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Foto: ANTON ZEMLYANOY Estilo: KATYA KLIMOVA

Saborear a vitória na linha de chegada é fácil - é muito mais difícil começar a corrida primeiro. Mas as dificuldades de Christina Krasnyanskaya nunca incomodaram. Nós nos encontramos com a fundadora da Heritage, que recentemente celebrou o décimo aniversário de sua galeria e há muito tempo provou ao mundo inteiro que havia design na URSS.

“Design na União Soviética? Você está de brincadeira?" – a exclamação surpresa do fundador e curador do Design Miami / Basel Craig Robins, o dono da galeria “Heritage” lembrada por toda a vida. Seis anos atrás, quando ela decidiu mostrar o design soviético em Basileia, havia outras perguntas que se resumiam ao notório: “Por que você precisa disso?” Mas Christina sempre soube por quê. Em geral, ela é uma daquelas pessoas que primeiro pega o material e só depois se joga na piscina com a cabeça, então mesmo um cético não poderia explicar essa história de sucesso com pura sorte. “Eu não tinha ideia de como eles reagiriam a nós”, lembra o dono da galeria. “Lembro que trouxemos uma escultura de um metro e meio de trabalhadores russos e europeus se beijando apaixonadamente sob uma faixa vermelha com a inscrição: “Proletários de todos os países, uni-vos!” Eles me perguntaram: “O que é isso, arte contemporânea?” Não, eu digo, não contemporâneo - o 37º ano. Krasnyanskaya tem certeza de que, durante a preparação do projeto de estreia da Basileia, nada teria acontecido sem a ajuda de Yuri Vasilyevich Sluchevsky: o professor de Stroganov e o criador dos primeiros móveis de gabinete na URSS se tornaram seu fiel assistente e consultor. “Entendemos que quase não tínhamos mais objetos de vanguarda. Mas existe o construtivismo, que, na verdade, é a vanguarda tardia. Surgiu a ideia de um diálogo entre o construtivismo e a estética dos anos 1960, período em que designers e arquitetos se voltaram para a mesma vanguarda e a Bauhaus.” O plano não apenas funcionou, mas disparou com força ensurdecedora - e o dono da galeria retornou à Rússia com elogios comentários O The Guardian, Wallpaper e The Daily Telegraph, que em uníssono chamaram o destino da Heritage quase o principal evento da feira. “Se me tivessem dito que seria assim, nunca teria acreditado”, sorri o interlocutor. “Fomos pioneiros, movendo-nos com os olhos fechados no escuro.”

Com o papel de pioneira, Christina lida habilmente. E tudo começou com artistas russos no exterior. “É claro que não descobrimos a América, desculpe o trocadilho. Antes de nós havia galerias "Nossos Artistas", "Elysium", "Aquarela". Em 1995, a Galeria Tretyakov acolheu uma importante exposição "Levaram a Rússia com eles" - pinturas, desenhos e materiais de arquivo recolhidos pelo professor francês Rene Guerra. Uma camada inteira de nomes surgiu: Isaev, Pozhedaev, Polyakov, de Stael. Mas é uma coisa - uma exposição em um museu, e outra bem diferente - uma galeria privada, que deve ganhar. É hoje que os colecionadores caçam as telas dos artistas emigrados, mas então poucas pessoas as conheciam. Eles conheciam Chagall, Kandinsky, Yavlensky, Goncharova e Larionov. Mas valeu a pena dar um passo para o lado - manchas completamente brancas. Então tínhamos muitas tarefas pela frente, e a principal delas era a educacional: explicar quem são todas essas pessoas e por que seu trabalho é o investimento certo. E assim abrimos a exposição de Andrey Mikhailovich Lansky. Pequeno, mas muito volumoso: coisas primitivas, mosaicos, colagens, abstração lírica. A reação foi simplesmente uau! Este é um dos meus projetos favoritos: primeiro, é uma estreia, e Em segundo lugar, muito revelador - criamos muitas dessas exposições sincréticas em dez anos.

By the way, sobre a década: Heritage celebrou com um jantar realizado por Vladimir Mukhin e uma exposição dedicada ao art déco soviético. “A curadora Sasha Selivanova e eu escolhemos um pequeno período de tempo – de 1932 a 1937”, explica o dono da galeria. “Decidimos mostrar um quase-estilo: não mais avant-garde, mas ainda não o estilo Império.” Os preparativos para a Basileia de junho também estão a todo vapor. Krasnyanskaya terá sorte com a arte de propaganda dos anos 20-30: móveis, porcelanas, tapetes, vidro. Também há planos para produzir réplicas de móveis soviéticos e projetos com instituições de arte famosas. “Quero colaborar com a Fundação Prada”, diz ela sonhadoramente. Soa alto, mas nada é impossível para Christina. Suas exposições são admiradas por Norman Foster, e os melhores museus de Moscou confiam ao Heritage com suas coleções. Ela é curadora de uma exposição no Museo MAGA de Milão e ajuda nossos artistas a se tornarem estrelas internacionais. Mesmo fora dos muros de trabalho, essa garota frágil consegue tanto que você começa a suspeitar de teletransporte: hoje ela estuda a retrospectiva de Kabakov em Londres, amanhã ela aplaude Currentzis em Moscou. Alguém gostaria de perguntar à banalidade infernal: “Você pelo menos às vezes relaxa? Você tem que limpar sua cabeça!" "Claro que você tem que fazer", diz ela. É para isso que servem os aviões. Outro dia eu estava relendo Por quem os sinos dobram. E sabe de uma coisa? O livro se encaixou perfeitamente em nosso recente projeto sobre guerra civil na Espanha. Ah, acho que estou falando de trabalho de novo, né?

Em 31 de março, ele termina seu trabalho, programado para coincidir com o oitavo aniversário da galeria Heritage. Hoje esta galeria é a única na Rússia que trata de coleções de desenhos ocidentais e soviéticos.

A proprietária do "Heritage" Kristina Krasnyanskaya disse ao editor-chefe do "365" Yana Kharina, qual é o fenômeno do modernismo soviético, quais são os bons "Khrushchev" e se os móveis dos anos 60 serão transportados valor colecionável.

Caminhando pela exposição, percebi que muitas coisas aqui são dolorosamente familiares para mim. Para quem esta exposição se destina: para pessoas familiarizadas com o design soviético ou para quem não teve tempo de conhecê-lo?

Temos uma exposição abrangente. Claro, ele é projetado para ambos os tipos de hóspedes. Por um lado, é interessante para as pessoas que estavam cercadas pela situação soviética. Por outro lado, é informativo para um público mais jovem, além disso, uma das principais tarefas da nossa exposição é quebrar os padrões. Mostre que o soviético não é soviético.

Não foi por acaso que a galeria adotou o design soviético há alguns anos: há muitas coisas famosas, nomes que não são conhecidos não apenas no Ocidente, mas também aqui. Em virtude de razões históricas jogamos fora uma página do contexto de nossa história da arte. Há toda uma galáxia de habilidosos arquitetos, escultores, designers, que são conhecidos hoje por um círculo muito estreito de especialistas. O conceito de "design soviético" é muito amplo. Artistas de vanguarda se voltaram para o design, todo mundo estava tentando fazer alguma coisa. Mas nem um único item de design de vanguarda sobreviveu até hoje. Por outro lado, as coisas da vanguarda tardia, o construtivismo, incluindo Boris Iofan (um dos principais representantes da arquitetura stalinista. - Aprox. "365") foram preservadas. Em nossa coleção há uma cadeira da "Casa na Barragem". O resto pode ser visto em museus.

O que é o "modernismo soviético" afinal?

Estamos falando do último estilo da história do design soviético - o modernismo. Oficialmente, data de 1955-85. Quando você lembra o que é o modernismo soviético, há uma referência à grande arquitetura. Por exemplo, para o mesmo infeliz hotel demolido "Rússia", que foi um dos objetos mais brilhantes do modernismo soviético. Este estilo nasce após a morte de Stalin, quando vem outro poder, novo culto personalidade. Ao mesmo tempo, chega um período completamente incomum para a URSS do chamado “degelo”, quando a “cortina de ferro” se abre ligeiramente e um fluxo de vento ocidental fresco chega até nós. A descoberta foi VI festival mundial jovens e estudantes em 1957, especialmente para a qual Picasso fez a Pomba da Paz.

O que está em exibição?

A nossa exposição apresenta não só design, mas também fotografia, pintura, vidro de autor, bronze e porcelana. A tarefa dos curadores era mostrar como essas coisas, por sua estética, estão em sintonia com o que se fazia no Ocidente. Com o fim da Segunda Guerra Mundial, havia uma necessidade urgente de reassentamento de apartamentos comunais. As pessoas estão começando a ter sua própria moradia, "Khrushchev". Esses mesmos “Khrushchev” são um dos padrões negativos que a maioria das pessoas associa a esse período. Na verdade é muito estilo interessante, que substituiu o estilo do Império Estalinista. E aqueles designers e arquitetos que trabalharam sob Stalin se sentiram desconfortáveis, porque esse estilo é desprovido de um começo decorativo, é mais minimalista, é pesado em sua forma e remonta à ideia de Bauhaz: funcionalidade, simplicidade de linhas, concisão, solidez.

Mas para os jovens designers, este era um vasto campo de atividade, onde eles poderiam se destacar e deixar para trás completamente nova arquitetura. E ao longo desses 30 anos, formou-se um estilo como o modernismo soviético, que estava em sintonia com o design de moda dos anos 50 e 60 no Ocidente. Os móveis volumosos de Stalin não cabiam nos novos apartamentos compactos. Aparecer novo tamanho designer de móveis e móveis. O primeiro designer da época, Yu.V. Sluchevsky, que apresentou móveis de armário modulares, ainda está vivo. No início, ela causou uma indignação terrível entre o público. Mas esse móvel foi aprovado e lançado. Esse estilo tem, por um lado, validade socioeconômica, por outro, essa é a estética que existia no Ocidente. Este é um período de abstração, esta é a cultura que se desenvolveu em paralelo com o realismo socialista oficial.

Existem conceitos, nomes que os convidados da exposição precisam saber?

Exposições são feitas para dizer às pessoas sobre algo. Se uma pessoa vem aqui e sabe tudo, então ela é especialista nesse campo ou colecionadora e está procurando coisas para comprar. Em geral, em essência, as exposições são criadas para mostrar novo material. Acho que foi um projeto difícil para nós: tivemos que combinar coisas muito diferentes em nossa direção, e para não virar uma bagunça, tivemos que expor direitinho. E, claro, eu queria que as coisas dialogassem umas com as outras. Nós apresentamos trabalho cedo Oscar Rabin com uma bíblia em chamas e uma série de "revoltas ucranianas" em 1970. Este é um item experimental. Queremos forçar Bom senso desta palavra, olhar para o velho de uma maneira nova. Havia toda uma galáxia de pessoas talentosas que fizeram coisas absolutamente de vanguarda que se encaixam perfeitamente no interior ocidental moderno hoje e será completamente incompreensível que isso tenha sido feito na URSS. Por isso é valioso o que foi feito por artistas que vivem em estado fechado. É uma estética paralela, uma cultura paralela.

Entendi corretamente que a exposição foi criada para mostrar itens únicos, e não itens produzidos em massa?

Sem dúvida . Quando começamos a lidar com esse período específico, até o final dos anos 50 havia uma regra - arquitetos também eram designers. Eles fizeram grande arquitetura, eles fizeram interiores também. Boris Iofan, projetando a Casa no Aterro, também criou seus interiores. Karo Halabyan, um dos principais designers e arquitetos do estilo do Império Estalinista, construiu não apenas o prédio do Teatro exército soviético, mas também todos os móveis para ele. Era inteiramente seu projeto. Apenas nos anos 50, começa a divisão em arquitetos e designers. E, claro, por trás de cada coisa está a pessoa que a inventou. Em nossa exposição são coletadas exatamente as coisas do autor. Graças à Academia Stroganov, conseguimos encontrar o autor de cada item. Sim, eram equipes de design, porque o design se tornou impessoal, mas há pessoas por trás de qualquer objeto. No entanto, isso não foi anunciado, era desnecessário.

Este móvel é colecionável?

Móveis deste período já estão em voga. Tenho certeza de que em cinco anos haverá um pouco mais de demanda do que agora. Não direi que tem valor colecionável, mas pelo fato de estar desaparecendo do mercado, será um dos principais objetos de busca. Hoje, até o que estava em produção em massa é difícil de encontrar. Eles se separaram impiedosamente: alguém a levou para o campo, alguém simplesmente a expulsou. Mostramos aqui coisas soviéticas, não tchecas, romenas ou da RDA.

Móveis é um reflexo da época. Mas do ponto de vista da tendência atual, na onda de interesse geral nos anos 50-60, há uma oportunidade de ver o que foi feito em nossa URSS.

A exposição chama-se "Design soviético - um fenômeno da cultura e do design do século XX". O que é esse fenômeno?

Em geral, o conceito de modernismo soviético é uma definição fenomenal. Modernismo é um termo associado à arte ocidental no primeiro terço do século XX. O fenômeno do modernismo soviético também reside no fato de ser um estilo que pode ser integrado a um contexto internacional. Há coisas que são absolutamente internacionais, sem conotações de propaganda, sem um ataque e propaganda totalitários. Essas coisas podem facilmente se equiparar a itens de design ocidentais, tanto em museus quanto em apartamentos de decoração.

O que você mais gosta na exposição??

Eu realmente gosto do sofá "shell". Claro, eu gosto do trabalho de nossos artistas não-conformistas, o maravilhoso díptico Viktor Pivovarov. Ele e Ilya Kabakov compraram tinta que não era adequada para pintar. Esta é uma tinta técnica, esmalte nitro, bastante fedorenta com um cheiro soviético. Fizeram trabalhos em hardboard que imediatamente se tornaram objetos. Ela fez isso em seu período "abstrato", que poucas pessoas conhecem. E as obras de Kabakov, aqui apresentadas, também são feitas com essa técnica de esmalte nitro. Eu realmente gosto de Eric Bulatov e Oleg Vasiliev. Feito de vidro - um vaso decorativo deslumbrante "Eletrificação" da artista Helena Põld. O vaso pertence ao vidro do autor, existem essas coisas em dois museus no total. Eu realmente amo as esculturas de Nikolai Silis e o considero o Henry Moore soviético. É surpreendente que a estética de seu trabalho seja muito próxima, apesar do fato de Silis não ter ideia de que havia um escultor como Henry Moore. É interessante que ao mesmo tempo em diferentes partes do mundo absolutamente pessoas diferentes fez a mesma coisa.

Vamos olhar 10-15 anos à frente. É possível que você faça uma exposição dedicada ao design dos anos 90 e zero?

Não, e vou explicar o porquê. Depois de 1985, a produção nacional praticamente desaparece, as importações substituem tudo. Neste ponto, nossas atividades de design estão concluídas. Os anos 90 geralmente não são o período mais favorável da história moderna, então pouco foi produzido.

E agora?

Infelizmente não. Provavelmente, existem estudantes talentosos na Academia Stroganov que fazem boas trabalhos finais. Mas não vai além disso. Meu sonho é criar um pool de designers que criem coisas dignas com seu próprio rosto, que sejam dignas de aparecer em Basel.

Kristina Krasnyanskaya é filha de um conhecido empresário Georgy Krasnyansky (ex-sócio de Filaret Galchev, ele agora chefia o conselho de administração da empresa de carvão Karakan Invest). Ela supervisiona três coleções ao mesmo tempo - família, pessoal e galeria. “A coleção da família começou a tomar forma há 15 anos. De alguma forma, entramos na tendência geral, quando todos começaram a comprar arte - diz Christina Krasnyanskaya. - Mas há algumas coisas que agora compro para mim. Não é um processo fácil porque você tem que se separar como colecionador de si mesmo como dono de galeria o tempo todo."

Os Krasnyanskys, como muitos colecionadores russos, começaram com clássicos russos pintura XIX-XX século - Aivazovsky, Zhukovsky, Meshchersky, Konchalovsky, Kustodiev. Galeria "Heritage", que Kristina abriu em Petrovka em fevereiro de 2008, inicialmente especializada em artistas russos no exterior. Mas cerca de cinco anos atrás, a garota se interessou por design. “Os pais estão menos interessados ​​em design, embora também tenham itens modernos escandinavos. Parece-me que na Rússia as pessoas começaram a mergulhar nesse tópico ”, diz Christina.

Ela mesma foi ainda mais longe em sua paixão e acrescentou objetos criados na URSS ao design europeu. Quando nos encontrámos no Heritage na exposição “Modernismo Soviético – Fenómeno da Cultura e do Design do Século XX”, estavam aí expostas coisas da sua coleção pessoal.

Segundo Krasnyanskaya, antes dela, os colecionadores russos praticamente não lidavam com móveis soviéticos como tal.

a tarefa deles projetos de museus a garota vê em "mostrar ao soviético não da maneira soviética". Ela gosta de integrar o design soviético em um contexto internacional.

Para este fim, Krasnyanskaya leva há vários anos coisas de sua coleção para a prestigiada feira internacional Art Basel Miami. Muitas das exposições são uma verdadeira raridade, e os curadores ocidentais apreciam, ela diz: “Eu tenho 23 objetos da casa da comuna em Smolensk no final dos anos 1930, feitos pelo escultor de Leningrado Krestovsky, esta é uma transição do construtivismo para o final da década de 1930. art Deco. Recentemente os expus no Art Miaimi Basel, um projeto dedicado ao fenômeno cultural das casas comunais. Depois disso, fui abordado pelo Victoria and Albert Museum em Londres com uma proposta para fazer um projeto conjunto. Para tudo relacionado ao design de propaganda, os estrangeiros reagem instantaneamente.”

Sua coleção de design já inclui várias centenas de itens. “Existe uma coleção de móveis bastante impressionante - os objetos construtivistas de Boris Iofan de 1929, em particular, sua famosa cadeira da House on the Embankment, peças únicas do autor de design de propaganda da casa comunal de 1937; há coisas de autor ao estilo do império stalinista, há o art déco soviético de Nikolai Lansere, que será exposto conosco em maio - e o último grande estilo que está exposto agora: o chamado modernismo soviético, de 1955 a 1985, - Christina lista, caminhando showroom. - Apenas no início deste período, Khrushchevs, tão odiados por muitos, aparecem - e com eles novo estilo. Em primeiro lugar, são móveis de tamanho pequeno que seriam convenientes em pequenos apartamentos.”

O design modernista soviético, deve-se dizer, é raro no mercado - de acordo com Krasnyanskaya, com exceção de raridades em nível de museu, os móveis da década de 1960 eram frequentemente jogados em aterros sanitários, queimados e enviados para casas de veraneio. Mas ela teve sorte com seus parceiros: “Quando começamos a trabalhar neste tópico, trabalhamos em estreita colaboração com a Stroganov Academy, com base na qual uma oficina experimental foi criada. Lá eles fizeram amostras que foram exibidas em três grandes exposições dedicadas ao novo design - 1958, 1964 e 1967.

“Quando fomos pela primeira vez ao Art Miami Basel, em Stroganovka, eles nos ajudaram a encontrar coisas dessas exposições, que, após os shows, foram distribuídas nas dachas e apartamentos de quem pudesse pagar. Então acabamos com coisas desses apartamentos - protótipos feitos de materiais melhores do que na produção em massa. Mas não recusamos móveis produzidos em massa, porque hoje praticamente não são preservados.”

A mobília soviética em Krasnyanskaya não parece soviética, em grande parte devido à restauração de alta qualidade. “Não temos a tarefa de repetir os tecidos que foram usados ​​no original um a um”, diz ela. - Claro, escolhemos de tal forma que o espírito da época, o sentimento da época seja preservado - mas essas coisas já estão recebendo uma nova leitura graças a algum momento do jogo. Por exemplo, essas cadeiras do final dos anos 1960 e início dos anos 1970 são estofadas em tecido Loro Piana, o que seria difícil de imaginar na União Soviética.” As cadeiras fazem parte do seu próprio acervo e já participaram em várias exposições.

NO Novo apartamento Krasnyanskaya também tem um par de poltronas soviéticas - ela vê nelas "um certo chique". Muitos dos móveis modernistas apresentados em sua galeria podem ser facilmente confundidos com o design escandinavo, que está em alta demanda em recentemente no mercado de arte.

Nos quatro anos em que coleciona móveis e itens de interior, o design escandinavo das décadas de 1950 e 1960 triplicou de valor.

Kristina também vê potencial de investimento em coisas marcadas como “made in the USSR”: “Sem dúvida, o interesse pelo design soviético está crescendo. Supercoisas colecionáveis, praticamente inexistentes no mercado, estão sempre em demanda e são caras. Mas tenho certeza de que coisas que foram produzidas em massa e estão presentes nesta exposição simplesmente como reflexo da época, mais cedo ou mais tarde também serão apreciadas.”

Talvez os objetos mais impressionantes da coleção pessoal de Krasnyanskaya apresentados aqui sejam o vidro de arte soviética. “Acredito que, diferentemente da porcelana, esse nicho ainda não esteja tão popularizado. Vamos começar com o fato de que o vidro artístico foi recriado por Vera Mukhina, autora de "Worker and Collective Farm Woman" e um vidro facetado. Desde 1934, ela dirigiu a oficina experimental na Fábrica de Espelhos de Leningrado. Eu tenho seu vaso de plexiglass absolutamente deslumbrante do final dos anos 1940”, diz ela.

Em "Heritage" Christina exibiu vaso de vidro final da década de 1960 com uma base na forma de isoladores de linha e linhas de energia gravadas em um círculo. A autora é a artista estoniana Helen Pyld, que trabalhou na oficina muito experimental da Fábrica de Espelhos de Leningrado. “Coisa incrível – trabalho delicado e ao mesmo tempo uma mensagem de produção”, comenta Christina. - A circulação era muito pequena, essas coisas são apenas em alguns museus. Pura arte! Na mesma categoria, ela coloca o tríptico do final dos anos 1970 com o título inesperadamente atual "Revolta Ucraniana" - vasos expressivos poderosos feitos de vidro experimental de duas camadas vermelho e branco, que lembram as obras de Emile Galle. Krasnyanskaya os encontrou em uma coleção particular na Ucrânia: “Eles não eram usados ​​na vida cotidiana - eles eram um objeto de arte. Havia várias fábricas de vidro na Ucrânia, em Kyiv e em outros lugares.”

A própria Christina nasceu em Kyiv, como sua mãe, e a primeira coisa na coleção de arte da família é de lá: uma aquarela de Taras Shevchenko com uma visão de Kyiv - o principal poeta ucraniano também era artista. Por uma década e meia, eles conseguiram reunir uma coleção de pinturas e desenhos russos, como diz Krasnyanskaya, em nível de museu. Ela sonha em um dia mostrar toda a família reunida em um dos principais museus. O espaço de sua galeria simplesmente não é suficiente para isso: a coleção da família Krasnyansky é mantida em quatro cofres - três em Moscou e um em Genebra.

Krasnyanskaya não indica o valor estimado da coleção, nem divulga os custos de sua formação. Sua galeria emprega cinco pessoas, mas ela, sendo crítica de arte por formação, toma todas as decisões sobre a compra ou venda de objetos. A menos que seja consultado com colegas colecionadores sobre autenticidade ou preço, caso haja alguma dúvida. E recentemente ele tem participado de leilões apenas por meio de representantes, e não pessoalmente - ele diz que a atmosfera emocional lá é como em um cassino, o que facilita a fuga de um orçamento pré-planejado.

Até que uma grande exposição familiar aconteceu, Krasnyanskaya mostra exposições de sua própria coleção de itens de design e as coleções de seus amigos para todos no Heritage. Ela não cobra taxas de admissão.

Outra característica da Galeria Krasnyanskaya são os jantares de colecionadores. “Isso é feito com frequência no Ocidente, e fomos os primeiros na Rússia. O objetivo é que os colecionadores particulares mostrem suas aquisições em um ambiente agradável”, diz ela ao final do nosso passeio. - Fizemos um sério programa musical para essas reuniões. Yuri Bashmet, Denis Matsuev, Lyubov Kazarnovskaya, Vladimir Spivakov e meu bom amigo Yuri Rozum. Não havia fins comerciais - apenas um gesto da galeria. Qualquer colecionador, não importa o que diga, quer exibir suas aquisições.

O Museu de Arquitetura acolhe a exposição “Design Soviético. Do construtivismo ao modernismo. Isto mostra itens raros móveis e artes e ofícios do século passado. A criadora da exposição e diretora da Heritage Gallery, Kristina Krasnyanskaya, falou ao VD sobre a correta coleção de coisas soviéticas, as tendências do mercado de arte atual e a necessidade de um Museu do Design em Moscou.

Cristina Krasnyanskaya. Fonte: promoção

Obras-primas do design soviético
Nossa exposição difere de inúmeras exposições sobre os temas história soviética e vida. Não é sobre a vida cotidiana, é sobre arte. Coisas muito raras, únicas, de autor são apresentadas nos corredores. Personagem principal, é claro, - móveis. Mas, paralelamente, também são apresentados porcelanas, vernizes e têxteis desse período.

O design soviético hoje certamente merece um museu e é digno de se tornar um item de colecionador. Claro, quando pinturas impressionistas ou obras-primas russas são vendidas na Sotheby's, todo mundo fala sobre isso, escrevem nossos meios de comunicação. Quando há leilões de design, há muito menos informação e ressonância. Enquanto isso, os preços e as obras-primas encontradas nesses leilões não são inferiores ao nível.

pavilhão da URSS Exposição Internacional 1939 em Nova York. . Fonte: fundo Museu do Estado arquitetura com o nome de A.V. Shchusev

Épocas e estilos
Estamos constantemente tentando mudar a atitude predominante em relação ao design soviético como algo que traz energia negativa. Claro, foi uma época dramática. Mas quem começa a colecionar se envolve, vê as nuances, percebe como o tempo mudou o estilo de vida. Por exemplo, a era após a morte de Stalin é a "época do degelo", a época dos Khrushchevs, novos padrões. Surgiram habitações de pequeno porte, sob as quais os móveis tiveram que ser adaptados. Observar essa mudança de formas é incrivelmente interessante.

Exposição “Design Soviético. Do construtivismo ao modernismo. Fonte: promoção

luxo stalinista
Provavelmente, a seção mais espetacular da exposição é o estilo do Império Soviético Stalinista. Mostramos coisas raras do Teatro do Exército Soviético e, um vaso experimental da oficina de Mukhina na década de 1940, desenhos de vasos de Boris Smirnov (o designer favorito de Stalin) ...

Exposição “Design Soviético. Do construtivismo ao modernismo. Fonte: promoção

E mesmo neste mundo pretensioso e imperial aconteceram incidentes surpreendentes. Tomemos, por exemplo, o impressionante painel de Isidor Frikh-Har, construído com base no princípio do ícone de todos os santos. Uma vez tivemos sua escultura de um metro e meio de trabalhadores russos e europeus beijando apaixonadamente sob uma faixa vermelha com a inscrição "Proletários de todos os países, uni-vos!". Lembre-se, todo mundo ficou indignado com as fotos de policiais se beijando feitas no início dos anos 2000 - e aqui está 1937!

pavilhão da URSS exposição mundial em 1958 em Bruxelas. Fonte: fundo do Museu Estadual de Arquitetura com o nome de A.V. Shchusev

Quem precisa de coisas de Khrushchev?
Há sempre um elemento de memória pessoal em colecionar coisas. Tomemos, por exemplo, móveis dos anos 1960 que minha geração de 30 anos adora. Mas meus pais não gostam dela. Eles tiveram que viver com ela não em melhores condições. Mas para um conhecedor ou um colecionador sério, além da nostalgia e das lembranças, também há tendências no mercado de arte. As pessoas que dizem estar na moda sabem que a década de 1960 está agora na crista de uma onda. Tivemos a mesma coisa, só que muita coisa é esquecida. Felizmente, Yuri Vasilyevich Sluchevsky, um dos principais designers da época, ainda está vivo.

Exposição “Design Soviético. Do construtivismo ao modernismo.

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Alguns meses atrás, eu estava em um evento dedicado à abertura de uma exposição do famoso artista russo no exterior Georgy Artemov in Heritage. Todos os boêmios de Moscou e pessoas influentes da capital se reuniram nesta galeria. Fomos recebidos pelo dono da galeria, cujo nome é amplamente conhecido no meio empresarial e da moda, garota linda com um sorriso encantador, - Christina Krasnyanskaya. Naquela mesma noite, tive a ideia de gravar uma entrevista com Kristina, conversar com ela sobre sua galeria, como é difícil conquistar uma vocação e, claro, sobre o trabalho de artistas russos.

: Christina, estou feliz em ver você. Todo mundo conhece a tradução do nome da galeria "Patrimônio", que significa "Patrimônio". Eu sei que a galeria recebe exposições apenas de artistas russos, qual é o motivo de tal escolha?

Cristina Krasnyanskaya: O fato de a galeria ter um conceito oficial. A conclusão é que trabalhamos com artistas russos no exterior, com aqueles que imigraram durante a revolução ou antes dela. Claro, o trabalho deles é o nosso legado. Infelizmente, foi perdido até um certo período. A tarefa da nossa galeria é restaurar isso, mostrando ao mundo que são artistas russos. Por exemplo, até 1985, Marc Chagall assinava em todas as galerias como artista francês. Naquela época, foi esquecido que ele era da Rússia. Agora as coisas de Chagall do período russo no mercado são muito mais valorizadas do que as francesas. Ele viveu vida longa famoso artista, por quase 100 anos, e trabalhou até o fim de seus dias. Vale sempre lembrar que nosso "Heritage" russo é uma lista enorme de nomes famosos como Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Konstantin Korovin, Boris Grigoriev e menos artista famoso: Georgy Artemov, Boris Anisfeld, Andre Lanskoy, Serge Polyakov, Georgy Pozhedaev, Leopold Survage, Serge Charchoun e muitos outros, que recentemente se tornaram uma descoberta para colecionadores. Em geral, existe o conceito de arte de mercado étnico. Um grupo desses artistas vai além disso. No entanto, é amplamente sabido que os russos estão tentando comprar arte russa, escandinavos - escandinavos, americanos - americanos e assim por diante.

: Qual é a razão para isso?

Cristina Krasnyanskaya: O desejo de ter obras de artistas que personificam a nação, arte familiar desde a infância, vistas mais de uma vez em museus nacionais. É aqui que também entra em jogo um elemento de uma espécie de patriotismo. Cada colecionador geralmente começa a comprar o que pertence ao patrimônio de seu país natal. Os artistas de que trata a galeria são interessantes porque têm uma escola russa, raízes russas, mas ao mesmo tempo estão representados nas coleções dos museus mundiais. Esses nomes estão nas coleções não apenas de colecionadores russos, mas também ocidentais. Estes são artistas russos de renome mundial. Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Naum Gabo, Alexei Yavlensky há muito são vendidos nos leilões dos impressionistas, e em nenhum lugar do mundo ninguém os posiciona como artistas russos. Portanto, era importante para a galeria, em primeiro lugar, devolver nossa herança à Rússia. Em segundo lugar, não podemos esquecer que estes artistas são também parte integrante do património mundial. Portanto, seu trabalho também é um investimento muito bom para colecionadores. Tomemos, por exemplo, a exposição de Artemov, que está acontecendo no Patrimônio. Conheci seus trabalhos pela primeira vez em uma galeria francesa. Quando vi seu painel de madeira ali apresentado, fiquei encantado. Tendo aprendido seu custo, pensei que o preço nomeado foi calculado para compradores russos, mas estava enganado. O painel foi comprado pelos franceses, aliás, em muito pouco tempo. Se você olhar para a história do trabalho de Georgy Artemov, verá que ele trabalhou muito para clientes franceses, como Andre Lanskoy. A galeria francesa la Carré fez um nome para Lansky junto com tais artista famoso como Fernand Léger e Raoul Dufy.

: Na hora de escolher as coleções, você, como profissional, confia no seu gosto?

Cristina Krasnyanskaya: Sim. Eu não tenho um diretor de arte, então esse é o meu papel. Meu sonho é que tudo funcione por si só, sem minha participação constante. Mas, infelizmente, isso é praticamente impossível. Por um lado, isso é, claro, maravilhoso, mas por outro lado, é difícil. Você está em um estado de constante tensão e responsabilidade pelo seu negócio e pelas pessoas que trabalham com você. Eu costumava pensar que meu negócio é a liberdade. Este é um grande equívoco.

: Ao visitá-lo em eventos, notei que seus clientes e amigos ouvem atentamente sua opinião. É ótimo porque você pode ajudar a construir a coleção certa de todos os ângulos. Do lado material, como um bom investimento, e do lado espiritual e energético. Você não sente uma espécie de orgulho por estar sendo ouvido?

Cristina Krasnyanskaya: Durante todo esse tempo, percebi que o trabalho de um galerista é, em certo sentido, também o trabalho de um psicólogo. Houve momentos diferentes e Longa distância ao que tenho agora. Quando comecei a vender arte, poucas pessoas queriam comprar de mim. As pessoas que estão seriamente envolvidas nisso, gastam muito dinheiro, têm seus próprios consultores e, claro, a questão da confiança na experiência e profissionalismo é muito importante. Eu descobri dois postulados para mim: primeiro, nunca devo ter vergonha do que vendo, uma pessoa não deve se decepcionar e devolver, e segundo, nunca pressiono as pessoas, não “empurro” nada e até aconselho meus clientes quando compram através de outros negociantes de arte ou galerias. Sua honestidade e profissionalismo reside em conduzir a pessoa com competência, dando-lhe os conselhos certos. Nosso negócio é muito delicado como vender um iate ou bom carro mais fácil do que vender arte, pois a arte não tem função utilitária. Na Rússia, a maioria dos colecionadores opta até hoje por arte clássica. A situação é muito mais complicada com a pintura abstrata, não figurativa, e é muito difícil com a arte contemporânea real e conceitual. Isto é muito trabalho interessante, afinal, ao contar e transmitir informações a uma pessoa, você começa a educá-la, desenvolvê-la, mudar sua percepção estética, tornando-a, digamos, mais ampla. A “fila observada” é muito importante. Afinal, se uma pessoa não assiste a exposições, não recebe, junto com o que vê, nova informação, não se desenvolve. Em geral, há um caminho padrão de colecionador: das paisagens clássicas à arte contemporânea...

: É verdade, mas a maioria das pessoas, infelizmente, trata a arte contemporânea de acordo com o princípio "Por que custa tanto, porque eu também posso fazer."

Cristina Krasnyanskaya R: Isso geralmente se deve à falta de informação e preparação. Quando você gradualmente mergulha em um tópico, você começa a entender melhor. Tudo é simples realmente. O artista tem duas ferramentas - forma e conteúdo. E tocar com esses dois instrumentos e suas variações dura 500 anos. Por forma queremos dizer "como se faz": pintura, grafismo, escultura, relevo, contra-relevo, instalação, etc., até a performance e a videoarte. O conteúdo é o tema, a mensagem do artista para a sociedade. A arte deve ter um diálogo com o espectador. Tomemos, por exemplo, o expressionismo, parece que a direção foi formada como resultado da Primeira Guerra Mundial, quando emoções como dor, decepção e desespero prevaleceram. A tarefa dos artistas era refletir esse tempo, transmitir essas emoções através da tela, e não mostrar bela foto com um colorido alegre, como os impressionistas. Nesse ponto, surgiram artistas como Egon Schiele e Edvard Munch. Pinturas que são bonitas à sua maneira, mas diferem da visão usual de beleza.

: Há realmente muita dor nas pinturas desses artistas. Quando tenho algum tipo de problema na minha vida, a imagem de Edvard Munch “O Grito” sempre aparece na minha cabeça.

Cristina Krasnyanskaya: Hoje, a arte precisa de um curador que se torne um tradutor, um explicador para o espectador das ideias do artista. Embora, na minha opinião, a arte deva falar diretamente ao espectador.

: Eu concordo com você. Tomemos, por exemplo, o Quadrado Negro de Kazimir Malevich. Tendo chocado o público com tal obra, abriu caminho para a fantasia e a liberdade de pensamento sobre o que queria transmitir ao espectador.

Cristina Krasnyanskaya: Malevich é um tema completamente diferente. Esta é a vanguarda russa, um dos temas mais procurados e, portanto, forjados no mundo da arte. Artistas que chegaram à não-objetividade dominaram todos os estágios, todos os estilos, todas as direções. Malevich, tendo passado por esse caminho, tornou-se de fato o fundador do minimalismo. Ele cancelou o formulário.

: Sua galeria já tem seis anos, você sente que quer se engajar nessa direção por toda a vida?

Cristina Krasnyanskaya: Você sabe, eu realmente gosto do que estou fazendo agora. Talvez no futuro eu mude o formulário esta direção, de alguma forma desenvolver, crescer, ir além da galeria. Não sou daqueles que pensam dez anos à frente. O mundo da arte é multifacetado, a galeria é uma delas. Este é um negócio muito caro, mas que oferece uma oportunidade para muitos projetos interessantes, criatividade, trabalho curatorial e promoção para o mercado internacional, participação em projetos internacionais. Nós nos tornamos a primeira e até agora a única galeria russa a expor no Design Miami Basel. Apresentamos outra direção na qual me envolvo apaixonadamente há vários anos - design de coleção. Estivemos em Miami e Basileia. Trago itens de design de autores ocidentais para a Rússia e design soviético para Basileia. Quando comecei, todos me diziam que ninguém precisava. Eu assumi muitos riscos e estava preocupado sobre como nosso projeto seria percebido por colecionadores de classe mundial e pela mídia ocidental. Mas tudo acabou tão bem. Hoje somos amigos dos museus mundiais e temos excelentes respostas na imprensa ocidental.

: No início de sua jornada, muitos discutiram o apoio de seus pais na criação de uma galeria. Você é ótima, e a cada ano prova que é uma profissional em sua área, e não apenas filha de seus pais. Não foi embaraçoso que eles disseram isso?

Cristina Krasnyanskaya: Sempre entendi que as pessoas terão uma associação com a minha família, e isso é um certo axioma. Tenho muito orgulho do meu sobrenome, se precisar usar meu primeiro nome, sempre o faço. Mas com tudo isso, estou sozinho. Claro, eu tinha capital inicial. Quando encontrei um lugar para uma galeria e ofereci ao meu pai, ele me disse que era uma loucura. Depois de todas as negociações, eu disse que não sabia o sucesso da galeria, mas o site era líquido, o que significa que não perderíamos nada. Ele concordou comigo. Antes disso, trabalhei em uma galeria fechada por 1,5 anos, e foi um bom começo para criar meu próprio negócio. Eu também tinha experiência de trabalho com revendedor, então eu já entendia algo nessa atividade. A decepção estava em outro lugar. Quando comecei a fazer isso, pensei que conhecidos e amigos que colecionam arte imediatamente começariam a comprar de mim. Mas as pessoas vinham, sorriam e não compravam muito, agora eu entendo o porquê. As pessoas que investem em arte já têm confidentes, consultores, e eu sou uma menina que começou agora a fazer isso, e cuja experiência não inspira a devida confiança.

Meu primeiro grande negócio foi assim. Um dia eu estava andando por outra exposição em Paris, chateado, e encontrei meu amigo. Ele já estava comprando arte ativamente naquela época e era bem versado nisso. Ele perguntou o que havia de interessante na minha galeria, e naquela época eu tinha dois trabalhos sérios muito bons. Pediu para trazê-los ao seu escritório e, vendo as telas, resolveu comprar, mesmo sem muita barganha. Esse foi meu primeiro sucesso e, passo a passo, as pessoas começaram a confiar na minha opinião.

: E como você promove a galeria?

Cristina Krasnyanskaya: Em relação ao PR, nunca trabalho com agências, apenas com pessoas. Isso está correto porque PR é um sistema de pontos. Lembro-me da minha primeira sessão brilhante, que foi para a Harper's Bazaar. Havia um fotógrafo incrível, a filmagem durou 6 horas. Alguns dias depois, quando vi o resultado, fiquei um pouco chocado. Photoshoped meu rosto foi alterado além do reconhecimento. Essa foi minha primeira aparição no gloss. Teve muita coisa depois disso... Estou muito orgulhoso da entrevista na revista Wallpaper*. A edição foi dedicada à Rússia, contou com os melhores profissionais em sua área. Arkady Novikov pela contribuição ao negócio de restaurantes, Daria Zhukova pelo melhor centro arte contemporânea, Olga Sviblova, como pessoa associada à fotografia, e eu como a personificação do design na Rússia. Foi muito agradável e importante para mim.

: Ok, mas sobre fraquezas femininas, do que você gosta?

Cristina Krasnyanskaya: Não serei original se disser que adoro bolsas, sapatos e casacos. Apesar de tudo isso, estou muito tranquilo joia, mais como roupas. Quando alguém me dá algo, prefiro que seja ARTE do que joias. Então troco Graff por Pablo Picasso.