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Geboren 1960 in Tours (Frankreich). Er studierte Tanz und Klavier am Nationalen Konservatorium von Tours (Abteilung Indre-et-Loire) unter der Leitung von Alain Daven und anschließend (bis 1977) bei Rosella Hightower Internationale Schule Tanz in Cannes. Im selben Jahr erhielt er den Preis des Internationalen Jugendwettbewerbs in Lausanne, woraufhin er in die Truppe des Hamburger Balletts von John Neumeier aufgenommen wurde, dessen Solist er fünf Jahre lang war und in dem er die Hauptrollen spielte.

Ein Unfall zwang ihn, seine Tanzkarriere aufzugeben. 1983 kehrte er nach Tours zurück, wo er Choreograf und Regisseur wurde Bolschoi-Theater Ballett von Tours, später umgewandelt in Nationales Zentrum Choreographie. Für diese Truppe inszenierte er über zwanzig Ballette. 1985 gründete er das Festival „Le Chorégraphique“.

1986 erhielt er eine Einladung, sein Ballett „Abschiedssymphonie“ zur Musik von J. Haydn, von dem er 1984 J. Neumeier „letzten Abschied“ nahm, für die damals wiederbelebte Truppe des Monte-Carlo-Balletts wiederzubeleben. 1987 inszenierte er für diese Truppe B. Bartoks „The Marvelous Mandarin“, ein Ballett, das ein außerordentlicher Erfolg war. Im selben Jahr inszenierte er das Ballett „Das Kind und die Magie“ zur Musik gleichnamige Oper M. Ravel.

In der Saison 1992/93. wird künstlerischer Berater des Monte-Carlo-Balletts und 1993 von Ihrer Königlichen Hoheit, der Prinzessin von Hannover, ernannt künstlerischer Leiter. Die fünfzigköpfige Truppe unter seiner Führung entwickelte sich schnell weiter und genießt heute den wohlverdienten Ruf eines hochprofessionellen, kreativ ausgereiften Teams.

Mayo ist stets dabei, eine neue choreografische Sprache zu schaffen, denn er möchte die großen Storyballette auf eine neue Art „neu lesen“ und seine Art des abstrakten choreografischen Denkens demonstrieren. Dieser Ansatz machte seinen Namen in der Weltpresse berühmt. Er ist besessen von der Entwicklung seiner Truppe. Stets offen für die Zusammenarbeit mit anderen Künstlern und lädt jedes Jahr interessante Choreografen nach Monaco ein und bietet gleichzeitig jungen Choreografen die Möglichkeit, sich auf dieser Bühne auszudrücken.

Einen wunderbaren Impuls zur Kreativität geben ihm die klugen Köpfe, die er in seiner Truppe versammelt und fördert, um ihnen die Möglichkeit zu geben, sich noch klüger zu öffnen und noch reifere Fähigkeiten unter Beweis zu stellen. Dieser Wunsch führte im Jahr 2000 zur Gründung des Monaco Dance Forum, einem Festival, das bald große internationale Bekanntheit erlangte.

Das Monte-Carlo-Ballett verbringt sechs Monate im Jahr auf Tournee, was auch eine Folge von Mayos umsichtiger Politik ist. Die Truppe tourte fast um die ganze Welt (aufgeführt in London, Paris, New York, Madrid, Lissabon, Seoul, Hongkong, Kairo, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Brüssel, Tokio, Mexiko-Stadt, Peking, Shanghai) und überall Sie und ihr Anführer erhielten höchste Anerkennung.

Jean-Christophe Maillot- ein gern gesehener Gast in jeder Balletttruppe der Welt. Nur für letzten Jahren Er inszenierte eine Reihe seiner berühmten Aufführungen (darunter die Ballette „Romeo und Julia“ und „Aschenputtel“) – beim Grand Ballet of Canada (Montreal), beim Royal Swedish Ballet (Stockholm), beim Essen Ballet (Deutschland) und im Pacific Northwest Ballet (USA), Seattle), National Ballet of Korea (Seoul), Stuttgarter Ballett (Deutschland), Royal Danish Ballet (Kopenhagen), Grand Theatre Ballet of Geneva, American Ballet Theatre (ABT), Béjart Ballet in Lausanne.

Im Jahr 2007 platzierte er sich Staatstheater Wiesbadener Oper „Faust“ von C. Gounod, 2009 – „Norma“ von V. Bellini an der Oper Monte Carlo. 2007 inszenierte er sein erstes Filmballett „Cinderella“, im Herbst 2008 dann das Filmballett „Dream“.

Im Jahr 2011 Ballettleben Monaco ist sehr passiert wichtiges Ereignis. Die Truppe, das Festival und Bildungseinrichtung, nämlich: Ballet Monte Carlo, Tanzforum von Monaco und Akademie des Tanzes. Prinzessin Grace. Unter der Schirmherrschaft Ihrer Hoheit der Prinzessin von Hannover und unter der Leitung von Jean-Christophe Maillot, der dadurch noch mehr Möglichkeiten zur Verwirklichung seiner Wünsche erhielt.

New York, 2017
Fotos von Nina Alovert.

26. Juli auf der Bühne des Lincoln Center in New York Es fand die Premiere des Balletts „Der Widerspenstigen Zähmung“ des Staatlichen Akademischen Bolschoi-Theaters Russlands in der Inszenierung des Choreografen Jean-Christophe Maillot statt. Jean-Christophe Maillot spricht auf einer Pressekonferenz vor der Premiere der Aufführung über den Entstehungsprozess der Aufführung, über die Auswahl der Tänzer und das Schaffen von Musik, über die Besonderheiten der Arbeit an einem Ballett und seinen einzigartigen Umgang mit Künstlern.

„Der Widerspenstigen Zähmung“ Schlussszene. New York, 2017

Jean-Christophe Maillot: Ich rede nicht wirklich gern über Ballett, denn Ballett muss man sich anschauen. Das Wichtigste für mich ist immer das großartige Erlebnis, eine Aufführung zu schaffen. Bevor ich anfing zu arbeiten mit „ Bolschoi-Theater„Ich habe seit mehr als 25 Jahren keine Produktionen mehr mit anderen Truppen als meiner eigenen gemacht. Und natürlich war ich, wie wahrscheinlich jeder Choreograf, der der Kompanie begegnet, sehr beeindruckt oberstes Niveau. Es gibt zwei Gründe, warum ich mich entschieden habe, „Der Widerspenstigen Zähmung“ im Bolschoi-Theater zu inszenieren.

Jean-Christophe Maillot: Ich rede nicht besonders gern über Ballett, denn Ballett muss man sehen

Wenn Sie die Kultur eines Volkes nicht kennen, beginnen Sie, in Ihren Urteilen Klischees zu verwenden. Etwa so: Die Franzosen essen Camembert und Baguette. (Lacht). Vielleicht irre ich mich, weil ich Russland und die Russen nicht so gut kenne, aber...:

Erstens kam es mir immer so vor, als seien die Jungs im Bolschoi-Theater allesamt so strenge, echte Männer und alle Mädchen einfach nur schön … Daher war das Bolschoi-Theater für mich eine ziemlich offensichtliche Wahl für die Inszenierung dieser besonderen Aufführung.

Und der zweite und sehr wichtige Grund ist, dass ich mehr als 20 Jahre mit einer Tänzerin zusammengearbeitet habe, die ich sehr liebe – Bernice Coppieters. Als sie 22 Jahre alt war, sagte ich ihr, dass ich eines Tages „Der Widerspenstigen Zähmung“ inszenieren würde, weil sie dieses Bild ist. Zusammen mit ihr haben wir 45 Ballette inszeniert, und eines Tages kam sie zu mir und sagte: „Das ist es, ich höre auf.“ Und genau in diesem Moment wurde mir angeboten, eine Aufführung im Bolschoi-Theater zu machen. Ich sagte ihr, dass ich das für sie tun würde, weil sie meine Assistentin sein würde. Also werde ich mit ihr ein Ballett choreografieren. Und hier sitzen wir: Lantratov (Vladislav Lantratov, Darsteller der Rolle des Petruchio, Anm. d. Red.), Katya, Mayo und Coppeters. Und wir haben sehr lange im Hotel choreografiert, geredet, kommuniziert.

Während des Produktionsprozesses habe ich viel über russisches Ballett und Russen gelernt. Ich kann nicht über alle Tänzer sprechen, sondern nur über diejenigen, mit denen ich am Bolschoi-Theater zusammengearbeitet habe. Sie sind völlig unterschiedlich. Und der Arbeitsprozess ist völlig anders.

Als wir anfingen, war alles instabil. Aber ich muss zugeben, dass die Besetzung, mit der ich zusammengearbeitet habe, die luxuriösesten und hochwertigsten 25 Tänzer im Theater sind. Ich habe herausgefunden, dass russische Tänzer sehr empfänglich sind. Ich dachte, sie wären ziemlich verschlossen, aber sie waren empfänglich und es war sehr berührend. Sie werden dir nie zeigen, dass sie leiden, aber du musst es verstehen. Sie geben dir so viel! Sie sind sehr tiefe Persönlichkeiten. Vor dieser Produktion dachte ich, dass sie Konflikte lieben und bewusst versuchen, sie zu schaffen, aber ich bin Franzose und mag keine Konflikte, ich vermeide Konflikte. Aber es stellte sich heraus, dass dem nicht so war, und ich entdeckte das Erstaunliche tiefe Leute und wunderbare Freunde gefunden.

Es war auch wichtig, dass eine der Eigenschaften der Tänzer des Bolschoi-Theaters ihre Fähigkeit ist, das Theater zu spüren. Die Zusammenarbeit mit ihnen ist etwas Besonderes, sie sind sehr großzügig, aber sie arbeiten auf eine ganz andere Art und Weise, auf eine andere Art und Weise, manchmal ist es nicht einfach. Es ist ein bisschen so, als würde man versuchen, jemandem, mit dem man spricht, etwas zu erklären. verschiedene Sprachen, und Sie haben nicht genügend präzise Worte, um auszudrücken, was Sie fühlen und sagen möchten. Aber je länger dieses Ballett auf der Bühne steht, desto besser verstehen sich die Künstler und ich, desto besser spüren sie, was genau ich mit dieser Aufführung erreichen wollte.

Als ich 2011 zu Benoas Konzert kam, begann ich, mich intensiv mit den Künstlern des Bolschoi-Theaters auseinanderzusetzen. Als ich dann bei „Schwanensee“ Regie führte, kam mir eine verrückte Idee. Drei Tage vor der Aufführung beschloss ich, „Schwanensee“ vorzustellen interessante Option. Der erste Akt wurde von meiner Truppe mit meiner Choreografie aufgeführt, der zweite, mystische Akt sollte von den Künstlern des Bolschoi-Theaters auf traditionelle Weise aufgeführt werden und der dritte sollte etwas Verrücktes sein. Die Puristen waren völlig schockiert, aber es hat mir wirklich Spaß gemacht. Dies gab mir die Gelegenheit, alle Tänzer näher zu betrachten.

Jean-Christophe Maillot: Aber je länger dieses Ballett auf der Bühne steht, desto besser verstehen sich die Künstler und ich, desto besser spüren sie, was genau ich mit dieser Aufführung erreichen wollte

Damals wurde mir klar, dass es mit Katerina (Ekaterina Krysanova, die die Rolle der Katarina im Ballett „Der Widerspenstigen Zähmung“, Anm. d. Red.) spielt, schwierig und hart werden würde. Sie beschwerte sich ständig über etwas, das Licht stimmte nicht oder etwas anderes. Deshalb dachte ich, dass es sich überhaupt nicht lohnt, mit ihr zu kommunizieren.

Dann habe ich zwei Jahre gebraucht, um die Künstler etwas besser kennenzulernen, aber auch nach dieser Zeit wusste ich immer noch nicht, wer was tanzen würde. Da das Bolschoi-Theater wirklich groß ist, gibt es mehr als 200 Tänzer, von denen ich einige noch nicht kenne. Erst im Januar 2013 begannen wir mit der Produktion. Wir haben 7 Wochen gearbeitet, dann zwei Monate frei und noch einmal 6 Wochen gearbeitet. Zwischen den Arbeiten bin ich auch ins Bolschoi gekommen, um zumindest Blickkontakt mit den Künstlern zu bekommen und sie besser kennenzulernen.

Ein Ballett mit Tänzern zu machen ist für mich dasselbe wie mit Menschen zum Abendessen zu gehen. Manchmal lernt man beim Abendessen neue Leute kennen, aber man muss sicher sein, dass niemand am Tisch sitzt, der einem den Abend ruinieren kann. Sie müssen sicherstellen, dass sie auch dann etwas gemeinsam haben, wenn sie sich nicht kennen. Und wenn Menschen etwas gemeinsam haben, wird auf jeden Fall alles klappen.

Und jetzt möchte ich es dir sagen eine kleine Geschichte darüber, wie Katya geworden ist Hauptrolle. Als ich bereits nach Moskau ging, um „Der Widerspenstigen Zähmung“ zu inszenieren, hatte ich mich noch nicht für das Bild der Hauptfigur des Stücks entschieden, das Einzige, was sicher war, war, dass sie rothaarig sein würde und in einem grünes Kleid, und dass es mit ihr schwierig sein würde. (Lacht)

Jean-Christophe Maillot: Als ich zum Bolschoi ging, hatte ich noch nichts über das Bild der Hauptfigur des Stücks entschieden, außer dass sie rothaarig sein würde und ein grünes Kleid tragen würde und dass es schwierig sein würde, mit ihr umzugehen .

Ich habe Katya nicht in die erste Probenbesetzung der Balletttänzer aufgenommen. Alle am Bolschoi waren beschäftigt, vielleicht tanzte sie damals auch andere große Rollen, ich weiß es nicht mehr. Doch eines Tages kam dieses zierliche Mädchen auf mich zu und sagte, sie wolle für mich vorsprechen. Ich antwortete, warum nicht. Schließlich ist es sehr berührend, wenn ein Tänzer auf einen zukommt. Am nächsten Tag kam sie zum Vorsprechen und wusste nicht alles, was ich dir bisher erzählt hatte. Und dann kommt sie: rothaarig, im grünen Hemd, mit grünen Wimpern. Ich entschied, dass dies ein Zeichen war, dem ich folgen sollte. Vielleicht habe ich meine eigene Meinung, aber ich lasse mich gerne von Künstlern „vergewaltigen“, wenn Schauspieler „mich im Sturm erobern“. Ich glaube, dass es unmöglich ist, Choreograf zu sein, wenn man in seiner eigenen Welt feststeckt und seine Künstler am Rande bleiben.

Ich glaube, dass eine gute Choreografie nicht ohne eine besondere emotionale Verbindung zu den Tänzern entstehen kann. Es scheint, als würde sich die Choreografie nicht ändern, wenn man den Künstler austauscht. Aber für mich kann der Austausch eines Künstlers dazu führen, dass die Choreografie einfach verschwindet und in einer anderen Aufführung nicht mehr existieren kann. Es ist allgemein anerkannt, dass eine Rolle einem Menschen neue Facetten eröffnet, die ihm vorher nicht bewusst waren. Meiner Meinung nach ist es möglich, Bedingungen zu schaffen, unter denen sich Tänzer wohl genug fühlen, um mehr zu leisten, als sie bisher konnten. Aber in einem Menschen kann man nur das offenbaren, was er selbst zum Ausdruck bringen möchte. Und ich kann solche Bedingungen schaffen. Ich arbeite gerne in einer fröhlichen Umgebung, ich hasse Leiden und halte es nicht für notwendig.

Ich denke, dass Katya sich in „Der Widerspenstigen Zähmung“ als ein zarteres und zerbrechlicheres Mädchen offenbart hat, als sie sich selbst fürchtet. Und Vlad auch.

Oftmals wird „Der Widerspenstigen Zähmung“ als Machogeschichte inszeniert. Und wir werden nie erfahren, was Shakespeare selbst dazu empfand. Für mich ist es jedoch offensichtlich, dass dies die Geschichte zweier außergewöhnlicher Menschen ist, die keinen gewöhnlichen Partner – einen „durchschnittlichen Bauern“ – an ihrer Seite akzeptieren. Aber die Hauptidee dieses Stücks ist Liebe und die Möglichkeit, Liebe für jeden Menschen zu finden. Jeder kann seinen Partner, seinen Seelenverwandten finden, selbst der Hässliche, der Betrüger oder der dysfunktionale Mensch, und niemand sollte für seine Wahl verurteilt werden. Darum geht es für mich in dem Stück.

Jean-Christophe Maillot: Am schwierigsten ist es, über die Aufrichtigkeit der Handlung und die Klarheit des Ergebnisses zu sprechen. Darüber lässt sich endlos diskutieren, es ist subjektiv, aber ich glaube, dass in unserem Ballett etwas Frisches und Unmittelbares steckt dringt in die Herzen der Menschen ein.

Ich liebe es, im Ballett an Choreografien zu arbeiten, aber ich liebe es genauso, an Geschichten zu arbeiten. Meine Entscheidung, „Der Widerspenstigen Zähmung“ zu inszenieren, wurde durch die Feierlichkeiten zum 450. Geburtstag Shakespeares beeinflusst. Ich war sehr nervös vor der Vorführung von „Der Widerspenstigen Zähmung“ in London. Erstens ist es der Geburtsort von Shakespeare. Zweitens wird Choreografie in jedem Land unterschiedlich wahrgenommen.

Am schwierigsten ist es, über die Aufrichtigkeit der Handlung und die Klarheit des Ergebnisses zu sprechen. Darüber lässt sich endlos diskutieren, es ist subjektiv, aber ich glaube, dass in unserem Ballett etwas Frisches steckt und etwas, das direkt in die Herzen der Menschen eindringt . Ich weiß nicht, ob es bescheiden ist, das zu sagen, aber es ist eine Art Spontaneität. Die Show in London war ein Erfolg und wurde vom Publikum gut angenommen.

Mich interessiert immer mehr der Betrachter, der wenig Ahnung vom Tanz hat. Denn es sind nicht so viele Leute im Publikum, die sich mit Ballett auskennen – bei jeder Aufführung sind es höchstens hundert, wenn man Glück hat.

Heute können wir klassische Ballettchoreografie in abstrakten Situationen verwenden und so eine Art komische, ironische Inszenierung hervorbringen. Die Kraft der Musik und der Tänzer fesseln den Betrachter und erinnern unbewusst durch ihre Körpersprache an wichtige Dinge, die wir alle kennen. Es ist eine wunderbare Chemie, die schwer zu erklären ist.

Wenn ich an einem neuen Ballett arbeite, inspirieren mich immer die Künstler, weil sie für mich die Bilder verkörpern, die ich gerne auf der Bühne sehen würde.

Nachdem ich mich entschieden hatte, mit dem Bolschoi zusammenzuarbeiten, entschied ich mich, die Musik von Dmitri Schostakowitsch für die Produktion zu verwenden, da ich wusste, dass sie den Künstlern im Geiste nahe stehen würde. Mir kommt es so vor, als hätte ich mir alle existierenden Aufnahmen von Schostakowitsch angehört. Musik ist für mich die höchste Kunst. Es scheint mir, dass nichts mehr Emotionen hervorruft als Musik.

Das erste, was ich schon vor der Choreografie gemacht habe, war das Sammeln musikalische Komposition Leistung, Partitur. Auf dem Papier sieht es eher seltsam und chaotisch aus. Aber ich bin sicher, dass der Wert und der Reichtum von Schestakovichs Musik darin liegt, dass er einer jener Komponisten ist, die in der Lage sind, auf ganz anderen Ebenen zu arbeiten. Da ich selbst Musiker war, verstand ich, dass ich seine Musik so kombinieren konnte, dass sie klang, als wäre sie speziell für dieses Ballett geschrieben worden. Gleichzeitig habe ich viel Musik verwendet, die er für Filme geschrieben hat.

Jean-Christophe Maillot: Ich kann nicht in meinem Zimmer sitzen und mir eine Choreografie ausdenken. Ich muss im Raum mit den Tänzern und der Musik sein, sonst fällt mir kein Schritt ein.

Ich kann nicht in meinem Zimmer sitzen und mir eine Choreografie ausdenken. Ich muss im Raum mit den Tänzern und der Musik sein, sonst fällt mir kein Schritt ein. Musik weckt in mir Emotionen und Inspiration. Während ich an der Produktion arbeitete, habe ich versucht, eine Verbindung herzustellen Musikalische Werke eine nach der anderen, unter natürlicher Einhaltung des Formkanons des Orchesters, der Struktur der Komposition und der Aufrechterhaltung der emotionalen Balance während des gesamten Werks.

Manchmal musste ich die Bedeutung der Musik für die Russen vergessen. Ich weiß, dass Schostakowitsch Russe ist, aber vor allem ist er Komponist. Daher kann ein Franzose Schostakowitschs Musik hören, ohne die ihr innewohnende Bedeutung und Bedeutung zu erkennen. Irgendwann hatte ich sogar Zweifel. Als ich die Musik der Symphonie verwendete, erklärten sie mir, was diese Musik für die russische Kultur bedeutete und dass man nicht damit spielen sollte. Aber anstatt über Krieg zu sprechen, sprach ich über Liebe in der Musik. Ich respektiere Musik, ich mag keine Provokationen.

Ich fühlte mich zuversichtlich in dem, was ich tat. Ich ging zum Schaffner und gab ihm meinen Plan. Er behielt es drei Tage lang und gab es mir mit den Worten zurück: „Das ist genau das, wovon ich geträumt habe, eines Tages zu dirigieren.“

Ich sagte: „Gut, dann machen wir es.“ gute Arbeit. Und ich denke, es hat funktioniert und es ist uns gelungen.

Jean-Christophe Maillot: Manchmal musste ich die Bedeutung der Musik für die Russen vergessen. Schostakowitsch ist Russe, aber vor allem ist er Komponist. Daher kann ein Franzose Schostakowitschs Musik hören, ohne die ihr innewohnende Bedeutung und Bedeutung zu erkennen.

Alles, was im Monte Carlo Ballet Theatre passiert, scheint uns wichtig und nah zu sein – schließlich wird es von Jean-Christophe Maillot geleitet, einem Choreografen, in den wir uns auf den ersten Blick verliebten, nachdem wir 2012 sein Ballett Daphnis und Chloe gesehen hatten . Dann inszenierte er „Der Widerspenstigen Zähmung“ am Bolschoi-Theater und zeigte uns in dieser Saison „Aschenputtel“ (in St. Petersburg) und „Die Schöne“ (in Moskau). Jean-Christophe ist eine interessante Persönlichkeit und ein charmanter Mensch. In einem Interview mit Olga Rusanova sprach er über sein Interesse an handlungslosen Balletten, Marius Petipa und wie es ist, Choreograf im kleinen Monaco zu sein.

Ist Abstraktion Leben?

Das Publikum kennt meine Geschichtenballette gut, und das ist wirklich ein wichtiger Teil meiner Arbeit. Aber auch das Gestalten von Bewegungen bereitet mir große Freude reine Form die mit Musik zu tun haben. Ja, diese Kunst scheint abstrakt zu sein, aber ich glaube nicht, dass es etwas völlig Abstraktes gibt, da alles, was ein Mensch tut, eine Art Emotion, ein Gefühl in sich trägt. Außerdem liebe ich es, diesen ganz spezifischen Zusammenhang zwischen Bewegung und Musik zu erforschen. Und wenn ich mich nicht an eine Geschichte halten muss, kann ich beim Erkunden der Choreografie mutiger sein und sogar Risiken eingehen. Das ist eine Art Labor, das mich fasziniert. Und das ist auch ein wichtiger Teil meiner Arbeit, vielleicht weniger bekannt, aber er enthält, wenn man so will, die Essenz des Balletts, die Bewegung als solche.

Mein das letzte ballett„Abstraction/Life“ entstand zu völlig neuer Musik – Cellokonzert Französischer Komponist Bruno Mantovani mit dem Titel „Abstraktion“. Das ist eine sehr große Partitur – fast 50 Minuten, und ich bin begeistert von der Idee, mit dem Komponisten zusammenzuarbeiten.

Natürlich hat mir auch die Arbeit mit Schostakowitschs Musik gefallen – ich meine das Ballett „Der Widerspenstigen Zähmung“, als ich aus seinen Werken eine neue Partitur für ein Ballett zu schaffen schien, das es in der Realität nicht gab. Aber wenn ein Komponist speziell für mich komponiert, ist das eine ganz andere Sache. Darüber hinaus besteht der aktuelle Ballettabend aus zwei Teilen – im ersten Teil gibt es ein Ballett von George Balanchine zur Musik von Strawinskys Violinkonzert. Ich möchte Sie an Balanchines Satz erinnern: „Ich versuche, dem Tanz zuzuhören und die Musik zu sehen.“ In Anlehnung an Balanchine möchte ich Musik sichtbar machen. Oft moderne Musik an sich schwer zu verstehen. Und Tanz und Bewegung ermöglichen es, es „wiederzubeleben“, es für die Wahrnehmung natürlicher zu machen. Tia. In diesem Moment passiert wirklich etwas Wunder... Generell komponiere ich als Choreograf immer einen Tanz zusammen mit Musik, ich kann mir keinen einzigen Schritt, keine einzige Bewegung ohne Musik vorstellen, denn meiner Meinung nach ist Musik eine Kunst höherer Ordnung, immer an Emotionen gerichtet, auch wenn es komplex und unverständlich ist. Und es ist der Tanz, die Bewegung des Körpers, die diese Emotion vermitteln kann, wie man sie ausdrückt, und das ist, wie Sie sehen, berührend.

Und noch etwas. Der Künstler muss Zeuge der Zeit sein, in der er lebt, und Auskunft darüber geben reale Welt. Darüber habe ich mit dem Autor des Konzerts, Bruno Mantovani, gesprochen. Wie Sie gehört haben, ist seine Musik manchmal zu komplex und harsch. Er sagte: „Im 20. Jahrhundert und noch mehr heute ist Grausamkeit allgegenwärtig. Die Welt wächst, es gibt immer mehr Menschen. Es gibt viele Ängste, Fragen, Verwirrung … Ich kann keine sanfte, sanfte Musik schreiben, ich muss die Realität widerspiegeln.“

Petipa, Diaghilew und Instagram

Petipa ist etwas Außergewöhnliches, Besonderes, Einzigartiges. Damals gab es keinen anderen Choreografen wie ihn. Ich denke, er war einer der ersten, der das Konzept des Tanzes als einer eigenständigen Sprache hatte, zu der nichts erfunden oder hinzugefügt werden muss. In seinem Fall reicht das Ballett allein völlig aus, um eine Aufführung aufzubauen.

Warum reden wir noch heute über Petipa? – Weil es das Herzstück von allem ist, was Ballett ausmacht. Ohne das, was Petipa getan hätte, wäre niemand dort, wo er heute ist. Er ist der Ausgangspunkt, der Beginn des Wissens über Ballett, das wir heute haben. Und da er Jahre, Jahrhunderte, Generationen überdauert hat, bedeutet das, dass er etwas sehr Wichtiges war, und das ist offensichtlich.

Und wenn wir heute ein großes Story-Ballett kreieren, denken wir immer noch an Schwanensee, denn dies ist die Grundlage des klassischen Balletts, auf die sich jeder Choreograf verlässt. Dies war die erste derartige Basis, auf der weiter aufgebaut werden konnte neues Konzept, neuer Stil Denken, neue Ideen. Damals gab es kein Video, kein Kino, wir hatten nur diese ganz spezifische Fähigkeit des Tanzes, dieses Wissen über die Zeit, über Generationen hinweg zu übertragen.

Nun, Petipas Phänomen ist auch als Beispiel für die Durchdringung der Kulturen interessant. Seine Ballette zeigen seit vielen Jahren, dass Tanz eine hervorragende Grundlage für die Kommunikation auf internationaler Ebene ist, weil er unser ist gemeinsame Sprache. Als ich zum Bolschoi-Theater kam und mit den Solisten der Truppe arbeitete, musste ich an Petipa denken, daran, wie dieser Franzose aus Marseille nach Russland kam und, nachdem er die russische Kultur und russische Tänzer kennengelernt hatte, versuchte, beides zu verbinden Kulturen.

Dies ist besonders heute sehr wichtig, da die Unterschiede zwischen den Kulturen allmählich verschwinden. Wir verschmelzen immer mehr miteinander, vermischen uns. Es scheint, dass wir noch vor kurzem, wenn wir unsere Kollegen fünf bis sechs Jahre lang nicht gesehen haben, nicht wussten, was sie tun, aber jetzt – dank sozialer Netzwerke und Instagram – fließen die Informationen kontinuierlich. Alles scheint überall gleichzeitig zu passieren. Das ist sowohl gut als auch schlecht.

Ich denke: Was wäre mit Grigorowitsch passiert, wenn es damals Facebook und alles gegeben hätte, wenn er gewusst hätte, was Trisha Brown zur gleichen Zeit in New York machte? Würde in seinen Balletten alles gleich sein? Es ist unwahrscheinlich und wir könnten es wahrscheinlich nur bereuen.

Der Stil der russischen Tänzer war zunächst völlig anders als der der französischen und amerikanischen Tänzer, aber die Zeit vergeht und man versteht, dass das, was vor 20 Jahren anders war, heute zunehmend ausgelöscht, aufgelöst und näher zusammengebracht wird. Und das sehe ich in meiner Kompanie, wo Vertreter verschiedener Nationalitäten tanzen.

Universalität des Denkens, des Stils, der Ästhetik – ja, in mancher Hinsicht ist das großartig, aber nach und nach werden wir unsere Identität verlieren. Wir kopieren uns gegenseitig, ohne es zu wollen. Und vielleicht war Petipa einer der ersten, der diesen Prozess provozierte. Er war es, der, nachdem er Frankreich verlassen hatte, seine Kultur in ein anderes Land, nach Russland, brachte. Und vielleicht ist sie deshalb so außergewöhnlich geworden ...

Generell denke ich, dass die Aufgabe eines jeden Künstlers darin besteht, sich dem zuzuwenden, was vor einem gemacht wurde, das Erbe zu kennen und es mit Respekt und Neugier zu behandeln. Es ist sehr wichtig, die Geschichte zu kennen, aber gleichzeitig muss man dieses Wissen irgendwann „vergessen“, um weiterzumachen. Ich werde oft nach der Truppe „Russische Jahreszeiten“ von Sergei Diaghilew gefragt, die in Monte Carlo arbeitete – wo unser Theater tätig ist. Natürlich war es ein interessantes Phänomen, als die Kompanie Komponisten, Künstler und Choreografen zusammenbrachte und zwei oder drei Ballette pro Abend aufführte. Viele machen das heute, aber damals waren sie die Ersten. Für mich sind Diaghilews „Russische Jahreszeiten“ nicht weniger wichtig als die von Petipa.

Bejarovsky-Tänzer

Ich bin in einer Theaterfamilie aufgewachsen. Mein Vater war Bühnenbildner am Opern- und Balletttheater. Zu Hause, auf der Tour, versammelten sich Sänger, Tänzer, Regisseure, man könnte sagen, ich bin im Theater geboren und aufgewachsen. Ich habe dort stundenlang rumgehangen. Deshalb mag ich keine Oper – s frühe Jahre habe sie zu oft gesehen. Gleichzeitig würde ich nicht sagen, dass ich in der Welt des Tanzes aufgewachsen bin, sondern eher in einem künstlerischen Umfeld. Lange Zeit – bis ich 32 Jahre alt war – konnte ich mich wirklich nicht als Spezialistin im Bereich Tanz bezeichnen.

Ich war Tänzerin – ich habe am Konservatorium in Tours und dann in Cannes studiert. Ich wusste nicht viel über Tanz; ich interessierte mich immer mehr für Fragen des Lebens als für Fragen der Geschichte der Choreografie. Ich erinnere mich, wie ich als Kind von Maurice Bejart beeindruckt war, insbesondere von seinem Stück „Nijinsky, Gottes Clown“. Und als sie auf dem Hof ​​waren (und ich bin nicht in der angesehensten Gegend meiner Heimatstadt Tours aufgewachsen), fragten die Jungs: „Was für ein Tänzer bist du?“ Klassik oder Bezharovsky?“, antwortete ich: „Bezharovsky.“ Sonst hätten sie mich wahrscheinlich nicht verstanden und vielleicht hätten sie mich geschlagen. Wir sind mit einer Kultur des populären Tanzes und nicht des klassischen Tanzes aufgewachsen.

Dann begann ich etwas Wichtiges über Ballett zu lernen, vor allem durch die Tänzer: Ich spreche von Baryshnikov in „Giselle“, von Makarova in „Schwanensee“. Ich entdeckte Balanchine – und wir führten in unserer Kompanie neunzehn seiner Ballette auf.

Die Hauptsache sind die Tänzer

Ich habe Yuri Grigorovich 2012 wirklich entdeckt, nachdem ich sein Ballett „Iwan der Schreckliche“ gesehen hatte. Ich war erstaunt, fasziniert. Was mich am meisten beeindruckt hat, war nicht die Choreografie – die an sich schon sehr interessant ist –, sondern die Tänzer, ihr Engagement, ihr Glaube an das, was sie tun. Es hat mich berührt. Und mir wurde wieder klar, dass Tänzer das Wichtigste im Ballett sind. Ja, natürlich brauchen sie einen Choreografen, aber ein Choreograf ist nichts ohne Tänzer. Das dürfen wir nicht vergessen. Das ist meine Obsession, wenn Sie so wollen. Meine Aufgabe ist es, im Studio mit Menschen zusammen zu sein – besonderen Menschen: zerbrechlich, verletzlich und sehr ehrlich, auch wenn sie lügen. Ich interessiere mich immer für die Künstler, mit denen ich Musik teile, für die Sprache des Tanzes, mit der sie ausdrücken können, was wir gemeinsam empfinden. Und wir hoffen immer, dass dieser Gefühlssturm von der Bühne auf das Publikum übertragen wird und uns alle vereint.

Glücklich in der Isolation

Ich fühle mich nicht allzu sehr mit der Welt des Balletts verbunden: Hier in Monaco bin ich gewissermaßen „isoliert“. Aber ich mag diesen Ort, weil er so aussieht wie ich. Dieses Land ist etwas Besonderes – sehr klein, nur zwei Quadratkilometer, aber jeder kennt es. Monaco ist ein sehr verführerischer Ort: Es gibt keine Streiks, keine sozialen und wirtschaftlichen Probleme, keine Konflikte, keine Armen, keine Arbeitslosen. Prinzessin Caroline von Monaco hat für mich eine wunderbare Gelegenheit geschaffen, 25 Jahre lang hier zu arbeiten. Ich gehöre nicht zu mächtigen Institutionen wie dem Königlichen Ballett, dem Bolschoi-Theater, Pariser Oper, Teil internationaler Unternehmen. Ich bin einsam, aber ich kann die ganze Welt hierher bringen.

Und es macht mich glücklich, hier „isoliert“ zu sein. Und wenn mich morgen die Ballettwelt boykottiert, ist das in Ordnung, ich werde hier arbeiten. Weder der Prinz noch die Prinzessin sagen mir jemals: „Du musst das und das tun.“ Ich habe eine wunderbare Gelegenheit, ehrlich, unabhängig und frei zu sein. Ich kann machen, was ich will: Theaterstücke aufführen, Festivals veranstalten.

Es gibt kein anderes Theater in Monaco. Und ich bemühe mich, dem lokalen Publikum so viel wie möglich zu bieten und es nicht auf das Repertoire des Monte Carlo Ballet Theatre zu beschränken. Wenn sie all die Jahre nur unsere Ballette gesehen hätten, würde das bedeuten, dass ich die Öffentlichkeit darüber täusche, was in ihnen passiert Ballettwelt. Meine Aufgabe ist es, klassische und moderne Ensembles und andere Choreografen hierher zu bringen. Ich möchte, dass die Menschen, die hier leben, die gleichen Chancen haben wie die Pariser und Moskauer. Ich muss also alles auf einmal machen: Ballette inszenieren, aber auch Tourneen, Festivals und auch die Ballettakademie. Aber meine Aufgabe bestand darin, einen professionellen Regisseur zu finden, der seine Arbeit nicht für ihn erledigte, sondern ihn unterstützte.

Im Allgemeinen gilt: Je mehr talentierte Menschen um Sie herum sind, desto interessanter und einfacher ist es für Sie, Ihren Job zu erledigen. Ich mag kluge Leute in der Nähe – sie machen dich schlauer.

Ich hasse die Vorstellung, dass ein Regisseur ein Monster sein muss, dass er stark sein muss, damit die Leute Angst vor ihm haben. Es ist nicht schwer, Macht über Menschen auszuüben, die jeden Tag praktisch nackt vor einem stehen. Aber das sind sehr verletzliche, unsichere Menschen. Und Sie können Ihre Macht nicht missbrauchen. Und ich liebe Tänzer, ich habe sogar Mitleid mit den Schwachen, weil sie einen besonderen Job haben. Sie verlangen von einem Künstler, dass er mit zwanzig Jahren Reife zeigt, aber gewöhnliche Menschen es kommt erst mit vierzig, und es stellt sich heraus, dass der Körper „verschwindet“, wenn der Tänzer wirklich erwachsen wird.

Unser Unternehmen – ich sage nicht „Familie“, denn Künstler sind nicht meine Kinder – ist ein Unternehmen von Gleichgesinnten. Ich hatte noch nie eine Beziehung zu einer Truppe, die von Angst, Wut und Konflikten geprägt war. Es ist nicht meins.

Choreograf zu sein bedeutet, Menschen miteinander zu verbinden andere Schule, unterschiedliche Mentalitäten, so dass eine Performance entsteht, und gleichzeitig weiß man im Entstehungsprozess nie genau, wer genau am Ende das wichtigste Bindeglied sein wird. Es ist immer eine Teamleistung.

Diese Truppe hat historische, alte Verbindungen zu Russland. Es war einmal, als Sergej Diaghilew die Basis seines Starunternehmens im Fürstentum Monaco errichtete. Nach dem Tod des Impresarios zerfiel die Truppe entweder in Stücke, dann vereinte sie sich wieder, aber am Ende erschien das „Russische Ballett von Monte Carlo“, wo Leonid Massine arbeitete, der Diaghilews Raritäten bewahrte und seine berühmten Aufführungen schuf. Dann eroberten Spielbanken und Autorennen die Oberhand und das Ballett geriet in Vergessenheit, obwohl die Truppe offiziell bis in die frühen 60er Jahre existierte. 1985 nahm er die „Kinder von Terpsichore“ unter seine Schirmherrschaft herrschendes Haus Monaco. Das Wort „Russisch“ wurde aus dem Namen entfernt, Personal hinzugefügt und es stellte sich heraus offizielle Truppe Fürstentum Monaco „Ballett von Monte Carlo“. Anfang der 90er Jahre lud Prinzessin Caroline von Hannover Jean-Christophe Maillot, der bereits Erfahrung als Solist des Hamburg Balletts und Leiter eines Theaters in Tours hatte, als Art Director in das Team ein. Heute gibt es hier eine der reichsten Truppen Europas. Seit zwei Jahrzehnten führt Mayo, der Schöpfer seines eigenen Theaters und Freund von Prinzessin Caroline, Aufführungen nur mit gleichgesinnten Künstlern auf, und sie verstehen ihn perfekt. Das internationale Debüt des Choreografen findet im Bolschoi-Theater statt und wir haben Jean-Christophe Maillot selbst zu seiner Vorbereitung befragt.

Kultur: Wie hat es das Bolschoi-Theater geschafft, Sie, den Stubenhocker, davon zu überzeugen, die Produktion aufzuführen?
Mayo: Ich bin kein großer Stubenhocker, wir touren viel. Aber ich komponiere Ballette nur in meinem Heimattheater, da haben Sie Recht. Und beim Bolschoi überzeugte Sergej Filin geduldig. Er hat mit mir gesprochen, so wie ich mit Choreografen spreche, wenn ich möchte, dass sie in Monaco auftreten. Er bot an, nach Moskau zu kommen und die Truppe zu treffen. Künstler des Bolschoi-Theaters zeigten Fragmente von „ Schwanensee„: Ich habe sie gesehen, sie haben gesehen, wie ich gearbeitet habe. Irgendwann dachte ich, dass es vielleicht wirklich an der Zeit wäre, ein Risiko einzugehen und zu versuchen, etwas außerhalb von Monaco zu inszenieren. Sie bieten das Bolschoi-Theater an – fantastisch! Außerdem fühle ich mich in Russland wohl, und mir wird nichts auferlegt – wetten Sie, was Sie wollen.

Kultur: Warum wollten Sie „Der Widerspenstigen Zähmung“?
Mayo: Für mich ist Ballett eine erotische Kunst und „The Taming...“ ist Shakespeares sexiestes Stück, geschrieben mit Ironie, Humor und einer gesunden Portion Zynismus. Das Gespräch über die Beziehung zwischen Mann und Frau liegt mir am Herzen.

Kultur: Sie haben das mehrmals wiederholt, Frauen stärker als Männer. Glaubst du das wirklich?
Mayo: Ja, obwohl die Damen uns immer noch brauchen.

Kultur: In dieser Shakespeare-Handlung betonen Regisseure häufig das Thema der Frauenemanzipation.
Mayo: Die Stellung der Frau hat sich glücklicherweise stark verändert. Dennoch gibt es Machismo und die Vorherrschaft der Männer in der Gesellschaft. Ich wollte zeigen, dass Männer ohne Frauen sowieso nicht leben können. Sie jagen die Damen, nicht umgekehrt. Welche Beziehung besteht zwischen Petruchio und Katarina? Dabei handelt es sich um eine Beziehung zwischen zwei Menschen, die nicht in der Lage sind, die Leidenschaft und das Verlangen, die sie umhüllen, zu kontrollieren. Sie lernten Liebe, die einen umhaut und jeder Vernunft trotzt. In „Der Widerspenstigen“ geht es nicht um die Frage, wie eine Frau gehorsam wird, sondern darum, wie ein Mann letztendlich bereit ist, alles von einer Frau zu akzeptieren, wenn er verliebt ist. Dann kann sie wirklich alles – ein Mann wird unter dem Einfluss weiblicher Reize schwach.

Kultur: Bei der Probe haben Sie Ihren Freund zitiert, der sich beklagte: „Wir träumen immer davon, unsere Geliebte zu heiraten, aber es stellt sich heraus, dass wir unsere eigene Frau geheiratet haben.“ Wird Petruchio und Katarina dasselbe passieren?
Mayo: Ich denke, sie werden nicht in Familienkaugummis enthalten sein. In dem Stück gibt es mehrere Liebespaare. Auch Bianca und Lucentio lieben sich, sie tanzen wunderschön, wir sehen ihre gegenseitige Zärtlichkeit. Im Finale gibt es eine kleine Teeparty-Szene: Lucentio gibt Bianca eine Tasse, und sie wirft sie ihm ins Gesicht, weil sie den Tee für schlecht hält. Hier erfahren wir, dass Lucentio bereits bei seiner Frau und nicht bei seiner Geliebten ist. Und Petruchio und Katarina verlassen die Bühne und heben gleichzeitig ihre Hände, um sich gegenseitig einen spielerischen Tritt zu geben. Und es scheint mir, dass sie ihr ganzes Leben in so wunderbaren Beziehungen verbringen werden.

Kultur: Ihre Ballette enthalten oft autobiografische Motive. Sind sie in „Die Zähmung von...“ enthalten?
Mayo: Dies ist ein kleiner Teil meiner Geschichte – ich bin in die Spitzmaus verliebt und lebe seit zehn Jahren mit ihr zusammen. Sie hat mich gezähmt. Wir streiten nie oder streiten uns gar nicht, provozieren uns aber ständig gegenseitig. Es ist ein Katz-und-Maus-Spiel, bei dem keine Langeweile aufkommt. Im Leben eines Mannes und einer Frau ist Langeweile das Schlimmste. Man kann sich gegenseitig ärgern, sich schlecht benehmen, in Euphorie geraten, arrogant werden, streiten, aber langweilen Sie sich nicht.

Kultur: Bernice Coppieters, Ihre Lieblingsballerina, Ehefrau und Muse, arbeitet heute mit Ihnen im Bolschoi...
Mayo: Ich brauche einen Assistenten, der meine Arbeitsweise kennt. Meine Künstler verstehen sofort, was zu tun ist. Es gab einen solchen Fall. Ein Solist, mit dem ich zum ersten Mal geprobt habe, hat furchtbar getanzt. Ich fragte: „Kannst du dein Bein nicht höher heben?“ Er antwortete: „Natürlich kann ich das, aber ich wiederhole, was Sie gezeigt haben.“ Meine Beine gehen nicht mehr so ​​hoch wie noch vor ein paar Jahrzehnten. Können Sie sich vorstellen, wie die Aufführung im Bolschoi-Theater gewesen wäre, wenn die Schauspieler mich nachgeahmt hätten? Bei den Proben improvisiere ich mit den Darstellern, und wenn die Moskauer Tänzer sehen, wie ich mit Bernice Bewegungen komponiere und wie sie die Nuancen vermittelt (das ist das Schwierigste), wird ihnen alles klar. Das heißt, ich habe Bernice dazu befähigt, zu zeigen, was ich will und was ich bisher nicht für sie tun konnte. Als ich anfing, mit Bernice zu arbeiten, war sie 23 Jahre alt, und ich wollte bei „Der Widerspenstigen Zähmung“ Regie führen, aber es hat nicht geklappt.

Kultur: Warum haben Sie sich für die Musik von Dmitri Schostakowitsch entschieden?
Mayo: Oh, jetzt sage ich etwas Originelles: Schostakowitsch – großer Komponist. Seine Musik ist ein Universum: reich und farbenfroh. Es enthält nicht nur Drama und Leidenschaft, sondern auch Groteske, Satire und einen ironischen Blick auf die Umwelt. Ich bin ausgebildeter Musiker und für mich zieht ausschließlich Musik alle Gefühle und Emotionen an. Musik ist Macht, sie diktiert den Staat. Ich nenne dieses Beispiel oft – einfach, aber klar und verständlich. Wenn Ihr geliebter Mensch Sie verlässt und Sie in einem leeren Haus Adagietto aus Mahlers „Fünfter“ hören, besteht die Gefahr, Selbstmord zu begehen. Aber wenn Sie eine Elvis-Presley-CD auflegen, werden Sie höchstwahrscheinlich schnell eine andere Frau erobern wollen. In jedem Fall wird der Wunsch bestehen, etwas Neues für sich selbst zu entdecken.

Im Bolschoi-Theater sind sie es gewohnt, die ersten Proben am Klavier durchzuführen. Ich verlangte, dass sie die Platten sofort abspielen – einen Orchestertonträger. Künstler müssen das gesamte Orchester, den vollen Klang der Musik hören. Dann werden Emotionen geboren.

Schostakowitsch wurde auch deshalb ausgewählt, weil ich nach Russland gekommen bin und einen Schritt in Richtung Ihres Landes machen muss. Die Russen fühlen Musikwelt Schostakowitsch, der mir auch nahe steht. Ich habe Fragmente davon genommen verschiedene Werke, aber ich möchte, dass der Betrachter dies vergisst und die Musik als eine einzige Partitur wahrnimmt. Raten Sie nicht: Das ist aus Hamlet, King Lear, der Neunten Symphonie. Ich baute die Dramaturgie auf und sorgte dafür, dass die Musik als Ganzes klang, als hätte der Komponist sie selbst für unseren Auftritt geschrieben.

Kultur: Ihr Sohn wurde Kostümbildner. Nach welchen Outfits hast du gesucht?
Mayo: Ich möchte, dass die Leute nicht über den Tanz nachdenken, sondern über ihr Leben nach der Aufführung. Daher sollten die Anzüge denen ähneln, die Sie heute tragen und zum Ausgehen tragen können. Aber gleichzeitig sollten sie sich theatralisch und leicht anfühlen und dem Körper Freiheit geben. Tanz kann nicht alles sagen, sondern nur das, was der Körper vermitteln kann. Wie Balanchine sagte: Ich kann zeigen, dass diese Frau diesen Mann liebt, aber ich kann nicht erklären, dass sie seine Schwiegermutter ist.

Kultur: Gesellschaft „Freunde“ Bolschoi-Ballett„Wir haben ein Treffen mit Ihnen im Bakhrushin-Museum organisiert. Der Satz Ihres Assistenten: „Bevor Sie die Zähmung ... im Bolschoi durchführen, müssen Sie das Bolschoi selbst zähmen“, begrüßte das Publikum mit Applaus. Meiner Meinung nach war es nicht möglich, die Koordination der Besetzung zu bändigen?
Mayo: Ich wurde sofort gebeten, die zweite und sogar dritte Komposition festzulegen. Ich habe mich lange dagegen gewehrt. Ich mache nie zwei Kompositionen. Für mich ist Choreografie ein Künstler, keine Abfolge von Bewegungen. Katarina ist Katya Krysanova und keine Rolle, die von einer anderen Künstlerin wiederholt werden kann. Ich werde verstehen, dass ich ein Ergebnis erzielt habe, wenn ich ein Ballett mache, das ich nicht einmal in meiner eigenen Truppe für mein Publikum reproduzieren kann.

Kultur: Wer ist er, Ihr Betrachter?
Mayo: Ich liebe es, Aufführungen für einen Mann zu kreieren, der ins Theater kam, weil er seine Frau begleiten musste, sie aber nur kam, weil ihre Tochter Ballett studiert. Und wenn sich die Ehepartner für Ballett interessieren, dann habe ich Ergebnisse erzielt. Was ich mache, macht mir Spaß und ist spielerisch.

Kultur: Die zweite Besetzung ist endlich erschienen...
Mayo: Es war gegen den Strich. Sie müssen die Besonderheiten des Ortes berücksichtigen, an dem Sie sich befinden – der Große braucht mehrere Darstellerpaare. Wenn mich Freunde zu einem Fischessen einladen und ich keine Lust darauf habe, probiere ich es trotzdem. Ich hoffe, dass die zweite Besetzung auch interessant sein wird, aber für mich und für den Rest meines Lebens sind „Der Widerspenstigen Zähmung“ am Bolschoi Katya Krysanova, Vladislav Lantratov, Olya Smirnova und Semyon Chudin. Wir haben dieses Ballett mit ihnen gebaut. Wir haben eine 11-wöchige gemeinsame Reise angetreten und sie neigt sich dem Ende zu. Die fertige Aufführung geht weg, sie gehört mir nicht mehr.

Kultur: Warum können die konstruierten Rollen nicht von anderen getanzt werden?
Mayo: Die wundervolle Katya Krysanova (es ist sogar seltsam, dass ich Katarina zunächst nicht in ihr gesehen habe, sie hat mich überzeugt) küsst in einer der Szenen Lantratov-Petruchio und kommt so heraus, dass ich weinen möchte – sie ist so zerbrechlich und wehrlos. Und zwei Sekunden später beginnt sie zu kämpfen. Und in diesem Übergang ist sie real und natürlich, weil wir von ihr, Katya Krysanova, Reaktionen und Einschätzungen ausgehen. Eine andere Ballerina hat einen anderen Charakter, eine andere Veranlagung und eine andere organische Natur. Und sie muss alles anders bauen. Tanz besteht für mich nicht aus einer Reihe von Schritten; der Blick und die Berührung der kleinen Finger sind ein wichtiger Teil der Choreografie.

Kultur: Haben Sie die Bolschoi-Künstler mit etwas überrascht?
Mayo: Ich bin erstaunt über die Qualität ihrer Tänze, ihren Enthusiasmus, ihre Neugier und ihren Arbeitswillen. Sie tanzen so viele – und unterschiedliche – Ballette! In Monaco weigere ich mich, mehr als 80 Vorstellungen pro Jahr zu geben, aber es gibt dreimal so viele. Ich kann mir nicht vorstellen, wie sie das machen.

© ITAR-TASS/ Mikhail Japaridze

„Jean-Christophe Maillot webt sein Leben aus Gegensätzen“, diese Worte von Rollella Hightower spiegeln perfekt die Essenz der Kunst des französischen Choreografen wider. Er kann weder eindeutig als Klassizist noch als Avantgarde-Künstler bezeichnet werden – zudem sind diese Richtungen in seinem Werk keineswegs gegensätzlich, geschweige denn ausschließend.

Jean-Christo Maillot wurde 1960 in Tours geboren. Am Nationalen Konservatorium der Region Tours studierte er nicht nur choreografische Kunst, sondern auch Klavierspiel, und anschließend studierte er in Cannes an der International School of Dance, wo seine Mentorin Rosella Hightower war.

Jean-Christophe begann seine Bühnenkarriere als Tänzer. 1977 nahm er in dieser Funktion teil Jugendwettbewerb, fand in Lausanne statt und gewann den ersten Preis. J. Neumayer lud den talentierten jungen Tänzer in seine Truppe ein und Hamburg Ballett er spielte fünf Jahre lang Solopartien... Leider wurde seine Karriere, die so glänzend begonnen hatte, plötzlich unterbrochen: Jean-Christophe wurde verletzt und er musste auf Auftritte verzichten... Doch er entdeckt einen anderen Weg für sich – den Tätigkeit eines Choreografen.

Jean-Christophe Maillot kehrt in seine Heimat zurück, wo er das 1985 gegründete Bolschoi-Balletttheater von Tours leitet und in dieser Funktion mehr als zwei Dutzend Vorstellungen inszenierte Choreografisches Festival Auch Le Chorégraphique in Monaco ist sein Werk. 1987 inszenierte der Choreograf für das Monte-Carlo-Ballett das Ballett „The Marvelous Mandarin“ zur Musik – der Erfolg war enorm, und die Zusammenarbeit wurde einige Jahre später fortgesetzt: 1992 J.-C. Maillot wird kreativer Berater dieser Truppe, ein Jahr später ernennt ihn die Prinzessin von Hannover zum künstlerischen Leiter.

Als Leiter des Monte-Carlo-Balletts beginnt Jean-Christophe Maillot, das Publikum mit den Produktionen der Avantgarde-Choreografen dieser Zeit bekannt zu machen: William Forsythe, Nacho Duato, und er kreiert auch eigene Produktionen. Seine Innovation stieß zunächst auf kein Verständnis – es kam vor, dass die Zuschauerzahl im Saal zwanzig Personen nicht überstieg – doch nach und nach wurde die neue Kunst geschätzt. Auch dies wurde durch die Erhöhung erleichtert künstlerisches Niveau Truppe, die der Choreograf auf eine neue Entwicklungsstufe brachte. Er fand kluge Persönlichkeiten unter den Künstlern und gab jedem die Möglichkeit, sein Talent voll zur Geltung zu bringen.

Im Laufe der Jahre seiner Arbeit am Monte-Carlo-Ballett schuf Jean-Christophe Maillot mehr als 60 Produktionen, darunter kleine Stücke und große Ballette: „Schwarze Monster“, „ Heim„, „To the Promised Land“, „Dance of Men“, „To the Other Shore“, „An Eye for an Eye“ und andere. Der Choreograf inszenierte und klassische Werke– aber ihre Interpretation kam immer unerwartet. Dies geschah beispielsweise bei P. I. Tschaikowskys Ballett „Der Nussknacker“, das J.-C. Mayo inszenierte es unter dem Titel „Der Nussknacker im Zirkus“. Hier gibt es kein Weihnachtsmotiv: Die Heldin schläft ein, während sie ein Buch liest, und ihr Traum ist eine Zirkusvorstellung, bei der Herr Drossel und Frau Mayer die Leiter sind (so ist das Bild von Drosselmayer skurril gestaltet). Ballett wird mit Elementen der Zirkuskunst kombiniert, und Marie selbst, die davon träumt, Ballerina zu werden, „probiert“ die Bilder des klassischen Balletts an: Dornröschen, Aschenputtel – und das Tanzen wird ihr vom Nussknacker beigebracht, dessen Kostüm deutlich hervorsticht Männlichkeit. Ebenso unkonventionell erweist sich die Interpretation des Balletts „Romeo und Julia“: Es ist nicht die Feindschaft der Familien, die zum Tod führt junge Helden, aber blendende Liebe, die zur Selbstzerstörung führt.

In einem anderen Ballett zur Musik von S. S. Prokofjew – „Aschenputtel“ – wurden auch einige Neuerungen in die Handlung eingeführt: „Fee“, in der die Heldin sie erkennt verstorbene Mutter, begleitet die Heldin auf ihrer gesamten Reise. Vom Choreografen und einem anderen neu gedacht klassisches Ballett P.I. Tschaikowsky – „“ präsentiert es unter dem Titel „See“: Der Fokus liegt nicht auf Prinz Siegfried oder Odette, sondern auf dem bösen Genie, dessen Rolle einer Frau zugewiesen ist.

Im Jahr 2000 organisierte der Choreograf die Tanzform in Monaco. Als Teil davon Internationales Festival In dem die Vielfalt der choreografischen Kunst präsentierenden Veranstaltungsort waren nicht nur Aufführungen, sondern auch Seminare, Tagungen und Ausstellungen. Später, im Jahr 2001, wurde das Tanzforum mit der Princess Grace Academy of Classical Dance zusammengelegt und J.-C. leitete diese Struktur. Mayo. Zwei Jahre zuvor fungierte der Choreograf als Koordinator des Programms zum 100. Jahrestag der Russischen Jahreszeiten. Das Publikum dieser Veranstaltung, die in Monaco stattfand, betrug über 60.000 Menschen und mehr als 50 Redner traten dort auf. Balletttruppen aus verschiedenen Ländern.

Eines der Hauptmerkmale von Jean-Christophe Maillot ist seine Offenheit und Bereitschaft zum Erfahrungsaustausch. Er verfolgt aufmerksam die Arbeit verschiedener Künstler, arbeitet gerne mit Choreografen zusammen, die in anderen Genres arbeiten, und hat sich nicht nur als Choreograf, sondern auch als Produzent bewährt Opernaufführungen: „Faust“ am Staatstheater Winsbaden und „Norma“ am Opernhaus 2007 in Monte Carlo.

In Zusammenarbeit mit J.-C. Mayo und s Russische Künstler. 2014 inszenierte er auf der Bühne des Bolschoi-Theaters das Ballett „Der Widerspenstigen Zähmung“ zur Musik von 25 Werken von D. D. Schostakowitsch: Polkas, Romanzen, Fragmente aus der Musik zu den Filmen „The Gadfly“, „The Counter“. “, „Hamlet“, Fragmente aus „Moskau-Tscherjomuschki“, aus symphonische Werke. Nach Angaben des Choreografen wählte er die Musik dieses Komponisten, da er Ähnlichkeiten in seiner Persönlichkeit mit ihm sah die Hauptfigur Shakespeare-Komödie: Sowohl D. D. Schostakowitsch als auch Katarina waren nicht das, was andere von ihnen wollten. Ballett mag wie eine „Kombination unvereinbarer Dinge“ erscheinen – zum Beispiel rollen Ballerinas in schwarzen Tutus zu Beginn der Aufführung Herren auf dem Boden, und diese ungezügelte Szene steht im Kontrast klassischer Tanz « das richtige Mädchen„Bianchi – aber das sind genau die Techniken, die die Charaktere von Shakespeares Helden darstellen.“

Jean-Christophe Maillot hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten: den Orden der Künste und Belletristik, Ehrenlegion, Orden des Heiligen Karl, Orden des Fürstentums Monaco für kulturelle Verdienste, Auszeichnungen Benois de la Danse und Dansa Valencia. Die von ihm geschaffenen Ballette gelangten in das Repertoire verschiedener Ensembles in Deutschland, Schweden, Kanada, Russland, Korea und den USA.

Musikalische Jahreszeiten