Roger Fenton. Prutas. 1860 Graham Clarke. Ang tagakuha ng litrato. Oxford, 1997

Tinukoy ng photographic encyclopedia nina Fred at Gloria McDurr ang salitang "still life" tulad ng sumusunod: Pangkalahatang termino para sa mga litrato ng mga walang buhay na bagay, produkto at kalakal, kadalasang ginagamit sa advertising. Kapag ang maliliit na bagay ay inilagay sa ibabaw ng isang mesa, ang still life photography ay tinutukoy minsan bilang "table top" na photography. Maliban sa huling paglilinaw, ang kahulugan na ito ay medyo pare-pareho sa ginamit na may kaugnayan sa pagpipinta. Kapansin-pansin, ang termino mismo ay lumitaw nang mas huli kaysa sa imahe, at tumutukoy sa simula ng ika-19 na siglo. Ang kumbinasyong Pranses na nature morte (patay o nahihiya na kalikasan) ay naiiba sa English still life at German stilleben (kalma, tahimik na buhay) hindi lamang sa spelling, kundi pati na rin sa kahulugan. Sa Holland, walang iisang termino sa lahat: bawat espesyalisasyon (almusal, bulaklak bouquet, isda still lifes) ay may sariling pangalan para sa isang kuwago.

Ang mga bagay na walang buhay ay naroroon sa mga likhang sining mula pa noong panahon ng Paleolitiko. AT magkaibang panahon mayroon silang sariling papel at kahalagahan. Ang mga gawa ni Hans Holbein, Caravaggio o Jan Vermeer ay hindi pa rin buhay, ngunit sa kanilang mga gawa ay binigyan siya ng isang espesyal na lugar kapwa sa masining at sa mga tuntunin ng kahulugan. Bilang malayang genre Ang buhay pa rin ay lumitaw lamang sa siglong XVII.

Ang potograpiya, na humiram ng halos lahat ng mga genre mula sa pagpipinta, ay hindi gumawa ng isang pagbubukod para sa buhay na buhay. Tulad ng ipinapakita ng kasaysayan ng photography, ang buhay na walang buhay ang naging pinakakaunti sa larawang sining, bagaman ang kuwentong ito ay nagsimula talaga dito. Kabilang sa mga unang heliographic na eksperimento ng Nicephore Niepce ay isang still life, na binubuo ng isang bote, isang kutsilyo, isang kutsara, isang mangkok at isang tinapay na nakahiga sa isang mesa. Si Hippolyte Bayard noong 1839 ay gumawa ng komposisyon mula sa mga plaster cast, si Jacques-Louis Daguerre ay gumawa ng ilang still life na may mga plaster cast, maliliit na eskultura, mga painting at mga fragment ng sinaunang friezes, Henry Fox Talbot - na may mga shell at fossil. Kapansin-pansin na ang mga buhay pa rin na may mga katangian ng sining ay natagpuan din sa pagpipinta ni Jean Baptiste Chardin.

Madalas na inuulit ng mga photographer ang komposisyon at ginamit ang parehong mga paksa ng mga artista. Ang pahayag ni Henry Fox Talbot na "ang Dutch na paaralan ng pagpipinta ay nagsisilbing aming awtoritatibong mapagkukunan para sa paglalarawan ng mga bagay ng pang-araw-araw, pang-araw-araw na buhay" ay tila hindi napapansin, gaya ng ebidensya, halimbawa, ng mga gawa ni Roger Fenton, William Lake Price at Drew Diamond. Ang mga pangunahing bagay ng gayong mga still life ay mga bulaklak, prutas o patay na laro. Sa France, ang gawa ni Adolphe Braun ay parang photographic na bersyon ng gawa ni Jean-Baptiste Oudry, isang sikat na pintor ng korte noong ika-19 na siglo ng royal hunt ni Louis XV.

Ang mga buhay na buhay ay karaniwang kinunan sa loob ng bahay, ngunit may mga pagbubukod. Dahil sa mahinang light sensitivity ng mga maagang photographic na materyales, mas gusto ng ilang photographer na magtrabaho sa hardin o front garden. Ginamit ang anumang mga improvised na materyales (hagdan, kalaykay, kartilya, balde, atbp.), na kadalasang hinahalo sa mga dala na gamit sa bahay, sariwang bulaklak, mga punong magkatabi na may mga bagay na walang buhay. Ganito, halimbawa, ang mga buhay pa rin ni Louis-Remy Robert, Hippolyte Bayard at Richard Jones.

Buhay pa rin ang photographic sa paksa ng Vanitas (lat. "ghost", "vanity"), isang mahalagang katangian kung saan ang bungo, ay lumilitaw sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, halimbawa, ni Louis Jules Duboc-Soleil, at mula sa pana-panahong lumilitaw sa ika-20 siglo - Alfred Stieglitz, Irvin Penn, Robert Mapplethorpe at iba pa.

Sa simula ng ika-20 siglo, ang pagkuha ng litrato ay naghahanap ng mga bagong paraan at bagay upang maisama ang genre ng still life. Ang pagkuha lamang ng mga bagay na pinagsama-sama ay hindi na sapat. Mga kumplikadong anggulo, close-up, photograms, passion para sa hugis at texture ng bagay - lahat ng ito ay nagbibigay ng bagong hitsura sa lumang genre. Ang hanay ng mga bagay ay lumalawak: kasama ang mga karaniwang pang-araw-araw na bagay tulad ng isang tinidor o baso, lumilitaw ang mga pang-industriya na bagay (mga kasangkapan, mga bahagi ng mga makina at mga kagamitan sa makina). Sina Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, Bauhaus photographer, Edward Weston, William Underhill at iba pa ay nakikibahagi sa mga katulad na paghahanap.

Ang mundo ng mga ordinaryong bagay ay namumulaklak muli sa kalagitnaan ng siglo kasama ang mga buhay pa rin ni Josef Sudek. Ang malambot na nakakalat na liwanag ay nagbibigay sa isang ordinaryong bulaklak sa isang baso ng isang liriko-melancholic na mood.

Sa ikalawang kalahati ng huling siglo, ang buhay pa rin ay lalong in demand sa industriya ng advertising. Ang masayang unyon ng komersiyo at sining ay nakapaloob sa buhay na buhay ni Irwin Pena. Klasiko, naka-istilong, balintuna, ngunit laging simple at sopistikado. Salamat sa master na ito, sa unang pagkakataon noong 1944, ang pabalat ng isang fashion magazine ay pinalamutian ng isang photographic still life.

Kabilang sa mga litratista ng Russia sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo na nagtrabaho sa genre na ito, isang espesyal na lugar ang pagmamay-ari ni Boris Smelov. Ang kanyang classic still lifes ng lumang St. Petersburg araw-araw na buhay ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang perpektong komposisyon at hindi nagkakamali na pamamaraan. Si Joel-Peter Witkin ay isang hindi maunahang master ng "nakakagulat" na buhay pa rin. Ang pagsasalin mula sa Pranses na "patay na kalikasan" sa kasong ito ay tumpak na sumasalamin sa mga kagustuhan ng may-akda - iba't ibang bahagi katawan ng tao sa kanilang sarili (“Torso”) o naka-frame ng mga bulaklak at prutas (“Ulo ng Babae”, “Pista ng mga Mangmang”, atbp.).

Sa dami ng mga termino, ang photographic still life ay mas mababa kaysa sa iba pang mga genre, paminsan-minsan lamang na lumilitaw sa gawa ng isa o ibang may-akda. Pag-flip sa mga libro sa kasaysayan ng photography at mga katalogo ng koleksyon mga pangunahing museo, ang pagkakataong makahanap ng hiwalay na seksyon na nakatuon sa buhay na buhay ay halos zero.

graduate na trabaho

1. Ang kasaysayan ng pag-unlad ng buhay pa

Sa fine arts, ang isang still life (mula sa French natur morte - "dead nature") ay karaniwang tinatawag na isang imahe. walang buhay na mga bagay pinagsama sa iisang komposisyong pangkat. Para sa marami, mas pamilyar ang Aleman o Ingles na bersyon ng pagtatalagang still life at still leben (tahimik na buhay). Sa Dutch, ang pagtatalaga ng genre na ito ay parang tahimik, iyon ay, "tahimik na buhay", sa opinyon ng maraming mga artista at istoryador ng sining, ito ang pinakatumpak na pagpapahayag ng kakanyahan ng genre, ngunit ganoon ang lakas ng tradisyon. na ang "still life" ay isang kilala at pinag-ugat na pangalan. Ang isang still life ay maaaring magkaroon ng parehong malayang kahulugan at maging mahalaga bahagi mga komposisyon ng pagpipinta ng genre. Ang buhay pa rin ay nagpapahayag ng kaugnayan ng tao sa mundo sa paligid niya. Inihahayag nito ang pag-unawa sa maganda, na likas sa artista bilang isang tao sa kanyang panahon.

Ang buhay pa rin, bilang isang independiyenteng genre, ay lumitaw sa Flanders at Holland sa pagliko ng ika-16 at ika-17 na siglo, na mabilis na naabot ang pambihirang pagiging perpekto sa paghahatid ng pagkakaiba-iba ng mga bagay ng materyal na mundo. Ang proseso ng pagiging isang still life ay nagpatuloy sa halos parehong paraan sa maraming mga bansa. Kanlurang Europa. Ngunit kung isasama natin ang kasaysayan ng sining, kung gayon ang unang yugto sa pag-unlad ng buhay pa rin ay tumutukoy sa panahong Paleolitiko. Mayroong dalawang pangunahing pamamaraan na ginagamit ng mga sinaunang artista: naturalismo at ornamentality. Pagkatapos ang dalawang alon na ito ay nagsimulang magtagpo nang higit pa at higit pa, at isang "semi-conscious" na buhay pa rin ang lilitaw, isang imahe ng mga indibidwal na bahagi ng isang bagay. Ang isang tunay na buong bagay ay matatagpuan lamang sa edad ng tanso. Ang ikalawang yugto sa pag-unlad ng buhay na buhay ay tumatanggap ng kasagsagan nito sa sining ng Ehipto. Ang mga bagay ay palaging inilalarawan na nakahiwalay sa isa't isa. Sa unang pagkakataon, ipinakilala ang motif ng isang bulaklak, ang tema ng mga pinutol na halaman. Lumilitaw ang ugnayan ng mga proporsyon sa mga gawa ng sining ng Aegean. Ang mga bagay ay inilalarawan sa tatlong quarter na nakaayos sa mga pangkat. Ang mga tradisyon ng Aegean painting ay natagpuan ang kanilang pagpapatuloy kulturang Griyego. Maaari nating hatulan ang genre ng fine art na ito sa pamamagitan ng mga vase. Ang mga bagay ay hindi na nakabitin sa hangin, ngunit may sariling " tunay na lugar"sa kalawakan: isang kalasag na nakasandal sa isang puno, isang balabal na itinapon sa isang sanga - ang tinatawag na "nakabitin" na buhay pa. din sa mga eksena sa paaralan madalas na inilalarawan ang isang "musical" still life. Ang isa pang uri ng Greek still life ay maaaring makilala - "antigo". Gumagawa ang mga artista ng mga larawan ng mga workshop: mga piraso ng estatwa, lagari, martilyo, mga sketch plate. Halos imposibleng makahanap ng mga larawan ng mga bulaklak at hayop sa mga plorera ng Greek.

Sa medyebal na sining, bilang isang resulta ng fragmentation ng komposisyon, ang paghahati ng pictorial canvas sa mga kakaibang rehistro, ang paksa ay nagiging isang katangian, at hindi isang bagay ng imahe. Ang dekorasyon ay patuloy na gumaganap ng isang mahalagang papel, lalo na aktibong ginagamit sa mga stained-glass na bintana. mga katedral na katoliko. Ang mahigpit, marubdob na asetiko na sining ng Byzantium, na lumilikha ng walang kamatayan, monumental-generalized, napakahusay na kabayanihan na mga imahe, gumamit ng mga larawan ng mga indibidwal na bagay na may pambihirang pagpapahayag.

Sa sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia, ang ilang mga bagay na ipinakilala ng artist sa kanyang mahigpit na kanonikal na mga gawa ay may mahalagang papel din. Nagdala sila ng spontaneity, sigla, kung minsan ay tila isang bukas na pagpapahayag ng mga damdamin sa isang gawa na nakatuon sa isang abstract na mythological plot.

Ang buhay pa rin ay may mas malaking papel sa mga pagpipinta mga artista XV-XVI siglo sa panahon ng Renaissance. Ang pintor, na unang nagbigay pansin sa mundo sa paligid niya, ay naghangad na ipahiwatig ang lugar, upang matukoy ang halaga ng bawat bagay na nagsisilbi sa isang tao. Ang mga gamit sa bahay ay nakakuha ng maharlika at ipinagmamalaki na kahalagahan ng kanilang may-ari, ang kanilang pinaglingkuran. Sa malalaking canvases, ang buhay pa rin ay karaniwang sinasakop ang isang napaka-katamtamang lugar: isang basong sisidlan na may tubig, isang eleganteng pilak na plorera o pinong mga puting liryo sa manipis na mga tangkay na kadalasang nakasiksik sa sulok ng larawan. Gayunpaman, sa paglalarawan ng mga bagay na ito mayroong napakaraming mala-tula na pag-ibig para sa kalikasan, ang kanilang kahulugan ay lubos na espiritwal na dito mo na makikita ang lahat ng mga tampok na tumutukoy sa independiyenteng pag-unlad ng buong genre sa hinaharap.

Ang mga bagay, isang materyal na elemento, ay nakatanggap ng isang bagong kahulugan sa mga kuwadro na gawa noong ika-17 siglo - sa panahon ng nabuong genre ng still life. Sa mga kumplikadong komposisyon na may banghay na pampanitikan pumalit sila kasama ang iba pang mga bayani ng gawain. Sa pagsusuri sa mga gawa sa panahong ito, makikita ng isang tao kung ano ang isang mahalagang papel na sinimulang gampanan ng still life sa larawan. Nagsimulang lumitaw ang mga bagay sa mga akdang ito bilang pangunahing mga tauhan, na nagpapakita kung ano ang maaaring makamit ng isang artista sa pamamagitan ng paglalaan ng kanyang kakayahan sa ganitong uri ng sining.

Ang mga bagay na ginawa ng dalubhasa, masipag, matalinong mga kamay ay nagtataglay ng bakas ng mga iniisip, pagnanasa, at hilig ng isang tao. Naglilingkod sila sa kanya, nagpapasaya sa kanya, nagbibigay inspirasyon sa isang lehitimong pakiramdam ng pagmamataas. Hindi kataka-takang nalaman natin ang tungkol sa mga kapanahunan na matagal nang nawala sa balat ng lupa mula sa mga pira-pirasong pinggan, kagamitan sa bahay at mga bagay na ritwal na naging para sa mga arkeologo na nakakalat na mga pahina ng kasaysayan ng sangkatauhan.

Ang pagsilip sa nakapaligid na mundo, ang pagtagos sa mga batas nito na may matanong na pag-iisip, pag-alis ng mga kamangha-manghang misteryo ng buhay, ang artist ay sumasalamin dito sa kanyang sining nang higit pa at mas ganap at sa maraming paraan. Hindi lamang niya inilalarawan ang mundo sa paligid niya, ngunit ipinapahayag din ang kanyang pag-unawa, ang kanyang saloobin sa katotohanan.

Ang kasaysayan ng pagbuo at pag-unlad ng iba't ibang mga genre ng pagpipinta ay buhay na katibayan ng walang kapagurang trabaho kamalayan ng tao nagsusumikap na yakapin ang walang katapusang iba't ibang mga aktibidad, upang maunawaan ito sa estetikong paraan. Ang genre ng still life ay lalo na binibigkas sa Dutch painting ng proto-Renaissance. Ito ay bahagi pa rin ng interior, ngunit sa parehong oras, ang pag-ibig ng mga artist sa detalye ay lumilikha ng mga kamangha-manghang maliit na buhay pa rin: mga pinggan, isang mesa ng trabaho, mga sapatos na nakatayo sa sahig. Ang lahat ng ito ay inilalarawan na may parehong pag-ibig tulad ng mga pigura ng mga tao at mga santo. Sa Italya, lumilitaw ang buhay na buhay mula sa tanawin. Sa hinaharap, ang bagay ay tumatanggap ng isang uri ng independiyenteng aktibidad, nagiging isang kalahok sa aksyon. Mula noong proto-Renaissance, ang layunin ng mundo ay naging mas at mas makatotohanan, kung minsan kahit na halos nasasalat. Ito ay tumigil sa pagiging isang pagkukunwari, ngunit nagiging pang-araw-araw na buhay. Noong ika-16 na siglong mga artista Hilagang Renaissance nagsisimula silang ilantad ang mga bagay, tanggalin ang mga takip mula sa kanila (halimbawa, balat mula sa mga hayop).

Ang buhay pa rin ay isang medyo batang genre. Nakatanggap ito ng independiyenteng kahalagahan sa Europa noong ika-17 siglo lamang. Ang kasaysayan ng pag-unlad ng still life ay kawili-wili at nakapagtuturo. Ang buhay na walang buhay ay umunlad lalo na nang buo at malinaw sa Flanders at Netherlands. Ang buhay pa rin sa wakas ay nahuhubog bilang isang malayang genre ng pagpipinta. Ang paglitaw nito ay konektado sa mga rebolusyonaryong makasaysayang kaganapan, bilang isang resulta kung saan ang mga bansang ito, na nakakuha ng kalayaan, sa simula ng ika-17 siglo, ay nagsimula sa landas ng burges na pag-unlad. Para sa Europa noong panahong iyon, ito ay isang mahalaga at progresibong kababalaghan. Nagbukas ang mga bagong abot-tanaw bago ang sining. Makasaysayang mga kondisyon, mga bagong panlipunang relasyon na itinuro at tinutukoy ang mga malikhaing pangangailangan, mga pagbabago sa paglutas ng mga problemang kinakaharap ng pintor. nang walang direktang paglalarawan makasaysayang mga pangyayari, ang mga artista ay muling tumingin sa mundo, natagpuan ang mga bagong halaga sa tao. Ang buhay ay karaniwang lumitaw sa harap nila na hanggang ngayon ay hindi alam ang kahalagahan at kapunuan. Naakit sila sa mga kakaibang buhay ng bansa, katutubong kalikasan, mga bagay na nagpapanatili ng imprint ng mga paggawa at araw ordinaryong mga tao. Ito ay mula dito, mula sa isang mulat, malalim, na nag-udyok ng interes sa buhay ng mga tao, na ang hiwalay at independiyenteng mga genre ng pang-araw-araw na pagpipinta, tanawin ay ipinanganak, at ang buhay na buhay ay lumitaw.

Ang sining ng buhay pa rin, na binuo noong ika-17 siglo, ay tumutukoy sa mga pangunahing katangian ng genre na ito. Pagpipinta, nakatuon sa mundo bagay, pinag-uusapan ang mga pangunahing katangian na likas sa mga bagay na nakapalibot sa isang tao, nagsiwalat ng saloobin ng artist at kontemporaryo sa kung ano ang inilalarawan, ipinahayag ang kalikasan at pagkakumpleto ng kaalaman sa katotohanan. Ang pintor ay naghatid ng materyal na pagkakaroon ng mga bagay, ang kanilang dami, timbang, texture, kulay, functional na halaga ng mga gamit sa bahay, ang kanilang buhay na koneksyon sa aktibidad ng tao. Ang kagandahan at pagiging perpekto ng mga kagamitan sa sambahayan ay natutukoy hindi lamang sa pamamagitan ng kanilang pangangailangan, kundi pati na rin ng kasanayan ng kanilang lumikha. Ang tahimik na buhay ng rebolusyonaryong panahon ng matagumpay na burgesya ay sumasalamin sa paggalang ng artista sa mga bagong anyo ng pambansang buhay ng kanyang mga kababayan, paggalang sa trabaho.

Binuo noong ika-17 siglo, ang mga gawain ng genre sa sa mga pangkalahatang tuntunin umiral sa European school hanggang sa kalagitnaan ng ikalabinsiyam siglo. Gayunpaman, hindi ito nangangahulugan na ang mga artista ay hindi nagtakda ng kanilang sarili ng mga bagong gawain, na mekanikal na inuulit ang mga handa na solusyon.

Sa paglipas ng mga panahon, hindi lamang ang mga pamamaraan at paraan ng pagpipinta ng isang still life ay nagbago, ngunit ang artistikong karanasan ay naipon, sa proseso ng pagbuo ng isang mas kumplikado at patuloy na nagpapayaman na pananaw sa mundo ay nabuo.

Paglikha ng mga malikhaing maliliwanag na accent sa silid ng mga bata, na ginawa sa pamamaraan ng batik

Ang batik ay isang pattern na inilapat sa isang espesyal na paraan. Ito ay tungkol tungkol sa orihinal na paraan pinalamutian ang tela sa pamamagitan ng paglalagay ng mga pattern na may tinunaw na wax, na sinusundan ng pangkulay sa mga bahagi ng tela na nanatiling walang takip ...

Mga teknolohikal na tampok ng still life sa graphics

Ang kasaysayan ng mga graphic na sining bilang isang anyo ng sining ay nagsimula noong ilang libong taon. Ang graphics ay ang pinakaluma sa lahat ng sining...

Mga tradisyon at inobasyon sa sining ng mga impresyonistang artista

Hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang mga pintor ng Pransya ay bahagi ng sistema, na nakakaranas ng impluwensya ng isang kumplikadong institusyong propesyonal na may mga departamento sa lahat ng pangunahing sining ...

Kultura ng sining Klasikal na Panahon ng Pranses

Upang maunawaan kung bakit nagmula ang kalakaran na ito sa sining at nakakuha ng ganitong katanyagan sa France, buksan natin ang kasaysayan ng estadong ito. maagang XVII siglo. Matapos ang pagpatay kay Haring Henry IV noong 1610, opisyal hanggang 1614...

cartoon ng Hapon

Ang pagdating ng anime Ang unang Japanese animated na pelikula ay lumabas noong 1917. Ang mga ito ay maliliit na pelikula mula isa hanggang limang minuto ang haba, at sila ay ginawa ng mga solong artista...

Japanese minimalist na disenyo

Ang mga unang simula ng minimalism sa Europa ay natagpuan na sa ika-18 siglo: noong 1777, ang pinakadakilang makatang Aleman, pilosopo at artista na si Johann Wolfgang Goethe ay nagtayo ng isang uri ng iskultura sa hardin ng kanyang tahanan sa tag-araw sa Weimar...

Buhay pa rin sa pagpipinta - mga larawan ng static na walang buhay na mga bagay na pinagsama sa isang solong grupo. Ang isang still life ay maaaring ipakita bilang isang independiyenteng canvas, ngunit kung minsan ito ay nagiging bahagi ng komposisyon ng isang eksena sa genre o isang buong pagpipinta.

Ano ang buhay pa rin?

Ang ganitong pagpipinta ay ipinahayag sa subjective na saloobin ng isang tao sa mundo. Ipinapakita nito ang likas na pag-unawa ng master sa kagandahan, na nagiging sagisag ng mga pagpapahalagang panlipunan at ang aesthetic ideal ng oras. Ang buhay pa rin sa pagpipinta ay unti-unting nabago sa isang hiwalay makabuluhang genre. Ang prosesong ito ay tumagal ng higit sa isang daang taon, at ang bawat bagong henerasyon ng mga artista ay nauunawaan ang mga canvases at kulay ayon sa mga uso ng panahon.

Ang papel ng still life sa komposisyon ng isang pagpipinta ay hindi limitado sa simpleng impormasyon, isang hindi sinasadyang karagdagan sa pangunahing nilalaman. Depende sa mga makasaysayang kundisyon at panlipunang pangangailangan, ang mga bagay ay maaaring magkaroon ng higit o hindi gaanong aktibong bahagi sa paglikha ng isang komposisyon o isang imahe ng hotel, na nakakubli sa isa o ibang layunin. Ang buhay pa rin sa pagpipinta bilang isang independiyenteng genre ay idinisenyo upang mapagkakatiwalaang ihatid ang kagandahan ng mga bagay na araw-araw na pumapalibot sa isang tao.

Minsan ang isang detalye o elemento ay biglang nagkakaroon ng malalim na kahulugan, nakakakuha ng sarili nitong kahulugan at tunog.

Kwento

Bilang isang luma at iginagalang na genre, alam ng buhay pa rin sa pagpipinta ang mga tagumpay at kabiguan nito. Ang matindi, ascetic at minimalistic ay nakatulong upang lumikha ng walang kamatayang monumental na pangkalahatan na matayog na mga imahe ng kabayanihan. Ang mga iskultor na may pambihirang pagpapahayag ay nasiyahan sa imahe mga indibidwal na bagay. Ang mga uri ng still life sa pagpipinta at lahat ng uri ng klasipikasyon ay nagmula sa panahon ng pagbuo ng kasaysayan ng sining, kahit na ang mga canvases ay umiral nang matagal bago naisulat ang unang aklat-aralin.

Icon painting tradisyon at still lifes

Sa sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia, ang ilang mga bagay na pinangahasan ng artist na ipakilala sa mahigpit na laconism ng mga canonical na gawa ay may malaking papel. Nag-aambag sila sa pagpapakita ng lahat ng kaagad at ipinapakita ang pagpapahayag ng mga damdamin sa isang gawaing nakatuon sa isang abstract o mythological plot.

Ang mga uri ng still life sa pagpipinta ay umiiral nang hiwalay sa mga gawa ng icon-painting, bagama't ang isang mahigpit na canon ay hindi nagbabawal sa paglalarawan ng ilang mga bagay na likas sa genre.

buhay pa rin renaissance

Gayunpaman, ang mga gawa noong ika-15-16 na siglo ay may mahalagang papel sa Renaissance. Ang pintor ay unang nakakuha ng pansin sa mundo sa paligid niya, hinahangad na matukoy ang kahalagahan ng bawat elemento sa paglilingkod sa sangkatauhan.

Ang modernong pagpipinta, buhay pa rin bilang isang sikat at minamahal na genre ay nagmula sa panahon ng Tricento. Ang mga gamit sa bahay ay nakakuha ng isang tiyak na maharlika at kahalagahan ng may-ari na kanilang pinaglilingkuran. Sa malalaking canvases, ang isang buhay na buhay, bilang panuntunan, ay mukhang napakahinhin at maingat - garapon ng salamin na may tubig, ang pilak ng isang eleganteng plorera o pinong mga liryo sa manipis na mga tangkay ay mas madalas na nakasiksik sa isang madilim na sulok ng larawan, tulad ng mga mahihirap at nakalimutang kamag-anak.

Gayunpaman, sa imahe ng maganda at malapit na mga bagay ay may napakaraming pag-ibig sa patula na anyo na ang modernong pagpipinta, buhay pa rin at ang papel nito dito ay nahihiyang tumingin sa mga puwang sa mga landscape at mabibigat na kurtina ng mga eksena sa genre.

Mahalagang sandali

Ang mga paksa ay nakakuha ng isang tunay na elemento sa mga pagpipinta at isang bagong kahulugan noong ika-17 siglo - isang panahon kung saan ang buhay na may mga bulaklak ay nanaig at nangingibabaw. Ang ganitong uri ng pagpipinta ay nakakuha ng maraming hinahangaan sa mga maharlika at klero. Sa mga kumplikadong komposisyon na may binibigkas na pampanitikan storyline ang mga eksena ay nakakuha ng kanilang lugar kasama ang mga pangunahing tauhan. Sa pagsusuri sa mga gawa ng panahon, madaling makita na ang mahalagang papel ng buhay na walang buhay ay katulad na ipinakita sa panitikan, teatro at iskultura. Ang mga bagay ay nagsimulang "kumilos" at "mabuhay" sa mga gawaing ito - ipinakita sila bilang pangunahing mga karakter, na nagpapakita ng pinakamahusay at pinaka-kapaki-pakinabang na mga aspeto ng mga bagay.

Ang mga bagay ng sining na ginawa ng mga masisipag at mahuhusay na manggagawa ay nagtataglay ng personal na imprenta ng mga kaisipan, pagnanasa, at hilig. tiyak na tao. ang pagpipinta ay ang pinakamahusay mga pagsusulit sa sikolohikal tumulong na subaybayan ang kalagayang psycho-emosyonal at makamit ang panloob na pagkakaisa at integridad.

Ang mga bagay ay matapat na naglilingkod sa isang tao, na pinagtibay ang kanyang sigasig para sa mga gamit sa bahay at nagbibigay-inspirasyon sa mga may-ari na bumili ng mga bagong magaganda, eleganteng maliliit na bagay.

Flemish Renaissance

Ang pagpipinta ng gouache, buhay pa rin bilang isang genre ay hindi agad tinanggap ng mga tao. Ang kasaysayan ng paglitaw, pag-unlad at malawakang pagpapatupad ng iba't ibang ideya at prinsipyo ay nagsisilbing paalala ng patuloy na pag-unlad ng pag-iisip. Ang buhay pa rin ay naging sikat at sunod sa moda noong kalagitnaan ng ika-17 siglo. Nagsimula ang genre sa Netherlands, maliwanag at maligaya Flanders, kung saan ang kalikasan mismo ay nakakatulong sa kagandahan at kasiyahan.

Ang pagpipinta ng gouache, ang mga buhay pa rin ay umunlad sa panahon ng malalaking pagbabago, isang kumpletong pagbabago ng mga institusyong pampulitika, panlipunan at relihiyon.

kasalukuyang flanders

Ang burges na direksyon ng pag-unlad ng Flanders ay isang bago at pag-unlad para sa buong Europa. Pagbabago sa buhay pampulitika humantong sa mga katulad na pagbabago sa kultura - ang mga abot-tanaw na nabuksan bago ang mga artista ay hindi na limitado sa mga pagbabawal sa relihiyon at hindi suportado ng mga nauugnay na tradisyon.

Ang buhay pa rin ay naging punong barko ng bagong sining, na niluwalhati ang lahat ng natural, maliwanag at maganda. Ang mga mahigpit na canon ng Katolisismo ay hindi na pinigilan ang paglipad ng imahinasyon at pag-usisa ng mga pintor, at samakatuwid ang agham at teknolohiya ay nagsimulang umunlad kasama ng sining.

Ang mga pang-araw-araw na bagay at bagay, na dating itinuturing na base at hindi karapat-dapat na banggitin, ay biglang bumangon sa mga bagay na masusing pag-aaral. pandekorasyon na pagpipinta, ang still life at landscape ay naging isang tunay na salamin ng buhay - araw-araw na gawain, diyeta, kultura, mga ideya tungkol sa kagandahan.

Mga katangian ng genre

Ito ay mula rito, mula sa isang mulat, malalim na pag-aaral ng nakapaligid na mundo, na nabuo ang isang hiwalay na genre ng pang-araw-araw na pagpipinta, landscape, at still life.

Ang sining, na nakakuha ng ilang mga canon noong ika-17 siglo, ay tumutukoy sa pangunahing kalidad ng genre. Ang larawan, na nakatuon sa mundo ng mga bagay, ay naglalarawan ng mga pangunahing katangian na likas sa mga bagay na nakapaligid sa isang tao, ay nagpapakita ng saloobin ng master at ang kanyang hypothetical na kontemporaryo sa kung ano ang ipinapakita, ay nagpapahayag ng kalikasan at pagkakumpleto ng kaalaman tungkol sa katotohanan. Ang artist ay kinakailangang ihatid ang materyal na pagkakaroon ng mga bagay, ang kanilang dami, timbang, mga texture, mga kulay, ang functional na layunin ng mga gamit sa bahay at ang kanilang mahalagang koneksyon sa aktibidad ng tao.

Mga gawain at problema ng buhay pa

Ang pandekorasyon na pagpipinta, buhay pa rin at mga domestic na eksena ay hinihigop ang mga bagong uso ng panahon - ang pag-alis mula sa mga canon at ang sabay-sabay na pangangalaga ng konserbatibong naturalismo ng imahe.

Ang tahimik na buhay ng rebolusyonaryong panahon sa panahon ng kumpletong tagumpay ng burgesya ay sumasalamin sa paggalang ng artista sa mga bagong anyo ng pambansang buhay ng kanyang mga kababayan, paggalang sa gawain ng mga ordinaryong artisan, paghanga sa magagandang larawan kagandahan.

Ang mga problema at gawain ng genre sa kabuuan, na nabuo noong ika-17 siglo, ay hindi tinalakay sa mga paaralan sa Europa hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Samantala, patuloy na itinatakda ng mga artista ang kanilang sarili ng mga bago at bagong gawain, at hindi nagpatuloy sa mekanikal na paggawa ng mga handa na komposisyonal na solusyon at mga scheme ng kulay.

Mga modernong canvases

Ang mga larawan ng mga still life para sa pagpipinta, na inihanda sa mga modernong studio, ay malinaw na nagpapakita ng pagkakaiba sa pagitan ng pang-unawa sa mundo ng isang kontemporaryo at isang tao ng Middle Ages. Ang dynamics ng mga bagay ngayon ay lumampas sa lahat ng naiisip na limitasyon, at ang statics ng mga bagay ay ang pamantayan para sa panahong iyon. Ang mga kumbinasyon ng kulay noong ika-17 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng ningning at kadalisayan ng kulay. Ang mga saturated shade ay magkakasuwato na umaangkop sa komposisyon at binibigyang diin ang ideya at ideya ng artist. Ang kawalan ng anumang canon sa pinakamahusay na paraan naiimpluwensyahan ang mga buhay pa rin noong ika-20 at ika-21 siglo, kung minsan ay tumatama sa imahinasyon ng kanilang kapangitan o sadyang pagkakaiba-iba.

Ang mga pamamaraan para sa paglutas ng mga problema ng buhay na buhay ay mabilis na nagbabago bawat dekada, ang mga pamamaraan at pamamaraan ay hindi nakakasabay sa imahinasyon ng mga kinikilala at hindi masyadong mga master.

Ang halaga ng mga pagpipinta ngayon ay nakasalalay sa pagpapahayag ng katotohanan sa pamamagitan ng mga mata ng mga kontemporaryong artista; sa pamamagitan ng embodiment sa canvas, lumitaw ang mga bagong mundo na maaaring magsabi ng maraming tungkol sa kanilang mga lumikha sa mga tao sa hinaharap.

Impluwensiya ng Impresyonismo

Ang susunod na milestone sa kasaysayan ng still lifes ay impresyonismo. Ang buong ebolusyon ng direksyon ay makikita sa mga komposisyon sa pamamagitan ng mga kulay, pamamaraan at pag-unawa sa espasyo. Ang mga huling romantiko ng milenyo ay naglipat ng buhay sa canvas tulad nito - ang mabilis, maliwanag na mga stroke at nagpapahayag na mga detalye ay naging mga pundasyon ng estilo.

Pagpipinta, buhay pa rin mga kontemporaryong artista tiyak na taglay ang imprint ng mga inspirational impressionist sa pamamagitan ng kulay, paraan at pamamaraan ng imahe.

Pag-alis mula sa mga karaniwang canon ng klasisismo - tatlong mga plano, gitnang komposisyon at mga makasaysayang bayani- pinahintulutan ang mga artist na bumuo ng kanilang sariling pang-unawa ng kulay at liwanag, pati na rin upang ipakita ang libreng paglipad ng mga emosyon sa madla sa isang naa-access at visual na paraan.

Ang mga pangunahing gawain ng mga Impresyonista - pagbabago pamamaraan ng pagpipinta at sikolohikal na nilalaman ng larawan. At ngayon, kahit na alam ang sitwasyon ng panahong iyon, mahirap hanapin ang tamang sagot sa tanong kung bakit ang mga impresyonistang tanawin, kasing saya at hindi sopistikadong tula, ay nagdulot ng matinding pagtanggi at bastos na pangungutya mula sa mga mapiling kritiko at isang napaliwanagan na publiko.

Ang impresyonistang pagpipinta ay hindi umaangkop sa pangkalahatang tinatanggap na balangkas, kaya ang mga buhay at tanawin pa rin ay itinuturing na isang bagay na bulgar, hindi karapat-dapat na kilalanin kasama ng iba pang mga latak ng mataas na sining.

Isang art exhibition na naging isang uri ng gawaing misyonero para sa mga sikat na artista noong panahong iyon, naabot ang mga puso at nagpakita ng kagandahan at kagandahang-loob Ang mga larawan ng mga bagay at bagay sa lahat ng magagamit na paraan ay naging pangkaraniwan kahit na sa loob ng mga pader ng mga kakila-kilabot na institusyon na naghahayag ng mga prinsipyo lamang. klasikal na sining. Ang matagumpay na prusisyon ng mga still life ay hindi huminto mula noong katapusan ng ika-19 na siglo, at ang iba't ibang genre at diskarte ngayon ay ginagawang posible na huwag matakot sa anumang mga eksperimento na may kulay, mga texture at mga materyales.

Ano ang buhay pa rin?

Ang buhay pa rin ay isang genre ng pagpipinta na naglalarawan walang buhay na kalikasan. Ang genre ay nagmula noong ika-17 siglo.

Ang buhay pa rin ay pangunahing nakakagulat at kawili-wili dahil ginagawa nitong makita ng mga tao ang kagandahan at pagkakaisa sa pang-araw-araw, nakakainip na mga bagay na patuloy na nakapaligid sa atin, ngunit hindi nakakaakit ng ating pansin sa kanilang sarili.

Ang genre ay hindi kasing simple ng tila sa unang sulyap: sa karamihan ng mga kuwadro na ito, ang mga artista ay gumagamit ng alegorya - sinubukan nila ang isang tiyak na hanay ng mga bagay, ang kanilang pag-aayos, mga napiling kulay, pangkalahatang komposisyon upang sabihin sa mga tao ang isang bagay na mahalaga, upang ihatid kung ano ang nag-aalala sa kanila, upang sabihin ang tungkol sa kanilang mga damdamin at iniisip.

Sa kabila ng madilim na salin na "dead nature", ang mga canvases ay kadalasang puno ng Matitingkad na kulay, galakin ang manonood sa kanilang pagka-orihinal at quirkiness, gisingin ang pagnanais na mabuhay at humanga sa mundo sa kanilang paligid, upang makita ang kagandahan sa loob nito.

Maraming uri at subspecies ng still life, halimbawa, plot-thematic, creative, educational at creative, educational. Ang mga ito ay nahahati din ayon sa mga kulay na ginamit, ilaw, kulay, oras ng pagganap, lokasyon, atbp.

Ang mga nagtatag ng still life bilang isang malayang genre ay ang Dutch at Flemish artist. Sa una, ang mga kuwadro na gawa ay lumitaw sa relihiyosong paggamit. Gayundin sa panahon ng pinagmulan ng genre, mga kuwadro na gawa ng isang madilim na kalikasan na may malalim pilosopikal na kahulugan at madilim na tono, sa gitna ng komposisyon, na kung saan ay mga bungo, kandila at ilang iba pang mga katangian. Pagkatapos, unti-unting umuunlad, ang genre ay sumisipsip ng higit at higit pang mga bagong direksyon at paulit-ulit na naging mas at mas malawak sa lahat ng mga lupon ng lipunan. Bulaklak, libro, gulay at prutas, seafood, pinggan at iba pang gamit sa bahay - lahat ay makikita sa sining. Ang ilan sa mga pinakasikat na still life artist ay sina Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Briese.

Cezanne, Paul. Buhay pa rin na may granada at peras. 1885-1890
Cezanne, Paul. Still life na may mga mansanas at dalandan. 1895-1900

Sa Russia, nagmula ang genre maagang XVIII siglo, ngunit walang sinuman ang seryosong nakikibahagi dito, ito ay itinuturing na isang "mas mababang" genre. Sa simula ng ika-20 siglo, ang pagpipinta ng still life ay umabot sa tugatog nito; nilikha ng mga artista ang kanilang mga obra maestra, itinakda ang kanilang sarili ng mga bagong gawain at naabot ang hindi masabi na taas sa kasanayan, ginamit hindi pangkaraniwang mga pamamaraan, mga napiling bagong larawan. Ang buhay pa rin ng Ruso, hindi katulad ng Kanluranin, ay hindi unti-unting umunlad, ngunit sa isang pinabilis na tulin. Paglikha sa genre na ito, tulad ng mga Russian artist tulad ng K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov at marami pang iba.

I. Levitan I. Levitan

Sa modernong pagpipinta, ang buhay pa rin ay sumasailalim sa isang bagong pagtaas at ngayon ay matatag na sumasakop sa isang ganap na lugar sa iba pang mga genre ng pinong sining. Ngayon ito ay isa sa mga pinaka-hinahangad na direksyon sa pagpipinta. Ang pagkakaroon ng isang malaking bilang ng mga pagkakataon para sa self-realization sa pagkamalikhain, ang mga artist ay nagpinta ng iba't ibang uri ng still lifes. At ang mga manonood, naman, ay bumibili ng mga kuwadro na gawa, pinalamutian ang kanilang mga interior sa kanila, pinasisigla ang kanilang tahanan at nagdudulot ng kaginhawahan at kagalakan dito. Ang mga museo ay patuloy na pinupuno ng mga buhay na buhay, parami nang parami ang mga bagong eksibisyon na nagbubukas sa iba't ibang mga lungsod at bansa, kung saan dumarating ang mga pulutong ng mga manonood na interesado sa sining. Pagkalipas ng ilang siglo, na dumaan sa isang mahabang ganap na landas ng pag-unlad, ang buhay pa rin ay may kaugnayan at hindi nawala ang kahalagahan nito sa pagpipinta ng mundo.

Pagtuturo

Ang buhay pa rin bilang isang genre ay hindi agad lumabas; sa loob ng mahabang panahon, ang mga kuwadro na naglalarawan ng mga bulaklak at mga gamit sa bahay ay ginamit bilang karagdagan sa pag-frame sa iba pang mga canvases, pati na rin ang dekorasyon sa mga pintuan ng muwebles. Ang mga unang independiyenteng pagpipinta ay lumitaw noong ika-17 siglo. Pagkatapos ang mga imahe ng mga bagay ay nagsimulang gamitin bilang mga alegorya, at ang bawat bagay ay may karagdagang simbolikong kahulugan. Nang maglaon, ang still life ay naging tanyag sa mga artista, ngunit itinuturing na isang mababang genre.

Mayroong ilang mga uri ng still life, ang isa sa pinakauna at pinakakaraniwan ay ang flower still life, ang susunod na pinakasikat ay ang still life ng hinahaing table. Ang simbolikong buhay na buhay ay patuloy na umiiral. Ang isa pang pananaw na medyo kamakailan ay lumitaw ay isang abstract still life, sa istilong ito ang mga bagay ay hindi inilalarawan nang makatotohanan, ang mga anyo ay sketchy, at ang mga kulay ay walang makinis na mga transition.

Kung mahilig ka sa pagguhit, malamang na nakagawa ka ng maraming mga guhit at pagpipinta sa genre na ito. Upang gumuhit ng isang buhay na buhay, hindi mo kailangang gumastos ng oras at pagsisikap na maghanap ng mga kagiliw-giliw na bagay para sa pagguhit, maaari kang palaging gumuhit magandang komposisyon mga bagay na laging nasa kamay. Gumamit ng drapery bilang backdrop, ang isang maliit na piraso ng tela ay mainam. Ayusin ang mga bagay upang makakuha ka ng ilang mga plano, tandaan na ang mga bagay Malaki dapat ay nasa background at ang mga mas maliit. Maglagay ng karagdagang pinagmulan ng kulay sa gilid, ito ay magdaragdag ng lakas ng tunog sa mga bagay. Ang mga regular na ehersisyo na may ganitong mga produksyon ay magbibigay-daan sa iyo upang mahasa ang iyong mga kasanayan sa pagguhit.

Mga kaugnay na video

Mga Pinagmulan:

• Komposisyon sa buhay pa
• Ano ang buhay pa

Mabuti buhay pa ay ipinanganak nang matagal bago ka pumili ng pintura at brush. Ang tagumpay ay nakasalalay sa kung paano mo pipiliin ang mga bagay na iyong iguguhit at kung paano mo ito inaayos sa espasyo.

Pagtuturo

Mag-isip ng tema ng still life. Siyempre, maaari mong ilagay ang lahat ng mga item sa mesa nang sabay-sabay, ngunit ang mga bahagi na pinagsama ng isang kuwento, na hinulaan ng personalidad ng kanilang may-ari, o hindi bababa sa istilo, ay magiging mas lohikal.

Pagbukud-bukurin ang lahat ng mga bahagi ayon sa hugis. Ito ay kanais-nais na ito ay iba-iba - maghanap ng mga bagay na mataas at mababa, malawak at makitid. Kung hindi man, ang monotony ng mga form sa larawan ay hahantong sa katotohanan na ang lahat ay maghahalo sa isang masa at ang mga bagay ay "huhulog" lamang sa larangan ng pagtingin.

Siguraduhin na hindi ito binubuo ng mga produkto at bagay na hindi tugma sa kulay. Kung nahihirapan kang matukoy ito sa pamamagitan ng mata, gamitin ang color wheel. Maglagay ng equilateral triangle dito. Ang mga anggulo nito ay magsasaad ng tatlong pangunahing kulay na magkatugma sa isa't isa. Bilang karagdagang mga kulay, maaari kang kumuha ng mga shade na nasa gilid ng mga pangunahing.

Piliin ang tamang background. Maaari kang maglagay ng still life sa isang drapery o walang takip na ibabaw. Mahalaga na ito ay neutral sa kulay (kung ang mga kakulay ng mga bagay ay puspos) o pinagsama sa buong komposisyon. Sa anumang kaso, hindi dapat kunin ng background ang malaking bahagi ng atensyon ng manonood.