Romantik.

Romantik (französischer Romantismus), eine ideologische und künstlerische Bewegung in der europäischen und amerikanischen Kultur des späten 18. – ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Entstanden als Reaktion auf den Rationalismus und Mechanismus der Ästhetik des Klassizismus und der Philosophie der Aufklärung, etabliert im Zeitalter des revolutionären Zusammenbruchs der feudalen Gesellschaft, der früheren, scheinbar unerschütterlichen Weltordnung, der Romantik (beide als besondere Art der Weltanschauung). und als künstlerische Bewegung) ist zu einem der komplexesten und widersprüchlichsten Phänomene der Kulturgeschichte geworden. Enttäuschung über die Ideale der Aufklärung, über die Ergebnisse der Großen Französischen Revolution, Leugnung des Utilitarismus der modernen Realität, der Prinzipien der bürgerlichen Praktikabilität, deren Opfer die menschliche Individualität war, eine pessimistische Sicht auf die Aussichten der gesellschaftlichen Entwicklung und Die Mentalität des „Welttrauers“ verband sich in der Romantik mit dem Wunsch nach Harmonie in der Weltordnung, spiritueller Integrität des Einzelnen, mit einer Anziehungskraft auf das „Unendliche“, mit der Suche nach neuen, absoluten und bedingungslosen Idealen. Die akute Diskrepanz zwischen Idealen und bedrückender Realität löste in den Köpfen vieler Romantiker ein schmerzlich fatalistisches oder empörtes Gefühl von Doppelwelten aus, eine bittere Verhöhnung der Diskrepanz zwischen Traum und Realität, die in Literatur und Kunst zum Prinzip der „romantischen Ironie“ erhoben wurde. Eine Art Selbstverteidigung gegen die zunehmende Nivellierung der Persönlichkeit wurde zum tiefsten Interesse an der menschlichen Persönlichkeit, das der Romantik innewohnt und von den Romantikern als Einheit individueller äußerer Merkmale und einzigartiger innerer Inhalte verstanden wird. Indem sie in die Tiefen des menschlichen Geisteslebens vordrangen, übertrugen Literatur und Kunst der Romantik gleichzeitig diesen scharfen Sinn für das Eigentümliche, Ursprüngliche, Einzigartige für die Schicksale von Nationen und Völkern auf die historische Realität selbst. Die enormen gesellschaftlichen Veränderungen, die sich vor den Augen der Romantiker abspielten, machten den fortschreitenden Verlauf der Geschichte deutlich sichtbar. In ihren besten Werken schafft die Romantik symbolische und zugleich lebendige Bilder der modernen Geschichte. Aber Bilder der Vergangenheit, die aus der Mythologie, der antiken und mittelalterlichen Geschichte stammen, wurden von vielen Romantikern als Spiegelbild der realen Konflikte unserer Zeit verkörpert.

Die Romantik war die erste künstlerische Bewegung, in der sich das Bewusstsein der schöpferischen Persönlichkeit als Gegenstand künstlerischen Handelns deutlich manifestierte. Die Romantiker verkündeten offen den Triumph des individuellen Geschmacks und der völligen Freiheit der Kreativität. Sie maßen dem schöpferischen Akt selbst entscheidende Bedeutung zu, zerstörten die Hindernisse, die die Freiheit des Künstlers behinderten, und setzten kühn das Hohe und das Niedrige, das Tragische und das Komische, das Gewöhnliche und das Ungewöhnliche gleich. Die Romantik erfasste alle Bereiche der spirituellen Kultur: Literatur, Musik, Theater, Philosophie, Ästhetik, Philologie und andere Geisteswissenschaften, bildende Kunst. Aber gleichzeitig war es nicht mehr der universelle Stil, der der Klassizismus war. Im Gegensatz zu letzterer hatte die Romantik fast keine staatlichen Ausdrucksformen (daher hatte sie keinen wesentlichen Einfluss auf die Architektur und beeinflusste hauptsächlich die Landschaftsarchitektur, die Architektur kleiner Formen und die Richtung der sogenannten Pseudogotik). Da die Romantik weniger ein Stil als vielmehr eine sozialkünstlerische Bewegung war, ebnete sie den Weg für die Weiterentwicklung der Kunst im 19. Jahrhundert, die nicht in Form umfassender Stile, sondern in Form einzelner Bewegungen und Richtungen erfolgte. Auch die Sprache der künstlerischen Formen wurde zum ersten Mal in der Romantik nicht völlig neu gedacht: Die stilistischen Grundlagen des Klassizismus blieben gewissermaßen erhalten, wurden in bestimmten Ländern (zum Beispiel in Frankreich) deutlich verändert und neu gedacht. Gleichzeitig erhielt der individuelle Stil des Künstlers im Rahmen einer einheitlichen Stilrichtung größere Entfaltungsfreiheit.

Die Romantik entwickelte sich in vielen Ländern und erlangte überall eine lebendige nationale Identität, die von den historischen Bedingungen und nationalen Traditionen bestimmt wurde. Die ersten Anzeichen der Romantik traten fast gleichzeitig in verschiedenen Ländern auf. Ende des 18. – Anfang des 19. Jahrhunderts. Die Züge der Romantik sind in unterschiedlichem Maße bereits inhärent: in Großbritannien – in den Gemälden und Grafiken des Schweizers I. G. Fusli, in denen eine düstere, raffinierte Groteske die klassizistische Klarheit der Bilder durchbricht, und in den Werken des Dichters und Künstler W. Blake, durchdrungen von mystischer Visionalität; in Spanien - die späten Werke von F. Goya, voller ungezügelter Fantasie und tragischem Pathos, leidenschaftlicher Protest gegen die nationale Demütigung; in Frankreich - die heroisch erregten Porträts von J. L. David aus den Revolutionsjahren, die frühen intensiv dramatischen Kompositionen und Porträts von A. J. Gro, durchdrungen von der verträumten, etwas erhabenen Lyrik der Werke von P. P. Prudhon sowie der widersprüchlichen Kombination von Romantik Tendenzen mit akademischen Techniken zu den Werken von F. Gerard.

Die konsequenteste Schule der Romantik entwickelte sich in Frankreich während der Restauration und der Julimonarchie in einem hartnäckigen Kampf gegen den Dogmatismus und den abstrakten Rationalismus des späten akademischen Klassizismus. Viele Vertreter der französischen Romantik protestierten gegen Unterdrückung und Reaktion und waren direkt oder indirekt mit sozialen Bewegungen der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts verbunden. und erreichte oft den Punkt eines echten Revolutionärs, der den wirkungsvollen journalistischen Charakter der Romantik in Frankreich bestimmte. Französische Künstler reformieren die Bild- und Ausdrucksmittel: Sie dynamisieren die Komposition, kombinieren Formen mit heftiger Bewegung, verwenden helle, satte Farben, die auf Kontrasten von Licht und Schatten, warmen und kalten Tönen basieren, und greifen auf einen funkelnden und leichten, oft verallgemeinerten Stil zurück Malerei. In den Werken des Begründers der romantischen Schule, T. Gericault, der noch immer eine Affinität zu verallgemeinerten, heroischen klassizistischen Bildern bewahrte, kam es zum ersten Mal in der französischen Kunst zu einem Protest gegen die umgebende Realität und dem Wunsch, auf außergewöhnliche Ereignisse zu reagieren unserer Zeit, die in seinen Werken das tragische Schicksal des modernen Frankreichs verkörpern, zum Ausdruck kamen. In den 1820er Jahren. E. Delacroix wurde der anerkannte Leiter der romantischen Schule. Das Gefühl der Beteiligung an großen historischen Ereignissen, die das Gesicht der Welt verändern, der Appell an kulminierende, dramatisch akute Themen ließen das Pathos und die dramatische Intensität seiner besten Werke entstehen. Im Porträt ging es den Romantikern vor allem darum, helle Charaktere, die Spannung des spirituellen Lebens, die flüchtige Bewegung menschlicher Gefühle zu erkennen; in der Landschaft - Bewunderung für die Kraft der Natur, inspiriert von den Elementen des Universums. Für die Grafik der französischen Romantik ist die Schaffung neuer, massenhaft produzierter Formen in der Lithographie und im Buchholzschnitt (N. T. Charlet, A. Deveria, J. Gigou, später Granville, G. Doré) bezeichnend. Auch im Werk des großen Grafikers O. Daumier sind romantische Tendenzen verankert, in seiner Malerei sind sie jedoch besonders ausgeprägt. Die Meister der romantischen Bildhauerei (P. J. David d'Angers, A. L. Bari, F. Ryud) wechselten von streng tektonischen Kompositionen zu einer freien Interpretation der Formen, von der Leidenschaftslosigkeit und ruhigen Erhabenheit klassischer Plastizität – zu stürmischer Bewegung.

In den Werken vieler französischer Romantiker traten auch konservative Tendenzen der Romantik auf (Idealisierung, Individualismus der Wahrnehmung, Verwandlung in tragische Hoffnungslosigkeit, Apologie des Mittelalters usw.), die zu religiöser Affektiertheit und offener Verherrlichung der Monarchie führten (E. Deveria). , A. Schaeffer usw.). Bestimmte formale Prinzipien der Romantik wurden auch von Vertretern der offiziellen Kunst häufig verwendet und eklektisch mit den Techniken des Akademismus kombiniert (melodramatische historische Gemälde von P. Delaroche, oberflächlich wirksame Parade- und Schlachtenwerke von O. Vernet, E. Meissonnier usw. ).

Das historische Schicksal der Romantik in Frankreich war komplex und zweideutig. In den späteren Werken seiner größten Vertreter zeigten sich deutlich realistische Tendenzen, die teilweise dem sehr romantischen Konzept der Spezifität des Realen innewohnten. Andererseits erfassten romantische Tendenzen in unterschiedlichem Maße das Frühwerk von Vertretern des Realismus in der französischen Kunst – C. Corot, Meister der Barbizon-Schule, G. Courbet, J. F. Millet, E. Manet. Mystik und komplexer Allegorismus, die manchmal der Romantik innewohnen, fanden Kontinuität in der Symbolik (G. Moreau und andere); Einige charakteristische Merkmale der Ästhetik der Romantik tauchten in der Kunst der „Moderne“ und des Postimpressionismus wieder auf.

Noch komplexer und widersprüchlicher war die Entwicklung der Romantik in Deutschland und Österreich. Die frühe deutsche Romantik, die sich durch eine besondere Aufmerksamkeit für alles Hochindividuelle, eine melancholisch-nachdenkliche Tonalität der figurativ-emotionalen Struktur, mystisch-pantheistische Stimmungen auszeichnet, wird vor allem mit Suchen im Bereich der Porträt- und allegorischen Kompositionen (F. O. Runge) in Verbindung gebracht. sowie Landschaft (K. D. Friedrich, I. A. Koch). Religiöse und patriarchale Vorstellungen, der Wunsch nach Wiederbelebung des religiösen Geistes und Stilmerkmale der italienischen und deutschen Malerei des 15. Jahrhunderts. förderte die Kreativität der Nazarener (F. Overbeck, J. Schnorr von Carolsfeld, P. Cornelius usw.), deren Position Mitte des 19. Jahrhunderts besonders konservativ wurde. Die Künstler der Düsseldorfer Schule, die gewissermaßen der Romantik nahe stand, zeichneten sich neben der Verherrlichung der mittelalterlichen Idylle im Geiste moderner romantischer Poesie durch Sentimentalität und unterhaltsame Handlung aus. Eine einzigartige Verschmelzung der Prinzipien der deutschen Romantik, die oft zur Poetisierung des alltäglichen und spezifischen „Bürger“-Realismus neigte, wurde zum Werk von Biedermeier-Vertretern (F. Waldmüller, I. P. Hasenklever, F. Kruger) sowie K. Blechen. Aus dem zweiten Drittel des 19. Jahrhunderts. Die Linie der deutschen Romantik setzte sich einerseits in der pompösen salonakademischen Malerei von V. Kaulbach und K. Piloty fort, andererseits in den epischen und allegorischen Werken von L. Richter und der Genre-Erzählung Kammer -klingende Werke von K. Spitzweg und M. von Schwind. Die romantische Ästhetik bestimmte maßgeblich die Entwicklung des Werkes von A. von Menzel, dem späteren größten Vertreter des deutschen Realismus des 19. Jahrhunderts. Ebenso wie in Frankreich entwickelte sich bis zum Ende des 19. Jahrhunderts die deutsche Spätromantik (in größerem Maße als die französische, die die Züge des Naturalismus und dann des „Modernismus“ aufnahm). mit Symbolik verschlossen (H. Thoma, F. von Stuck und M. Klinger, der Schweizer A. Böcklin).

In Großbritannien in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Eine gewisse Nähe zur französischen Romantik und zugleich Originalität, eine ausgeprägte realistische Tendenz zeichnen die Landschaften von J. Constable und R. Bonington aus, romantische Fantasie und die Suche nach neuen Ausdrucksmitteln – die Landschaften von W. Turner. Die spätromantische Bewegung der Präraffaeliten (D. G. Rossetti, J. E. Millais, H. Hunt, E. Burne-Jones usw.) zeichnete sich durch religiöse und mystische Bestrebungen, Verbundenheit mit der Kultur des Mittelalters und der Frührenaissance aus, sowie Hoffnungen auf eine Wiederbelebung des Handwerks.

In den USA im gesamten 19. Jahrhundert. die romantische Richtung wurde hauptsächlich durch die Landschaft repräsentiert (T. Kohl, J. Inness, A.P. Ryder). Die romantische Landschaft entwickelte sich auch in anderen Ländern, aber der Hauptinhalt der Romantik in den europäischen Ländern, in denen das nationale Selbstbewusstsein erwachte, war das Interesse am lokalen kulturellen und künstlerischen Erbe, an Themen des Volkslebens, der nationalen Geschichte und des Befreiungskampfes. Dies ist die Arbeit von G. Wappers, L. Galle, H. Leys und A. Wirtz in Belgien, F. Ayes, D. und G. Induno, G. Carnevali und D. Morelli in Italien, D. A. Siqueira in Portugal, Vertretern Kostümbild in Lateinamerika, I. Manes und I. Navratil in der Tschechischen Republik, M. Barabas und V. Madaras in Ungarn, A. O. Orlovsky, P. Michalovsky, X. Rodakowski und der Spätromantiker J. Matejko in Polen. Die nationalromantische Bewegung in den slawischen Ländern, Skandinavien und den baltischen Staaten trug zur Bildung und Stärkung lokaler Kunstschulen bei.

In Russland manifestierte sich die Romantik in unterschiedlichem Maße im Werk vieler Meister – in der Malerei und Grafik von A. O. Orlovsky, der nach St. Petersburg zog, in den Porträts von O. A. Kiprensky und teilweise – bei V. A. Tropinin. Die Romantik hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Gestaltung der russischen Landschaft (die Werke von Silv. F. Shchedrin, M. N. Vorobyov, M. I. Lebedev; die Werke des jungen I. K. Aivazovsky). Die Merkmale der Romantik wurden in den Werken von K. P. Bryullov, F. A. Bruni, F. P. Tolstoi widersprüchlich mit dem Klassizismus kombiniert; Gleichzeitig sind Bryullovs Porträts einer der eindrucksvollsten Ausdrucksformen der Prinzipien der Romantik in der russischen Kunst. Bis zu einem gewissen Grad beeinflusste die Romantik die Malerei von P. A. Fedotov und A. A. Ivanov.

Romantik in der Architektur.

Eines der größten Ereignisse der Weltgeschichte - Großartig Französisch Revolution- wurde zu einem schicksalhaften Moment nicht nur im politischen, sondern auch im kulturellen Leben der ganzen Welt. Ende des 18. – erste Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde in Amerika und Europa die Romantik zur dominierenden Stilrichtung in der Kunst.

Das Zeitalter der Aufklärung endete mit der Großen Bürgerlichen Revolution. Damit verschwand auch das Gefühl von Stabilität, Ordnung und Ruhe. Die neu verkündeten Ideen von Brüderlichkeit, Gleichheit und Freiheit flößten grenzenlosen Optimismus und Glauben an die Zukunft ein, aber eine derart drastische Revolution löste Angst und ein Gefühl der Unsicherheit aus. Die Vergangenheit schien die rettende Insel zu sein, auf der Freundlichkeit, Anstand, Aufrichtigkeit und vor allem Beständigkeit herrschten. So entsteht in der Idealisierung der Vergangenheit und der Suche des Menschen nach seinem Platz in der weiten Welt die Romantik.

Der Aufstieg der Romantik in der Architektur war mit der Verwendung neuer Designs, Methoden und Baumaterialien verbunden. Verschiedene Metallkonstruktionen erscheinen und Brücken werden gebaut. Es wurden Technologien für die kostengünstige Produktion von Gusseisen und Stahl entwickelt.

Die Romantik lehnt die Einfachheit architektonischer Formen ab und bietet stattdessen Vielfalt, Freiheit und komplexe Silhouetten. Symmetrie verliert an überragender Bedeutung.

Der Stil verwirklicht die reichste kulturelle Schicht fremder Länder, die den Europäern lange Zeit fern blieb. Nicht nur antike griechische und römische Architektur wird als wertvoll anerkannt, sondern auch andere Kulturen. Die gotische Architektur wurde zur Grundlage der Romantik. Besonderes Augenmerk wird auf die orientalische Architektur gelegt. Es entsteht ein wachsendes Bewusstsein für die Notwendigkeit, Kulturdenkmäler vergangener Epochen zu schützen und wiederzubeleben.

Die Romantik zeichnet sich dadurch aus, dass die Grenzen zwischen Natürlich und Künstlichem verwischt werden: Es werden Parks, künstliche Stauseen und Wasserfälle entworfen. Die Gebäude sind von Bögen, Pavillons und Nachbildungen antiker Türme umgeben. Die Romantik bevorzugt Pastellfarben.

Die Romantik leugnet Regeln und Kanons; sie kennt keine strengen Tabus oder streng verbindlichen Elemente. Die Hauptkriterien sind Meinungsfreiheit, erhöhte Aufmerksamkeit für die menschliche Persönlichkeit und kreative Freiheit.

In modernen Innenräumen wird Romantik als Appell an Volksformen und natürliche Materialien verstanden – Schmieden, wilder Stein, raues Holz, aber eine solche Stilisierung hat nichts mit der architektonischen Richtung der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert zu tun.

Romantik in der Malerei.

Wenn Frankreich der Begründer des Klassizismus war, dann „sollten wir nach Deutschland gehen, um die Wurzeln der romantischen Schule zu finden“, schrieb einer seiner Zeitgenossen. Dort wurde sie geboren und dort prägten die modernen italienischen und französischen Romantiker ihren Geschmack.“

Das zersplitterte Deutschland erlebte keinen revolutionären Aufschwung. Das Pathos avancierter Gesellschaftsideen war vielen deutschen Romantikern fremd. Sie idealisierten das Mittelalter. Sie gaben sich unerklärlichen emotionalen Impulsen hin und sprachen über die Aufgabe des menschlichen Lebens. Die Kunst vieler von ihnen war passiv und kontemplativ. Ihre besten Werke schufen sie im Bereich der Porträt- und Landschaftsmalerei.

Ein herausragender Porträtmaler war Otto Runge(1777-1810). Die Porträts dieses Meisters sind zwar äußerlich ruhig, verblüffen aber durch ihr intensives und intensives Innenleben.

Das Bild eines romantischen Dichters sieht Runge in " Selbstporträt". Er untersucht sich sorgfältig und sieht einen dunkelhaarigen, dunkeläugigen, ernsten, energiegeladenen, nachdenklichen und willensstarken jungen Mann. Der romantische Künstler will sich selbst kennenlernen. Die Art und Weise, wie das Porträt ausgeführt wird, ist schnell und schwungvoll, als ob die spirituelle Energie des Schöpfers in der Textur des Werkes zum Ausdruck kommen sollte; Bei einer dunklen Farbgebung treten Hell-Dunkel-Kontraste auf. Kontrast ist eine charakteristische Maltechnik der romantischen Meister.

Ein romantischer Künstler wird immer versuchen, die wechselnden Stimmungen eines Menschen einzufangen und in seine Seele zu blicken. Und in dieser Hinsicht werden ihm Kinderporträts als fruchtbares Material dienen. IN " Porträt Kinder Hülsenbeck” (1805) Runge vermittelt nicht nur die Lebendigkeit und Spontaneität des kindlichen Charakters, sondern findet auch eine besondere Technik für eine helle Stimmung. Der Hintergrund des Gemäldes ist eine Landschaft, die nicht nur von der Begabung des Künstlers für Farbe und seiner bewundernden Haltung gegenüber der Natur zeugt, sondern auch von der Entstehung neuer Probleme bei der meisterhaften Wiedergabe räumlicher Beziehungen und heller Farbtöne von Objekten im Freien. Der Meisterromantiker, der sein „Ich“ mit der Weite des Universums verschmelzen möchte, strebt danach, die sinnlich greifbare Erscheinung der Natur einzufangen. Aber in dieser Sinnlichkeit des Bildes sieht er lieber ein Symbol der großen Welt, „die Idee des Künstlers“.

Runge war einer der ersten romantischen Künstler, der es sich zur Aufgabe machte, die Künste zu synthetisieren: Malerei, Bildhauerei, Architektur, Musik. Der Künstler fantasiert und verstärkt sein philosophisches Konzept mit den Ideen des berühmten deutschen Denkers der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Jakob Böhme. Die Welt ist eine Art mystisches Ganzes, in dem jedes Teilchen das Ganze ausdrückt. Diese Idee ähnelt den Romantikern des gesamten europäischen Kontinents.

Ein weiterer bekannter deutscher Maler der Romantik Caspar David Friedrich(1774-1840) bevorzugte die Landschaft gegenüber allen anderen Genres und malte zeitlebens ausschließlich Naturbilder. Das Hauptmotiv von Friedrichs Werk ist die Idee der Einheit von Mensch und Natur.

„Hören Sie auf die Stimme der Natur, die in uns spricht“, fordert der Künstler seine Schüler auf. Die innere Welt eines Menschen verkörpert die Unendlichkeit des Universums, daher kann ein Mensch, nachdem er sich selbst gehört hat, die spirituellen Tiefen der Welt begreifen.

Der Hörplatz bestimmt die Grundform der menschlichen „Kommunikation“ mit der Natur und ihrem Bild. Dies ist die Größe, das Geheimnis oder die Erleuchtung der Natur und der bewusste Zustand des Beobachters. Zwar lässt Friedrich sehr oft keine Figur in den Landschaftsraum seiner Gemälde „eintreten“, aber in der subtilen Durchdringung der figurativen Struktur der ausgedehnten Flächen kann man die Präsenz eines Gefühls, einer menschlichen Erfahrung spüren. Der Subjektivismus in der Landschaftsdarstellung kommt erst mit den Werken der Romantiker in die Kunst und kündigt die lyrische Offenlegung der Natur bei den Meistern der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts an. Forscher stellen in Friedrichs Werken eine „Erweiterung des Repertoires“ an Landschaftsmotiven fest . Der Autor interessiert sich für das Meer, die Berge, die Wälder und verschiedene Schattierungen des Zustands der Natur zu verschiedenen Jahres- und Tageszeiten.

1811-1812 gekennzeichnet durch die Schaffung einer Reihe von Berglandschaften als Ergebnis der Reise des Künstlers in die Berge. ” Morgen V Berge” stellt malerisch eine neue Naturrealität dar, die in den Strahlen der aufgehenden Sonne auftaucht. Rosa-lila Töne umhüllen und nehmen ihnen Volumen und materielle Schwere. Die Jahre des Kampfes mit Napoleon (1812-1813) wandten Friedrich patriotischen Themen zu. Er illustriert, inspiriert von Kleists Drama, und schreibt “ Grab Arminia” - Landschaft mit den Gräbern antiker deutscher Helden.

Friedrich war ein subtiler Meister der Seestücke: “ Alter” , “ Sonnenaufgang Mond über auf dem Seeweg” , ” Tod “ Hoffnungen” In Eis” .

Die neuesten Werke des Künstlers – “ Ausruhen An Feld” , “ Groß Sumpf” Und “ Erinnerung um Riesig Berge” , ” Riesig Berge” - eine Reihe von Bergrücken und Steinen im abgedunkelten Vordergrund. Dies ist offenbar eine Rückkehr zum erlebten Gefühl des Sieges eines Menschen über sich selbst, zur Freude am Aufstieg zum „Gipfel der Welt“, zum Wunsch nach erhellenden, unbesiegten Höhen. Die Gefühle des Künstlers komponieren diese Bergmassen auf besondere Weise, und wieder lässt sich die Bewegung von der Dunkelheit der ersten Schritte bis zum zukünftigen Licht ablesen. Der Berggipfel im Hintergrund wird als Zentrum der spirituellen Bestrebungen des Meisters hervorgehoben. Das Bild ist, wie jede Schöpfung der Romantiker, sehr assoziativ und suggeriert unterschiedliche Ebenen der Lesart und Interpretation.

Friedrich ist sehr präzise in seiner Zeichnung, musikalisch harmonisch im rhythmischen Aufbau seiner Gemälde, in denen er versucht, durch die Emotionen von Farbe und Lichteffekten zu sprechen. „Vielen wird wenig gegeben, wenigen wird viel gegeben. Die Seele der Natur offenbart sich jedem anders. Daher wagt es niemand, einem anderen seine Erfahrungen und seine Regeln als zwingendes, bedingungsloses Gesetz zu vermitteln. Niemand ist der Maßstab für alle. „Jeder Mensch trägt in sich ein Maß nur für sich selbst und für mehr oder weniger mit ihm verbundene Naturen“, beweist diese Reflexion des Meisters die erstaunliche Integrität seines Innenlebens und seiner Kreativität. Die Einzigartigkeit des Künstlers ist nur in der Freiheit seiner Kreativität spürbar – dafür steht der romantische Friedrich.

Formaler erscheint die Unterscheidung zwischen Künstlern – „Klassikern“ – Vertretern des Klassizismus eines anderen Zweigs der romantischen Malerei in Deutschland – Nazarener. Die in Wien gegründete und in Rom ansässige „Union des Heiligen Lukas“ (1809-1810) vereinte Meister mit der Idee, monumentale Kunst mit religiösen Themen wiederzubeleben. Das Mittelalter war die Lieblingsepoche der Romantiker. Doch in ihrer künstlerischen Suche griffen die Nazarener auf die Traditionen der Malerei der Frührenaissance in Italien und Deutschland zurück. Overbeck und Geforr waren die Initiatoren des neuen Bündnisses, dem sich später Cornelius, Schnoff von Carolsfeld und Veit Furich anschlossen.

Die Nazarener-Bewegung hatte ihre eigenen Formen der Opposition gegen klassizistische Akademiker in Frankreich, Italien und England. In Frankreich beispielsweise gingen aus Davids Werkstatt die sogenannten „primitiven“ Künstler hervor, in England die Präraffaeliten. Im Sinne der romantischen Tradition betrachteten sie die Kunst als „Ausdruck der Zeit“, als „Geist des Volkes“, doch ihre thematischen oder formalen Vorlieben, die zunächst wie ein Slogan der Vereinigung klangen, verwandelten sich nach einiger Zeit in die Kunst dieselben doktrinären Prinzipien wie die der Akademie, die sie jedoch leugneten.

Die Kunst der Romantik entwickelte sich in Frankreich auf besondere Weise. Das erste, was sie von ähnlichen Bewegungen in anderen Ländern unterschied, war ihr aktiver, offensiver („revolutionärer“) Charakter. Dichter, Schriftsteller, Musiker und Künstler verteidigten ihre Positionen nicht nur durch die Schaffung neuer Werke, sondern auch durch die Teilnahme an Zeitschriften- und Zeitungspolemiken, die Forscher als „romantischen Kampf“ bezeichnen. Der berühmte V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz und viele andere Schriftsteller, Komponisten und Journalisten Frankreichs haben in romantischen Polemiken „ihre Federn geschärft“.

Die romantische Malerei in Frankreich entstand als Opposition zur klassizistischen Schule Davids, zur akademischen Kunst, die allgemein als „Schule“ bezeichnet wird. Dies muss jedoch umfassender verstanden werden: Es war ein Widerstand gegen die offizielle Ideologie der reaktionären Ära, ein Protest gegen ihre kleinbürgerlichen Beschränkungen. Daher der pathetische Charakter romantischer Werke, ihre nervöse Erregung, ihre Anziehungskraft auf exotische Motive, auf historische und literarische Themen, auf alles, was aus dem „langweiligen Alltag“ wegführen kann, daher dieses Spiel der Fantasie und manchmal auch das Gegenteil , Tagträumen und völliger Bewegungsmangel.

Vertreter der „Schule“, Akademiker, rebellierten vor allem gegen die Sprache der Romantiker: ihre aufgeregte, heiße Farbgebung, ihre Modellierung der Form, nicht die für die „Klassiker“ übliche Statuenplastik, sondern auf starken Kontrasten aufgebaut von Farbflecken; ihre ausdrucksstarke Zeichnung, die bewusst auf Präzision verzichtet; ihre kühne, manchmal chaotische Komposition, ohne Majestät und unerschütterliche Ruhe. Ingres, ein unerbittlicher Feind der Romantiker, sagte bis zu seinem Lebensende, dass Delacroix „mit einem verrückten Besen malt“, und Delacroix beschuldigte Ingres und alle Künstler der „Schule“, kalt, rational und bewegungslos zu sein, und nicht Schreiben, sondern „Malen“. Dabei handelte es sich jedoch nicht um einen einfachen Zusammenstoß zweier kluger, völlig unterschiedlicher Individuen; es war ein Kampf zwischen zwei unterschiedlichen künstlerischen Weltanschauungen.

Dieser Kampf dauerte fast ein halbes Jahrhundert; die Romantik in der Kunst errang nicht leicht und nicht sofort Siege, und der erste Künstler dieser Bewegung war Theodor Gericault(1791-1824) - ein Meister heroischer Monumentalformen, der in seinem Werk sowohl klassizistische Merkmale als auch Merkmale der Romantik selbst und schließlich ein kraftvolles realistisches Prinzip vereinte, das großen Einfluss auf die Kunst des Realismus der Mitte hatte. 19. Jahrhundert. Doch zu Lebzeiten wurde er nur von wenigen engen Freunden geschätzt.

Der Name Theodore Jaricot ist mit den ersten glänzenden Erfolgen der Romantik verbunden. Bereits in seinen frühen Gemälden (Militärporträts, Pferdebilder) traten antike Ideale vor die direkte Wahrnehmung des Lebens zurück.

Im Salon zeigt Géricault 1812 ein Gemälde “ Offizier Kaiserliche montiert Jäger In Zeit Anschläge”. Dies war das Jahr des Höhepunkts von Napoleons Ruhm und der militärischen Macht Frankreichs.

Die Komposition des Gemäldes präsentiert den Reiter aus einer ungewöhnlichen Perspektive eines „plötzlichen“ Moments, in dem sich das Pferd aufbäumte und der Reiter, während er eine fast vertikale Position des Pferdes beibehielt, dem Betrachter zugewandt war. Die Darstellung eines solchen Moments der Instabilität, der Unmöglichkeit einer Pose, verstärkt die Wirkung der Bewegung. Das Pferd hat einen Stützpunkt; es muss zu Boden fallen und sich in den Kampf verwickeln, der es in diesen Zustand gebracht hat. In diesem Werk kam viel zusammen: Gericaults bedingungsloser Glaube an die Möglichkeit, dass ein Mensch seine eigenen Kräfte beherrschen kann, eine leidenschaftliche Liebe zur Darstellung von Pferden und der Mut eines unerfahrenen Meisters, zu zeigen, was bisher nur Musik oder die Sprache der Poesie vermitteln konnte – die Spannung einer Schlacht, der Beginn eines Angriffs, die höchste Anspannung der Kräfte eines Lebewesens. Der junge Autor orientierte sich bei seinem Bild an der Vermittlung der Bewegungsdynamik und es war ihm wichtig, den Betrachter zum „Durchdenken“ dessen anzuregen, was er darstellen wollte.

Frankreich hatte praktisch keine Tradition einer solchen Dynamik in der bildnerischen Erzählung der Romantik, außer vielleicht in den Reliefs gotischer Tempel. Als Gericault zum ersten Mal nach Italien kam, war er daher von der verborgenen Kraft von Michelangelos Kompositionen verblüfft. „Ich zitterte“, schreibt er, „ich zweifelte an mir selbst und konnte mich lange Zeit nicht von dieser Erfahrung erholen.“ Stendhal verwies jedoch schon früher in seinen polemischen Artikeln auf Michelangelo als Vorreiter einer neuen Stilrichtung in der Kunst.

Géricaults Gemälde verkündete nicht nur die Geburt eines neuen künstlerischen Talents, sondern war auch eine Hommage an die Leidenschaft und Enttäuschung des Autors über die Ideen Napoleons. Mehrere weitere Werke beziehen sich auf dieses Thema: „ Offizier Carabinieri”, “ Offizier Kürassier Vor Attacke”, “ Porträt Carabinieri”, “ Verwundet Kürassier”.

In der Abhandlung „Überlegungen zum Stand der Malerei in Frankreich“ schreibt er, dass „Luxus und Kunst ... zu einer Notwendigkeit und sozusagen Nahrung für die Fantasie geworden sind, die das zweite Leben eines zivilisierten Menschen darstellt.“ .. Da die Künste kein Gegenstand primärer Notwendigkeit sind, tauchen sie nur dann auf, wenn wesentliche Bedürfnisse befriedigt werden und wenn Überfluss vorhanden ist. Der Mensch, befreit von den Alltagssorgen, begann, das Vergnügen zu suchen, um die Langeweile loszuwerden, die ihn inmitten der Zufriedenheit unweigerlich überkommen würde.“

Dieses Verständnis der erzieherischen und humanistischen Rolle der Kunst demonstrierte Géricault nach seiner Rückkehr aus Italien im Jahr 1818 – er begann sich mit der Lithographie zu beschäftigen und reproduzierte eine Vielzahl von Themen, darunter die Niederlage Napoleons ( “ Zurückkehren aus Russland” ).

Gleichzeitig wendet sich der Künstler dem Bild des Todes der Fregatte „Medusa“ vor der Küste Afrikas zu, der die Gesellschaft stark aufrüttelte. Die Katastrophe ereignete sich aufgrund des Verschuldens eines unerfahrenen Kapitäns, der unter der Schirmherrschaft für die Position ernannt wurde. Die überlebenden Passagiere des Schiffes, der Chirurg Savigny und der Ingenieur Correar, sprachen ausführlich über den Unfall.

Dem sinkenden Schiff gelang es, ein Floß abzuwerfen, auf dem sich eine Handvoll geretteter Menschen befanden. Zwölf Tage lang wurden sie über das stürmische Meer getragen, bis sie die Erlösung fanden – das Schiff „Argus“.

Gericault interessierte sich für die Situation extremer Anspannung der geistigen und körperlichen Stärke des Menschen. Das Gemälde zeigte 15 Überlebende auf einem Floß, als sie die Argus am Horizont sahen. “ Floß “ Qualle” war das Ergebnis der langen Vorarbeit des Künstlers. Er fertigte viele Skizzen des tobenden Meeres an, Porträts geretteter Menschen im Krankenhaus. Zunächst wollte Gericault den Kampf der Menschen auf einem Floß miteinander zeigen, doch dann entschied er sich für das heroische Verhalten der Sieger der Meereselemente und die Nachlässigkeit des Staates. Die Menschen ertrug das Unglück tapfer, und die Hoffnung auf Erlösung ließ sie nicht los: Jede Gruppe auf dem Floß hatte ihre eigenen Eigenschaften. Beim Aufbau der Komposition wählte Gericault einen Blickwinkel von oben, der es ihm ermöglichte, die panoramische Abdeckung des Raumes (Meeresentfernungen) zu kombinieren und alle Bewohner des Floßes ganz nah im Vordergrund darzustellen. Die Klarheit des Rhythmus der von Gruppe zu Gruppe zunehmenden Dynamik, die Schönheit nackter Körper und die dunkle Farbgebung des Bildes verleihen dem Bild eine gewisse Konventionalität. Für den wahrnehmenden Betrachter ist dies jedoch nicht der Kern der Sache, denn die Konventionen der Sprache helfen ihm sogar, das Wichtigste zu verstehen und zu spüren: die Fähigkeit eines Menschen zu kämpfen und zu siegen.

Gericaults Innovation eröffnete neue Möglichkeiten, die Bewegung, die Romantiker erregte, die verborgenen Gefühle eines Menschen und die koloristische, strukturierte Ausdruckskraft des Bildes zu vermitteln.

Gericaults Erbe wurde in seiner Suche Eugen Delacroix. Zwar wurde Delacroix doppelt so viel Lebenszeit geschenkt, und es gelang ihm nicht nur, die Richtigkeit der Romantik zu beweisen, sondern in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts auch eine neue Richtung in der Malerei einzuläuten. – Impressionismus.

Bevor er anfing, selbstständig zu malen, studierte Eugene an der Schule von Lerain: Er malte nach dem Leben, kopierte die großen Rubens, Rembrandt, Veronese, Tizian im Louvre ... Der junge Künstler arbeitete 10-12 Stunden am Tag. Er erinnerte sich an die Worte des großen Michelangelo: „Malerei ist ein eifersüchtiger Liebhaber, sie erfordert den ganzen Menschen ...“

Nach Géricaults Demonstrationen war sich Delacroix bewusst, dass in der Kunst Zeiten starker emotionaler Umwälzungen angebrochen waren. Zunächst versucht er, anhand bekannter literarischer Handlungsstränge eine für ihn neue Ära zu begreifen. Sein Bild “ Dante Und Vergil” , präsentiert im Salon von 1822, ist ein Versuch, den kochenden Kessel, die „Hölle“ der Neuzeit, anhand der historischen Assoziationsbilder zweier Dichter zu betrachten: der Antike – Vergil und der Renaissance – Dante. Es war einmal, in seiner „Göttlichen Komödie“ nahm Dante Virgil als seinen Führer durch alle Sphären (Himmel, Hölle, Fegefeuer). In Dantes Werk entstand durch die mittelalterliche Erfahrung der Erinnerung an die Antike eine neue Renaissancewelt. Das Symbol der Romantik als Synthese von Antike, Renaissance und Mittelalter entstand im „Horror“ der Visionen von Dante und Vergil. Aber die komplexe philosophische Allegorie erwies sich als eine gute emotionale Veranschaulichung der Zeit vor der Renaissance und als unsterbliches literarisches Meisterwerk.

Delacroix wird versuchen, durch seinen eigenen Kummer eine direkte Antwort in den Herzen seiner Zeitgenossen zu finden. Die jungen Menschen jener Zeit brannten vor Freiheit und Hass auf die Unterdrücker und sympathisierten mit dem Befreiungskrieg Griechenlands. Der romantische Barde Englands, Byron, geht dorthin, um zu kämpfen. Delacroix sieht die Bedeutung der neuen Ära in der Darstellung eines spezifischeren historischen Ereignisses – des Kampfes und Leidens des freiheitsliebenden Griechenlands. Er befasst sich mit der Verschwörung über den Tod der Bevölkerung der griechischen Insel Chios, die von den Türken erobert wurde. Im Salon von 1824 zeigt Delacroix ein Gemälde “ Massaker An Insel Chios”. Vor dem Hintergrund der endlosen Weite des hügeligen Geländes, das noch immer vom Rauch der Feuer und der andauernden Schlacht schreit, zeigt die Künstlerin mehrere Gruppen verwundeter, erschöpfter Frauen und Kinder. Sie hatten die letzten Minuten der Freiheit, bevor sich die Feinde näherten. Der Türke auf einem sich aufbäumenden Pferd auf der rechten Seite scheint über dem gesamten Vordergrund und den vielen Leidenden dort zu hängen. Die Körper und Gesichter leidenschaftlicher Menschen sind wunderschön. Übrigens schrieb Delacroix später, dass griechische Skulpturen von Künstlern in Hieroglyphen verwandelt wurden, die die wahre griechische Schönheit des Gesichts und der Figur verbargen. Doch indem er die „Schönheit der Seele“ in den Gesichtern der besiegten Griechen offenbart, dramatisiert der Maler die Ereignisse so sehr, dass er, um ein einheitliches dynamisches Spannungstempo aufrechtzuerhalten, auf die Verformung der Winkel der Figuren zurückgreift. Diese „Fehler“ wurden bereits durch das Werk von Géricault „behoben“, doch Delacroix demonstriert erneut das romantische Credo, dass Malerei „nicht die Wahrheit einer Situation, sondern die Wahrheit eines Gefühls“ ist.

Im Jahr 1824 verlor Delacroix seinen Freund und Lehrer Géricault. Und er wurde zum Anführer der neuen Malerei.

Jahre vergingen. Nach und nach erschienen die Bilder: “ Griechenland An Ruinen Missalunghi”, “ Tod Sardanapalus” usw. Der Künstler wurde in den Kreisen der Maler zum Außenseiter. Doch die Julirevolution von 1830 veränderte die Situation. Sie entfacht den Künstler mit der Romantik von Siegen und Erfolgen. Er malt ein Bild “ Freiheit An Barrikaden”.

Im Jahr 1831 sahen die Franzosen im Pariser Salon erstmals dieses Gemälde, das den „drei glorreichen Tagen“ der Julirevolution von 1830 gewidmet war. Das Gemälde beeindruckte seine Zeitgenossen mit seiner Kraft, Demokratie und Kühnheit in der künstlerischen Gestaltung. Der Legende nach rief ein angesehener Bürger aus: „Sie sagen – der Schulleiter? Besser gesagt: der Anführer der Rebellion! Nach der Schließung des Salons beeilte sich die Regierung, das Gemälde dem Autor zurückzugeben, weil sie von der beeindruckenden und inspirierenden Anziehungskraft des Gemäldes erschrocken war. Während der Revolution von 1848 wurde es erneut im Palais du Luxembourg öffentlich ausgestellt. Und wieder gaben sie es dem Künstler zurück. Erst nachdem das Gemälde 1855 auf der Weltausstellung in Paris ausgestellt wurde, gelangte es in den Louvre. Bis heute wird hier eine der besten Schöpfungen der französischen Romantik aufbewahrt – ein inspirierter Augenzeugenbericht und ein ewiges Denkmal für den Kampf des Volkes um seine Freiheit.

Welche künstlerische Sprache fand der junge französische Romantiker, um diese beiden scheinbar gegensätzlichen Prinzipien zu vereinen – eine breite, allumfassende Verallgemeinerung und eine konkrete Realität, die in ihrer Nacktheit grausam ist?

Paris der berühmten Julitage 1830. In der Ferne, kaum wahrnehmbar, aber stolz, erheben sich die Türme der Kathedrale Notre Dame – ein Symbol für Geschichte, Kultur und den Geist des französischen Volkes. Von dort, aus der verrauchten Stadt, über die Ruinen der Barrikaden, über die Leichen ihrer gefallenen Kameraden schreiten die Rebellen hartnäckig und entschlossen vor. Jeder von ihnen mag sterben, aber der Schritt der Rebellen ist unerschütterlich – sie sind vom Willen zum Sieg, zur Freiheit beseelt.

Diese inspirierende Kraft verkörpert sich im Bild einer schönen jungen Frau, die in einem leidenschaftlichen Impuls nach ihr ruft. Mit ihrer unerschöpflichen Energie, freien und jugendlichen Bewegungsschnelligkeit ähnelt sie der griechischen Siegesgöttin Nike. Ihre kräftige Figur ist in ein Chiton-Kleid gekleidet, ihr Gesicht mit idealen Gesichtszügen und brennenden Augen ist den Rebellen zugewandt. In einer Hand hält sie die Trikolore Frankreichs, in der anderen eine Waffe. Auf dem Kopf ist eine phrygische Mütze angebracht – ein altes Symbol der Befreiung aus der Sklaverei. Ihr Schritt ist schnell und leicht – wie Göttinnen gehen. Gleichzeitig ist das Bild der Frau real – sie ist die Tochter des französischen Volkes. Sie ist die treibende Kraft hinter der Bewegung der Gruppe auf den Barrikaden. Von ihm gehen wie von einer Lichtquelle im Energiezentrum Strahlen aus, die mit Durst und Siegeswillen aufgeladen sind. Diejenigen, die ihr nahe stehen, bringen auf ihre ganz eigene Weise ihr Engagement für diesen inspirierenden Aufruf zum Ausdruck.

Rechts ist ein Junge, ein Pariser Gamer, der mit Pistolen wedelt. Er ist der Freiheit am nächsten und gleichsam entzündet von ihrer Begeisterung und Freude am freien Impuls. In seiner schnellen, jungenhaft ungeduldigen Bewegung ist er seiner Inspiration sogar etwas voraus. Dies ist der Vorgänger des legendären Gavroche, den Victor Hugo zwanzig Jahre später im Roman „Les Misérables“ porträtiert: „Gavroche, voller Inspiration, strahlend, übernahm die Aufgabe, das Ganze in die Tat umzusetzen. Er huschte hin und her, erhob sich, sank herab, erhob sich wieder, machte Lärm, strahlte vor Freude. Es scheint, dass er hierher gekommen ist, um alle zu ermutigen. Hatte er ein Motiv dafür? Ja, natürlich, seine Armut. Hatte er Flügel? Ja, natürlich, seine Fröhlichkeit. Es war eine Art Wirbelsturm. Es schien die Luft zu erfüllen und überall gleichzeitig präsent zu sein ... Riesige Barrikaden spürten es auf ihren Bergrücken.“

Gavroche ist in Delacroix‘ Gemälde die Verkörperung der Jugend, des „schönen Impulses“, der freudigen Akzeptanz der hellen Idee der Freiheit. Zwei Bilder – Gavroche und Freiheit – scheinen sich zu ergänzen: Das eine ist Feuer, das andere eine davon entzündete Fackel. Heinrich Heine erzählte, wie die Figur des Gavroche bei den Parisern lebhafte Resonanz hervorrief. "Verdammt! - rief ein Lebensmittelhändler aus. „Diese Jungs haben wie Riesen gekämpft!“

Links ist ein Student mit einer Waffe. Zuvor galt es als Selbstporträt des Künstlers. Dieser Rebell ist nicht so schnell wie Gavroche. Seine Bewegung ist zurückhaltender, konzentrierter, bedeutungsvoller. Die Hände umklammern selbstbewusst den Lauf der Waffe, das Gesicht drückt Mut aus, den festen Willen, bis zum Ende durchzuhalten. Das ist ein zutiefst tragisches Bild. Der Student ist sich der Unvermeidlichkeit der Verluste bewusst, die die Rebellen erleiden werden, aber die Opfer machen ihm keine Angst – der Wille zur Freiheit ist stärker. Hinter ihm steht ein ebenso mutiger wie entschlossener Arbeiter mit Säbel. Zu Füßen der Freiheit liegt ein verwundeter Mann. Es fällt ihm schwer, noch einmal zur Freiheit aufzublicken, um die Schönheit, für die er stirbt, zu sehen und aus ganzem Herzen zu fühlen. Diese Figur gibt dem Klang von Delacroix‘ Leinwand einen dramatischen Anfang. Wenn die Bilder von Gavroche, Liberty, einem Studenten, einem Arbeiter – fast Symbole, die Verkörperung des unnachgiebigen Willens der Freiheitskämpfer – den Betrachter inspirieren und aufrufen, dann ruft der verwundete Mann zum Mitgefühl auf. Der Mensch verabschiedet sich von der Freiheit, verabschiedet sich vom Leben. Er ist noch ein Impuls, eine Bewegung, aber bereits ein verblassender Impuls.

Seine Figur ist vorübergehend. Der Blick des Betrachters, immer noch fasziniert und mitgerissen von der revolutionären Entschlossenheit der Rebellen, fällt auf den Fuß der Barrikade, bedeckt mit den Leichen der ruhmreichen toten Soldaten. Der Tod wird vom Künstler in seiner ganzen Schlichtheit und Offensichtlichkeit dargestellt. Wir sehen die blauen Gesichter der Toten, ihre nackten Körper: Der Kampf ist gnadenlos, und der Tod ist derselbe unvermeidliche Begleiter der Rebellen, wie der schöne Inspirator der Freiheit.

Von dem schrecklichen Anblick am unteren Bildrand heben wir erneut den Blick und sehen eine junge schöne Gestalt – nein! das Leben siegt! Die so sichtbar und greifbar verkörperte Idee der Freiheit ist so auf die Zukunft ausgerichtet, dass der Tod in ihrem Namen keine Angst macht.

Der Künstler stellt nur eine kleine Gruppe lebender und toter Rebellen dar. Doch die Verteidiger der Barrikade scheinen ungewöhnlich zahlreich zu sein. Die Zusammensetzung ist so aufgebaut, dass die Gruppe der Kämpfer nicht begrenzt und nicht in sich geschlossen ist. Sie ist nur ein Teil einer endlosen Lawine von Menschen. Der Künstler gibt sozusagen ein Fragment der Gruppe ab: Der Bilderrahmen schneidet die Figuren links, rechts und unten ab.

Typischerweise erhält die Farbe in den Werken von Delacroix einen hochemotionalen Klang und spielt eine entscheidende Rolle bei der Erzielung einer dramatischen Wirkung. Die Farben, mal tobend, mal verblassend, gedämpft, erzeugen eine spannungsgeladene Atmosphäre. IN « Freiheit An Barrikaden» Delacroix weicht von diesem Prinzip ab. Sehr präzise, ​​die Farbe sorgfältig auswählend und mit breiten Strichen auftragend, vermittelt der Künstler die Atmosphäre der Schlacht.

Aber die Farbgebung ist zurückhaltend. Delacroix legt den Schwerpunkt auf die Reliefmodellierung der Form. Dies war durch die figurative Lösung des Bildes erforderlich. Denn mit der Darstellung eines konkreten gestrigen Ereignisses hat der Künstler diesem Ereignis zugleich ein Denkmal gesetzt. Daher sind die Figuren fast skulptural. Daher stellt jedes Zeichen als Teil eines einzigen Bildes auch etwas in sich Geschlossenes dar, ist ein in eine abgeschlossene Form gegossenes Symbol. Daher hat Farbe nicht nur eine emotionale Wirkung auf die Gefühle des Betrachters, sondern hat auch eine symbolische Bedeutung. Im braungrauen Raum blitzt hier und da ein feierlicher Dreiklang aus Rot, Blau, Weiß auf – den Farben des Banners der Französischen Revolution von 1789. Die wiederholte Wiederholung dieser Farben erhält den kraftvollen Akkord der über den Barrikaden wehenden Trikolore aufrecht.

Gemälde von Delacroix « Freiheit An Barrikaden» - ein komplexes, grandioses Werk im Umfang. Hier vereinen sich die Verlässlichkeit der direkt gesehenen Tatsache und die Symbolik der Bilder; Realismus, der brutale Naturalismus und ideale Schönheit erreicht; rau, schrecklich und erhaben, rein.

Malerei “ Freiheit An Barrikaden” festigte den Sieg der Romantik in der französischen Malerei. In den 1930er Jahren entstanden zwei weitere historische Gemälde: “ Schlacht bei Poitiers” Und “ Mord Bischof Lüttich”.

1822 besuchte der Künstler Nordafrika, Marokko und Algerien. Die Reise hinterließ bei ihm einen unauslöschlichen Eindruck. In den 50er Jahren erschienen in seinem Werk Gemälde, die von Erinnerungen an diese Reise inspiriert waren: ” Jagd An Lemberg”, “ marokkanisch, Satteln Pferd” usw. Helle Kontrastfarben verleihen diesen Gemälden einen romantischen Klang. In ihnen kommt die Breitstrichtechnik zum Vorschein.

Delacroix hielt als Romantiker den Zustand seiner Seele nicht nur durch die Sprache malerischer Bilder fest, sondern formalisierte seine Gedanken auch literarisch. Er beschrieb gut den Schaffensprozess eines romantischen Künstlers, seine Farbexperimente und Überlegungen zur Beziehung zwischen Musik und anderen Kunstformen. Seine Tagebücher wurden zur Lieblingslektüre für Künstler nachfolgender Generationen.

Die französische romantische Schule nahm bedeutende Veränderungen im Bereich der Skulptur (Rud und sein Relief „Marseillaise“) und der Landschaftsmalerei (Camille Corot mit seinen luftigen Bildern der Natur Frankreichs) vor.

Dank der Romantik nimmt die subjektive Vision des Künstlers die Form eines Gesetzes an. Der Impressionismus wird die Barriere zwischen Künstler und Natur völlig zerstören und die Kunst zum Eindruck erklären. Romantiker sprechen von der Vorstellungskraft des Künstlers, „der Stimme seiner Gefühle“, die es ihm ermöglicht, das Werk dann zu stoppen, wenn der Meister es für notwendig hält, und nicht, wie es akademische Maßstäbe der Vollständigkeit erfordern.

Wenn sich Gericaults Fantasien auf die Vermittlung von Bewegung konzentrierten, Delacroix auf die magische Kraft der Farbe und die Deutschen dazu einen gewissen „Geist der Malerei“ hinzufügten, dann waren es die spanischen Romantiker Francisco Goya(1746-1828) zeigte die folkloristischen Ursprünge des Stils, seinen phantasmagorischen und grotesken Charakter. Goya selbst und sein Werk scheinen weit von einem stilistischen Rahmen entfernt zu sein, zumal der Künstler sehr oft den Gesetzen des Ausführungsmaterials (wenn er beispielsweise Gemälde für gewebte Spalierteppiche schuf) oder den Anforderungen des Auftraggebers folgen musste.

Seine Phantasmagorien wurden in Radierungsserien veröffentlicht “ Caprichos” (1797-1799), “ Katastrophen Kriege” (1810-1820), “ Disparanten (“ Torheiten”) (1815-1820), Gemälde des „Hauses der Gehörlosen“ und der Kirche San Antonio de la Florida in Madrid (1798). Eine schwere Krankheit im Jahr 1792 führte zur völligen Taubheit des Künstlers. Nach einem körperlichen und geistigen Trauma wird die Kunst des Meisters fokussierter, nachdenklicher und innerlich dynamischer. Die aufgrund der Taubheit verschlossene Außenwelt aktivierte Goyas inneres spirituelles Leben.

In Radierungen “ Caprichos” Goya erreicht eine außergewöhnliche Kraft darin, sofortige Reaktionen und schnelle Gefühle zu vermitteln. Die Schwarz-Weiß-Ausführung erhält dank der kräftigen Kombination großer Flecken und dem Fehlen der für Grafiken charakteristischen Linearität alle Eigenschaften eines Gemäldes.

Goya schafft die Wandgemälde der Kirche St. Antonius in Madrid, so scheint es, in einem Atemzug. Das Temperament des Pinselstrichs, die Lakonizität der Komposition, die Ausdruckskraft der Charaktereigenschaften, deren Typ Goya direkt aus der Masse übernommen hat, sind verblüffend. Der Künstler stellt das Wunder von Antonius von Florida dar, der den Ermordeten zum Aufstehen und Sprechen zwang, der den Namen des Mörders nannte und so einen Unschuldigen vor der Hinrichtung rettete. Die Dynamik der lebhaft reagierenden Menschenmenge wird sowohl in der Gestik als auch in der Mimik der dargestellten Personen deutlich. Im kompositorischen Schema der Verteilung der Gemälde im Raum der Kirche folgt der Maler Tiepolo, aber die Reaktion, die er beim Betrachter hervorruft, ist nicht barock, sondern rein romantisch, berührt die Gefühle jedes Betrachters und fordert ihn auf, sich sich selbst zuzuwenden.

Dieses Ziel wird vor allem im Gemälde „Conto del Sordo“ („Haus der Gehörlosen“) erreicht, in dem Goya seit 1819 lebte. Die Wände der Räume sind mit fünfzehn Kompositionen phantastischer und allegorischer Natur bedeckt. Sie wahrzunehmen erfordert tiefes Einfühlungsvermögen. Die Bilder erscheinen als bestimmte Visionen von Städten, Frauen, Männern usw. Die blinkende Farbe zieht zuerst eine Figur, dann eine andere hervor. Das Gemälde insgesamt ist dunkel, es wird von weißen, gelben, rosaroten Flecken dominiert, die die Sinne durch Blitze stören. Die Radierungen der Serie können als grafische Parallele zu „Das Haus der Gehörlosen“ betrachtet werden. “ Disparanten” .

Goya verbrachte die letzten 4 Jahre in Frankreich. Es ist unwahrscheinlich, dass er wusste, dass Delacroix sich nie von seinen „Caprichos“ getrennt hat. Und er konnte nicht ahnen, wie Hugo und Baudelaire von diesen Radierungen mitgerissen werden würden, welchen großen Einfluss seine Malerei auf Manet haben würde und wie in den 80er Jahren des 19. Jahrhunderts. V. Stasov wird russische Künstler einladen, seine „Kriegskatastrophen“ zu studieren.

Vor diesem Hintergrund wissen wir jedoch, welch großen Einfluss diese „stillose“ Kunst eines kühnen Realisten und inspirierten Romantikers auf die Kunstkultur des 19. und 20. Jahrhunderts hatte.

Der englische Romantiker verwirklicht in seinen Werken auch die fantastische Welt der Träume. Wilhelm Blake(1757-1827). England war das klassische Land der romantischen Literatur. Byron und Shelley wurden zum Banner dieser Bewegung weit über die Grenzen von Foggy Albion hinaus. In Frankreich wurden die Romantiker in der Zeitschriftenkritik während der „romantischen Schlachten“ als „Shakespeareaner“ bezeichnet. Das Hauptmerkmal der englischen Malerei war schon immer das Interesse an der menschlichen Persönlichkeit, was eine fruchtbare Entwicklung des Porträtgenres ermöglichte. Romantik in der Malerei ist sehr eng mit Sentimentalismus verbunden. Das Interesse der Romantiker am Mittelalter führte zur Entstehung großer historischer Literatur, deren Meister W. Scott ist. In der Malerei bestimmte das Thema des Mittelalters das Erscheinungsbild der sogenannten Präraffaeliten.

William Blake ist ein erstaunlicher Typ Romantiker in der englischen Kulturszene. Er schreibt Gedichte, illustriert eigene und fremde Bücher. Sein Talent strebte danach, die Welt in ganzheitlicher Einheit zu umarmen und auszudrücken. Zu seinen bekanntesten Werken zählen Illustrationen zum biblischen „Buch Hiob“, Dantes „Göttliche Komödie“ und Miltons „Verlorenes Paradies“. Er bevölkert seine Kompositionen mit gigantischen Heldenfiguren, die ihrer Umgebung einer unwirklichen, aufgeklärten oder phantasmagorischen Welt entsprechen. Ein Gefühl von rebellischem Stolz oder einer aufwendig aus Dissonanzen erzeugten Harmonie überwältigt seine Illustrationen.

Blakes Romantik versucht, ihre künstlerische Formel und Existenzform der Welt zu finden.

William Blake, der sein Leben in extremer Armut und Dunkelheit verbrachte, zählte nach seinem Tod zu den Klassikern der englischen Kunst.

In den Werken englischer Landschaftsmaler des frühen 19. Jahrhunderts. Romantische Hobbys werden mit einer objektiveren und nüchterneren Sicht auf die Natur kombiniert.

Schafft romantisch erhabene Landschaften Wilhelm Turner(1775-1851). Er liebte es, Gewitter, Schauer, Stürme auf See und helle, feurige Sonnenuntergänge darzustellen. Turner übertrieb oft die Wirkung der Beleuchtung und verstärkte den Klang der Farben, selbst wenn er den ruhigen Zustand der Natur malte. Um eine größere Wirkung zu erzielen, verwendete er Aquarelltechniken und trug Ölfarbe in einer sehr dünnen Schicht auf und malte sie direkt auf den Untergrund, wodurch Regenbogentöne erzielt wurden. Ein Beispiel wäre das Bild “ Regen, Dampf Und Geschwindigkeit” (1844). Doch selbst der berühmte Kritiker der damaligen Zeit, Thackeray, konnte das Bild, das vielleicht sowohl im Konzept als auch in der Ausführung innovativ war, nicht richtig verstehen. „Regen wird durch schmutzige Kittflecken angezeigt“, schrieb er, „die mit einem Spachtel auf die Leinwand geschmiert wurden; das Sonnenlicht scheint mit einem schwachen Flackern unter sehr dicken Klumpen schmutzigen gelben Chroms hervor.“ Die Schatten werden durch kalte Scharlachtöne und Zinnoberflecken in gedämpften Tönen vermittelt. Und obwohl das Feuer im Feuerraum einer Lokomotive rot erscheint, kann ich nicht sagen, dass es nicht in Kobalt- oder Erbsenfarbe gestrichen ist.“ Ein anderer Kritiker fand, dass Turners Farbe die Farbe von „Rührei und Spinat“ habe. Die Farben des verstorbenen Turner schienen seinen Zeitgenossen im Allgemeinen völlig undenkbar und fantastisch. Es dauerte mehr als ein Jahrhundert, bis man in ihnen den Kern echter Beobachtungen erkennen konnte. Aber wie in anderen Fällen war es auch hier der Fall. Von einem Augenzeugen bzw. einem Zeugen der Geburt ist eine interessante Geschichte überliefert

Englische Kunst der Mitte des 19. Jahrhunderts. entwickelte sich in eine völlig andere Richtung als Turners Gemälde. Obwohl seine Fähigkeiten allgemein anerkannt waren, folgte ihm keiner der Jugendlichen.

II. Romantik in der russischen Malerei

Die Romantik in Russland unterschied sich von Westeuropa aufgrund einer anderen historischen Situation und einer anderen kulturellen Tradition. Die Französische Revolution kann nicht zu den Ursachen ihres Auftretens gezählt werden; ein sehr enger Kreis von Menschen setzte irgendwelche Hoffnungen auf Veränderungen in ihrem Verlauf. Und die Ergebnisse der Revolution waren völlig enttäuschend. Die Frage des Kapitalismus in Russland zu Beginn des 19. Jahrhunderts. stand nicht. Deshalb gab es auch hierfür keinen Grund. Der wahre Grund war der Vaterländische Krieg von 1812, in dem die volle Kraft der Volksinitiative demonstriert wurde. Doch nach dem Krieg erhielt das Volk keine Freiheit. Der beste Adel, der mit der Realität nicht zufrieden war, kam im Dezember 1825 auf den Senatsplatz. Auch dieser Akt ging für die kreative Intelligenz nicht spurlos vorüber. Die turbulenten Nachkriegsjahre wurden zum Schauplatz der Entstehung der russischen Romantik.

In ihren Gemälden brachten russische Maler der Romantik den Geist der Liebe zur Freiheit und des aktiven Handelns zum Ausdruck und forderten leidenschaftlich und temperamentvoll die Manifestation des Humanismus. Die alltäglichen Gemälde russischer Maler zeichnen sich durch Relevanz, Psychologie und beispiellosen Ausdruck aus. Vergeistigte, melancholische Landschaften sind wiederum der gleiche Versuch der Romantiker, in die Menschenwelt einzudringen, zu zeigen, wie der Mensch in der sublunären Welt lebt und träumt. Die russische romantische Malerei unterschied sich von der ausländischen Malerei. Dies wurde sowohl durch die historische Situation als auch durch die Tradition bestimmt.

Merkmale der russischen romantischen Malerei:

Ÿ Die Ideologie der Aufklärung wurde schwächer, brach aber nicht zusammen, wie in Europa. Daher kam die Romantik nicht klar zum Ausdruck;

Ÿ Die Romantik entwickelte sich parallel zum Klassizismus und war oft mit diesem verflochten.

Ÿ Die akademische Malerei in Russland hat sich noch nicht erschöpft.

Ÿ Die Romantik war in Russland kein stabiles Phänomen; Romantiker fühlten sich zum Akademismus hingezogen. Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts. Die romantische Tradition ist fast ausgestorben.

Bereits in den 1790er Jahren tauchten in Russland Werke mit Bezug zur Romantik auf (Werke von Theodosius Yanenko). " Reisende, erwischt Sturm" (1796), " Selbstporträt V Helm" (1792). Der Prototyp ist in ihnen offensichtlich - Salvator Rosa, sehr beliebt an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. Später wird der Einfluss dieses protoromantischen Künstlers im Werk von Alexander Orlovsky spürbar sein. Räuber, Szenen am Feuer, Schlachten begleiteten seinen gesamten Schaffensweg. Wie in anderen Ländern brachten Künstler der russischen Romantik eine völlig neue emotionale Stimmung in die klassischen Genres Porträt, Landschaft und Genreszenen.

In Russland begann die Romantik erstmals in der Porträtmalerei aufzutauchen. Im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts verlor es weitgehend den Kontakt zum Adelsstand. Porträts von Dichtern, Künstlern, Kunstmäzenen und Bildern einfacher Bauern begannen einen bedeutenden Platz einzunehmen. Besonders ausgeprägt war diese Tendenz in den Werken von O.A. Kiprensky (1782 – 1836) und V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Basilikum Andrejewitsch Tropinin strebte nach einer lebendigen, entspannten Charakterisierung einer Person, die durch sein Porträt zum Ausdruck kam. « Porträt Sohn» (1818), « Porträt A. MIT. Puschkin» (1827), « Selbstporträt» (1846) verblüffen nicht durch ihre Porträtähnlichkeit mit den Originalen, sondern durch ihr ungewöhnlich subtiles Eindringen in die Innenwelt eines Menschen.

Die Schöpfungsgeschichte ist äußerst interessant “ Porträts Puschkin”. Zur ersten Bekanntschaft mit Puschkin kam Tropinin wie üblich zu Sobolevskys Haus, wo der Dichter damals lebte. Der Künstler fand ihn in seinem Büro, wie er mit den Welpen herumfummelte. Damals wurde offenbar eine kleine Skizze geschrieben, die auf dem ersten Eindruck basiert, den Tropinin so sehr schätzte. Er blieb lange Zeit außer Sichtweite seiner Verfolger. Nur fast hundert Jahre später, 1914, wurde es von P.M. veröffentlicht. Shchekotov, der schrieb, dass er von allen Porträts Alexander Sergejewitschs „seine Gesichtszüge am besten zum Ausdruck bringt ... Die blauen Augen des Dichters sind hier von einem besonderen Glanz erfüllt, der Kopf dreht sich schnell und die Gesichtszüge sind ausdrucksstark und beweglich.“ Zweifellos sind hier die authentischen Gesichtszüge von Puschkin eingefangen, die uns separat in dem einen oder anderen der uns überlieferten Porträts begegnen. „Man bleibt ratlos“, fügt Shchekotov hinzu, „warum dieser bezaubernden Skizze bei Verlegern und Kennern des Dichters nicht die gebührende Aufmerksamkeit geschenkt wurde.“ Dies erklärt sich durch die Qualitäten der kleinen Skizze selbst: Es gab keine Brillanz der Farben, keine Schönheit der Pinselführung, keine kunstvoll geschriebenen „Umstände“ darin. Und Puschkin ist hier kein Volks-„Vitia“, kein „Genie“, sondern vor allem ein Mensch. Und es lässt sich kaum analysieren, warum in den monochromatischen graugrünen Olivtönen, in den hastigen, scheinbar zufälligen Pinselstrichen einer fast unscheinbar wirkenden Skizze ein so großer menschlicher Inhalt steckt.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts war Twer ein bedeutendes kulturelles Zentrum Russlands. Hier ist der Junge Orest Kiprenski traf A.S. Puschkin, dessen später gemaltes Porträt zur Perle der Weltporträtkunst wurde. " Porträt Puschkin» Die Pinsel von O. Kiprensky sind eine lebendige Verkörperung des poetischen Genies. In der entschiedenen Drehung des Kopfes, in den energisch vor der Brust verschränkten Armen, in der gesamten Erscheinung des Dichters spiegelt sich ein Gefühl von Unabhängigkeit und Freiheit wider. Über ihn sagte Puschkin: „Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir.“ In der Arbeit über das Porträt von Puschkin treffen sich Tropinin und Kiprensky zum letzten Mal, allerdings findet dieses Treffen nicht persönlich statt, sondern viele Jahre später in der Kunstgeschichte, wo in der Regel zwei Porträts des größten Russen entstehen Dichter, die gleichzeitig, aber an verschiedenen Orten entstanden sind, werden verglichen – einer in Moskau, der andere – in St. Petersburg. Dies ist nun ein Treffen von Meistern, die in ihrer Bedeutung für die russische Kunst gleichermaßen groß sind. Obwohl Kiprenskys Bewunderer behaupten, dass die künstlerischen Vorteile auf der Seite seines romantischen Porträts liegen, in dem der Dichter in seine eigenen Gedanken versunken und allein mit der Muse dargestellt wird, liegen die Nationalität und Demokratie des Bildes sicherlich auf der Seite von Tropinskys „Puschkin“. .

So spiegelten zwei Porträts zwei Richtungen der russischen Kunst wider, konzentriert in zwei Hauptstädten. Und Kritiker werden später schreiben, dass Tropinin für Moskau das war, was Kiprensky für St. Petersburg war.

Eine Besonderheit von Kiprenskys Porträts ist, dass sie den spirituellen Charme und den inneren Adel eines Menschen zeigen. Das Porträt eines mutigen und gefühlvollen Helden sollte das Pathos der freiheitsliebenden und patriotischen Gefühle des fortschrittlichen russischen Volkes verkörpern.

In der Haustür “ Porträt E. IN. Davydova” (1809) zeigt die Figur eines Offiziers, der den für die Romantik jener Jahre so typischen Kult einer starken und mutigen Persönlichkeit unmittelbar zum Ausdruck brachte. Die fragmentarisch dargestellte Landschaft, in der ein Lichtstrahl gegen die Dunkelheit kämpft, deutet die spirituellen Ängste des Helden an, doch in seinem Gesicht spiegelt sich verträumte Sensibilität wider. Kiprensky suchte nach dem „Menschen“ im Menschen, und das Ideal verbarg ihm nicht die persönlichen Charaktereigenschaften des Modells.

Kiprenskys Porträts zeigen, wenn man sie mit dem geistigen Auge betrachtet, den geistigen und natürlichen Reichtum eines Menschen, seine intellektuelle Stärke. Ja, er hatte das Ideal einer harmonischen Persönlichkeit, von dem auch seine Zeitgenossen sprachen, aber Kiprensky strebte nicht danach, dieses Ideal buchstäblich auf ein künstlerisches Bild zu projizieren. Bei der Schaffung eines künstlerischen Bildes folgte er der Natur, als wollte er abschätzen, wie weit oder nahe sie einem solchen Ideal kam. Im Grunde stehen viele der von ihm Dargestellten an der Schwelle zum Ideal und streben danach, doch das Ideal selbst ist nach den Vorstellungen der romantischen Ästhetik kaum erreichbar, und alle romantische Kunst ist nur der Weg dorthin.

Indem er die Widersprüche in den Seelen seiner Helden bemerkt und sie in den ängstlichen Momenten des Lebens zeigt, wenn sich das Schicksal ändert, alte Ideen gebrochen werden, die Jugend verblasst usw., scheint Kiprensky dies gemeinsam mit seinen Modellen zu erleben. Daher die besondere Einbindung des Porträtisten in die Interpretation künstlerischer Bilder, die dem Porträt eine „seelenvolle“ Note verleiht.

In der frühen Phase von Kiprenskys Werk werden Sie keine Menschen sehen, die von Skepsis und seelenzerstörender Analyse infiziert sind. Dies wird später kommen, wenn die romantische Zeit ihren Herbst erlebt und anderen Stimmungen und Gefühlen Platz macht, wenn die Hoffnung auf den Triumph des Ideals einer harmonischen Persönlichkeit zusammenbricht. In allen Porträts des 19. Jahrhunderts und den in Twer ausgeführten Porträts ist Kiprenskys kühner Pinsel sichtbar, der die Formen leicht und frei konstruiert. Die Komplexität der technischen Techniken und die Art der Figur veränderten sich von Werk zu Werk.

Bemerkenswert ist, dass man in den Gesichtern seiner Helden keine heroische Hochstimmung erkennen kann, im Gegenteil, die meisten Gesichter sind eher traurig, sie geben sich dem Nachdenken hin. Es scheint, dass diese Menschen sich Sorgen um das Schicksal Russlands machen, sie denken mehr an die Zukunft als an die Gegenwart. Auch in den Frauenbildern, die die Ehefrauen und Schwestern von Teilnehmern bedeutender Ereignisse darstellen, strebte Kiprensky nicht nach bewusster heroischer Hochstimmung. Es herrscht ein Gefühl von Leichtigkeit und Natürlichkeit. Gleichzeitig steckt in allen Porträts so viel wahrer Seelenadel. Frauenbilder bestechen durch ihre bescheidene Würde und Integrität der Natur; In den Gesichtern der Männer kann man einen neugierigen Gedanken erkennen, eine Bereitschaft zur Askese. Diese Bilder deckten sich mit den reifenden ethischen und ästhetischen Vorstellungen der Dekabristen. Ihre Gedanken und Wünsche wurden damals von vielen geteilt, der Künstler wusste auch davon, und deshalb können wir sagen, dass seine Porträts von Teilnehmern an den Ereignissen von 1812-1814, Bilder von Bauern, die in denselben Jahren entstanden sind, eine Art künstlerisches Werk sind parallel zu den aufkommenden Konzepten des Dekabrismus.

Ausländer nannten Kiprensky den Russen Van Dyck; seine Porträts befinden sich in vielen Museen auf der ganzen Welt. Kiprensky, der Nachfolger der Werke von Levitsky und Borovikovsky, der Vorgänger von L. Ivanov und K. Bryullov, verschaffte der russischen Kunstschule mit seinem Werk europäischen Ruhm. Mit den Worten von Alexander Iwanow: „Er war der Erste, der den russischen Namen nach Europa brachte ...“.

Das für die Romantik charakteristische gesteigerte Interesse an der Persönlichkeit eines Menschen prägte den Aufschwung des Porträtgenres in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, in dem das Selbstporträt dominant wurde. Die Entstehung eines Selbstporträts war in der Regel kein Zufall. Künstler schrieben und zeichneten immer wieder selbst, und diese Werke wurden zu einer Art Tagebuch, das verschiedene Geisteszustände und Lebensabschnitte widerspiegelte, und waren gleichzeitig ein Manifest an ihre Zeitgenossen. Das Selbstporträt war kein Auftragsgenre; der Künstler malte für sich selbst und hatte hier wie nie zuvor die Freiheit, sich auszudrücken. Im 18. Jahrhundert malten russische Künstler selten Originalbilder; einzig die Romantik mit ihrem Kult des Individuellen und Außergewöhnlichen trug zum Aufstieg dieses Genres bei. Die Vielfalt der Selbstporträttypen spiegelt das Selbstverständnis der Künstler als reiche und facettenreiche Persönlichkeit wider. Sie erscheinen dann in der gewohnten und natürlichen Rolle des Schöpfers ( " Selbstporträt V Samt nehmen" A.G. Varnek, 1810er Jahre), dann stürzen sie sich in die Vergangenheit, als würden sie es an sich selbst versuchen ( " Selbstporträt V Helm Und Latach" F. I. Yanenko, 1792) oder, am häufigsten, sie erscheinen ohne jegliche berufliche Attribute und bekräftigen die Bedeutung und den Wert jedes Menschen, befreit und weltoffen, wie F. A. Bruni und O. A. Orlovsky in Selbstporträts der 1810er Jahre. Die für die figurativen Lösungen der Werke der 1810-1820er Jahre charakteristische Dialogbereitschaft und Offenheit werden nach und nach durch Müdigkeit und Enttäuschung, Versunkenheit und Rückzug ersetzt ( " Selbstporträt" M. I. Terebeneva). Dieser Trend spiegelte sich in der Entwicklung des Porträtgenres insgesamt wider.

Bemerkenswert ist, dass Kiprenskys Selbstporträts in kritischen Momenten seines Lebens entstanden sind; sie zeugten vom Aufstieg oder Niedergang der mentalen Stärke. Der Künstler betrachtete sich selbst durch seine Kunst. Gleichzeitig benutzte er keinen Spiegel, wie die meisten Maler; er malte hauptsächlich sich selbst nach seiner Vorstellung; er wollte seinen Geist ausdrücken, nicht aber sein Aussehen.

“Selbstporträt Mit mit Bürsten hinter Ohr” aufgebaut auf einer Ablehnung und einer eindeutig demonstrativen Ablehnung der äußeren Verherrlichung des Bildes, seiner klassischen Normativität und idealen Konstruktion. Gesichtszüge werden grob umrissen. Einzelne Lichtreflexe fallen auf die Figur des Künstlers und löschen die kaum sichtbare Drapierung aus, die den Hintergrund des Porträts darstellt. Hier ist alles dem Ausdruck des Lebens, der Gefühle, der Stimmung untergeordnet. Dies ist ein Blick auf romantische Kunst anhand der Kunst der Selbstporträts.

Fast gleichzeitig mit diesem Selbstporträt malte er auch “ Selbstporträt V Rosa Shane Schal” , wo ein anderes Bild verkörpert ist. Ohne direkten Hinweis auf den Beruf eines Malers. Das Bild eines jungen Mannes wurde nachgebildet, der sich natürlich und frei fühlt. Die Malfläche der Leinwand ist fein strukturiert. Der Pinsel des Künstlers trägt souverän Farbe auf und hinterlässt große und kleine Striche. Das Farbschema ist perfekt ausgearbeitet, die Farben sind sanft und harmonisch miteinander kombiniert, die Beleuchtung ist ruhig: Das Licht fällt sanft auf das Gesicht des jungen Mannes und betont seine Gesichtszüge, ohne unnötigen Ausdruck oder Verformung.

Ein weiterer herausragender Porträtmaler war UM. A. Orlowski. Ein solch emotionsreiches Porträtblatt stammt aus dem Jahr 1809 “ Selbstporträt” . Gefüllt mit einem satten, freien Hauch von Rötel und Holzkohle (mit Kreide-Highlighting), “ Selbstporträt” Orlovsky wird von seiner künstlerischen Integrität, seinem unverwechselbaren Image und seiner künstlerischen Ausführung angezogen. Gleichzeitig ermöglicht es uns, einige einzigartige Aspekte von Orlovskys Kunst zu erkennen. “ Selbstporträt” Orlovsky hat natürlich nicht das Ziel, das typische Erscheinungsbild des Künstlers jener Jahre genau wiederzugeben. Vor uns liegt ein weitgehend bewusst überzeichnetes Bild eines „Künstlers“, der sein eigenes „Ich“ der umgebenden Realität gegenüberstellt. Ihm geht es nicht um den „Anstand“ seines Aussehens: Sein üppiges Haar wurde weder von einem Kamm noch von einer Bürste berührt, auf seiner Schulter hängt der Rand eines karierten Regenmantels direkt über seinem Heimtrikot mit offenem Kragen. Eine scharfe Drehung des Kopfes mit einem „düsteren“ Blick unter den zusammengezogenen Augenbrauen, ein enger Ausschnitt des Porträts, in dem das Gesicht in Nahaufnahme dargestellt ist, Lichtkontraste – all dies zielt darauf ab, den Haupteffekt des Kontrasts zu erzielen dargestellte Person mit der Umgebung (und damit dem Betrachter).

Das Pathos der Bekräftigung der Individualität – eines der fortschrittlichsten Merkmale der damaligen Kunst – bildet den ideologischen und emotionalen Hauptton des Porträts, erscheint jedoch in einer einzigartigen Form, die in der russischen Kunst dieser Zeit fast nie zu finden war. Die Bestätigung der Persönlichkeit erfolgt nicht so sehr durch die Offenlegung des Reichtums ihrer inneren Welt, sondern durch die Ablehnung von allem, was sie umgibt. Gleichzeitig wirkt das Bild zweifellos dürftig und begrenzt.

Solche Lösungen sind in der damaligen russischen Porträtkunst schwer zu finden, wo bereits in der Mitte des 18. Jahrhunderts bürgerliche und humanistische Motive lautstark zum Ausdruck kamen und die Persönlichkeit eines Menschen nie die starke Bindung an die Umwelt abbrach. Die Menschen im damaligen Russland träumten von einem besseren, sozialdemokratischen System, waren jedoch keineswegs von der Realität losgelöst und lehnten bewusst den individualistischen Kult der „persönlichen Freiheit“ ab, der in Westeuropa blühte und durch die bürgerliche Revolution gelockert wurde. Dies zeigte sich deutlich in der russischen Porträtkunst. Man muss nur vergleichen “ Selbstporträt” Orlowski mit “ Selbstporträt” Kiprensky, so dass der gravierende innere Unterschied zwischen den beiden Porträtmalern sofort ins Auge stechen würde.

Kiprensky „heroisiert“ auch die Persönlichkeit eines Menschen, zeigt aber ihre wahren inneren Werte. Im Gesicht des Künstlers erkennt der Betrachter die Merkmale eines starken Geistes, Charakters und moralischer Reinheit.

Kiprenskys gesamtes Erscheinungsbild ist von erstaunlichem Adel und Menschlichkeit umgeben. Er ist in der Lage, in der Welt um ihn herum zwischen „Gut“ und „Böse“ zu unterscheiden und, indem er das Zweite ablehnt, das Erste zu lieben und zu schätzen, Gleichgesinnte zu lieben und zu schätzen. Gleichzeitig steht uns zweifellos eine starke Persönlichkeit gegenüber, die stolz auf das Bewusstsein für den Wert ihrer persönlichen Qualitäten ist. Genau das gleiche Konzept eines Porträtbildes liegt dem berühmten Heldenporträt von D. Davydov von Kiprensky zugrunde.

Im Vergleich zu Kiprensky löst Orlovsky das Bild einer „starken Persönlichkeit“ begrenzter, geradliniger und äußerlicher auf und konzentriert sich dabei klar auf die Kunst des bürgerlichen Frankreichs. Wenn du ihn ansiehst “ Selbstporträt” , fallen mir unwillkürlich die Porträts von A. Gros und Gericault ein. Das Profil lässt auch eine innere Affinität zur französischen Porträtkunst erkennen. “ Selbstporträt” Orlovsky im Jahr 1810 mit seinem Kult der individualistischen „inneren Stärke“ jedoch bereits ohne eine scharfe „Skizzen“-Form “ Selbstporträt” 1809 oder “ Porträts Duport”. In letzterem verwendet Orlovsky, ebenso wie im „Selbstporträt“, eine spektakuläre, „heroische“ Pose mit einer scharfen, fast kreuzenden Bewegung von Kopf und Schultern. Er betont die unregelmäßige Struktur von Duports Gesicht und seinem zerzausten Haar, mit dem Ziel, ein Porträtbild zu schaffen, das in seiner einzigartigen, zufälligen Charakteristik autark ist.

„Die Landschaft muss ein Porträt sein“, schrieb K. N. Batyushkov. Die meisten Künstler, die sich dem Landschaftsgenre zuwandten, hielten in ihren Arbeiten an dieser Haltung fest. Zu den offensichtlichen Ausnahmen, die sich für die fantastische Landschaft interessierten, gehörte A. O. Orlovsky ( " Nautisch Sicht" , 1809); A. G. Varnek ( " Sicht V Umfeld Rom" , 1809); P. V. Becken (" Himmel bei Sonnenuntergang V Umfeld Rom" , " Abend Landschaft" , beide 1820er Jahre). Bei der Schaffung spezifischer Typen bewahrten sie die Spontaneität der Empfindung und den emotionalen Reichtum und erzielten durch Kompositionstechniken einen monumentalen Klang.

Der junge Orlovsky sah in der Natur nur gigantische Kräfte, die nicht dem Willen des Menschen unterworfen waren und in der Lage waren, Katastrophen und Katastrophen zu verursachen. Der Kampf des Menschen gegen die tobenden Elemente des Meeres ist eines der Lieblingsthemen des Künstlers in seiner „rebellischen“ Romantik. Es wurde zum Inhalt seiner Zeichnungen, Aquarelle und Ölgemälde von 1809–1810. Die tragische Szene ist im Bild dargestellt “ Schiffswrack” (1809(?)). In der tiefsten Dunkelheit, die auf den Boden gefallen ist, klettern ertrinkende Fischer inmitten tosender Wellen verzweifelt auf die Küstenfelsen, auf denen ihr Schiff abgestürzt ist. Die Farbe in kräftigen Rottönen verstärkt das Angstgefühl. Das Eindringen mächtiger Wellen, die einen Sturm ankündigen, ist bedrohlich, und auf einem anderen Bild – “ An Ufer Meere” (1809). Auch der stürmische Himmel, der den größten Teil der Komposition einnimmt, spielt darin eine große emotionale Rolle. Obwohl Orlovsky die Kunst der Luftperspektive nicht beherrschte, wird der allmähliche Übergang der Pläne hier harmonisch und sanft gelöst. Die Farbe wurde heller. Die roten Flecken auf der Kleidung der Fischer heben sich wunderbar vom rotbraunen Hintergrund ab. Unruhige und beunruhigende Meereselemente in Aquarell “ Segeln Boot” (um 1812). Und selbst wenn der Wind das Segel nicht flattern lässt und die Wasseroberfläche nicht wie beim Aquarell mit Wellen bedeckt “ Nautisch Landschaft Mit Schiffe” (um 1810) ahnt der Betrachter, dass der Windstille ein Sturm folgen wird.

Die Landschaften hatten einen anderen Charakter MIT. F. Schtschedrin. Sie sind erfüllt von der Harmonie des Zusammenlebens von Mensch und Natur (" Terrasse An Ufer Meere. Cappuccini nahe Sorrent" , 1827). Zahlreiche von ihm erstellte Ansichten von Neapel erfreuten sich außerordentlichen Erfolgs.

In brillanten Bildern UND. ZU. Aivazovsky die romantischen Ideale des Rausches vom Kampf und der Kraft der Naturkräfte, die Widerstandskraft des menschlichen Geistes und die Fähigkeit, bis zum Ende zu kämpfen, wurden anschaulich verkörpert. Einen großen Platz im Erbe des Meisters nehmen jedoch nächtliche Seestücke ein, die bestimmten Orten gewidmet sind, an denen der Sturm dem Zauber der Nacht Platz macht, einer Zeit, die nach Ansicht der Romantiker von einem geheimnisvollen Innenleben erfüllt ist wo die Bildsuche des Künstlers darauf abzielt, außergewöhnliche Lichteffekte zu erzielen ( " Sicht Odessa V Mond- Nacht" , " Sicht Konstantinopel bei Mond- Beleuchtung" , beide - 1846).

Das Thema der natürlichen Elemente und des überraschten Menschen, ein beliebtes Thema der romantischen Kunst, wurde von Künstlern des 18. Jahrhunderts bis 1850 auf unterschiedliche Weise interpretiert. Die Arbeiten basierten auf realen Ereignissen, die Bedeutung der Bilder bestand jedoch nicht in einer objektiven Nacherzählung derselben. Ein typisches Beispiel ist das Gemälde von Peter Basin " Erdbeben V Rocca di Papa nahe Rom" (1830). Es widmet sich weniger der Beschreibung eines bestimmten Ereignisses als vielmehr der Darstellung der Angst und des Entsetzens einer Person angesichts der Manifestation der Elemente.

Die Romantik in Russland als Weltanschauung existierte in ihrer ersten Welle vom Ende des 18. Jahrhunderts bis in die 1850er Jahre. Die Linie der Romantik in der russischen Kunst endete nicht in den 1850er Jahren. Das von den Romantikern für die Kunst entdeckte Thema des Seinszustandes wurde später von den Künstlern der Blauen Rose weiterentwickelt. Die direkten Erben der Romantiker waren zweifellos die Symbolisten. Romantische Themen, Motive und Ausdruckstechniken haben Einzug in die Kunst unterschiedlicher Stilrichtungen, Trends und kreativer Assoziationen gehalten. Die romantische Weltanschauung oder Weltanschauung erwies sich als eine der lebendigsten, hartnäckigsten und fruchtbarsten.

Romantik als Bewegung in der Literatur

Romantik ist in erster Linie eine besondere Weltanschauung, die auf der Überzeugung von der Überlegenheit des „Geistes“ über die „Materie“ basiert. Das schöpferische Prinzip, so die Romantiker, besitze alles wahrhaft Geistige, das sie mit dem wahrhaft Menschlichen identifizierten. Und im Gegenteil, alles Materielle, das in den Vordergrund rückt, verunstaltet die wahre Natur des Menschen, lässt sein Wesen nicht zur Erscheinung kommen, spaltet unter den Bedingungen der bürgerlichen Realität die Menschen, wird zur Quelle der Feindschaft zwischen ihnen und führt zu tragischen Situationen. Positiver Held In der Romantik erhebt er sich in der Regel in seinem Bewusstsein über die Welt des Eigennutzes, die ihn umgibt, ist mit ihr unvereinbar, er sieht den Sinn des Lebens nicht darin, Karriere zu machen, nicht darin, Reichtum anzuhäufen, sondern im Dienen die hohen Ideale der Menschheit – Menschlichkeit, Freiheit, Brüderlichkeit. Negative romantische Charaktere stehen im Gegensatz zu positiven im Einklang mit der Gesellschaft; ihre Negativität liegt vor allem darin, dass sie nach den Gesetzen der sie umgebenden bürgerlichen Umgebung leben. Folglich (und das ist sehr wichtig) ist die Romantik nicht nur ein Streben nach Ideal und Poetisierung alles geistig Schönen, sie ist zugleich eine Enthüllung des Hässlichen in seiner spezifischen sozialgeschichtlichen Form. Darüber hinaus wurde der romantischen Kunst von Anfang an die mangelnde Spiritualität vorgeworfen, die sich aus dem Kern ergibt Romantische Beziehung Zu öffentliches Leben. Natürlich bringen es nicht alle Autoren und nicht alle Genres in der erforderlichen Breite und Intensität zum Ausdruck. Aber nicht nur in den Dramen von Lermontov oder in den „weltlichen Geschichten“ von V. Odoevsky zeigt sich kritisches Pathos, sondern auch in den Elegien von Schukowski, die die Sorgen und Nöte einer geistig reichen Persönlichkeit unter den Bedingungen des feudalen Russlands offenbaren .

Das romantische Weltbild bestimmt aufgrund seines Dualismus (der Offenheit von „Geist“ und „Mutter“) die Darstellung des Lebens in scharfen Kontrasten. Das Vorhandensein von Kontrasten ist eines davon Charakteristische Eigenschaften romantische Art von Kreativität und damit Stil. Geistiges und Materielles stehen in den Werken der Romantiker scharf im Widerspruch zueinander. Ein positiver romantischer Held wird normalerweise als einsames Wesen dargestellt, das außerdem dazu verdammt ist, in seiner zeitgenössischen Gesellschaft zu leiden (Giaour, Corsair in Byron, Chernets in Kozlov, Voinarovsky in Ryleev, Mtsyri in Lermontov und andere). In der Darstellung des Hässlichen erreichen die Romantiker oft eine so alltägliche Konkretheit, dass es schwierig ist, ihr Werk vom Realistischen zu unterscheiden. Auf der Grundlage einer romantischen Weltanschauung ist es möglich, nicht nur einzelne Bilder, sondern auch ganze Werke realistischer Kreativität zu schaffen.

Die Romantik ist gnadenlos gegenüber denen, die im Kampf um die eigene Vergrößerung, beim Nachdenken über Bereicherung oder im Vergnügungsdurst schmachten, in diesem Namen universelle Moralgesetze übertreten und universelle menschliche Werte (Menschlichkeit, Freiheitsliebe und andere) mit Füßen treten. .

IN romantische Literatur Es gibt viele Bilder von Helden, die vom Individualismus infiziert sind (Manfred, Lara von Byron, Pechorin, Demon von Lermontov und andere), aber sie sehen aus wie zutiefst tragische Kreaturen, die unter Einsamkeit leiden und sich danach sehnen, mit der Welt zu verschmelzen gewöhnliche Menschen. Indem sie die Tragödie des individualistischen Menschen enthüllte, zeigte die Romantik das Wesen wahren Heldentums, das sich im selbstlosen Dienst an den Idealen der Menschheit manifestierte. Persönlichkeit ist in der romantischen Ästhetik an sich nicht wertvoll. Sein Wert steigt mit zunehmendem Nutzen, den es den Menschen bringt. Die Bestätigung eines Menschen in der Romantik besteht zunächst darin, ihn vom Individualismus, von den schädlichen Auswirkungen der Privateigentumspsychologie zu befreien.

Im Zentrum der romantischen Kunst steht menschliche Persönlichkeit, ihre geistige Welt, ihre Ideale, Sorgen und Nöte unter den Bedingungen des bürgerlichen Lebenssystems, der Durst nach Freiheit und Unabhängigkeit. Der romantische Held leidet unter der Entfremdung, unter der Unfähigkeit, seine Position zu ändern. Daher sind Tragödien, dramatische, lyrisch-epische und lyrische Gedichte, Kurzgeschichten und Elegien die beliebten Genres der romantischen Literatur, die das Wesen der romantischen Weltanschauung am besten widerspiegeln. Die Romantik offenbarte die Unvereinbarkeit alles wahrhaft Menschlichen mit dem Privateigentumsprinzip des Lebens, und darin liegt ihre große historische Bedeutung. Er führte in die Literatur einen Kämpfer ein, der trotz seines Untergangs frei handelt, weil er erkennt, dass Kampf notwendig ist, um ein Ziel zu erreichen.

Romantiker zeichnen sich durch Breite und Ausmaß des künstlerischen Denkens aus. Um Ideen von universeller menschlicher Bedeutung zu verkörpern, nutzen sie christliche Legenden, biblische Geschichten, antike Mythologie und Volkstraditionen. Dichter der romantischen Bewegung greifen auf Fantasie, Symbolik und andere konventionelle Techniken der künstlerischen Darstellung zurück, was ihnen die Möglichkeit gibt, die Realität in einer Breite darzustellen, die in der realistischen Kunst völlig undenkbar war. Es ist beispielsweise unwahrscheinlich, dass es möglich ist, den gesamten Inhalt von Lermontovs „Dämon“ unter Einhaltung des Prinzips der realistischen Typisierung zu vermitteln. Der Dichter umfasst mit seinem Blick das gesamte Universum, skizziert kosmische Landschaften, bei deren Wiedergabe realistische Konkretheit, wie sie unter den Bedingungen der irdischen Realität bekannt ist, unangemessen wäre:

Auf dem Luftozean

Ohne Ruder und ohne Segel

Still im Nebel schwebend

Chöre aus schlanken Leuchten.

In diesem Fall entsprach der Charakter des Gedichts nicht der Genauigkeit, sondern im Gegenteil der Unsicherheit der Zeichnung, die in größerem Maße nicht die Vorstellungen eines Menschen über das Universum, sondern seine Gefühle vermittelt. Ebenso würde die „Erdung“ und Konkretisierung des Bildes des Dämons zu einem gewissen Rückgang des Verständnisses von ihm als einem titanischen Wesen führen, das mit übermenschlichen Kräften ausgestattet ist.

Das Interesse an den konventionellen Techniken der künstlerischen Darstellung erklärt sich aus der Tatsache, dass Romantiker oft philosophische und weltanschauliche Fragen zur Lösung stellen, obwohl sie, wie bereits erwähnt, nicht davor zurückschrecken, das Alltägliche, das Prosaisch-Alltägliche, alles, was damit unvereinbar ist, abzubilden das Geistige, Menschliche. In der romantischen Literatur (in einem dramatischen Gedicht) basiert der Konflikt normalerweise nicht auf einem Zusammenprall von Charakteren, sondern von Ideen, ganzen ideologischen Konzepten („Manfred“, „Kain“ von Byron, „Der entfesselte Prometheus“ von Shelley), der, Natürlich führte die Kunst über die Grenzen realistischer Konkretheit hinaus.

Die Intellektualität des romantischen Helden und sein Hang zum Nachdenken erklären sich größtenteils dadurch, dass er unter anderen Bedingungen agiert als die Figuren in einem Lehrroman oder einem „Spießbürger“-Drama des 18. Jahrhunderts. Letztere agierten im geschlossenen Bereich alltäglicher Beziehungen, das Thema Liebe nahm einen der zentralen Plätze in ihrem Leben ein. Die Romantiker brachten die Kunst in die Weiten der Geschichte. Sie erkannten, dass das Schicksal der Menschen und die Art ihres Bewusstseins weniger von der sozialen Umgebung als vielmehr von der gesamten Epoche und den darin ablaufenden politischen, sozialen und spirituellen Prozessen bestimmt werden, die die Zukunft aller am entscheidendsten beeinflussen Menschheit. Damit brach die Vorstellung vom Selbstwert des Individuums, seiner Abhängigkeit von sich selbst, seinem Willen zusammen und seine Bedingtheit wurde durch die komplexe Welt der sozialgeschichtlichen Umstände offenbart.

Romantik als eine bestimmte Weltanschauung und Art der Kreativität sollte nicht mit Romantik verwechselt werden, d.h. ein Traum von einem wunderbaren Ziel, mit dem Streben nach dem Ideal und dem leidenschaftlichen Wunsch, es verwirklicht zu sehen. Romantik kann, abhängig von den Ansichten einer Person, entweder revolutionär sein, indem sie nach vorne ruft, oder konservativ, indem sie die Vergangenheit poetisiert. Es kann realistisch wachsen und utopischer Natur sein.

Basierend auf der Annahme der Variabilität der Geschichte und der menschlichen Konzepte wandten sich die Romantiker gegen die Nachahmung der Antike und verteidigten die Prinzipien der Originalkunst, die auf der wahrheitsgetreuen Wiedergabe ihres nationalen Lebens, seiner Lebensweise, Moral, Überzeugungen usw. beruhten.

Russische Romantiker verteidigen die Idee des „Lokalkolorits“, bei dem es darum geht, das Leben in nationalhistorischer Originalität darzustellen. Dies war der Beginn des Eindringens nationalhistorischer Besonderheiten in die Kunst, was letztendlich zum Sieg der realistischen Methode in der russischen Literatur führte.

Romantik in Bildende Kunst stützte sich stark auf die Ideen von Philosophen und Schriftstellern. In der Malerei, wie auch in anderen Kunstformen, wurden die Romantiker von allem Ungewöhnlichen, Unbekannten angezogen, seien es ferne Länder mit ihren exotischen Bräuchen und Kostümen (Delacroix), die Welt der mystischen Visionen (Blake, Friedrich, die Präraffaeliten) und magische Träume (Runge) oder düstere Tiefen des Unterbewusstseins (Goya, Fusli). Die Inspirationsquelle für viele Künstler war das künstlerische Erbe der Vergangenheit: der Antike Osten, das Mittelalter und die Proto-Renaissance (Nazarener, Präraffaeliten).

Im Gegensatz zum Klassizismus, der die klare Kraft der Vernunft verherrlichte, besangen die Romantiker leidenschaftliche, stürmische Gefühle, die den Menschen völlig erfassten. Die ersten Reaktionen auf neue Trends waren Porträts und Landschaften, die zu beliebten Genres werden. romantisches Gemälde.

Blütezeit Porträtgenre war mit dem Interesse der Romantiker an der strahlenden menschlichen Individualität, Schönheit und seinem Reichtum verbunden Spirituelle Welt. Das Leben des menschlichen Geistes hat in einem romantischen Porträt Vorrang vor dem Interesse an körperlicher Schönheit, an der sinnlichen Plastizität des Bildes.

In einem romantischen Porträt (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) kommt immer die Einzigartigkeit jedes Menschen zum Vorschein, die Dynamik, der intensive Takt des Innenlebens und die rebellische Leidenschaft werden vermittelt.

Romantiker interessieren sich auch für die Tragödie einer gebrochenen Seele: Die Helden ihrer Werke sind oft psychisch kranke Menschen (Gericault „Eine verrückte Frau, die an einer Drogenabhängigkeit leidet“) Glücksspiel„, „Kinderdieb“, „Wahnsinnig, der sich als Kommandant vorstellt“).

Landschaft von Romantikern als Verkörperung der Seele des Universums konzipiert; Die Natur erscheint wie die menschliche Seele in Dynamik, ständiger Variabilität. Die für den Klassizismus charakteristischen geordneten und veredelten Landschaften wurden durch Bilder spontaner, rebellischer, kraftvoller, sich ständig verändernder Natur ersetzt, die der Verwirrung der Gefühle entsprachen romantische Helden. Romantiker schrieben besonders gerne Stürme, Gewitter, Vulkanausbrüche, Erdbeben und Schiffswracks, die eine starke Wirkung haben konnten emotionale Wirkung auf den Betrachter (Gericault, Friedrich, Turner).

Die für die Romantik charakteristische Poetisierung der Nacht – einer fremden, unwirklichen Welt, die nach eigenen Gesetzen lebt – führte zur Blüte des „Nachtgenres“, das vor allem bei deutschen Künstlern zu einem Favoriten in der romantischen Malerei wurde.

Eines der ersten Länder, in dem sich die Romantik der bildenden Künste entwickelte, warDeutschland .

Kreativität hatte einen spürbaren Einfluss auf die Entwicklung des Genres der romantischen LandschaftCaspar David Friedrich (1774-1840). In seinem künstlerisches Erbe Es dominieren Landschaften mit Bildern von Berggipfeln, Wäldern, dem Meer, der Meeresküste sowie den Ruinen alter Kathedralen, verlassenen Abteien und Klöstern („Kreuz in den Bergen“, „Kathedrale“, „Abtei unter den Eichen“). ). Sie enthalten normalerweise ein Gefühl ständiger Traurigkeit aufgrund der Erkenntnis über den tragischen Verlust einer Person in der Welt.

Der Künstler liebte jene Naturzustände, die seiner romantischen Wahrnehmung am besten entsprechen: Frühmorgen, Abendsonnenuntergang, Mondaufgang („Zwei betrachten den Mond“, „Klosterfriedhof“, „Landschaft mit Regenbogen“, „Mondaufgang über dem Meer“, „Kreidefelsen auf der Insel Rügen“, „Auf einem Segelboot“, „Hafen in der Nacht") .

Die ständigen Charaktere in seinen Werken sind einsame Träumer, versunken in die Betrachtung der Natur. Durch den Blick in die Weiten und endlosen Höhen werden sie mit den ewigen Geheimnissen des Universums vertraut gemacht und hineingetragen schöne Welt Träume. Friedrich vermittelt diese wundervolle Welt mithilfe eines magisch leuchtenden Lichts- strahlende Sonne oder geheimnisvoller Mond.

Friedrichs Werk erregte die Bewunderung seiner Zeitgenossen, darunter auch mir. W. Goethe und W. A. Schukowski, dank dessen viele seiner Gemälde von Russland erworben wurden.

Maler, Grafiker, Dichter und KunsttheoretikerPhilipp Otto Runge (1777-1810), widmete sich hauptsächlich der Kunst Porträtgenre. In seinen Werken poetisierte er Bilder von gewöhnlichen Menschen, oft von seinen Lieben („Wir drei“ – ein Selbstporträt mit seiner Braut und seinem Bruder, ist nicht erhalten; „Kinder der Familie Huelsenbeck“, „Porträt des Künstlers“) Eltern“, „Selbstporträt“). Runges tiefe Religiosität kam in Gemälden wie „Christus am Ufer des Tiberias-Sees“ und „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“ (unvollendet) zum Ausdruck. Seine Gedanken zur Kunst fasste der Künstler in seiner theoretischen Abhandlung „Die Farbsphäre“ zusammen.

Damit verbunden ist der Wunsch, religiöse und moralische Grundlagen in der deutschen Kunst wiederzubeleben Kreative Aktivitäten Künstler Nazarenerschule (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Cornelius). Zusammengeschlossen in einer Art Ordensbruderschaft („Union des Heiligen Lukas“) lebten die „Nazarener“ in Rom nach dem Vorbild einer Klostergemeinschaft und malten Gemälde zu religiösen Themen. Sie betrachteten die italienische und deutsche Malerei als Vorbild für ihre kreative Suche.XIV - XVJahrhunderte (Perugino, früher Raffael, A. Dürer, H. Holbein der Jüngere, L.Cranach). Im Film „Der Triumph der Religion in der Kunst“ imitiert Overbeck direkt „ Athener Schule„Raphael und Cornelius in „Reiter der Apokalypse“ – Dürers gleichnamiger Stich.

Mitglieder der Bruderschaft betrachteten spirituelle Reinheit und aufrichtigen Glauben als die Haupttugenden des Künstlers und glaubten, dass „nur die Bibel Raffael zu einem Genie machte“. Sie führten ein einsames Leben in den Zellen eines verlassenen Klosters und erhoben ihren Dienst an der Kunst zur Kategorie des spirituellen Dienstes.

Die „Nazarener“ tendierten zu großen monumentalen Formen und versuchten, mithilfe der neubelebten Freskentechnik hohe Ideale zu verkörpern. Einige der Gemälde wurden von ihnen gemeinsam fertiggestellt.

In den 1820er und 1830er Jahren zerstreuten sich die Mitglieder der Bruderschaft über ganz Deutschland und übernahmen führende Positionen an verschiedenen Kunstakademien. Lediglich Overbeck lebte bis zu seinem Tod in Italien, ohne seine künstlerischen Grundsätze zu ändern. Die besten Traditionen der „Nazarener“ wurden lange Zeit in der historischen Malerei bewahrt. Ihre ideologische und moralische Suche beeinflusste die englischen Präraffaeliten sowie die Arbeit von Meistern wie Schwind und Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), gebürtiger Österreicher, arbeitete in München. In seinen Staffeleiarbeiten stellt er vor allem das Aussehen und das Leben altdeutscher Provinzstädte mit ihren Bewohnern dar. Dies geschah mit großer Poesie und Lyrik, mit Liebe zu seinen Charakteren.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Münchner Maler, Grafiker, brillanter Zeichner, Karikaturist, ebenfalls nicht ohne Sentimentalität, aber mit viel Humor, spricht über das Stadtleben („Armer Dichter“, „Morgenkaffee“).

Schwind und Spitzweg werden üblicherweise mit der Biedermeier-Bewegung in der deutschen Kultur in Verbindung gebracht.Biedermeier - Dies ist einer der beliebtesten Stile der Epoche (vor allem im Alltag, aber auch in der Kunst) . Er rückte die Bürger in den Vordergrund, den Durchschnittsbürger. Zentrales Thema Biedermeier-Malerei wurde Das alltägliche Leben ein Mensch, der untrennbar mit seinem Zuhause und seiner Familie verbunden ist. Biedermeiers Interesse nicht an der Vergangenheit, sondern an der Gegenwart, nicht am Großen, sondern am Kleinen trug zur Bildung einer realistischen Tendenz in der Malerei bei.

Französische romantische Schule

Die konsequenteste Schule der Romantik in der Malerei entwickelte sich in Frankreich. Es entstand als Opposition zum Klassizismus, der zum kalten, rationalen Akademismus verkommen war und einen solchen vertrat große Meister, was den dominierenden Einfluss bestimmte Französische Schule für das gesamte 19. Jahrhundert.

Französische romantische Künstler tendierten zu Themen voller Dramatik und Pathos, innerer Spannung, weit entfernt vom „langweiligen Alltag“. Indem sie sie verkörperten, reformierten sie die Bild- und Ausdrucksmittel:

Mit dem Namen sind die ersten glanzvollen Erfolge der Romantik in der französischen Malerei verbundenTheodora Gericault (1791-1824), der vor anderen in der Lage war, ein rein romantisches Gefühl des Konflikts in der Welt auszudrücken. Schon in seinen ersten Werken lässt sich sein Wunsch erkennen, die dramatischen Ereignisse unserer Zeit darzustellen. Beispielsweise spiegelten die Gemälde „Berittener Schützenoffizier im Angriff“ und „Verwundeter Kürassier“ die Romantik der napoleonischen Ära wider.

Gericaults Gemälde „Das Floß der Medusa“, das einem jüngsten Ereignis gewidmet war, stieß auf große Resonanz modernes Leben- der Tod eines Passagierschiffes durch Verschulden der Reederei . Gericault schuf eine riesige Leinwand von 7 x 5 m, auf der er den Moment darstellte, als Menschen am Rande des Todes ein Rettungsschiff am Horizont sahen. Die extreme Spannung wird durch das Harsche, Düstere unterstrichen Farbschema, diagonale Komposition. Dieses Gemälde wurde zum Symbol des modernen Géricault-Frankreichs, das wie Menschen, die vor einem Schiffbruch fliehen, sowohl Hoffnung als auch Verzweiflung erlebt.

Das Thema Ihrer neuesten großes Bild- „Epsom Races“ – der Künstler hat es in England gefunden. Es zeigt Pferde, die wie Vögel fliegen (ein Lieblingsbild von Gericault, der als Teenager ein ausgezeichneter Reiter wurde). Der Eindruck von Schnelligkeit wird durch eine bestimmte Technik verstärkt: Die Pferde und Jockeys sind sehr sorgfältig gemalt und der Hintergrund ist breit.

Nach dem Tod von Gericault (er starb auf tragische Weise in der Blüte seiner Stärke und seines Talents) wurde sein junger Freund zum anerkannten Oberhaupt der französischen RomantikerEugene Delacroix (1798-1863). Delacroix war umfassend begabt und besaß musikalisches und literarisches Talent. Seine Tagebücher und Artikel über Künstler sind die interessantesten Dokumente dieser Zeit. Seine theoretischen Studien zu den Farbgesetzen hatten großen Einfluss auf zukünftige Impressionisten und insbesondere auf V. Van Gogh.

Delacroix‘ erstes Gemälde, das ihn berühmt machte, war „Dante und Vergil“ („Dantes Boot“), basierend auf der Handlung „ Göttliche Komödie" Sie verblüffte ihre Zeitgenossen mit ihrem leidenschaftlichen Pathos und der Kraft ihrer düsteren Farbgebung.

Der Höhepunkt der Kreativität des Künstlers war „Freedom on the Barricades“ („Freiheit führt das Volk“). Die Authentizität der realen Tatsache (das Bild entstand auf dem Höhepunkt der Julirevolution 1830 in Frankreich) verschmilzt hier mit dem romantischen Freiheitstraum und der Symbolik der Bilder. Eine schöne junge Frau wird zum Symbol des revolutionären Frankreichs.

Auch das frühere Gemälde „Massaker auf Chios“, das dem Kampf des griechischen Volkes gegen die türkische Herrschaft gewidmet war, war eine Reaktion auf moderne Ereignisse. .

Nach einem Besuch in Marokko entdeckte Delacroix die exotische Welt des arabischen Ostens, dem er zahlreiche Gemälde und Skizzen widmete. In „Women of Algeria“ erschien die Welt des muslimischen Harems erstmals vor dem europäischen Publikum.

Der Künstler schuf auch eine Reihe von Porträts von Vertretern der kreativen Intelligenz, von denen viele seine Freunde waren (Porträts von N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz usw.).

IN späte Periode Delacroix‘ Kreativität konzentrierte sich auf historische Themen, er arbeitete als Monumentalist (Wandgemälde in der Abgeordnetenkammer, im Senat) und als Grafiker (Illustrationen zu den Werken von Shakespeare, Goethe, Byron).

Die Namen englischer Maler der Romantik – R. Benington, J. Constable, W. Turner – sind mit dem Genre der Landschaft verbunden. Sie haben in diesem Bereich wirklich eine neue Seite aufgeschlagen: heimische Natur fanden in ihrer Arbeit eine so breite und liebevolle Widerspiegelung, wie sie damals kein anderes Land kannte.

John Constable (1776-1837) war einer der ersten in der Geschichte der europäischen Landschaft, der Skizzen ausschließlich aus dem Leben schrieb und sich dabei der direkten Beobachtung der Natur zuwandte. Seine Gemälde sind in ihren Motiven einfach: Dörfer, Bauernhöfe, Kirchen, ein Fluss- oder Meeresstrand: „Hay Wagon“, „Detham Valley“, „Salisbury Cathedral from the Bishop’s Garden“. Constables Werke dienten als Impulsgeber für die Entwicklung realistischer Landschaften in Frankreich.

William Turner (1775-1851) – Marinemaler . Ihn lockten die stürmische See, Schauer, Gewitter, Überschwemmungen, Tornados: „Die letzte Reise des Schiffes „Brave“, „Gewitter über der Piazzetta.“ Mutige koloristische Experimente und seltene Lichteffekte verwandeln seine Gemälde mitunter in leuchtende, phantasmagorische Spektakel: „Feuer des Londoner Parlaments“, „Blizzard“. Der Dampfer verlässt den Hafen und sendet Notsignale, wenn er in seichtes Wasser gerät.“ .

Turner besitzt das erste Gemälde einer auf Schienen fahrenden Dampflokomotive – ein Symbol der Industrialisierung. Im Film „Rain, Steam and Speed“ rast eine Dampflokomotive durch einen nebligen Regendunst die Themse entlang. Alle materiellen Objekte scheinen zu einem Fata Morgana-Bild zu verschmelzen, das das Gefühl von Geschwindigkeit perfekt vermittelt.

Eine einzigartige Studie über Licht und Farbeffekte, von Turner unternommen, nahm in vielerlei Hinsicht die Entdeckungen französischer impressionistischer Künstler vorweg.

Im Jahr 1848 entstand in EnglandPräraffaelitische Bruderschaft (von lateinisch prae – „vor“ und Raphael), die Künstler vereinte, die ihre zeitgenössische Gesellschaft und die Kunst der akademischen Schule nicht akzeptierten. Sie sahen ihr Ideal in der Kunst des Mittelalters und Frührenaissance(daher der Name). Die Hauptmitglieder der Bruderschaft sindWilliam Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. In ihrem frühe Arbeiten Diese Künstler verwendeten anstelle von Signaturen die Abkürzung RV .

Die Liebe zur Antike ähnelte der Romantik der Präraffaeliten. Sie haben angesprochen biblische Geschichten(„Die Lampe der Welt“ und „Der untreue Hirte“ von W. H. Hunt; „Die Kindheit Mariens“ und „Die Verkündigung“ von D. G. Rossetti), Handlungsstränge aus der Geschichte des Mittelalters und Theaterstücke von W. Shakespeare („Ophelia “ von Millais).

Um zu schreiben menschliche Figuren und Gegenstände in ihrer Lebensgröße, die Präraffaeliten vergrößerten die Größe der Leinwände, Landschaftsskizzen aus dem Leben gemacht. Zu den Figuren in ihren Gemälden gehörten auch Prototypen echte Menschen. D. G. Rossetti beispielsweise porträtierte in fast allen seinen Werken seine geliebte Elizabeth Siddal und blieb ihr wie ein mittelalterlicher Ritter auch nach ihrem frühen Tod treu („Blue Silk Dress“, 1866).

Der Ideologe der Präraffaeliten warJohn Ruskin (1819-1900) - Englischer Schriftsteller, Kunstkritiker und Kunsttheoretiker, Autor der berühmten Buchreihe Modern Artists.

Das Werk der Präraffaeliten beeinflusste viele Künstler maßgeblich und wurde zum Vorboten der Symbolik in der Literatur (W. Pater, O. Wilde) und der bildenden Kunst (O. Beardsley, G. Moreau usw.).

Der Spitzname „Nazarener“ könnte vom Namen der Stadt Nazareth in Galiläa herrühren, in der Jesus Christus geboren wurde. Einer anderen Version zufolge entstand er in Analogie zum Namen der alten jüdischen Religionsgemeinschaft der Nazarener. Es ist auch möglich, dass der Name der Gruppe von der im Mittelalter gebräuchlichen und aus A. Dürers Selbstporträt bekannten traditionellen Bezeichnung für die Frisur „Alla Nazarena“ stammt: der Trageweise lange Haare, in der Mitte geteilt, wurden von Overbeck wieder eingeführt.

Biedermeier(deutsch „tapferer Meyer“, Philister) – Nachname erfundener Charakter aus Gedichtsammlung Deutscher Dichter Ludwig Eichrodt. Eichrodt schuf eine Parodie auf echtes Gesicht- Samuel Friedrich Sauter, ein alter Lehrer, der naive Gedichte schrieb. Eichrodt betonte in seiner Karikatur die spießbürgerliche Primitivität des Biedermeier-Denkens, das zu einer Art Parodie-Symbol der Epoche wurde. Schwungvolle Striche in den Farben Schwarz, Braun und Grün vermitteln die Wut des Sturms. Der Blick des Betrachters scheint sich im Zentrum eines Strudels zu befinden; das Schiff scheint ein Spielzeug aus Wellen und Wind zu sein.

Richtung

Romantik (französischer Romantismus) - ideologisch und künstlerische Leitung in der Kultur des späten 18. Jahrhunderts - der erste Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, zeichnet sich durch die Bestätigung des inneren Wertes des spirituellen und kreativen Lebens des Einzelnen, die Darstellung starker (oft rebellischer) Leidenschaften und Charaktere sowie einer vergeistigten und heilenden Natur aus. Ausbreitung auf Diverse Orte Menschliche Aktivität. Im 18. Jahrhundert wurde alles Seltsame, Malerische und Vorhandene in Büchern und nicht in der Realität als romantisch bezeichnet. IN Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert wurde die Romantik zur Bezeichnung einer neuen Richtung im Gegensatz zum Klassizismus und der Aufklärung.

Geboren in Deutschland. Der Vorbote der Romantik ist Sturm und Drang und Sentimentalismus in der Literatur.

Die Romantik löst das Zeitalter der Aufklärung ab und fällt mit der Industriellen Revolution zusammen, die durch das Aufkommen von Dampfmaschinen, Dampflokomotiven, Dampfschiffen, Fotografien und Fabrikgeländen gekennzeichnet ist. Wenn die Aufklärung durch den Kult der Vernunft und der Zivilisation auf der Grundlage ihrer Prinzipien gekennzeichnet ist, dann bekräftigt die Romantik den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. In der Epoche der Romantik entstanden die Phänomene Tourismus, Bergsteigen und Picknicken, die darauf abzielten, die Einheit von Mensch und Natur wiederherzustellen. Das Bild eines „edlen Wilden“, bewaffnet mit „ Volksweisheit„und nicht von der Zivilisation verdorben.

Die für die Romantik zentrale Kategorie des Erhabenen wurde von Kant in seinem Werk „Kritik der Urteilskraft“ formuliert. Nach Kant gibt es eine positive Freude am Schönen, die sich in ruhiger Kontemplation ausdrückt, und eine negative Freude am Erhabenen, Formlosen, Unendlichen, die nicht Freude, sondern Staunen und Verständnis hervorruft. Mit dem Singen des Erhabenen ist das Interesse der Romantik am Bösen, seine Veredelung und die Dialektik von Gut und Böse verbunden („Ich bin Teil jener Kraft, die immer Böses will und immer Gutes tut“).

Die Romantik stellt dem pädagogischen Fortschrittsgedanken und der Tendenz, alles „Veraltete und Überholte“ wegzuwerfen, ein Interesse an Folklore, Mythos, Märchen, für den einfachen Mann, Rückkehr zu den Wurzeln und zur Natur.

Die Romantik stellt der Tendenz zum Atheismus ein Umdenken in der Religion gegenüber. „Wahre Religion ist das Gefühl und der Geschmack der Unendlichkeit“ (Schleiermacher). Dem deistischen Konzept von Gott als dem Höchsten Geist steht der Pantheismus und die Religion als eine Form der Sinnlichkeit, die Idee des lebendigen Gottes, gegenüber.

Mit den Worten von Benedetto Croce: „Die philosophische Romantik hat das Banner dessen gehisst, was manchmal fälschlicherweise als Intuition und Fantasie bezeichnet wird, und zwar trotz der kalten Vernunft und des abstrakten Intellekts.“ Prof. Jacques Barzin stellte fest, dass Romantik nicht als Rebellion gegen die Vernunft betrachtet werden kann: Es ist eine Rebellion gegen rationalistische Abstraktionen. Wie Prof. schreibt. G. Skolimowski: „Erkennung der Logik des Herzens (von der Pascal so ausdrucksstark spricht), Anerkennung der Intuition und mehr.“ tiefe Bedeutung Das Leben ist gleichbedeutend mit der Auferstehung eines flugfähigen Menschen. Zur Verteidigung dieser Werte, gegen die Invasion des spießbürgerlichen Materialismus, des engstirnigen Pragmatismus und des mechanistischen Empirismus rebellierte die Romantik.“

Die Begründer der philosophischen Romantik: die Gebrüder Schlegel (August Wilhelm und Friedrich), Novalis, Hölderlin, Schleiermacher.

Vertreter: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Lucy Madox Brown, Gillot St. Evr.

Die Entwicklung der Romantik in der Malerei verlief in scharfer Polemik mit Anhängern des Klassizismus. Die Romantiker warfen ihren Vorgängern „kalte Rationalität“ und mangelnde „Bewegung des Lebens“ vor. In den 20er und 30er Jahren waren die Werke vieler Künstler von Pathos und nervöser Erregung geprägt; Sie zeigten einen Hang zu exotischen Motiven und dem Spiel der Fantasie, das in der Lage war, aus dem „tristen Alltag“ herauszuführen. Der Kampf gegen eingefrorene klassizistische Normen dauerte lange, fast ein halbes Jahrhundert. Der erste, dem es gelang, die neue Richtung zu festigen und die Romantik zu „rechtfertigen“, war Theodore Gericault.

Einer der Zweige der Romantik in der Malerei ist der Biedermeier-Stil.

Die Romantik entstand erstmals in Deutschland bei Schriftstellern und Philosophen der Jenaer Schule (W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, Brüder F. und A. Schlegel). Die Philosophie der Romantik wurde in den Werken von F. Schlegel und F. Schelling systematisiert

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ALLGEMEINE MERKMALE DES ZEITALTERS DER ROMANTIK.

Romantik - (Französisch)Romantik), ideologische und künstlerische Richtung in der europäischen und amerikanischen spirituellen Kultur des späten 18. und der 1. Hälfte des 19. Jahrhunderts. Französisch Romantikführt seine Abstammung auf Spanisch zurückRomantik(so wurden spanische Romanzen im Mittelalter genannt, und dann Romantik), über Englischromantisch(romantisch), auf Französisch wiedergegebenromanisch, Und danachromantisch und Bedeutung im 18. Jahrhundert. seltsam, fantastisch, malerisch. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Das Wort Romantik wird zu einem Begriff zur Bezeichnung einer neuen literarischen Strömung im Gegensatz zum Klassizismus.

Romantik im traditionellen, spezifisch historischen Sinne des Wortes war der Höhepunkt der Anti-Aufklärungsbewegung, die alle europäischen Länder erfasste. Ihre wichtigste sozio-ideologische Prämisse ist die Enttäuschung über die bürgerliche Zivilisation, über den sozialen, industriellen, politischen und wissenschaftlichen Fortschritt, der neue Kontraste und Antagonismen sowie spirituelle Verwüstung des Einzelnen mit sich gebracht hat.

Die Romantiker übernahmen die Kunsttraditionen des Mittelalters, des spanischen Barocks und der englischen Renaissance und offenbarten die außergewöhnliche Komplexität und Tiefe der inneren Natur des Menschen. Für sie ist der Mensch ein kleines Universum, ein Mikrokosmos. Intensives Interesse an starken und lebendigen Gefühlen, alles verzehrenden Leidenschaften, an den geheimen Bewegungen der Seele, an ihrer neuen Seite, der Sehnsucht nach dem Einzelnen, dem Unbewussten – die wesentlichen Merkmale der romantischen Kunst.

Betrachten wir, wie sich romantische Tendenzen in verschiedenen Bereichen der Kunst manifestierten.

MUSIK.

In der Musik entstand in den 1820er Jahren die Romantik als Strömung. Die letzte Periode ihrer Entwicklung, die sogenannte Neoromantik, umfasst die letzten Jahrzehnte des 19. Jahrhunderts. Musikalische Romantik trat erstmals in Österreich (F. Schubert), Deutschland (C.-M. von Weber, R. Schumann, R. Wagner) und Italien (N. Paganini, V. Bellini, früher G. Verdi) auf; etwas später in Frankreich (G. Berlioz, D. Aubert), Polen (F. Chopin), Ungarn (F. Liszt). In jedem Land, das er fand nationale Uniform; Manchmal bildeten sich in einem Land verschiedene romantische Bewegungen heraus (die Leipziger Schule und Weimarer Schule in Deutschland). Konzentrierte sich die Ästhetik des Klassizismus auf die bildende Kunst mit ihrer inhärenten Stabilität und Vollständigkeit des künstlerischen Bildes, so wurde Musik für die Romantiker zum Ausdruck des Wesens der Kunst als Verkörperung der endlosen Dynamik innerer Erfahrungen.

Die musikalische Romantik übernahm so wichtige allgemeine Tendenzen der Romantik wie den Antirationalismus, den Vorrang des Geistigen und seinen Universalismus innere Welt Der Mensch, die Unendlichkeit seiner Gefühle und Stimmungen. Daher die besondere Rolle des lyrischen Prinzips, der emotionalen Spontaneität und der Meinungsfreiheit. Wie romantische Schriftsteller, so zeichnen sich musikalische Romantiker durch ein Interesse an der Vergangenheit, an fernen exotischen Ländern, Liebe zur Natur, Bewunderung für aus Volkskunst. Zahlreiche Volksmärchen, Legenden und Glaubensvorstellungen wurden in ihren Werken umgesetzt. Sie betrachteten Volkslieder als Grundlage professioneller Musikkunst. Folklore war für sie ein echtes Medium Nationalfarbe, außerhalb dessen sie nicht an Kunst dachten.

Die romantische Musik unterscheidet sich deutlich von der Musik der ihr vorangegangenen Wiener Klassik. Es ist inhaltlich weniger verallgemeinert und spiegelt die Realität nicht objektiv-kontemplativ, sondern durch die persönlichen Erfahrungen eines Menschen (des Künstlers) in all seinem Schattierungsreichtum wider. Es tendiert dazu, sich auf die Sphäre des Charakteristischen und gleichzeitig Porträt-Individuums zu konzentrieren und ist in zwei Hauptvarianten fixiert: psychologisch und genre-alltäglich. Ironie, Humor und sogar das Groteske sind viel stärker vertreten. Gleichzeitig wächst das Interesse an nationalpatriotischen und heroischen Befreiungsthemen (Chopin, Liszt, Berlioz). Musikalische Visualisierung und Tonaufzeichnung gewinnen große Bedeutung. Ausdrucksmittel werden erheblich aktualisiert. Die Melodie wird individueller und markanter, innerlich veränderbar und reagiert auf die subtilsten Veränderungen in den Geisteszuständen; Harmonie und Instrumentierung werden reicher, heller, farbenfroher. Im Gegensatz zu den ausgewogenen und logisch geordneten Strukturen der Klassiker gewinnen Vergleiche und freie Kombinationen verschiedener charakteristischer Episoden immer mehr an Bedeutung.

Der Fokus vieler Komponisten lag auf der synthetischsten Gattung der Oper, die bei den Romantikern vor allem auf märchenhaft-fantastischen, magischen, abenteuerlichen und exotischen Handlungssträngen basierte. Erste romantische Oper war Hoffmanns Ondine.

In der Instrumentalmusik bleiben Sinfonien und Sonaten die bestimmenden Genres. Allerdings wurden auch sie von innen heraus verändert. In Instrumentalwerken unterschiedlicher Ausprägung spiegeln sich Tendenzen zur musikalischen Malerei deutlicher wider. Es entstehen neue Genrevarianten, beispielsweise die Symphonische Dichtung, die die Merkmale der Sonatenallegro und des Sonaten-Sinfoniezyklus vereint. Sein Erscheinen ist auf die Tatsache zurückzuführen, dass die musikalische Programmierung in der Romantik als eine der Formen des Gesamtkunstwerks erscheint, bereichert durch Instrumentalmusik durch die Einheit mit der Literatur. Auch die Instrumentalballade war ein neues Genre. Die Tendenz der Romantiker, das Leben als eine bunte Aneinanderreihung einzelner Zustände, Gemälde, Szenen wahrzunehmen, führte zur Entwicklung verschiedener Arten von Miniaturen und Zyklen (Schubert, Chopin, Schumann, Liszt, Brahms).

In der Musik- und darstellenden Kunst manifestierte sich die Romantik in der emotionalen Intensität der Darbietung, dem Reichtum der Farben, den hellen Kontrasten und der Virtuosität (Paganini, Chopin, Liszt). In der musikalischen Darbietung, wie auch in den Werken kleinerer Komponisten, verbinden sich oft romantische Züge mit äußerer Effizienz und Salonlichkeit. Romantische Musik bleibt ein bleibender künstlerischer Wert und ein lebendiges, wirksames Erbe für nachfolgende Epochen.

THEATER.

In der Theaterkunst entstand in den 1810er-1840er Jahren die Romantik. Die Grundlage der Theaterästhetik waren Vorstellungskraft und Gefühle. Die Schauspieler lehnten sich gegen das klassische Prinzip der Veredelung der Natur auf und konzentrierten sich auf die Darstellung der Gegensätze und Widersprüche des menschlichen Lebens. Öffentliches Pathos, Leidenschaft für Denunziation und Treue zum Ideal bestimmten die intensive Emotionalität, den strahlenden + dramatischen Ausdruck der Schauspielerkunst und die ungestüme Geste. Allerdings birgt die romantische Weltanschauung auch die Gefahr des kreativen Subjektivismus (Betonung des Außergewöhnlichen, Skurrilen); Emotionalität wurde manchmal durch rhetorische Effekte und Melodram ersetzt. Das romantische Theater etablierte erstmals Bühnenerfahrung, Spontaneität, Wahrhaftigkeit und Aufrichtigkeit des Schauspiels als Hauptinhalte der Schauspielerei. Die Romantik bereicherte auch die Ausdrucksmittel des Theaters (Nachbildung des Lokalkolorits, historische Authentizität der Kulissen und Kostüme, Genretreue der Massenszenen und Inszenierungsdetails). Seine künstlerischen Leistungen bereiteten die Grundprinzipien des realistischen Theaters vor und bestimmten sie maßgeblich.

KUNST.

In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik am deutlichsten in der Malerei und Grafik, weniger deutlich in der Bildhauerei. In der Architektur spiegelte sich die Romantik kaum wider und beeinflusste vor allem die Landschaftsgartenkunst und die Architektur kleiner Formen, wo eine Leidenschaft für exotische Motive sowie die Richtung der falschen Gotik zum Ausdruck kamen. Ende des 18. – Anfang des 19. Jahrhunderts. die Züge der Romantik sind in unterschiedlichem Maße bereits inhärent: in England - in den Gemälden und Grafiken von Fusli, in denen oft eine düstere, raffinierte Groteske die klassizistische Klarheit der Bilder durchbricht; in der Malerei, Grafik und Poesie von W. Blake ist die Romantik von mystischer Visionalität durchdrungen; in Spanien - spätere Kreativität Goyas Werk ist voller ungezügelter Fantasie und tragischem Pathos, ein leidenschaftlicher Protest gegen feudale Unterdrückung und Gewalt.

Die Romantiker lehnten alles Gewöhnliche und Trägheit in der Gegenwart ab und wandten sich nur den Höhepunkten, dramatisch akuten Momenten der modernen Geschichte zu. Sie fanden Themen und Handlungsstränge in der historischen Vergangenheit, in Legenden, in der Folklore, im exotischen Leben des Ostens und in den Werken von Dante , Shakespeare, Byron, Goethe – die Schöpfer monumentaler Bilder und starker Charaktere.

Die Romantik stellt den Menschen in den Mittelpunkt des Universums. Der Mensch ist aus Sicht der Romantiker die Krone des globalen Aufstiegsprozesses. Bei einem Porträt ging es den Romantikern vor allem darum, die strahlende Individualität, das intensive spirituelle Leben und die Bewegung seiner flüchtigen Gefühle eines Menschen zu offenbaren. Ein Echo menschlicher Leidenschaften wird romantische Landschaft, das die Kraft natürlicher Elemente betont. Die Romantiker versuchten, in ihren Bildern rebellische Leidenschaft und heroisches Hochgefühl zu vermitteln, die Natur in all ihren unerwarteten, einzigartigen Erscheinungsformen in einer spannungsgeladenen, ausdrucksstarken, aufregenden künstlerischen Form wiederzugeben.

Im Gegensatz zum Klassizismus verliehen die Romantiker der Komposition eine erhöhte Dynamik, indem sie Formen mit heftiger Bewegung kombinierten und auf scharfe volumetrisch-räumliche Effekte zurückgriffen; Sie verwendeten helle, satte Farben, die auf Kontrasten von Licht und Schatten, warmen und kalten Tönen, einem funkelnden und leichten, oft verallgemeinerten Schreibstil basierten.

Bei aller Komplexität des ideologischen Inhalts der Romantik stand ihre Ästhetik insgesamt im Widerspruch zur Ästhetik des Klassizismus des 17. und 18. Jahrhunderts. Die Romantiker brachen mit ihrem Geist der Disziplin und gefrorenen Größe die jahrhundertealten Regeln des Klassizismus. Im Kampf um die Befreiung der Kunst von kleinlicher Regulierung verteidigten die Romantiker die uneingeschränkte Freiheit der schöpferischen Vorstellungskraft des Künstlers. Sie lehnten die einschränkenden Regeln des Klassizismus ab und bestanden auf der Mischung der Genres. Sie begründeten ihre Forderung damit, dass dies dem wahren Leben der Natur entspreche, in dem sich Schönheit und Hässlichkeit, Tragik und Komik vermischen. Die Romantiker verherrlichten die natürlichen Bewegungen des menschlichen Herzens und stellten im Gegensatz zu den rationalistischen Forderungen des Klassizismus einen Gefühlskult auf; den logisch verallgemeinerten Charakteren des Klassizismus stand ihre extreme Individualisierung gegenüber.

ALLGEMEINE GRUNDSÄTZE DER INSzenierung einer Opernaufführung im Zeitalter der Romantik.

Im Opernhaus des 19. Jahrhunderts. Es werden zwei charakteristische Phänomene beobachtet:

- der Trend der „historischen Rekonstruktion“ im Bereich Bühnenbild;

- der Aufstieg des „Belcanto“;

Auch in den 20er Jahren. 19. Jahrhundert Der Kampf um die Genehmigung eines Liebesdramas beginnt. In der dekorativen Kunst findet ein Stilwandel statt. Die Romantiker legten großen Wert auf die Farbe von Ort und Zeit. Die Bühne musste den Schauplatz der im Stück dargestellten Epoche reproduzieren. Der Ort der Aktion wird nicht mehr verallgemeinert. Dies ist nun kein Palast und der Platz davor, sondern ein römischer, französischer, spanischer Palast mit genauen Anzeichen des Nationalstils.

Die Landschaft im romantischen Theater ist bestrebt, die Natur ohne künstliche Verzierungen in ihrer ganzen ursprünglichen Pracht darzustellen.

Romantiker führten Bilder von geheimnisvollen Höhlen, Kerkern und Kerkern in ihre Stücke ein. Die Szenerie zeigt oft einen Sturm auf See, ein Gewitter, einen Vulkanausbruch und andere Naturphänomene.

Unter den Bedingungen einer entwickelten bürgerlichen Gesellschaft findet eine gewisse Demokratisierung des Theaters statt. Es entstehen öffentliche Opernhäuser Auditorium was die Klassenschichtung der Öffentlichkeit widerspiegelt. Ein riesiger Saal mit 5-6 Rängen bietet Sitzplätze für das Publikum verschiedener Ränge und Positionen in der Gesellschaft.

Die bedeutendsten Veränderungen im Laufe des Jahrhunderts fanden bei der Beleuchtung des Zuschauerraums und der Bühne statt. Bereits Ende des 18. Jahrhunderts. Anstelle der Kerzen, die zuvor den Theaterraum beleuchteten, erschienen Gaslampen, die den größten Teil des 19. Jahrhunderts über erhalten blieben. bis sie ersetzt wurden verschiedene Typen elektrische Beleuchtung. Der erste Bogenstrahler erschien Mitte des 19. Jahrhunderts. Seit der Erfindung des Dynamos im letzten Viertel des Jahrhunderts hat die Anzahl und Stärke solcher Lichtquellen zugenommen, was die Erzeugung verschiedener Lichteffekte ermöglicht (helle Sonnenstrahlen, die in einen dunklen Raum eindringen, Mondlicht, Wolken ziehen über den Abendhimmel usw.)

Am Ende des Jahrhunderts stellten die Theater auf die Beleuchtung mit elektrischen Lampen um, behielten aber auch Flutlichter bei.

Bereits in der ersten Hälfte des Jahrhunderts entstanden im Theater Spektakel, die die Bewegungen von Mannschaften, Reitern und Seeschiffen plausibel wiedergaben. Von großem Interesse waren Wasserpantomimen, bei denen auf der Bühne riesige Wasserbecken aufgebaut wurden, in denen sich eine Art Meeresabenteuer abspielte. In dieser Hinsicht haben Theater unter Verwendung alter Theatereffekte viele neue geschaffen.

Im klassischen Theater der Antike war der Handlungsort während des gesamten Stücks derselbe. Während der Renaissance in Italien wurde das gleiche Prinzip beibehalten. Im 17. Jahrhundert In der Dramatheorie Frankreichs waren die Regeln der Ortseinheit fest verankert, nach denen sich die gesamte Handlung des Stücks in derselben Szenerie abspielte. Diese Regel wurde im öffentlichen Platztheater sowie im volkstümlichen humanistischen Theater der Renaissance in Spanien und England nicht berücksichtigt. Aber auch dort siegte die Regel der Einheit des Ortes. In der Oper waren gelegentlich Abweichungen von dieser Regel zulässig, was es ermöglichte, mit Hilfe von Telarien (rotierenden Prismen) einen spektakulären Szenenwechsel herbeizuführen. Dies war bis in die ersten Jahrzehnte des 19. Jahrhunderts so. Die Romantiker lehnten die Einheit des Ortes im Drama ab. Von nun an kam es während der Aufführung mehrmals zu Szenenwechseln. In den Pausen kam es zu Änderungen. Um die Pausen zwischen den Aktionen zu verkürzen, war jedoch eine fortschrittlichere Technik erforderlich als die, die es gab. Viele der bisherigen Mittel, die im Laufe der jahrhundertelangen Theaterentwicklung entwickelt wurden, wurden durch eine Reihe wichtiger Geräte ergänzt. Das erste von Bedeutung ist ein Gerät zum Wechseln der Szenentafel. Mittels hydraulischer und elektrischer Maschinen wurde der Bühnenboden teilweise oder vollständig angehoben und geneigt, wodurch verschiedene Bedingungen für ein abwechslungsreiches Bühnengeschehen geschaffen wurden. Die zweite Verbesserung ist die Einführung eines neuen Kreises auf der Bühne. Und schließlich war die dritte Verbesserung die Schaffung sogenannter Taschen – große Veranstaltungsorte an den Seiten der Bühne, wo Teile der Kulisse auf beweglichen Tablets vorbereitet waren, rollten schnell nach vorne und bewegten sich ebenso schnell hinter die Bühne.

Wenn wir uns der Geschichte der Opernproduktionen des 19. Jahrhunderts zuwenden, sollten wir auf die Existenz präziser Inszenierungsskripte achten, die von Regisseuren verfasst wurden (diese Position taucht in dieser Zeit zum ersten Mal auf). Zunächst zeichneten sie Ein- und Ausgänge, Diagramme der Bühnenpositionen und Lichteffekte auf, über den Schauspieler wurde jedoch nichts gesagt. Alles, was die Vorstellung des Schauspielers von Bild, Gestik, Klang, dramatischer Ausdruckskraft betrifft, das Fehlen dieser Informationen erklärt sich weniger aus der Hilflosigkeit des Regisseurs als vielmehr aus der Tatsache, dass der Schauspieler sich selbst überlassen blieb. Dem Regisseur oblag ausschließlich die Planung der Bühnenbilder, Requisiten und Inszenierungen, die so ausgeführt wurden, dass die Bühnenmitte für die Darsteller der Hauptpartien frei blieb, und zwar bei Duett- und Ensembleaufführungen Die Sänger würden nahe beieinander stehen, so dass die Chöre schließlich nach Stimmen gruppiert würden und wir uns insgesamt so nah wie möglich an der Bühne und dem Dirigenten befanden.

Außerhalb dieser Ausnahmen herrscht eine Art opernhafter „Realismus“, d. h. krampfhaftes Hin und Her über die Bühne oder umgekehrt statuenartige Unbeweglichkeit mit nach vorne gestrecktem Bein und der berüchtigten Hand auf dem Herzen.

Da die Ära reich an Balletttalenten war, suchten Komponisten und Dirigenten nach jeder Gelegenheit, die Kunst der Tänzer in jeder Aufführung unter Beweis zu stellen.

Somit war die Opernaufführung ein lebendiges Spektakel mit einer Vielzahl architektonischer und landschaftlicher Elemente, die als Kulisse für den im Vordergrund stehenden Sänger dienten.

INSZENIERUNG VON WAGNERS OPER „DER RING DES NIBELUNGEN“.

Wagner, der als Schöpfer und Theoretiker des Musikdramas über seine Zeit hinausgewachsen und ihr weit voraus war, ist als Regisseur seiner eigenen Werke untrennbar mit ihr verbunden.

„Der Ring des Nibelungen“ stellt den Regisseur hinsichtlich Maschinerie und Kulisse vor zahlreiche Probleme.

Der Grund des Rheins und das unaufhörliche Fließen des Wassers, schwimmende Jungfrauen und Alberich, der sich in eine Schlange verwandelt; Wotan, der unter die Erde fällt und im Nebel von Mime verschwindet; das Feuer, das der Stein nach dem Hieb von Wotans Speer verbrannte, und der Regenbogen, entlang dessen die Götter Walhalla betreten; das Erscheinen von Erda und schließlich ein grandioses Bild von Walküren, die mit toten Kriegern an ihren Sätteln durch die Wolken stürmen.

Um all dies zu verwirklichen, begnügt sich Wagner mit einer traditionellen Opernbühne mit malerischer Kulisse, Vorhangschirmen, Falltüren und primitiven „Zauberlaternen“.

In ihrem theoretische Arbeiten Wagner rebelliert nirgends gegen die künstlerischen Mittel seines zeitgenössischen Theaters, sondern bringt im Gegenteil seine Bewunderung für sie zum Ausdruck: „Die moderne Naturwissenschaft und Landschaftsmalerei sind die Errungenschaften unserer Zeit, die uns wissenschaftlich und künstlerisch Zufriedenheit und Erlösung von Wahnsinn und Mittelmäßigkeit... Danke Landschaftsmalerei Die Szene wird zur Verkörperung künstlerischer Wahrheit, und Zeichnung, Farbe und der lebensspendende Einsatz des Lichts zwingen die Natur, höchsten künstlerischen Ansprüchen zu dienen... Der künstlerische Einsatz aller optischen Mittel, die ihm (dem Landschaftskünstler) zur Verfügung stehen und Das Licht selbst ermöglicht es ihm, eine vollständige Illusion zu erzeugen.“

In der Praxis führten jedoch alle „lebensspendenden Verwendungen von Licht“ und „optischen Mitteln“ zu nichts.

In Bayreuther Inszenierungen trifft man auf dieselben vorgegebenen Muster, die in den meisten Inszenierungen dieser Zeit vorherrschend waren. So ähnelt der Grund des Rheins im ersten Teil der Tetralogie einem riesigen Aquarium; Siegfrieds mystischer Wald ist nach wie vor ein Opernwald, mit schwankenden Leinwänden und grellen Requisiten, voller beschreibender Details, ein naturalistischer „Brei“ aus Blättern, Zweigen und Stämmen. In die gleiche Kategorie von Effekten fällt das Aufrichten von Felskulissen, um Wotans Abstieg in die Höhlen von Nibelheim zu veranschaulichen.

Die Auslöschung der naturalistischen Konturen des Designs, die die enge Verwandtschaft der protogermanischen Vegetation mit den Rasenflächen und „Vierteln“ von Opern wie „Die Weiße Dame“ zu aufdringlich hervorheben, wird mit Hilfe des verwendeten Wasserdampfes erreicht Nicht nur, um die Illusion von Nebel und Dunst zu erzeugen, sondern auch, um sich vor den Augen der Zuschauer zu verstecken, sind technische Manöver, die durch die Notwendigkeit verursacht werden, die Szenerie bei geöffnetem Vorhang zu verändern.

Doch kein Paar kann sich das Lächeln verkneifen, das Wagners Anweisungen zum Doppelauftritt von Erda hervorrufen. Diese älteste aller Göttinnen, Herrin der Erde, Mutter der Götter, sollte hüfthoch aus der Theaterluke herausragen.

Diese naiv-komische, man könnte sagen, groteske Lösung der Bühnensituation, die deutlich im Kontrast zum großartigen Ruf Wotans und den gewaltigen brodelnden Klängen des Orchesters stand, erregte weder die Aufmerksamkeit noch die bissigen Angriffe der damaligen Kritiker, die das bemerkten Die Primitivität der Wirkung der Verwendung der „magischen Laterne“ im Bild vom Flug der Walküren und die kindische Aufregung Sieckfrieds mit einem Drachen, der in ein Megaphon spricht, die Augen verdreht, mit dem Schwanz auf den Boden schlägt und mit den Zähnen klappert der Takt der Musik.

Die Rolle des Lichts beruht zunächst auf einer naturalistischen Bezeichnung von Tag und Nacht sowie verschiedenen Veränderungen in der Atmosphäre, obwohl Wagner es auch als Symbol verwendet und es teilweise mit dem Auftreten bestimmter Charaktere verknüpft. Erda erscheint in einem Heiligenschein aus blauem Licht; Ein Bündel roter Strahlen erleuchtet Wotans „Walküre“ und „Siegfried“. Einer der Kritiker äußert sich feindselig über dieses Lichtspiel: „Elektrische Strahlen, ungleichmäßig in Helligkeit und Stärke, ‚fressen‘ die Farben der Szenerie auf, und der Betrachter sieht Leinwände statt Bäume.“

Die romantische Unordnung und der Mangel an Ausdruckskraft, die die Szenerie charakterisieren, werden auch in den Kostümen deutlich, die an Lormiers „historische Rekonstruktionen“ an der Pariser Oper zur Zeit von „Robert der Teufel“ erinnern. Kostümbildner tendierten zu beschreibenden Details und Details, also vielleicht weder zu Brünnhildes Rüstung, die ihre Taille auf eine ganz und gar nicht mythologische Weise betont, noch zu ihrem Kleid (auch in modischen Falten), noch zu dem gestreiften Hemd, das zusammen mit der Tierhaut , die Sigmunds Kleidung ausmacht, ist weder die von Loge entworfene halb griechische, halb keine Tunika in der Lage, die Welt der mythischen Götter zu zeigen, die in den Abgrund von Nibelheim hinabsteigen, auf dem Regenbogen wandeln und in den Wolken tänzeln.

„Im Theater herrscht nur die Theaterkunst“, schreibt Wagner, und damit im Gegensatz zum allgemeinen Geist, der dort herrscht Opernbühne Dabei ist ihm die schauspielerische Seite der Aufführung ein besonderes Anliegen.

Ein Sänger, der nicht in der Lage ist, seine Rolle so zu spielen, als wäre es eine Rolle in einem gesprochenen Drama, mit tiefem Einblick in die Absicht des Autors, ist nicht in der Lage, ihr die vom Komponisten geforderte stimmliche Ausdruckskraft zu verleihen. Daher erfordert Wagner besondere Lesarten des Librettos, die nicht nur den Solisten, sondern auch dem Chor die Möglichkeit geben, in die künstlerische Bedeutung des Werkes einzudringen und die angemessene Ausdruckskraft der Interpretation zu finden, so dass sie immer von ihr diktiert wird die konkrete Situation.

Den Gesangsstil seiner Musikdramen beschrieb Wagner in einem Brief an Liszt anschaulich: „In meiner Oper gibt es keinen Unterschied zwischen den Phrasen der sogenannten „Deklamation“ und des „Gesangs“. Meine Rezitation ist gleichzeitig Singen, mein Gesang ist Rezitation. Ich habe kein klares Ende des „Gesangs“ und keine klare Erscheinung des „Rezitativs“, was normalerweise zwei bedeutet verschiedene Stile Gesangsdarbietung. Tatsächlich werden Sie in meinem Werk überhaupt kein italienisches Rezitativ finden, bei dem der Komponist dem Rhythmus der Rezitation fast keine Beachtung schenkt und dem Sänger völlige Freiheit lässt. An den Orten, wo poetischer Text Nachdem aufgeregte lyrische Höhenflüge zu einfacheren Manifestationen emotionaler Sprache verfallen, habe ich nie auf das Recht verzichtet, den Charakter der Rezitation so präzise anzugeben wie in den lyrischen Gesangsszenen. Wer also diese Passagen für ein gewöhnliches Rezitativ hält und dadurch den von mir angegebenen Rhythmus willkürlich ändert, verunstaltet meine Musik in demselben Maße, als ob er sich andere Töne und Harmonien für meine lyrischen Melodien ausgedacht hätte. Ich versuche, in diesen an Rezitative erinnernden Passagen den Rhythmus der Rezitation, der den von mir verfolgten Ausdruckszielen entspricht, genau zu charakterisieren, und bitte Dirigenten und Sänger, diese Passagen zunächst in Übereinstimmung mit der Notenschrift des Originals aufzuführen in der Partitur angegebenen Takt und in einem Tempo, das der Art der Rede entspricht ...“

Wagner beschäftigt sich mit der Frage der Wortverständlichkeit. Das verborgene Orchester des Bayreuther Theaters sei nicht nur ein „mystischer Abgrund“, sondern auch ein Versuch, den Orchesterkommentar abzumildern, sodass der vom Schauspieler gesprochene Text im Vordergrund stehe.

Damit stellt Wagner zwei Hauptforderungen an den Sänger:

- Halten Sie sich strikt an die Notenschrift

- Präsentieren Sie den Text so, dass er hörbar und verständlich ist.

Der Wagner-Schauspieler stand aber auch vor anderen Aufgaben. Der Hauptgrund ist die Notwendigkeit, Schauspiel und Musik zu koordinieren. Wagner verlangt, dass das Bühnengeschehen den begleitenden Orchestermotiven genau entspricht.

Dem Wunsch, Gestik und Mimik mit der Musik zu synchronisieren, folgt der Wunsch des Komponisten, sie edel und zurückhaltend zu gestalten. „Während uns die allgemeine Opernart daran gewöhnt hat, beide Arme weit auseinander zu schwenken, als ob wir um Hilfe rufen würden, haben wir festgestellt, dass ein leicht erhobener Arm oder eine charakteristische Bewegung der Schulter oder des Kopfes völlig ausreicht, um selbst das stärkste Gefühl auszudrücken. ” ... fand seinen Ausdruck in der Exekutive Kunst(Geiger Paganini, Sänger...

Die nationale Konsolidierung, verstärkt durch den patriotischen Aufschwung des Vaterländischen Krieges von 1812, äußerte sich in einem gesteigerten Interesse an der Kunst und in einem verstärkten Interesse am nationalen Leben im Allgemeinen. Die Popularität von Ausstellungen an der Akademie der Künste wächst. Seit 1824 finden sie regelmäßig statt – alle drei Jahre. Das „Magazin“ beginnt zu erscheinen Bildende Kunst" Das Sammeln macht sich immer mehr bemerkbar. Neben dem Museum der Akademie der Künste entstand 1825 in der Eremitage die „Russische Galerie“. In den 1810er Jahren. Das „Russische Museum“ von P. Svinin wurde eröffnet.

Der Sieg im Vaterländischen Krieg von 1812 war einer der Gründe für die Entstehung eines neuen Ideals, das auf der Idee einer unabhängigen, stolzen, von starken Leidenschaften überwältigten Persönlichkeit basierte. Malerei bestätigt ein neuer Stil- Romantik, die nach und nach den als offiziellen Stil geltenden Klassizismus ablöste, in dem religiöse und mythologische Themen vorherrschten.

Bereits in frühe Gemälde K. L. Bryullova (1799-1852) „Italienischer Nachmittag“, „Bathseba“ zeigte nicht nur das Können und die Brillanz der Fantasie des Künstlers, sondern auch die Romantik seiner Weltanschauung. Hausaufgaben K. P. Bryullovs „Der letzte Tag von Pompeji“ ist vom Geist des Historismus durchdrungen; sein Hauptinhalt ist nicht die Leistung eines einzelnen Helden, sondern tragisches Schicksal Massen von Menschen. Dieses Bild spiegelte indirekt die tragische Atmosphäre des Despotismus des Regimes von Nikolaus I. wider und wurde zu einem Ereignis im öffentlichen Leben des Staates.

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Die Romantik manifestierte sich in Porträtgemälde O. A. Kiprensky (1782-1836). Seit 1812 schuf der Künstler grafische Porträts von Teilnehmern des Vaterländischen Krieges, die mit ihm befreundet waren. Eine der besten Kreationen von O. A. Kiprensky gilt als das Porträt von A. S. Puschkin, nachdem er es gesehen hatte großer Dichter schrieb: „Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir.“

Die Traditionen der Romantik wurden vom Marinemaler I.K. Aivazovsky (1817-1900) entwickelt. Seine Werke, die Größe und Macht wiederherstellten, brachten ihm weltweiten Ruhm ein. Meereselemente(„Die neunte Welle“, „Schwarzes Meer“). Er widmete viele Gemälde den Heldentaten russischer Seeleute („ Chesme-Kampf", "Schlacht von Navarino"). Zur Zeit Krim-Krieg 1853-1856 Im belagerten Sewastopol organisierte er eine Ausstellung seiner Schlachtengemälde. Anschließend stellte er anhand von Skizzen aus der Natur in mehreren Gemälden die heroische Verteidigung Sewastopols dar.

V.A. Tropinin (1776-1857), aufgewachsen in der sentimentalen Tradition des späten 18. Jahrhunderts, erlebte den enormen Einfluss der neuen romantischen Welle. Der Künstler, selbst ein ehemaliger Leibeigener, schuf eine Galerie mit Bildern von Handwerkern, Dienern und Bauern, die ihnen Züge spirituellen Adels verlieh („Spitzenklöpplerin“, „Näherin“). Details des Alltagslebens und der Arbeitsaktivitäten bringen diese Porträts der Genremalerei näher.