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Eine Allegorie des Geruchs, das berühmte Gemälde „Der bewusstlose Patient“ des niederländischen Kupferstechers aus dem 17. Jahrhundert, wurde erst vor einem Jahr bei einer Auktion in New Jersey entdeckt, nachdem es in einem Keller gefunden und zur Versteigerung angeboten worden war. Ein kleines Auktionshaus schätzte das Gemälde auf 500–800 US-Dollar. Zwei Rembrandt-Experten haben vorgeschlagen, dass es sich um ein Gemälde handelt Originalarbeit berühmt Niederländischer Künstler und erhöhte die Kosten der Arbeiten auf 870.000 US-Dollar.

Das Gemälde wurde inzwischen identifiziert und offiziell als Werk anerkannt größter Vertreter Goldenes Zeitalter der niederländischen Malerei - Rembrandt. Das Gemälde ist jetzt da New York und ist Teil der Leiden-Sammlung, zusammengestellt vom Ehepaar Daphne Recanati und Thomas S. Kaplan. Die Sammlung enthält bereits zwei Werke des Künstlers aus der Serie „Hören und Fühlen“. Drei Werke wurden im Mai dieses Jahres im Getty Center in Los Angeles ausgestellt. Jetzt gesellt sich eine Allegorie der Vision hinzu, die aus dem Lekenhal-Museum, der niederländischen Stadt Leiden – Rembrandts Heimatstadt, übertragen wurde.

Die von 1624 bis 1625 in Leiden entstandene Gemäldeserie passt perfekt in die Traditionen Nordeuropas Genremalerei, die durch ein Spiel mit der Doppelbedeutung von Wörtern gekennzeichnet sind, die Gefühle verkörpern.
Zum Beispiel in Rembrandts Gemälde „Ein Mann, der Brillen verkauft“ (Vision. – Anmerkung „365“), ein älteres Paar mit schlechtes Sehvermögen schaut durch eine Schachtel mit Brillen, die einem nicht vertrauenswürdigen Straßenhändler gehört. Die Arbeit stellt beide Bedeutungen des Wortes Vision dar: Sehen und Beobachten.

"Diese frühe Werke Rembrandts sind spannend, weil sie uns das Können eines jungen Künstlers und seine Frühreife zeigen.“, sagt Ann Van Camp, Kuratorin für nordeuropäische Kunst am Ashmolean Museum. — „Die Gemälde zeigen, dass Rembrandt bereits im Alter von achtzehn Jahren ein Genie war: Er konnte den Charakter und die Emotionen von Menschen gekonnt darstellen und hatte die Fähigkeit, die gesamte lebendige Palette von Gefühlen mit nur wenigen Pinselstrichen auf die Leinwand zu bringen.“

Fünfter und letztes Bild aus Rembrandts „Senses“-Reihe „Taste“ wurde in den letzten 400 Jahren nie gefunden. Frau Van Camp glaubt, dass das Gemälde verloren ging oder zerstört wurde. Bei der Ausstellung wird ein leerer Rahmen neben den vier Gemälden des niederländischen Malers platziert, was der Ausstellungskurator hofft, dass dies die Galeriegäste dazu anregen wird, darüber nachzudenken und sich vorzustellen, wie ein fünftes Gemälde aussehen könnte, und sie, fügte Frau Camp hinzu, zum Anschauen animieren könnte für das Gemälde zu Hause.

Text: Yana Polyaninova

Adriaen van Ostade (1610 - 1685). Eine Serie von fünf Bauerninterieurs, die die fünf Sinne darstellen.

1.

Adriaen van Ostade(Haarlem, 1610-1685, ebenda) Noch in der Werkstatt seines Lehrers Frans Hals lernte er den talentierten flämischen Genremaler Adrian Brouwer kennen. Offensichtlich bestätigte diese Bekanntschaft endgültig die Absicht des jungen niederländischen Künstlers, Schriftsteller des Alltags zu werden. einfache Leute. Seine Werke stellen Szenen dar aus Bauernleben(Kämpfe, Tavernen, Spielkarten und andere) spiegeln objektive Tatsachen wider: Der Zusammenbruch der bäuerlichen Wirtschaft und die Vergröberung der Moral sind die Folgen langjähriger Kriege, Raubüberfälle und Gewalttaten spanischer und manchmal auch ihrer eigenen Truppen. Aber die betonte Karikatur der Typen und die Betonung tierischer Merkmale im Verhalten und Aussehen des Bauern zeigen, dass der Künstler die Beurteilung dessen, was er darstellt, aus der Position der herrschenden Klasse heraus angeht, für die diese „Männer“ minderwertige Wesen sind. So erscheint Ostade sowohl in der Themenwahl als auch in seiner Interpretation als Ideologe des neuen Besitzers des Landes – eines Bourgeois, der seinen Geschmack sehr deutlich zum Ausdruck brachte. Auch wenn der Künstler später Werke schafft, die von Sympathie für seine Helden geprägt sind, spiegelt sich in seinem Werk nicht der tägliche harte Kampf des Bauern wider, sondern ist ganz den heiteren Seiten des Lebens gewidmet, den Momenten der Entspannung. Nächste... ">

Serie der fünf Sinne – Gerücht (Option)

Doch das größte Verdienst des Künstlers war gerade die Tatsache, dass er in seinem Gemälde einen neuen Helden etablierte – den niederländischen Bauern. Daher gilt A. Ostade zu Recht als Begründer des Bauerngenres. Es ist vor allem seinen Bemühungen zu verdanken, dass dieses Genre unter anderen Arten der Malerei einen starken Platz einnahm und populär wurde.

Bauern werden auch in der allegorischen Serie „Die fünf Sinne“ dargestellt („Sehen“, „Hören“, „Geruch“ und „Geschmack“; das Gemälde „Berührung“, das den fünften Sinn darstellt, ist nicht erhalten; eine Kopie wird präsentiert) .

2. (Geruch)

Serie „Fünf Sinne – Geruch“.(Geruch)(Option)

„Die fünf Sinne“ sind ein weit verbreitetes Thema in der Kunst des 16. und 17. Jahrhunderts. Nach damaligen Vorstellungen allegorisches Bild Gefühle waren Gegenstand eines „hohen Genres“ – historisch, Götter und Helden verherrlichend. Dementsprechend wurden Gefühle dargestellt ideale Bilder, mit exquisiten Attributen. Ostade inszeniert sie mit Hilfe derselben Bauern in seinen kleinen Gemälden. Eine solche Interpretation der fünf Sinne demokratisiert nicht nur „ hohes Genre„Allegorie, trägt aber auch die Konnotation einer plebejischen Herausforderung an die Vorstellungen und Geschmäcker angesehener Bürger.“

3. Serie der fünf Sinne -Schmecken

Serie der fünf Sinne -Schmecken (Option) Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Die realistische Malerei konnte sich in Holland nicht etablieren, ohne die Konventionen der feudal-aristokratischen Kunst und der idealistischen Ästhetik aufzugeben. Symbolik und Allegorie – die Grundlage der Kunst der Vorperiode – durchlaufen, bevor sie endgültig aus der niederländischen Malerei verschwinden, eine Transformation, die sie auf die Ebene gewöhnlicher Phänomene reduziert alltägliches Genre. Die Schärfe der Darstellung dieser Serie grenzt immer noch ans Groteske, doch die einstige Karikatur ist dem gutmütigen Humor gewichen.

4.

Serie „Fünf Sinne – Vision“. (Option) Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Diese Serie, deren Verbleib derzeit unbekannt ist, wurde mehrmals wiederholt und kopiert, was auf die offensichtliche Beliebtheit des Motivs und der Komposition hinweist.Obwohl zahlreiche einzelne Gemälde der Serie bis heute erhalten sind, ist es äußerst selten, die gesamte Serie von fünf Gemälden auf einmal zu finden.Eine der Optionen für die komplette Serie, die für eine lange Zeit befand sich im Besitz der New York Historical Society und wurde 1995 von Sotheby's in New York versteigert. Derzeit lässt sich die komplette Serie etwa in die Mitte des 17. Jahrhunderts datieren.

5. Serie der fünf Sinne – Berührung(Schmerz)

Ein Chirurg bearbeitet das Bein eines Mannes. Das Ölgemälde bezieht sich auf Cornelis Mach.

Vielleicht hat Cornelis Mahu Ostade kopiert? Sie waren wie Künstler, Kollegen, und Cornelis liebte es, Kopien anzufertigen.

https://www.lempertz.com/en/catalogues/lot/1057-1/...aen-van-ostade-copy-after.html

http://vsdn.ru/museum/catalogue/exhibit12095.htm

http://vsdn.ru/museum/catalogue/category70858.htm

Herunterladen.

Je höher die Auflösung (Qualität und Größe) Ihrer Grafikdateien ist, desto höher ist die Qualität des Drucks bei der Gestaltung des Gemäldes.

Empfohlene Auflösung für Ihre Dateien: vorzugsweise mindestens 100 Punkte pro Zoll (dpi) bei natürlicher Druckgröße.

Um beispielsweise beim Drucken eines Bildes mit den Maßen 40 x 60 cm eine optimale Qualität zu erzielen, beträgt die empfohlene Bildgröße in Pixel mindestens 1575 x 2362 Pixel.

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Die folgenden Arten von Grafikdateien stehen zum Herunterladen zur Verfügung: jpg, png, bmp, gif.

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Bedenken Sie, dass die Druckqualität umso höher ist, je höher die Auflösung (Qualität und Größe) der Grafikdateien ist. Aus der Galerie. Mehr als 30.000 Bilder

hohe Qualität

aus der Galerie, sei es ein thematisches Poster, ein Meisterwerk der Weltmalerei oder ein Porträt für eine Collage (Einfügung Ihres Gesichts in ein Bild).

Um das gewünschte Bild auszuwählen, verwenden Sie das Menü auf der linken Seite und navigieren Sie durch die thematischen Elemente (Kunststile, Themen, Auswahl nach Künstlernamen oder nach Klassifizierung von Porträts für Collagen für Männer, Frauen oder Gruppenporträts).

Auf Erfolgskurs.

Bestellen Sie einen Druck ohne Unterlage auf verschiedenen Papier- oder Leinwandsorten. Auf starrer Basis. Eines davon ist das Aufrollen von Papier oder Leinwand auf eine Schaumstoffplatte

letzte Etappen

Bildgestaltung.

Der Hauptvorteil des Rollens auf Schaumstoffplatten besteht darin, dass das fertige Werk eine steife Basis erhält und gleichzeitig leicht im Gewicht bleibt.

Durch das Aufrollen auf eine Schaumstoffplatte wird das Bild vor Verziehen oder Wellen geschützt.

Nach dem Aufrollen auf die Schaumstoffplatte kann die Leinwand in jedem Raum ausgestellt werden.

Das Kit enthält Befestigungen für die Schaumstoffplatte an der Wand.

Druck auf Baumwoll- oder Leinenleinwand, gespannt auf einen künstlerischen Keilrahmen. Das Spannen kann entweder in einer Galerie (wobei ein Teil des Bildes bis zu den Enden des Keilrahmens reicht) oder im Studio (das Bild ist vollständig in die Vorderseite des Keilrahmens eingeschrieben, die Enden können Fragmente des Bildes wiederholen oder in einer beliebigen Farbe übermalt werden) erfolgen )..

Herstellung eines Baguette-Rahmens, sowohl mit auf Leinwand oder Papier gedrucktem Bild als auch ohne Druck, ganz nach Ihren Wünschen fertige Arbeit Sie können Ihrem Design bis zu 3 Matten hinzufügen

verschiedene Farbtöne

Herstellung von Gemälden aus mehreren Teilen, sowohl auf Papier mit Rändelung auf Schaumstoffplatte (eine kostengünstige Option) als auch auf Leinwand, die auf einen Keilrahmen gespannt ist. Mehr als 100 Möglichkeiten zur Zusammenstellung von Modulstandorten und -größen.

Design von Spiegeln im Baguetterahmen. Mehr als tausend Rahmenoptionen.

Plakat auf Papier

Der Druck erfolgt auf professionellen Geräten mit Pigmenttinten, die wiederum die Farben vor dem Ausbleichen schützen und die satte und genaue Farbwiedergabe Ihrer Bilder bewahren.

Es wird hochwertiger Druck verwendet Kunstdruckpapier mit einer Druckauflösung von 4800dpi.

Mattes Papier 170g/m2

• Hat eine höhere Dichte.
• Hohe Auflösung (1440 dpi) und Kontrast.

Satinpapier 270g/m2

• Die höchste Auflösung beträgt 5760 dpi.
• Satte und leuchtende Farben.

Spiegeltuch

Silberner Spiegelstoff, 4 mm dick, mit Schutz Rückseite Es reflektiert Objekte präzise und wird zur Herstellung der meisten Spiegel verwendet.

Druck auf Leinwand

Der Druck auf naturbelassener, kunstvoller Leinenleinwand verhindert, dass diese während der gesamten Dekorationszeit Ihres Interieurs durchhängt.

Im Gegensatz zu Baumwolle speichert Leinen keine Feuchtigkeit und ist nicht anfällig für Fäulnis. Der Druck erfolgt mit Pigmenttinten, die im Gegensatz zu wasserlöslichen Tinten bei Tageslicht nicht ausbleichen.

Die Farben bleiben auch nach langer Zeit satt und leuchtend.

Die Leinwand wird auf einen künstlerischen Keilrahmen gespannt, bis sie möglichst elastisch ist, wodurch die gesamte Textur des künstlerischen Leinens zum Vorschein kommt, auf dem alle ernsthaften und bedeutenden Kunstwerke gemalt wurden.

• Baumwoll-Canvas, matt
• Das Druckbild weist eine gute Feuchtigkeitsbeständigkeit auf

Durch die Lackbeschichtung werden Helligkeit, Sättigung und Farbstabilität des Bildes deutlich erhöht.

• Leinenleinwand, glänzend
• Resistent gegen Umwelteinflüsse.

Ein ideales Material für jede künstlerische Kreation.

Wenn Sie bereits über ein Werk (Wandteppich, Stickerei, Leinwand, Zeichnung usw.) verfügen, können Sie einen Rahmen dafür, ein Passepartout usw. auswählen und bestellen. Wählen Sie dazu den Punkt „Rahmen ohne Arbeit gestalten“ aus. Wählen Sie im Abschnitt „Bildgröße“ „Benutzerdefinierte Größe“ und geben Sie die Größe Ihres Werks in mm an. Für eine visuellere und praktischere Gestaltung in einem Baguette können Sie ein Foto Ihrer Arbeit in das Bildgestaltungsmodul hochladen. Klicken Sie dazu auf die Schaltfläche „Foto Ihrer Arbeit hochladen“ und wählen Sie die Datei mit dem Foto Ihrer Arbeit aus Arbeiten an Ihrem Gerät. Das Bild wird im Bildgestaltungsmodul in ein Baguette geladen. In diesem Fall werden die Größenoptionen automatisch entsprechend den Proportionen des Bildes Ihrer Arbeit berechnet. Wählen Sie eine der vorgeschlagenen Größen oder geben Sie Ihre Größe in Millimetern ein. Wählen Sie dann einen Baguette-Rahmen, optionales Passepartout, Druckmaterial oder künstlerisches Ölgemälde und weitere Optionen. Nach Abschluss der Registrierung im Baguette legen Sie das gerahmte Bild durch Klicken auf den entsprechenden Button in den Warenkorb.

Baumwoll-Canvas, matt, 300 Mikron

Die Textur der Leinwand verleiht dem gedruckten Bild das Aussehen eines echten Gemäldes.

• Das Druckbild weist eine gute Feuchtigkeitsbeständigkeit auf.
• Durch die Lackbeschichtung werden Helligkeit, Sättigung und Farbstabilität des Bildes deutlich erhöht.

Leinenleinwand, glänzend 400 Mikron

Dicker, natürlicher Leinenstoff mit glänzender Oberfläche.

Auf dieser Leinwand gedruckte Kopien von Gemälden, die in der Technik der Ölmalerei angefertigt wurden, wurden auf Ausstellungen gezeigt.

Selbst Experten konnten diese Kopien nicht sofort von den in der Nähe ausgestellten Originalen unterscheiden.

• Resistent gegen Umwelteinflüsse.
• Ein ideales Material für jede künstlerische Kreation.

Mattes Papier 170g/m2 (Economy)

Konzipiert für ein breites Anwendungsspektrum: vom Drucken technischer Dokumentation (Zeichnungen, Diagramme, Karten) bis zur Herstellung von Postern, Plakaten, Werbetafeln und Schildern.

• Hat eine hohe Dichte.
• Hohe Auflösung (1440 dpi) und Kontrast.

Glanzpapier 220g/m2

Beim Drucken erzeugt es helle, satte Töne.

Dank der Polyesterbeschichtung des Papierträgers verzieht sich das Papier überhaupt nicht.

Das Papier hat eine hohe Dichte (220 g/m2), ideal für den Druck großformatiger Fotos: Fotoporträts, Fotolandschaften und jede fotorealistische Werbung.

Bietet eine Auflösung von bis zu 4320 dpi.

Satinpapier 270g/m2 (Premium)

Satinpapier ist ein erstklassiges Material.

Erzeugt keine grelle Blendung. Daher sind selbst kleinste Details auf den Drucken deutlich sichtbar.

Es verfügt über eine hohe Dichte und wird zum Drucken hochwertiger Fotos, Poster und Banner verwendet.

• Die höchste Auflösung beträgt 5760 dpi.
• Satte und satte Farben.

Bildgröße

Wählen Sie eine der verfügbaren Größenoptionen aus. Die empfohlenen Größen werden in Zentimetern angegeben. Wenn Sie Ihre Größe angeben möchten, wählen Sie „Benutzerdefinierte Größe“ und geben Sie diese in Millimetern an.

Dieser Block gibt die Größe des Bildes oder des fertigen Werkes an, ohne Berücksichtigung von Rahmen und Passepartout. Die Gesamtgröße des Gemäldes ergibt sich aus der Summe der Bildgröße, des Passepartouts (falls hinzugefügt) und der Breite des Baguettes.
Wenn Sie beispielsweise eine Bildgröße von 30 x 40 cm gewählt haben, benötigen Sie 2 Matten à 3 cm. und ein Baguette mit einer Profilbreite von 4 cm, dann beträgt die Gesamtgröße des Bildes:
Seite A= 30cm. + 12cm. (Die Ränder von zwei Pässen auf jeder Seite betragen 3 cm.) + 8 cm. (Baguette-Profilbreite 4 cm auf jeder Seite) = 50cm.
Seite B= 40cm. + 12cm. (Die Ränder von zwei Pässen auf jeder Seite betragen 3 cm.) + 8 cm. (Baguette-Profilbreite 4 cm auf jeder Seite) = 60cm.

Wenn Sie ein Bild aus der Galerie, Ihr hochgeladenes Bild oder ein fertiges Werk entwerfen, nachdem Sie zuvor dessen Foto hochgeladen haben, werden die Abmessungen automatisch entsprechend den Proportionen des Bildes berechnet.
Wenn Sie einen Spiegel oder Ihr Werk dekorieren, ohne ein Foto davon hochzuladen, geben Sie eine beliebige unabhängige Breite und Höhe an, indem Sie die Option „Benutzerdefinierte Größe“ auswählen.

Bei der Gestaltung eines Spiegels bezieht sich die Bildgröße auf die Spiegelfläche. Sie geben die Größe des Spiegels an, ohne den Rahmen zu berücksichtigen. Somit wird die Gesamtgröße des Spiegels berechnet: Spiegelgröße + Rahmenprofilbreite.

Wählen Sie eine der vorgeschlagenen Größenoptionen in Zentimetern oder geben Sie Ihre Größe in Millimetern an, indem Sie den entsprechenden Artikel auswählen.

Auswahl des Einrahmungsrahmens

Um einen Rahmen für ein Bild hinzuzufügen, klicken Sie auf die Schaltfläche „Rahmen auswählen“ und wählen Sie im sich öffnenden Fenster eine Baguette-Kategorie aus. Wählen Sie in der ausgewählten Kategorie einen passenden Bilderrahmen nach Preis, Farbe, Material (Holz, Kunststoff, Aluminium) und Profilbreite aus, indem Sie auf die Schaltfläche „Auswählen“ klicken.

Der Bilderrahmen wird dem Design hinzugefügt, woraufhin weitere Blöcke verfügbar werden, z. B. „Glas“ (wenn der Materialtyp „Druck auf Poster“ ist), Passepartout usw.

Sie können den Bilderrahmen in einen zuvor angezeigten ändern. Dazu wird auf der rechten Seite des Blocks im Abschnitt „Angesehen“ eine Liste geführt, in der Rahmen zum Dekorieren von Gemälden im Baguette hinzugefügt werden, die Sie beim Dekorieren von Gemälden im Baguette in der Menge angezeigt haben die letzten 6.

Auswahl an Baguette

Die Funktion eines Baguette-Rahmens kann kaum überschätzt werden. Dies ist nach dem Bild selbst das zweitwichtigste Detail bei der Gestaltung des Gemäldes. Ein richtig gewählter Rahmen kann die Wahrnehmung des Bildes als Ganzes erheblich steigern, ebenso wie umgekehrt ein falsch gewählter Rahmen das gesamte Erscheinungsbild des Werkes völlig ruinieren und die gesamte künstlerische Absicht zunichte machen kann. Der Rahmen muss nicht nur mit dem Bild harmonieren, sondern auch mit dem Passepartout und dem Innenraum, in dem das Gemälde künftig platziert werden soll. Diese Harmonie wird nicht nur durch die Wahl der Farbkombinationen erreicht, sondern auch durch Profilbreite, Musterstruktur und Form. Ideal ist es, wenn die Textur des Rahmens die Hauptlinien des Bildes widerspiegelt. Beispielsweise lässt sich ein Design mit dünnen und unidirektionalen Strichen ideal mit einem Rahmen kombinieren, auf dem die Textur im gleichen Stil ausgeführt ist. Vorteilhaft sieht auch ein Rahmen aus, dessen Farben die im Design selbst verwendete Sekundär- oder Tertiärfarbe wiederholen. Das Bild sieht seltsam aus große Größe in schmalem Rahmen gerahmt.

Holzbaguette

Holz ist ein traditionelles, allgemein anerkanntes Material, das am häufigsten zur Herstellung von Leisten und Rahmen verwendet wird. Es wird für seine Wärme und Natürlichkeit geschätzt. Alle bedeutenden Kunstwerke sind in einem naturbelassenen Holzbaguette gerahmt. Die wichtigsten Holzarten für die Herstellung von Baguettes sind Ajos, ​​Ramin und europäische Kiefer.

Plastikbaguette

Das Material für das Plastikbaguette ist geschäumtes Polystyrol (expandiertes Polystyrol). Gleichzeitig ermöglicht die Festigkeit von expandiertem Polystyrol den Einsatz als Konstruktionselement, das über lange Zeit erhebliche Belastungen tragen kann. Ein wesentlicher Vorteil von Kunststoff besteht darin, dass er seine Eigenschaften und Abmessungen weder bei längerem Kontakt mit Wasser noch bei wiederholter Einwirkung wechselnder Temperaturen verändert. Moderne Technologien ermöglichen es Ihnen, sehr ähnliche Kopien vieler Holzbaguette-Modelle anzufertigen. Das Dekor des Baguettes und die Beschichtungsfolie imitieren Analoga aus Holz, aber die Folienbeschichtung wird niemals die ganze Vielfalt und Individualität der manuellen Verarbeitung eines Holzbaguettes, seine Wärme vermitteln.

Aluminiumbaguette

Dank der Reinheit, Einfachheit und Eleganz der Linien, einer Vielzahl von Formen und Beschichtungen eignet sich Aluminiumbaguette für Bilder unterschiedlicher Stilrichtungen. Chromoberflächen und großformatige Profile können antike Reproduktionen einrahmen, während lackierte Profile zu den meisten zeitgenössischen Werken passen. Modernes Material was viele Vorteile hat

• Ästhetisches Aluminium-Baguette passt am meisten moderne Bilder, und zu klassischen Bildern.
• Reichhaltige Farbpalette Die Farbpalette von Aluminiumprofilen ist sehr vielfältig. Die Farben werden im Ofen gebrannt und unterliegen keiner Alterung. Sie können jederzeit eine ähnliche Farbe finden.
• Zuverlässigkeit Aluminium verschlechtert sich im Laufe der Zeit nicht. Selbst hohe Luftfeuchtigkeit zerstört es nicht.

Anwendungsbereich

Die Hauptaufgabe der Platzierung von Glas in einem Bild besteht darin, das Bild vor der äußeren Umgebung (Staub, Feuchtigkeit usw.) zu schützen. Zusätzlich zu diesen Aufgaben schützt Antireflexglas Bilder und Designmaterialien vor UV-Strahlung und Ausbleichen.

Beim Erstellen von Bildern auf Papier ist die Anwesenheit von Glas erforderlich. Glas schützt auch Stickereien, Wandteppiche, Bettwäsche, Kohle, Aquarellfarben usw.

Wenn Sie auf Papier drucken und einen Rahmen haben, ist Glas erforderlich.

Normales Glas

Normales Kunstglas für Gemälde ist 2 mm dick. Die Verwendung von dünnem Glas ist auf die geringste Verzerrung und Brechung des Lichts zurückzuführen, was eine genaue visuelle Wahrnehmung des Bildinhalts ermöglicht. Außerdem hat Glas von zwei Millimetern ein relativ geringes Gewicht, was besonders bei der Gestaltung großformatiger Werke sehr wichtig ist.

Antireflexglas

Glas schützt und schützt die Arbeit vor schädlichen Einflüssen Umfeld. Doch trotz all seiner Vorteile hat gewöhnliches Glas einen entscheidenden Nachteil: Es erzeugt starke Blendung. Und zunächst einmal sieht der Betrachter sein eigenes Spiegelbild im Glas und nicht das Bild selbst.

Mit Antireflexglas können Sie dieses Problem lösen, indem Sie Bilder schützen, ohne sie zu verzerren.

Der Hauptunterschied zwischen Anti-Glare-Glas ist die unsichtbare Antireflexbeschichtung, die es nicht blendet. Die Lichtreflexion wird auf ein Minimum reduziert, wodurch Stärke und Fülle erhalten bleiben Farbpalette Bilder.

Die Wirkung von entspiegeltem Glas kommt besonders bei Designs mit dunklen Bildern und Materialien zum Tragen.

Hauptmerkmale:

• UV-Schutz – 65 %
• Lichtreflexion weniger als 1 %
• Lichtdurchlässigkeit - 98,5 %
• Glasstärke 2 mm

Dank seiner reichen Palette an Farben und Schattierungen ist die Matte ein Werkzeug zur Erzielung einer Farbbalance zwischen Bild, Baguette-Rahmen und die Wand, an der sich das Gemälde befindet. Passepartout verleiht dem Gemälde die nötige „Luft“ und ermöglicht die Lösung dekorativer Probleme Dekoration. Auch das Vorhandensein eines Passepartouts entscheidet praktische Probleme, wie schützend, archivierend und ästhetisch.

Passepartout-Funktionen:

• Passepartout schützt Kunstwerk Dadurch entsteht ein Luftspalt zwischen dem Werk und dem Glas und verhindert, dass das Bild gegen das Glas drückt, wodurch eine Verformung des Papiers und ein Farbverlust des Bildes vermieden werden. Dies ist besonders wichtig bei empfindlichen Oberflächen.
• Das Passepartout verleiht dem Gemälde die nötige „Luft“, erleichtert die Wahrnehmung des Werkes und hilft dem Betrachter, seine Aufmerksamkeit auf das Bild zu konzentrieren.
• Der Passepartout-Schnitt im 45-Grad-Winkel lenkt den Blick auf das Bild, indem er eine Linie um das Bild herum erzeugt, und das Passepartout selbst verleiht dem Werk ein vollendetes, ästhetisches Aussehen.
• Die Farbe der Matte kann die Wahrnehmung des Gemäldes als Ganzes verändern, die Aufmerksamkeit auf einen bestimmten Bereich des Bildes lenken oder das Werk isolieren, sodass nichts die ursprüngliche Absicht des Künstlers beeinträchtigt.
• Mit Hilfe einer Matte können Sie dem Bild visuelles Volumen verleihen, das Bild wird klarer und realistischer wahrgenommen, die Ränder des Werkes werden erweitert, Volumen und Tiefe erscheinen.
• Passepartout schafft eine neutrale optische Zone zwischen Werk und Rahmen. Mit seiner reichen Farbpalette dient das Passepartout als Werkzeug zur Erzielung einer Farbbalance zwischen dem Bild, dem Rahmen und dem Innenraum, in dem sich das Gemälde befindet. Es trägt dazu bei, das dekorierte Bild im Innenraum zu platzieren und es harmonisch mit der Umgebung zu verbinden Details.
• Die Matte selbst kann ein Kunstwerk sein. Die Vielfalt an Farbtönen, Texturen und Kombinationen eröffnet enorme Möglichkeiten für ausdrucksstarke Bilddekoration. Eine richtig und harmonisch ausgewählte Matte wird zu einem integralen Bestandteil des fertigen künstlerischen Werkes.

Hinzufügen eines Passepartouts

Nach dem Hinzufügen eines Baguetterahmens erscheint ein Passepartout-Designblock. Standardmäßig wird eine zufällige Matte ausgewählt. Um das Hinzufügen eines Passepartouts abzubrechen, klicken Sie auf „0“ neben der Kopfzeile des Blocks „Anzahl Passepartout:“. Um ein Passepartout gegenüber dieser Überschrift hinzuzufügen, wählen Sie die gewünschte Menge aus. Darunter erscheint eine Liste der Passepartouts basierend auf der ausgewählten Menge. Die Elemente dieser Liste enthalten:

• Seriennummer des Passepartouts (von 1 bis 3)
• Passepartoutfarbe
• seine Artikelnummer
• Dropdown-Liste zur Auswahl der Breite des Passepartout-Feldes in Zentimetern (von 1 bis 10)
• Pfeil, der die Position der Matte im Layout anzeigt

Unten ist ein Block mit Paspatou-Proben. Der Ausgewählte ist derjenige, dessen Probe aus der allgemeinen Reihe herausragt.

• Wählen Sie eine Zeile aus dem Passepartout aus, indem Sie darauf klicken
• Wählen Sie im Block mit Beispielen das entsprechende aus
• Wählen Sie die Breite aus, indem Sie sie in der Dropdown-Liste „Breite in cm“ ändern.

Wenn mehr als eine Matte ausgewählt ist, wechseln Sie zur nächsten Zeile, indem Sie darauf klicken. und führen Sie die gleichen Schritte aus. Bewerten Sie das Ergebnis des Entwurfs im Layout des Gemäldes.

Experimentieren Sie mit dem Passepartout, bis Sie im Layout des Gemäldes eine Gesamtharmonie zwischen Passepartout, Bild und Rahmen erreicht haben.

Durch Klicken auf die Aufschrift „Passepartout-Details“ wird eine detaillierte Zusammenfassung mit einer Beschreibung der von Ihnen ausgewählten Matten angezeigt.

Wenn Sie Ihrer Arbeit ein Passepartout hinzufügen, ist Glas ein Muss!

Auswahl der Styling-Ebene

Die Stilisierung als Gemälde wird den Malprozess eines Künstlers nicht vollständig ersetzen, aber sie wird die Wahrnehmungswirkung deutlich an ein in Öl gemaltes Werk annähern. Verwendung spezieller Ausrüstung und Software Unsere Designer werden den Effekt von Pinselstrichen und „Luftigkeit“ erzeugen. Ölfarben.
Wenn Sie planen, ein Bild auf Leinwand drucken zu lassen, dann lässt sich ein Stilisierungseffekt besonders gut erzielen, indem Sie die Leinwand mit Lack und Art Gel bearbeiten lassen, wodurch entsteht zusätzliche Effekte Schlaganfälle künstlerischer Pinsel.
Die Kosten für diesen Service hängen vom Grad des Stylings ab.
Stufe 1 impliziert Erzeugen des Effekts künstlerischer Pinselstriche von Vordergrundobjekten, ohne detailliertes Zeichnen kleiner Objekte und des Hintergrunds.
2. Styling-Ebene Beinhaltet das Zeichnen großer und mittelgroßer Bilddetails.
3. Styling-Ebene Die Malerei umfasst die Bearbeitung aller Bildobjekte. Der Pegel hängt auch vom Inhalt des Bildes ab. Wenn das Bild beispielsweise viele kleine Objekte (Querformat) enthält, ist die minimale Stilisierungsstufe die zweite.
Dieser Service ist besonders relevant bei der Bestellung von Fotocollagen (Einfügen von Gesichtern) in Porträts, deren Originale in Öl gemalt wurden.

Eine Abschrägung an einem Spiegel anfertigen

Eine Fase ist ein geschliffener, polierter und abgeschrägter Randstreifen entlang des Umfangs, der einen bestimmten Winkel mit der Spiegeloberfläche bildet.

Bei der Herstellung eines Spiegels mit Abschrägung wird in einem bestimmten Winkel eine Kante von 1 bis 4 cm vom Rand der Leinwand entfernt. Die Abschrägung verleiht dem Spiegel einen Volumeneffekt und optische Vollständigkeit. Ein abgeschrägter Spiegel wirkt edler und eindrucksvoller.

Die Kosten für die Anfertigung einer Abschrägung an einem Spiegel hängen von der Breite der Abschrägung und der Größe der Spiegelplatte ab.

Wir bieten 4 Fertigungsmöglichkeiten an:

• Fasenbreite 10mm.
• Fasenbreite 20mm.
• Fasenbreite 30mm.
• Fasenbreite 40mm.

Wenn Sie eine mittlere Fasengröße benötigen, teilen Sie uns dies bitte bei Ihrer Bestellung in den Kommentaren mit oder wenden Sie sich an unseren Manager, der Sie nach der Bestellung kontaktieren wird.

Lackbeschichtung

Das Beschichten der Leinwandoberfläche mit Lack ist eine Schutzmaßnahme. Nach dieser Behandlung ist die Leinwand nicht der äußeren Umgebung ausgesetzt. Es kann ohne Angst um die Sicherheit des Bildes mit einem Lappen abgewischt oder mit einem Staubsauger gereinigt werden. Lack schützt die Leinwand auch vor Feuchtigkeit, die sich mit der Zeit ansammeln und negativ beeinflussen kann Aussehen arbeiten.

Zusätzlich zu den schützenden Eigenschaften verleiht die Beschichtung mit Lack der Leinwand ein „glänzendes“ Aussehen und die Farben verleihen dem Bild Fülle und Klarheit.

Collery, Louis de – Allegorie der fünf Sinne. Eremitage, St. Petersburg

„FÜNF SINNE“- traditionelle Allegorie Schöne Künste. In der mystischen Tradition werden die fünf menschlichen Sinne (Sehen, Hören, Schmecken, Riechen, Tasten) durch ein Pentagramm (fünfeckiger Stern) mit den lateinischen Buchstaben „SALUS“ (bildet das Wort „Gesundheit“) bezeichnet. Buchstaben bedeuten Anlaute Lateinische Wörter: sensus – „Geschmack“, auditus – „Hören“, libinis – „Verlangen“, visus – „Sehen“, spiritus – „Atem, Duft“.

Franken Frankreich (jünger) (1581-1642). Fünf Sinne. 1620. Privatsammlung



In ikonologischen Sammlungen und allegorischen Kompositionen des 16.-18. Jahrhunderts. Die fünf Sinne des Menschen werden durch meist weibliche Figuren wie Musen mit entsprechenden Attributen dargestellt.
Anhörung verkörpert die Figur mit Musikinstrumente, manchmal - St. Cecilia, Schutzpatronin Musikalische Kunst;
Vision- eine Schönheit mit einem Spiegel in den Händen;
schmecken- „schöne Gärtnerin“ mit einem Obstkorb,
sie mit einem Blumenstrauß - Geruchssinn;
berühren- hält den Vogel in seiner Hand.

Laresse Gerard de (1640-1711). Allegorie der fünf Sinne. 1668. Glasgow, Kunstgalerie und Museum



Die Allegorie der fünf Sinne wird auf der berühmten mittelalterlichen Wandteppichserie „Die Dame mit dem Einhorn“ dargestellt.
Die Dame mit dem Einhorn ist ein Zyklus von sechs französischen Wandteppichen aus dem späten 15. Jahrhundert und das berühmteste Exponat im Cluny-Museum in Paris. Der Name des Zyklus ist willkürlich und entstand im 19. Jahrhundert.



Menschliche Gefühle können durch Tiere und Vögel symbolisiert werden: ein Adler – Vision, ein Hirsch – Hören, ein Affe – Geschmack, ein Hund – Geruch, ein Igel – Berührung.

Caravaggios Gemälde „Junger Mann mit Laute“, „Junge mit Obstkorb“ und „Von einer Eidechse gebissener Junge“ (1590er Jahre) gelten als Allegorien menschlicher Gefühle.
„Der Lautenspieler“ ist ein Gemälde von Caravaggio. Existiert in drei Versionen, derzeit aufbewahrt: in der Hermitage, St. Petersburg, im Metropolitan Museum of Art, New York (Wildenstein-Sammlung) und im Badminton House-Anwesen, Gloucestershire, Großbritannien. Von diesen wurde bis vor Kurzem nur die Urheberschaft des Hermitage-Gemäldes allgemein anerkannt; Nun gilt die Version der Handlung des Erstautors als Gemälde in New York. Das englische Gemälde ist eine Kopie aus der Eremitage. Der Künstler selbst betrachtete „Der Lautenspieler“ als „sein gelungenstes Gemäldefragment“.
Michelangelo de Caravaggio. Lautenist, Öl auf Leinwand. 94×119 cm. Eremitage, St. Petersburg


Michelangelo de Caravaggio. Lautenist, ca. 1595. Öl auf Leinwand. 100×126,5 cm. Metropolitan Museum of Art, New York


Michelangelo de Caravaggio. Lautenist, ca. 1596. Öl auf Leinwand. 96×121 cm. Badminton House, Gloucestershire


Michelangelo de Caravaggio. Junge mit einem Obstkorb (Junger Mann mit einem Obstkorb). 1593-1594. 70 x 67 cm. Öl auf Leinwand. Borghese-Galerie

Michelangelo de Caravaggio. Ein Junge, der von einer Eidechse gebissen wurde. Um 1593. 65,8 x 39,5 cm Öl auf Leinwand. Florenz. Longhi-Sammlung

Michelangelo Merisi de Caravaggio (italienischer Michelangelo Merisi de Caravaggio; 29. ​​September 1571 (15710929), Mailand - 18. Juli 1610, Grosseto, Toskana) - Italienischer Künstler, Reformator Europäische Malerei XVII Jahrhundert, einer von größte Meister Barock. Einer der ersten, der den „Chiaroscuro“-Schreibstil verwendete – scharfer Kontrast Licht und Schatten.
Caravaggio. Virtuelle Galerie
Auf Niederländisch und Flämische Malerei XVII-XVIII Jahrhundert Szenen des alltäglichen Genres haben allegorische Untertöne: Trunkenbolde in einer Taverne (Geschmack), Raucher (Geruch), Dorfsänger (Hören), ein Bauer, der eine Schönheit belästigt (Berührung).

Theodore Rombouts (Rombouts, 1597–1637) – flämischer Maler. Allegorie der fünf Sinne. Gent, Museum der Schönen Künste

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Peter Paul Rubens wurde in die Familie eines Antwerpener Anwalts hineingeboren. Als Protestant flohen sein Vater und seine Familie vor dem Terror nach Deutschland. Nach dem Tod ihres Mannes im Jahr 1587 konvertierte die Mutter erneut zum Katholizismus und kehrte mit ihren Kindern nach Antwerpen zurück. Im Alter von 11 Jahren besuchte Peter zusammen mit seinem älteren Bruder die Lateinschule. In Zukunft sah die Mutter ihre Söhne als Fortsetzungen der Arbeit ihres Vaters. Tatsächlich wurde Peters älterer Bruder, der einen Abschluss in Rechtswissenschaften und einen Doktortitel in beiden Rechtswissenschaften erworben hatte, Sekretär von Antwerpen. Und Peter begann im Alter von 14 Jahren Malerei zu studieren und hatte ein unwiderstehliches Verlangen danach. Er studierte in der Werkstatt von Otto van Veen, einem Hofkünstler und Meister der Historienmalerei.

Im Jahr 1598 erhielt Peter den Titel eines freien Künstlers der Antwerpener Lukasgilde.

Im Jahr 1600 ging er nach Italien, um seine Fähigkeiten zu verbessern. Rubens trat als Hofmaler in die Dienste des Herzogs Vincenzo Gonzas. Im Auftrag des Herzogs, eines bedeutenden Kunstsammlers, kopierte Rubens Gemälde in Rom, Genua, Venedig und Florenz. Erste selbständiges Arbeiten Der Künstler hatte Porträts, die die Galerie des Herzogs mit den „schönsten Damen der Welt: sowohl Prinzessinnen als auch unbetitelte Frauen“ füllten.

Aber Rubens' Talent erforderte ein breiteres Spektrum an Aktivitäten.

Sein Talent zeigte sich deutlich im Großen Altarkompositionen für italienische Kirchen geschaffen. Die abgeschlossenen Aufträge ermöglichten es dem jungen Flamen, einer der ersten Maler Roms zu werden.

Im Jahr 1608 musste Rubens plötzlich nach Antwerpen zurückkehren, nachdem er die Nachricht erhalten hatte tödliche Krankheit Mutter. Obwohl ihm die erfolgreiche Ausführung von Kirchenaufträgen in Italien große Perspektiven eröffnete, blieb er in seiner Heimat. Im Jahr 1609 heiratete Rubens die 18-jährige Tochter des Gelehrten und Anwalts Jan Brant, Isabella.

Nachdem er 1611 einen Auftrag für den Saal des Antwerpener Rathauses in Form des Gemäldes „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ und zweier riesiger Triptychen – „Die Erhebung des Kreuzes“ und „Die Kreuzabnahme“ – abgeschlossen hatte, vollendete er wurde der führende Maler Antwerpens und wurde als „Gott der Maler“ bezeichnet.

Es gab so viele Menschen, die seiner Werkstatt beitreten wollten, dass die Anfragen abgelehnt werden mussten. Rubens verstand es, nicht nur das Handwerk zu lehren, sondern auch die Fähigkeiten jedes einzelnen seiner Schüler zu entwickeln.

Skizzen von Denkmälern antike Kunst, das Rubens aus Italien mitbrachte, diente ihm in der Folge mehr als einmal als Inspirationsquelle. Die Antike blieb für ihn immer eine Schule des echten Geschmacks und wahren Könnens. Der Künstler hatte auch die Fähigkeit zu vergeistigen; dies war die Essenz der Ästhetik von Rubens. Lebendige Verkörperung Dieses Merkmal wurde in den Werken der zweiten Hälfte der 1610er Jahre gefunden. Dazu gehört das von ihm 1618 gemalte Gemälde „Die Vereinigung von Erde und Wasser“.

Ab Anfang der 1620er Jahre begann Rubens mit diplomatischen Aktivitäten. Nach dem Tod Erzherzog Alberts im Jahr 1621 führte er als Vertrauter der Infantin Isabella geheime Aufträge für den Brüsseler Hof aus. Der Reichtum von Rubens‘ Natur ermöglichte es ihm in diesen Jahren auch, die Arbeit von Graveuren und Malern in seiner Werkstatt zu überwachen, Bücher unterschiedlichster Inhalte für den Platen-Verlag zu entwerfen, Kartons für Wandteppiche anzufertigen und Entwürfe für Skulpturen auszuführen Reliefs und verschiedene Produkte künstlerischen Handwerks, um ein zweibändiges Buch mit dem Titel „Die Paläste von Genua mit ihren Plänen, Fassaden und Abschnitten“ zu veröffentlichen.

Möglich wurde eine solch vielseitige Tätigkeit des Künstlers durch den maßvollen Lebensstil, den er führte:

Laut einem der Biographen „liebte Rubens seine Arbeit außerordentlich und lebte daher immer so, dass er problemlos arbeiten konnte, ohne seiner Gesundheit zu schaden.“ Er stand um vier Uhr morgens auf und hörte sich die Frühmesse an. Er versicherte, dass dieser Beginn des Tages ihm dabei half, sich zu konzentrieren und die für die Arbeit notwendige Ruhe zu finden. Dann setzte er sich an die Staffelei und arbeitete immer in Anwesenheit eines Vorlesers, der ihm Plutarch, Titus Livius oder Seneca vorlas. Wie Zeitgenossen bezeugten, konnte sich Rubens gleichzeitig „gezwungen mit denen unterhalten, die ihn besuchten“. So arbeitete er „bis fünf Uhr abends, dann bestieg er sein Pferd und machte einen Spaziergang außerhalb der Stadt oder zur Stadtbefestigung oder versuchte auf andere Weise, seinen Geist zur Ruhe zu bringen.“ Den Rest des Tages verbrachte der Künstler mit seiner Familie und seinen Freunden, die „zum Essen mit ihm kamen“. Rubens „konnte Exzesse bei Wein und Essen sowie beim Spielen nicht ertragen.“ Er zog ein interessantes Gespräch, das Lesen oder Studieren seiner Sammlungen über alles. Trotz der Vielfalt der Interessen des Künstlers blieb die Malerei seine Hauptleidenschaft.

In den 1620er Jahren arbeitete Rubens viel und mit gleichem Erfolg sowohl auf dem Gebiet der „Kabinettmalerei“ als auch an der Schaffung großer monumentaler und dekorativer Ensembles. Sie wurden entwickelt, um große Räume im Raum wahrzunehmen, und wurden vom Maler stets im Einklang mit der Architektur konzipiert, für die sie gedacht waren. Und hier waren Rubens‘ kompositorische Fähigkeiten, sein Erfindungsreichtum und seine unerschöpfliche Vorstellungskraft unübertroffen.

Im Januar 1622 reiste Rubens nach Paris, wo er mit der französischen Königin Marie de' Medici, der Mutter Ludwigs XIII., einen Vertrag über das Malen von Gemälden für zwei Galerien des neuen Palais du Luxembourg schloss. Eine Serie sollte „gemäß den Wünschen Ihrer Majestät“ die „Ereignisse des glorreichen Lebens und der Heldentaten“ der Königin selbst darstellen, während die andere die „Schlachten“ und „Triumphe“ ihres verstorbenen Mannes Heinrich IV. Darstellen sollte. Die zweite Serie blieb unerfüllt. Und das erste, bestehend aus vierundzwanzig Gemälden, ist jetzt in einem besonderen Saal des Louvre ausgestellt.

Auch Rubens erlebte in den 1620er Jahren immer wieder Schicksalsschläge:

1623 - der Verlust seiner Tochter, und 1626, wahrscheinlich an der Pestepidemie, die damals in Antwerpen wütete, starb auch seine Frau Isabella Brant.

Diplomatische Aktivität hilft, den Schmerz zu betäuben. 1627 reiste er in geheimer Mission nach Paris und dann unter dem Deckmantel eines Malers, der zum Kunststudium reiste, nach Holland, wo er geheime Verhandlungen mit dem Anwalt des englischen Ministers, dem Herzog von Buckingham, führte. 1628 reiste Rubens nach Madrid, um sich mit dem spanischen König zu treffen, und 1629 nach London, um die Verhandlungen abzuschließen. Im Jahr 1630 waren die langjährigen Bemühungen des Künstlers schließlich von Erfolg gekrönt: Der Frieden zwischen Spanien und England wurde unterzeichnet, das heißt, er war vorbei Seekrieg, in das Spanien 1625 von England hineingezogen wurde und unter dem auch die südlichen Niederlande litten.

Im Dezember 1630 ging der 53-jährige Künstler eine zweite Ehe ein und heiratete die sechzehnjährige Elena Fourment, die jüngste Tochter des wohlhabenden Wandteppichhändlers Daniel Fourmeit.

„Bacchus“ ist ein wahres Wunderwerk der Malerei. Rubens hat es wahrscheinlich für sich selbst und nicht auf Bestellung gemalt und schätzte es sehr: Dieses Gemälde blieb bis zu seinem Tod im Atelier des Künstlers. Und dann wurde es nicht verkauft, sondern ging an seinen Neffen Philip Rubens, der es erst 1676 an den Herzog von Richelieu verkaufte.

In den letzten Jahren lebte Rubens ziemlich zurückgezogen und verbrachte die meiste Zeit des Jahres auf dem Anwesen Steen, das er 1635 mit einer echten mittelalterlichen Burg in einer malerischen Gegend zwischen Mecheln und Antwerpen kaufte. Dort malte er seine letzten Landschaften und beobachtete dabei das Leben der umliegenden Dörfer, Bauernfeste und Feste. Aber letzten Jahren Der Künstler wurde schwer von einer grausamen Krankheit überschattet, deren Anfälle immer stärker und häufiger wurden und ihn ab 1638 für längere Zeit am Schaffen hinderten. Und doch verließ Rubens die gewohnte Aktivität erst am letzten Tag seines Lebens. Er beaufsichtigte weiterhin seine Assistenten, kümmerte sich um seine Schüler und diktierte Briefe, wenn er keinen Stift mehr in den Händen halten konnte.

Rubens starb an Herzversagen. Laut Joachim von Sandrart wurde der Künstler „auf feierlichste Weise bestattet. Eine goldene Krone wurde auf einem schwarzen Samtkissen vor dem Sarg getragen und Kunstliebhaber begleiteten den Leichnam in großer Trauer zum Ort der ewigen Ruhe.“

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