Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Kaya, ang ating pokus ngayon ay ang pinakasikat na mga gawang klasikal. Ang klasikal na musika ay naging kapana-panabik sa mga tagapakinig nito sa loob ng ilang siglo, na naging dahilan upang makaranas sila ng mga unos ng damdamin at emosyon. Matagal na itong bahagi ng kasaysayan at nauugnay sa kasalukuyan na may manipis na mga sinulid.

Walang alinlangan, sa malayong hinaharap ang klasikal na musika ay hindi gaanong hinihiling, dahil ang isang katulad na kababalaghan sa mundo ng musika hindi maaaring mawala ang kaugnayan at kahalagahan nito.

Pangalanan ang alinman klasiko– ito ay magiging karapat-dapat sa unang lugar sa anumang music chart. Ngunit dahil hindi posible na ihambing ang pinakasikat na mga klasikal na gawa sa musika sa bawat isa, dahil sa kanilang artistikong kakaiba, ang mga opus na pinangalanan dito ay ipinakita lamang bilang mga gawa para sa sanggunian.

"Moonlight Sonata"

Ludwig van Beethoven

Noong tag-araw ng 1801, inilathala ang napakatalino na gawain ng L.B. Si Beethoven, na nakatakdang sumikat sa buong mundo. Ang pamagat ng gawaing ito, " Moonlight Sonata", ay kilala sa ganap na lahat, mula sa matanda hanggang sa bata.

Ngunit sa una, ang akda ay may pamagat na "Almost a Fantasy," na inialay ng may-akda sa kanyang batang estudyante, ang kanyang minamahal na Juliet Guicciardi. At ang pangalan kung saan ito ay kilala hanggang sa araw na ito ay naimbento ni kritiko sa musika at ang makata na si Ludwig Relstab pagkamatay ni L.V. Beethoven. Ang gawaing ito ay isa sa pinakasikat mga gawang musikal kompositor.

Sa pamamagitan ng paraan, ang mga publikasyon ng pahayagan " TVNZ” – mga compact na libro na may mga disc para sa pakikinig ng musika. Maaari mong basahin ang tungkol sa at makinig sa kanyang musika - napaka-maginhawa! Inirerekomenda namin mag-order ng mga classical music CD nang direkta mula sa aming page : i-click ang pindutang "bumili" at agad na pumunta sa tindahan.

"Turkish March"

Wolfgang Amadeus Mozart

Ang gawaing ito ay ang ikatlong kilusan ng Sonata No. 11, ito ay isinilang noong 1783. Noong una ay tinawag itong " Turkish Rondo"at napakapopular sa mga musikero ng Austrian, na pinalitan ito ng pangalan. Ang pangalang "Turkish March" ay itinalaga sa gawain din dahil ito ay naaayon sa Turkish Janissary orchestras, kung saan ang tunog ng pagtambulin ay napaka katangian, na makikita sa " Turkish March» V.A. Mozart.

"Ave Maria"

Franz Schubert

Ang kompositor mismo ang sumulat ng gawaing ito para sa tula na "The Virgin of the Lake" ni W. Scott, o sa halip para sa fragment nito, at hindi nilayon na magsulat ng ganoong malalim na relihiyosong komposisyon para sa Simbahan. Ilang oras pagkatapos ng hitsura ng trabaho, walang sinuman sikat na musikero, na inspirasyon ng panalanging "Ave Maria," itinakda ang teksto nito sa musika ng makinang na si F. Schubert.

"Fantasy-impromptu"

Frederic Chopin

Inialay ni F. Chopin, ang henyo ng Romantic period, ang gawaing ito sa kanyang kaibigan. At siya, si Julian Fontana, ang sumuway sa mga tagubilin ng may-akda at inilathala ito noong 1855, anim na taon pagkatapos ng kamatayan ng kompositor. Naniniwala si F. Chopin na ang kanyang trabaho ay katulad ng impromptu ni I. Moscheles, isang estudyante ng Beethoven, sikat na kompositor at isang pianista, na naging dahilan ng pagtanggi na palabasin ang Fantasia-Impromptus. Gayunpaman, walang sinuman ang nag-isip ng napakatalino na gawaing ito na plagiarism, maliban sa may-akda mismo.

"Paglipad ng Bumblebee"

Nikolai Rimsky-Korsakov

kompositor ng gawaing ito ay isang tagahanga ng alamat ng Russia - interesado siya sa mga fairy tale. Ito ay humantong sa paglikha ng opera na "The Tale of Tsar Saltan" batay sa kuwento ni A.S. Pushkin. Bahagi ng opera na ito ang interlude na "Flight of the Bumblebee". Mahusay, hindi kapani-paniwalang matingkad at napakatalino, ginaya ni N.A. ang mga tunog ng paglipad ng insektong ito sa trabaho. Rimsky-Korsakov.

"Caprice No. 24"

Niccolo Paganini

Sa una, binubuo ng may-akda ang lahat ng kanyang mga kapritso para lamang mapabuti at mahasa ang kanyang husay sa pagtugtog ng biyolin. Sa huli, nagdala sila ng maraming bago at dati nang hindi kilalang mga bagay sa violin music. At ang ika-24 na caprice - ang huli sa mga caprice na binubuo ni N. Paganini, ay nagdadala ng isang mabilis na tarantella na may mga katutubong intonasyon, at kinikilala rin bilang isa sa mga gawa na nilikha para sa biyolin, na walang katumbas sa pagiging kumplikado.

"Vocalise, opus 34, no. 14"

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Ang gawaing ito ay nagtatapos sa ika-34 na opus ng kompositor, na pinagsasama ang labing-apat na kanta na isinulat para sa boses na may saliw ng piano. Ang vocalise, tulad ng inaasahan, ay hindi naglalaman ng mga salita, ngunit ginagawa sa isang tunog ng patinig. S.V. Inialay ito ni Rachmaninov kay Antonina Nezhdanova - mang-aawit sa opera. Kadalasan ang piyesang ito ay ginaganap sa violin o cello na sinasabayan ng saliw ng piano.

"Liwanag ng buwan"

Claude Debussy

Ang gawaing ito ay isinulat ng kompositor sa ilalim ng impresyon ng mga linya ng tula makatang Pranses Patlang ng Verlaine. Ang pamagat ay napakalinaw na naghahatid ng lambot at nakakaantig ng himig, na nakakaapekto sa kaluluwa ng nakikinig. Sa 120 na pelikula iba't ibang henerasyon parang tanyag na gawain henyong kompositor K. Debussy.

Palagi, Ang pinakamahusay na musika- sa aming grupo sa contact .

Dapat kong aminin na pinag-uusapan ko ang harpsichord bilang isang malalim na personal na paksa para sa akin. Dahil sa halos apatnapung taon kong ginagawa ito, nakabuo ako ng malalim na pagmamahal para sa ilang mga may-akda at naglaro sa mga konsyerto ng kumpletong mga siklo ng lahat ng isinulat nila para sa instrumentong ito. Pangunahing may kinalaman ito kina François Couperin at Johann Sebastian Bach. Ang mga nasabi, sana ay magsilbing paghingi ng tawad sa aking mga kinikilingan, na kinatatakutan kong hindi ko maiiwasan.

DEVICE

Ang isang malaking pamilya ng keyboard at string na mga instrumento ay kilala nabunot na mga instrumento. Iba-iba ang mga ito sa laki, hugis at tunog (kulay) na mapagkukunan. Halos bawat master na gumawa ng gayong mga instrumento noong unang panahon ay sinubukang magdagdag ng kanyang sarili sa kanilang disenyo.

Mayroong maraming pagkalito tungkol sa kung ano ang tawag sa kanila. Sa karamihan pangkalahatang balangkas Ang mga instrumento ay nahahati ayon sa kanilang hugis sa longitudinal (nakapagpapaalaala sa isang maliit na piano, ngunit may mga angular na hugis - ang isang grand piano ay may mga bilog na hugis) at parihaba. Siyempre, ang pagkakaibang ito ay hindi nangangahulugang pandekorasyon: kung kailan iba't ibang lokasyon mga string na may kaugnayan sa keyboard, ang lugar sa string kung saan ang plucking na katangian ng lahat ng mga instrumentong ito ay ginawa ay may napakalaking epekto sa timbre ng tunog.

J. Wermeer ng Delft. Babaeng nakaupo sa harpsichord
OK. 1673–1675. National Gallery, London

Ang harpsichord ang pinakamalaki at pinakamasalimuot na instrumento ng pamilyang ito.

Sa Russia mula noong ika-18 siglo. pinakalaganap Pranses na pangalan instrumento - harpsichord ( clavecin), ngunit matatagpuan, pangunahin sa musikal at akademikong kasanayan, at ang Italyano - cymbal ( cembalo; Ang mga pangalan ng Italyano ay kilala rin clavicembalo, gravicembalo). Sa musicological literature, lalo na pagdating sa English Baroque music, ang isang tao ay nakatagpo nang walang pagsasalin Ingles na pangalan kasangkapang ito harpsichord.

Sa harpsichord pangunahing tampok Ang paggawa ng tunog ay binubuo sa katotohanan na sa hulihan ng susi ay may tinatawag na jumper (kung hindi man ay kilala bilang pusher), sa itaas na bahagi kung saan ang isang balahibo ay nakakabit. Kapag pinindot ng musikero ang isang susi, ang likod na dulo ng susi ay tumataas (dahil ang susi ay isang pingga) at ang lumulukso ay tumataas, at ang balahibo ay bumunot sa string. Kapag ang susi ay inilabas, ang balahibo ay dumudulas nang tahimik salamat sa isang bukal na nagbibigay-daan ito upang bahagyang lumihis.

Iba't ibang uri mga instrumentong string sa keyboard

Kapansin-pansin na si W. Shakespeare ay nagbigay ng paglalarawan ng pagkilos ng lumulukso, at isang hindi pangkaraniwang tumpak, sa kanyang ika-128 na soneto. Sa maraming mga pagpipilian sa pagsasalin, ang kakanyahan ng pagtugtog ng harpsichord na pinakatumpak - bilang karagdagan sa artistikong at patula na bahagi - ay inihatid ng pagsasalin ni Modest Tchaikovsky:

Kapag ikaw, aking musika, ay tumugtog,
I-set ang mga key na ito sa paggalaw
At, hinahaplos mo sila ng iyong mga daliri,
Ang pagkakatugma ng mga kuwerdas ay nagbibigay ng paghanga,
Tinitingnan ko ang mga susi nang may paninibugho,
Kung paano sila kumapit sa mga palad ng iyong mga kamay;
Ang mga labi ay nasusunog at nauuhaw sa isang halik,
Naiinggit sila sa kanilang kapangahasan.
Naku, kung biglang bumaligtad ang tadhana
Sumasali ako sa hanay ng mga tuyong mananayaw na ito!
Natutuwa akong dumausdos ang iyong kamay sa kanila, -
Ang kanilang kawalan ng kaluluwa ay higit na pinagpala kaysa sa mga labi ng buhay.
Pero kung masaya sila, eh
Hayaan mo silang halikan ang kanilang mga daliri, hayaan mo akong halikan ang iyong mga labi.

Sa lahat ng uri ng keyboard-string plucked instruments, ang harpsichord ang pinakamalaki at pinakamasalimuot. Ginagamit ito kapwa bilang solong instrumento at bilang kasamang instrumento. Ito ay kailangang-kailangan sa baroque music bilang isang ensemble piece. Ngunit bago pag-usapan ang malaking repertoire para sa instrumentong ito, kinakailangan na ipaliwanag ang higit pa tungkol sa disenyo nito.

Sa isang harpsichord, ang lahat ng mga kulay (timbres) at dynamics (iyon ay, ang lakas ng tunog) ay unang inilatag sa instrumento mismo ng lumikha ng bawat indibidwal na harpsichord. Ito ang dahilan kung bakit siya sa isang tiyak na lawak katulad ng isang organ. Sa isang harpsichord, hindi mo mababago ang tunog sa pamamagitan ng pagpapalit kung gaano mo kalakas pinindot ang key. Sa paghahambing: sa piano, ang buong sining ng interpretasyon ay nakasalalay sa kayamanan ng pagpindot, iyon ay, sa iba't ibang paraan ng pagpindot o pagpindot sa susi.

Diagram ng mekanismo ng harpsichord

kanin. A: 1. Steg; 2. Damper; 3. Jumper (tulak); 4. Register bar; 5. Steg;
6. Jumper (push) frame; 7. Susi

kanin. B. Jumper (pusher): 1. Damper; 2. String; 3. Balahibo; 4. Dila; 5. Polster; 6. Spring

Siyempre, depende ito sa sensitivity ng pagtugtog ng harpsichordist kung musika ang tunog ng instrumento o “parang isang kasirola” (halos ganyan ang pagkakasabi ni Voltaire). Ngunit ang lakas at timbre ng tunog ay hindi nakasalalay sa harpsichordist, dahil sa pagitan ng daliri ng harpsichordist at ng string mayroong isang kumplikadong mekanismo ng paghahatid sa anyo ng isang jumper at isang balahibo. Muli, para sa paghahambing: sa isang piano, ang pagpindot sa isang susi ay direktang nakakaapekto sa pagkilos ng paghampas ng martilyo sa string, habang sa isang harpsichord ang epekto sa balahibo ay hindi direkta.

KWENTO

Maagang kasaysayan Ang harpsichord ay bumalik sa maraming siglo. Una itong binanggit sa treatise ni John de Muris "The Mirror of Music" (1323). Ang isa sa mga pinakaunang paglalarawan ng isang harpsichord ay nasa Weimar Book of Wonders (1440).

Sa mahabang panahon pinaniniwalaan na ang pinakalumang instrumento na nabubuhay ay ginawa ni Hieronymus ng Bologna at may petsang 1521. Ito ay itinatago sa London, sa Victoria at Albert Museum. Ngunit sa Kamakailan lamang Ito ay itinatag na mayroong isang instrumento na ilang taon na mas matanda, nilikha din Italian master- Vincentius ng Livigimeno. Iniharap ito kay Pope Leo X. Nagsimula ang paggawa nito, ayon sa inskripsiyon sa kaso, noong Setyembre 18, 1515.

Harpsichord. Weimar Book of Miracles. 1440

Upang maiwasan ang monotony ng tunog, ang mga gumagawa ng harpsichord, na nasa maagang yugto ng pag-unlad ng instrumento, ay nagsimulang magbigay ng bawat susi hindi sa isang string, ngunit sa dalawa, natural, magkaibang timbre. Ngunit sa lalong madaling panahon naging malinaw na para sa mga teknikal na kadahilanan imposibleng gumamit ng higit sa dalawang hanay ng mga string para sa isang keyboard. Pagkatapos ay lumitaw ang ideya na dagdagan ang bilang ng mga keyboard. Pagsapit ng ika-17 siglo Ang pinakamayaman sa musikang mga harpsichord ay mga instrumento na may dalawang keyboard (kung hindi man ay kilala bilang mga manual, mula sa lat. manus- "kamay").

Mula sa pananaw ng musika, ang naturang instrumento ay ang pinakamahusay na lunas para sa pagganap ng iba't ibang baroque repertoire. Maraming mga gawa ng mga klasikong harpsichord ang partikular na isinulat para sa epekto ng pagtugtog sa dalawang keyboard, halimbawa, isang bilang ng mga sonata ni Domenico Scarlatti. Partikular na sinabi ni F. Couperin sa paunang salita sa ikatlong koleksyon ng kanyang mga piyesa ng harpsichord na isinama niya dito na mga piyesa na tinatawag niyang "Pieces croises"(naglalaro ng crossing [armas]). "Ang mga piraso na may ganoong pangalan," ang pagpapatuloy ng kompositor, "ay dapat na gumanap sa dalawang keyboard, na ang isa sa mga ito ay dapat na tahimik sa pamamagitan ng pagpapalit ng mga rehistro." Para sa mga walang dalawang manu-manong harpsichord, nagbibigay si Couperin ng mga rekomendasyon kung paano tumugtog ng instrumento gamit ang isang keyboard. Ngunit sa ilang mga kaso, ang kinakailangan para sa isang dalawang-manu-manong harpsichord ay isang kailangang-kailangan na kondisyon para sa buong artistikong pagganap ng isang komposisyon. Kaya, sa pahina ng pamagat ng koleksyon na naglalaman ng sikat na "French Overture" at "Italian Concerto," ipinahiwatig ni Bach: "para sa clavicembalo na may dalawang manual."

Mula sa punto ng view ng ebolusyon ng harpsichord, dalawang manual ang naging hindi limitasyon: alam namin ang mga halimbawa ng mga harpsichord na may tatlong keyboard, kahit na hindi namin alam ang mga gawa na tiyak na nangangailangan ng naturang instrumento para sa kanilang pagganap. Sa halip, ito ay mga teknikal na trick ng mga indibidwal na harpsichordist.

Sa maningning na kapanahunan nito (XVII-XVIII na siglo), ang harpsichord ay tinutugtog ng mga musikero na pinagkadalubhasaan ang lahat ng mga instrumento sa keyboard na umiiral noong panahong iyon, katulad ng organ at clavichord (kaya tinawag silang claviers).

Ang mga harpsichord ay nilikha hindi lamang ng mga gumagawa ng harpsichord, kundi pati na rin ng mga masters na nagtayo ng mga organo. At natural na ilapat sa pagtatayo ng harpsichord ang ilang mga pangunahing ideya na malawakang ginagamit sa disenyo ng mga organo. Sa madaling salita, sinundan ng mga gumagawa ng harpsichord ang landas ng mga tagabuo ng organ sa pagpapalawak ng mga mapagkukunan ng rehistro ng kanilang mga instrumento. Kung sa organ ito ay parami nang parami ng mga bagong hanay ng mga tubo na ipinamahagi sa pagitan ng mga manwal, pagkatapos ay sa harpsichord nagsimula silang gumamit mas malaking bilang mga hanay ng mga string, na ipinamahagi din sa pagitan ng mga manual. Ang mga rehistro ng harpsichord na ito ay hindi masyadong naiiba sa dami ng tunog, ngunit sa timbre - napakalaki.

Pahina ng pamagat ng unang koleksyon ng musika
para sa birhen na "Parthenia". London. 1611

Kaya, bilang karagdagan sa dalawang hanay ng mga string (isa para sa bawat keyboard), na tumunog nang sabay-sabay at tumutugma sa taas sa mga tunog na naitala sa mga tala, maaaring mayroong apat na talampakan at labing anim na talampakan na mga rehistro. (Kahit na ang pagtatalaga ng mga rehistro ay hiniram ng mga gumagawa ng harpsichord mula sa mga tagabuo ng organ: mga tubo ang mga organo ay itinalaga sa talampakan, at ang mga pangunahing rehistro na naaayon sa musikal na notasyon ay ang tinatawag na walong talampakan, habang ang mga tubo na gumagawa ng mga tunog na isang oktaba sa itaas ng mga nakatala ay tinatawag na apat na talampakan, at yaong mga gumagawa ng tunog ay isang oktaba sa ibaba. ay tinatawag na labing-anim na talampakan. Sa harpsichord, ang mga rehistro na nabuo ng mga set ay ipinahiwatig sa parehong mga panukala mga string.)

Kaya, ang hanay ng tunog ng isang malaking harpsichord ng konsiyerto kalagitnaan ng ika-18 siglo V.

Ito ay hindi lamang mas makitid kaysa sa isang piano, ngunit mas malawak pa. At ito sa kabila ng katotohanan na ang notasyon ng harpsichord music ay mukhang mas makitid sa hanay kaysa sa piano music.

MUSIKA

Pagsapit ng ika-18 siglo Ang harpsichord ay nakaipon ng isang hindi pangkaraniwang mayamang repertoire. Bilang isang lubhang aristokratikong instrumento, kumalat ito sa buong Europa, na may mga maliliwanag na apologist nito sa lahat ng dako. Ngunit kung pinag-uusapan natin ang pinakamakapangyarihang mga paaralan noong ika-16 - unang bahagi ng ika-17 siglo, dapat nating pangalanan muna ang lahat ng English Virginalist. Hindi namin sasabihin ang kasaysayan ng birhen dito, mapapansin lang namin na ito ay isang uri ng plucked na keyboard mga instrumentong kuwerdas , katulad ng tunog sa harpsichord. Kapansin-pansin na sa isa sa mga huling masusing pag-aaral sa kasaysayan ng harpsichord ( Kottick E.

Isang Kasaysayan ng Harpsichord. Bloomington. 2003) virginel, tulad ng spinet (isa pang iba't), ay isinasaalang-alang sa linya sa ebolusyon ng harpsichord mismo. Tungkol sa pangalang virginel, nararapat na tandaan na ang isa sa mga iminungkahing etimolohiya ay binabaybay ito pabalik sa Ingles Birhen at higit pa sa Latin virgo , iyon ay, "birhen", dahil si Elizabeth I, ang Birheng Reyna, ay mahilig maglaro ng birhen. Sa katunayan, nagpakita ang birhen bago pa man si Elizabeth. Ang pinagmulan ng terminong "virginel" ay mas wastong hinango sa iba - salitang Latin virga

(“stick”), na nagpapahiwatig ng parehong lumulukso. Kapansin-pansin na sa ukit na pinalamutian ang unang naka-print na edisyon ng musika para sa birhen ("Parthenia"), ang musikero ay inilalarawan sa pagkukunwari ng isang Kristiyanong dalaga - St. Cecilia. Sa pamamagitan ng paraan, ang pangalan ng koleksyon mismo ay nagmula sa Greek. parthenos

, na ang ibig sabihin ay "dalaga". Upang palamutihan ang edisyong ito, isang ukit mula sa pagpipinta ng Dutch artist na si Hendrik Goltzius "St. Cecilia". Gayunpaman, hindi ginawa ng engraver salamin na salamin mas binuo kaysa sa kanan, na, siyempre, ay hindi maaaring ang kaso para sa isang Virginian ng oras na iyon. Mayroong libu-libong mga pagkakamali sa mga ukit. Hindi ito napapansin ng mga mata ng isang hindi musikero, ngunit agad na nakikita ng isang musikero ang pagkakamali ng ukit.

Ang nagtatag ng harpsichord revival noong ika-20 siglo ay nagtalaga ng ilang magagandang pahina na puno ng masigasig na pakiramdam sa musika ng mga virginalistang Ingles. kahanga-hangang Polish na harpsichordist na si Wanda Landowska: "Umaapaw mula sa mga pusong mas karapat-dapat kaysa sa atin, at pinapakain mga awiting bayan, antigo Ingles na musika- masigasig o matahimik, walang muwang o kaawa-awa - niluluwalhati ang kalikasan at pagmamahal. Dinadakila niya ang buhay. Kung bumaling siya sa mistisismo, niluluwalhati niya ang Diyos. Unmistakably masterful, siya rin ay spontaneous at mapangahas. Madalas itong tila mas moderno kaysa sa pinakabago at pinaka-advanced. Buksan ang iyong puso sa kagandahan ng musikang ito, na hindi alam. Kalimutan na siya ay matanda na, at huwag isipin na dahil dito ay wala na siyang pakiramdam ng tao."

Ang mga linyang ito ay isinulat sa simula ng ikadalawampu siglo. Sa nakalipas na siglo, isang pambihirang halaga ang ginawa upang ipakita at suriin sa kabuuan nito ang hindi mabibili ng salapi pamanang musikal mga dalaga. At anong mga pangalan ang mga ito! Ang mga kompositor na sina William Bird at John Bull, Martin Pearson at Gil Farnaby, John Munday at Thomas Morley...

Nagkaroon ng malapit na ugnayan sa pagitan ng England at Netherlands (ang pag-ukit ng "Parthenia" ay nagpapatotoo na dito). Ang mga harpsichord at birhen ng mga Dutch masters, lalo na ang Ruckers dynasty, ay kilala sa England. Kasabay nito, kakaiba, ang Netherlands mismo ay hindi maaaring magyabang ng tulad ng isang makulay na paaralan ng komposisyon.

Sa kontinente, ang mga natatanging paaralan ng harpsichord ay Italyano, Pranses at Aleman. Tatlo lang sa kanilang pangunahing kinatawan ang babanggitin natin - sina Francois Couperin, Domenico Scarlatti at Johann Sebastian Bach.

Isa sa mga malinaw at halatang palatandaan ng regalo ng isang namumukod-tanging kompositor (na totoo sa sinumang kompositor ng anumang panahon) ay ang pagbuo ng kanyang sariling, puro personal, natatanging istilo ng pagpapahayag. At sa kabuuang dami ng hindi mabilang na mga manunulat, hindi magkakaroon ng napakaraming tunay na lumikha. Ang tatlong pangalang ito ay tiyak na pag-aari ng mga tagalikha. Ang bawat isa sa kanila ay may sariling natatanging istilo.

Francois Couperin

Francois Couperin(1668–1733) - isang tunay na makata ng harpsichord. Malamang na maaari niyang isaalang-alang ang kanyang sarili masayang tao: lahat (o halos lahat) ng kanyang harpsichord na gawa, iyon ay, kung ano mismo ang bumubuo sa kanyang kaluwalhatian at global na kahalagahan, ay inilathala niya at bumuo ng apat na tomo. Kaya, mayroon kaming komprehensibong ideya ng kanyang pamana ng harpsichord. Ang may-akda ng mga linyang ito ay sapat na mapalad upang maisagawa ang isang kumpletong siklo ng mga gawa ng harpsichord ni Couperin sa walong mga programa sa konsiyerto, na ipinakita sa isang pagdiriwang ng kanyang musika na ginanap sa Moscow sa ilalim ng pagtangkilik ni G. Pierre Morel, Ambassador ng France sa Russia.

Ikinalulungkot ko na hindi ko mahawakan ang aking mambabasa sa pamamagitan ng kamay, akayin siya sa harpsichord at tumugtog, halimbawa, "The French Masquerade, o Les Masques of the Dominos" ni Couperin. Gaano kalaki ang kagandahan at kagandahan nito! Ngunit mayroon ding napakaraming sikolohikal na lalim. Dito, ang bawat maskara ay may isang tiyak na kulay at - kung ano ang napakahalaga - karakter. Ipinapaliwanag ng mga tala ng may-akda ang mga larawan at kulay. Mayroong labindalawang maskara (at mga kulay) sa kabuuan, at lumilitaw ang mga ito sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod.

Nagkaroon na ako ng pagkakataong maalala ang dulang ito ni Couperin na may kaugnayan sa kuwento tungkol sa "Black Square" ni K. Malevich (tingnan ang "Art" No. 18/2007). Ang katotohanan ay ang scheme ng kulay ng Couperin, simula sa puti(ang unang variation, na sumasagisag sa Virginity), ay nagtatapos sa isang itim na maskara (Fury o Despair). Kaya, dalawang tagalikha ng magkaibang panahon at iba't ibang sining nilikhang mga gawa na may malalim na simbolikong kahulugan: sa Couperin ang siklong ito ay sumasagisag sa mga panahon buhay ng tao- ang edad ng isang tao (labindalawa sa bilang ng mga buwan, bawat anim na taon - ito ay isang alegorya na kilala sa panahon ng Baroque). Bilang isang resulta, ang Couperin ay may itim na maskara, ang Malevich ay may itim na parisukat. Para sa pareho, ang hitsura ng itim ay resulta ng maraming pwersa. Direktang sinabi ni Malevich: "Itinuturing kong ang puti at itim ay nagmula sa kulay at makulay na kaliskis." Ipinakita sa amin ni Couperin ang makulay na hanay na ito.

Ito ay malinaw na si Couperin ay may kamangha-manghang mga harpsichord sa kanyang pagtatapon. Hindi ito nakakagulat - pagkatapos ng lahat, siya ang court harpsichordist ni Louis XIV. Ang mga instrumento, kasama ang kanilang tunog, ay naihatid ang buong lalim ng mga ideya ng kompositor.

Domenico Scarlatti(1685–1757). Ang kompositor na ito ay may ganap na kakaibang istilo, ngunit tulad ng Couperin, ang isang hindi mapag-aalinlanganang sulat-kamay ay ang una at halatang tanda ng henyo. Ang pangalang ito ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa harpsichord. Bagama't sa kanyang kabataan ay sumulat si Domenico iba't ibang musika, siya ay naging tanyag sa kalaunan bilang ang may-akda ng isang malaking bilang (555) harpsichord sonatas. Hindi pangkaraniwang pinalawak ni Scarlatti ang mga kakayahan sa pagganap ng harpsichord, na nagpapakilala ng hanggang ngayon ay hindi pa nagagawang virtuoso na saklaw sa pamamaraan ng pagtugtog nito.

Ang isang uri ng parallel sa Scarlatti sa huling kasaysayan ng piano music ay ang gawa ni Franz Liszt, na, tulad ng kilala, ay espesyal na pinag-aralan ang mga diskarte sa pagganap ng Domenico Scarlatti. (Sa pamamagitan ng paraan, dahil pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga parallel sa sining ng piano, si Couperin ay mayroon din, sa isang tiyak na kahulugan, isang espirituwal na tagapagmana - ito ay, siyempre, F. Chopin.)

Para sa ikalawang kalahati ng kanyang buhay, si Domenico Scarlatti (hindi dapat malito sa kanyang ama, ang sikat na Italyano na kompositor ng opera na si Alessandro Scarlatti) ay ang court harpsichordist ng Spanish Queen na si Maria Barbara, at ang karamihan sa kanyang mga sonata ay partikular na isinulat para sa kanya. . Ang isang tao ay ligtas na mahihinuha na siya ay isang kahanga-hangang harpsichordist kung siya ay tumutugtog ng mga ito kung minsan ay lubhang mahirap teknikal na sonata.

J. Wermeer ng Delft. Batang babae sa spinet. OK. 1670. Pribadong koleksyon

Kaugnay nito, naaalala ko ang isang liham (1977) na natanggap ko mula sa namumukod-tanging Czech harpsichordist na si Zuzanna Ruzickova: “Mahal na Ginoong Majkapar! Mayroon akong isang kahilingan para sa iyo. Tulad ng alam mo, mayroon na ngayong maraming interes sa mga tunay na harpsichord, at mayroong maraming talakayan tungkol dito. Ang isa sa mga pangunahing dokumento sa talakayan sa mga instrumentong ito na may kaugnayan kay D. Scarlatti ay ang pagpipinta ni Vanloo, na naglalarawan kay Maria Barbara ng Portugal, asawa ni Philip V. (Si Z. Ružičkova ay nagkamali - si Maria Barbara ay asawa ni Ferdinand VI , anak ni Philip V. - A.M.). Raphael Pouyana (isang pangunahing kontemporaryong Pranses na harpsichordist - A.M.) ay naniniwala na ang pagpipinta ay ipininta pagkatapos ng pagkamatay ni Maria Barbara at samakatuwid ay hindi maaaring maging isang makasaysayang mapagkukunan. Ang painting ay nasa Ermita. Napakahalaga kung padadalhan mo ako ng mga dokumento sa pagpipinta na ito."

Fragment. 1768. Ermita, St. Petersburg

Ang larawan tungkol sa kung alin pinag-uusapan natin sa isang liham, - "Sextet" ni L.M. Vanloo (1768).

Ito ay nasa Hermitage, sa bodega ng departamento ng Pransya pagpipinta XVIII siglo. Tagapangalaga ng departamentong I.S. Si Nemilova, nang malaman ang tungkol sa layunin ng aking pagbisita, ay sinamahan ako sa isang malaking silid, o sa halip isang bulwagan, kung saan may mga kuwadro na hindi kasama sa pangunahing eksibisyon. Gaano karaming mga gawa, lumalabas, ang nakaimbak dito na may malaking interes mula sa punto ng view ng musikal na iconography! Isa-isa, hinugot namin ang malalaking frame, kung saan naka-install ang 10–15 painting, at sinuri ang mga paksang interesado sa amin. At panghuli, ang “Sextet” ni L.M. Vanloo.

Ayon sa ilang ulat, ang pagpipinta na ito ay naglalarawan sa Espanyol na Reyna Maria Barbara. Kung napatunayan ang hypothesis na ito, maaaring magkaroon tayo ng harpsichord na tinutugtog mismo ni Scarlatti! Ano ang mga batayan upang makilala ang harpsichordist na inilalarawan sa pagpipinta ni Vanloo bilang si Maria Barbara? Una, para sa akin ay talagang may pagkakahawig ang hitsura sa pagitan ng babaeng inilalarawan dito at mga sikat na portrait Maria Barbara. Pangalawa, si Vanloo ay nanirahan sa korte ng Espanya nang medyo mahabang panahon at, samakatuwid, ay maaaring nagpinta ng isang larawan sa isang tema mula sa buhay ng reyna. Pangatlo, ang isa pang pangalan ng pagpipinta ay kilala - "Spanish Concert" at, pang-apat, ang ilang mga dayuhang musicologist (halimbawa, K. Sachs) ay kumbinsido na ang pagpipinta ay Maria Barbara.

Ngunit si Nemilova, tulad ni Rafael Puyana, ay nag-alinlangan sa hypothesis na ito. Ang pagpipinta ay ipininta noong 1768, iyon ay, labindalawang taon pagkatapos umalis ang artista sa Espanya at sampung taon pagkatapos ng pagkamatay ni Maria Barbara. Ang kasaysayan ng kanyang order ay kilala: Catherine II conveyed sa Vanloo sa pamamagitan ng Prince Golitsyn ang pagnanais na magkaroon ng isang pagpipinta sa pamamagitan ng kanya. Ang gawaing ito ay agad na dumating sa St. Petersburg at itinago dito sa lahat ng oras, ibinigay ito ni Golitsyn kay Catherine bilang isang "Concert". Tulad ng para sa pangalang "Spanish Concert," ang mga kasuutang Espanyol kung saan inilalarawan ang mga karakter ay may papel sa pinagmulan nito, at, tulad ng ipinaliwanag ni Nemilova, ito ay mga teatro na kasuutan, at hindi ang mga nasa uso noon.

V. Landwska

Sa larawan, siyempre, ang harpsichord ay umaakit ng pansin - isang dalawang-manu-manong instrumento na may isang katangian muna kalahati ng XVIII V. ang kulay ng mga susi ay kabaligtaran ng modernong isa (ang mga itim sa piano ay puti sa harpsichord na ito, at kabaliktaran). Bilang karagdagan, kulang pa rin ito ng mga pedal para sa paglipat ng mga rehistro, bagaman kilala na sila noong panahong iyon. Ang pagpapabuti na ito ay matatagpuan sa karamihan sa mga modernong two-manual na harpsichord ng konsiyerto. Ang pangangailangan na lumipat ng mga rehistro sa pamamagitan ng kamay ay nagdidikta ng isang tiyak na diskarte sa pagpili ng pagpaparehistro sa harpsichord.

Sa kasalukuyan, ang dalawang direksyon ay malinaw na lumitaw sa pagsasagawa ng pagsasanay: ang mga tagasuporta ng una ay naniniwala na dapat gamitin ng isa ang lahat ng mga modernong kakayahan ng instrumento (ang opinyon na ito ay gaganapin, halimbawa, ni V. Landovska at, sa pamamagitan ng paraan, Zuzanna Ruzickova), ang iba ay naniniwala na kapag gumaganap ng sinaunang musika sa isang modernong harpsichord, hindi dapat lumampas sa balangkas ng mga gumaganap na paraan kung saan isinulat ng mga matatandang masters (ito ang opinyon ni Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, ang parehong Rafael Puiana at iba pa).

Dahil binigyan namin ng labis na pansin ang pagpipinta ni Vanloo, napansin namin na ang artist mismo, sa turn, ay naging isang karakter sa isang musikal na larawan: ang piraso ng harpsichord ng Pranses na kompositor na si Jacques Dufly ay kilala, na tinatawag na "Vanloo" .

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685–1750). Ang kanyang harpsichord heritage ay may pambihirang halaga. Ang aking karanasan sa pagtatanghal sa mga konsyerto ay ang lahat ng isinulat ni Bach para sa instrumentong ito ay nagpapatotoo: ang kanyang pamana ay umaangkop sa labinlimang (!) na mga programa sa konsiyerto. Kasabay nito, kinakailangang isaalang-alang nang hiwalay ang mga konsyerto para sa harpsichord at mga string, pati na rin ang maraming mga gawa ng ensemble na hindi maiisip nang walang harpsichord.

Dapat itong kilalanin na para sa lahat ng natatangi ng Couperin at Scarlatti, bawat isa sa kanila ay nilinang ang isa. indibidwal na istilo. Si Bach ay unibersal. Ang nabanggit na "Italian Concerto" at "French Overture" ay mga halimbawa ng pag-aaral ni Bach sa musika ng mga pambansang paaralang ito. At ito ay dalawang halimbawa lamang, ang kanilang mga pangalan ay sumasalamin sa kamalayan ni Bach. Dito maaari mong idagdag ang kanyang cycle " Mga French suite" Maaaring isipin ng isa ang tungkol sa impluwensya ng Ingles sa kanyang English Suites. Ilang musical sample? iba't ibang istilo sa mga gawa niya na hindi nagpapakita nito sa kanilang mga pamagat, ngunit nakapaloob sa mismong musika! Walang masasabi tungkol sa kung gaano kalawak ang pagkaka-synthesize ng katutubong tradisyon ng keyboard ng Aleman sa kanyang trabaho.

Hindi namin alam kung aling mga harpsichords ang nilalaro ni Bach, ngunit alam namin na interesado siya sa lahat ng mga teknikal na inobasyon (kabilang ang organ). Ang kanyang interes sa pagpapalawak ng mga kakayahan sa pagganap ng harpsichord at iba pang mga keyboard ay malinaw na ipinakita ng sikat na cycle preludes at fugues sa lahat ng mga key "The Well-Tempered Clavier".

Si Bach noon tunay na master harpsichord Si I. Forkel, ang unang biographer ni Bach, ay nag-ulat: "Walang sinuman ang maaaring palitan ang mga balahibo sa kanyang harpsichord na naging hindi na magamit ng mga bago upang siya ay masiyahan - siya mismo ang gumawa nito. Palagi niyang sinasadya ang kanyang harpsichord at napakahusay sa bagay na ito na ang pag-tune ay hindi umabot sa kanya ng higit sa isang-kapat ng isang oras. Sa kanyang paraan ng pag-tune, lahat ng 24 na susi ay nasa kanya, at, nag-improvised, ginawa niya sa kanila ang anumang gusto niya.

Sa panahon na ng buhay ng napakatalino na lumikha ng musika ng harpsichord, nagsimulang mawala ang posisyon ng harpsichord. Noong 1747, nang bisitahin ni Bach ang Hari ng Prussia, si Frederick the Great, sa Potsdam, binigyan niya siya ng isang tema para mag-improvise, at si Bach, tila, ay nag-improvised sa "pianoforte" (iyon ang pangalan ng isang bagong instrumento noong panahong iyon) - isa sa labing-apat o labinlimang, na ginawa para sa hari ng kaibigan ni Bach, ang sikat na tagagawa ng organ na si Gottfried Silbermann. Inaprubahan ni Bach ang tunog nito, bagama't hindi niya gusto ang piano noon.

Sa kanyang maagang kabataan, sumulat pa rin si Mozart para sa harpsichord, ngunit sa pangkalahatan ang kanyang gawain sa keyboard, siyempre, ay nakadirekta sa piano. Mga Publisher maagang mga gawa Itinuro si Beethoven mga pahina ng pamagat, na ang kanyang mga sonata (maging ang Pathétique, na inilathala noong 1799) ay inilaan “para sa harpsichord o piano.” Gumamit ng trick ang mga publisher: ayaw nilang mawala ang mga customer na may mga lumang harpsichord sa kanilang mga tahanan. Ngunit mas at mas madalas, ang katawan lamang ang natitira sa mga harpsichord: ang "pagpuno" ng harpsichord ay tinanggal bilang hindi kailangan at pinalitan ng bago, martilyo, iyon ay, piano, mekanika.

Nagtatanong ito: bakit ang instrumento na ito, na may napakahabang kasaysayan at napakayaman pamana ng sining, ay sa pagtatapos ng ika-18 siglo. pinilit na umalis sa musical practice at pinalitan ng piano? At hindi lamang pinalitan, ngunit ganap na nakalimutan noong ika-19 na siglo? At hindi masasabi na nang magsimula ang prosesong ito ng pagpapalit ng harpsichord, ang piano ay nasa mga katangian nito ang pinakamahusay na tool. Kabaligtaran talaga! Si Carl Philipp Emanuel Bach, isa sa mga panganay na anak ni Johann Sebastian, ay sumulat ng kanyang double concerto para sa harpsichord at pianoforte at orkestra, na naglalayong ipakita sa kanyang sariling mga mata ang mga pakinabang ng harpsichord kaysa sa piano.

Mayroon lamang isang sagot: ang tagumpay ng piano sa harpsichord ay naging posible sa ilalim ng mga kondisyon ng isang radikal na pagbabago sa mga kagustuhan sa aesthetic. Baroque aesthetics, na nakabatay sa alinman sa isang malinaw na nabuo o malinaw na nadama na konsepto ng teorya ng mga epekto (ang kakanyahan sa madaling sabi: isang mood, makakaapekto, - isang kulay ng tunog), kung saan ang harpsichord ay isang perpektong paraan ng pagpapahayag, nagbigay daan sa pananaw ng mundo ng sentimentalismo, pagkatapos ay sa isang mas malakas na direksyon - klasisismo at, sa wakas, romantiko. Sa lahat ng mga istilong ito, ang pinakakaakit-akit at nilinang ay, sa kabaligtaran, ang ideya pagkakaiba-iba- damdamin, imahe, mood. At naipahayag ito ng piano.

Ang instrumento na ito ay kumuha ng pedal na may kamangha-manghang mga kakayahan at naging may kakayahang lumikha ng hindi kapani-paniwalang pagtaas at pagbagsak sa sonority ( crescendo At diminuendo). Ang harpsichord ay hindi maaaring gawin ang lahat ng ito sa prinsipyo - dahil sa mga kakaibang disenyo nito.

Huminto tayo at alalahanin ang sandaling ito upang masimulan natin ang susunod nating pag-uusap dito - tungkol sa piano, at partikular na tungkol sa malaking konsiyerto piano, iyon ay, ang "royal instrument", ang tunay na pinuno ng lahat ng romantikong musika.

Ang aming kwento ay pinaghalong kasaysayan at modernidad, dahil ngayon ang harpsichord at iba pang mga instrumento ng pamilyang ito ay naging hindi pangkaraniwang laganap at hinihiling dahil sa napakalaking interes sa musika ng Renaissance at Baroque, iyon ay, ang oras kung kailan sila bumangon at naranasan ang kanilang ginintuang edad.

Komposisyon at sining ng pagganap- dalawa hindi mauubos na pinagmulan, nagpapakain sa isa't isa: pinupuno ng mga kamay ng tagapalabas ang pag-iisip ng kompositor ng hininga ng buhay, at ang tagalikha ng musika ay nakakakuha ng inspirasyon mula sa husay ng tagapalabas. Tulad ng maraming iba pang mga kompositor, si Sofia Asgatovna Gubaidulina ay lumikha ng maraming mga gawa na naglalayong sa mga partikular na performer, at isa sa mga musikero na ito ay si Mark Ilyich Pekarsky, na nagtalaga ng kanyang buhay sa mga instrumento ng pagtambulin. Siya ay hindi lamang isang natatanging tagapalabas at tagalikha ng isang percussion ensemble - si Mark Ilyich ay nagsulat ng maraming mga artikulo at mga libro tungkol sa lugar na ito ng instrumentation ng musika, at nagtatag ng isang percussion ensemble class sa Moscow Conservatory.

"Sa mga tambol ay magagawa mo ang lahat ng maaaring gawin sa violin, sa piano, sa organ, na may bahagyang magkakaibang paraan, ngunit sa prinsipyo, ang mga tambol ay may kakayahang maghatid ng saya, at pagdurusa, at kalungkutan, at kagalakan. , at kahit anong gusto mo,” - sabi ng musikero. Ang isa sa mga pinakamahusay na kumpirmasyon ng ideyang ito ay ang kamangha-manghang pagkakaiba-iba mga instrumentong percussion nilikha iba't ibang tao V iba't ibang panahon. Marami sa mga instrumentong ito ay ipinakita sa natatanging koleksyon na nakolekta ni Pekarsky. Ang kadakilaan na ito ay hindi maaaring maging interesado kay Gubaidulina - pagkatapos ng lahat, palaging sinubukan ni Sofia Asgatovna na makahanap ng isang bagong tunog kahit na para sa pinakakaraniwan at kilalang mga instrumento sa publiko sa Europa, at sa kasong ito ang kompositor ay nahaharap sa isang tunay na mahalagang pagkakalat ng hindi pangkaraniwang. timbres: crotales (Pompeian cymbals), Chinese cymbals, Korean Chang drum, Chinese bells Bian Zhong... Ngunit ang kompositor ay gumawa ng isang bagay na mas kakaiba - pinagsama niya ang lahat ng mga timbre na ito na nagmula sa misteryosong mundo ng Silangan sa isang instrumentong Kanlurang Europa - ang harpsichord... lumitaw ba ang isang hindi malulutas na kontradiksyon na may ganitong kumbinasyon ng Silangan at Kanluran? Hindi ganoon ang iniisip ni Sofia Gubaidulin - kumbinsido siya mga instrumentong oriental"kasama ang harpsichord, nawawala ang kanilang lokal-heograpikal na konotasyon at kasama sa isang mas pangkalahatan na uri ng paggawa ng musika, kung saan ang lahat ng iba't ibang katangian ng timbre ay may posibilidad na magtagpo."

Ang "convergence" na ito ay nagbubunga ng isang nakakagulat na magkakasuwato na grupo sa akda ni Gubaidulina, sa pakikinig kung saan mahirap paniwalaan na ang mga instrumento na bumubuo dito ay nagmula sa iba't ibang parte liwanag at panahon - sila ay tunay na "nagsalita" sa parehong wika... oo, ginagawa nila! Sa akda, na pinamagatang napakasimple - "Musika para sa harpsichord at mga instrumentong percussion mula sa koleksyon ni Mark Pekarsky" - isang uri ng "musikang pananalita" na may sariling "ponema" ay lilitaw ( mga tunog ng pagsasalita), na bumubuo ng "mga salita". Hindi sinasadya na unang binalak ni Sofia Asgatovna na bigyan ang gawaing ito ng ibang pamagat - "Logogriff", ito ang pangalan ng laro ng salita kung saan ang titik sa pamamagitan ng titik ay unti-unting tinanggal mula sa isang naibigay na salita, at sa parehong oras ay lilitaw ang mga bagong salita. (halimbawa, "pinagmulan - alisan ng tubig - kasalukuyang"). Ang kompositor ay gumagawa ng isang bagay na katulad ng mga sound complex. Halimbawa, sa simula ng piraso ay may isang parang alon na "layering" ng mga cymbal na Tsino, na pumapasok sa iba't ibang taas, at pagkatapos ay unti-unti silang "i-off" - ang "pagpapalapot" ng musikal na tela ay sinusundan ng "rarefaction" nito. ”. Sa kamangha-manghang tunog na "laro" na ito, hindi ang pitch ng tunog ang nauuna, kundi ang timbre nito (tulad ng teknolohiya sa musika tinatawag na sonorics). Ang mga musikal na "logographs" ay naging batayan para sa pagbuo ng form. Sa unang bahagi, ang isang serye ng walong musikal na "mga salita" ay binuo na may unti-unting pagtaas sa bilang ng mga tunog, at sa reprise na seksyon ang parehong mga sound complex ay binuo sa ibang pagkakasunud-sunod: isang eksaktong "salamin salamin" ay hindi lumabas. , ngunit lumilitaw ang isang pangkalahatang ugali patungo sa unti-unting pagbaba. Maaari nating obserbahan ang kumbinasyon ng magkasalungat na direksyon ng pag-unlad hindi lamang sa anyo ng isang hiwalay na bahagi, kundi pati na rin sa relasyon sa pagitan ng mga bahagi ng trabaho: ang unang bahagi ay nakadirekta pangunahin sa mataas na rehistro, ang pangalawa sa mababang rehistro.

Impression" larong intelektwal" ay nilikha hindi lamang sa pamamagitan ng isang maayos na "matematikong relasyon", kundi pati na rin sa pamamagitan ng paggamit ng mga musikal na quote. Sa unang paggalaw ay lumilitaw ang isang maikling, tatlong-tala ngunit nakikilala pa rin na motif mula sa C minor waltz, pati na rin ang isang maliit na fragment mula sa G minor fugue mula sa unang volume ng Johann Sebastian Bach. Ang hitsura ng parehong mga quote ay kahanga-hangang nabago: ang motif mula sa Chopin's waltz ay lumilitaw sa isang susi na malayo sa orihinal (B-flat minor), na ipinakita ng bian-zhun at Pompeian cymbals. Ang motif mula sa fugue ni Bach ay ginampanan ng chang (bagaman sa kalaunan ay tumutunog ito sa isang mas "tradisyonal" na pagtatanghal - sa harpsichord, ngunit ang mga balangkas nito ay binago sa paraang nagbibigay ito ng impresyon ng isang maling tunog).

Ang “Music for Harpsichord and Percussion” ni Sofia Gubaidulina ay isang sopistikadong laro ng isip, ngunit isang pagkakamali na tawagin itong produkto ng “cold reason.” Sa paglalaro ng mga timbre, maiikling motif at sound complex, isang buhay na "hininga" ng mga emosyon ang nararamdaman.

Lahat ng karapatan ay nakalaan. Ipinagbabawal ang pagkopya