orthodoxen Kirche mit zwei Glocken, wiederum unter dem Deckmantel der Dreifaltigkeitskathedrale des Klosters der Hauptstadt. Und diese dritte Impfung erwies sich als die erfolgreichste.

Die Idee, das Alexander-Newski-Kloster fertigzustellen, kam Katharina II bereits 1763. Anfang 1764 legte der Rektor, Erzbischof Gabriel, zur höchsten Prüfung eine Notiz „über die Struktur des Alexander-Newski-Klosters, was nach Meinung des Bischofs darin wieder aufgebaut werden sollte und was sein sollte.“ korrigiert gegenüber der vorherigen Struktur für Stärke und Bequemlichkeit für das Leben.“ Gabriel stellte zunächst die Frage nach dem Bau einer Domkirche. Die Entwicklung des Projekts für die neue Kathedrale wurde fast allen großen Architekten von St. Petersburg anvertraut – J.-B. Wallen-Delamot, Y. M. Felten, A. F. Wiest und anderen. Leider sind die damals vorgelegten Zeichnungen unbekannt, keine erhielt eine Genehmigung und der Bau des Tempels wurde lange Zeit verschoben. Welche Art von Kathedrale die Kaiserin sehen wollte, bleibt ein Rätsel. Ein Detail in den Ordensbedingungen lässt jedoch darauf schließen, dass es sich um die Zwei-Glocken-Typologie handelt. Das Gebäude sollte auf alten Fundamenten (mit deren Verstärkung) errichtet werden, also die Ausmaße und Struktur des demontierten Schwertfeger-Tempels nachahmen.

Der Wiederaufbau der Kathedrale symbolisierte symbolisch die Kontinuität der neuen Regierung mit Peters Initiativen, die später in Katharinas bedeutungsvoller These zum Ausdruck kam: „Was begonnen wurde, ist vollendet.“ Auch die von Peter persönlich genehmigte Rückkehr zum Erscheinungsbild des Hauptstadtheiligtums vor dem Hintergrund der raschen Kürzung des Baus des Smolny-Klosters (dem wichtigsten Kirchenprojekt der Vorherrschaft) kann als Vorwurf an die verstorbene Elisabeth gedeutet werden , unter dem es so war, als ob „der Zusammenhang der Zeiten auseinanderfiel“ und es zu einem Rückfall auf vorpetrinische Prinzipien kam. EkaterinaII Aufgrund ihrer Herkunft und Erziehung waren sie fremd und die Petruszeit (ausgedrückt unter anderem in architektonische Symbole) wurde für sie zunächst zum wichtigsten Bezugspunkt in der russischen Geschichte. Bedeutend ist die Restaurierung in den 1760er Jahren. in ihrer ursprünglichen Form die Peter-und-Paul-Kathedrale, die nach einem Blitzeinschlag im Jahr 1756 niederbrannte. Trotz der Anwesenheit verschiedener Projekte, die erhalten bleiben allgemeine Zusammensetzung Gebäude, aber durch die Modernisierung seiner architektonischen Formen wurde das Erscheinungsbild der Kathedrale so nah wie möglich an das Original gebracht. Im Einklang mit dem „architektonischen Erbe“ des ersten Kaisers steht Katharinas Plan für die Dreifaltigkeitskathedrale des Alexander-Newski-Klosters. Als man sich Mitte der 1770er Jahre zu einer erneuten Umsetzung entschloss, wurde das Konzept um eine Reihe neuer relevanter Ideen bereichert, die im Rahmen der sogenannten. „Griechisches Projekt“

Im Jahr 1774 wurde der Entwurf der Dreifaltigkeitskathedrale I.E. Starov anvertraut, der der Kaiserin für seine Arbeit an den Gütern ihres unehelichen Sohnes A.G. Bobrinsky bekannt war. Zwei Jahre später, am 26. Februar 1776, erhielten der Entwurf und der Kostenvoranschlag große Zustimmung, und zwei Jahre später wurde der Tempel feierlich errichtet. Die Zeremonie fand am 30. August 1778 statt, dem Tag der Feier der Überführung der Reliquien von Alexander Newski durch Peter den Großen. Neben der Kaiserin waren Großfürst Pawel Petrowitsch und seine Frau sowie ein großes Gefolge anwesend. Das Dach des zu diesem Anlass errichteten Pavillons war mit dem strahlenden Monogramm Alexander Newskis und einer Krone geschmückt. Auf dem Fundament des Tempels legte die Kaiserin in einer silbernen Schatulle einen Teil der Reliquien des Apostels Andreas des Erstberufenen, des himmlischen Schutzpatrons, nieder Russisches Reich. Unter der Leitung von Starov wurde ein Holzmodell angefertigt, das eine detaillierte Vorstellung des zukünftigen Gebäudes ermöglichte.

Blick auf die Alexander-Newski-Lavra. Kolorierter Kupferstich von I.A. Ivanova. Anfang des 19. Jahrhunderts

Modell der Dreifaltigkeitskathedrale. NIMRAH

Die Kathedrale selbst wurde 1786 grob erbaut. Ihre Weihe fand am 30. August 1790 im Beisein von Katharina und der gesamten kaiserlichen Familie statt.

Bemerkenswert ist, dass Starov nicht durch die Notwendigkeit eingeschränkt wurde, sich an die Abmessungen des vorherigen Gebäudes anzupassen; sein Tempel steht auf neuen Fundamenten. Dies bestätigt erneut den keineswegs zweckmäßigen Charakter der Wiederholung der Zwei-Turm-Struktur. Die Kaiserin reproduzierte den Basilika-Entwurf mit einer von Peter stammenden Vorhalle mit zwei Glocken und füllte das architektonische Bild mit neuem Inhalt. Das direkte Festhalten an den Geboten des Petrus wurde hier mit einem qualitativ neuen Klang des römischen Themas verbunden.

Geopolitische Pläne zur Eroberung des Osmanischen Reiches und zur Befreiung der orthodoxen Balkanvölker hatten das Ziel, Byzanz – das zweite Rom – wiederherzustellen. Großartiges Design reagierte auf Katharinas Architektur mit einer Reihe von Projekten und Gebäuden, die die neue Mission der russischen Krone im übertragenen Sinne zum Ausdruck brachten. Transparente Anspielungen (nicht nur semantisch, sondern auch rein architektonisch), die auf die Kontinuität Russlands vom zweiten Rom – Konstantinopel (und weiter – von) hinweisen Das antike Hellas), bildete die Grundlage des vielleicht lehrreichsten Ensembles des „griechischen Projekts“ – der Stadt Sofia in Zarskoje Selo mit ihrer gleichnamigen Kathedrale. Auch die St.-Josephs-Kathedrale in Mogilev, Pells neue Landresidenz, das Zarskoje-Selo-Bad mit der Cameron-Galerie und andere Pläne der Kaiserin weisen einen engen Zusammenhang mit diesem ideologischen Programm auf. Hier ist auch die Dreifaltigkeitskathedrale des Alexander-Newski-Klosters organisch integriert, deren Bild direkt an das erste Rom appellierte, das am Ursprung des Kaisergedankens und des europäischen Christentums stand.

Assoziationen zum römischen Dom St. Peter, die indirekt auch im ersten Schwertfeger-Projekt vorhanden waren, verstärkten sich nun. Der Klassizismus, der sich auf das Erbe der Antike und der Renaissance stützte, verlieh der Ähnlichkeit eine größere Spezifität – in der allgemeinen gewölbten Silhouette, in der Verwendung von Ordnungen und der Innenarchitektur. Dies führte zu einer spürbaren Akzentverschiebung in der Komposition des Gebäudes – die Dominanz der mehrstufigen barocken Glockentürme wurde in Starovs Plan durch die Vorrangigkeit der Kuppel mit relativ niedrigen Türmen ersetzt. Die Anspielung auf den berühmten römischen Prototyp ist hier offensichtlich, zumal in St. Petersburg, das die Rolle der Hauptstadt des aufgeklärten Europas anstrebt, das Thema einer monumentalen Kuppel, die die Stadt überschattet, bisher nicht thematisiert wurde. Damit verlor er nicht nur gegen die „ewige Stadt“, sondern auch gegen andere Hauptstädte – London mit seiner St. Paul’s Cathedral, Paris mit der Invalidenkathedrale, Wien mit der Karlskirche. Die Kuppelbasilika, die sich über dem Newski-Kloster erhebt und vom Fluss aus ein Panorama des Komplexes bietet, unterstreicht erneut die Beteiligung Russlands an diesem Prozess Europäische Geschichte, einschließlich architektonisch. Die Stadt erlangte ein ikonisches Symbol, das für die imperiale Ideologie und die Etablierung des klassischen Architekturstils wichtig war. Laut Forschern von Starovs Werk war die Kathedrale „das bedeutendste religiöse Gebäude in Bezug auf Monumentalität in der Hauptstadt und hatte bis zum Bau der Kasaner Kathedrale durch Voronikhin und der St. Isaaks-Kathedrale durch Montferrand keine Konkurrenten.“ Es ist wichtig, dass beide hier genannten Kirchen das römische Thema in St. Petersburg, das so deutlich mit der Dreifaltigkeits-Lavra-Kathedrale begann, maßgeblich weiterentwickelten.

Siehe: T.P.Fedotova. Zum Problem der fünf Kuppeln in der Barockarchitektur der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts // Russische Barockkunst. Materialien und Forschung. Ed. T. V. Alekseeva. M., 1977. S.70-87.

Als der Senat den Abriss der Dreifaltigkeitskathedrale anordnete, legte er fest, „an derselben Stelle und nach demselben Plan und derselben Fassade nach dem Muster eine Domkirche zu errichten, Ihrer kaiserlichen Majestät einen Bericht des Senats zu erstatten, und wann die Wenn das Dekret eingegangen ist, dann ist der gesamte Betrag erforderlich. Wenn Bedarf für dieses Gebäude besteht, legen Sie dem Senat einen Bericht des Amtes für Gebäude vor, wonach die Freigabe des Geldes und die Entscheidung getroffen werden“ (Heilige Dreifaltigkeit, Alexander Newski). Lavra. Buch 2. S. 86).

Im April 1747 erhielt die Akademie der Wissenschaften von Erzbischof Theodosius den Auftrag zur Anfertigung eines Kupferstichs. Zunächst fertigte E. Grimmel eine Zeichnung an, die den Dom nach dem Entwurf von D. Trezzini darstellte. Theodosius ordnete an, „eine Kathedralkirche nach der jetzigen Bauart zu errichten“. Im Juli 1747 führte M. Makhaev eine Neufassung mit einer Ansicht der Dreifaltigkeitskathedrale von T. Schwertfeger auf. Auf dieser Grundlage fertigte G.A. Kachalov 1748 einen Stich mit dem Bild des Hl. an. Alexander Newski und sein Bruder Fjodor mit einem Panorama des Alexander-Newski-Klosters zu ihren Füßen. Siehe: M.A. Alekseeva. Michailo Makhaev. Meister der Landschaftszeichnung des 18. Jahrhunderts. St. Petersburg, 2003. S.64-67.

A. G. Pobedinskaya. Merkmale des Barock in der russischen Ikonenmalerei des 18.-19. Jahrhunderts (basierend auf Materialien aus der OIRK-Sammlung) // Russische Barockkunst. Neue Materialien und Forschung. Zusammenfassung der Artikel. St. Petersburg, 1998. S. 111-126. Architekten Moskaus aus der Zeit des Barock und Klassizismus. (1700-1820er Jahre). Komp. A. V. Krasheninnikov. M., 2004. S. 95.

Auf dem südlichen Schild befindet sich im Auftrag von Elisabeth Petrowna ein Schrein des Hl. Alexander Newski gibt es eine Inschrift: „Die mächtigste Elisabeth, eine Nachahmerin der väterlichen Verehrung der Heiligen, eifrig für ihn in der Frömmigkeit, ließ sich aus dem Silber, das sie zuerst unter ihrer gesegneten Macht erwarb, diesen Schrein bauen, der durch seine Taten mit Mut und Heiligkeit geschmückt war.“ im Sommer 1750“ (Heilige Dreifaltigkeit Alexander-Newski-Lavra. Buch 2. S. 195.

Erste Annahmen, dass es sich hierbei um Projektoptionen handelt katholische Kirche am Newski-Prospekt, widerlegt im Buch: A.N. Petrov. S. I. Chevakinsky und St. Petersburger Architektur der Mitte des 18. Jahrhunderts // Russische Architektur der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Forschung und Materialien. Von Hrsg. I.E. Grabar. M., 1954. S.362-363; G. I. Vzdornov. Der Architekt Pietro Antonio Trezzini und seine Bauten // Russische Kunst des 18. Jahrhunderts. Materialien und Forschung. Ed. T. V. Alekseeva. M., 1968. S.81-82.

Der Glockenturm der Kathedrale wurde am 30. April 1756 durch ein Gewitter beschädigt. Bis zum Tod von Elisabeth Petrowna hatte die Restaurierung der Kathedrale noch nicht begonnen. Im Jahr 1765 ordnete Katharina II. den Wiederaufbau der Kathedrale gemäß dem neuen Projekt an. Chevakinsky, Wallen-Delamot, Rinaldi, Felten, Volkov und Wiest stellten ihre Vorschläge vor. Allerdings wurde keines der Projekte genehmigt, und am 21. August 1766 befahl die Kaiserin, den Glockenturm „genau so wiederherzustellen, wie er vorher war“. Die Arbeiten wurden 1780 abgeschlossen. Siehe: E.N. Elkin. Restaurierung der Peter-und-Paul-Kathedrale nach dem Brand von 1756 // Notizen zur Lokalgeschichte. Forschung und Materialien. Ausgabe 2... S.87-112.

Siehe: D.O. Shvidkovsky. Architektur und Politik in der Ära Katharinas II. // Architektur in der Geschichte der russischen Kultur. Ausgabe 3. Gewünscht und tatsächlich. M., 2001. S.99-108; E. I. Kirichenko. „Griechisches Projekt“ von Katharina II. im architektonischen Raum des Russischen Reiches // 18. Jahrhundert – Versammlung der Künste... S.244-260; E. I. Kirichenko. Das griechische Projekt Katharinas II. im Raum russischer Hauptstädte und ihrer Umgebung // Architektur in der Geschichte der russischen Kultur. Ausgabe 3. Gewünscht und tatsächlich. S.109-123.

In diesem Artikel werde ich über Meisterwerke der ausländischen Architektur des 18. Jahrhunderts sprechen.

Sie kennen wahrscheinlich die Namen so wunderbarer Meister wie V.I. Bazhenov, A.F. Kokorinov. Diese Menschen haben zweifellos einzigartige Kunstwerke des 18. Jahrhunderts geschaffen , A.F. Kokorinov ist eine Fundgrube der Weltarchitektur, aber in diesem Artikel möchte ich über die Meisterwerke der ausländischen Architektur des 18. Jahrhunderts sprechen.

Das 18. Jahrhundert ist das Jahrhundert der Aufklärung, das Jahrhundert von Voltaire und D. Diderot, J.-J. Rousseau und C. Montesquieu. Im 18. Jahrhundert entstanden zwei völlig neue Stilrichtungen – Rokoko und Barock in Frankreich, in Anfang des 18. Jahrhunderts Aus dem Französischen übersetzt bedeutet Rokoko „STEIN“ oder „MUSCHE“. Zu den charakteristischen Merkmalen des Rokoko gehören Raffinesse, eine große Anzahl unterschiedlicher Ornamente, Rückzug aus der realen Welt, Eintauchen in die Fantasie und eine Tendenz zur Darstellung mythologischer Themen.

ITALIEN gilt als Geburtsort des BAROCK-Stils. Dieser Stil erschien in spätes XVII Anfang des 18. Jahrhunderts bedeutet Barock „SELTSAM“, „MARKEN“ ist geprägt von einer Tendenz zum Übermaß, dem Wunsch nach Pracht und Erhabenheit, der Vereinigung von Realität und Illusion Klassizismus und Rationalismus.

Als größte Architekten des 18. Jahrhunderts gelten A. Rinaldi, C. I. Rossi, B. F. Rastrelli, D. Trezzini.

ITALIENISCHE und ENGLISCHE ARCHITEKTUR des 18. Jahrhunderts.

Der Barock entstand in Italien nach der Renaissance und zeichnete sich durch die Fließfähigkeit komplexer Formen, eine Fülle von Skulpturen an den Gebäudefassaden aus, und die Komplexität der Kuppelformen setzte sich in der Kunst erst später durch Dieser bizarre Stil wurde durch einen rationaleren KLASSIZISMUS ersetzt. Der größte Italiener F. Yuvara gilt als Architekt und Vertreter des Spätbarocks. Er war es, der die berühmte Kirche von Superga und den Palazzo Madama in Turin schuf Arbeit in Portugal. Die letzten Werke des Architekten waren der Orientalische (Königliche) Palast in Madrid (offizielle Residenz der spanischen Könige) und die Landsommerresidenz des spanischen Königs Philipp V Palast. Ein anderer italienischer Architekt L. Vanvitelli schuf den berühmten Palast im neoklassizistischen Stil. Der Architekt N. Salvi ist der größte in Rom Der Stil des Brunnens ist barock. Der italienische Architekt A. Galilei baute die Laterankirche in Rom.

In England war der Barock nicht so weit verbreitet wie in Italien. Die Schlüsselfiguren der Barockarchitektur in England waren J. Vanbrugh und N. Hawksmoor. Das Hauptprojekt von J. Vanbrugh-Seaton Delaval und der Höhepunkt von N. Hawksmoors Werk die Spitalfields Church of Christ.

FRANZÖSISCHE und PORTUGIESISCHE ARCHITEKTUR DES 18. JAHRHUNDERTS.

Der Rokoko-Stil erschien in Frankreich zur Zeit von Philippe d'Orléans. Die bedeutendsten Architekten dieser Zeit waren J. A. Gabriel und J. J. Soufflot Als erster königlicher Architekt gilt der Platz Concorde in Paris, der nach dem Bau der Lyoner Oper, des Pariser Pantheons und der Schatzkammer von Notre Dame benannt wurde Das Rokoko-Hotel Soubise in Paris wurde in den 1780er Jahren vom Architekten J. Boffrand entworfen Der Klassizismus verbreitete sich in Frankreich zwischen 1779 und 1782. In Paris wurde das ODEON-Theater nach dem Entwurf der Architekten C. de Wailly und M.-J. Peyre erbaut. Das Lebensprojekt des französischen Architekten C. N. Ledoux ist eine Traumstadt, seine Idealstadt Chaux.

In Portugal entstand das Rokoko um 1726. Eines der bedeutendsten Gebäude im portugiesischen Rokoko-Stil ist der Palast von Queluz, das sogenannte „portugiesische Versailles“. Das Gebäude des Lissabonner Theaters von São Carlos wurde 1750 erbaut , der Bau des Necessidades-Palastes wurde abgeschlossen.

DEUTSCHE und ÖSTERREICHISCHE ARCHITEKTUR DES 18. JAHRHUNDERTS.

Der Barock in der deutschen Architektur begann sich hundert Jahre später zu entwickeln als in Italien und Frankreich. Seit 1725 arbeitete der Architekt im Stil eines blühenden, üppigen Rokoko in Nymphenburg. Der größte Architekt Deutschlands, Vertreter des Barock und des Rokoko, I. B. Neumann, schuf 1711 die Basilika in Gosweinstein, die katholische Kirche in Gaibach -1722. Zwinger-Palast („Zitadelle“), Meister der Rokoko-Interieur, deutsch Architekt XVIII Jahrhundert errichtete G. Knobelsdorff das Gebäude des Opernhauses in Berlin (1750). Sein Hauptwerk ist jedoch das einstöckige Schloss Sans Souci (Palast des preußischen Königs Friedrich II. des Großen) im königlichen Garten von Potsdam (1745). 1747)

Der österreichische Architekt I. B. Fischer von Erlach, der Begründer des Habsburger Barocks, arbeitete für zwei Länder: Deutschland und Österreich. Fischers herausragende Projekte waren das Schloss Schönbrunn, die katholische Karlskirche und das Winterpalais von Eugen von Savoyen der österreichische Architekt I. L. von Hildebrandt, der in Wien und Salzburg tätig war. Seine Hauptbauten sind Schloss Mirabell, Schloss Belvedere, Wiener Schloss Eugen von Savoyen.

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Tatiana Ponka

Die Architektur. Die führende Richtung in der Architektur der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Es gab den Klassizismus, der durch die Berufung auf die Bilder und Formen der antiken Architektur (das Ordnungssystem mit Säulen) als idealen ästhetischen Standard gekennzeichnet war.

Ein bedeutendes architektonisches Ereignis der 60er-80er Jahre. war die Gestaltung der Newa-Böschungen. Eine der Attraktionen von St. Petersburg war der Sommergarten. 1771 - 1786 Der Sommergarten von der Seite des Newa-Damms war mit einem Gitter eingezäunt, dessen Autor Yu.M. war. Felten (1730–1801) und sein Assistent P. Egorov. Das Gitter des Sommergartens ist im Stil des Klassizismus gehalten: Hier dominiert die Vertikale: Vertikal stehende Gipfel kreuzen rechteckige Rahmen, gleichmäßig verteilte massive Pylone stützen diese Rahmen und unterstreichen mit ihrem Rhythmus das allgemeine Gefühl von Majestät und Frieden. 1780-1789 entworfen vom Architekten A.A. Kvasov, Granitböschungen sowie Abstiege und Zugänge zum Fluss wurden gebaut.

Wie viele Zeitgenossen hat Yu.M. Felten war an der Umgestaltung der Innenräume des Großen Peterhof-Palastes (Weißer Speisesaal, Thronsaal) beteiligt. Zu Ehren des glorreichen Sieges der russischen Flotte über die Türken in der Tschesma-Bucht im Jahr 1770 wurde einer der Säle des Großen Peterhof-Palastes Yu.M. Felten baute es in die Chesme-Halle um. Die Hauptdekoration des Saals waren 12 Gemälde, die zwischen 1771 und 1772 entstanden. des deutschen Malers F. Hackert, gewidmet den Kämpfen der russischen Flotte mit der türkischen. Zu Ehren der Schlacht von Chesma Yu.M. Felten baute den Chesme-Palast (1774-1777) und die Chesme-Kirche (1777-1780) 7 Werst von St. Petersburg entfernt an der Straße nach Zarskoje Selo. Das im gotischen Stil erbaute Schloss und die Kirche bilden ein einziges architektonisches Ensemble.

Der größte Meister des russischen Klassizismus war W. I. Baschenow (1737/38–1799). Er wuchs im Moskauer Kreml auf, wo sein Vater Küster einer der Kirchen war, und studierte am Gymnasium der Moskauer Universität. Nach seinem Abschluss an der Akademie der Künste im Jahr 1760 war V.I. Bazhenov ging als Rentner nach Frankreich und Italien. Als er im Ausland lebte, genoss er solchen Ruhm, dass er zum Professor an den römischen Akademien und zum Mitglied der Akademien von Florenz und Bologna ernannt wurde. 1762, nach seiner Rückkehr nach Russland, erhielt er den Titel eines Akademikers. Aber in Russland kreatives Schicksal Das Leben des Architekten war tragisch.

In dieser Zeit konzipierte Katharina den Bau des Großen Kremlpalastes im Kreml und V.I. Bazhenov wurde zum Chefarchitekten ernannt. Projekt V.I. Bazhenov meinte den Wiederaufbau des gesamten Kremls. Dabei handelte es sich im Wesentlichen um ein Projekt für ein neues Zentrum Moskaus. Es umfasste den königlichen Palast, das Kollegium, das Arsenal, das Theater und einen Platz im Stil eines antiken Forums mit Tribünen für öffentliche Versammlungen. Der Kreml selbst wurde dank der Tatsache, dass Bazhenov beschloss, drei Straßen mit Durchgängen zum Palastgelände weiterzuführen, mit den Straßen Moskaus verbunden. Seit 7 Jahren V.I. Bazhenov entwickelt Projekte, bereitet den Bau vor, doch 1775 ordnet Katharina an, alle Arbeiten einzuschränken (offiziell – wegen Geldmangels, inoffiziell – wegen der negativen Einstellung der Öffentlichkeit gegenüber dem Projekt).

Mehrere Monate vergehen und V.I. Bazhenov wird mit der Errichtung eines Palast- und Parkkomplexes im Dorf Tschernaja Grjas (Zarizyno) in der Nähe von Moskau beauftragt, wo Katharina II. beschloss, ihren Landsitz zu errichten. Zehn Jahre später waren alle größeren Arbeiten abgeschlossen. Im Juni 1785 kommt Katharina nach Moskau und inspiziert die Gebäude von Zarizyn. Im Januar 1786 erlässt sie ein Dekret: Der Palast und alle Gebäude sollten abgerissen werden, und V.I. Bazhenov sollte ohne Bezahlung oder Rente entlassen werden. „Dies ist ein Gefängnis, kein Palast“, lautet das Fazit der Kaiserin. Die Legende verbindet den Abriss des Palastes mit seinem deprimierenden Aussehen. Catherine beauftragte M.F. mit dem Bau des neuen Palastes. Kasakow. Aber auch dieser Palast wurde nicht fertiggestellt.

1784-1786. IN UND. Bazhenov baute für den wohlhabenden Gutsbesitzer Paschkow ein Anwesen, das als Haus von P.E. bekannt ist. Paschkowa. Das Paschkow-Haus liegt am Hang eines hohen Hügels, gegenüber dem Kreml, am Zusammenfluss der Neglinka mit der Moskwa und ist ein architektonisches Meisterwerk der Klassik. Das Anwesen bestand aus einem Wohnhaus, einer Arena, Ställen, Wirtschafts- und Nebengebäuden und einer Kirche. Das Gebäude zeichnet sich durch antike Strenge und Feierlichkeit mit rein Moskauer Musterung aus.

Ein weiterer talentierter russischer Architekt, der im Stil des Klassizismus arbeitete, war M. F. Kazakov (1738–1812). Kasakow war kein Rentner und studierte antike und Renaissance-Denkmäler anhand von Zeichnungen und Modellen. Große Schule Für ihn gab es eine gemeinsame Arbeit mit Bazhenov, der ihn einlud, am Projekt des Kremlpalastes. Im Jahr 1776 beauftragte Catherine M.F. Kasakow entwirft ein Projekt für ein Regierungsgebäude im Kreml – den Senat. Der für das Senatsgebäude vorgesehene Standort hatte eine ungünstige längliche dreieckige Form und war auf allen Seiten von alten Gebäuden umgeben. So erhielt das Senatsgebäude einen allgemeinen dreieckigen Grundriss. Das Gebäude hat drei Stockwerke und ist aus Ziegeln gebaut. Das Zentrum der Komposition war Hof, in dem sich ein mit einer Kuppel gekrönter Eingangsbogen befand. Nachdem er den gewölbten Eingang passiert hatte, befand sich der Eintretende vor einer majestätischen Rotunde, gekrönt von einer mächtigen Kuppel. In diesem hellen Rundbau sollte der Senat seinen Sitz haben. Die Ecken des dreieckigen Gebäudes sind abgeschnitten. Dadurch wird das Gebäude nicht als flaches Dreieck, sondern als massives Volumen wahrgenommen.

M.F. Kasakow besitzt auch das Gebäude der Adelsversammlung (1784–1787). Die Besonderheit dieses Gebäudes bestand darin, dass der Architekt in der Mitte des Gebäudes platzierte Säulenhalle, und um ihn herum befinden sich zahlreiche Wohnräume und Flure. Der für Zeremonien bestimmte zentrale Raum des Säulensaals wird durch eine korinthische Kolonnade hervorgehoben und der festliche Zustand wird durch das Funkeln zahlreicher Kronleuchter und die beleuchtete Decke verstärkt. Nach der Revolution wurde das Gebäude den Gewerkschaften übergeben und in „Haus der Gewerkschaften“ umbenannt. Ausgehend von der Beerdigung von V.I. Lenin, der Säulensaal des Hauses der Gewerkschaften, diente als Trauerraum für den Abschied von Staatsmännern und berühmten Persönlichkeiten. Derzeit finden im Säulensaal öffentliche Versammlungen und Konzerte statt.

Der drittgrößte Architekt der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ist I. E. Starov (1744–1808). Er studierte zunächst am Gymnasium der Moskauer Universität, dann an der Akademie der Künste. Starovs bedeutendstes Gebäude ist der Taurische Palast (1782-1789) – ein riesiger Stadtsitz von G.A. Potemkin, der für die Entwicklung der Krim den Titel Tauride erhielt. Grundlage der Palastkomposition ist eine Saalgalerie, die den gesamten Innenkomplex in zwei Teile teilt. Vom Haupteingang aus gibt es eine Reihe von Räumen, die an die achteckige Kuppelhalle angrenzen. Auf der gegenüberliegenden Seite befindet sich ein großer Wintergarten. Das Äußere des Gebäudes ist sehr bescheiden, aber es verbirgt den umwerfenden Luxus der Innenräume.

Seit 1780 war der Italiener Giacomo Quarenghi (1744–1817) in St. Petersburg tätig. Seine Karriere in Russland war sehr erfolgreich. Architektonische Schöpfungen in Russland stellen eine brillante Kombination russischer und italienischer Architekturtraditionen dar. Sein Beitrag zur russischen Architektur bestand darin, dass er zusammen mit dem Schotten Charles Cameron Maßstäbe für die damalige Architektur St. Petersburgs setzte. Quarenghis Meisterwerk war das 1783-1789 erbaute Gebäude der Akademie der Wissenschaften. Das Hauptzentrum wird durch einen achtsäuligen ionischen Portikus hervorgehoben, dessen Pracht durch eine typische St. Petersburger Veranda mit einer Treppe mit zwei „Trieben“ verstärkt wird. 1792-1796. Quarenghi baut den Alexanderpalast in Zarskoje Selo, der sein nächstes Meisterwerk wird. Im Alexanderpalast ist das Hauptmotiv die mächtige Kolonnade des korinthischen Ordens. Zu den bemerkenswerten Bauwerken Quarenghis gehörte das Gebäude des Smolny-Instituts (1806–1808), das eine klare, rationelle Anlage aufweist, die den Anforderungen der Bildungseinrichtung entspricht. Sein Grundriss ist typisch für Quarenghi: Die Mitte der Fassade ist mit einem majestätischen achtsäuligen Portikus geschmückt, der Vorhof wird durch die Flügel des Gebäudes und einen Zaun begrenzt.

Ende der 70er Jahre kam der gebürtige Schotte Charles Cameron (1743–1812) nach Russland. Er wuchs im europäischen Klassizismus auf und konnte die Originalität der russischen Architektur spüren und sich in sie verlieben. Camerons Talent manifestierte sich vor allem in exquisiten Schloss- und Parklandschaftsensembles.

Im Jahr 1777 brachte Katharinas Sohn Pawel Petrowitsch einen Sohn zur Welt – den zukünftigen Kaiser Alexander I. Die entzückte Kaiserin schenkte Pawel Petrowitsch 362 Hektar Land entlang des Flusses Slawjanka – das zukünftige Pawlowsk. Im Jahr 1780 begann Charles Cameron mit der Schaffung des Schloss- und Parkensembles von Pawlowsk. Hervorragende Architekten, Bildhauer und Künstler waren am Bau des Parks, des Palastes und der Parkanlagen beteiligt, aber die erste Phase der Parkgründung unter der Leitung von Cameron war sehr bedeutsam. Cameron legte den Grundstein für den größten und besten Landschaftspark Europas im damals modischen englischen Stil – ein Park, der betont natürlich und landschaftlich gestaltet war. Nach sorgfältigen Messungen legten sie die Hauptverkehrsadern von Straßen, Gassen und Wegen an und legten Plätze für Wälder und Lichtungen fest. Malerische und gemütliche Ecken koexistieren hier mit kleinen, hellen Gebäuden, die die Harmonie des Ensembles nicht stören. Die wahre Perle von Charles Camerons Werk ist der Pawlowsk-Palast, der auf einem hohen Hügel erbaut wurde. In Anlehnung an russische Traditionen gelang es dem Architekten, architektonische Strukturen in die malerische Gegend zu „passen“ und dabei von Menschenhand geschaffene Schönheit mit natürlicher Pracht zu verbinden. Der Pawlowsk-Palast ist frei von Protzigkeit; seine Fenster blicken von einem hohen Hügel aus ruhig auf den langsam fließenden Fluss Slawjanka.

Der letzte Architekt des 18. Jahrhunderts. V. Brenna (1747–1818) gilt zu Recht als der Lieblingsarchitekt von Pawel und Maria Fjodorowna. Nach der Thronbesteigung im Jahr 1796 entließ Paul I. Charles Cameron vom Posten des Chefarchitekten von Pawlowsk und ernannte an seiner Stelle V. Brenna. Von nun an verwaltet Brenna alle Gebäude in Pawlowsk und ist an allen bedeutenden Bauten der Pawlowsker Zeit beteiligt.

Paul I. beauftragte Brenna mit der Leitung der Arbeiten in seinem zweiten Landsitz, Gatschina. Brennas Gatschina-Palast hat ein bescheidenes, sogar asketisches spartanisches Aussehen, aber die Innenausstattung ist majestätisch und luxuriös. Gleichzeitig begannen die Arbeiten im Gatschina-Park. An den Ufern von Seen und Inseln gibt es eine große Anzahl von Pavillons, die von außen sehr einfach aussehen, aber von innen prachtvoll sind: der Venus-Pavillon, das Birkenhaus (das wie ein Birkenholzscheit aussieht), Porta Masca und das Bauernpavillon.

Paul I. beschloss, in St. Petersburg einen Palast nach seinem eigenen Geschmack zu bauen – ganz im Sinne militärischer Ästhetik. Das Palastprojekt wurde von V.I. entwickelt. Bazhenov, aber aufgrund seines Todes beauftragte Paul I. V. Brenna mit dem Bau des Palastes. Pavel wollte immer dort leben, wo er geboren wurde. Im Jahr 1797 fand auf der Fontanka, an der Stelle des Sommerpalastes von Elisabeth Petrowna (in dem Pavel geboren wurde), die Grundsteinlegung eines Palastes zu Ehren des Erzengels Michael, dem Schutzpatron der himmlischen Armee, statt Schloss Michailowski. Brennas beste Schöpfung wurde das St.-Michaels-Schloss, dem er das Aussehen einer Festung verlieh. Die Burg sieht aus wie ein Viereck, das von einer Steinmauer umgeben ist und auf beiden Seiten um den Palast herum Gräben ausgehoben hat. Der Zugang zum Schloss war über Zugbrücken möglich; an verschiedenen Stellen rund um das Schloss waren Kanonen aufgestellt. Anfangs war das Äußere des Schlosses voller Dekorationen: Es gab sie Marmorstatuen, Vasen, Figuren. Der Palast verfügte über einen weitläufigen Garten und einen Exerzierplatz, auf dem bei jedem Wetter Paraden und Paraden abgehalten wurden. Doch Pavel schaffte es nur 40 Tage, in seinem geliebten Schloss zu leben. In der Nacht vom 11. auf den 12. März wurde er erdrosselt. Nach dem Tod von Paul I. wurde alles zerstört, was dem Palast den Charakter einer Festung verlieh. Alle Statuen wurden in den Winterpalast überführt, die Gräben wurden mit Erde gefüllt. Im Jahr 1819 wurde die verlassene Burg an die Hauptingenieurschule übertragen und ihr zweiter Name erschien – Ingenieurschloss.

Skulptur. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Es beginnt die eigentliche Blüte der russischen Bildhauerei, die vor allem mit dem Namen F. I. Shubin (1740–1805), seines Landsmanns M. V. verbunden ist. Lomonossow. Nachdem er die Akademie mit einer großen Goldmedaille abgeschlossen hatte, begab sich Shubin auf eine Ruhestandsreise, zunächst nach Paris (1767–1770) und dann nach Rom (1770–1772). Im Ausland schuf Shubin 1771 eine Büste Katharinas II., nicht aus dem Leben, für die er nach seiner Rückkehr in seine Heimat 1774 den Titel eines Akademikers erhielt.

Das erste Werk von F.I. Shubin nach seiner Rückkehr - Büste von A.M. Golitsyn (1773, Russisches Museum) ist eines der brillantesten Werke des Meisters. Im Erscheinungsbild eines gebildeten Adligen kann man Intelligenz, Autorität, Arroganz, aber auch Herablassung und die Angewohnheit, vorsichtig auf den Wellen des launischen politischen Schicksals zu „schwimmen“, erkennen. Im Bild des berühmten Kommandanten A. Rumyantsev-Zadunaisky werden hinter der völlig unheroischen Erscheinung eines runden Gesichts mit einer komisch nach oben gerichteten Nase die Züge einer starken und bedeutenden Persönlichkeit vermittelt (1778, Staat. Kunstmuseum, Minsk).

Mit der Zeit lässt das Interesse an Shubin nach. Seine ohne Schnörkel ausgeführten Porträts gefielen den Kunden immer weniger. Im Jahr 1792 schuf Shubin aus der Erinnerung eine Büste von M.V. Lomonosov (Staatliches Russisches Museum, Akademie der Wissenschaften). In der Person des großen russischen Wissenschaftlers gibt es weder Steifheit noch edle Arroganz noch übermäßigen Stolz. Ein leicht spöttischer Mensch blickt uns an, weise mit weltlicher Erfahrung, der ein helles und komplexes Leben geführt hat. Lebendigkeit des Geistes, Spiritualität, Adel zugleich – Traurigkeit, Enttäuschung, sogar Skepsis – das sind die Haupteigenschaften des großen russischen Wissenschaftlers, den F.I. Shubin wusste es sehr gut.

Ein Meisterwerk der Porträtkunst von F.I. Shubin ist eine Büste von Paul I. (1798, Staatliches Russisches Museum; 1800, Tretjakow-Galerie). Dem Bildhauer gelang es, die ganze Komplexität des Bildes zu vermitteln: Arroganz, Kälte, Schmerz, Geheimhaltung, aber gleichzeitig das Leiden eines Menschen, der von Kindheit an die ganze Grausamkeit einer gekrönten Mutter erlebte. Paul, mir hat die Arbeit gefallen. Aber es gab fast keine Bestellungen mehr. Im Jahr 1801 brannte das Haus von F.I. Shubin und eine Werkstatt mit Werken. Im Jahr 1805 starb der Bildhauer in Armut, sein Tod blieb unbemerkt.

Zur gleichen Zeit arbeitete der französische Bildhauer E.-M. Falconet (1716-1791; in Russland - von 1766 bis 1778). Falconet arbeitete am Hofe des französischen Königs Ludwig XV., dann an der Pariser Akademie. Falcone folgte in seinen Werken der am Hof ​​vorherrschenden Rokoko-Mode. Ein wahres Meisterwerk wurde sein Werk „Winter“ (1771). Das Bild eines sitzenden Mädchens, das den Winter verkörpert und die Blumen zu ihren Füßen wie eine Schneedecke mit sanft fallenden Falten ihres Gewandes bedeckt, ist voller stiller Traurigkeit.

Aber Falcone träumte immer davon, ein monumentales Werk zu schaffen, und es gelang ihm, diesen Traum in Russland zu verwirklichen. Auf Anraten von Diderot beauftragte Katharina den Bildhauer mit der Schaffung eines Reiterdenkmals für Peter I. Im Jahr 1766 kam Falconet in St. Petersburg an und begann mit der Arbeit. Er stellte Peter I. auf einem sich aufbäumenden Pferd dar. Das Haupt des Kaisers ist mit einem Lorbeerkranz gekrönt – ein Symbol seines Ruhms und seiner Siege. Die Hand des Zaren, die auf die Newa, die Akademie der Wissenschaften und die Peter-und-Paul-Festung zeigt, symbolisiert symbolisch die Hauptziele seiner Herrschaft: Bildung, Handel und militärische Macht. Die Skulptur erhebt sich auf einem Sockel in Form eines 275 Tonnen schweren Granitfelsens. Auf Falconets Vorschlag ist eine lakonische Inschrift in den Sockel eingraviert: „Für Peter den Ersten, Katharina die Zweite.“ Die Eröffnung des Denkmals fand 1782 statt, als Falcone sich nicht mehr in Russland aufhielt. Vier Jahre vor der Eröffnung des Denkmals bei E.-M. Falcone hatte Meinungsverschiedenheiten mit der Kaiserin und der Bildhauer verließ Russland.

Im Werk des wunderbaren russischen Bildhauers M.I. Kozlovsky (1753–1802) vereint Merkmale des Barock und des Klassizismus. Er war auch Rentner in Rom, Paris. Mitte der 90er Jahre, nach seiner Rückkehr in seine Heimat, begann die fruchtbarste Zeit in Kozlovskys Schaffen. Das Hauptthema seiner Werke stammt aus der Antike. Aus seinen Werken gelangten junge Götter, Amoretten und wunderschöne Hirtinnen in die russische Bildhauerei. Dies sind seine „Hirtin mit Hase“ (1789, Pawlowsker Palastmuseum), „Schlafender Amor“ (1792, Staatliches Russisches Museum), „Amor mit Pfeil“ (1797, Tretjakow-Galerie). In der Statue „Die Mahnwache Alexanders des Großen“ (zweite Hälfte der 80er Jahre, Russisches Museum) hat der Bildhauer eine der Episoden der Willensschulung des zukünftigen Kommandanten festgehalten. Das bedeutendste und größte Werk des Künstlers war das Denkmal für den großen russischen Feldherrn A.V. Suworow (1799–1801, St. Petersburg). Das Denkmal hat keine direkte Porträtähnlichkeit. Dies ist eher ein verallgemeinertes Bild eines Kriegers, eines Helden, dessen Militärkostüm Elemente der Waffen eines alten Römers und eines mittelalterlichen Ritters vereint. Energie, Mut, Adel strahlen aus dem gesamten Erscheinungsbild des Kommandanten, aus seiner stolzen Kopfdrehung, der anmutigen Geste, mit der er sein Schwert hebt. Ein weiteres herausragendes Werk von M.I. Kozlovsky wurde zur Statue „Samson zerreißt das Maul eines Löwen“ – zentral in der Großen Kaskade der Peterhof-Brunnen (1800-1802). Die Statue war dem Sieg Russlands über Schweden im Nordischen Krieg gewidmet. Samson verkörperte Russland und der Löwe repräsentierte das besiegte Schweden. Die kraftvolle Figur des Samson wird vom Künstler in einer komplexen Wendung, in spannungsgeladener Bewegung dargestellt.

Während des Großen Vaterländischen Krieges wurde das Denkmal von den Nazis gestohlen. Im Jahr 1947 gründete der Bildhauer V.L. Simonov hat es anhand erhaltener Fotodokumente nachgebildet.

Malerei. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. In der russischen Malerei taucht ein historisches Genre auf. Sein Aussehen ist mit dem Namen A.P. verbunden. Losenko. Er schloss sein Studium an der Akademie der Künste ab und wurde dann als Rentner nach Paris geschickt. A.P. Losenko besitzt das erste Werk der russischen Geschichte – „Wladimir und Rogneda“. Darin wählte der Künstler den Moment, in dem Fürst von Nowgorod Wladimir „bittet Vergebung“ von Rogneda, der Tochter des Fürsten von Polozk, deren Land er mit Feuer und Schwert angriff, ihren Vater und ihre Brüder tötete und sie gewaltsam zur Frau nahm. Rogneda leidet theatralisch und blickt auf; Vladimir ist auch theatralisch. Aber gerade die Anziehungskraft auf die russische Geschichte war sehr charakteristisch für die Ära des hohen nationalen Wachstums in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts.

Historische Themen in der Malerei wurden von G.I. entwickelt. Ugrjumow (1764-1823). Das Hauptthema seiner Werke war der Kampf des russischen Volkes: mit den Nomaden („Die Kraftprobe des Jan Usmar“, 1796-1797, Russisches Russisches Museum); mit deutschen Rittern („Der feierliche Einzug Alexander Newskis in Pskow nach seinem Sieg über die deutschen Ritter“, 1793, Russisches Museum); für die Sicherheit ihrer Grenzen („Eroberung von Kasan“, 1797-1799, Russisches Museum) usw.

Die größten Erfolge der Malerei gab es in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. erreicht im Porträtgenre. Zu den bemerkenswertesten Phänomenen der russischen Kultur der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. gehört zum Werk des Malers F.S. Rokotova (1735/36–1808). Er stammte von Leibeigenen ab, erhielt aber seine Freiheit von seinem Grundbesitzer. Er lernte die Kunst des Malens aus den Werken von P. Rotary. An den jungen Künstler Zum Glück war sein Gönner der erste Präsident der Akademie der Künste, I.I. Schuwalow. Auf Empfehlung von I.I. Shuvalova F.S. Im Jahr 1757 erhielt Rokotov den Auftrag für ein Mosaikporträt von Elizaveta Petrovna (nach dem Original von L. Tokke) für die Moskauer Universität. Das Porträt war so ein Erfolg, dass F.S. Rokotov erhält einen Auftrag für Porträts des Kaisers Großfürst Pawel Petrowitsch (1761). Peter III(1762). Als Katharina II. den Thron bestieg, war F.S. Rokotov war bereits weit verbreitet berühmter Künstler. Im Jahr 1763 malte der Künstler die Kaiserin in voller Größe im Profil vor einer wunderschönen Kulisse. Rokotov malte auch ein weiteres Porträt der Kaiserin, ein halbfiguriges Porträt. Die Kaiserin mochte ihn sehr; sie glaubte, dass er „einer der ähnlichsten“ sei. Katharina schenkte das Porträt der Akademie der Wissenschaften, wo es bis heute aufbewahrt wird. Im Anschluss an die regierenden Personen sind Porträts von F.S. Die Orlows und Schuwalows wünschten sich Rokotow. Manchmal schuf er ganze Galerien mit Porträts von Vertretern derselben Familie in ihren verschiedenen Generationen: der Baryatinskys, Golitsyns, Rumyantsevs, Vorontsovs. Rokotov versucht nicht, die äußeren Vorteile seiner Modelle hervorzuheben, das Wichtigste ist für ihn Innere Person. Unter den Werken des Künstlers sticht das Porträt von Maykov (1765) hervor. Im Auftreten eines hohen Regierungsbeamten kann man hinter der trägen Weiblichkeit Einsicht und einen ironischen Geist erkennen. Die Farbgebung des Porträts, basierend auf einer Kombination aus Grün und Rot, erweckt den Eindruck von Vollblut und Lebendigkeit des Bildes.

1765 zog der Künstler nach Moskau. Moskau zeichnet sich durch eine größere Freiheit der Kreativität aus als das offizielle St. Petersburg. In Moskau entsteht ein besonderer „Rokotov“-Malstil. Der Künstler schafft eine ganze Galerie wunderschöner Frauenbilder, unter denen das Porträt von A.P. das bemerkenswerteste ist. Stuyskoy (1772, Tretjakow-Galerie). Eine schlanke Figur in einem hellgrau-silbernen Kleid, hochgepudertes Haar, eine lange Locke, die auf die Brust fällt, ein raffiniertes ovales Gesicht mit dunklen mandelförmigen Augen – alles verleiht dem Bild der jungen Frau Geheimnis und Poesie. Die exquisite Farbgebung des Porträts – Sumpfgrün und Goldbraun, verblasstes Rosa und Perlgrau – verstärkt den geheimnisvollen Eindruck. Im 20. Jahrhundert Der Dichter N. Zabolotsky widmete diesem Porträt wunderbare Gedichte:

Ihre Augen sind wie zwei Nebel,

Halb lächeln, halb weinen,

Ihre Augen sind wie zwei Täuschungen,

Fehler in Dunkelheit gehüllt.

Die gelungene Verkörperung des Bildes von A. Struyskaya im Porträt diente als Grundlage für die Legende, wonach dem Künstler das Vorbild nicht gleichgültig war. Tatsächlich ist der Name des Auserwählten S.F. Rokotov ist bekannt und A.P. Struyskaya war glücklich mit ihrem Mann verheiratet und eine gewöhnliche Gutsbesitzerin.

Ein weiterer größter Künstler des 18. Jahrhunderts war D.G. Levitsky (1735-1822) ist der Schöpfer sowohl des Prunkporträts als auch der große Meister des Kammerporträts. Er wurde in der Ukraine geboren, aber ab der Wende der 50er und 60er Jahre begann Levitskys Leben in St. Petersburg und war für immer mit dieser Stadt und der Akademie der Künste verbunden, wo er viele Jahre lang die Porträtklasse leitete.

Bei seinen Modellen legte er Wert auf Originalität und die auffälligsten Merkmale. Eines der berühmtesten Werke des Künstlers ist das zeremonielle Porträt von P.A. Demidov (1773, Tretjakow-Galerie). Ein Vertreter einer berühmten Bergbaufamilie, P.A. Demidov war ein sagenhaft reicher Mann, ein seltsamer Exzentriker. In dem zeremoniellen Porträt, dessen Konzept ursprünglich war, ist Demidov in entspannter Pose vor dem Hintergrund einer Kolonnade und Vorhängen dargestellt. Er steht in einem verlassenen, formellen Saal, zu Hause, trägt eine Nachtmütze und einen scharlachroten Morgenmantel und zeigt mit einer Geste auf seine Vergnügungen – eine Gießkanne und einen Blumentopf, die er liebte. In seinem Outfit, in seiner Pose liegt eine Herausforderung an Zeit und Gesellschaft. In diesem Mann ist alles gemischt – Freundlichkeit, Originalität, der Wunsch, sich in der Wissenschaft zu verwirklichen. Levitsky konnte Merkmale der Extravaganz mit Elementen eines zeremoniellen Porträts kombinieren: Säulen, Vorhänge, Landschaft mit Blick auf das Waisenhaus in Moskau, für dessen Instandhaltung Demidov riesige Summen spendete.

In den frühen 1770er Jahren. Levitsky führt sieben Porträts edler Jungfrauen des Smolny-Instituts auf – „Smoljankas“ (alle im Staatlichen Russischen Museum), die für ihre Musikalität berühmt sind. Diese Porträts wurden zur höchsten Leistung des Künstlers. In ihnen kam das Können des Künstlers besonders gut zur Geltung. E.N. Khovanskaya, E. N. Chruschtschowa, E.I. Nelidov sind abgebildet in Theaterkostüme während ihrer Präsentation einer eleganten Pastorale. In den Porträts von G.I. Alymova und E.I. Molchanova, eine der Heldinnen spielt Harfe, die andere sitzt neben einem wissenschaftlichen Instrument mit einem Buch in der Hand. Diese nebeneinander platzierten Porträts verkörperten die Vorteile der „Wissenschaften und Künste“ für einen vernünftigen, denkenden Menschen.

Höchster Punkt reife Kreativität Der Meister wurde zu seinem berühmten allelologischen Porträt von Katharina II., der Gesetzgeberin im Tempel der Gerechtigkeit, das der Künstler in mehreren Versionen wiederholte. Diese Arbeit dauert spezieller Ort in der russischen Kunst. Es verkörperte die hohen Vorstellungen der damaligen Zeit über Staatsbürgerschaft und Patriotismus, über den idealen Herrscher – einen aufgeklärten Monarchen, der sich unermüdlich um das Wohlergehen seiner Untertanen kümmert. Levitsky selbst beschrieb sein Werk wie folgt: „Die Mitte des Bildes stellt das Innere des Tempels der Göttin der Gerechtigkeit dar, vor der in Gestalt des Gesetzgebers h.i.v., der Mohnblumen auf dem Altar brennt, seinen kostbaren Frieden opfert.“ der allgemeine Frieden.“

Im Jahr 1787 gab Levitsky seine Lehrtätigkeit auf und verließ die Akademie der Künste. Einer der Gründe dafür war die Leidenschaft des Künstlers für mystische Bewegungen, die Ende des 18. Jahrhunderts in Russland weit verbreitet war. und sein Eintritt in die Freimaurerloge. Nicht ohne den Einfluss neuer Ideen in der Gesellschaft entstand um 1792 ein Porträt von Levitskys Freund und Mentor in der Freimaurerei N.I. Novikova (Tretjakow-Galerie). Die erstaunliche Lebendigkeit und Ausdruckskraft von Novikovs Geste und Blick, die für die Helden von Levitskys Porträts nicht charakteristisch ist, ein Fragment der Landschaft im Hintergrund – all dies verrät den Versuch des Künstlers, eine neue, modernere Bildsprache zu beherrschen, die ihm bereits innewohnt andere künstlerische Systeme.

Ein weiterer bemerkenswerter Künstler dieser Zeit war V. L. Borovikovsky (1757–1825). Er wurde in Mirgorod in der Ukraine geboren und studierte bei seinem Vater Ikonenmalerei. Im Jahr 1788 wurde V.L. Borovikovsky wurde nach St. Petersburg gebracht. Er lernt fleißig, verfeinert seinen Geschmack und sein Können und wird bald ein anerkannter Meister. In den 90er Jahren schuf er Porträts, die die Merkmale einer neuen Richtung in der Kunst – des Sentimentalismus – voll zum Ausdruck brachten. Alle „sentimentalen“ Porträts von Borovikovsky sind Bilder von Menschen in einer Kammeratmosphäre, in einfachen Outfits mit einem Apfel oder einer Blume in der Hand. Das beste davon ist das Porträt von M.I. Lopukhina. Es wird oft als die höchste Errungenschaft des Sentimentalismus in der russischen Malerei bezeichnet. Ein junges Mädchen schaut aus dem Porträt. Ihre Pose ist entspannt, ihr schlichtes Kleid liegt locker um ihre Taille, ihr frisches Gesicht ist voller Charme und Schönheit. Im Porträt stimmt alles überein, harmoniert miteinander: eine schattige Ecke des Parks, Kornblumen zwischen den Ähren reifer Roggen, verblühende Rosen, der träge, leicht spöttische Blick des Mädchens. Im Porträt von Lopukhina konnte die Künstlerin wahre Schönheit zeigen – spirituell und lyrisch, die russischen Frauen innewohnt. Züge des Sentimentalismus traten in V.L. auf. Borovikovsky sogar in der Darstellung der Kaiserin. Dies ist nun kein repräsentatives Porträt eines „Gesetzgebers“ mit allen kaiserlichen Insignien, sondern das Bild einer gewöhnlichen Frau in Morgenmantel und Mütze bei einem Spaziergang im Park Zarskoje Selo mit ihrem geliebten Hund.

Ende des 18. Jahrhunderts. erscheint in der russischen Malerei neues Genre- Landschaft. An der Akademie der Künste wurde eine neue Landschaftsklasse eröffnet, und S. F. Shchedrin wurde der erste Professor der Landschaftsklasse. Er wurde zum Begründer der russischen Landschaft. Es war Shchedrin, der als erster ein Kompositionsschema für die Landschaft entwickelte, das lange Zeit vorbildlich war. Und darauf S.F. Shchedrin unterrichtete mehr als eine Generation von Künstlern. Shchedrins Kreativität blühte in den 1790er Jahren auf. Zu seinen bekanntesten Werken zählen eine Reihe von Ansichten der Parks Pawlowsk, Gatschina und Peterhof sowie Ansichten der Insel Kamenny. Shchedrin erfasste bestimmte Arten architektonischer Strukturen, ordnete jedoch nicht ihnen die Hauptrolle zu, sondern der umgebenden Natur, mit der der Mensch und seine Schöpfungen in harmonischer Verschmelzung stehen.

F. Alekseev (1753/54-1824) legte den Grundstein für das Stadtbild. Zu seinen Werken der 1790er Jahre. Besonders berühmt sind „Blick auf die Peter-und-Paul-Festung und den Schlossdamm“ (1793) und „Blick auf den Schlossdamm von der Peter-und-Paul-Festung“ (1794). Alekseev schafft ein erhabenes und zugleich lebendiges Bild eines großen, majestätischen Individuums in seiner Schönheitsstadt, in der sich ein Mensch glücklich und frei fühlt.

Im Jahr 1800 gab Kaiser Paul I. Alekseev den Auftrag, Ansichten von Moskau zu malen. Der Künstler interessierte sich für altrussische Architektur. Er blieb mehr als ein Jahr in Moskau und brachte von dort eine Reihe von Gemälden und viele Aquarelle mit Ansichten von Moskauer Straßen, Klöstern und Vororten, vor allem aber verschiedene Bilder des Kremls mit. Diese Typen sind äußerst zuverlässig.

Die Arbeit in Moskau bereicherte die Welt des Künstlers und ermöglichte ihm nach seiner Rückkehr einen neuen Blick auf das Leben in der Hauptstadt. In seinen St. Petersburger Landschaften verschärft sich das Genre. Böschungen, Alleen, Kähne und Segelboote sind voller Menschen. Einer von beste Werke aus dieser Zeit – „Blick auf den englischen Damm von der Wassiljewski-Insel“ (1810er Jahre, Russisches Museum). Es enthält ein Maß, eine harmonische Beziehung zwischen der Landschaft und der Architektur selbst. Die Entstehung dieses Gemäldes vollendete die Entstehung der sogenannten Stadtlandschaft.

Gravur. In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts arbeiteten wunderbare Meistergraveure. Das „wahre Genie der Gravur“ war E. P. Chemesov. Der Künstler lebte nur 27 Jahre, von ihm blieben etwa 12 Werke. Chemesov arbeitete hauptsächlich im Porträtgenre. Das gravierte Porträt entwickelte sich am Ende des Jahrhunderts sehr aktiv. Neben Chemesov kann man G.I. Skorodumov, berühmt für seine Punktstiche, die besondere Möglichkeiten der „bildlichen“ Interpretation eröffneten (I. Selivanov. Porträt der Großfürstin Alexandra Pawlowna nach dem Original von V.P. Borovikovsky, Mezzotinto; G.I. Skorodumov. Selbstporträt, Federzeichnung).

Kunst und Handwerk. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts erreichte die Gzhel-Keramik – Produkte des Keramikhandwerks der Region Moskau, deren Zentrum der ehemalige Gzhel-Volost war – ein hohes künstlerisches Niveau. Zu Beginn des 17. Jahrhunderts. Die Bauern der Gzhel-Dörfer begannen, Ziegel, schlichte helle Töpferwaren und Spielzeug aus lokalem Ton herzustellen. Ende des 17. Jahrhunderts. Bauern beherrschten die Produktion von „Ameise“, d.h. bedeckt mit grünlicher oder brauner Glasur. Die Gschel-Tone wurden in Moskau bekannt und 1663 befahl Zar Alexei Michailowitsch, mit der Erforschung der Gschel-Tone zu beginnen. Eine Sonderkommission wurde nach Gzhel geschickt, zu der Afanasy Grebenshchikov, der Besitzer einer Keramikfabrik in Moskau, und D.I. gehörten. Winogradow. Winogradow blieb 8 Monate in Gschel. Durch das Mischen von Orenburg-Ton mit Gzhel-Ton (Tschernozem) erhielt er echtes reines, weißes Porzellan (Porzellan). Zur gleichen Zeit arbeiteten Gzhel-Handwerker in den Fabriken von A. Grebenshchikov in Moskau. Sie beherrschten schnell die Herstellung von Majolika und begannen mit der Herstellung von Kwas-Töpfen, Krügen, Bechern, Tassen und Tellern, die mit ornamentalen und thematischen Gemälden in den Farben Grün, Gelb, Blau und Violettbraun auf einem weißen Feld verziert waren. Aus dem Ende des 18. Jahrhunderts. in Gzhel gibt es einen Übergang von Majolika zu Halbfayence. Auch die Bemalung der Produkte verändert sich – von der für Majolika charakteristischen Mehrfarbenbemalung zur einfarbigen blauen (kobaltfarbenen) Bemalung. Gzhel-Gerichte waren in ganz Russland, Zentralasien und im Nahen Osten weit verbreitet. Während der Blütezeit der Gzhel-Industrie gab es etwa 30 Fabriken, die Geschirr herstellten. Zu den berühmten Herstellern gehörten die Brüder Barmin, Khrapunov-novy, Fomin, Tadin, Rachkins, Guslins, Gusyatnikovs und andere.

Am meisten Glück hatten jedoch die Brüder Terenty und Anisim Kuznetsov. Ihre Fabrik entstand zu Beginn des 19. Jahrhunderts. im Dorf Novo-Kharitonovo. Von ihnen führte die Dynastie das Familienunternehmen bis zur Revolution weiter und kaufte immer mehr Fabriken und Fabriken. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Das Gzhel-Handwerk mit Handformen und Bemalen verschwindet allmählich, es sind nur noch große Fabriken übrig. Ab Anfang 1920 entstanden eigene Töpferwerkstätten und Artels. Die wahre Wiederbelebung der Gzhel-Produktion begann im Jahr 1945. Die einfarbige blaue Unterglasurmalerei (Kobalt) wurde eingeführt.

Im Jahr 1766 gründete der russifizierte Engländer France Gardner im Dorf Verbilki bei Dmitrov in der Nähe von Moskau die beste private Porzellanfabrik. Er machte sich als erster privater Porzellanhersteller einen Namen, indem er zwischen 1778 und 1785 im Auftrag von Katharina II. vier prächtige Ordensservices schuf, die sich durch die Reinheit und Strenge ihres Dekors auszeichneten. Die Fabrik produzierte auch Figuren italienischer Opernfiguren. Anfang des 19. Jahrhunderts markierte eine neue Etappe in der Entwicklung des Gardner-Porzellans. Die Künstler der Fabrik verzichteten auf die direkte Nachahmung europäischer Vorbilder und versuchten, ihren eigenen Stil zu finden. Gardners Tassen mit Porträts von Helden des Vaterländischen Krieges von 1812 erlangten enorme Popularität. Im Jahr 1820 begann die Produktion von Genrefiguren, die Volkstypen nach den Zeichnungen von K.A. darstellten. Zelentsov aus der Zeitschrift „Magic Lantern“. Dies waren Männer und Frauen, die die übliche bäuerliche Arbeit verrichteten, Bauernkinder, städtische Arbeiter – Schuhmacher, Hausmeister, Hausierer. Die Zahlen der in Russland lebenden Völker wurden ethnographisch genau erstellt. Gardners Figuren wurden zu einem sichtbaren Beispiel der russischen Geschichte. F.Ya. Gardner fand seinen eigenen Produktstil, in dem Empire-Formen mit Genremotiven und Farbsättigung des gesamten Dekors kombiniert wurden. Seit 1891 gehörte das Werk M.S. Kusnezow. Nach der Oktoberrevolution wurde das Werk Dmitrov-Porzellanfabrik und seit 1993 „Verbilok-Porzellan“ genannt.

Fedoskino-Miniatur. Ende des 18. Jahrhunderts. Im Dorf Fedoskino bei Moskau entwickelte sich eine Art russische Lackminiaturmalerei Ölfarben auf Pappmaché. Die Fedoskino-Miniatur ist einem zu verdanken schlechte Angewohnheit, was im 18. Jahrhundert üblich war. In jenen alten Zeiten war es sehr in Mode, Tabak zu schnupfen, und jeder tat es: Adlige, Bürger, Männer, Frauen. Tabak wurde in Schnupftabakdosen aus Gold, Silber, Schildpattknochen, Porzellan und anderen Materialien aufbewahrt. Und so begann man in Europa, Schnupftabakdosen aus gepresstem Karton herzustellen, der in Pflanzenöl getränkt und bei Temperaturen bis zu 100 °C getrocknet wurde. Dieses Material wurde als Pappmaché (gekautes Papier) bekannt. Die Schnupftabakdosen wurden mit schwarzer Grundierung und schwarzem Lack überzogen und für die Bemalung wurden klassische Motive verwendet. Solche Schnupftabakdosen waren in Russland sehr beliebt, und so wurde 1796 im Dorf Danilkovo, 30 km von Moskau entfernt, der Kaufmann P.I. Korobov begann mit der Herstellung runder Schnupftabakdosen, deren Deckel mit Gravuren verziert waren. Die Gravuren wurden mit transparentem Lack überzogen. Seit 1819 war die Fabrik im Besitz von Korobovs Schwiegersohn P.V. Lukutin. Zusammen mit seinem Sohn A.P. Lukutin erweiterte er die Produktion, organisierte die Ausbildung russischer Handwerker und unter ihm wurde die Produktion in das Dorf Fedoskino verlagert. Die Handwerker von Fedoskino begannen, Schnupftabakdosen, Perlendosen, Schachteln und andere Produkte mit malerischen Miniaturen zu dekorieren, die mit Ölfarben in klassischer malerischer Weise angefertigt wurden. Auf Lukutin-Produkten des 19. Jahrhunderts, Ansichten des Moskauer Kremls und anderer Baudenkmäler, Szenen aus Volksleben. Besonders beliebt waren Troikafahrten, Feste oder Bauerntänze sowie Teetrinken bei einem Samowar. Dank der Kreativität russischer Meister erlangten Lukutinsky-Lacke sowohl in thematischer als auch in technischer Hinsicht Originalität und nationales Flair. Die Fedoskino-Miniatur wird mit Ölfarben in drei bis vier Schichten bemalt – Schattierung (allgemeine Skizze der Komposition), Texterstellung oder Neubemalung (detailliertere Arbeit), Lasur (Modellierung des Bildes mit transparenten Farben) und Hervorhebung (Abschluss der Arbeit). ) werden nacheinander ausgeführt helle Farben, Blendung von Objekten übertragend). Die ursprüngliche Fedoskino-Technik ist das „Durchschreiben“: Vor dem Lackieren wird ein reflektierendes Material – Metallpulver, Blattgold oder Perlmutt – auf die Oberfläche aufgetragen. Durchscheinend durch transparente Lasurfarbenschichten verleihen diese Auskleidungen dem Bild Tiefe und einen erstaunlichen Leuchteffekt. Neben Schnupftabakdosen produzierte die Fabrik auch Schachteln, Etuihalter, Nadeletuis und Hüllen für Familienalben, Teekannen, Ostereier, Tabletts und vieles mehr. Die Produkte der Fedoskino-Miniaturisten erfreuten sich nicht nur in Russland, sondern auch im Ausland großer Beliebtheit.

So entstand in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts – im Zeitalter der „Vernunft und Aufklärung“ – in Russland eine einzigartige, in vielerlei Hinsicht einzigartige Kunstkultur. Diese Kultur war fremd nationale Engstirnigkeit und Isolation. Mit erstaunlicher Leichtigkeit nahm sie alles Wertvolle auf und verarbeitete es kreativ, was durch die Arbeit von Künstlern aus anderen Ländern geschaffen wurde. Neue Arten und Genres der Kunst, neue künstlerische Richtungen und leuchtende kreative Namen wurden geboren.

A.I.Venediktov

Die bedeutendsten Phänomene der englischen Architektur des betrachteten Zeitraums reichen bis in die letzten dreißig Jahre des 17. Jahrhunderts zurück. Der Nachfolger des Klassikers der englischen Architektur, Inigo Jones, war Christopher Wren (1632-1723), der im ersten Viertel des 18. Jahrhunderts ein führender Meister der englischen Architektur blieb.

Ren erhielt eine sehr breite Ausbildung: Bevor er sich ganz der Architektur zuwandte, studierte er Mathematik und Astronomie. Auf einer Reise nach Frankreich im Jahr 1665 traf er Jules Hardouin-Mansart und andere französische Architekten und deren Werke sowie Bernini, der das Louvre-Projekt nach Paris brachte.

Nach dem „Großen Brand“ von 1666, der den größten Teil Londons zerstörte, entwarf Wren ein Projekt für eine radikale Neugestaltung der Stadt, das jedoch von den reaktionären Behörden abgelehnt wurde. Gleichzeitig erhielt Wren den größten Auftrag für den Bau der neuen Kathedrale St. Paul und entwarf Entwürfe für hundert niedergebrannte Pfarrkirchen, von denen er mehr als fünfzig baute.

Kathedrale St. St. Paul's in London, von Wren im Laufe von sechsunddreißig Jahren (1675-1710) erbaut, wurde zum größten religiösen Gebäude der protestantischen Welt (es übertrifft den Kölner Dom in Länge und Höhe des Kuppelteils - die Florentiner Kathedrale von Sanga). Maria del Fiore). Römisch-katholische Kathedrale St. Die von vielen Architekten über mehr als anderthalb Jahrhunderte erbaute Kathedrale St. Peter wurde sozusagen bewusst im Gegensatz zur protestantischen Kathedrale Londons gesetzt, die von einem Meister in einer Bauperiode, in nur dreieinhalb Jahrzehnten, erbaut wurde. Das erste von Wren entworfene Projekt mit einem zentrischen Grundriss in Form eines gleichseitigen Kreuzes mit Vorhalle wurde vom konservativen Klerus abgelehnt. Das zweite, abgeschlossene Projekt hatte eine traditionellere längliche Form mit einem durch Säulen und Bögen in drei Schiffe unterteilten Hauptraum und einem geräumigen Unterkuppelraum an der Kreuzung der Schiffe mit dem Querschiff.

Rens mathematische Kenntnisse erwiesen sich als nützlich bei der schwierigen Aufgabe, eine Kuppel zu konstruieren, die er mit subtilen und tiefgründigen Berechnungen hervorragend löste. Der Entwurf der auf acht Säulen ruhenden Dreifachkuppel ist komplex und ungewöhnlich: Über der halbkugelförmigen inneren Backsteinschale befindet sich ein gemauerter Kegelstumpf, der die Laterne und das Kreuz trägt, die den Dom krönen, sowie ein dritter, hölzerner, mit Blei gedeckter äußerer Hülle der Kuppel.

Das Erscheinungsbild der Kathedrale ist spektakulär. Zwei breite Treppen führen von Westen zu sechs korinthischen Säulenpaaren des Eingangsportikus, über denen sich vier weitere Säulenpaare mit zusammengesetzten Kapitellen befinden, die einen Giebel tragen Skulpturengruppe im Trommelfell. An beiden Enden des Querschiffs sind bescheidenere halbkreisförmige Portiken angebracht. An den Seiten der Hauptfassade wurden schlanke Türme errichtet (einer für die Glocken, der andere für die Uhr), dahinter erhebt sich über dem zentralen Kreuz der Kathedrale eine riesige, majestätische Kuppel. Die von Säulen umgebene Kuppeltrommel wirkt besonders mächtig, da jede vierte Zwischensäule der Kolonnade (die sogenannte Steingalerie) mit Stein ausgelegt ist. Über der Kuppelhalbkugel selbst bildet die zweite, sogenannte Goldene Galerie einen Rundgang um eine Laterne mit Kreuz. Die hoch aufragende Gruppe von Kuppeln und Türmen mit Blick auf London ist zweifellos der gelungenste Teil der Kathedrale, deren Hauptkörper in seiner Gesamtheit nur schwer zu erkennen war, da er durch das Chaos der Stadtentwicklung verborgen blieb (durch Bombenangriffe im Zweiten Weltkrieg schwer beschädigt). Krieg).

Rens kreative Individualität kommt in seinen eigenen Werken nicht weniger deutlich zum Ausdruck. Werke wie Londoner Pfarrkirchen. Die Vielfalt und der Witz der quadratischen, rechteckigen und ovalen Grundrisse dieser meist kleinen Gebäude, deren eigentliche Konfiguration oft durch die meisterhafte Nutzung der für ihren Bau vorgesehenen beengten, unbequemen Grundstücke erklärt wurde, sind erstaunlich. Die Architektur der Kirchen selbst und ihrer Glockentürme ist äußerst vielfältig, mal nah an der Gotik, mal streng klassizistisch. Es reicht aus, die Kuppelkirche St. Stephen (1672-1679) zu nennen, die in der Zusammensetzung ihres Innenraums originell ist, oder die Kirche St. Mary le Bow (1671-1680) mit ihrem schlanken Glockenturm, der sich durch seine Besonderheit auszeichnet Schönheit seiner Silhouette.

Eines der brillantesten Bauwerke von Wren sind die neuen Teile des Hampton Court Palace. 1689-1694. Sie errichteten Gebäude rund um den sogenannten Innenhof mit einem Brunnen und einer Fassade zum Park hin. In diesem Originalwerk zeigte der Architekt hohes Können, strengen Geschmack und die Fähigkeit, Materialien – Ziegel und weißen Portlandstein – effektiv einzusetzen.

Als produktiver Handwerker baute Ren mehr als nur Paläste und Kirchen. Er entwickelte schließlich den Plan für das Greenwich Hospital (dessen ursprünglicher Plan offenbar Inigo Jones gehörte) und baute auch ein weiteres Krankenhaus in Chelsea. Er baute das Temple-Viertel in London und das Rathaus in Windsor. In Cambridge besitzt er das Gebäude der Bibliothek des Trinity College (Trinity College), deren Prototyp die Bibliothek von St. war. Stempel in Venedig. In Oxford, wo Wren in seiner Jugend Astronomie lehrte, baute er das sogenannte Sheldon Theatre – einen großen runden Raum für Vorträge und Berichte, der architektonische Motive des antiken römischen Theaters von Marcellus verwendet; dort baute er die Bibliothek am Queens College und den Innenhof am Trinity College. Die in diesen Gebäuden verwendeten Motive der venezianischen und römischen Architektur wurden von Wren auf originelle Weise interpretiert und gingen als Schöpfung eines nationalen Genies in die Geschichte der englischen Architektur ein.

In Wohnhäusern auf dem Land und in der Stadt entstand zu dieser Zeit eine Art Backsteingebäude mit weißem Steinbesatz, der zum Vorbild für die spätere englische Bauweise wurde. Beispiele hierfür sind die Wren zugeschriebenen Anwesen am Groombridge Place in Kent und Swan House in Chichester.

Im Gegensatz zu Inigo Jones gelang es Wren im Laufe seiner langen und fruchtbaren Karriere, fast alle seine Pläne zu verwirklichen. Als wahrer Humanist setzte sich Ren für Bildung und die Menschen ein; er baute nicht nur Kirchen, sondern auch Krankenhäuser, Bibliotheken, nicht nur Paläste, sondern auch bescheidene Wohngebäude. Wren folgte dem von Jones aufgezeigten Weg, aber im Gegensatz zu Jones, der den Geist der Renaissance in Italien aufnahm, kam das rationale Prinzip deutlicher im Klassizismus von Wren zum Ausdruck, der die Ära des Puritanismus überlebte.

In der englischen Architektur des 18. Jahrhunderts. Die neu erwachte Leidenschaft für das Werk Palladios war von großer Bedeutung. Bis 1742 waren bereits drei Ausgaben von Palladios Architekturtraktat erschienen. Ab der Mitte des Jahrhunderts begann die Veröffentlichung unabhängiger Forschungen zur antiken Architektur. Robert Wood in den Jahren 1753–1757 veröffentlichte ein Buch über die Ruinen von Palmyra und Baalbek, Robert Adam veröffentlichte 1764 Skizzen und Maße des Diokletianpalastes in Split in Dalmatien. Alle diese Veröffentlichungen trugen zur Entwicklung der Architekturtheorie bei und beeinflussten die Architekturpraxis dieser Zeit. Neue Ideen fanden ihren Niederschlag in großen städtebaulichen Ereignissen, beispielsweise in der Planung und Entwicklung der Stadt Bath (1725–1780), deren Gebiete die vollständigsten klassizistischen Ensembles Englands darstellen. Architekten des 18. Jahrhunderts waren in den meisten Fällen Fachleute und Theoretiker.

John Vanbrugh (1664-1726) nimmt eine Zwischenstellung zwischen den vielseitig begabten und gebildeten Meistern des 17. Jahrhunderts und den engstirnigen Spezialisten des 18. Jahrhunderts ein. Er war ein brillanter Offizier, ein Hofgeist, ein modischer Dramatiker und blieb ein begabter Amateur in der Architektur.

Seine wichtigsten und größten Werke entstanden in den ersten Jahren des 18. Jahrhunderts. Paläste von Howard (1699–1712) und Blenheim (1705–1724).

Bereits im ersten Versuch, den Maßstab von Versailles mit englischem Komfort zu verbinden, überraschte er seine Zeitgenossen vor allem mit der Größe seines Gebäudes, dessen Länge 200 m, dessen Tiefe fast 130 m und der Höhe der zentralen Kuppel betrug über 70 m. Im noch grandioseren Blenheim Palace, der für den berühmten Kommandanten Duke of Marlborough erbaut wurde (259 x 155 m), versuchte der Architekt, den etwas umständlichen Plan des ersten Gebäudes zu verbessern. Unter Beachtung strenger Symmetrie platzierte er auf beiden Seiten des riesigen Hofes zwei weitere Höfe, die durch mit einer Kolonnade geschmückte Galerien mit dem Hauptgebäude verbunden sind. In der Außenarchitektur des Blenheim Palace gibt es weder einen schweren Portikus des Haupteingangs noch Triumphbogen weder die Parkfassade noch die eckigen, scheinbar angebauten Türme erfreuen das Auge: Die Formen sind hier schwer und rau. Das Innere des Palastes ist ungemütlich und ungemütlich. Der für den Klassizismus typische Wunsch nach strengem Prunk verbindet sich bei Vanbrugh eher mechanisch mit einem oberflächlichen Prunk aus dem Barock. In seiner Architektur, die, wie einer seiner Zeitgenossen es ausdrückte, „schwer in der Form und im Wesentlichen leicht“ ist, lassen sich deutliche Anzeichen von Eklektizismus erkennen.

Nicholas Hawksmoor (1661–1736) war ein bescheidenerer, aber würdigerer Nachfolger von Wren. Er leitete den Bau von Londoner Kirchen, von denen die Kirche St. Mary Wulnos (1716–1719) die interessanteste ist. Sie verfügt über eine mit Rustika verzierte Fassade und einen rechteckigen, von Säulen umgebenen Glockenturm, der durch zwei Türmchen mit Balustrade ergänzt wird. Hawksmoor arbeitete nach seinem Lehrer in Oxford, wo er ein neues Gebäude des Queens College mit einer monumentalen Innenhoffassade und einem markanten Eingang errichtete (1710–1719). Schließlich, zu Wrens Lebzeiten und nach seinem Tod, Hawksmoor in den Jahren 1705–1715. Fortsetzung des Baus des Greenwich Hospital. Dieses an den Ufern der Themse gelegene Denkmal, das sowohl hinsichtlich seiner Größe als auch seines künstlerischen Werts zu den bedeutendsten Denkmälern der englischen Architektur zählt, erhielt unter Hawksmoor seine endgültige Form.

Der große Krankenhauskomplex, in dem sich heute die Marineschule befindet, besteht aus vier Gebäuden, die rechteckige Innenhöfe mit einer großzügigen Fläche zwischen den Vordergebäuden bilden, wobei die Portiken der Fassaden dem Fluss zugewandt sind. Breite Stufen, flankiert von majestätischen Kuppelgebäuden, führen zu einem zweiten Platz zwischen einem zweiten Hofpaar. Hawksmoor hat den von Jones begonnenen und von Wren fortgesetzten Bau würdig abgeschlossen.

William Kent (1684–1748) war der bedeutendste englische Palladio der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Zusammen mit Lord Burlington, der sich selbst als Architekt betrachtete, entwarf und baute er eine Villa in Chiswick (1729), die erfolgreichste der vielen englischen Versionen der palladianischen Villa Rotunda. Kent fühlte sich während des Baus von Holkham Hall Castle (1734) freier, als vier Flügel (mit Kapelle, Bibliothek, Küche und Gästezimmern), die organisch mit dem Zentralgebäude verbunden waren, sich zum umliegenden Park hin öffneten. Kents Verdienste sind besonders groß im Landschaftsgartenbau, wo er als „Vater des modernen Gartens“ gilt.

Das reifste Werk des Architekten ist die spärlich geformte, geordnete Fassade der Kaserne des Horse Guards Regiment (Horse Guards, 1742–1751) in London.

Der Architekt und Architekturtheoretiker James Gibbs (1682–1765) ist die markanteste Persönlichkeit der englischen Architektur der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Nachdem er bei Philippe Juvara in Turin studiert hatte, beherrschte er auch Palladios Ordnungs- und Proportionalsysteme. Das bedeutendste seiner Gebäude, sowohl vom Maßstab als auch vom künstlerischen Wert her, ist die sogenannte Redcliffe Library in Oxford (1737-1749), ein zentraler Bau von außergewöhnlicher Originalität, bestehend aus einem sechzehnseitigen Sockel, einem zylindrischen Hauptteil und ein Dom. Der massive rostige Sockel wird von großen gewölbten Tür- und Fensteröffnungen durchbrochen; Der runde Teil ist durch paarige Dreiviertelsäulen in sechzehn Pfeiler mit zwei Reihen abwechselnder Fenster und Nischen unterteilt. Über der Balustrade, die das zylindrische Hauptvolumen abschließt, erhebt sich eine Kuppel mit einer Laterne. Die strenge und monumentale Universitätsbibliothek bringt ihren Zweck voll zum Ausdruck und nimmt zweifellos einen der ersten Plätze unter den besten Denkmälern der englischen Architektur ein.

Einzigartig sind auch die Londoner Kirchen von Gibbs, deren Bau er nach Wren und Hawksmoor fortsetzte – die zweistöckige Kirche St. Mary le Strand (1714-1717) mit einem halbkreisförmigen Portikus am Eingang und einem schlanken Glockenturm sowie die Kirche von St. Martin in the Fields (1721-1726) mit einem beeindruckenden korinthischen Portikus.

William Chambers (1723–1796) war ein konsequenter Vertreter des Palladianismus in England in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, als kleinere englische Architekten bereits erfolglose Versuche aufgegeben hatten, die Pläne palladianischen Villen an die Bedingungen des englischen Klimas und die Anforderungen anzupassen englischen Komforts.

Chambers fasste die vergangene Phase der englischen Architektur in seiner Architekturabhandlung und seinem größten Gebäude, dem Somerset House in London (1776-1786), zusammen. Dieses monumentale Gebäude, das auf Arkaden aus Unterkonstruktionen errichtet wurde, blickt mit seinen rostigen Fassaden auf den Strand und das Themse-Ufer (die Fassade zum Fluss hin wurde später, im 19. Jahrhundert, hinzugefügt). Die Royal Academy befand sich 1780 auf dem Gelände des Somerset House.

Chambers, der letzte Palladianer, war der erste Vertreter der akademischen Bewegung in der englischen Architektur.

Aber Somerset House, insbesondere die Fassade mit seinem dreibogigen Eingang vom Strand und dem majestätischen Innenhof des Gebäudes, schließt würdig eine große und glänzende Ära in der Geschichte der englischen Architektur ab.

Unbestritten sind auch die Verdienste von Chambers auf dem Gebiet der Landschaftsarchitektur, wo er den englischen Landschaftspark förderte. Nach Kent arbeitete er im Kew Park, wo er neben klassischen Pavillons eine chinesische Pagode baute, als Hommage an die europäische Mode für „Chineseness“ und als Erinnerung an seine Reise in den Fernen Osten in seiner Jugend.

Robert Adam (1728-1792), ein weiterer prominenter englischer Architekt der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, wird oft mit Chambers verglichen. Während der konservative Chambers ein strikter Hüter der palladianischen Traditionen in der Architektur war, war Adam, ein Prediger „neuer Geschmäcker“, gewissermaßen ein Innovator Englische Kunst. Indem er die Antike auf eine neue Art und Weise interpretierte und dabei ein besonderes Augenmerk auf dekorative Motive legte, „revolutionierte er das Ornament“, wie er es selbst ausdrückte. Die führenden englischen Architekten dieser Zeit, angeführt von ihm, haben viel dafür getan, dass sich die neuen künstlerischen Trends, die er verfolgte, von der Innenausstattung aus verbreiteten (ihr Beispiel kann das vom Architekten James Payne geschaffene Vestibül von Wardour Castle in Wiltshire sein, siehe Abbildung). ) bis hin zu Möbeln, Stoffen und Porzellan.

Ein typisches Beispiel für Adams Werk ist Kedleston Hall Castle (1765–1770), das nach einem palladianischen Plan anderer Architekten erbaut und innen dekoriert wurde (mit halbkreisförmigen Flügeln neben dem Zentralgebäude). Aber die größten Prunkräume des Schlosses, die sich entlang der Hauptachse befinden, gehören zweifellos Adam. Die Gestaltung des großen Saals, in dem sich hinter den korinthischen Säulen aus Kunstmarmor, die die Stuckdecke tragen, in den Nischen der Wände antike Statuen befinden, und des gewölbten Salons, dessen Wände von Nischen und Tabernakeln durchzogen sind, war wahrscheinlich inspiriert von den antiken Denkmälern, die Adam während einer Reise nach Dalmatien kennenlernte, wo er den Diokletianpalast in Split studierte. In noch in einem größeren Ausmaß Techniken zur Dekoration anderer, kleinerer Räume – Stuckdecken und -wände, Dekoration von Kaminen – reagierten auf den neuen, raffinierten Geschmack. Die anmutige Fassade des Boodle Club in London (1765) lässt erahnen, wie Adam sich für das Erscheinungsbild des Gebäudes entschieden hat.

Die architektonische Tätigkeit von Robert Adam war außergewöhnlich breit gefächert. Zusammen mit den Brüdern James, John und William, seinen festen Mitarbeitern, baute er ganze Straßen, Plätze und Viertel Londons. Nachdem die Adam-Brüder die frühere palladianische Isolation und Isolation des architektonischen Volumens überwunden hatten, entwickelten sie Methoden zur Bildung integraler Stadtblöcke (hauptsächlich Wohngebäude) auf der Grundlage eines einzigen architektonischen Ensembles. Dies ist Fitzroy Square, das Adelphi-Viertel, benannt nach den Adam-Brüdern selbst („adelphos“ ist griechisch für „Bruder“). Infolge der späteren Sanierung und des Wiederaufbaus der Stadt (und auch nach den Luftangriffen im Zweiten Weltkrieg) blieb von der umfangreichen Bautätigkeit der Adam-Brüder nur wenig übrig. Doch die Traditionen ihrer Kunst behielten in der englischen Architektur noch lange ihre Bedeutung. Der bereits stark hellenisierte Stil der Adam-Brüder fand seine Fortsetzung im sogenannten „Greek Revival“, dessen Beginn auf das Ende des 18. Jahrhunderts zurückgeht, eine Richtung, die gestalterisch nicht originell genug und weitgehend eklektisch geprägt war. Diese Richtung erreichte in den ersten Jahrzehnten des nächsten, des 19. Jahrhunderts, ihre volle Entfaltung in der englischen Architektur.