Dmitry Shostakovich (A. Ivashkin)

Mukhang kamakailan lamang ang mga premiere ng mga gawa ni Shostakovich ay naging bahagi ng karaniwang ritmo ng pang-araw-araw na buhay. Hindi kami palaging may oras upang tandaan ang kanilang mahigpit na pagkakasunud-sunod, na ipinahiwatig ng patuloy na pag-unlad ng mga opus. Ang Opus 141 ay ang Ikalabinlimang Symphony, ang opus 142 ay isang cycle sa mga tula ni Marina Tsvetaeva, ang opus 143 at 144 ay ang Ikalabin-apat at Ikalabinlimang Quartets, ang opus 145 ay isang cycle sa mga tula ni Michelangelo at, sa wakas, ang opus 147 ay isang alto sonata. sa unang pagkakataon pagkatapos ng pagkamatay ng kompositor. Ang mga huling gawa ni Shostakovich ay nabigla sa mga tagapakinig: ang musika ay nakaantig sa pinakamalalim at pinakakapana-panabik na mga problema ng pagkakaroon. Nagkaroon ng pakiramdam ng pamilyar sa isang bilang ng mga pinakamataas na halaga ng kultura ng tao, na may ganap na artistikong iyon na walang hanggan na naroroon para sa atin sa musika ng Bach, Beethoven, Mahler, Tchaikovsky, sa tula ng Dante, Goethe, at Pushkin. Ang pakikinig sa musika ni Shostakovich, imposibleng suriin o ihambing - lahat ay hindi sinasadyang nahulog sa ilalim ng mahiwagang impluwensya ng mga tunog. Ang musika ay nakakabighani, na gumising sa walang katapusang serye ng mga asosasyon, na pumukaw sa kilig ng isang malalim at nakakalinis ng kaluluwa na karanasan.

Nakilala namin ang kompositor sa kanyang mga huling konsyerto, sa parehong oras ay malinaw at matinding nadama namin ang "kawalang-panahon", ang kawalang-hanggan ng kanyang musika. Ang buhay na hitsura ni Shostakovich, ang ating kontemporaryo, ay naging hindi mapaghihiwalay mula sa tunay na klasiko ng kanyang mga nilikha, na nilikha ngayon, ngunit magpakailanman. Naaalala ko ang mga linya na isinulat ni Yevtushenko sa taon ng pagkamatay ni Anna Akhmatova: "Walang oras si Akhmatova, kahit papaano ay hindi angkop na umiyak tungkol sa kanya hindi ako makapaniwala noong siya ay nabubuhay, hindi ako makapaniwala noong siya ay namatay .” Ang sining ni Shostakovich ay parehong malalim na moderno at "walang oras". Kasunod ng paglitaw ng bawat bagong gawa ng kompositor, hindi namin sinasadyang nakipag-ugnayan sa hindi nakikitang kurso ng kasaysayan ng musika. Ginawa ng henyo ni Shostakovich na hindi maiiwasan ang pakikipag-ugnayang ito. Nang pumanaw ang kompositor, mahirap agad itong paniwalaan: imposibleng isipin ang pagiging moderno nang walang Shostakovich.

Ang musika ni Shostakovich ay orihinal at sa parehong oras ay tradisyonal. "Para sa lahat ng kanyang pagka-orihinal, si Shostakovich ay hindi kailanman tiyak sa ito siya ay mas klasiko kaysa sa mga klasiko," isinulat niya tungkol sa kanyang guro B. Tishchenko. Si Shostakovich, sa katunayan, ay mas klasikal kaysa sa mga klasiko sa antas ng pangkalahatan kung saan siya ay lumalapit sa parehong tradisyon at pagbabago. Sa kanyang musika ay wala tayong makikitang literal o stereotype. Ang istilo ni Shostakovich ay isang napakatalino na pagpapahayag ng isang kalakaran na karaniwan sa musika noong ika-20 siglo (at sa maraming paraan natukoy ang kalakaran na ito): ang kabuuan ng pinakamahusay na mga nagawa ng sining sa lahat ng panahon, ang kanilang malayang pag-iral at interpenetration sa "organismo" ng daloy ng musika sa ating panahon. Ang istilo ni Shostakovich ay isang synthesis ng pinakamahalagang tagumpay ng kulturang sining at ang kanilang repraksyon sa artistikong sikolohiya ng tao sa ating panahon.

Mahirap na simpleng ilista ang lahat ng nagawa sa isang paraan o sa iba pa at makikita sa pattern ng malikhaing kamay ni Shostakovich na napaka katangian natin ngayon. Sa isang pagkakataon, ang "matigas ang ulo" na pattern na ito ay hindi umaangkop sa alinman sa mga sikat at naka-istilong uso. “Nadama ko ang pagiging bago at indibidwal ng musika,” ang paggunita B. Britten tungkol sa kanyang unang kakilala sa mga gawa ni Shostakovich noong 30s, sa kabila ng katotohanan na ito, natural, ay nag-ugat sa mahusay na nakaraan. Gumamit ito ng mga diskarte mula sa lahat ng panahon, ngunit nanatili itong maliwanag na katangian... Hindi maaaring "ilakip" ng mga kritiko ang musikang ito sa alinman sa mga paaralan. Konkreto at hindi direktang anyo ang karamihan sa mundo sa paligid niya ay nanatiling malapit sa Shostakovich sa buong buhay niya. Meyerhold, Prokofiev, Stravinsky, Berg- narito lamang ang isang maikling listahan ng patuloy na pagmamahal ng kompositor.

Ang pambihirang lawak ng mga interes ay hindi sinira ang "katatagan" ng istilo ni Shostakovich, ngunit binigyan ang monolitikong ito ng isang kamangha-manghang dami at malalim na pagbibigay-katwiran sa kasaysayan. Ang mga symphony, opera, quartets, vocal cycle ni Shostakovich ay dapat na lumitaw noong ika-20 siglo bilang hindi maiiwasang teorya ng relativity, information theory, at mga batas ng atomic splitting. Ang musika ni Shostakovich ay ang parehong resulta ng pag-unlad ng sibilisasyon, ang parehong pananakop ng kultura ng tao, tulad ng mga dakilang pagtuklas sa siyensya ng ating siglo. Ang gawain ni Shostakovich ay naging isang kinakailangang link sa kadena ng mataas na boltahe na pagpapadala ng isang linya ng kasaysayan.

Tulad ng walang iba, tinukoy ni Shostakovich ang nilalaman ng kulturang musikal ng Russia noong ika-20 siglo. "Sa kanyang hitsura ay may isang bagay na hindi maikakaila na makahula para sa ating lahat na mga Ruso, ang Kanyang hitsura ay lubos na nag-aambag sa pag-iilaw ... ng ating daan na may isang bagong gabay na liwanag (siya) ay isang hula at isang "indikasyon". Ang mga salitang ito ni Dostoevsky tungkol kay Pushkin ay maaari ding mailapat sa gawain ni Shostakovich. Ang kanyang sining ay sa maraming paraan ang parehong "paglilinaw" (Dostoevsky) ng nilalaman ng bagong kultura ng Russia na ang gawain ni Pushkin ay para sa kanyang panahon. At kung ang tula ni Pushkin ay nagpahayag at nagdirekta sa sikolohiya at kalooban ng isang tao sa panahon ng post-Petrine, kung gayon ang musika ni Shostakovich - sa lahat ng mga dekada ng gawain ng kompositor - ay tinutukoy ang pananaw sa mundo ng isang tao ng ika-20 siglo, na naglalaman ng magkakaibang mga tampok ng kanya. Gamit ang mga gawa ni Shostakovich, maaaring pag-aralan at tuklasin ng isang tao ang maraming mga tampok ng espirituwal na istraktura ng mga modernong Ruso. Ito ay matinding emosyonal na pagiging bukas at sa parehong oras ay isang espesyal na ugali sa malalim na pag-iisip at pagsusuri; ito ay maliwanag, makatas na katatawanan nang walang pagsasaalang-alang sa awtoridad at tahimik na mala-tula na pagmumuni-muni; ito ay pagiging simple ng pagpapahayag at isang banayad na kaisipan. Mula sa sining ng Russia, minana ni Shostakovich ang kalabisan, ang epikong saklaw at lawak ng mga imahe, at ang walang pigil na ugali ng pagpapahayag ng sarili.

Siya ay sensitibong nadama ang pagiging sopistikado, sikolohikal na katumpakan at pagiging tunay ng sining na ito, ang kalabuan ng mga bagay nito, ang pabago-bago, mapusok na kalikasan ng pagkamalikhain. Ang musika ni Shostakovich ay maaaring parehong mahinahon na "painterly" at ipahayag ang pinaka matinding banggaan. Ang pambihirang kakayahang makita ng panloob na mundo ng mga gawa ni Shostakovich, ang kapana-panabik na talas ng mga kalooban, pag-iisip, mga salungatan na ipinahayag sa kanyang musika - lahat ng ito ay mga tampok din ng sining ng Russia. Alalahanin natin ang mga nobela ni Dostoevsky, na literal na naghahatid sa atin sa mundo ng kanilang mga imahe. Ganito ang sining ng Shostakovich - imposibleng makinig sa kanyang musika nang walang malasakit. "Shostakovich," isinulat Yu, ay marahil ang pinakatotoo at tapat na artista sa ating panahon. Sumasalamin man siya sa mundo ng mga personal na karanasan, o lumiko sa mga phenomena ng kaayusang panlipunan, ang katangiang ito ng kanyang trabaho ay makikita sa lahat ng dako. Ito ba ang dahilan kung bakit ang kanyang musika ay may napakalakas na epekto sa nakikinig, na nakakahawa kahit sa mga panloob na sumasalungat dito?"

Ang sining ni Shostakovich ay nabaling labas ng mundo, sa sangkatauhan. Ang mga anyo ng apela na ito ay ibang-iba: mula sa liwanag ng poster ng mga theatrical production na may musika ng batang Shostakovich, ang Pangalawa at Ikatlong Symphonies, mula sa sparkling wit ng "The Nose" hanggang sa mataas na tragic pathos ng "Katerina Izmailova", ang Ikawalo, Ikalabintatlo at Ika-labing-apat na Symphonies at ang mga nakamamanghang paghahayag ng mga late quartets at vocal cycle, na parang bumubuo ng isang namamatay na "confession" ng artist. Sa pagsasalita tungkol sa iba't ibang mga bagay, "naglalarawan" o "nagpapahayag," si Shostakovich ay nananatiling labis na nasasabik at taos-puso: "Ang isang kompositor ay dapat na lampasan ang kanyang trabaho, lampasan ang kanyang pagkamalikhain." Ang "pagbibigay-sa-sarili" na ito bilang layunin ng pagkamalikhain ay naglalaman din ng likas na Ruso ng sining ni Shostakovich.

Para sa lahat ng pagiging bukas nito, ang musika ni Shostakovich ay malayo sa simplistic. Ang mga gawa ng kompositor ay palaging katibayan ng kanyang mahigpit at pinong aesthetics. Kahit na lumingon sa mga sikat na genre - mga kanta, operetta, si Shostakovich ay nananatiling tapat sa kadalisayan ng kanyang buong istilo, kalinawan at pagkakaisa ng pag-iisip. Para sa kanya, ang anumang genre ay, una sa lahat, mataas na sining, na minarkahan ng selyo ng hindi nagkakamali na pagkakayari.

Sa kadalisayan ng aesthetics at bihirang artistikong kahalagahan, ang kapunuan ng pagkamalikhain ay nakasalalay sa napakalaking kahalagahan ng sining ni Shostakovich para sa pagbuo ng espirituwal at pangkalahatang artistikong mga ideya ng isang bagong uri ng tao, isang tao ng ating bansa. Pinagsama ni Shostakovich sa kanyang trabaho ang buhay na salpok ng modernong panahon kasama ang lahat ng pinakamahusay na tradisyon ng kulturang Ruso. Ikinonekta niya ang sigasig para sa mga rebolusyonaryong pagbabago, ang kalunos-lunos at enerhiya ng muling pagtatayo sa malalim, "konseptuwal" na uri ng pananaw sa mundo na napaka katangian ng Russia sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo at malinaw na ipinakita sa mga gawa ni Dostoevsky. , Tolstoy, at Tchaikovsky. Sa ganitong diwa, ang sining ni Shostakovich ay nagtatayo ng tulay mula ika-19 na siglo hanggang sa huling bahagi ng ating siglo. Ang lahat ng musikang Ruso noong kalagitnaan ng ika-20 siglo ay sa isang paraan o iba pang tinutukoy ng gawain ni Shostakovich.

Bumalik sa 30s V. Nemirovich-Danchenko sumalungat sa "makitid na pag-unawa sa Shostakovich." Ang tanong na ito ay nananatiling may kaugnayan ngayon: ang malawak na estilistang spectrum ng akda ng kompositor ay minsan ay hindi makatwiran na pinaliit at "itinuwid." Samantala, ang sining ni Shostakovich ay may maraming kahulugan, tulad ng buong artistikong kultura ng ating panahon ay maraming kahulugan. "Sa isang malawak na kahulugan," ang isinulat M. Sabinina sa kanyang disertasyon na nakatuon kay Shostakovich, ang indibidwal na natatanging pag-aari ng estilo ni Shostakovich ay ang napakalaking pagkakaiba-iba ng mga elementong bumubuo na may pambihirang intensity ng kanilang synthesis. Ang organicity at novelty ng resulta ay dahil sa magic ng henyo, na may kakayahang gawing nakamamanghang paghahayag ang pamilyar, at sa parehong oras ay nakuha sa pamamagitan ng mahabang proseso ng pag-unlad, pagkita ng kaibhan at pagpino. Indibidwal na mga elemento ng estilo bilang independiyenteng natagpuan, ipinakilala sa paggamit sa unang pagkakataon mahusay na sining, at hiniram mula sa makasaysayang "mga kamalig", pumasok sa mga bagong relasyon at koneksyon sa isa't isa, na nakakakuha ng isang ganap na bagong kalidad." Sa gawa ni Shostakovich - ang pagkakaiba-iba ng buhay mismo, ang sketchiness nito, ang pangunahing imposibilidad ng isang hindi malabo na pananaw ng katotohanan, ang kamangha-manghang kumbinasyon ng transience ng pang-araw-araw na mga kaganapan at pilosopiko isang pangkalahatang pag-unawa sa kasaysayan ang pinakamahusay na mga likha ni Shostakovich ay sumasalamin sa "kosmos" na pana-panahon - sa kasaysayan ng kultura - ay lumilitaw sa pinaka makabuluhang, landmark na mga gawa, na nagiging quintessence ng mga tampok ng. isang buong panahon. Ito ang "kosmos" ng "Faust" ni Goethe at "Banal na Komedya" ni Dante: mahalaga at ang mga mahahalagang isyu ng modernidad na nag-aalala sa kanilang mga lumikha ay dumaan sa kapal ng kasaysayan at, kumbaga, nakakabit sa isang. serye ng mga walang hanggang pilosopiko at etikal na mga problema na laging kasama ng pag-unlad ng sangkatauhan Ang parehong "kosmos" ay nararamdaman sa sining ng Shostakovich, na pinagsasama ang nagniningas na talas ng realidad ngayon at malayang pag-uusap. Alalahanin natin ang Ika-labing-apat at Ikalabinlimang symphony - ang kanilang pagiging komprehensibo ay kamangha-mangha. Ngunit ang punto ay wala kahit sa alinmang partikular na gawain. Ang lahat ng gawain ni Shostakovich ay ang walang sawang paglikha ng isang gawa, na nauugnay sa "kosmos" ng uniberso at kultura ng tao.

Ang musika ni Shostakovich ay malapit sa parehong klasikal at romantikismo - ang pangalan ng kompositor sa Kanluran ay madalas na nauugnay sa "bagong" romantikong nagmumula kay Mahler at Tchaikovsky. Ang wika nina Mozart at Mahler, Haydn at Tchaikovsky ay palaging nananatiling kaayon sa kanyang sariling pahayag. "Si Mozart," isinulat ni Shostakovich, "ay ang kabataan ng musika, ito ay isang walang hanggang batang tagsibol, na nagdadala sa sangkatauhan ng kagalakan ng pag-renew ng tagsibol at espirituwal na pagkakaisa Ang tunog ng kanyang musika ay palaging nagbibigay ng kaguluhan sa akin, katulad ng isa nararanasan natin kapag nakilala ang isang minamahal na kaibigan ng kabataan.” Nakipag-usap si Shostakovich sa kanyang kaibigang Polish tungkol sa musika ni Mahler K. Meyer: “Kung may nagsabi sa akin na isang oras na lang ako mabubuhay, gusto kong pakinggan ang huling bahagi ng Awit ng Lupa.”

Si Mahler ay nanatiling paboritong kompositor ni Shostakovich sa buong buhay niya, at sa paglipas ng panahon, ang iba't ibang aspeto ng pananaw sa mundo ni Mahler ay naging malapit. Ang batang Shostakovich ay naaakit ng pilosopiko at artistikong maximalism ni Mahler (ang tugon ay ang walang pigil, hangganan na elemento ng Fourth Symphony at mga naunang gawa), pagkatapos ay sa emosyonal na paglala ni Mahler, "katuwaan" (nagsisimula sa "Lady Macbeth"). Sa wakas, late period Ang buong malikhaing gawain (nagsisimula sa Ikalawang Konsiyerto ng Cello) ay nagaganap sa ilalim ng tanda ng pagmumuni-muni ng Adagio ni Mahler na "Mga Kanta tungkol sa mga Patay na Bata" at "Mga Kanta tungkol sa Lupa".

Ang pagmamahal ni Shostakovich para sa mga klasikong Ruso ay napakahusay - at higit sa lahat para kay Tchaikovsky at Mussorgsky. "Hindi pa ako nakakasulat ng isang linya na karapat-dapat sa Mussorgsky," sabi ng kompositor. Siya ay buong pagmamahal na gumaganap ng mga orkestra na edisyon ng "Boris Godunov" at "Khovanshchina", inayos ang vocal cycle na "Songs and Dances of Death", at lumikha ng kanyang Ika-labing-apat na Symphony bilang isang uri ng pagpapatuloy ng siklo na ito. At kung ang mga prinsipyo ng dramaturgy, pagbuo ng mga imahe, deployment materyal na pangmusika Dahil ang mga gawa ni Shostakovich ay malapit sa Tchaikovsky sa maraming paraan (higit pa tungkol dito), ang istraktura ng intonasyon nito ay direktang sumusunod sa musika ni Mussorgsky. Mayroong maraming mga parallel na iguguhit; ang isa sa kanila ay nakakagulat: ang tema ng finale ng Second Cello Concerto ay halos eksaktong kasabay ng simula ng "Boris Godunov". Mahirap sabihin kung ito ay isang hindi sinasadyang "parunggit" sa estilo ng Mussorgsky, na pumasok sa dugo at laman ni Shostakovich, o isang sinasadyang "quote" - isa sa marami na may "etikal" na karakter sa huli na gawain ni Shostakovich. Isang bagay ang hindi mapag-aalinlanganan: tiyak na ito ang "ebidensya ng may-akda" ng malalim na pagkakaugnay ni Mussorgsky sa diwa ng musika ni Shostakovich.

Ang pagkakaroon ng pagsipsip ng maraming iba't ibang mga mapagkukunan, ang sining ni Shostakovich ay nanatiling dayuhan sa kanilang literal na paggamit. Ang "hindi mauubos na potensyal ng tradisyonal," na napakadarama sa mga gawa ng kompositor, ay walang kinalaman sa epigonismo. Hindi kailanman ginaya ni Shostakovich ang sinuman. Na ang kanyang pinakaunang mga gawa - ang piano na "Fantastic Dances" at "Aphorisms", Two Pieces for Octet, the First Symphony - namangha sa kanilang hindi pangkaraniwang pagka-orihinal at kapanahunan. Sapat na para sabihin na ang First Symphony, na ginanap sa Leningrad noong wala pang dalawampung taong gulang ang may-akda nito, ay mabilis na pumasok sa repertoire ng marami sa pinakamalaking orkestra sa mundo. Isinagawa ito sa Berlin B. Walter(1927), sa Philadelphia - L. Stokowski, sa New York - A. Rodzinsky at mamaya- A. Toscanini. At ang opera na "The Nose", na isinulat noong 1928, iyon ay, halos kalahating siglo na ang nakalipas! Ang markang ito ay nagpapanatili ng pagiging bago at talas nito hanggang sa araw na ito, bilang isa sa mga pinaka orihinal at makulay na mga gawa para sa yugto ng opera na nilikha noong ika-20 siglo. Kahit na ngayon, para sa nakikinig, na naranasan ng mga tunog ng lahat ng uri ng avant-garde opuses, ang wika ng "The Nose" ay nananatiling lubhang moderno at matapang. Tama pala I. Sollertinsky, na sumulat noong 1930 pagkatapos ng premiere ng opera: Ang "The Nose" ay isang long-range na sandata. Sa madaling salita, ito ay isang pamumuhunan ng kapital na hindi kaagad nagbabayad para sa sarili nito, ngunit magbibigay ng mahusay na mga resulta sa ibang pagkakataon." Sa katunayan, ang marka ng "The Nose" ay itinuturing na ngayon bilang isang uri ng beacon na nagliliwanag sa landas ng pag-unlad ng musika para sa maraming taon na darating, at maaaring magsilbi bilang isang mainam na "gabay" para sa mga batang kompositor na gustong matutunan ang pinakabagong mga diskarte sa pagsulat ng "The Nose" sa Moscow Chamber. teatro sa musika at sa ilang mga banyagang bansa sila ay isang matagumpay na tagumpay, na nagpapatunay sa tunay na modernidad ng opera na ito.

Si Shostakovich ay napapailalim sa lahat ng mga misteryo ng teknolohiyang pangmusika noong ika-20 siglo. Alam niyang mabuti at pinahahalagahan ang gawain ng mga klasiko ng ating siglo: Prokofiev, Bartok, Stravinsky, Schoenberg, Berg, Hindemith.. Ang isang larawan ni Stravinsky ay patuloy na nakalagay sa desk ni Shostakovich sa mga huling taon ng kanyang buhay. Sumulat si Shostakovich tungkol sa kanyang pagkahilig sa kanyang trabaho sa kanyang mga unang taon: "Sa pag-iibigan ng kabataan, sinimulan kong maingat na pag-aralan ang mga musical innovator, noon ko lang napagtanto na sila ay napakatalino, lalo na si Stravinsky... Noon ko lang naramdaman na ang aking mga kamay ay hindi nakatali, na ang talento ay akin na walang nakagawian." Si Shostakovich ay nanatiling interesado sa mga bagong bagay hanggang mga huling araw buhay. Nais niyang malaman ang lahat: mga bagong gawa ng kanyang mga kasamahan at mag-aaral - M. Weinberg, B. Tishchenko, B. Tchaikovsky, ang mga pinakabagong opus ng mga dayuhang kompositor. Kaya, sa partikular, si Shostakovich ay nagpakita ng malaking interes sa Polish na musika, na patuloy na pamilyar sa kanyang sarili sa mga gawa ng V. Lutoslawski, K. Penderecki, G. Bacevich, K. Meyer at iba pa.

Sa kanyang trabaho - sa lahat ng mga yugto nito - ginamit ni Shostakovich ang pinakabago, pinaka matapang na mga diskarte ng modernong compositional technique (kabilang ang mga elemento ng dodecaphony, sonorism, collage). Gayunpaman, ang aesthetics ng avant-garde ay nanatiling dayuhan kay Shostakovich. Ang malikhaing istilo ng kompositor ay lubhang indibidwal at "monolitik", hindi napapailalim sa mga kapritso ng fashion, ngunit, sa kabaligtaran, higit sa lahat ay gumagabay sa paghahanap sa musika ng ika-20 siglo. "Hanggang sa kanyang pinakahuling mga opus, nagpakita si Shostakovich ng hindi mauubos na pagkamalikhain, handa para sa eksperimento at malikhaing mga panganib... Ngunit kahit na mas tapat, matapat na tapat, nanatili siya na may kaugnayan sa mga pundasyon ng kanyang estilo - upang ilagay ito nang mas malawak - sa mga pundasyon ng isang sining na hindi pa nagagawa ay hindi nawawalan ng moral na pagpipigil sa sarili, sa anumang pagkakataon ay hindi niya isinusuko ang kanyang sarili sa kapangyarihan ng mga kapritsong subjectivist, despotikong kapritso, intelektwal na libangan" ( D. Zhitomirsky). Ang kompositor mismo, sa isang kamakailang panayam sa ibang bansa, ay nagsasalita nang napakalinaw tungkol sa mga kakaiba ng kanyang pag-iisip, tungkol sa hindi direkta at organikong kumbinasyon ng mga elemento ng iba't ibang mga diskarte at iba't ibang mga estilo sa kanyang trabaho: "Ako ay isang malakas na kalaban ng pamamaraan kung saan ang inilalapat ng kompositor ang ilang uri ng sistema, nililimitahan lamang ang kanyang sarili sa balangkas at pamantayan nito Ngunit kung naramdaman ng kompositor na kailangan niya ng mga elemento ng isang partikular na pamamaraan, may karapatan siyang kunin ang lahat ng magagamit sa kanya at gamitin ito ayon sa kanyang nakikitang angkop Ngunit kung kukuha ka ng isang diskarte - maging ito ay aleatoric o dodecaphony - at hindi ka naglalagay ng anuman sa trabaho maliban sa diskarteng ito - ito ang iyong pagkakamali.

Ang synthesis na ito, na napapailalim sa maliwanag na indibidwalidad ng kompositor, ang nagpapakilala sa istilo ni Shostakovich mula sa katangiang pluralismo ng musika ng ating siglo at, lalo na, ang panahon pagkatapos ng digmaan, kung kailan ang pagkakaiba-iba ng mga usong pangkakanyahan at ang kanilang libreng kumbinasyon sa gawain ng isang artista ang naging pamantayan at maging isang birtud. Ang mga uso ng pluralismo ay kumalat hindi lamang sa musika, kundi pati na rin sa iba pang mga lugar ng modernong kultura ng Kanluran, na sa ilang mga lawak ay isang salamin ng kaleidoscopicity, ang pagbilis ng takbo ng buhay, ang imposibilidad ng pag-record at pag-unawa sa bawat sandali nito. Kaya't ang higit na dinamika ng lahat ng mga prosesong pangkultura, ang pagbabago sa diin mula sa kamalayan ng hindi masusugatan ng mga halagang masining hanggang sa kanilang kapalit. Sa angkop na pagpapahayag ng isang modernong Pranses na mananalaysay P. Riquera, ang mga halaga ay "hindi na totoo o mali, ngunit naiiba." Ang pluralismo ay minarkahan ang isang bagong aspeto ng pangitain at pagtatasa ng katotohanan, nang ang sining ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang interes hindi sa kakanyahan, ngunit sa mabilis na pagbabago ng mga phenomena, at ang pag-aayos ng mabilis na pagbabagong ito sa kanyang sarili ay itinuturing bilang isang pagpapahayag ng kakanyahan ( sa ganitong kahulugan, ilang pangunahing modernong mga gawa na gumagamit ng mga prinsipyo ng polystylistics at montage, halimbawa Symphony L. Berio). Ang mismong diwa ng musika ay inaalis, kung gagamit tayo ng mga samahan ng gramatika, ng mga "konsepto" na mga konstruksyon at puno ng "berbalismo", at ang pananaw sa mundo ng kompositor ay hindi na nauugnay sa ilang mga problema, ngunit, sa halip, sa isang pahayag ng kanilang pag-iral. Malinaw kung bakit naging malayo si Shostakovich sa pluralismo, kung bakit ang katangian ng kanyang sining ay nanatiling "monolitik" sa loob ng maraming dekada, habang ang pagbagsak at pag-agos ng iba't ibang mga alon ay nagngangalit sa kanyang paligid. Ang sining ni Shostakovich - para sa lahat ng pagiging komprehensibo nito - ay palaging mahalaga, tumagos sa kaibuturan ng espiritu ng tao at sa uniberso, hindi tugma sa walang kabuluhan at "labas" na pagmamasid. At dito rin, si Shostakovich ay nanatiling tagapagmana ng klasikal, at higit sa lahat ng klasikal na Ruso, sining, na palaging nagsusumikap na "makarating sa pinakadiwa."

Ang katotohanan ay ang pangunahing "paksa" ng pagkamalikhain ni Shostakovich, ang kaganapang kapal ng buhay, ang hindi pagkaubos nito ay ang pinagmulan ng mga plano at masining na konsepto ng kompositor. Gaya ni Van Gogh, masasabi sana niya: “Gusto kong maging mangingisda tayong lahat sa dagat na tinatawag na karagatan ng katotohanan.” Ang musika ni Shostakovich ay malayo sa mga abstraction, ito ay, bilang ito ay, isang puro, napaka-compress at condensed oras ng buhay ng tao. Ang katotohanan ng sining ni Shostakovich ay hindi pinipigilan ng anumang mga hangganan; ang artist na may pantay na paniniwala ay naglalaman ng kabaligtaran na mga prinsipyo, mga polar states - trahedya, komiks, pilosopiko na pagmumuni-muni, pangkulay sa kanila sa mga tono ng direkta, panandalian at malakas na emosyonal na karanasan. Lahat malawak at magkaibang bilog Ang mga larawan ng musika ni Shostakovich ay dinadala sa tagapakinig sa napakalakas na emosyonal na intensidad. Kaya, ang kalunos-lunos, gaya ng angkop na pagkasabi ni G. Ordzhonikidze, ay walang "epikong distansya" at detatsment mula sa kompositor at kinikilala bilang direktang dramatiko, bilang lubhang totoo, na naglalahad sa harap ng ating mga mata (tandaan ang mga pahina ng Eighth Symphony!) . Ang komiks ay hubad na kung minsan ay nauuwi sa kaakit-akit ng isang caricature o parody ("The Nose", "The Golden Age", "Four Poems by Captain Lebyadkin", mga romansa batay sa mga salita mula sa magazine na "Crocodile", "Satires " batay sa mga tula ni Sasha Cherny).

Ang kamangha-manghang pagkakaisa ng "mataas" at "mababa", halos araw-araw at kahanga-hanga, na parang pumapalibot sa matinding pagpapakita ng kalikasan ng tao, ay isang katangiang katangian ng sining ni Shostakovich, na umaalingawngaw sa gawa ng maraming artista sa ating panahon. Alalahanin natin ang "Youth Restored" at "Blue Book" M. Zoshchenko, "Ang Guro at si Margarita" M. Bulgakova. Ang mga kaibahan sa pagitan ng iba't ibang "totoo" at "ideal" na mga kabanata ng mga gawang ito ay nagsasalita ng paghamak sa mas mababang bahagi ng buhay, ng walang hanggang pagnanais na likas sa mismong kakanyahan ng tao para sa kahanga-hanga, para sa tunay na perpekto, pinagsama sa pagkakaisa ng kalikasan. Ang parehong ay kapansin-pansin sa musika ni Shostakovich at, marahil, lalo na malinaw sa kanyang Thirteenth Symphony. Ito ay nakasulat sa napakasimple, halos poster na wika. Teksto ( E. Yevtushenko) ay tila naghahatid lamang ng mga kaganapan, habang ang musika ay "pinadalisay" ang ideya ng komposisyon. Ang ideyang ito ay nagiging mas malinaw sa huling bahagi: ang musika dito ay naliwanagan, na parang naghahanap ng paraan palabas, isang bagong direksyon, pabalik sa perpektong imahe kagandahan at pagkakaisa. Matapos ang puro makalupang, kahit na araw-araw na mga larawan ng realidad ("Sa Tindahan", "Katawanan") ang abot-tanaw ay lumalawak, ang kulay ay humihina - sa di kalayuan ay nakikita natin ang isang halos hindi makalupa na tanawin, katulad ng mga distansiyang nababalot ng mapusyaw na asul na ulap na napakahalaga sa mga ipininta ni Leonardo. Ang materyalidad ng mga detalye ay nawawala nang walang bakas (paano hindi maaalala ang isang tao dito huling mga kabanata"Ang Guro at Margarita"). Ang Ikalabintatlong Symphony ay marahil ang pinaka matingkad, walang halong pagpapahayag ng "artistic polyphony" (ang expression V. Bobrovsky) pagkamalikhain ng Shostakovich. Sa isang antas o iba pa, ito ay likas sa alinman sa mga gawa ng kompositor na lahat sila ay mga larawan ng karagatan ng katotohanan, na nakita ni Shostakovich bilang hindi pangkaraniwang malalim, hindi mauubos, maraming halaga at puno ng mga kaibahan.

Ang panloob na mundo ng mga gawa ni Shostakovich ay multifaceted. Kasabay nito, ang pananaw ng artista sa panlabas na mundo ay hindi nanatiling hindi nagbabago, na naglalagay ng iba't ibang diin sa personal at pangkalahatang pilosopikal na aspeto ng pang-unawa. Ang "Lahat ay nasa akin at ako ay nasa lahat" ni Tyutchev ay hindi alien kay Shostakovich. Ang kanyang sining ay maaaring tawaging parehong salaysay at pagtatapat. Kasabay nito, ang salaysay ay hindi nagiging isang pormal na salaysay o isang panlabas na "palabas"; At pagkatapos ay ang kahulugan ng naturang salaysay ay nagiging malinaw - ito ay gumagawa sa amin isipin na may bagong puwersa ng direktang karanasan kung ano ang nag-aalala sa buong henerasyon ng mga tao sa ating panahon. Ipinahayag ni Shostakovich ang buhay na pulso ng kanyang panahon, na iniwan ito bilang isang monumento para sa mga susunod na henerasyon.

Kung ang mga symphony ni Shostakovich - at lalo na ang Fifth, Seventh, Eighth, Tenth, Eleventh - ay isang panorama ng pinakamahalagang mga tampok at kaganapan ng panahon, na ibinigay alinsunod sa buhay na pang-unawa ng tao, kung gayon ang quartets at vocal cycle ay sa maraming paraan isang "portrait" ng mismong kompositor, isang salaysay ng kanyang sariling buhay; ito, sa mga salita ni Tyutchev, "Ako ay nasa lahat ng bagay." Ang quartet ni Shostakovich - at sa pangkalahatan ay silid - ang gawa ay tunay na kahawig ng portraiture; Ang mga indibidwal na opus dito ay, kumbaga, iba't ibang yugto ng pagpapahayag ng sarili, iba't ibang kulay para sa paghahatid ng parehong bagay sa iba't ibang yugto ng panahon ng buhay. Si Shostakovich ay nagsimulang magsulat ng mga quartet na medyo huli - pagkatapos ng paglitaw ng Fifth Symphony, noong 1938, at bumalik sa genre na ito na may kamangha-manghang pagiging matatag at regular, gumagalaw na parang nasa isang spiral ng oras. Ang labinlimang quartets ni Shostakovich ay kahanay sa pinakamahusay na mga likha ng Russian tula ng liriko XX siglo. Sa kanilang tunog, malayo sa lahat ng panlabas, may mga banayad at kung minsan ay banayad na mga lilim ng kahulugan at kalooban, malalim at tumpak na mga obserbasyon na unti-unting nabubuo sa isang kadena ng mga kapana-panabik na sketch ng mga estado ng kaluluwa ng tao.

Ang objectively generalized na nilalaman ng mga symphony ni Shostakovich ay binihisan ng napakaliwanag, emosyonal na bukas na tunog - ang "chronicle" ay naging kulay ng kamadalian ng karanasan. Kasabay nito, ang personal, intimate, na ipinahayag sa mga quartets, kung minsan ay mas malambot, mas mapagnilay-nilay at kahit na medyo "hiwalay." (Ang tampok na ito ay katangian din ng mga likas na katangian ng tao ni Shostakovich, na hindi gustong ipagmalaki ang kanyang mga damdamin at kaisipan. Kaugnay nito, ang kanyang pahayag tungkol kay Chekhov ay katangian: "Ang buong buhay ni Chekhov ay isang halimbawa ng kadalisayan, kahinhinan, hindi mapagmataas. , ngunit panloob... Ikinalulungkot ko na ang sulat ni Anton Pavlovich kay O. L. Knipper-Chekhovoy, sobrang intimate na hindi ko gustong makita ang karamihan nito sa print.")

Ang sining ni Shostakovich sa iba't ibang genre nito (at kung minsan sa loob ng parehong genre) ay nagpahayag ng parehong personal na aspeto ng unibersal at unibersal, na may kulay ng sariling katangian ng emosyonal na karanasan. Sa mga huling obra ng kompositor, ang dalawang linyang ito ay tila nagtagpo, tulad ng mga linyang nagsasama sa isang malalim kaakit-akit na pananaw, na nagmumungkahi ng isang napakalaki at perpektong pangitain ng artist. At sa katunayan, ang mataas na puntong iyon, ang malawak na anggulo ng pananaw kung saan napagmasdan ni Shostakovich ang mundo sa mga huling taon ng kanyang buhay, ay ginawa ang kanyang pananaw na unibersal hindi lamang sa kalawakan, kundi pati na rin sa oras, na sumasaklaw sa lahat ng aspeto ng pag-iral. Ang pinakabagong mga symphony, instrumental concerto, quartets at vocal cycle, na nagpapakita ng halatang interpenetration at impluwensya sa isa't isa (ang Ika-labing-apat at Ikalabinlimang symphony, ang Ikalabindalawa, Ikalabintatlo, Ika-labing-apat at Ikalabinlimang quartets, mga siklo sa mga tula nina Blok, Tsvetaeva at Michelangelo), ay hindi na lamang isang “chronicle” at hindi lang “confession”. Ang mga opus na ito, na bumubuo ng isang solong daloy ng mga iniisip ng artista tungkol sa buhay at kamatayan, tungkol sa nakaraan at hinaharap, tungkol sa kahulugan ng pagkakaroon ng tao, ay naglalaman ng hindi pagkakahiwalay ng personal at unibersal, ang kanilang malalim na pagkakaugnay sa walang katapusang daloy ng oras. .

Ang musikal na wika ni Shostakovich ay maliwanag at katangian. Ang kahulugan ng pinag-uusapan ng artist ay binibigyang-diin ng hindi pangkaraniwang kilalang presentasyon ng teksto, ang malinaw na pokus nito sa nakikinig. Palaging matalas ang pahayag ng kompositor at, kumbaga, matalas (matalinhaga man o emosyonal ang talas). Marahil ito ay makikita sa theatricality ng pag-iisip ng kompositor, na nagpakita ng sarili sa mga unang taon ng kanyang trabaho, sa kanyang pinagsamang trabaho kasama si Meyerhold, Mayakovsky,

Sa pakikipagtulungan sa Masters of Cinematography. This theatricality, or rather character, visibility mga larawang pangmusika kahit na noon, sa 20s, ito ay hindi panlabas na naglalarawan, ngunit malalim na makatwiran sikolohikal. "Ang musika ni Shostakovich ay naglalarawan ng paggalaw ng pag-iisip ng tao, at hindi visual na mga imahe," sabi K. Kondrashin. "Genre at characterization," ang isinulat V. Bogdanov-Berezovsky sa kanilang mga alaala ng Shostakovich, wala silang masyadong coloristic, pictorial, ngunit isang portrait, psychological orientation. Si Shostakovich ay hindi nagpinta ng isang palamuti, hindi isang makulay na kumplikado, ngunit isang estado." Sa paglipas ng panahon, ang pagiging tiyak at katanyagan ng pahayag ay naging pinakamahalagang pag-aari sikolohiya ang artista, na tumagos sa lahat ng mga genre ng kanyang trabaho at sumasaklaw sa lahat ng mga bahagi ng makasagisag na istraktura - mula sa mapang-uyam at matalim na pangungutya ng "The Nose" hanggang sa mga trahedya na pahina ng Ika-labing-apat na Symphony. Palaging nagsasalita si Shostakovich nang nasasabik, nagmamalasakit, maliwanag - ang pagsasalita ng kanyang kompositor ay malayo sa malamig na aesthetics at pormal na "nagdudulot ng pansin." Bukod dito, ang katumpakan mga form Ang mga gawa ni Shostakovich, ang kanilang mahusay na pagtatapos, perpektong kahusayan sa orkestra - na kung saan ay nagdaragdag sa kalinawan at kakayahang makita ng wika - lahat ng ito ay hindi lamang isang pamana ng tradisyon ng St. Petersburg ng Rimsky-Korsakov - Glazunov, na nilinang ang pagpipino ng pamamaraan (bagaman ang "Petersburg" sa Shostakovich ay napakalakas! * Ang punto ay pangunahin semantiko At matalinhaga ang kalinawan ng mga ideya na nag-mature nang mahabang panahon sa isip ng kompositor, ngunit ipinanganak halos kaagad (sa katunayan, si Shostakovich ay "nagbuo" sa kanyang isip at umupo upang isulat ang isang ganap na natapos na komposisyon **. Ang panloob na intensity ng mga imahe ipinanganak ang panlabas na pagiging perpekto ng kanilang sagisag.

* (Sa isa sa mga pag-uusap, sinabi ni Shostakovich, na itinuro ang isang volume sa isang diksyonaryo ng musika: "Kung ako ay nakatakdang mapunta sa aklat na ito, nais kong ipahiwatig nito: ipinanganak sa Leningrad, namatay doon.")

** (Ang pag-aari na ito ng kompositor ay hindi sinasadyang naaalala ang napakatalino na kakayahan ni Mozart na "marinig" ang tunog ng buong akda sa isang sandali - at pagkatapos ay mabilis na isulat ito. Kapansin-pansin na si Glazunov, na umamin kay Shostakovich sa St. Petersburg Conservatory, ay nagbigay-diin sa kanya ng "mga elemento ng talento ng Mozartian.")

Sa kabila ng lahat ng ningning at katangian ng kanyang pahayag, hindi hinahangad ni Shostakovich na mabigla ang nakikinig sa isang bagay na labis. Simple at walang arte ang pananalita niya. Tulad ng klasikal na prosa ng Ruso ni Chekhov o Gogol, sa musika ni Shostakovich ang pinakamahalaga at pinakamahalagang bagay lamang ang iniharap sa ibabaw - ang may pangunahing semantiko at nagpapahayag na kahalagahan. Para sa mundo ng musika ni Shostakovich, ang anumang flashiness o panlabas na showiness ay ganap na hindi katanggap-tanggap. Ang mga imahe dito ay hindi lumilitaw "bigla," tulad ng isang maliwanag na flash sa dilim, ngunit unti-unting lumilitaw sa kanilang pagbuo. Ang prosesong ito ng pag-iisip, ang pamamayani ng pag-unlad kaysa sa "display" ay isang pag-aari na mayroon si Shostakovich sa karaniwan sa musika ni Tchaikovsky. Ang symphony ng parehong kompositor ay batay sa humigit-kumulang sa parehong mga batas na tumutukoy sa dynamics ng sound relief.

Ang karaniwan din ay ang kamangha-manghang katatagan ng istruktura ng intonasyon at mga idyoma ng wika. Mahirap sigurong humanap ng dalawa pang kompositor na magiging "martir" sa mga intonasyong nagmumulto sa kanila, ng magkatulad na sound images na tumatagos sa iba't ibang mga gawa. Alalahanin natin, halimbawa, ang mga katangiang "nakamamatay" na mga yugto ng musika ni Tchaikovsky, ang kanyang paboritong sunud-sunod na melodic turn, o ang mga ritmikong istruktura ni Shostakovich na naging "sambahayan" at ang mga tiyak na semitone conjugations ng kanyang melodics.

At isa pang tampok na lubhang katangian ng gawa ng parehong kompositor: ang pagpapakalat ng pahayag sa paglipas ng panahon. "Shostakovich, sa pamamagitan ng tiyak na likas na katangian ng kanyang talento, ay hindi isang miniaturist. Iniisip niya, bilang panuntunan, sa isang malawak na sukat ng oras. Ang musika ni Shostakovich nagkalat, at ang dramaturgy ng form ay nilikha sa pamamagitan ng pakikipag-ugnayan ng mga seksyon na medyo malaki sa kanilang sukat ng oras" ( E. Denisov).

Bakit natin ginawa ang mga paghahambing na ito? Binibigyang-liwanag nila ang marahil ang pinakamahalagang katangian ng pag-iisip ni Shostakovich: ang kanyang madrama bodega na may kaugnayan sa Tchaikovsky. Ang lahat ng mga gawa ng Shostakovich ay nakaayos nang tumpak dramaturgically, ang kompositor ay gumaganap bilang isang uri ng "direktor", paglalahad at pagdidirekta sa pagbuo ng kanyang mga imahe sa oras. Ang bawat komposisyon ng Shostakovich ay isang drama. Hindi siya nagsasalaysay, hindi naglalarawan, hindi nagbabalangkas, ngunit tiyak naglalahad pangunahing mga salungatan. Ito ang tunay na visibility, ang pagiging tiyak ng pahayag ng kompositor, ang liwanag at damdamin nito, na nakakaakit sa empatiya ng nakikinig. Kaya ang temporal na extension at anti-aphorism ng kanyang mga nilikha: ang paglipas ng panahon ay nagiging isang kailangang-kailangan na kondisyon para sa pagkakaroon ng mundo ng mga imahe ng musika ni Shostakovich. Ang katatagan ng "mga elemento" ng wika, ang mga indibidwal na maliliit na tunog na "mga organismo" ay nagiging malinaw din. Umiiral sila bilang isang uri ng molekular na mundo, bilang isang materyal na substansiya (tulad ng katotohanan ng salita ng manunulat ng dula) at, sa pagpasok sa mga koneksyon, bumubuo ng iba't ibang "mga gusali" ng espiritu ng tao, na itinayo sa pamamagitan ng nagdidirekta na kalooban ng kanilang lumikha.

"Siguro hindi ako dapat mag-compose, gayunpaman, hindi ako mabubuhay nang wala ito," pag-amin ni Shostakovich sa isa sa kanyang mga sulat, matapos ang kanyang Ikalabinlimang Symphony. Ang lahat ng mga huling gawa ng kompositor, mula sa huling bahagi ng 60s, ay nakakuha ng isang espesyal, pinakamataas na etikal at halos "sakripisyo" na kahulugan:

Huwag matulog, huwag matulog, artist, huwag magpakasawa sa pagtulog, - ikaw ay isang prenda sa kawalang-hanggan, bihag sa panahon!

Ang mga huling gawa ni Shostakovich, gaya ng sinabi niya, B. Tishchenko, ay binibigyang kulay ng "glow of a super task": ang kompositor ay tila nagmamadali, sa huling bahagi ng kanyang pag-iral sa lupa, upang sabihin ang lahat ng pinakamahalaga, ang pinakakilala. Ang mga gawa ng 60-70s ay tulad ng isang malaking coda, kung saan, tulad ng sa anumang coda, ang isyu ng oras, ang pagpasa nito, ang pagiging bukas nito sa kawalang-hanggan - at ang paghihiwalay, limitasyon sa loob ng mga limitasyon ng buhay ng tao - ay lumalabas. Ang pakiramdam ng oras, ang transience nito ay naroroon sa lahat ng huli na mga gawa ni Shostakovich (ang pakiramdam na ito ay nagiging halos "pisikal" sa mga code ng Second Cello Concerto, the Fifteenth Symphony, at ang cycle ng mga tula ni Michelangelo). Ang artista ay tumataas nang mataas sa pang-araw-araw na buhay. Mula sa puntong ito, naa-access lamang sa kanya, ang kahulugan ng buhay ng tao, mga kaganapan, ang kahulugan ng totoo at maling mga halaga ay ipinahayag. Ang musika ng yumaong Shostakovich ay nagsasalita tungkol sa pinaka-pangkalahatan at walang hanggan, walang hanggang mga problema ng pagkakaroon, tungkol sa katotohanan, tungkol sa kawalang-kamatayan ng pag-iisip at musika.

Ang sining ni Shostakovich nitong mga nakaraang taon ay lumampas sa makitid na balangkas ng musikal. Ang kanyang mga komposisyon ay naglalaman ng mga tunog ng tingin ng mahusay na artist sa katotohanan na nag-iiwan sa kanya ng isang bagay na hindi maihahambing na higit pa sa musika: isang pagpapahayag ng pinakadiwa masining na pagkamalikhain bilang kaalaman sa mga misteryo ng sansinukob.

Ang sound world ng mga pinakabagong likha ni Shostakovich, at lalo na ang mga chamber, ay pininturahan sa mga kakaibang tono. Ang mga bahagi ng kabuuan ay ang pinaka-magkakaibang, hindi inaasahan at kung minsan ay napakasimpleng mga elemento ng wika - kapwa ang mga dati nang umiiral sa mga gawa ni Shostakovich, at iba pa ay nakuha mula sa napaka kapal ng kasaysayan ng musika at mula sa buhay na stream ng modernong musika. Ang intonasyon na hitsura ng musika ni Shostakovich ay nagbabago, ngunit ang mga pagbabagong ito ay hindi sanhi ng "teknikal" ngunit sa pamamagitan ng malalim, ideolohikal na mga kadahilanan - ang parehong mga natukoy ang buong direksyon ng huli na gawain ng kompositor sa kabuuan.

Ang tunog na kapaligiran ng mga huling gawa ni Shostakovich ay kapansin-pansing "bihirang". Para tayong umaangat, sumusunod sa artista, sa pinakamataas at hindi maabot na taas ng espiritu ng tao. Ang mga indibidwal na intonasyon at mga pattern ng tunog ay nagiging malinaw na nakikilala sa napakalinaw na kapaligirang ito. Ang kanilang kahalagahan ay tumataas nang walang hanggan. Ang kompositor na "director-wise" ay nag-aayos sa kanila sa sequence na kailangan niya. Malaya siyang "namumuno" sa isang mundo kung saan ang mga musikal na "katotohanan" ng karamihan iba't ibang panahon at mga istilo. Ito ay mga quote - mga anino ng mga paboritong kompositor: Beethoven, Rossini, Wagner, at mga libreng alaala ng musika ni Mahler, Berg, at kahit na mga indibidwal na elemento lamang ng pananalita - mga triad, mga motif na palaging umiiral sa musika, ngunit ngayon ay nakakuha ng isang bagong kahulugan mula sa Shostakovich, naging isang multi-valued na simbolo. Ang kanilang pagkakaiba-iba ay hindi na gaanong makabuluhan - ang mas mahalaga ay ang pakiramdam ng kalayaan, kapag ang pag-iisip ay dumadaloy sa mga eroplano ng panahon, na kinukuha ang pagkakaisa ng mga walang hanggang halaga ng pagkamalikhain ng tao. Dito, ang bawat tunog, bawat intonasyon ay hindi na direktang nakikita, ngunit nagbibigay ng isang mahaba, halos walang katapusang serye ng mga asosasyon, na nag-uudyok, sa halip, hindi sa empatiya, ngunit sa pagmumuni-muni. Ang seryeng ito, na nagmula sa mga simpleng "makalupang" consonances, ay nangunguna - kasunod ng pag-iisip ng artist - nang walang katapusan. At lumalabas na ang mga tunog mismo, ang "shell" na kanilang nilikha, ay isang maliit na bahagi lamang, isang "balangkas" lamang ng isang malaking espirituwal na mundo na walang mga hangganan, na ipinahayag sa atin ng musika ni Shostakovich...

Ang "pagtakbo ng oras" ng buhay ni Shostakovich ay tapos na. Ngunit, kasunod ng mga likha ng artista, na lumalampas sa mga gilid ng kanilang materyal na kabibi, ang balangkas ng makalupang pag-iral ng kanilang tagalikha ay nagbubukas sa kawalang-hanggan, na nagbubukas ng landas sa kawalang-kamatayan, na itinalaga ni Shostakovich sa isa sa kanyang mga huling likha, isang siklo sa mga tula ni Michelangelo:

Para akong patay, ngunit bilang aliw sa mundo ay nabubuhay ako sa puso ng lahat ng nagmamahal sa akin sa libu-libong kaluluwa, at nangangahulugan iyon na hindi ako alabok, At hindi ako tatamaan ng mortal na kabulukan.

Si Shostakovich Dmitry Dmitrievich, ipinanganak noong Setyembre 25, 1906 sa St. Petersburg, ay namatay noong Agosto 9, 1975 sa Moscow. Bayani ng Sosyalistang Paggawa (1966).

Noong 1916-1918 nag-aral siya sa I. Glyasser Music School sa Petrograd. Noong 1919 pumasok siya sa Petrograd Conservatory at nagtapos noong 1923 sa klase ng piano ng L. V. Nikolaev, noong 1925 sa klase ng komposisyon ng M. O. Steinberg; noong 1927-1930 nag-aral siya sa ilalim ng M. O. Steinberg sa graduate school. Mula noong 1920s gumanap bilang isang piyanista. Noong 1927, nakibahagi siya sa internasyonal na kumpetisyon ng Chopin sa Warsaw, kung saan siya ay ginawaran ng isang honorary diploma. Noong 1937-1941 at 1945-1948 nagturo siya sa Leningrad Conservatory (mula 1939 propesor). Noong 1943-1948 nagturo siya ng isang klase ng komposisyon sa Moscow Conservatory Noong 1963-1966 pinamunuan niya ang graduate school ng departamento ng komposisyon ng Leningrad Conservatory. Doctor of Art History (1965). Mula noong 1947, paulit-ulit siyang nahalal bilang representante ng Supreme Soviets ng USSR at RSFSR. Kalihim ng Union of Composers ng USSR (1957), Chairman ng Board of the Union of Composers ng RSFSR (1960-1968). Miyembro ng Soviet Peace Committee (1949), World Peace Committee (1968). Pangulo ng USSR-Austria Society (1958). Nagwagi ng Lenin Prize (1958). Laureate ng USSR State Prizes (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968). Laureate ng State Prize ng RSFSR (1974). Laureate Internasyonal na Gantimpala kapayapaan (1954). Pinarangalan na Artist ng RSFSR (1942). People's Artist ng RSFSR (1948). People's Artist ng USSR (1954). Honorary member ng International Music Council of UNESCO (1963). Honorary member, propesor, doktor ng maraming siyentipiko at artistikong institusyon sa iba't ibang bansa, kabilang ang American Institute of Arts and Letters (1943), ang Royal Swedish Academy of Music (1954), ang Academy of Arts ng GDR (1955), ang Italian Academy of Arts "Santa Cecilia" (1956), Royal Academy of Music sa London (1958), Oxford University (1958), Mexican Conservatory (1959), American Academy of Sciences (1959), Serbian Academy of Arts (1965), Bavarian Academy sining(1968), Northwestern University (USA, 1973), French Academy of Fine Arts (1975), atbp.

Mga gawa: opera- The Nose (Leningrad, 1930), Lady Macbeth ng Mtsensk (Leningrad, 1934; bagong ed. - Katerina Izmailova, Moscow, 1963); orkestrasyon ng mga opera ni M. Mussorgsky - Boris Godunov (1940), Khovanshchina (1959); balete- Golden Age (Leningrad, 1930), Bolt (Leningrad, 1931), Light Stream (Leningrad, 1936); musika komedya Moscow, Cheryomushki (Moscow, 1959); para sa symphony orc.- symphony I (1925), II (Oktubre, 1927), III (Pervomayskaya, 1929), IV (1936), V (1937), VI (1939), VII (1941), VIII (1943), IX (1945) , X (1953), XI (1905, 1957), XII (1917, sa memorya ni Vladimir Ilyich Lenin, 1961), XIII (1962), XIV (1969), XV (1971), Scherzo (1919), Tema at Pagkakaiba-iba (1922), Scherzo (1923), Tahiti Trot, orchestral transcription ng isang kanta ni V. Youmans (1928), Two Pieces (Intermission, Finale, 1929), Five Fragments (1935), ballet suites I (1949), II ( 1961), III (1952), IV (1953), Festive Overture (1954), Novorossiysk Chimes (Fire of Eternal Glory, 1960), Overture sa Russian at Kyrgyz katutubong tema(1963), Funeral at triumphal prelude sa memorya ng mga bayani ng Battle of Stalingrad (1967), tula Oktubre (1967); para sa mga soloista, koro at orkestra.- Tula tungkol sa Inang Bayan (1947), oratorio Song of the Forests (sa e-mail ni E. Dolmatovsky, 1949), tula na The Execution of Stepan Razin (sa e-mail ni E. Evtushenko, 1964); para sa koro at orkestra- para sa boses at symphony. orc. Dalawang pabula ni Krylov (1922), Anim na romansa sa fir. Japanese poets (1928-1932), Eight English and American folk songs (instrumentation, 1944), From Jewish katutubong tula(orchestral ed., 1963), Suite ate. Michelangelo Buonarotti (orchestral ed., 1974), instrumentation of M. Mussorgsky's vocal cycle Songs of the Dance of Death (1962); para sa voice at chamber orchestra.- Anim na romansa batay sa mga tula nina W. Raleigh, R. Burns at W. Shakespeare (orchestral version, 1970), Anim na tula ni Marina Tsvetaeva (orchestral version, 1974); para sa f-p. kasama ang orc.- mga konsyerto I (1933), II (1957), para sa skr. kasama ang orc.- concertos I (1948), II (1967); para sa hvv. kasama ang orc.- concertos I (1959), II (1966), instrumentation ng Concerto ni R. Schumann (1966); para sa brass orc.- Dalawang dula ni Scarlatti (transkripsyon, 1928), Marso ng Pulisya ng Sobyet (1970); para sa jazz orchestra- Suite (1934); string quartets- I (1938), II (1944), III (1946), IV (1949), V (1952), VI (1956), Vlf (I960), Vllt (I960), fX (1964), X (1964) , XI (1966), XII (1968), XIII (1970), XIV (1973), XV (1974); para sa skr., vlch. at f-p.- trio I (1923), II (1944), para sa string octet - Dalawang Piraso (1924-1925); para sa 2 sk., viola, vlch. at f-p.- Quintet (1940); para sa f-p.- Five Preludes (1920 - 1921), Eight Preludes (1919-1920), Three Fantastic Dances (1922), Sonatas I (1926), II (1942), Aphorisms (sampung piraso, 1927), Children's Notebook (anim na piraso, 1944 -1945), Dances of the Dolls (pitong dula, 1946), 24 preludes at fugues (1950-1951); para sa 2 f-p.- Suite (1922), Concertino (1953); para sa skr. at f-p.- Sonata (1968); para sa hvv. at f-p.- Tatlong Piraso (1923-1924), Sonata (1934); para sa viola at fp.- Sonata (1975); para sa boses at f-p.- Apat na romansa bawat pagkain. A. Pushkin (1936), Anim na romansa sa fir. W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare (1942), Dalawang kanta sa puno. M. Svetlova (1945), Mula sa Jewish folk poetry (cycle for soprano, contralto at tenor with piano accompaniment, 1948), Two romances on fir. M. Lermontov (1950), Apat na kanta sa puno. E. Dolmatovsky (1949), Apat na monologo sa fir. A. Pushkin (1952), Limang romansa sa fir. E. Dolmatovsky (1954), Espanyol na mga kanta (1956), Satires (Mga larawan ng nakaraan, limang romansa sa puno. Sasha Cherny, 1960), Limang romansa sa puno. mula sa magazine na Crocodile (1965), Preface sa kumpletong koleksyon ng aking mga gawa at reflection sa paunang salita na ito (1966), romance Spring, Spring (el. A. Pushkin, 1967), Anim na tula ni Marina Tsvetaeva (1973), Suite on el. Michelangelo Buonarotti (1974), Apat na tula ni Kapitan Lebyadkin (mula sa nobelang "The Teenager" ni F. Dostoevsky, 1975); para sa boses, skr., vlch. at f-p.- Pitong romansa kay ate. A. Blok (1967); para sa walang kasamang koro- Sampung tula bawat pagkain. mga rebolusyonaryong makata huli XIX- simula ng ika-20 siglo (1951), Dalawang adaptasyon sa Russian. adv. mga kanta (1957), Fidelity (cycle - ballad batay sa E. Dolmatovsky's fir, 1970); musika para sa mga drama at pagtatanghal, kabilang ang "The Bedbug" ni V. Mayakovsky (Moscow, V. Meyerhold Theater, 1929), "The Shot" ni A. Bezymensky (Leningrad, Theater of Working Youth, 1929), "Rule, Britannia ! " A. Piotrovsky (Leningrad, Working Youth Theater, 1931), "Hamlet" ni W. Shakespeare (Moscow, E. Vakhtangov Theater, 1931-1932), "Human Comedy", pagkatapos ng O. Balzac (Moscow, Vakhtangov Theater , 1933- 1934), "Salute, Spain" ni A. Afinogenov (Leningrad, Drama Theater na pinangalanang A. Pushkin, 1936), "King Lear" ni W. Shakespeare (Leningrad, Bolshoi Drama Theater na pinangalanang M. Gorky, 1940); musika para sa mga pelikula, kabilang ang "New Babylon" (1928), "Alone" (1930), "Golden Mountains" (9131), "Oncoming" (1932), "Maxim's Youth" (1934-1935), " Girlfriends" (1934). -1935), "The Return of Maxim" (1936-1937), "Volochaev Days" (1936-1937), "Vyborg Side" (1938), "Great Citizen" (dalawang episode, 1938, 1939), " Man with a Gun" (1938), "Zoya" (1944), "Young Guard" (dalawang yugto, 1947-1948), "Meeting on the Elbe" (1948), "The Fall of Berlin" (1949), "Ozod" (1955), "Five Days - Five Nights" (1960), "Hamlet" (1963-1964), "A Year Like Life" (1965), "King Lear" (1970).

Basic lit.: Martynov I. Dmitry Shostakovich. M.-L., 1946; Zhitomirsky D. Dmitry Shostakovich. M., 1943; Danilevich L. D. Shostakovich. M., 1958; Sabinina M. Dmitry Shostakovich. M., 1959; Mazel L. Symphony ni D. D. Shostakovich. M., 1960; Bobrovsky V. Chamber instrumental ensembles ng D. Shostakovich. M., 1961; Bobrovsky V. Mga kanta at koro ng Shostakovich. M., 1962; Mga tampok ng istilo ni D. Shostakovich. Koleksyon ng mga teoretikal na artikulo. M., 1962; Danilevich L. Ang ating kontemporaryo. M., 1965; Dolzhansky A. Chamber instrumental works ni D. Shostakovich. M., 1965; Sabinina M. Shostakovich Symphony. M., 1965; Dmitry Shostakovich (Mula sa mga pahayag ni Shostakovich. - Mga kontemporaryo tungkol sa D. D. Shostakovich. - Pananaliksik). Comp. G. Ordzhonikidze. M., 1967. Kentova S. Ang mga unang taon ng Shostakovich, libro. I. L.-M., 1975; Shostakovich D. (Mga artikulo at materyales). Comp. G. Schneerson. M., 1976; D. D. Shostakovich. Notographic na sangguniang aklat. Comp. E. Sadovnikov, ed. ika-2. M., 1965.

D.D. Ipinanganak si Shostakovich sa St. Petersburg. Ang kaganapang ito sa pamilya nina Dmitry Boleslavovich Shostakovich at Sofia Vasilievna Shostakovich ay naganap noong Setyembre 25, 1906. Napaka musical ng pamilya. Ang ina ng hinaharap na kompositor ay isang mahuhusay na pianista at nagbigay ng mga aralin sa piano sa mga nagsisimula. Sa kabila ng kanyang seryosong propesyon bilang isang inhinyero, ang ama ni Dmitry ay sumasamba lamang sa musika at kumanta ng kaunti sa kanyang sarili.

Ang mga konsiyerto sa bahay ay madalas na gaganapin sa bahay sa gabi. Malaki ang papel nito sa pagbuo at pag-unlad ni Shostakovich bilang isang tao at isang tunay na musikero. Iniharap niya ang kanyang debut work, isang piyesa ng piano, sa edad na siyam. Sa edad na labing-isa ay mayroon na siyang ilan sa kanila. At sa edad na labintatlo ay pumasok siya sa Petrograd Conservatory upang mag-aral ng komposisyon at piano.

Kabataan

Inilaan ng batang Dmitry ang lahat ng kanyang oras at lakas sa pag-aaral ng musika. Binanggit nila siya bilang isang natatanging talento. Hindi lang siya gumawa ng musika, ngunit ginawa niya ang mga tagapakinig na isawsaw ang kanilang sarili dito, maranasan ang mga tunog nito. Lalo siyang hinangaan ng direktor ng conservatory, A.K. Si Glazunov, na kasunod, pagkatapos ng biglaang pagkamatay ng kanyang ama, ay nakakuha ng isang personal na iskolar para sa Shostakovich.

Gayunpaman, ang pinansiyal na kalagayan ng pamilya ay nag-iiwan ng maraming naisin. At ang labinlimang taong gulang na kompositor ay nagsimulang magtrabaho bilang isang musical illustrator. Ang pangunahing bagay sa kamangha-manghang propesyon na ito ay improvisasyon. At nag-improvise siya nang maganda, nag-compose ng mga totoo on the go. mga musical painting. Mula 1922 hanggang 1925, binago niya ang tatlong sinehan, at ang napakahalagang karanasang ito ay nanatili sa kanya magpakailanman.

Paglikha

Para sa mga bata, ang unang kakilala sa pamana ng musika at maikling talambuhay ni Dmitry Shostakovich ay nangyayari sa paaralan. Alam nila mula sa mga aralin sa musika na ang isang symphony ay isa sa mga pinaka kumplikadong genre ng instrumental na musika.

Binubuo ni Dmitri Shostakovich ang kanyang unang symphony sa edad na 18, at noong 1926 ito ay ginanap sa malaking entablado sa Leningrad. At makalipas ang ilang taon ay ginanap ito sa mga concert hall sa America at Germany. Ito ay isang hindi kapani-paniwalang tagumpay.

Gayunpaman, pagkatapos ng konserbatoryo, si Shostakovich ay nahaharap pa rin sa tanong ng kanyang kapalaran sa hinaharap. Hindi siya makapagdesisyon propesyon sa hinaharap: may-akda o tagaganap. Sa loob ng ilang oras sinubukan niyang pagsamahin ang isa sa isa. Hanggang sa 1930s ay nag-solo siya. Ang kanyang repertoire ay madalas na kasama sina Bach, Liszt, Chopin, Prokofiev, at Tchaikovsky. At noong 1927 nakatanggap siya ng honorary diploma sa International Chopin Competition sa Warsaw.

Ngunit sa paglipas ng mga taon, sa kabila ng lumalagong katanyagan ng isang mahuhusay na pianista, tinalikuran ni Shostakovich ang ganitong uri ng aktibidad. Tama siyang naniniwala na siya ay isang tunay na balakid sa komposisyon. Noong unang bahagi ng 30s, naghahanap siya ng sarili niyang kakaibang istilo at maraming nag-eksperimento. Sinubukan niya ang lahat ng bagay: opera ("The Nose"), mga kanta ("Song of the Counter"), musika para sa sinehan at teatro, mga piraso ng piano, ballet ("Bolt"), mga symphony ("Pervomayskaya").

Iba pang mga pagpipilian sa talambuhay

• Sa tuwing ikakasal si Dmitry Shostakovich, tiyak na namagitan ang kanyang ina. Kaya, hindi niya pinahintulutan na ikonekta niya ang kanyang buhay kay Tanya Glivenko, ang anak na babae ng isang sikat na lingguwista. Hindi rin niya nagustuhan ang second choice ng composer, si Nina Vazar. Dahil sa kanyang impluwensya at pagdududa, hindi siya nagpakita sa sarili niyang kasal. Ngunit, sa kabutihang palad, pagkatapos ng ilang taon ay nagkasundo sila at nagpunta muli sa opisina ng pagpapatala. Ang kasal na ito ay nagbunga ng isang anak na babae, si Galya, at isang anak na lalaki, si Maxim.
• Si Dmitry Shostakovich ay isang manlalaro ng card sa pagsusugal. Siya mismo ang nagsabi na minsan sa kanyang kabataan ay nanalo siya ng malaking halaga, kung saan bumili siya ng isang apartment ng kooperatiba.
• Bago ang kanyang kamatayan, ang mahusay na kompositor ay may sakit sa loob ng maraming taon. Ang mga doktor ay hindi makagawa ng tumpak na diagnosis. Nang maglaon ay lumabas na ito ay isang tumor. Ngunit huli na upang gamutin. Namatay si Dmitri Shostakovich noong Agosto 9, 1975.

Ang layunin ng paglikha ng isang cycle ng methodological developments sa disiplina na "Domestic panitikang musikal XX - XXI siglo" para sa mga mag-aaral sa ika-apat na taon ng mga paaralan ng musika ay, una sa lahat, ang sistematisasyon ng modernong panitikan sa musika, pati na rin ang pagsusuri ng mga gawa na hindi pa isinasaalang-alang sa disiplinang ito. Ang nagpapahiwatig sa kontekstong ito ay ang mga pangunahing lugar ng mga malikhaing problema ni D. D. Shostakovich at ang kultural at makasaysayang kapaligiran ng kalagitnaan ng ika-20 siglo.

* * *

Ang ibinigay na panimulang fragment ng aklat na The Work of D. D. Shostakovich at Russian Musical Culture of the Mid-20th Century. Dami IV ng kurso sa pagsasanay na "Domestic musical literature ng ika-20 - unang kalahati ng ika-21 siglo" (S.V. Venchakova) ay ibinigay ng aming kasosyo sa libro - ang litro ng kumpanya.

PANIMULA

Ang programa ng kursong "Musical Literature" ay naglalayong paunlarin ang pag-iisip ng musika ng mga mag-aaral, pagbuo ng mga kasanayan sa pagsusuri ng mga gawang musikal, at pagkuha ng kaalaman tungkol sa mga batas ng musikal na anyo at mga detalye ng musikal na wika.

Ang paksang "Domestic musical literature ng XX - unang kalahati ng XXI na siglo" ay ang pinakamahalagang bahagi bokasyonal na pagsasanay mga mag-aaral ng theoretical at performing department ng mga music school at art school.

Sa proseso ng pag-aaral ng kurso, mayroong isang proseso ng pagsusuri at systematization ng iba't ibang mga tampok ng musikal at artistikong phenomena, ang kaalaman kung saan ay direktang kahalagahan para sa kasunod na pagganap at pagsasanay sa pagtuturo mga mag-aaral. Nilikha ang mga kundisyon para sa pang-agham at malikhaing kamalayan ng mga problema sa sining at pag-unawa sa iba't ibang gumaganap na interpretasyon ng mga modernong istilo ng musika. Sa pangkalahatan, ang isang nababaluktot na sistema ng dalubhasang pagsasanay ay nililikha, nang walang kriterya ng "makitid na pagdadalubhasa", na nag-aambag sa pagpapalalim ng mga propesyonal na kasanayan at ang pag-activate ng malikhaing interes ng mga mag-aaral sa trabaho.

Ang isang holistic na pag-aaral ng artistikong at aesthetic na mga uso at estilo ay batay sa pagsasama-sama ng kaalaman ng mga mag-aaral sa iba't ibang larangan: ang kasaysayan ng dayuhan at Ruso na musika (bago ang ika-20 - unang kalahati ng ika-21 siglo), kulturang sining ng mundo, pagsusuri ng musikal. gumagana, gumaganap na kasanayan, na nagsisiguro sa pagbuo ng bagong propesyonal na pangkalahatang kaalaman .

Pag-unlad ng pamamaraan sa paksa: "Ang gawain ni D. D. Shostakovich. Ilang yugto ng malikhaing istilo"

Layunin ng aralin: upang masubaybayan ang ilang yugto ng malikhaing istilo ng namumukod-tanging kompositor ng Russia noong ikadalawampu siglo D. D. Shostakovich (1906 - 1975) sa konteksto ng tradisyon at pagbabago.

Plano ng aralin:

1. D. D. Shostakovich: artist at oras

Ang gawain ni D. Shostakovich ay kumakatawan sa isang napakahalagang panahon kapwa sa sining at sa buhay. Ang mga gawa ng sinumang mahusay na artista ay mauunawaan lamang sa konteksto ng kanyang panahon. Ngunit ang oras na makikita sa sining ng artist ay mahirap maunawaan sa labas ng pagkamalikhain. Inilalantad ito ng sining tunay na kakanyahan, katangian at mga kontradiksyon. Ang nananatiling isang artista sa kanyang panahon, sa palagay ni Shostakovich, ay bubuo sa kanya mundo ng sining sa mga anyong iyon at sa pamamagitan ng mga pamamaraang iyon na umuunlad sa kultura.

Si Shostakovich, na bumaling sa lahat ng mga genre ng musika, muling inisip ang mga tula ng mga paraan ng pagpapahayag ng musikal. Ang kanyang musika ay parehong malakas na sumasalamin sa parehong panlabas at panloob na mundo ng tao, pagsalungat sa kasamaan sa lahat ng mga pagpapakita nito, ang lakas ng espiritu - kapwa ng isang indibidwal na tao at ng isang buong bansa - sa pamamagitan ng matalim na magkakaibang mga paghahambing, hindi inaasahang "pagsalakay" at pagbabago ng mga plano. Si Shostakovich ay isa sa mga artista na ganap na nakaranas ng presyon ng totalitarianism ng Sobyet. Ang ipinahayag niya sa musika ay hindi palaging tumutugma sa kanyang tunay na iniisip at damdamin, ngunit ito lamang ang pagkakataong lumikha at marinig. Si Shostakovich ay isang master ng naka-encrypt na expression ang kanyang musika ay naglalaman ng mga katotohanan tungkol sa nakaraan at kasalukuyan na hindi maipahayag sa mga salita.

2. Sa problema ng periodization ng gawain ni D. Shostakovich

Ang periodization ng gawain ni D. D. Shostakovich ay isa sa pinakamahalagang tanong sa musicological literature, na walang malinaw na sagot. Sa maraming mga monographic na gawa tungkol sa kompositor, mayroong iba't ibang mga opinyon, ang pagsusuri na nagpapahintulot sa amin na matuklasan pangunahing criterion ang kanilang mga pagkakaiba ay ang prinsipyo na kinuha bilang batayan para sa periodization.

Mula sa punto ng view ng pagbuo at ebolusyon ng estilo, ang sining ni Shostakovich ay karaniwang nahahati sa tatlong yugto: ang pagbuo ng kanyang sariling estilo, ang kapanahunan at kasanayan ng artist, at ang mga huling taon ng kanyang buhay at pagkamalikhain. Gayunpaman, ang mga musicologist na nagmumungkahi ng periodization na ito ay nagpapahiwatig ng iba't ibang time frame. M. Sabinina singles out ang 1920s - kalagitnaan ng 1930s. (bago ang paglikha ng Fourth Symphony noong 1936), 1936 – 1968 at 1968 – 1975. Tinatawag ni S. Kentova ang tatlumpung taon 1945 - 1975 ang huli na panahon L. Si Danilevich ay sumunod sa isang ganap na naiibang posisyon. Ang pagkuha ng ideolohikal at semantikong nilalaman ng musika ni Shostakovich bilang batayan, ipinakita ng mananaliksik ang pitong yugto: ang mga unang taon - ang 1920s; humanistic na tema na ipinakilala noong 1930s; taon ng Great Patriotic War - 1941 - 1945 (paglikha ng Ikapito at Ikawalong symphony); post-war period - 1945 - 1954 (paglikha ng Tenth Symphony noong 1953); kasaysayan at modernidad ng ikalawang kalahati ng 1950s - unang bahagi ng 1960s - bago ang paglikha ng Ninth Quartet noong 1964; pagtugon sa mga walang hanggang problema ng sining mula sa ikalawang kalahati ng 1960s at huling 1970s. Ang mananaliksik na si L. Hakobyan, na isinasaalang-alang ang malikhaing landas ng kompositor sa konteksto panahon ng Sobyet, binibigyang-katwiran ang pagkakaroon ng walong panahon ng pagkamalikhain:

1920s (bago ang Third Symphony; ang pangunahing gawain ay ang opera na "The Nose");

Ang simula ng 1930s - 1936 - ang taon na lumitaw ang mga artikulong "Confusion Instead of Music" at "Ballet Falsity" sa Pravda (bago ang Fourth Symphony);

1937 – 1940 – isang pagbabagong punto at krisis sa pagkamalikhain dulot ng impluwensyang ideolohikal (mula sa Fifth Symphony hanggang sa Quintet);

1941 - 1946/47 - mga taon ng digmaan (mula sa Seventh Symphony hanggang sa Third String Quartet);

1948 - 1952 - ang unang mga taon pagkatapos ng digmaan. Noong 1948, naganap ang First All-Union Congress of Soviet Composers, at isang resolusyon ang inilabas sa opera na "The Great Friendship" ni V. Muradeli, na nagsilbing pangalawang pampublikong "pagkasira" ng Shostakovich (mula sa First Violin Concerto sa Fifth String Quartet);

1953 - 1961 - "pagtunaw" ng panahon ng post-Stalin (mula sa Ikasampung Symphony hanggang sa Ika-labindalawa);

1962 - 1969 - ang paghantong ng pagkamalikhain at ang panahon ng malubhang karamdaman ng kompositor (mula sa Ikalabintatlong Symphony hanggang Ika-labing-apat);

1970 - 1975 - pagkumpleto ng malikhaing landas.

Pansinin ang politicization ng buong kultural na buhay ng panahon ng Sobyet, itinuturing ni L. Akopyan si Shostakovich ang tanging isa na nagawang "dalhin ang kanyang regalo... sa lahat ng talamak at talamak na yugto, pagbabago at pagpapatawad ng kanyang panahon."

Ang mga nakalistang diskarte ay pantay na may karapatang umiral: ang kanilang mga may-akda, na isinasaalang-alang ang sining ni Shostakovich mula sa iba't ibang mga anggulo, ay sumasaklaw sa pinakamahalagang aspeto ng gawa ng artist.

Ang isang bilang ng mga yugto ay nakikilala din kapag nailalarawan ang mga partikular na genre. Kaya naman, nag-panahon si M. Sabinina symphony nag-uugnay sa mga kakaibang interpretasyon nito ng kompositor. Bilang resulta, itinalaga ng musicologist ang mga sumusunod na yugto: ang "pagbuo" ng genre ay nauugnay sa paglikha ng mga symphony No. 1, No. 2, No. 3, No. 4; "mga paghahanap sa larangan ng arkitekto at pag-unlad ng materyal na musikal" - ang panahon ng paglikha ng mga symphony No. 5, No. 6, No. 7, No. 8, No. 9, No. 10; masinsinang pagbabago sa larangan ng interpretasyon ng genre - mga symphony ng programa No. 11, No. 12, No. 13, No. 14; Inuri ng mananaliksik ang ikalabinlimang symphony bilang kabilang sa ikalawang yugto.

3. Listahan ng mga gawa ni D. D. Shostakovich

O kaya. 1. Scherzo para sa orkestra. 1919;

O kaya. 2. Walong preludes para sa piano. 1919 – 1920;

Op. 3. Tema at mga pagkakaiba-iba para sa orkestra. 1921 – 1922;

Op. 5. Tatlong kamangha-manghang sayaw para sa piano. 1922;

Op. 6. Suite para sa dalawang piano. 1922;

Op. 7. Scherzo para sa orkestra. 1923;

Op. 8. Unang trio para sa violin, cello at piano. 1923;

Op. 9. Tatlong piraso para sa cello at piano. Fantasia, Prelude, Scherzo. 1923 – 1924;

Op. 10. Unang simponya. 1924 – 1925;

Op. 11. Dalawang piraso para sa string octet. Prelude, Scherzo. 1924 – 1925;

Op. 12. Unang sonata para sa piano. 1926;

Op. 13. Aphorisms. Sampung piraso para sa piano. Recitative, Serenade, Nocturne, Elehiya, Funeral March, Etude, Dance of Death, Canon, Legend, Lullaby. 1927;

Op. 14. Pangalawang symphony "Dedikasyon sa Oktubre". Para sa orkestra at koro. 1927;

Op. 15. "Ilong". Opera sa 3 acts, 10 scenes. 1927 – 1928;

Op. 16. “Tahiti Trot.” Orchestral transcription ng kanta ni V. Youmans. 1928;

Op. 17. Dalawang dula ni Scarlatti. Transkripsyon para sa brass band. 1928;

Op. 18. Musika para sa pelikulang “New Babylon”. 1928 – 1929;

Op. 19. Musika para sa dula ni V. Mayakovsky na "The Bedbug". 1929;

Op. 20. Symphony No. 3 "May Day". Para sa orkestra at koro. 1929;

Op. 21. Anim na romansa batay sa mga salita ng mga makatang Hapones para sa boses at orkestra. "Pag-ibig", "Bago Magpatiwakal", "Hindi Maingat na Pagtingin", "Sa Una at Huling Panahon", "Pag-ibig na Walang Pag-asa", "Kamatayan". 1928 – 1932;

Op. 22. "Golden Age". Ballet sa 3 kilos. 1929 – 1930;

Op. 23. Dalawang piraso para sa orkestra. Intermisyon, Pangwakas. 1929;

Op. 24. Musika para sa dula ni A. Bezymensky na "Shot". 1929

Op. 25. Musika para sa dulang "Virgin Land" nina A. Gorbenko at N. Lvov. 1930;

O kaya. 26. Musika para sa pelikulang "Alone". 1930;

O kaya. 27. "Bolt". Ballet sa 3 kilos. 1930 – 1931;

O kaya. 28. Musika para sa dula ni A. Piotrovsky na "Rule, Britannia." 1931;

O kaya. 29. "Lady Macbeth ng Mtsensk" ("Katerina Izmailova"). Opera sa 4 na gawa, 9 na eksena. 1930-1932;

O kaya. 30. Musika para sa pelikulang "Golden Mountains". 1931;

O kaya. 31. Musika para sa palabas sa sirko na "Conditionally Killed" ni V. Voevodin at E. Ryss. 1931;

O kaya. 32. Musika para sa trahedya ni W. Shakespeare na "Hamlet". 1931 – 1932;

O kaya. 33. Musika para sa pelikulang "Papalapit". 1932;

O kaya. 34. Dalawampu't apat na preludes para sa piano. 1932 – 1933;

O kaya. 35. Unang konsiyerto para sa piano at orkestra. 1933;

O kaya. 36. Musika para sa animated na pelikulang “The Tale of the Priest and His Worker Balda.” 1936;

O kaya. 37. Musika para sa dulang “The Human Comedy” na hango kay Balzac. 1933-1934;

O kaya. 38. Musika para sa pelikulang "Love and Hate." 1934;

O kaya. 39. "Maliwanag na Agos." Ballet sa 3 acts, 4 scenes. 1934 – 1935;

O kaya. 40. Sonata para sa cello at piano. 1934;

O kaya. 41. Musika para sa pelikulang "Maxim's Youth". 1934;

O kaya. 41. Musika para sa pelikulang "Girlfriends". 1934 – 1935;

Op. 42. Limang fragment para sa orkestra. 1935;

O kaya. 43. Symphony No. 4. 1935 – 1936;

O kaya. 44. Musika para sa dula ni A. Afinogenov na "Salute, Spain". 1936;

O kaya. 45. Musika para sa pelikulang "The Return of Maxim". 1936 – 1937;

O kaya. 47. Ikalimang Symphony. 1937;

O kaya. 48. Musika para sa pelikulang "Volochaev Days". 1936 – 1937;

O kaya. 49. Unang string quartet. 1938;

O kaya. 50. Musika para sa pelikulang "Vyborg Side". 1938;

O kaya. 51. Musika para sa pelikulang "Friends". 1938;

O kaya. 52. Musika para sa pelikulang "The Great Citizen" (unang yugto). 1938;

O kaya. 53. Musika para sa pelikulang "The Man with a Gun." 1938;

O kaya. 54. Ikaanim na Symphony. 1939;

O kaya. 55. Musika para sa pelikulang "The Great Citizen" (ikalawang yugto). 1939;

O kaya. 56. Musika para sa animated na pelikulang “Silly Mouse.” 1939;

O kaya. 57. Quintet para sa piano at string quartet. 1940;

O kaya. 58. Instrumentasyon ng opera ni Mussorgsky na "Boris Godunov". 1939 – 1940;

O kaya. 58a. Musika para sa trahedya ni Shakespeare na "King Lear". 1940;

O kaya. 59. Musika para sa pelikulang "The Adventures of Korzinkina." 1940;

O kaya. 60. Ikapitong Symphony. 1941;

O kaya. 61. Pangalawang sonata para sa piano. 1942;

O kaya. 63. "Katutubong Leningrad." Vocal-orchestral suite sa dulang "Fatherland". 1942;

O kaya. 64. Musika para sa pelikulang "Zoya". 1944;

O kaya. 65. Ikawalong Symphony. 1943;

O kaya. 66. Musika para sa dulang "Russian River". 1944;

O kaya. 67. Pangalawang trio para sa piano, violin at cello. 1944;

O kaya. 68. Pangalawang string quartet. 1944;

O kaya. 69. Kuwaderno ng mga bata. Anim na piraso para sa piano. Marso, Waltz, "Bear", "Merry Tale", "Sad Tale", "Clockwork Doll". 1944 – 1945;

O kaya. 70. Ikasiyam na Symphony. 1945;

O kaya. 71. Musika para sa pelikulang "Ordinaryong Tao". 1945;

O kaya. 73. Ikatlong String Quartet. 1946;

O kaya. 74. "Tula tungkol sa Inang Bayan" - para sa mga soloista, koro at orkestra. 1947;

O kaya. 75. Musika para sa pelikulang "Young Guard" (dalawang yugto). 1947 – 1948;

O kaya. 76. Musika para sa pelikulang "Pirogov". 1947;

O kaya. 77. Konsiyerto para sa biyolin at orkestra. 1947 – 1948;

O kaya. 78. Musika para sa pelikulang "Michurin". 1948;

O kaya. 79. "Mula sa Jewish folk poetry." Vocal cycle para sa soprano, contralto at tenor na may saliw ng piano. “Umiiyak para sa Patay na Sanggol”, “Mapagmalasakit na Ina at Tiyahin”, “Lullaby”, “Bago ang Mahabang Paghihiwalay”, “Babala”, “Iniwanang Ama”, “Awit ng Pangangailangan”, “Taglamig”, “ magandang buhay", "Awit ng Isang Babae", "Kaligayahan". 1948;

O kaya. 80. Musika para sa pelikulang "Meeting on the Elbe". 1948;

O kaya. 81. “Awit ng mga Kagubatan.” Oratorio para sa mga soloista, boys choir, halo-halong koro at orkestra sa mga salita ni E. Dolmatovsky. 1949;

O kaya. 82. Musika para sa pelikulang "The Fall of Berlin". 1949;

O kaya. 83. Ikaapat na String Quartet. 1949;

O kaya. 84. Dalawang romansa sa mga salita ni Lermontov para sa boses at piano. "Ballad", "Morning of the Caucasus". 1950;

O kaya. 85. Musika para sa pelikulang "Belinsky". 1950;

O kaya. 87. Dalawampu't apat na prelude at fugues para sa piano. 1950 – 1951;

O kaya. 88. Sampung tula para sa walang saliw na halo-halong koro batay sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makata noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. "Matapang, mga kaibigan, sumulong tayo!", "Isa sa marami", "Sa kalye!", "Kapag nagkita tayo sa panahon ng paglipat", "Isinagawa", "Ikasiyam ng Enero", "Natahimik ang mga belated volleys. ”, “Nanalo sila”, "May Song", "Song". 1951;

O kaya. 89. Musika para sa pelikulang "Unforgettable 1919". 1951;

O kaya. 90. "Ang araw ay sumisikat sa ating Inang Bayan." Cantata para sa boys' choir, mixed choir at orchestra sa lyrics ni E. Dolmatovsky. 1952;

O kaya. 91. Apat na monologo sa mga salita ni Pushkin para sa boses at piano. "Sipi", "Ano ang nasa iyong pangalan", "Sa kailaliman ng Siberian ores", "Paalam". 1952;

O kaya. 92. Ikalimang String Quartet. 1952;

O kaya. 93. Ikasampung Symphony. 1953;

O kaya. 94. Concertino para sa dalawang piano. 1953;

O kaya. 95. Musika para sa dokumentaryong pelikulang "Awit ng mga Dakilang Ilog". 1954;

O kaya. 96. Festive overture. 1954;

O kaya. 97. Musika para sa pelikulang "Gadfly". 1955;

O kaya. 99. Musika para sa pelikulang "Unang Eselon". 1955 – 1956;

O kaya. 101. Ikaanim na String Quartet. 1956;

O kaya. 102. Pangalawang konsiyerto para sa piano at orkestra. 1957;

O kaya. 103. Ikalabing-isang Symphony. 1957;

O kaya. 104. Dalawang pagsasaayos ng mga awiting katutubong Ruso para sa halo-halong koro na walang saliw. "Ang hangin ay umihip", "Kung paano ako binugbog ng aking asawa nang masakit noong ako ay maliit pa." 1957;

O kaya. 105. "Moscow, Cheryomushki." Komedya sa musika sa tatlong yugto. 1958;

O kaya. 106. Pelikula "Kovanshchina". Pag-edit ng musika at instrumentasyon. 1959;

O kaya. 107. Konsiyerto para sa cello at orkestra. 1959;

O kaya. 108. Ikapitong String Quartet. 1960;

O kaya. 109. Satires (mga larawan ng nakaraan) - limang romansa para sa boses at piano batay sa mga tula ni Sasha Cherny. "Ang Kritiko", "Paggising ng Spring", "Descendants", "Hindi Pagkakaunawaan", "Kreutzer Sonata". 1960;

O kaya. 110. Ikawalong string quartet. 1960;

O kaya. 111. Musika para sa pelikulang “Five Days – Five Nights”. 1960;

O kaya. 112. Ikalabindalawang Symphony. 1961;

O kaya. 113. Ikalabintatlong Symphony para sa soloista, male choir at orkestra, lyrics ni E. Yevtushenko. 1962;

O kaya. 114. "Katerina Izmailova." Opera sa apat na kilos, siyam na eksena. Bagong edisyon. 1963;

O kaya. 115. Overture sa Russian at Kyrgyz folk themes. 1963;

O kaya. 116. Musika para sa pelikulang "Hamlet". 1963 – 1964;

O kaya. 117. Ika-siyam na String Quartet. 1964;

O kaya. 118. Ikasampung String Quartet. 1964;

O kaya. 119. "Pagbitay kay Stepan Razin." Tula para sa soloista, halo-halong koro at orkestra, lyrics ni E. Yevtushenko. 1964;

O kaya. 120. Musika para sa pelikulang “A Year Like Life.” 1965;

O kaya. 122. Ika-labing-isang String Quartet. 1966;

O kaya. 123. "Paunang salita sa kumpletong koleksyon ng aking mga gawa at pagmumuni-muni sa paunang salita na ito" - para sa boses (bass) na may piano. 1966;

O kaya. 124. Orkestra na bersyon ng dalawang koro ni A. Davidenko: "Ang kalye ay nag-aalala" at "Sa ikasampung milya". 1966;

O kaya. 125. Instrumentasyon ng Cello Concerto ni R. Schumann. 1966;

O kaya. 126. Pangalawang konsiyerto para sa cello at orkestra. 1967;

O kaya. 127. Pitong romansa batay sa mga tula ni Alexander Blok. Para sa boses, violin, cello at piano. "Awit ng Ophelia", "Gamayun - ang propetikong ibon", "Nagkasama kami", "Natutulog ang lungsod", "Bagyo", "Mga lihim na palatandaan", "Musika". 1967;

O kaya. 128. Romansa "Spring, Spring" batay sa mga tula ni Pushkin. 1967;

O kaya. 129. Pangalawang konsiyerto para sa biyolin at orkestra. 1967;

O kaya. 130. Funeral-triumphal prelude para sa orkestra ng symphony sa memorya ng mga bayani ng Labanan ng Stalingrad. 1967;

O kaya. 132. Musika para sa pelikulang "Sofya Perovskaya". 1967;

O kaya. 133. Ikalabindalawang String Quartet. 1968;

O kaya. 134. Sonata para sa violin at piano. 1968;

O kaya. 135. Ika-labing-apat na Symphony. 1969;

O kaya. 136. "Katapatan." Isang cycle ng ballads para sa walang kasamang male choir, lyrics ni E. Dolmatovsky. 1970;

O kaya. 137. Musika para sa pelikulang “King Lear”. 1970;

O kaya. 138. Ikalabintatlong String Quartet. 1970;

O kaya. 139. "March of the Soviet Police" para sa brass band. 1970;

O kaya. 140. Orkestrasyon ng anim na romansa batay sa mga tula nina Raleigh, Burns at Shakespeare (part 62) para sa bass at chamber orchestra. 1970;

O kaya. 141. Ikalabinlimang Symphony. 1971;

O kaya. 142. Ika-labing-apat na String Quartet. 1973;

O kaya. 143. Anim na tula ni Marina Tsvetaeva para sa contralto at piano. "Aking mga tula", "Saan nagmula ang gayong lambing", "Dialogue ng Hamlet na may budhi", "Ang Makata at ang Tsar", "Hindi, ang drum beat", "Anna Akhmatova". 1973;

O kaya. 143a. Anim na tula ni Marina Tsvetaeva para sa contralto at chamber orchestra. 1975;

O kaya. 144. Ikalabinlimang String Quartet. 1974;

O kaya. 145. Suite para sa bass at piano, mga tula ni Michelangelo Buonaroti. "Katotohanan", "Umaga", "Pag-ibig", "Paghihiwalay", "Galit", "Dante", "Exile", "Creativity", "Night", "Death", "Immortality". 1974;

O kaya. 145a. Suite para sa bass at symphony orchestra, mga tula ni Michelangelo Buonarroti. 1974;

O kaya. 146. Apat na tula ni Kapitan Lebyadkin. Para sa bass at piano. Mga salita ni F. Dostoevsky. "The Love of Captain Lebyadkin", "Cockroach", "Ball for Governesses", "Socialite". 1975;

O kaya. 147. Sonata para sa viola at piano. 1975.

4. Shostakovich at mga tradisyon

Ang sining ni Shostakovich ay konektado sa pinakamahusay na mga tradisyon ng musikang Ruso at mundo. Ang pagkakaroon ng isang natatanging intuwisyon, ang artist ay sensitibong tumugon sa mga salungatan sa lipunan sa mundo, pati na rin ang mga sikolohikal, etikal at pilosopikal na mga salungatan, na nagpapakita sa kanyang trabaho ang pinaka kasalukuyang mga problema ng kanyang kapanahunan. Para sa kanya, ang paglilingkod sa sining ay hindi mapaghihiwalay sa paglilingkod sa tao, lipunan at sa Inang Bayan. Dito sila nanggaling pangkalahatang bisa karamihan sa kanyang mga gawa pamamahayag At pagkamamamayan mga paksa. Ang pagtatasa ng gawa ng kompositor ay malinaw na sumasalamin sa mga kontradiksyon ng aesthetic at ideological na mga posisyon na katangian ng ika-20 siglo. Ang paglikha ng First Symphony ay nagdala ng katanyagan sa mundo ng may-akda; ang Seventh Symphony ay inihambing sa mga gawa ng Beethoven sa mga tuntunin ng antas ng emosyonal na epekto. Sa katunayan, nagawa ni Shostakovich na buhayin ang karaniwang Beethovenian na uri ng symphonism, na mayroong heroic pathos at philosophical depth.

Ang pagnanais para sa isang epektibong impluwensya sa pampublikong buhay, sa mga tagapakinig, kamalayan sa seryosong etikal na layunin ng musika - lahat ng mga prinsipyong ito ay katangian ng pinakamalaking dayuhang kompositor, kabilang ang P. Hindemith, A. Honegger, B. Bartok, C. Orff, F. Poulenc. Ang ganitong mga uso sa sining ay hindi maaaring hindi sinamahan ng pag-asa sa mga klasikal na tradisyon, ang paghahanap para sa mga bagong pagkakataon sa kanila, at pagpapalakas ng mga ugnayan sa katutubong sining, na tumutuon sa moral, pilosopiko at aesthetic na karanasan ng sangkatauhan. Ang oryentasyon ng marami sa mga gawa ni Shostakovich patungo sa klasikal na sining ay kasabay ng mga katulad na phenomena sa gawain ng isang bilang ng mga dayuhang may-akda ng panahong ito. Kaya, lumingon sa linya ng mga nagpapahayag na paraan, anyo at genre ng Bach, natagpuan ni Shostakovich ang kanyang sarili sa globo ng mga phenomena ng modernong Kanluranin. sining ng musika 20-30s ng XX siglo (kabilang sa mga kompositor ng Kanluran sa panahong ito, ang gawain ng Hindemith ay dapat na partikular na nabanggit). Ang ilang mga klasikal na tendensya ng estilo ni Shostakovich ay sumasalamin sa sining ni Haydn at Mozart. Ang parehong mga pang-istilong aspeto ay malinaw na nakikita sa gawain ni Prokofiev. Sa pangkalahatan, ang "tradisyonalismo" ni Shostakovich ay may sariling mga yugto ng ebolusyon at indibidwal na mga kinakailangan.

Ang mga pangunahing linya ng pagpapatuloy sa gawain ni Shostakovich ang symphonist ay maaaring malinaw na masubaybayan, una sa lahat, sa pamamagitan ng gawain nina Tchaikovsky at Mahler, bilang pinakamalaking kinatawan ng post-Beethoven symphonism. Ang unang symphony ni Shostakovich ay nagbigay ng na-update na interpretasyon ng genre, na nagpapakilala sikolohikal na drama, ang mga klasikal na halimbawa nito ay ipinakita ni Tchaikovsky. Ang aspetong ito ang magkakaroon ng mahalagang papel sa symphony ni Shostakovich. Ang ikaapat na symphony na may kumplikadong pilosopiko at trahedya na konsepto, espesyal na sukat ng anyo, at matalim na kaibahan ay nagpapatotoo sa pagpapatuloy ng mga tradisyon ni Mahler. Ang katangian ay ang pagkakaroon ng isang tragicomic na elemento sa musika ni Shostakovich at ang kanyang paggamit ng mga pang-araw-araw na genre (kaugnay nito, ang Piano Preludes ng Op. 34 at ang marka ng opera na "Katerina Izmailova" ay nagpapahiwatig, kung saan ang iba't ibang mga nagpapahayag na epekto ay ginamit, na nagmumula sa mga banal na ritmikong intonasyon at genre - mula sa katatawanan hanggang sa trahedya na katawa-tawa) . Dapat pansinin na madalas ding ginagamit ni Tchaikovsky ang lugar na ito ng musikal na sining, ngunit sa ibang anyo - nang hindi gumagamit ng isang multifaceted na konteksto, kabalintunaan at pag-aalis ng mga aesthetic na eroplano. Tulad nina Tchaikovsky at Mahler, para kay Shostakovich ang tanong ng pagka-orihinal ng mga paraan ay hindi sapat na kahalagahan.

Ang mga estilistang impluwensya ng sining ng Bach, Beethoven at Mussorgsky ay multidimensional sa mga tuntunin ng pagkakakilanlan ng mga matalinghagang globo at artistikong intensyon. Ang Fifth at Seventh Symphony ni Shostakovich ay nire-refract ang mga imahe ng mga kabayanihan ni Beethoven; ang paggamit ng genre ng martsa (kadalasang ginagamit ni Mahler), ang mga larawan ng isang matagumpay na prusisyon sa pagmamartsa ay minana rin mula sa Beethoven. Ang pagpapatuloy ng mga tradisyon ni Bach sa isang bagong makasaysayang yugto ay dapat isama ang paglikha ni Shostakovich ng mga musikal na imahe na nauugnay sa kawalan ng pagbabago ng moral na tungkulin. Ito ay, una sa lahat, mga yugto ng chorale sa mga symphonic cycle, passacaglia (intermission sa pagitan ng ika-4 at ika-5 na eksena ng "Katerina Izmailova"), na nagsisilbing sentro ng pilosopikal ng trabaho. Gumagamit din ang kompositor ng passacaglia at chaconnes bilang mga independiyenteng bahagi ng isang cyclic na anyo o mga panloob na seksyon nito (ang gitnang yugto ng finale ng Seventh Symphony, ang ika-4 na paggalaw ng Eighth Symphony, ang mabagal na bahagi ng Piano Trio, ang Third Quartet, ang Unang Violin Concerto). Sa ilang mga kaso, lumilitaw ang polyphonic sample ng musika ni Shostakovich sa synthesis sa mga intonasyon ng kanta ng Ruso sa mga kondisyon ng subvocal texture (Intermezzo mula sa Piano Quintet op. 57).

Ang impluwensya ni Mussorgsky ay multifaceted at pinahusay ng sariling epic tendencies ni Shostakovich sa sining. Sa bagay na ito, dapat itong bigyang-pansin vocal, vocal-symphonic at mga instrumental na genre– quartets at konsiyerto. Kabilang sa mga akda ang symphony No. 13 at No. 14, "Sampung choral poems na batay sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makata," at ang tula na "The Execution of Stepan Razin." Ang Shostakovich at Mussorgsky ay magkatulad din sa kanilang diskarte sa alamat ng Russia at ang pagpili ng materyal na intonasyon. Si Shostakovich ay malapit sa pamamaraan ni Mussorgsky, ang lumikha ng makatotohanang mga tauhan ng bayan at tanyag na mga eksena, at ang kanyang saloobin sa kasaysayan ng mga tao. Tulad ng nalalaman, isinama ni Mussorgsky ang imahe ng mga tao sa lahat ng pagiging kumplikado nito. Ang isang katulad na dialecticism ay katangian din ng Shostakovich (dapat tandaan ang magkakaibang paglalarawan ng mga tao sa opera na "Katerina Izmailova", mga episode mula sa "The Execution of Stepan Razin", atbp.), na nagpapakita ng mga panloob na kontradiksyon.

"Iginagalang ko si Mussorgsky, itinuturing ko siyang pinakadakilang kompositor ng Russia," isinulat ni Shostakovich na higit sa lahat ay natukoy na ang pag-iisip ng musika noong ika-20 siglo. Napansin ng mga musicologist ang mga tampok ng istilo ni Mussorgsky na nasa unang mga gawa ni Shostakovich, lalo na, sa "Two Fables on Krylov's Poems for Voice and Orchestra" (op. 4, 1921). Ang prinsipyo ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng musika at mga salita, na ginagamit ni Mussorgsky sa opera na "Kasal", ay ipinatupad sa unang opera ni Shostakovich na "The Nose", na nilikha din batay sa prosa ni N. Gogol, tulad ng "Kasal" ni Mussorgsky.

Lubos na pinahahalagahan ni Shostakovich ang kakayahan ni Mussorgsky na masuri ang mga kaganapan sa kasaysayan ng Russia (tulad ng makikita sa mga opera na "Boris Godunov" at "Khovanshchina"), at upang mahanap ang mga mapagkukunan ng hinaharap na mga problema sa lipunan at moral.

Ang kompositor, na pinalaki ang mga mithiin ng rebolusyon, ay nasaksihan ang brutal na presyon ng makina ng estado, na nag-depersonalize ng mga tao. Ang ideyang ito ay nakatalukbong na sa Second Symphony ("Dedikasyon sa Oktubre", 1927), kung saan, kasama ang pagpapakita ng malalaking eksena sa karamihan ng mga tao na tipikal ng mga unang post-rebolusyonaryong taon, lumilitaw ang intonasyon at melodic na pagliko ng mga trahedya na kanta ng mga bilanggo. .

Ang tema ng pagmamanipula ng kamalayan ng masa, na humahantong sa hindi makatarungang kalupitan, ay ginagawang katulad din ni Shostakovich kay Mussorgsky. Isang halimbawa ay ang eksena ng madla na nagagalak sa panahon ng masaker bayaning bayan sa tulang “The Execution of Stepan Razin”.

Ang isang espesyal na lugar sa gawain ni Shostakovich ay inookupahan ng gawain sa pag-aaral ng malikhaing pamana ng Mussorgsky - ang orkestrasyon at pag-edit ng mga opera na "Boris Godunov" at "Khovanshchina", ang vocal cycle na "Mga Kanta at Sayaw ng Kamatayan". Parehong inilalarawan ng dalawang artista ang walang hanggang tema ng Kamatayan sa kanilang sining.

Ang mga koneksyon ni Shostakovich sa klasikal na panitikan ng Russia ay malawak. Sa mga manunulat, ang espesyal na pagbanggit ay dapat gawin ng Gogol (ang papel ng katawa-tawa) at Dostoevsky (psychologism). Kadalasan ang kakatuwa na elemento sa musika ni Shostakovich ay bumubuo ng isang synthesis ng maaasahang makatotohanang mga detalye na may hyperbole (pagmamalabis). Ang ganitong mga imahe ay lumalaki sa malakihang sikolohikal na paglalahat. Tulad ni Gogol, ginagamit ni Shostakovich ang pamamaraan ng "pagbaba" ng antas ng kalungkutan sa pamamagitan ng pagdadala ng lantarang bastos. Gayundin, ang parehong mga may-akda ay pinagsama sa pamamagitan ng kanilang pansin sa pagsusuri ang duality ng kalikasan ng tao. Ang indibidwal na pagka-orihinal ng estilo ni Shostakovich ay nagmumula sa maraming mga sangkap na bumubuo na may mataas na intensity ng kanilang synthesis.

Ang paksa ng isang espesyal na pag-aaral ay ang paggamit ng kompositor ng quotation material. Ang pamamaraang ito, tulad ng alam mo, ay palaging nakakatulong na "basahin ang layunin ng may-akda." Ipinakilala rin ng kompositor ang mga autoquotation bilang mga nauugnay na metapora (kabilang sa mga naturang gawa ay ang Eighth Quartet). Sa sining, ang proseso ng crystallization at consolidation ng intonation-symbols ay matagal nang nangyayari. Ang hanay ng pagkilos ng naturang mga tema ay pinalawak salamat sa paboritong pamamaraan ng kompositor ng mga polar transformation at metamorphoses. Ang pamamaraan ng genre generalization ay aktibong kasangkot sa prosesong ito, ngunit sa kaso ng generalization ng mga elemento ng genre na pinagmulan sa anumang typified formula, Shostakovich pagkatapos ay malayang itinapon ito bilang isang katangian na stroke. Ang pagtatrabaho sa gayong mga diskarte ay naglalayong hangga't maaari sa paglikha ng isang maaasahang "kapaligiran".

Ayon sa maraming mga mananaliksik, ang eksperimento sa larangan ng sound matter ay may kaunting atraksyon para kay Shostakovich. Ang mga elemento ng seriality at sonorism ay ginagamit nang may matinding pagpigil. Sa mga gawa ng mga nakaraang taon (sa mga symphony No. 14 at No. 15, ang huling quartets, ang Viola Sonata, mga vocal cycle sa mga teksto ni Akhmatova at Michelangelo), ang mga tema ng labindalawang tono ay matatagpuan. Sa pangkalahatan, ang ebolusyon ng istilo ni Shostakovich sa mga nakaraang panahon ay nakadirekta sa pag-save ng mga nagpapahayag na paraan.

5. Ang ilang mga tampok ng estilo ng D. D. Shostakovich: melody, armonya, polyphony

Ang pinakamalaking mananaliksik ng akda ng kompositor, si L. Danilevich, ay sumulat: "Minsan sa mga klase ni Dmitry Dmitrievich kasama ang kanyang mga mag-aaral, lumitaw ang isang pagtatalo: ano ang mas mahalaga - ang himig (tema) o ang pag-unlad nito. Tinukoy ng ilan sa mga estudyante ang unang paggalaw ng Fifth Symphony ni Beethoven. Ang tema mismo ng kilusang ito ay elementarya, hindi kapansin-pansin, at lumikha si Beethoven ng isang napakatalino na gawa batay dito! At sa unang Allegro ng Third Symphony ng parehong may-akda, ang pangunahing bagay ay wala sa tema, ngunit sa pag-unlad nito. Sa kabila ng mga argumentong ito, nangatuwiran si Shostakovich na ang materyal na pampakay, ang himig, ay may pangunahing kahalagahan pa rin sa musika.”

Ang mga salitang ito ay kinumpirma ng buong gawain ni Shostakovich. Kabilang sa mahahalagang katangian ng estilista ng kompositor ay pagiging kanta, na sinamahan ng iba pang mga uso, at ang synthesis na ito ay malinaw na ipinakita sa mga instrumental na genre.

Una sa lahat, dapat pansinin ang impluwensya ng alamat ng Russia. Ang ilan sa mga melodies ni Shostakovich ay may ilang pagkakatulad sa mga hugot na liriko na kanta, panaghoy at panaghoy; epikong epiko, mga himig ng sayaw. Mahalaga na hindi sinundan ng kompositor ang landas ng stylization; indibidwal na katangian wika nito sa musika.

Ang vocal interpretation ng mga sinaunang katutubong awit ay makikita sa maraming komposisyon. Kabilang sa mga ito: "The Execution of Stepan Razin", "Katerina Izmailova" (mga koro ng mga nahatulan); Ang kantang “A Tattered Peasant” (“I had a godfather”) ay puno ng mga komiks na sayaw na kanta at himig.

Ang himig ng ikatlong bahagi ng oratorio na "Song of the Forests" ("Memory of the Past") ay nakapagpapaalaala sa Russian folk song na "Luchinushka". Sa ikalawang bahagi - "Bihisan natin ang Inang Bayan sa mga kagubatan" - kabilang sa mga melodic na intonasyon ay may katulad na pagliko sa isa sa mga motibo ng awiting Ruso na "Hey, let's go"; Ang tema ng huling fugue ay kahawig ng himig ng sinaunang awiting "Glory".

Lumilitaw ang mga malungkot na liko ng panaghoy at panaghoy, lalo na, sa ikatlong bahagi ng oratorio, sa tulang koro na "The Ninth of January", sa Eleventh Symphony, at sa ilang preludes at fugues ng piano.

Gumawa si Shostakovich ng maraming instrumental na melodies na nauugnay sa genre ng folk lyrical song. Kabilang dito ang: mga tema mula sa unang kilusan ng Trio, ang finale ng Second Quartet, at ang mabagal na paggalaw ng First Cello Concerto. Ang globo ng Russian folk dance ay inihayag sa mga finale ng First Violin Concerto, ang Tenth Symphony (side part).

Ang rebolusyonaryong pagsulat ng kanta ay sumasakop sa isang makabuluhang lugar sa musika ni Shostakovich. Kasama ang kabayanihan na "aktibo" na mga intonasyon ng mga kanta ng rebolusyonaryong pakikibaka, gumamit si Shostakovich ng mga melodiko, kabilang ang mga katangian ng melodic na pagliko ng mga kanta ng mahirap na paggawa at pagpapatapon - makinis na triplet na paggalaw na may nangingibabaw na paggalaw ng pababa. Ang ganitong mga intonasyon ay naroroon sa mga tulang koro. Ang parehong uri ng melodic na paggalaw ay nangyayari sa Sixth at Tenth Symphony.

Mahalaga ring tandaan ang impluwensya ng mga kanta ng masa ng Sobyet. Ang kompositor mismo ay nagtrabaho nang mabunga sa lugar na ito. Kabilang sa mga akdang nagpapakita ng kaugnayan sa melodic sphere na ito ay ang oratorio na “Awit ng mga Kagubatan,” ang cantata na “The Sun Shines Over Our Motherland,” at ang Festive Overture.

Ang isang melodically rich recitative, na naghahatid hindi lamang ng mga intonasyon ng pakikipag-usap, kundi pati na rin ang mga kaisipan at damdamin ng mga karakter, ay pumupuno sa musikal na tela ng opera na "Katerina Izmailova". Ang cycle na "Mula sa Jewish Folk Poetry" ay nagpapakita ng maraming halimbawa ng mga tiyak mga katangiang pangmusika, na isinagawa gamit ang vocal at speech techniques, na may vocal declamation na kinukumpleto ng mga instrumental. Ang ugali na ito ay nabuo sa mga huling yugto ng boses ni Shostakovich.

Ang instrumental na "recitability" ay malinaw na kumakatawan sa pagnanais ng kompositor na ihatid ang "musika ng pagsasalita" nang tumpak hangga't maaari, na nagpapakita ng napakalaking pagkakataon para sa mga makabagong pakikipagsapalaran.

Sinabi ni L. Dolzhansky: “Kapag nakikinig tayo sa ilang symphony at iba pang instrumental na gawa ni Shostakovich, para bang nabubuhay ang mga instrumento, nagiging mga tao, mga tauhan sa drama, trahedya, at kung minsan ay komedya. Ang isa ay nakakakuha ng pakiramdam na ito ay "isang teatro kung saan ang lahat ay halata, hanggang sa punto ng pagtawa o luha" (mga salita ni K. Fedin tungkol sa musika ni Shostakovich). Ang isang galit na tandang ay nagbibigay daan sa isang bulong, isang malungkot na bulalas, isang daing ay nagiging mapanuksong tawa. Ang mga instrumento ay kumakanta, umiiyak at tumatawa. Siyempre, ang impresyong ito ay nilikha hindi lamang ng mga intonasyon mismo; Ang papel ng mga timbre ay napakahusay."

Ang deklarasyon, bilang isang espesyal na kalidad ng instrumentalismo ni Shostakovich, ay higit na konektado sa monologo ng pagtatanghal. Ang mga instrumental na "monologues," na minarkahan ng ritmikong kalayaan at kung minsan ay improvisational na istilo, ay naroroon sa lahat ng symphony, violin at cello concerto, at quartets.

At ang isa pang lugar ng melody kung saan ipinakita ang pagiging malikhain ni Shostakovich ay ang "dalisay" na instrumentalismo, malayo sa parehong kanta at "pakikipag-usap" na mga intonasyon. Ang mga ito ay mga tema na nailalarawan sa pagkakaroon ng "tense" na mga intonasyon at malawak na melodic leaps (ikaanim, ikapito, oktaba, wala). Ang mga instrumental melodies ni Shostakovich ay madalas na malinaw na nagpapahayag; sa isang bilang ng mga kaso nakakakuha ito ng mga tampok ng motority, sadyang "mekanikal" na paggalaw. Ang mga halimbawa ng naturang mga tema ay: ang fugue theme mula sa unang bahagi ng Fourth Symphony, ang "toccata" mula sa Eighth, ang piano fugue theme Des-dur.

Sa ilang mga kaso, isinama ni Shostakovich ang melodic na mga liko na may pang-apat na intonasyon. Ito ang mga tema ng First Violin Concerto (ang pangalawang tema ng side part na Nocturne, Scherzo, Passacaglia); tema ng piano fugue B major; tema ng kilusan V (“Sa alerto”) mula sa Ika-labing-apat na Symphony; tema ng pag-iibigan "Saan nagmula ang gayong lambing?" sa mga salita ni M. Tsvetaeva at iba pa, binibigyang kahulugan ni Shostakovich ang mga pariralang ito sa iba't ibang paraan, puspos ng isang tiyak na semantika na dumaan sa mga siglo. Ang ikaapat na galaw ay ang thematic grain ng liriko na melody ni Andantino mula sa Fourth Quartet. Ang mga galaw na katulad sa istraktura ay naroroon din sa scherzo, trahedya at kabayanihan na mga tema ng kompositor, kaya nagkakaroon ng pangkalahatang kahulugan.

Ang mga tampok ng melodic, harmony at polyphony ng Shostakovich ay bumubuo ng isang synthesis sa larangan ng modal na pag-iisip. Kahit na si Rimsky-Korsakov ay wastong itinuro ang isa sa mga katangian pambansang katangian Russian music - ang paggamit ng pitong-hakbang na mga mode. Ipinagpatuloy ni Shostakovich ang tradisyong ito sa modernong yugto ng kasaysayan. Sa mga kondisyon ng Aeolian mode, ang fugue theme at Intermezzo mula sa Quintet op. 57; Ang tema mula sa unang bahagi ng Trio ay naglalaman din ng mga pariralang pinagmulan ng alamat. Ang simula ng Seventh Symphony ay kumakatawan sa isang halimbawa ng Lydian mode. Fugue C major mula sa cycle na "24 Preludes and Fugues" ay nagpapakita ng iba't ibang uri ng mga mode (ang fugue na ito ay hindi kailanman gumagamit ng mga itim na key).

Sa Shostakovich, kung minsan ang isang mode ay mabilis na nagbibigay daan sa isa pa, at ito ay nangyayari sa loob ng balangkas ng isang istruktura ng musika, isang tema. Ang pamamaraan na ito ay nagbibigay ng isang espesyal na personalidad. Ngunit ang pinakamahalagang bagay sa interpretasyon ng mode ay ang madalas na pagpapakilala ng mas mababang (mas madalas na mas mataas) na mga hakbang ng sukat. Kaya, sa proseso ng pagtatanghal, lumilitaw ang mga bagong mode, at ang ilan sa mga ito ay hindi ginamit bago ang Shostakovich. Ang ganitong mga istruktura ng modal ay ipinakita hindi lamang sa himig, kundi pati na rin sa pagkakaisa, sa lahat ng aspeto ng pag-iisip ng musikal (isang mahalagang dramatikong papel ang ginampanan ng isa sa mga mode na ito sa Eleventh Symphony, na tumutukoy sa istraktura ng pangunahing butil ng intonasyon ng buong cycle, pagkuha ng kahulugan ng leitintonation).

Bilang karagdagan sa iba pang mga pinababang hakbang, ipinakilala ni Shostakovich ang mababang VIII (nasa mode na ito, kasama ang paglahok ng pangalawang mababang hakbang, na nilikha ang tema ng pangunahing bahagi ng unang paggalaw ng Fifth Symphony). Ang VIII mababang hakbang ay nagpapatunay sa prinsipyo ng hindi pagsasara ng mga octaves. Ang pangunahing tono ng fret (sa halimbawang ibinigay ay ang tunog "d") ang isang octave na mas mataas ay tumigil sa pagiging pangunahing tono at ang oktaba ay hindi nagsasara. Ang pagpapalit ng purong oktaba para sa pinababang isa ay maaari ding mangyari kaugnay ng iba pang antas ng sukat.

Sa ilang mga kaso, ang kompositor ay gumagamit ng bitonality (ang sabay-sabay na tunog ng dalawang tonality). Mga katulad na halimbawa: isang episode mula sa unang paggalaw ng Second Piano Sonata; isa sa mga seksyon ng fugue sa ikalawang bahagi ng Ika-apat na Symphony ay nakasulat sa polytonally: apat na tonalities ang pinagsama dito - d-moll, es-moll, e-moll at f-moll.

Dapat pansinin na si Shostakovich ay gumawa ng mga kagiliw-giliw na pagtuklas sa larangan ng pagkakaisa. Halimbawa, sa ikalimang eksena ng opera na "Katerina Izmailova" (ang eksena kasama ang multo) mayroong isang chord na binubuo ng lahat ng pitong tunog ng diatonic series (isang ikawalong tunog sa bass ay idinagdag sa kanila). Sa pagtatapos ng pag-unlad ng unang paggalaw ng Ikaapat na Symphony, isang chord na binubuo ng labindalawang iba't ibang tunog. Ang harmonic na wika ng kompositor ay nagpapakita ng mga halimbawa ng parehong napakahusay na kumplikado at, sa kabaligtaran, pagiging simple. Functionally simpleng harmonies ay naroroon sa cantata "Ang araw ay sumisikat sa ating Inang Bayan." Ang mga kagiliw-giliw na halimbawa ng maharmonya na pag-iisip ay ipinakita sa mga susunod na gawa, na pinagsasama ang makabuluhang kalinawan, minsan transparency, na may pag-igting. Sa pamamagitan ng pag-iwas sa mga kumplikadong polyphonic complex, hindi pinasimple ng kompositor ang mismong lohika ng harmonic na wika.

Si Shostakovich ay isa sa mga pinakadakilang polyphonist ng ika-20 siglo. Para sa kanya, ang polyphony ay isa sa napakahalagang paraan ng musikal na sining. Ang mga nagawa ng kompositor sa lugar na ito ay nagpayaman sa mundo kultura ng musika; sabay-sabay na ipinapahiwatig nila bagong yugto sa kasaysayan ng polyphony ng Russia.

Tulad ng alam mo, ang pinakamataas na polyphonic form ay ang fugue. Gumawa si Shostakovich ng maraming fugues - para sa orkestra, koro at orkestra, quintet, quartet, piano. Ipinakilala niya ang form na ito hindi lamang sa mga symphonic cycle at chamber works, kundi pati na rin sa ballet (“Golden Age”) at musika sa pelikula (“Golden Mountains”). Ang kinikilalang tugatog sa larangan ng polyphonic thinking ay ang paglikha ng cycle na "24 Preludes and Fugues," na nagpatuloy sa mga tradisyon ng Bach noong ika-20 siglo.

Kasama ng fugue, ginagamit ng kompositor ang sinaunang anyo ng passacaglia (isang episode mula sa opera na "Katerina Izmailova" - ang intermission sa pagitan ng mga eksena IV at V). Isinailalim niya ang sinaunang anyo na ito, tulad ng fugue form, sa paglutas ng mga problemang nauugnay sa sagisag ng modernong realidad. Halos lahat ng passacaglia ni Shostakovich ay kalunos-lunos at naglalaman ng mahusay na nilalamang humanistic.

Ang polyphony bilang isang pamamaraan ay ipinakita sa paraan ng pag-unlad ng maraming mga seksyon ng eksposisyon, ang pagbuo ng mga bahagi na kumakatawan sa isang sonata form. Ipinagpatuloy ng kompositor ang mga tradisyon ng Russian subvocal polyphony (choral poems "On the Street", "Awit", ang pangunahing tema ng unang bahagi ng Tenth Symphony).

6. "Autographic" chord ng D. D. Shostakovich

SA kani-kanina lang lumitaw kawili-wiling pananaliksik, na nakatuon sa pagsusuri ng mode-harmonic na paraan ng musika ni Shostakovich, pati na rin ang kanyang "autobiographical" chord system. Ang hindi pangkaraniwang bagay na ito (mga chord na may mga linear na tono na lumilitaw sa ilalim ng ilang harmonic, linear-contrapuntal at metrhythmic na kondisyon) ay naging isa rin sa mga katangian ng estilo ng kompositor.

Sa mga pag-aaral na nakatuon sa musikal na wika ng Shostakovich, isang espesyal na lugar ang ibinibigay sa structural refraction ng dating nabuo na materyal, na bumubuo ng isang bagong kalidad ng tunog. Ito ay dahil sa mga espesyal na katangian ng komunikasyon ng musika ng kompositor. Ang pagtuon sa tagapakinig, katangian ng Shostakovich, ay nangangailangan ng katiyakan ng semantiko mula sa mga paraan ng musikal. Ang paunang pampakay na tema ay maaaring magbago nang malaki sa proseso ng pagtatanghal, ngunit, salamat sa pandinig na memorya, kinikilala ito at nagsisilbing isang pilosopikal at etikal na paraan ng paghahatid ng ideya ng sanaysay.

Ang kalidad ng "pagbabago ng kilala" ay ganap na ipinakita sa mga chord ni Shostakovich. Sa akda ni L. Savvina na "Shostakovich: mula sa pagkakatugma ng montage hanggang sa mga hilera ng labindalawang tono" ay nabanggit na "Sa maraming mga pagkakaiba-iba ng chord, binibigyang diin ni Shostakovich ang istrukturang kadaliang kumilos ng mga consonance, na nag-aambag sa pagbuo ng isang variant na multiplicity ng mga form ng chord: sila ay patuloy na nagbabago, nakakapasok, nagpaparamdam sa isa't isa, nawawalan ng katatagan at pagpapanatili." Ito ay nararapat na makita bilang impluwensya ng isang polyphonic complex ng mga paraan ng pagpapahayag. Ang mga pangkalahatang katangian ng pagkakaisa ni Shostakovich bilang polyphonic ay paulit-ulit na binanggit ng mga mananaliksik. Kaya, sinabi ni G. Kocharova na sa mga gawa ni Shostakovich "...Sa pamamagitan ng koordinasyon ng grupo ng mga boses sa texture, ang pangunahing batas ng polyphonic harmony ay gumagana - ang batas ng hindi pagkakaisa ng mga punto ng harmonic na konsentrasyon (sa mga tuntunin ng antas ng dissonance o sa functional na kahulugan). ...ang mga panandaliang "node", "unison", kung saan ang functional na kahulugan ng mga tono at mga elemento ng texture ay nagtutugma, ay kumakatawan sa isang uri ng pagkakatulad sa lumang uri ng mga cadence na "nag-ipon" ng enerhiya ng paggalaw ng mga boses sa klasikal polyphony.” Ito ay tiyak na may "cadancing" ng isang mataas na pagkakasunud-sunod, na may diin sa metro-ritmikong makabuluhang beat, na ang natatanging chord ng may-akda ni Shostakovich, na wala pang detalyadong paglalarawan sa panitikan, ay nauugnay. Ito ang chord na maaaring italaga bilang autographic.

Sinabi ni S. Nadler: “Ang autographic chords ni Shostakovich ay isang espesyal na paggamit ng mga linear na tono. Ang expression na napupunta sa diskarteng ito ay nagbubunga ng isang qualitatively different sound ng non-chord sounds, ginagawa silang umiral hindi lamang sa isang "iba't ibang tunog" kumpara sa iba pang mga tunog ng chord, ngunit sa isang "iba't ibang oras." Ito ay isang chord ng "non-verbal" microfunctions na nagpapahayag ng saloobin patungo sa lokal na tonic at sa parehong oras ay nakakaapekto sa sandali ng katotohanan, ang sandali ng pananaw." Maraming mga musicologist ang nagsasalita tungkol sa isang espesyal na uri ng pang-unawa at pagtatanghal ng "oras" na katangian ng musika ni Shostakovich.

Maaari nating tapusin na ang autographic chords ni Shostakovich ay nagmula sa isang polytemporal linear na kalikasan. Gaya ng sinabi ni E. Sokolova, "Kahit na ang mga triad ay madalas na binibigyang-kahulugan ng kompositor bilang dobleng tunog, ngunit may mga idinagdag na tono." Ang non-chord na tunog, na bumubuo ng isang kinakailangang bahagi ng naturang chord, ay binibigyang kahulugan sa isang dalawahang temporal na posisyon.

Sa unang pagkakataon, lumabas ang orihinal na chord ni Shostakovich maagang panahon pagkamalikhain. Naayos na ito sa opera na "The Nose" sa unang eksena (No. 2, number 23, volume 2 - ang figure ng mga string na binabalangkas ang perspektibo ng rehistro). Ang displacement ng tonal microcenter sa fragment na ito (mula sa tunog "A" sa "es") lumilikha ng "intonasyon sa malayo," at ang hitsura ng buong pigura sa simula ng isang bagong parirala ay nagbibigay-diin sa kahalagahan ng maharmonya na kaganapan. Ang hitsura ng mga chord ng may-akda ay dahil sa ang katunayan na ang episode na ito ay nagpapakita ng isang kumplikadong pananaw ng balangkas na may hiwalay na semantiko na katangian ng bawat linya. Ang "tragifarcical" na mga dramatikong sandali ng opera na "The Nose" ay kinakatawan ng mga chord ng may-akda: No. 9 ("On a newspaper expedition," number 191, vol. 2), No. 11 ("Kovalyov's Apartment," number 273 , vol. 2; numero 276, vol. Ang patunay ng kahalagahan ng chord na ito ay ang konsentrasyon nito "sa paligid" ng pangunahing polyphonic number ng opera: ang Intermission sa pagitan ng ika-5 at ika-6 na eksena. Ang kaibahan ng isa pang uri ng chord na may polyphonic "penetration" sa lihim na kakanyahan ng mga kaganapan ay napaka katangian ng indibidwal na polyphonic poetics ni Shostakovich at ito ay bahagi ng pangkalahatang sistema ng kanyang polyphonic "hearing" ng mundo.

Noong unang bahagi ng 30s ng ika-20 siglo, sa opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk", ang papel ng mga chord ng may-akda ay tumaas nang malaki, na nauugnay sa pagnanais ng kompositor na mapansin sa isang bukas na trahedya na paraan, kumpara sa unang bahagi ng panahon. nang natakpan ang orihinal na trahedya ng pangitain ng mundo. Ang hangganan para sa pagbabago ng anggulo ng pagtingin sa mga kaganapan - mula sa nakakatawa hanggang sa trahedya - ay ang cycle na "Six Romances on Poems of Japanese Poets", na medyo "autographic" sa tunog. Sa siklo na ito, ang iba pang mga tampok ng estilo ni Shostakovich ay nagsisimulang bigyang-diin, na sa unang bahagi ng panahon ay umiral sa isang nakatagong anyo, at sa gitnang panahon ay nakakuha ng nangingibabaw na kahalagahan. Una sa lahat, ito ay isang aktibong "monologization" ng musikal na pag-iisip at isang diin sa libreng metrical na pag-unlad ng pag-iisip. Ang mga katangiang ito ay nauugnay sa isang pangkalahatang pagbabago sa mood ng kompositor. Sa oras na ito, hindi lamang ang mga katangian ng pagsasalita ng isang musikal na salaysay ay hinahasa, ngunit ang kahalagahan ng trahedya na pananalita bilang isang paraan ng pagtugon sa nakikinig ay tumataas.

Sa gitnang panahon, ang mga chord ng may-akda ay magiging pangunahing "autograph" ng vertical ni Shostakovich. Bilang halimbawa, maaari nating banggitin ang chain ng cadence chords sa coda ng finale ng "borderline" sa pagitan ng maaga at gitnang yugto ng Fourth Symphony (mga numero 243 - 245). Ang pagtaas ng bahagi ng ganitong uri ng mga chord ay nauugnay sa pangkalahatang extroversion ng estilo sa musika ni Shostakovich mula 30s hanggang 50s (itinuturing ng mga mananaliksik na ang paglikha ng Eighth Symphony ang pinakatuktok ng panahong ito).

Salamat sa gayong mga chord, ang accent ng may-akda ng maraming mga gawa ay agad na nakikilala. Ang isang pagbubukod ay, sa partikular, ang hindi natapos na opera na "The Players," kung saan ang mga chord na ito ay hindi tumutugma sa pangkalahatang dramatikong linya at lumilitaw na ganap na independyente sa pangkalahatang salaysay. Ang papel na ipinapalagay ni Shostakovich sa oras ng paglikha ng opera ("ang trahedya na makata ng ating panahon," sa mga salita ni I. Sollertinsky), "ay hindi pinahintulutan" ang pagpapatupad ng farcical plot. Ito ay hindi nagkataon na ang opera, na binubuo lamang ng ikatlong bahagi ng daan at nagtataglay ng hindi maikakaila na mga dramatikong merito at kamangha-manghang intriga sa musika, ay nanatiling hindi natapos. Mayroon ding mga komposisyon mula sa 50s na may medyo maliit na papel ng autographic chords ng may-akda. Halimbawa, ang unang paggalaw ng Symphony No. 11 (bago ang numero 1). Ang mga chord sa fragment na ito, ayon sa mga mananaliksik, ay walang espesyal na enerhiya na katangian ng musika ni Shostakovich at kadalasang nauugnay sa isang mas mataas na tunog. Gayunpaman, sa bahaging ito (sa numero 17) ang kalidad ng musikal na pagpapahayag ng may-akda na may cathartic na kahulugan ay nakuha (ang chord ng "may-akda" sa numero 18).

Sa higit pa sa mas malaking lawak Ang "pagpapahina" ng autographic chords ay katangian ng Symphony No. 12. Ang isang espesyal na autographic na tunog ay naging katangian ng patayong musika ng Shostakovich sa nakalipas na 15 taon. Ang isang makabuluhang pagbabago sa susunod na istilo ay may kinalaman sa mga awtorisadong chord. Sa lahat ng nakaraang panahon ito ay aktibong ginagamit. Madalas na lumilitaw, ang mga harmonic na "autograph", na naiiba sa pag-andar at acoustic sonority, ay may isang bagay na karaniwan na malinaw na nakikilala ng tainga bilang isang katangian ng accent ng may-akda: ang aktibidad at inisyal ng chord sa isang punto ng oras. Ipinakita nito ang sarili sa tekstura sa paraang kumilos ang kuwerdas ng may-akda sa "walang tao" na espasyong kontrapuntal. Tila tumagos ito sa buong tela, na naging isang patayong seksyon ng texture. Sa susunod na panahon, ang naturang chord ay nagiging madalang na pangyayari. Kapag siya ay lumitaw, siya ay nagiging passive, dahil ang lugar sa space-time continuum ay ginagamit mula sa posisyon ng ibang dramatikong kahulugan.

Kaya, ang mga signature chords ni Shostakovich ay isa sa mga pinaka makabuluhang tampok ng estilo. Ang pagkakaroon ng lumitaw sa mga unang gawa, sumasailalim ito sa mga pagbabago na katulad ng iba pang paraan ng pagpapahayag. Sa kabila ng mga pagbabagong pangkakanyahan, ang kalidad ng istilong ito ay gumaganap ng pangunahing papel nito sa kabuuan ng kanyang trabaho, na nag-indibidwal sa musikal na pananalita ni Shostakovich.

6. Ang ilang mga tampok ng sonata form

Si Shostakovich ay ang may-akda ng isang bilang ng mga sonata cycle, symphonic at chamber (symphony, concertos, sonatas, quartets, quintets, trios). Ang pormang ito ay naging espesyal para sa kanya. mahalaga. Ito ay pinaka malapit na tumutugma sa kakanyahan ng pagkamalikhain at nagbigay ng sapat na pagkakataon upang ipakita ang "dialectics ng buhay." Isang symphonist sa pamamagitan ng bokasyon, ginamit ni Shostakovich ang sonata cycle upang isama ang kanyang pangunahing mga malikhaing konsepto.

Para kay Shostakovich, ang mga sonata ay hindi bababa sa lahat ng isang pamamaraan na nagbubuklod sa kompositor ng akademikong "mga tuntunin." Binigyang-kahulugan niya ang istruktura ng sonata cycle at ang mga bahagi nito sa sarili niyang paraan.

Napansin ng maraming mananaliksik ang espesyal na papel ng mabagal na tempo sa mga unang bahagi ng mga siklo ng sonata. Ang hindi nagmamadaling pag-unlad ng musikal na materyal ay sumusunod kasama ng isang unti-unting konsentrasyon ng panloob na dinamika, na humahantong sa emosyonal na "mga pagsabog" sa kasunod na mga seksyon. Kaya, dahil sa paggamit mabagal na tempo Ang "zone" ng salungatan sa unang paggalaw ng Fifth Symphony ay inilipat sa pag-unlad. Ang isang kagiliw-giliw na halimbawa ay ang Eleventh Symphony, kung saan walang isang kilusan na nakasulat sa anyo ng sonata, ngunit ang lohika ng pag-unlad nito ay naroroon sa mismong pamamaraan ng apat na bahagi na ikot (ang unang kilusan - Adagio - ay gumaganap ng papel ng prologue).

Dapat pansinin ang espesyal na tungkulin ng mga panimulang seksyon. May mga pagpapakilala sa Una, Ikaapat, Ikalima, Ikaanim, Ikawalo, Ikasampung Symphony. Sa Ikalabindalawang Symphony, ang introduction theme din ang tema ng pangunahing bahagi. Ang kaibahan sa pagitan ng mga tema ng eksposisyon sa Shostakovich ay madalas na hindi pa nagpapakita ng pangunahing salungatan. Ang pinakamahalagang elemento ng diyalektiko ay labis na nakalantad sa pag-unlad, na emosyonal na sumasalungat sa paglalahad. Kadalasan ang tempo ay bumibilis, ang musikal na wika ay nakakakuha ng a O mas mataas na intonation modal sharpness. Ang pag-unlad ay nagiging napaka-dynamic at kapansin-pansing matindi.

Minsan gumagamit si Shostakovich ng mga hindi pangkaraniwang uri ng mga pag-unlad. Kaya, sa unang bahagi ng Sixth Symphony, ang pagbuo ay binubuo ng mga pinahabang solo, tulad ng mga improvisasyon ng mga instrumento ng hangin. Sa unang bahagi ng Seventh Symphony, ang pagbuo ay bumubuo ng isang independiyenteng cycle ng variation (invasion episode).

Karaniwang dina-dinamize ng kompositor ang mga reprise na seksyon, na nagpapakita ng mga larawan sa mas mataas na emosyonal na antas. Kadalasan ang simula ng isang reprise ay tumutugma sa lugar ng pangkalahatang rurok.

Ang scherzo ni Shostakovich ay kumakatawan sa iba't ibang interpretasyon ng genre - tradisyonal (masayahin, nakakatawa, kung minsan ay may kabalintunaan). Ang iba pang uri ay mas tiyak: ang genre ay binibigyang-kahulugan ng kompositor hindi sa direkta nito, ngunit sa kondisyonal na kahulugan nito; ang saya at katatawanan ay nagbibigay-daan sa katawa-tawa, pangungutya, at madilim na pantasya. Ang artistic novelty ay wala sa anyo, hindi sa compositional structure; ang nilalaman, imahe, at mga paraan ng "paglalahad" ng materyal ay bago. Ang isang kapansin-pansin na halimbawa ng isang scherzo ng ganitong uri ay ang ikatlong kilusan ng Eighth Symphony; Ang ganitong uri ng scherzo ay "pumapasok" din sa mga unang bahagi ng mga cycle ng Ikaapat, Ikalima, Ikapito, at Ikawalong symphony.

Matapang na pinagsasama ni Shostakovich ang trahedya at scherzo - hindi nagbabala, ngunit, sa kabaligtaran, nagpapatibay sa buhay - sa Ikalabintatlong Symphony.

Ang kumbinasyon ng iba't ibang at kahit na magkasalungat na mga elemento ng artistikong ay isa sa mga makabuluhang pagpapakita ng pagbabago ni Shostakovich.

Ang mabagal na paggalaw, na matatagpuan sa loob ng mga sonata cycle na nilikha ni Shostakovich, ay nagpapakita ng iba't ibang mga imahe. Kung ang scherzos ay madalas na sumasalamin sa negatibong bahagi ng buhay, kung gayon sa mabagal na paggalaw ay nagpapakita ng mga positibong larawan ng kabutihan, kagandahan, kalikasan, at kadakilaan ng espiritu ng tao. Tinutukoy nito ang etikal na kahalagahan ng musikal na pagmumuni-muni ng kompositor - kung minsan ay malungkot at mahigpit, kung minsan ay napaliwanagan.

Nalutas ni Shostakovich ang problema ng mga huling paggalaw sa iba't ibang paraan. Ang ilan sa mga pagtatapos nito ay nagbubunyag hindi inaasahang interpretasyon(sa partikular, sa Thirteenth Symphony, ang una at penultimate na paggalaw ay kalunos-lunos, at sa finale ay may tawanan, at ang episode na ito ay napaka-organic sa pangkalahatang lohika ng cycle).

Ilang pangunahing uri ng symphonic at chamber finales ng Shostakovich ang dapat tandaan. Una sa lahat, may mga kabayanihan na pagtatapos, na nagsasara ng ilang mga siklo kung saan ang mga kabayanihan-tragic na tema ay ipinahayag. Ang ganitong uri ng huling kilusan ay nakita na sa Unang Symphony. Ang pinakakaraniwang mga halimbawa nito ay nasa Fifth, Seventh, at Eleventh Symphony. Ang finale ng Trio ay ganap na kabilang sa kaharian ng trahedya. Ang parehong ay totoo sa laconic huling kilusan ng Ika-labing-apat na Symphony.

Ang Shostakovich ay may masasayang, maligaya na mga finale na malayo sa kabayanihan. Kulang sila sa mga larawan ng pakikibaka, pagtagumpayan ng mga hadlang; naghahari ang walang katapusang saya. Ito ang huling Allegro ng First Quartet, ang finale ng Sixth Symphony; Ang mga finale ng ilang mga konsiyerto ay dapat isama sa parehong kategorya, bagama't ang mga ito ay nalutas nang iba. Sa final ng Una konsiyerto ng piano nangingibabaw ang katawa-tawa at buffooner; Ang Burlesque mula sa First Violin Concerto ay nagpapakita ng larawan ng isang katutubong pagdiriwang.

Ang partikular na tala ay ang mga liriko na pagtatapos. Kaya, sa finale ng Quintet op. 57, ng Sixth Quartet, ang mga liriko na pastoral na imahe ay masalimuot na pinagsama sa araw-araw na mga elemento ng sayaw. Ang mga hindi pangkaraniwang uri ng mga finale ay batay sa sagisag ng magkasalungat na emosyonal na mga globo, kapag sinasadya ng kompositor ang "hindi magkatugma." Ito ang mga finale ng Fifth at Seventh Quartets; ang finale ng Fifteenth Symphony "nakuha" polarity pagiging.

Ang paboritong diskarte ni Shostakovich ay bumalik sa mga finale sa mga kilalang tema mula sa mga nakaraang paggalaw. Ang mga ganitong episode ay madalas na kumakatawan sa mga climax zone. Kabilang sa mga naturang gawa ay ang mga finale ng Una, Ikawalo, Ikasampu, Ika-labing-isang Symphony.

Sa maraming pagkakataon ang anyo ng mga finale ay sonata o rondo sonata. Tulad ng sa mga unang bahagi ng mga cycle, malaya niyang binibigyang kahulugan ang istrukturang ito (pinaka malaya sa mga finale ng Ikaapat at Ikapitong symphony).

Iba-iba ang istraktura ng Shostakovich ng kanyang mga sonata cycle, binabago ang bilang ng mga bahagi at ang pagkakasunud-sunod ng kanilang paghahalili. Pinagsasama nito ang mga katabing bahagi na tumatakbo nang walang pagkaantala, na lumilikha ng isang cycle sa loob ng isang cycle. Ang pagkahumaling sa pagkakaisa ng kabuuan ay nag-udyok kay Shostakovich na ganap na iwanan ang mga caesuras sa pagitan ng mga paggalaw sa Ika-labing-isang at Ikalabindalawang Symphony. Sa Ika-labing-apat na Symphony, ang kompositor ay lumihis mula sa pangkalahatang mga pattern ng anyo ng sonata-symphonic cycle, na pinapalitan ang mga ito ng iba pang nakabubuo na mga prinsipyo.

Ang pagkakaisa ng kabuuan ay ipinahayag sa Shostakovich din sa isang komplikadong, branched system ng leitmotif-intonation na mga koneksyon.

7. Ilang mga prinsipyo ng orkestrasyon

Mahalagang tandaan ang kahusayan ni Shostakovich sa larangan ng timbre dramaturgy. Si Shostakovich ay hindi nakatuon sa timbre na "pagpipinta", ngunit sa pagkilala sa emosyonal at sikolohikal na kakanyahan ng mga timbre, na iniugnay niya sa mga damdamin at karanasan ng tao. Kaugnay nito, ang istilo ng orkestra ni Shostakovich ay may pagkakatulad sa mga pamamaraan ng pagsulat ng orkestra nina Tchaikovsky, Mahler, at Bartok.

Ang orkestra ni Shostakovich ay, una sa lahat, isang orkestra ng trahedya, kung saan ang pagpapahayag ng mga timbre ay umabot sa pinakamalaking intensity. Ang symphonic at operatic na musika ay nagbibigay ng maraming mga halimbawa ng timbre embodiment ng mga dramatikong salungatan sa tulong ng tanso at mga string. Mayroong ganitong mga halimbawa sa mga gawa ni Shostakovich. Madalas niyang iugnay ang "kolektibong" timbre ng grupong tanso sa mga larawan ng kasamaan, pagsalakay, at pagsalakay ng mga pwersa ng kaaway. Ito ang pangunahing tema ng unang bahagi ng Ikaapat na Symphony, na ipinagkatiwala sa tanso - dalawang trumpeta at dalawang trombone sa isang oktaba. Dinoble sila ng mga biyolin, ngunit ang timbre ng mga biyolin ay hinihigop ng malakas na tunog ng tanso. Ang dramatikong pag-andar ng tanso (pati na rin ang pagtambulin) sa pag-unlad ay malinaw na natukoy. Ang isang dinamikong fugue ay humahantong sa kasukdulan: ang tema ay tinutugtog ng walong sungay nang sabay-sabay, pagkatapos ay pumasok ang apat na trumpeta at tatlong trombone. Ang buong episode ay sumusunod sa isang battle rhythm na nakatalaga sa apat na instrumento ng percussion.

Ang parehong dramatikong prinsipyo ng paggamit ng seksyon ng tanso ay ipinahayag sa pagbuo ng unang paggalaw ng Fifth Symphony. Sinasalamin din ng brass dito ang negatibong linya ng musical dramaturgy. Mas maaga, sa eksibisyon, ang timbre ng mga string ay nangingibabaw. Sa simula ng pag-unlad, ang pinag-isipang muli na pangunahing tema, ngayon ang sagisag ng kasamaan, ay itinalaga sa mga sungay, pagkatapos ang tema ay lumipat sa mga trumpeta sa mababang rehistro. Sa kasukdulan, tatlong trumpeta ang tumutugtog sa parehong tema, na binago sa isang martsa. Ang mga ibinigay na halimbawa ay nagpapakita, sa partikular, ang dramatikong papel ng iba't ibang timbre at mga rehistro: ang parehong instrumento ay maaaring magkaroon ng magkaiba, kahit na kabaligtaran ng mga dramatikong kahulugan.

Ang grupo ng tanso ay minsan ay gumaganap ng ibang tungkulin, na nagiging tagapagdala ng isang positibong prinsipyo. Ang isang katulad na halimbawa ay ang huling dalawang paggalaw ng Fifth Symphony. Pagkatapos ng Largo, ang mga unang bar ng finale, na nagmamarka ng pagbabago sa symphonic na aksyon, ay minarkahan ng pagpapakilala ng mga instrumentong tanso, na naglalaman ng end-to-end na aksyon sa finale, na nagpapatunay ng malakas na kalooban na optimistikong mga imahe.

Tulad ng iba pang mga pangunahing symphonist, si Shostakovich ay bumaling sa mga string kapag ang musika ay kailangan upang ihatid ang matinding damdamin. Ngunit nangyayari rin na ang mga instrumento ng string ay gumaganap ng kabaligtaran na dramatikong pag-andar para sa kanya, na nagsasama, tulad ng mga instrumentong tanso, mga negatibong imahe. Nagiging malamig at malupit ang tunog. Mayroong mga halimbawa ng naturang sonority sa Ika-apat, Ikawalo, at Ika-labing-apat na symphony. Ito ay kung paano malinaw na ipinakita ang pamamaraan ng "alienation": ang pagkakaiba sa pagitan ng imahe o sitwasyon at ang "disenyo" nito sa musika.

Para kay Shostakovich, ang papel ng mga instrumento ng pagtambulin ay napakahalaga. Ang mga ito ay pinagmumulan ng drama at nagdadala ng matinding panloob na tensyon sa musika. Feeling subtly mga kakayahan sa pagpapahayag mga indibidwal na instrumento ng pangkat na ito, ipinagkatiwala sa kanila ni Shostakovich ang pinakamahalagang solo. Kaya, na sa Unang Symphony ginawa niya ang timpani solo ang pangkalahatang paghantong ng buong cycle. Ang invasion sequence mula sa Seventh Symphony ay nauugnay sa ritmo ng isang snare drum. Sa Ikalabintatlong Symphony, naging leittimbre ang tunog ng kampana. Mayroon ding grupo at solong mga episode ng percussion sa Eleventh at Twelfth Symphony.

8. Ang gawain ni D. Shostakovich sa konteksto ng modernong musikal na sining

Ang istilong multidimensional na sining ng Shostakovich ay nagtatanghal ng isang musikal na "chronicle", na nailalarawan sa pamamagitan ng isang malalim na musikal at pilosopikal na pag-aaral ng mga panlabas at panloob na mundo - mula sa makasaysayang, panlipunan at sikolohikal na pananaw. Ang patuloy na panggigipit sa ideolohiya, na nagdulot ng protesta at galit ng artista, ay nakahanap ng paraan, gaya ng nalalaman, sa marami sa mga pinaka-matinding parodies sa musika, na kasunod na inakusahan ng "formalism", "pagkalito", atbp. Ang nihilistic na saloobin ni Shostakovich patungo sa totalitarian system, na higit na tumutukoy sa nilalaman ng musika, isang espesyal na makasagisag na istraktura ng pagpapahayag ang nagpasiya sa gawa ng may-akda pangunahin sa larangan ng symphonic at chamber-instrumental na genre. Mahalaga na para sa lahat ng kritikal na mood at konsentrasyon ng trahedya sa musika, ang Shostakovich ay hindi maihihiwalay na nauugnay sa mga tradisyon ng "Panahon ng Pilak" - una sa lahat, ang romantikong paniniwala sa pagbabagong kapangyarihan ng sining. Ang pagmamana ng grotesqueness, ang ideya ng musikal na "pagdoble", ang sikolohiya ng romantikong panahon, hindi siya kailanman tumawid sa linya masining.

Ang isa sa mga makasaysayang merito ng Shostakovich the Citizen ay na siya, na napilitang pumasok sa party, sa kalaunan ay naging pinakamalakas na pigura na nagawang "ilabas ang susunod na henerasyon ng mga kompositor mula sa linya ng apoy."

Ang apela ni Shostakovich sa naka-quote na materyal (kabilang ang baroque at classical) ay hindi lamang isang masining, ngunit isang espesyal at etikal na kahulugan. Ang Lumikha, na nasa espirituwal na “pagkatapon,” ay bumaling sa musikal na tradisyon. Ito ang malikhaing gawain ng musikal na "pagmuni-muni" na kasunod na ipinagpatuloy ng mga neo-romantikong kompositor sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, at sa gayon ay bumubuo ng mga malalim na kakulangan sa espirituwal at personal na mga lugar.

Isinulat ng modernong musikero na si L. Ptushko: “...Ang pamarisan para sa sadyang hindi maliwanag na pagtatanghal ng nilalaman ng isang gawaing pangmusika ay kabilang din kay Shostakovich. Malawakang paggamit ng semantic binary na katangian ng mga istrukturang pangmusika at ang semantikong pagbabago ng "mga tema ng werewolf," ipinakilala ng kompositor ang ideya ng "pagdodoble"—isang hindi sinasalitang prinsipyo buhay Sobyet, ang pangunahing "sakit" ng lipunan ay ang moral na ambivalence ng Stalinist na "teatro" ng kamatayan, kung saan ang gayong pagpapalit ng mga tungkulin ay naganap nang may diabolikong birtuosidad. At ang protesta ng kompositor na ito laban sa amateurism sa sining, ang pagkasira ng kultura at ang tunay na "pagkamatay ng may-akda" ay, tulad ng alam natin, ang pinakamahalagang tema ng musika ni Shostakovich.

Imaginative aesthetic kategorya ng kamatayan, na naging isang espesyal na simbolo ng postmodernity at konektado sa simula at katapusan ng siglo, ay sinakop ang isa sa mga sentral na lugar sa gawain ni Shostakovich. Ang Symphony No. 8, No. 11, No. 13, No. 14 ay nakatuon sa paksang ito; "The Execution of Stepan Razin" at marami pang ibang gawa. Sa kanila, tila hinulaan ng may-akda ang mga trahedya sa hinaharap para sa isang lipunan na yurakan ang espirituwalidad nito at pinahintulutan itong maabot ang mass personal na debalwasyon. Ang pagtatanggol sa mga makatao na posisyon ng sining, ang kompositor hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ay iginiit ang malikhaing kapangyarihan nito, na nagdidirekta sa musikal at pilosopikal na pag-iisip sa larangan ng eksistensyalismo (isang direksyon sa modernong pilosopiya at panitikan na nag-aaral ng pagkakaroon ng tao at nagpapatunay ng intuwisyon bilang pangunahing pamamaraan ng pag-unawa sa katotohanan).

Ang malikhaing landas ng kompositor, ayon sa isang bilang ng mga mananaliksik, ay nakadirekta mula sa layunin Upang subjective at pagpapalakas ng introvert na prinsipyo, sa pagtatapos ng buhay napagtanto ng artist ang pagkamalikhain bilang ang kahulugan ng buhay. Ito ay maaaring kumpirmahin sa pamamagitan ng apela ng kompositor sa mga susunod na vocal cycle sa mga walang hanggang tema sa tula ng M. Tsvetaeva, A. Blok, Michelangelo. Ang simbolismo ng mga musikal na elehiya ng "ginintuang" edad ng Pushkin-Glinka, na lumitaw sa "tahimik" na mga semantikong culmination ng Ika-labing-apat at Ikalabinlimang symphony, ay nagpapatotoo din sa marami. Ang mga fragment na ito ay nagpapakita ng lalim ng eksistensyal na pag-iral ng kompositor, na nag-aangat sa kanyang musikal na pagmuni-muni sa itaas ng kaguluhan ng kasalukuyan sa mundo ng kagandahan.

Nangaral ang kompositor lalim ng katotohanan sa sining, nag-uugnay sa mga panahon, oras at espasyo. Ang espirituwal na pagbabantay, katotohanan, sinadyang kamangmangan, at pagsuway sa karahasan ay minarkahan ang buhay at gawain ng maraming magagaling na artista noong ika-20 siglo - A. Akhmatova, M. Zoshchenko, atbp. Pag-sublimate sa mga detalye ng kulturang Ruso, ang relihiyoso at moral na kakanyahan nito, pangangaral ang katotohanan at ang pinakamataas na hustisya sa pamamagitan ng walang muwang na pagiging simple at asetisismo ng pagpapahayag;

SA gawaing ito ang ilang mga aspeto ng malikhaing istilo ng mahusay na kompositor ng Russia noong ika-20 siglo D. D. Shostakovich ay ipinakita - ang kanyang mga ideolohikal at ideolohikal na posisyon ay ipinahiwatig; mga tampok ng mode-harmonic, polyphonic na pag-iisip, mga prinsipyo ng orkestrasyon, mga tampok ng sonata form, ang papel ng mga tradisyon. Ang mga aesthetic na katwiran para sa paggamit ng mga autobiographical chord ng kompositor ay ibinibigay din. Kasama rin sa gawain ang kumpletong listahan ng mga gawa ng may-akda.

Shostakovich Dmitry Dmitrievich - pianista ng Sobyet, pampublikong pigura, guro, doktor ng kasaysayan ng sining, People's Artist ng USSR, isa sa mga pinaka-prolific na kompositor ng ika-20 siglo.

Si Dmitry Shostakovich ay ipinanganak noong Setyembre 1906. Ang batang lalaki ay may dalawang kapatid na babae. Panganay na anak na babae Sina Dmitry Boleslavovich at Sofya Vasilievna Shostakovich ay pinangalanang Maria, ipinanganak siya noong Oktubre 1903. Ang nakababatang kapatid na babae ni Dmitry ay nakatanggap ng pangalang Zoya sa kapanganakan. Namana ni Shostakovich ang kanyang pagmamahal sa musika mula sa kanyang mga magulang. Siya at ang kanyang mga kapatid na babae ay napaka musikal. Ang mga bata, kasama ang kanilang mga magulang, ay nakibahagi sa mga improvised home concert mula sa murang edad.

Nag-aral si Dmitry Shostakovich sa isang komersyal na gymnasium mula noong 1915, sa parehong oras ay nagsimula siyang dumalo sa mga klase sa sikat na pribadong paaralan ng musika ng Ignatius Albertovich Glasser. Sa pag-aaral kasama ang sikat na musikero, nakuha ni Shostakovich ang mahusay na mga kasanayan bilang isang pianista, ngunit hindi itinuro ng mentor ang komposisyon, at kinailangan ng binata na gawin ito sa kanyang sarili.

Naalala ni Dmitry na si Glyasser ay isang boring, narcissistic at hindi kawili-wiling tao. Pagkalipas ng tatlong taon, nagpasya ang binata na umalis sa kurso ng pag-aaral, bagaman ginawa ng kanyang ina ang lahat upang maiwasan ito. Kahit na sa murang edad, hindi binago ni Shostakovich ang kanyang mga desisyon at umalis sa paaralan ng musika.

Sa kanyang mga memoir, binanggit ng kompositor ang isang pangyayari noong 1917, na mahigpit na nakaukit sa kanyang memorya. Sa edad na 11, nakita ni Shostakovich kung paano ang isang Cossack, na nagpapakalat ng isang pulutong ng mga tao, ay pinutol ang isang batang lalaki gamit ang isang sable. Sa murang edad, si Dmitry, na naaalala ang batang ito, ay sumulat ng isang dula na tinatawag na "Funeral March in Memory of the Victims of the Revolution."

Edukasyon

Noong 1919, si Shostakovich ay naging isang mag-aaral sa Petrograd Conservatory. Ang kaalaman na nakuha niya sa kanyang unang taon sa institusyong pang-edukasyon ay nakatulong sa batang kompositor na makumpleto ang kanyang unang pangunahing gawaing orkestra, ang F-moll Scherzo.

Noong 1920, isinulat ni Dmitry Dmitrievich ang "Two Fables of Krylov" at "Three Fantastic Dances" para sa piano. Ang panahong ito ng buhay ng batang kompositor ay nauugnay sa hitsura nina Boris Vladimirovich Asafiev at Vladimir Vladimirovich Shcherbachev sa kanyang bilog. Ang mga musikero ay bahagi ng Anna Vogt Circle.

Masigasig na nag-aral si Shostakovich, bagaman nakaranas siya ng mga paghihirap. Ang oras ay gutom at mahirap. Ang mga rasyon ng pagkain para sa mga mag-aaral sa konserbatoryo ay napakaliit, ang batang kompositor ay nagugutom, ngunit hindi sumuko sa kanyang pag-aaral sa musika. Dumalo siya sa Philharmonic at mga klase, sa kabila ng gutom at lamig. Walang pag-init sa conservatory sa taglamig, maraming estudyante ang nagkasakit, at may mga kaso ng kamatayan.

Sa kanyang mga memoir, isinulat ni Shostakovich na sa oras na iyon ang pisikal na kahinaan ay pinilit siyang lumakad sa mga klase. Upang makapunta sa conservatory sa pamamagitan ng tram, kinakailangan na sumiksik sa maraming tao, dahil bihira ang transportasyon. Masyadong mahina si Dmitry para dito, umalis siya sa bahay nang maaga at naglakad nang mahabang panahon.

Kailangan talaga ng mga Shostakovich ng pera. Ang sitwasyon ay pinalubha ng pagkamatay ng breadwinner ng pamilya na si Dmitry Boleslavovich. Upang kumita ng pera, ang kanyang anak ay nakakuha ng trabaho bilang isang pianista sa Svetlaya Lenta cinema. Naalala ni Shostakovich ang oras na ito nang may pagkasuklam. Ang trabaho ay mababa ang suweldo at nakakapagod, ngunit tiniis ito ni Dmitry dahil ang pamilya ay lubhang nangangailangan.

Pagkatapos ng isang buwan ng masipag na trabahong ito sa musika, pumunta si Shostakovich sa may-ari ng sinehan, si Akim Lvovich Volynsky, upang tanggapin ang kanyang suweldo. Ang sitwasyon ay naging napaka hindi kasiya-siya. Pinahiya ng may-ari ng "Light Ribbon" si Dmitry para sa kanyang pagnanais na matanggap ang mga pennies na kanyang kinita, na kinukumbinsi siya na ang mga tao ng sining ay hindi dapat nagmamalasakit sa materyal na bahagi ng buhay.

Ang labing pitong taong gulang na si Shostakovich ay nakipagtawaran para sa bahagi ng halaga, ang natitira ay maaari lamang makuha sa korte. Pagkaraan ng ilang oras, nang magkaroon na ng katanyagan si Dmitry sa mga musical circle, inanyayahan siya sa isang gabi bilang memorya ni Akim Lvovich. Dumating ang kompositor at ibinahagi ang kanyang mga alaala ng kanyang karanasan sa pagtatrabaho kasama si Volynsky. Ang mga organizer ng gabi ay nagalit.

Noong 1923, nagtapos si Dmitry Dmitrievich sa Petrograd Conservatory sa piano, at makalipas ang dalawang taon - sa komposisyon. Ang gawaing diploma ng musikero ay Symphony No. 1. Ang gawain ay unang isinagawa noong 1926 sa Leningrad. Ang foreign premiere ng symphony ay naganap makalipas ang isang taon sa Berlin.

Paglikha

Noong dekada thirties ng huling siglo, ipinakita ni Shostakovich ang mga tagahanga ng kanyang trabaho sa opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk". Sa panahong ito natapos din niya ang lima sa kanyang mga symphony. Noong 1938, binubuo ng musikero ang Jazz Suite. Ang pinakasikat na fragment ng gawaing ito ay ang "Waltz No. 2".

Ang hitsura ng pagpuna sa musika ni Shostakovich sa pamamahayag ng Sobyet ay nagpilit sa kanya na muling isaalang-alang ang kanyang pananaw sa ilan sa kanyang mga gawa. Para sa kadahilanang ito, ang Fourth Symphony ay hindi ipinakita sa publiko. Itinigil ni Shostakovich ang mga pag-eensayo bago ang premiere. Narinig lamang ng publiko ang Fourth Symphony noong dekada ikaanimnapung taon ng ikadalawampu siglo.

Pagkatapos, isinasaalang-alang ni Dmitry Dmitrievich ang marka ng trabaho na nawala at nagsimulang muling isagawa ang mga sketch na kanyang napanatili para sa piano ensemble. Noong 1946, natagpuan ang mga kopya ng mga bahagi ng Fourth Symphony para sa lahat ng instrumento sa mga archive ng dokumento. Pagkatapos ng 15 taon, ang gawain ay ipinakita sa publiko.

Mahusay Digmaang Makabayan Natagpuan ko si Shostakovich sa Leningrad. Sa oras na ito, nagsimulang magtrabaho ang kompositor sa Seventh Symphony. Iniwan ang kinubkob na Leningrad, kinuha ni Dmitry Dmitrievich ang mga sketch ng hinaharap na obra maestra. Ang Seventh Symphony ay ginawang sikat si Shostakovich. Ito ay pinakakilala bilang "Leningradskaya". Ang symphony ay unang ginanap sa Kuibyshev noong Marso 1942.

Minarkahan ni Shostakovich ang pagtatapos ng digmaan sa pamamagitan ng pagbuo ng Ninth Symphony. Ang premiere nito ay naganap sa Leningrad noong Nobyembre 3, 1945. Pagkalipas ng tatlong taon, ang kompositor ay kabilang sa mga musikero na nahulog sa kahihiyan. Ang kanyang musika ay kinilala bilang "dayuhan sa mga taong Sobyet." Si Shostakovich ay tinanggal sa kanyang pagkapropesor, na natanggap niya noong 1939.

Isinasaalang-alang ang mga uso ng panahon, ipinakita ni Dmitry Dmitrievich ang cantata na "Awit ng mga Kagubatan" sa publiko noong 1949. Ang pangunahing layunin ng gawain ay purihin ang Unyong Sobyet at ang matagumpay na pagpapanumbalik nito sa mga taon pagkatapos ng digmaan. Dinala ng cantata ang kompositor ng Stalin Prize at goodwill mula sa mga kritiko at awtoridad.

Noong 1950, ang musikero, na inspirasyon ng gawa ni Bach at ng mga tanawin ng Leipzig, ay nagsimulang bumuo ng 24 Preludes at Fugues para sa piano. Ang ikasampung symphony ay isinulat ni Dmitry Dmitrievich noong 1953, pagkatapos ng walong taong pahinga sa trabaho sa mga gawang simponiko.

Pagkalipas ng isang taon, nilikha ng kompositor ang Eleventh Symphony, na tinatawag na "1905." Sa ikalawang kalahati ng ikalimampu, ang kompositor ay naghanap ng instrumental na genre ng konsiyerto. Ang kanyang musika ay naging mas iba-iba sa anyo at mood.

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, sumulat si Shostakovich ng apat pang symphony. Siya rin ay naging may-akda ng ilan mga gawa ng boses at string quartets. Ang huling gawa ni Shostakovich ay ang Sonata para sa viola at piano.

Personal na buhay

Naalala ng mga taong malapit sa kompositor na ang kanyang personal na buhay ay nagsimula nang hindi matagumpay. Noong 1923, nakilala ni Dmitry ang isang batang babae na nagngangalang Tatyana Glivenko. Ang mga kabataan ay may kapwa damdamin, ngunit si Shostakovich, na nabibigatan sa kahirapan, ay hindi nangahas na magmungkahi sa kanyang minamahal. Ang batang babae, na 18 taong gulang, ay naghanap ng ibang kapareha. Pagkalipas ng tatlong taon, nang bumuti nang kaunti ang mga gawain ni Shostakovich, inanyayahan niya si Tatyana na iwan ang kanyang asawa para sa kanya, ngunit tumanggi ang kanyang kasintahan.

Dmitry Shostakovich kasama ang kanyang unang asawa na si Nina Vazar

Pagkaraan ng ilang oras, nagpakasal si Shostakovich. Ang kanyang napili ay si Nina Vazar. Binigyan ng kanyang asawa si Dmitry Dmitrievich ng dalawampung taon ng kanyang buhay at nagsilang ng dalawang anak. Noong 1938, naging ama si Shostakovich sa unang pagkakataon. Ipinanganak ang kanyang anak na si Maxim. Ang bunsong anak sa pamilya ay ang anak na babae na si Galina. Ang unang asawa ni Shostakovich ay namatay noong 1954.

Dmitry Shostakovich kasama ang kanyang asawang si Irina Supinskaya

Ang kompositor ay ikinasal ng tatlong beses. Ang kanyang pangalawang kasal ay naging panandalian; si Margarita Kaynova at Dmitry Shostakovich ay hindi nagkasundo at mabilis na nagsampa para sa diborsyo.

Ang kompositor ay ikinasal sa ikatlong pagkakataon noong 1962. Ang asawa ng musikero ay si Irina Supinskaya. Ang ikatlong asawa ay tapat na nag-aalaga kay Shostakovich sa mga taon ng kanyang karamdaman.

Sakit

Sa ikalawang kalahati ng mga ikaanimnapung taon, nagkasakit si Dmitry Dmitrievich. Ang kanyang karamdaman ay hindi masuri, at ang mga doktor ng Sobyet ay nagkibit-balikat lamang. Naalala ng asawa ng kompositor na ang kanyang asawa ay nireseta ng mga kurso ng bitamina upang pabagalin ang pag-unlad ng sakit, ngunit ang sakit ay umunlad.

Si Shostakovich ay nagdusa mula sa sakit na Charcot (amyotrophic lateral sclerosis). Ang mga pagtatangka na pagalingin ang kompositor ay ginawa ng mga Amerikanong espesyalista at mga doktor ng Sobyet. Sa payo ni Rostropovich, pumunta si Shostakovich sa Kurgan upang makita si Dr. Ilizarov. Ang paggamot na iminungkahi ng doktor ay nakatulong nang ilang sandali. Ang sakit ay patuloy na umuunlad. Nakipaglaban si Shostakovich sa kanyang karamdaman, gumawa ng mga espesyal na ehersisyo, at umiinom ng mga gamot sa bawat oras. Ang regular na pagdalo sa mga konsiyerto ang kanyang aliw. Sa mga larawan mula sa mga taong iyon, ang kompositor ay madalas na inilalarawan kasama ang kanyang asawa.

Inalagaan ni Irina Supinskaya ang kanyang asawa hanggang sa kanyang mga huling araw

Noong 1975, si Dmitry Dmitrievich at ang kanyang asawa ay pumunta sa Leningrad. Dapat ay mayroong isang konsiyerto kung saan ginanap ang pag-iibigan ni Shostakovich. Nakalimutan ng tagapalabas ang simula, na labis na nag-aalala sa may-akda. Pag-uwi, tumawag si misis ng ambulansya para sa kanyang asawa. Na-diagnose na may atake sa puso si Shostakovich at dinala sa ospital ang kompositor.

Ang buhay ni Dmitry Dmitrievich ay pinutol noong Agosto 9, 1975. Noong araw na iyon, manonood siya ng football kasama ang kanyang asawa sa silid ng ospital. Ipinadala ni Dmitry si Irina para sa mail, at nang bumalik siya, patay na ang kanyang asawa.

Ang kompositor ay inilibing sa sementeryo ng Novodevichy.

Ang pangalan ni D. D. Shostakovich ay kilala sa buong mundo. Isa siya sa mga pinakadakilang artista ng ika-20 siglo. Ang kanyang musika ay naririnig sa lahat ng mga bansa sa mundo, ito ay pinakikinggan at minamahal ng milyun-milyong tao ng iba't ibang nasyonalidad.
Si Dmitry Dmitrievich Shostakovich ay ipinanganak noong Setyembre 25, 1906 sa St. Petersburg. Nagtrabaho ang kanyang ama, isang chemical engineer Pangunahing Kamara mga sukat at timbang. Si Nanay ay isang magaling na piyanista.
Sa edad na siyam, nagsimulang tumugtog ng piano ang batang lalaki. Noong taglagas ng 1919, pumasok si Shostakovich sa Petrograd Conservatory. Ang gawaing diploma ng batang kompositor ay ang First Symphony. Ang matunog na tagumpay nito - una sa USSR, pagkatapos ay sa mga banyagang bansa - minarkahan ang simula ng malikhaing landas ng isang bata, maliwanag na matalinong musikero.

Ang gawain ni Shostakovich ay hindi mapaghihiwalay mula sa kanyang kontemporaryong panahon, mula sa mga dakilang kaganapan noong ika-20 siglo. Sa pamamagitan ng napakalaking dramatikong kapangyarihan at mapang-akit na simbuyo ng damdamin, nakuha niya ang napakalaking mga salungatan sa lipunan. Sa kanyang musika, ang mga larawan ng kapayapaan at digmaan, liwanag at dilim, sangkatauhan at poot ay nagbanggaan.
Mga taon ng militar 1941–1942. Sa "mga bakal na gabi" ng Leningrad, na pinaliwanagan ng mga pagsabog ng mga bomba at mga shell, lumilitaw ang Seventh Symphony - "Symphony of All-Conquering Courage," kung tawagin ito. Ito ay ginanap hindi lamang dito, kundi pati na rin sa Estados Unidos, France, England at iba pang mga bansa. Noong mga taon ng digmaan, pinalakas ng gawaing ito ang pananampalataya sa tagumpay ng liwanag laban sa pasistang kadiliman, ng katotohanan sa itim na kasinungalingan ng mga panatiko ni Hitler.

Ang panahon ng digmaan ay naging isang bagay ng nakaraan. Isinulat ni Shostakovich ang "Song of the Forests". Ang pulang-pula na liwanag ng apoy ay napalitan ng isang bagong araw ng mapayapang buhay - ang musika ng oratorio na ito ay nagsasalita tungkol dito. At pagkatapos na lumitaw ang mga choral poems, preludes at fugues para sa piano, bagong quartets, symphony.

Ang nilalaman na makikita sa mga gawa ni Shostakovich ay nangangailangan ng mga bagong paraan ng pagpapahayag, mga bagong masining na pamamaraan. Natagpuan niya ang mga paraan at pamamaraan na ito. Ang kanyang estilo ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na indibidwal na pagka-orihinal at tunay na pagbabago. Ang kahanga-hangang kompositor ng Sobyet ay isa sa mga artista na sumusunod sa mga landas na hindi naaalis, nagpapayaman sa sining at nagpapalawak ng mga kakayahan nito.
Sumulat si Shostakovich ng isang malaking bilang ng mga gawa. Kabilang sa mga ito ang labinlimang symphony, concerto para sa piano, violin at cello na may orkestra, quartets, trio at iba pang mga instrumental na gawa sa silid, ang vocal cycle na "Mula sa Jewish Folk Poetry", ang opera na "Katerina Izmailova" batay sa kwento ni Leskov na "Lady Macbeth ng Mtsensk ”, ballet , operetta "Moscow, Cheryomushki". Isinulat niya ang musika para sa mga pelikulang "The Golden Mountains", "The Counter", "The Great Citizen", "The Man with a Gun", "The Young Guard", "Meeting on the Elbe", "The Gadfly", "Hamlet", atbp. Ang kanta sa mga tula ni B. Kornilov mula sa pelikulang "Papalapit" - "Binabati kami ng umaga nang may lamig."

Pinangunahan din ni Shostakovich ang isang aktibong buhay panlipunan at mabungang gawaing pagtuturo.