Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ngayon, ang modernong pagpipinta ay nakakuha ng hindi kapani-paniwalang katanyagan, kaya't ito ay naging kilala hindi lamang para sa pagkahilig nitong palawakin ang mga hangganan at galugarin ang mga bagong paraan ng pagpapahayag, kundi pati na rin para sa pagtatala ng mga numero ng benta sa merkado. kontemporaryong sining para sa huling ilang taon s. Bukod dito, ang mga artista mula sa halos buong mundo, mula sa Amerika hanggang Asya, ay nagtatamasa ng tagumpay. Susunod na malalaman mo kung kaninong mga pangalan ang kumakatawan sa pinakamahusay na kontemporaryong pagpipinta sa mundo, sino ito, ang pinakamahal kontemporaryong artista, at kung sino ang kulang sa titulong ito.

Ang pinakamahal na kontemporaryong artista

Kabilang sa napakaraming pangalan na mayroon ang modernong pagpipinta, ang mga pagpipinta ng ilang mga artist lamang ang nagtatamasa ng pambihirang tagumpay. Sa kanila ang pinaka mga mamahaling painting napunta sa pag-aari ng sikat na neo-expressionist at graffiti artist na si Jean-Michel Basquiat, na, gayunpaman, namatay sa edad na 27. Sa aming listahan makikita mo lamang ang unang pito sa mga mayayamang artista na nabubuhay pa ngayon.

Brice Marden

Ang mga gawa ng Amerikanong may-akda na ito ay medyo mahirap na uriin at humantong sa isang solong kilusan ng sining, bagaman siya ay madalas na inuri bilang isang kinatawan ng alinman sa minimalism o abstractionism. Ngunit hindi tulad ng mga artista sa mga istilong ito, na ang mga pagpipinta ay tila hindi pa nahawakan, ang modernong pagpipinta ni Marden ay nagpapanatili ng mga hagod ng palette knife at iba pang mga bakas ng kanyang gawa. Ang isa sa mga nakaimpluwensya sa kanyang trabaho ay itinuturing na isa pang kontemporaryong artista, si Jasper Johns, na ang pangalan ay makikita mo sa ibang pagkakataon.

Zeng Fanzhi

Ang kontemporaryong artistang ito ay isa sa mga pangunahing pigura sa eksena ng sining ng Tsino ngayon. Ito ang kanyang obra na tinawag na "The Last Supper," batay sa sikat na gawa ni Leonardo da Vinci, na naibenta sa halagang $23.3 milyon at naging pinakamahal na pagpipinta na maipagmamalaki ng modernong Asian painting. Sikat din ang mga gawa ng artist na "Self-Portrait", ang triptych na "Hospital" at mga painting mula sa seryeng "Masks".

Noong dekada 90, ang kanyang istilo ng pagpipinta ay madalas na sumailalim sa mga pagbabago at kalaunan ay lumipat mula sa ekspresyonismo patungo sa simbolismo.

Peter Doig

Si Peter Doig ay isang internationally renowned Scottish contemporary artist na ang akda ay tinatakpan ng tema ng mahiwagang realismo. Marami sa kanyang mga gawa ay may posibilidad na disoriented ang viewer, kahit na sila ay naglalarawan ng mga nakikilalang larawan tulad ng mga figure, puno at gusali.

Noong 2015, ang kanyang pagpipinta na "Swamped" ay nagawang masira ang rekord at naging pinakamahal na pagpipinta ng mga kontemporaryong artista mula sa Scotland, na ibinebenta sa auction sa halagang 25.9 milyon. Patok din ang mga painting ni Doig na "The Architect's House in the Hollow", "White Canoe", "Reflection", "Roadside Diner" at iba pa.

Christopher Wool

Sa kanyang trabaho, ang kontemporaryong artist na si Christopher Wool ay nag-explore ng iba't ibang post-conceptual na ideya. Ang pinakasikat modernong mga pintura Ang mga gawa ng pintor ay mga bloke na inskripsiyon na inilalarawan sa itim sa puting canvas.

Ang ganitong mga pagpipinta ng mga kontemporaryong artista ay nagdudulot ng maraming kontrobersya at kawalang-kasiyahan sa mga tagasunod ng tradisyonal na pagpipinta, ngunit, sa isang paraan o iba pa, ang isa sa mga gawa ni Wool, "Apocalypse," ay nagdala sa kanya ng $26 milyon. Ang lana ay hindi nag-iisip nang matagal tungkol sa mga pamagat ng mga kuwadro na gawa, ngunit pinangalanan ang mga ito ayon sa mga inskripsiyon: "Blue Fool", "Trouble", atbp.

Jasper Johns

Ang kontemporaryong artist na si Jasper Johns ay kilala sa kanyang mapaghimagsik na saloobin patungo sa Abstract Expressionism, na nangibabaw sa arena ng pagpipinta sa unang bahagi ng karera ng artist. Bukod dito, gumagawa siya sa pamamagitan ng paglikha ng mga mamahaling canvases na may mga watawat, mga plaka ng lisensya, mga numero at iba pang mga kilalang simbolo na mayroon nang malinaw na kahulugan at hindi na kailangang i-decipher.

Sa pamamagitan ng paraan, ang pinakamahal na mga pagpipinta ng mga kontemporaryong artista ay kinabibilangan ng gawang Amerikano na "Flag", na ibinebenta sa auction noong 2010 sa halagang $28 milyon. Maaari mo ring tingnan ang mga gawang "Three Flags", "False Start", "From 0 to 9", "Target with Four Faces" at marami pang iba.

Gerhard Richter

Ang modernong artistang ito mula sa Alemanya, tulad ng maraming pintor sa simula ng kanyang karera, ay nag-aral ng makatotohanang akademikong pagpipinta, ngunit kalaunan ay naging interesado sa mas progresibong sining.

Sa gawa ng may-akda makikita ang impluwensya ng maraming paggalaw ng sining noong ika-20 siglo, tulad ng abstract expressionism, pop art, minimalism at conceptualism, ngunit sa parehong oras ay napanatili ni Richter ang isang pag-aalinlangan na saloobin sa lahat ng itinatag na artistikong at pilosopikal na paniniwala, pagiging tiwala. na ang modernong pagpipinta ay dinamika at paghahanap. Kasama sa mga gawa ng artist ang "Land of Meadows", "Reading", "1024 Colors", "Wall", atbp.

Jeff Koons

At sa wakas, narito siya - ang pinakamahal na kontemporaryong artista sa buong mundo. Gumagawa ang Amerikanong si Jeff Koons sa istilong neo-pop at kilala sa kanyang kaakit-akit, kitschy at mapanghamong pagkamalikhain.

Siya ay pangunahing kilala bilang may-akda ng isang malaking bilang ng modernong mga eskultura, ang ilan sa mga ito ay ipinakita sa mismong Versailles. Ngunit kabilang din sa mga gawa ng artist ay may mga kuwadro na kung saan ang mga espesyal na connoisseurs ay handang magbayad ng milyun-milyong dolyar: "Bell of Liberty", "Auto", "Girl with a Dolphin and a Monkey", "Saddle" at iba pa.

Kunin ito para sa iyong sarili at sabihin sa iyong mga kaibigan!

Basahin din sa aming website:

magpakita pa

Si Leonardo di Ser Piero da Vinci (Abril 15, 1452 - Mayo 2, 1519) ay isang sikat na Italyano na pintor, arkitekto, pilosopo, musikero, manunulat, explorer, mathematician, inhinyero, anatomist, imbentor at geologist. Kilala sa kanyang mga pagpipinta, ang pinakasikat sa mga ito ay ang The Last Supper at Mona Lisa, pati na rin ang marami mga imbensyon, malayo sa kanilang panahon, ngunit nanatili lamang sa papel. Bilang karagdagan, si Leonardo da Vinci ay gumawa ng mahahalagang kontribusyon sa pagbuo ng anatomy, astronomy at teknolohiya.

Si Raphael Santi (Marso 28, 1483 - Abril 6, 1520) ay isang mahusay na Italyano na artista at arkitekto na aktibo sa panahon ng Renaissance, na sumasaklaw sa panahon mula sa huling bahagi ng ika-15 hanggang sa mga unang taon ng ika-16 na siglo. Ayon sa kaugalian, si Raphael ay itinuturing na isa sa tatlong dakilang master ng panahong ito, kasama sina Michelangelo at Leonardo da Vinci. Marami sa kanyang mga gawa ay nasa Apostolic Palace sa Vatican, sa isang silid na tinatawag na Raphael's Stanzas. Sa iba pa, ang kanyang pinakatanyag na gawa, "The School of Athens," ay matatagpuan dito.

Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (Hunyo 6, 1599 - Agosto 6, 1660) - Pintor ng Espanyol, pintor ng portrait, pintor ng korte ni Haring Philip IV, ang pinakadakilang kinatawan ng ginintuang panahon ng pagpipinta ng Espanyol. Bilang karagdagan sa maraming mga pagpipinta na naglalarawan ng mga makasaysayang at kultural na mga eksena mula sa nakaraan, nagpinta siya ng maraming mga larawan ng maharlikang pamilya ng Espanya, pati na rin ang iba pang sikat na mga pigura sa Europa. Ang pinakatanyag na gawa ni Velázquez ay itinuturing na pagpipinta na "Las Meninas" (o "Ang Pamilya ni Philip IV") mula 1656, na matatagpuan sa Prado Museum sa Madrid.

Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso (Oktubre 25, 1881 - Abril 8, 1973) - sikat na artista sa buong mundo at iskultor ng Espanyol, tagapagtatag ng kilusan sa pinong sining - cubism . Itinuturing na isa sa pinakadakilang mga artista nakaimpluwensya sa pag-unlad sining biswal noong ika-20 siglo. Kinilala ng mga eksperto ang pinakamahusay na artista kabilang sa mga nabuhay sa nakalipas na 100 taon, at din ang pinaka "mahal" sa mundo. Sa kanyang buhay, lumikha si Picasso ng halos 20 libong mga gawa (ayon sa iba pang mga mapagkukunan, 80 libo).

Si Vincent Willem van Gogh (Marso 30, 1853 - Hulyo 29, 1890) ay isang sikat na Dutch artist na nakakuha ng katanyagan pagkatapos lamang ng kanyang kamatayan. Ayon sa maraming eksperto, si Van Gogh ay isa sa mga pinakadakilang artista sa kasaysayan. sining ng Europa, pati na rin ang isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng post-impressionism. May-akda ng higit sa 2,100 mga gawa ng sining, kabilang ang 870 mga kuwadro na gawa, 1 libong mga guhit at 133 sketch. Ang kanyang maraming mga self-portraits, landscape at portrait ay kabilang sa mga pinaka-nakikilala at pinakamahal na mga gawa ng sining sa mundo. Karamihan sikat na gawain Si Vincent Van Gogh ay marahil ay itinuturing na isang serye ng mga painting na tinatawag na "Sunflowers".

Michelangelo Buonarroti (Marso 6, 1475 - Pebrero 18, 1564) - sikat na Italyano na iskultor, pintor, arkitekto, makata at palaisip, na nag-iwan ng hindi mabuburang imprint sa kabuuan. kultura ng daigdig. Ang pinakatanyag na gawa ng artist ay marahil ang mga fresco sa kisame ng Sistine Chapel. Kabilang sa kanyang mga eskultura, ang pinakatanyag ay ang "Pieta" ("Panahoy ni Kristo") at "David". Kabilang sa mga gawa ng arkitektura - ang disenyo ng simboryo ng St. Peter's Basilica. Kapansin-pansin na si Michelangelo ang naging unang kinatawan ng sining ng Kanlurang Europa na ang talambuhay ay isinulat sa kanyang buhay.

Nasa ika-apat na puwesto sa ranggo ng mga pinakasikat na artista sa mundo si Masaccio (Disyembre 21, 1401-1428), isang mahusay na artistang Italyano na nagkaroon ng malaking impluwensya sa iba pang mga masters. Nabuhay si Masaccio sa isang napaka maikling buhay, kaya kakaunti ang biographical na ebidensya tungkol sa kanya. Apat lamang sa kanyang mga fresco ang nakaligtas, na walang alinlangan na gawa ni Masaccio. Ang iba ay pinaniniwalaang nawasak. Ang pinakatanyag na gawa ni Masaccio ay itinuturing na fresco ng Trinity sa Church of Santa Maria Novella sa Florence, Italy.

Si Peter Paul Rubens (Hunyo 28, 1577 - Mayo 30, 1640) ay isang pintor ng Flemish (South Dutch), isa sa mga pinakadakilang pintor ng panahon ng Baroque, na kilala sa kanyang maluho na istilo. Siya ay itinuturing na pinaka maraming nalalaman na artista sa kanyang panahon. Sa kanyang mga obra, binigyang-diin at isinama ni Rubens ang sigla at senswalidad ng kulay. Nagpinta siya ng maraming portrait, landscape at historical painting na may mga paksang mitolohiya, relihiyoso at alegoriko. Ang pinakasikat na gawa ni Rubens ay ang triptych na “The Descent from the Cross,” na ipininta sa pagitan ng 1610 at 1614 at nagdulot ng katanyagan sa artist sa buong mundo.

Si Michelangelo Merisi da Caravaggio (Setyembre 29, 1571 - Hulyo 18, 1610) ay isang mahusay na artistang Italyano noong unang bahagi ng panahon ng Baroque, ang nagtatag ng makatotohanang pagpipinta ng Europa noong ika-17 siglo. Sa kanyang mga gawa, mahusay na gumamit si Caravaggio ng mga contrast ng liwanag at anino, na nakatuon sa mga detalye. Madalas niyang ilarawan ang mga ordinaryong Romano, mga tao mula sa mga lansangan at pamilihan sa mga larawan ng mga santo at madonna. Kabilang sa mga halimbawa ang "Mateo na Ebanghelista", "Bacchus", "Pagbabalik-loob ni Saul", atbp. Isa sa mga pinaka sikat na mga painting Ang artist ay itinuturing na "The Lute Player" (1595), na tinawag ni Caravaggio na kanyang pinakamatagumpay na fragment ng pagpipinta.

Si Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669) ay isang sikat na Dutch na pintor at engraver na itinuturing na pinakadakila at pinakatanyag na pintor sa mundo. May-akda ng humigit-kumulang 600 mga kuwadro na gawa, 300 ukit at 2 libong mga guhit. Ang tampok na katangian nito ay ang mahusay na paglalaro na may mga light effect at malalim na anino. Ang pinakatanyag na gawa ni Rembrandt ay itinuturing na apat na metrong pagpipinta " Ang gabi Watch", na isinulat noong 1642 at ngayon ay itinatago sa Rijksmuseum sa Amsterdam.

Ang pagraranggo ng pinakamahal na mga gawa ng mga buhay na artista ay isang konstruksiyon na hindi gaanong nagsasabi tungkol sa papel at lugar ng artist sa kasaysayan ng sining kaysa sa edad at kalusugan.

Ang mga patakaran para sa pag-compile ng aming rating ay simple: una, ang mga transaksyon lamang sa mga gawa ng mga buhay na may-akda ang isinasaalang-alang; pangalawa, ang mga benta sa pampublikong auction lamang ang isinasaalang-alang; at pangatlo, ang panuntunang "isang artista - isang gawa" ay sinusunod (kung sa pagraranggo ng mga gawa ay dalawang rekord ang nabibilang kay Jones, kung gayon ang pinakamahal na isa lamang ang nananatili, at ang iba ay hindi isinasaalang-alang). Ang pagraranggo ay isinasagawa sa mga tuntunin ng mga dolyar (sa halaga ng palitan sa petsa ng pagbebenta).

1. JEFF KOONS Kuneho. 1986. $91.075 milyon

Kapag mas matagal mong pinapanood ang auction career ni Jeff Koons (1955), mas magiging kumbinsido ka na walang imposible para sa pop art. Maaari mong humanga ang mga eskultura ni Koons sa anyo ng mga laruan ng lobo, o maaari mong isaalang-alang ang mga ito na kitsch at masamang lasa - iyong karapatan. Isang bagay ang hindi maitatanggi: Ang mga pag-install ni Jeff Koons ay nagkakahalaga ng napakalaking halaga ng pera.

Sinimulan ni Jeff Koons ang kanyang landas tungo sa katanyagan bilang pinakamatagumpay na buhay na artista sa mundo noong 2007, nang ang kanyang higanteng metal na installation na "Hanging Heart" ay binili sa halagang $23.6 milyon sa Sotheby's The work ay binili ng gallery ni Larry Gagosian, na kumakatawan sa Koons isinulat na sa interes ng bilyonaryo ng Ukrainian na si Victor Pinchuk), nakuha ng Gallery hindi lamang isang pag-install, ngunit, sa katunayan, isang gawa ng sining ng alahas, kahit na ang gawa ay hindi gawa sa ginto (ang materyal ay hindi kinakalawang na asero) at ito ay malinaw na mas malaki ang sukat kaysa sa isang ordinaryong palawit (ang eskultura ay may taas na 2.7 m na may timbang na 1,600 kg), ngunit may katulad na layunin na ginugol sa paggawa ng komposisyon na may sampu mga layer ng pintura Bilang isang resulta, isang malaking halaga ng pera ang binayaran para sa kamangha-manghang "dekorasyon".

Sumunod ay ang pagbebenta ng “Balloon Flower” na kulay lila sa halagang £12.92 milyon ($25.8 milyon) sa Christie’s London auction noong Hunyo 30, 2008. Kapansin-pansin, pitong taon na ang nakaraan, binili ng mga dating may-ari ng "Bulaklak" ang trabaho sa halagang $1.1 milyon Madaling kalkulahin na sa panahong ito ang presyo nito sa merkado ay tumaas ng halos 25 beses.

Ang pagbaba sa merkado ng sining noong 2008–2009 ay nagbigay ng dahilan para sa mga nag-aalinlangan na magreklamo na lumipas na ang Koons fad. Ngunit nagkamali sila: kasama ang merkado ng sining, muling nabuhay ang interes sa mga gawa ni Koons. Ang kahalili ni Andy Warhol bilang hari ng pop art ay nag-update ng kanyang personal na record noong Nobyembre 2012 sa pagbebenta sa Christie's ng isang multi-colored sculpture na "Tulips" mula sa seryeng "Celebration" sa halagang $33.7 milyon, kasama ang komisyon.

Ngunit ang "Tulips" ay "bulaklak" sa literal at makasagisag na kahulugan. Pagkalipas lamang ng isang taon, noong Nobyembre 2013, ang pagbebenta ng hindi kinakalawang na asero na iskultura na "Balloon Dog (Orange)" ay sumunod: ang presyo ng martilyo ay kasing dami ng $58.4 milyon! Isang napakagandang halaga para sa isang buhay na artista. Ang isang gawa ng isang kontemporaryong may-akda ay naibenta para sa presyo ng isang Van Gogh o Picasso painting. Ito ay dati nang mga berry...

Sa resultang ito, naghari si Koons ng ilang taon sa tuktok ng ranggo ng mga buhay na artista. Noong Nobyembre 2018, saglit siyang nalampasan ni David Hockney (tingnan ang pangalawang lugar sa aming pagraranggo). Ngunit pagkalipas lamang ng anim na buwan, bumalik sa normal ang lahat: noong Mayo 15, 2019, sa New York, sa auction ng post-war at kontemporaryong sining sa Christie's, isang iskultura ng aklat-aralin para sa Koons mula 1986 ang naibenta - isang pilak " Kuneho” na gawa sa hindi kinakalawang na asero, na ginagaya ang isang lobo na may katulad na hugis.

Sa kabuuan, gumawa si Koons ng 3 ganoong biro kasama ang isang orihinal na kopya. Kasama sa auction ang isang kopya ng "Rabbit" number 2 - mula sa koleksyon ng publisher ng kulto na si Cy Newhouse, co-owner ng Conde Nast publishing house (mga magazine na Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, atbp.). Ang pilak na "Kuneho" ay binili ng "ama ng kaakit-akit" na si Cy Newhouse noong 1992 para sa isang kahanga-hangang halaga ayon sa mga pamantayan ng mga taong iyon - $1 milyon. Matapos ang 27 taon sa pakikipaglaban ng 10 bidder, ang presyo ng martilyo ng iskultura ay 80 beses kaysa sa dating presyo ng pagbebenta. At isinasaalang-alang ang komisyon ng Buyer's Premium, ang huling resulta ay $91.075 milyon, isang rekord para sa lahat ng buhay na artista.

2. DAVID HOCKNEY Portrait ng Artist. Pool na may dalawang figure. 1972. $90,312,500

Si David Hockney (1937) ay isa sa pinakamahalagang artista sa Britanya noong ika-20 siglo. Noong 2011, ayon sa isang survey ng libu-libong propesyonal na British artist at sculptor, si David Hockney ay binoto bilang pinaka-maimpluwensyang British artist sa lahat ng panahon. Kasabay nito, tinalo ni Hockney ang mga masters gaya nina William Turner at Francis Bacon. Ang kanyang trabaho ay karaniwang nauuri bilang pop art, bagaman sa kanyang mga unang gawa ay mas nahilig siya sa ekspresyonismo sa diwa ni Francis Bacon.

Si David Hockney ay ipinanganak at lumaki sa England, sa county ng Yorkshire. Ang ina ng hinaharap na artista ay pinanatili ang pamilya sa puritanical na mahigpit, at ang kanyang ama, isang simpleng accountant na gumawa ng isang maliit na baguhan na pagguhit, ay hinikayat ang kanyang anak na kumuha ng pagpipinta. Sa kanyang twenties, lumipat si David sa California, kung saan siya nanirahan nang halos tatlong dekada. May dalawa pa siyang workshop doon. Ginawa ni Hockney ang mga bayani ng kanyang mga gawa na lokal na mayayamang tao, ang kanilang mga villa, swimming pool, at mga damuhan na basang-basa sa araw ng California. Ang isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa noong panahon ng mga Amerikano - ang pagpipinta na "Splash" - ay isang imahe ng isang bigkis ng mga splashes na tumataas mula sa isang pool pagkatapos tumalon ang isang lalaki sa tubig. Upang ilarawan ang bigkis na ito, na "nabubuhay" nang hindi hihigit sa dalawang segundo, nagtrabaho si Hockney sa loob ng dalawang linggo. Sa pamamagitan ng paraan, ang pagpipinta na ito ay naibenta sa Sotheby's noong 2006 sa halagang $5.4 milyon at sa loob ng ilang panahon ay itinuturing na kanyang pinakamahal na trabaho.

Si Hockney (1937) ay lampas na sa otsenta, ngunit nagtatrabaho pa rin siya at nag-imbento pa ng mga bago masining na pamamaraan gamit ang mga teknikal na inobasyon. Noong unang panahon, nagkaroon siya ng ideya na gumawa ng malalaking collage mula sa Polaroids, i-print ang kanyang mga gawa sa mga fax machine, at ngayon ang artist ay masigasig na nag-master ng pagguhit sa iPad. Ang mga pintura na iginuhit sa isang tablet ay sumasakop sa isang karapat-dapat na lugar sa kanyang mga eksibisyon.

Noong 2005, sa wakas ay bumalik si Hockney mula sa States sa England. Ngayon ay nagpinta siya sa open air at sa studio ng malalaking (kadalasang binubuo ng ilang bahagi) ng mga landscape ng mga lokal na kagubatan at heath. Ayon kay Hockney, sa loob ng 30 taon na ginugol niya sa California, naging hindi siya sanay sa simpleng pagbabago ng mga panahon kung kaya't ito ay tunay na nabighani at nabighani sa kanya. Ang buong cycle ng kanyang kamakailang mga gawa ay nakatuon, halimbawa, sa parehong tanawin sa iba't ibang oras ng taon.

Noong 2018, ilang beses na sinira ng mga presyo para sa mga painting ni Hockney ang $10 milyon. At noong Nobyembre 15, 2018, nagrehistro si Christie ng bagong ganap na rekord para sa gawain ng isang buhay na artista - $90,312,500 para sa pagpipinta na "Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)."

3. GERHARD RICHTER Abstract na pagpipinta. 1986. $46.3 milyon

Klasikong pamumuhay Gerhard Richter (1932) pumangalawa sa aming ranking. Ang German artist ang nangunguna sa kanyang mga buhay na kasamahan hanggang sa masira ang 58 million record ni Jeff Koons. Ngunit ang sitwasyong ito ay malamang na hindi makayanan ang namumunong awtoridad ni Richter sa merkado ng sining. Sa pagtatapos ng 2012, ang taunang paglilipat ng auction ng German artist ay pangalawa lamang sa mga kina Andy Warhol at Pablo Picasso.

Sa loob ng maraming taon, walang naglalarawan sa tagumpay na sinapit ni Richter ngayon. Sa loob ng mga dekada, sinakop ng artista ang isang katamtamang lugar sa kontemporaryong merkado ng sining at hindi nagsusumikap para sa katanyagan. Masasabi nating naunahan siya ng kasikatan nang mag-isa. Itinuturing ng marami na ang panimulang punto ay ang pagbili ng MoMA ng New York noong 1995 ng serye ng mga gawa ni Richter na "Oktubre 18, 1977". Ang museo ng Amerika ay nagbayad ng $3 milyon para sa 15 mga kuwadro na gawa sa kulay abong mga tono at sa lalong madaling panahon ay nagsimulang mag-isip tungkol sa paghawak ng isang ganap na retrospective ng German artist. Ang engrandeng eksibisyon ay nagbukas pagkalipas ng anim na taon, noong 2001, at mula noon ang interes sa gawa ni Richter ay lumaki nang mabilis. Mula 2004 hanggang 2008, ang mga presyo para sa kanyang mga painting ay triple. Noong 2010, ang mga gawa ni Richter ay nagdala na ng $76.9 milyon noong 2011, ayon sa website ng Artnet, ang mga gawa ni Richter sa mga auction ay nakakuha ng kabuuang $200 milyon, at noong 2012 (ayon sa Artprice) - $262.7 milyon - higit pa sa gawa ng iba pa. buhay na artista.

Habang, halimbawa, si Jasper Johns nakamamanghang tagumpay sa mga auction ay higit sa lahat ay sinasamahan lamang ng mga maagang gawa; Sa nakalipas na animnapung taon, sinubukan ng artist na ito ang kanyang sarili sa halos lahat ng tradisyonal na mga genre ng pagpipinta - portrait, landscape, marine, hubad, still life at, siyempre, abstraction.

Ang kasaysayan ng mga talaan ng auction ni Richter ay nagsimula sa isang serye ng mga still lifes na "Mga Kandila". Ang 27 photorealistic na larawan ng mga kandila noong unang bahagi ng 1980s, sa panahon ng kanilang pagpipinta, ay nagkakahalaga lamang ng 15 thousand German mark ($5,800) bawat trabaho. Ngunit wala pa ring bumili ng "Mga Kandila" sa kanilang unang eksibisyon sa Max Hetzler Gallery sa Stuttgart. Pagkatapos ang tema ng mga kuwadro na gawa ay tinatawag na makaluma; ngayon ang "Mga Kandila" ay itinuturing na isang gawain para sa lahat ng panahon. At nagkakahalaga sila ng milyun-milyong dolyar.

Noong Pebrero 2008, "Kandila", isinulat noong 1983, ay hindi inaasahang binili sa halagang £ 7.97 milyon ($16 milyon). Ang personal na rekord na ito ay tumagal ng tatlo at kalahating taon. Pagkatapos noong Oktubre 2011 isa pa "Kandila" (1982) napunta sa ilalim ng martilyo sa Christie's para sa £ 10.46 milyon ($16.48 milyon). Sa rekord na ito, pumasok si Gerhard Richter sa nangungunang tatlong pinakamatagumpay na buhay na artista sa unang pagkakataon, na pumalit sa kanya sa likod nina Jasper Johns at Jeff Koons.

Pagkatapos ay nagsimula ang matagumpay na prusisyon ng "Abstract Paintings" ni Richter. Ang artist ay nagpinta ng mga katulad na gawa gamit ang isang natatanging pagmamay-ari na pamamaraan: inilalapat niya ang isang halo ng mga simpleng kulay, at pagkatapos ay gumagamit ng mahabang scraper na kasing laki ng bumper ng kotse upang pahiran ang mga ito sa canvas. Gumagawa ito ng masalimuot na mga transition ng kulay, mga spot at guhitan. Ang pagsusuri sa ibabaw ng kanyang "Abstract Paintings" ay parang isang paghuhukay: sa mga ito, ang mga bakas ng iba't ibang "figure" ay makikita sa mga puwang ng maraming makulay na mga layer.

Nobyembre 9, 2011 sa Sotheby's auction ng kontemporaryo at post-war na sining, isang malakihan "Abstract na pagpipinta (849-3)" 1997 napunta sa ilalim ng martilyo para sa $20.8 milyon (£13.2 milyon). At makalipas ang anim na buwan, Mayo 8, 2012 sa auction ng post-war at kontemporaryong sining sa Christie's sa New York "Abstract na pagpipinta (798-3)" 1993 napunta para sa record $21.8 milyon(kabilang ang komisyon). Pagkalipas ng limang buwan - isa pang rekord: "Abstract na pagpipinta (809-4)" mula sa koleksyon ng rock musician na si Eric Clapton noong Oktubre 12, 2012 sa Sotheby's sa London ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa £ 21.3 milyon ($34.2 milyon). Ang hadlang ng 30 milyon ay kinuha ni Richter nang napakadali, na parang hindi ito pinag-uusapan modernong pagpipinta, ngunit tungkol sa mga obra maestra na isang daang taong gulang na - hindi kukulangin. Bagaman sa kaso ni Richter, tila ang pagsasama sa pantheon ng "mga dakila" ay naganap sa panahon ng buhay ng artista. Ang mga presyo para sa trabaho ng Aleman ay patuloy na tumataas.

Ang susunod na rekord ni Richter ay kabilang sa isang photorealistic na gawa - landscape "Cathedral Square, Milan (Domplatz, Mailand)" 1968. Ang trabaho ay naibenta para sa 37.1 milyon sa Sotheby's auction Mayo 14, 2013. Ipininta ang tanawin ng pinakamagandang parisukat Aleman na artista noong 1968, kinomisyon ng Siemens Electro, lalo na para sa opisina ng kumpanya sa Milan. Sa panahon ng pagsulat nito, ito ang pinakamalaking matalinghagang gawa ni Richter (may sukat na halos tatlo sa tatlong metro).

Ang rekord ng Cathedral Square ay tumagal ng halos dalawang taon, hanggang Pebrero 10, 2015 hindi siya nagambala "Abstract na pagpipinta" ( 1986): Ang presyo ng martilyo ay umabot sa £ 30.389 milyon ($46.3 milyon). Ang "Abstract Painting", na may sukat na 300.5 × 250.5 cm, na inilagay para sa auction sa Sotheby's ay isa sa mga unang malakihang gawa ni Richter sa pamamaraan ng kanyang espesyal na may-akda sa pag-scrap ng mga layer ng pintura. SA huling beses noong 1999, ang "Abstract Painting" na ito ay binili sa auction sa halagang $607 thousand (mula sa taong ito hanggang sa kasalukuyang pagbebenta, ang gawa ay ipinakita sa Ludwig Museum sa Cologne). Sa auction noong Pebrero 10, 2015, ang isang kliyenteng Amerikano, sa mga hakbang sa auction na £2 milyon, ay umabot sa presyo ng martilyo na $46.3 milyon, iyon ay, mula noong 1999, ang trabaho ay tumaas sa presyo ng higit sa 76 na beses.

4. CUI ZHUZHO “Great Snowy Mountains.” 2013. $39.577 milyon.

Sa loob ng mahabang panahon, hindi namin maingat na sinusunod ang mga pag-unlad sa sitwasyon sa merkado ng sining ng Tsino, na hindi gustong ma-overload ang aming mga mambabasa ng masyadong maraming impormasyon tungkol sa "hindi ang aming" sining. Maliban sa dissident na si Ai Weiwei, na hindi kasing mahal bilang siya ay isang matunog na artist, ang mga Chinese na may-akda ay tila napakarami at malayo sa amin upang bungkalin kung ano ang nangyayari sa kanilang merkado. Ngunit ang mga istatistika, tulad ng sinasabi nila, ay seryoso, at kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa pinakamatagumpay na buhay na mga may-akda sa mundo, kung gayon hindi pa rin natin magagawa nang walang kuwento tungkol sa mga natitirang kinatawan ng kontemporaryong sining sa Celestial Empire.

Magsimula tayo sa Chinese artist Cui Ruzhuo. Ang artista ay ipinanganak noong 1944 sa Beijing at nanirahan sa USA mula 1981 hanggang 1996. Pagkabalik sa China, nagsimula siyang magturo sa National Academy of Arts. Muling binibigyang kahulugan ni Cui Ruzhuo ang tradisyonal na istilong Chinese ng pagpipinta ng tinta at gumagawa ng malalaking scroll painting na gustong ibigay ng mga negosyante at opisyal ng Tsino sa isa't isa bilang mga regalo. Napakakaunti ang nalalaman tungkol sa kanya sa Kanluran, bagaman marami ang dapat tandaan ang kwento ng isang $3.7 milyon na scroll na napagkamalan na itinapon bilang basura ng mga naglilinis sa isang hotel sa Hong Kong. Kaya - ito ay ang scroll ng Cui Ruzhuo.

Si Cui Ruzhuo ay lampas na sa 70, at ang merkado para sa kanyang trabaho ay umuunlad. Mahigit sa 60 mga gawa ng artist na ito ang tumawid sa $1 milyon na marka, gayunpaman, ang kanyang mga gawa ay nakamit lamang ang tagumpay sa mga auction ng Tsino. Tunay na kahanga-hanga ang mga rekord ni Cui Ruzhuo. Una sa kanya "Landscape sa Niyebe" sa Poly Auction sa Hong Kong Abril 7, 2014 nakamit ang presyo ng martilyo na HK$184 milyon ( $23.7 milyon US).

Eksaktong isang taon mamaya Abril 6, 2015, sa isang espesyal na Poly Auction sa Hong Kong na eksklusibong nakatuon sa mga gawa ng Cui Ruzhuo, serye "Ang Great Snowy Landscape ng Jiangnan Mountain"(Ang Jiangnan ay isang makasaysayang rehiyon sa China, na sumasakop sa kanang pampang ng mas mababang bahagi ng Yangtze) ng walong landscape sa tinta sa papel ay umabot sa presyo ng martilyo na HK$236 milyon ( $30.444 milyon US).

Makalipas ang isang taon, naulit muli ang kasaysayan sa solo auction ni Cui Ruzhuo na ginanap ng Poly Auctions sa Hong Kong. Abril 4, 2016 anim na bahagi polyptych "Great Snowy Mountains" Naabot ng 2013 ang presyo ng martilyo (kabilang ang komisyon sa auction house) na HKD 306 milyon ($39.577 milyon US)). Sa ngayon, ito ay isang ganap na rekord sa mga Asian na nabubuhay na artista.

Ayon sa art dealer na si Johnson Chan, na nagtatrabaho sa kontemporaryong sining ng Tsino sa loob ng 30 taon, mayroong walang pasubaling pagnanais na itaas ang mga presyo para sa gawain ng may-akda na ito, ngunit ang lahat ng ito ay nangyayari sa antas ng presyo kung saan ang mga may karanasang kolektor ay malamang na hindi gusto. para bumili ng kahit ano. "Nais ng mga Tsino na itaas ang mga rating ng kanilang mga artista sa pamamagitan ng pagpapalaki ng mga presyo ng kanilang mga gawa sa malalaking internasyonal na auction tulad ng inorganisa ng Poly sa Hong Kong, ngunit walang duda na ang mga rating na ito ay ganap na gawa-gawa," komento ni Johnson Chan sa Cui Ang pinakabagong tala ni Ruzhuo.

Ito, siyempre, ay opinyon lamang ng isang indibidwal na dealer, ngunit mayroon kaming isang tunay na rekord na naitala sa lahat ng mga database. Kaya isasaalang-alang natin siya. Si Cui Ruzhuo mismo, ayon sa kanyang mga pahayag, ay malayo sa kahinhinan ni Gerhard Richter pagdating sa kanyang mga tagumpay sa auction. Tila ang karerang ito para sa mga rekord ay seryosong nabighani sa kanya. "Umaasa ako na sa susunod na 5-10 taon ang mga presyo para sa aking mga gawa ay lalampas sa mga presyo para sa mga gawa ng Western masters tulad ng Picasso at Van Gogh. Ito ang pangarap ng mga Tsino,” sabi ni Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Bandila. 1983. $36 milyon

Ang ikatlong lugar sa ranggo ng mga buhay na artista ay kabilang sa isang Amerikano Jasper Johns (1930). Ang kasalukuyang record na presyo para sa trabaho ni Jones ay $ 36 milyon. Malaki ang binayaran nila para sa kanyang sikat "Bandila" sa auction ni Christie Nobyembre 12, 2014.

Ang serye ng mga "flag" na mga pagpipinta, na sinimulan ni Jones noong kalagitnaan ng 1950s, kaagad pagkatapos bumalik ang artista mula sa hukbo, ay naging isa sa mga sentral sa kanyang trabaho. Kahit na sa kanyang kabataan, ang artist ay naging interesado sa ideya ng readymade, ang pagbabago ng isang pang-araw-araw na bagay sa isang gawa ng sining. Gayunpaman, ang mga watawat ni Jones ay hindi totoo, sila ay pininturahan ng langis sa canvas. Kaya, nakuha ng isang gawa ng sining ang mga katangian ng isang bagay mula sa ordinaryong buhay, ito ay kasabay na larawan ng bandila at ng bandila mismo. Isang serye ng mga gawa na may mga flag ang nagdala kay Jasper John ng katanyagan sa mundo. Ngunit ang kanyang mga abstract na gawa ay hindi gaanong popular. Sa loob ng maraming taon, ang listahan ng mga pinakamahal na gawa, na pinagsama-sama ayon sa mga patakaran sa itaas, ay pinamumunuan ng kanyang abstract "Maling simula". Hanggang 2007, ang napakaliwanag at pandekorasyon na canvas na ito, na ipininta ni Jones noong 1959, ay itinuturing na may presyong halos hindi naa-access para sa isang buhay na artista (kahit na isang panghabambuhay na klasiko) - $ 17 milyon. Iyan ay kung magkano ang kanilang binayaran para dito sa ginto para sa merkado ng sining 1988.

Interestingly, hindi tuloy-tuloy ang panunungkulan ni Jasper Johns bilang record holder. Noong 1989, nagambala siya sa gawain ng kanyang kasamahan na si Willem de Kooning: ang dalawang-metro na abstraction na "Blending" ay naibenta sa Sotheby's sa halagang $20.7 milyon Ngunit 8 taon mamaya, noong 1997, namatay si de Kooning. at ang “ False Start by Jones ay muling nakakuha ng unang pwesto sa auction ranking ng mga buhay na artista sa loob ng halos 10 taon.

Ngunit noong 2007 nagbago ang lahat. Ang rekord ng False Start ay unang nalampasan ng mga gawa ng bata at ambisyosong Damien Hirst at Jeff Koons. Pagkatapos ay nagkaroon ng record sale para sa $33.6 milyon ng painting na "The Sleeping Benefits Inspector" ni Lucien Freud (ngayon ay namatay na, at samakatuwid ay hindi nakikilahok sa rating na ito). Pagkatapos ay nagsimula ang mga rekord ni Gerhard Richter. Sa pangkalahatan, sa ngayon, na may kasalukuyang rekord na 36 milyon, si Jasper Johns, isa sa mga masters ng American post-war art, na nagtatrabaho sa intersection ng neo-Dadaism, abstract expressionism at pop art, ay nasa marangal na ikatlong lugar.

6. ED RUSHEY Basagin. 1963. $30.4 milyon

Ang biglaang tagumpay ng pagpipinta na "Smash" ng isang Amerikanong artista Edward Rushay (b. 1937) sa auction Christie's Nobyembre 12, 2014 ginawa itong may-akda na isa sa pinakamahal na buhay na artista. Ang dating record na presyo para sa gawa ni Ed Rusha (ang apelyido na Ruscha ay madalas na binibigkas sa Russian bilang "Rusha", ngunit ang tamang pagbigkas ay Rusha) ay "lamang" $6.98 milyon: magkano ang binayaran para sa kanyang canvas na "The Burning Gas Istasyon” noong 2007. Makalipas ang pitong taon "Smash" na may pagtatantya na $15–20 milyon ay umabot sa presyo ng martilyo $30.4 milyon. Malinaw na ang merkado para sa mga gawa ng may-akda na ito ay umabot sa isang bagong antas - hindi para sa wala na pinalamutian ni Barack Obama ang White House ng kanyang mga gawa, at si Larry Gagosian mismo ay nagpapakita sa kanya sa kanyang mga gallery.

Si Ed Ruscha ay hindi kailanman nahilig sa post-war New York na may pagkahumaling sa abstract expressionism. Sa halip, sa loob ng higit sa 40 taon, tumingin siya sa California para sa inspirasyon, kung saan lumipat siya mula sa Nebraska sa edad na 18. Ang artist ay nakatayo sa pinagmulan ng isang bagong kilusan sa sining, na tinatawag na pop art. Kasama sina Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud at iba pang mga mang-aawit ng sikat na kultura, si Edward Ruscha noong 1962 ay nakibahagi sa eksibisyon na "Bagong Imahe ng mga Ordinaryong Bagay" sa Pasadena Museum, na naging unang eksibisyon sa museo American pop art. Gayunpaman, si Ed Rusha mismo ay hindi nagustuhan kapag ang kanyang trabaho ay nauuri bilang pop art, conceptualism o ilang iba pang kilusan sa sining.

Ang kanyang natatanging istilo ay tinatawag na "text painting". Simula noong huling bahagi ng 1950s, nagsimulang magpinta ng mga salita si Ed Ruscha. Tulad ng para kay Warhol ang isang lata ng sopas ay naging isang gawa ng sining, para kay Ed Rushay ito ay mga ordinaryong salita at parirala, na kinuha mula sa isang billboard o packaging sa isang supermarket, o mula sa mga kredito ng isang pelikula (Ang Hollywood ay palaging "malapit" para sa Rushay, at hindi tulad ng maraming kapwa artista, iginagalang ni Rusche ang "pabrika ng pangarap"). Ang mga salita sa kanyang mga canvases ay nakakuha ng mga katangian ng tatlong-dimensional na mga bagay; Kapag tinitingnan ang kanyang mga canvases, ang unang bagay na nasa isip ay ang visual at tunog na pang-unawa ng ipininta na salita, at pagkatapos lamang ang kahulugan ng semantiko. Ang huli, bilang panuntunan, ay hindi maaaring malinaw na matukoy; Ang pagpili ng mga salita at parirala ni Rushay ay maaaring bigyang-kahulugan sa iba't ibang paraan. Ang parehong maliwanag na dilaw na salitang "Smash" sa isang malalim na asul na background ay maaaring perceived bilang isang agresibong tawag upang basagin ang isang bagay o isang tao sa mga piraso; bilang isang malungkot na pang-uri na kinuha sa labas ng konteksto (bahagi ng ilang headline ng pahayagan, halimbawa), o bilang isang hiwalay na salita na nahuli sa daloy ng urban ng mga visual na imahe. Nasisiyahan si Ed Ruscha sa kawalan ng katiyakan na ito. "Palagi akong may malalim na paggalang sa mga kakaiba, hindi maipaliwanag na mga bagay... Ang mga paliwanag sa isang kahulugan ay pumatay sa bagay," sabi niya sa isang pakikipanayam.

7. CHRISTOPHER WOOL Walang Pamagat (RIOT). 1990. $29.93 milyon

Amerikanong artista Christopher Wool(1955) unang pumasok sa ranggo ng mga nabubuhay na artista noong 2013 - matapos ibenta ang akdang "Apocalypse Now" sa halagang $26.5 milyon. Ang halaga ng makasaysayang transaksyon na ito - higit sa $ 20 milyon - ay nagulat sa marami, dahil bago ang mga presyo para sa mga gawa ng artist ay hindi lalampas sa $ 8 milyon, gayunpaman, ang mabilis na paglaki ng merkado para sa mga gawa ni Christopher Wool ay maliwanag na sa oras na iyon: ang artist Kasama sa track record ang 48 mga transaksyon sa auction para sa mga halagang higit sa $1 milyon, at 22 sa mga ito (halos kalahati) ang naganap noong 2013. Pagkalipas ng dalawang taon, ang bilang ng mga gawa ni Chris Wool na naibenta ng higit sa $1 milyon ay umabot sa 70, at isang bagong personal na rekord ay hindi nagtagal. Sa auction Ang akda ni Sotheby noong Mayo 12, 2015 na "Walang Pamagat (RIOT)" ay naibenta sa halagang $ 29.93 milyon kasama ang Buyer's Premium.

Si Christopher Wool ay pangunahing kilala sa kanyang malakihang mga gawa ng itim na letra sa mga puting aluminum sheet. Sila ang mga, bilang panuntunan, ay nagtatakda ng mga tala sa mga auction. Ito ang lahat ng mga bagay mula sa huling bahagi ng 1980s - unang bahagi ng 1990s. Ayon sa alamat, isang araw ay naglalakad si Wool sa New York noong gabi at biglang nakakita ng graffiti sa mga itim na titik sa isang bagong puting trak - ang mga salitang sex at luv. Ang tanawing ito ay humanga sa kanya kaya't agad siyang bumalik sa workshop at nagsulat ng sarili niyang bersyon na may parehong mga salita. Ito ay 1987, at ang karagdagang paghahanap ng artist para sa mga salita at parirala para sa kanyang "liham" na mga gawa ay sumasalamin sa magkasalungat na diwa ng panahong ito. Ito ang slogan na "ibenta ang bahay, ibenta ang kotse, ibenta ang mga bata", na kinuha ni Wool mula sa pelikulang "Apocalypse Now", at ang salitang "FOOL" ("tanga") sa malalaking titik, at ang salitang "RIOT" (“rebelyon”), madalas na makikita sa mga headline ng pahayagan noong panahong iyon.

Inilapat ng lana ang mga salita at parirala sa mga aluminum sheet gamit ang mga stencil na may mga pinturang alkyd o enamel, na sadyang nag-iiwan ng mga pagtulo, marka ng stencil at iba pang ebidensya ng proseso ng paglikha. Hinati ng artista ang mga salita sa paraang hindi agad naiintindihan ng manonood ang kahulugan. Sa una, makikita mo lamang ang isang kumpol ng mga titik, iyon ay, nakikita mo ang salita bilang isang visual na bagay, at pagkatapos lamang nabasa mo at naiintindihan ang kahulugan ng parirala o salita. Gumamit ang Wool ng font na ginamit ng militar ng Amerika pagkatapos ng World War II, na nagpapataas ng impresyon ng isang order, isang direktiba, isang slogan. Ang mga gawang "liham" na ito ay nakikita bilang bahagi ng urban landscape, tulad ng ilegal na graffiti na lumabag sa kalinisan ng ibabaw ng ilang bagay sa kalye. Ang seryeng ito ng mga gawa ni Christopher Wool ay kinikilala bilang isa sa mga tugatog ng linguistic abstraction, at samakatuwid ay lubos na pinahahalagahan ng mga mahilig sa kontemporaryong sining.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. $28.81 milyon

British Peter Doig(1959), kahit na kabilang siya sa henerasyon ng mga postmodernistang Koons at Hirst, pinili para sa kanyang sarili ang isang ganap na tradisyonal na genre ng landscape, sa mahabang panahon na hindi pabor sa mga nangungunang artista. Sa kanyang trabaho, muling binuhay ni Peter Doig ang kumukupas na interes ng publiko sa matalinghagang pagpipinta. Ang kanyang mga gawa ay lubos na pinahahalagahan ng parehong mga kritiko at hindi mga espesyalista, at ang katibayan nito ay ang mabilis na pagtaas ng mga presyo para sa kanyang mga gawa. Kung noong unang bahagi ng 1990s ang kanyang mga landscape ay nagkakahalaga ng ilang libong dolyar, ngayon ay nagkakahalaga ito ng milyun-milyon.

Ang gawain ni Doig ay madalas na tinatawag na mahiwagang realismo. Batay sa mga totoong landscape, lumilikha siya ng pantasya, mahiwaga at madalas na madilim na mga imahe. Ang artista ay mahilig maglarawan iniwan ng mga tao bagay: isang sira-sirang gusali na itinayo ng Le Corbusier sa gitna ng kagubatan o isang walang laman na puting canoe sa ibabaw ng lawa ng kagubatan. Bilang karagdagan sa kalikasan at imahinasyon, ang Doig ay inspirasyon ng mga nakakatakot na pelikula, mga lumang postkard, mga larawan, mga amateur na video, atbp. Ang mga painting ni Doig ay makulay, masalimuot, pandekorasyon at hindi nakakapukaw. Nakatutuwang magkaroon ng ganitong pagpipinta. Ang interes ng mga kolektor ay pinalakas din ng mababang produktibidad ng may-akda: ang artist na naninirahan sa Trinidad ay lumilikha ng hindi hihigit sa isang dosenang mga pagpipinta sa isang taon.

Noong unang bahagi ng 2000s, ang mga indibidwal na landscape ng artist ay nabili ng ilang daang libong dolyar. Kasabay nito, ang mga gawa ni Doig ay kasama sa Saatchi Gallery, sa Whitney Museum Biennial at sa koleksyon ng MoMA. Noong 2006, nalampasan ang antas ng auction na $1 milyon At sa sa susunod na taon Nagkaroon ng hindi inaasahang tagumpay: ang akdang "White Canoe," na inaalok sa Sotheby's noong Pebrero 7, 2007 na may pagtatantya na $0.8–1.2 milyon, ay limang beses na mas mataas kaysa sa paunang pagtatantya at naibenta sa halagang £5.7 milyon ($11.3 milyon). Sa oras na iyon, ito ay isang record na presyo para sa mga gawa ng isang buhay na European artist.

Noong 2008, nagkaroon ng solong eksibisyon si Doig sa Tate Gallery at Museum of Modern Art sa Paris. Ang multi-milyong dolyar na mga tag ng presyo para sa trabaho ni Doig ay naging karaniwan. Ang personal na rekord ni Peter Doig ay nagsimulang i-update kamakailan ilang beses sa isang taon - ang mayroon lang kaming oras na gawin ay baguhin ang larawan at lugar ng artist na ito sa aming ranking ng mga buhay na may-akda.

Ang pinaka mamahaling trabaho Peter Doig - nalalatagan ng niyebe na "Rosedale" 1991. Kapansin-pansin, ang rekord ay itinakda hindi sa Sotheby's o Christie's, ngunit sa auction ng kontemporaryong sining sa Phillips auction house. Nangyari ito noong Mayo 18, 2017. Isang view ng maniyebe na kapitbahayan sa Toronto na ibinenta ni Rosedale sa isang bumibili ng telepono sa halagang $28.81 milyon, humigit-kumulang $3 milyon na mas mataas sa nakaraang tala ($25.9 milyon para sa “Swallowed by the Mire”). Ang "Rosedale" ay nakibahagi sa pangunahing eksibisyon ni Doig sa Whitechapel Gallery sa London noong 1998, at sa pangkalahatan ang gawaing ito ay sariwa para sa merkado, at samakatuwid ang rekord na presyo ay karapat-dapat.

9. FRANK STELLA Cape of Pines. 1959. $28 milyon

Si Frank Stella ay isang kilalang kinatawan ng post-painterly abstraction at minimalism sa sining. Sa isang tiyak na yugto, siya ay inuri bilang isang kinatawan ng estilo ng pagpipinta ng matapang na gilid. Sa una, pinag-iba ni Stella ang mahigpit na geometricity, asetiko monochrome at istraktura ng kanyang mga kuwadro na gawa sa spontaneity at kaguluhan ng mga painting ng abstract expressionists tulad ni Jackson Pollock.

Noong huling bahagi ng 1950s, ang artista ay napansin ng sikat na may-ari ng gallery na si Leo Castelli at iginawad sa isang eksibisyon sa unang pagkakataon. Ipinakita niya dito ang tinatawag na "Black Paintings" - mga canvases na pininturahan ng mga parallel na itim na linya na may manipis na mga puwang ng hindi pininturahan na canvas sa pagitan ng mga ito. Ang mga linya ay nagdaragdag ng hanggang sa mga geometric na hugis, medyo nakakaalala optical illusions, ang parehong mga larawang kumikislap, gumagalaw, umiikot, lumilikha ng isang pakiramdam ng malalim na espasyo kung titingnan mo ang mga ito nang mahabang panahon. Ipinagpatuloy ni Stella ang tema ng mga parallel na linya na may manipis na paghahati ng mga guhit sa kanyang mga gawa sa aluminyo at tanso. Ang mga kulay, ang pictorial na batayan at maging ang hugis ng mga kuwadro na gawa ay nagbago (bukod sa iba, ang mga gawa sa hugis ng mga titik U, T, L ay namumukod-tangi). Pero pangunahing prinsipyo ang kanyang pagpipinta ay binubuo pa rin ng kalinawan ng balangkas, monumentalidad, simpleng anyo, at monochrome. Sa mga sumunod na dekada, lumayo si Stella mula sa gayong geometric na pagpipinta tungo sa makinis, natural na mga anyo at linya, at mula sa mga monochromatic na pagpipinta tungo sa maliwanag at sari-saring mga paglipat ng kulay. Noong 1970s, nabighani si Stella ng malalaking pattern na ginagamit sa pagpinta ng mga barko. Ginamit sila ng artist para sa malalaking pagpipinta na may mga elemento ng pagtitipon - isinama niya ang mga piraso ng bakal na tubo o wire mesh sa mga gawa.

Sa kanyang mga unang panayam, hayagang tinalakay ni Frank Stella ang mga kahulugang inilagay sa kanyang mga gawa, o sa halip, ang kakulangan nito: "Kung ano ang nakikita mo ay kung ano ang nakikita mo." Ang isang pagpipinta ay isang bagay sa sarili nito, at hindi isang pagpaparami ng isang bagay. "Ito ay isang patag na ibabaw na may pintura dito at wala nang iba pa," sabi ni Stella.

Well, pinirmahan ni Frank Stella, ang "ibabaw na may pintura dito" ay maaaring nagkakahalaga ng milyun-milyong dolyar ngayon. Sa unang pagkakataon, pumasok si Frank Stella sa ranggo ng mga buhay na artista noong 2015 sa pagbebenta ng akdang "Crossing the Delaware" (1961) sa halagang $13.69 milyon, kasama ang komisyon.

Makalipas ang apat na taon, Mayo 15, 2019 bagong tala Ang unang bahagi ng (1959) na gawaing "Cape of Pines" ay itinatag: ang presyo ng martilyo ay higit sa $28 milyon, kasama ang komisyon. Ito ay isa sa 29 na "itim na mga kuwadro na gawa" - ang mga parehong kung saan nag-debut si Stella sa kanyang unang eksibisyon sa New York. Ang nagtapos sa Princeton University na si Frank Stella ay 23 taong gulang noong panahong iyon. Madalas siyang walang sapat na pera para sa oil paint para sa mga artista. Ang batang artista ay kumita ng pera sa pag-aayos, talagang nagustuhan niya ang mga dalisay na kulay ng pintura, at pagkatapos ay lumitaw ang ideya na magtrabaho kasama ang pinturang ito sa canvas. Gamit ang itim na enamel na pintura, nagpinta si Stella ng mga parallel na guhitan, na nag-iiwan ng mga manipis na linya ng hindi naka-prima na canvas sa pagitan ng mga ito. Bukod dito, nagsusulat siya nang walang mga pinuno, sa pamamagitan ng mata, nang walang paunang sketch. Hindi alam ni Stella kung gaano karaming mga itim na linya ang makikita sa isang partikular na pagpipinta. Halimbawa, sa pagpipinta na "Cape of Pines" mayroong 35 sa kanila Ang pamagat ng trabaho ay tumutukoy sa pangalan ng kapa sa Massachusetts Bay - Point of pines. Sa simula ng ikadalawampu siglo ito ay malaking parke atraksyon, at ngayon ito ay isa sa mga lugar ng lungsod ng Revere.

10. YOSHITOMO NARA Knife sa likod niya. 2000. $24.95 milyon

Si Yoshitomo Nara (1959) ay isa sa mga pangunahing tauhan ng Japanese neo-pop art. Japanese - dahil, sa kabila ng pandaigdigang katanyagan at maraming taon ng trabaho sa ibang bansa, ang kanyang trabaho ay nakikilala pa rin sa pamamagitan ng isang binibigkas na pambansang pagkakakilanlan. Ang mga paboritong karakter ni Nara ay mga batang babae at aso sa estilo ng Japanese manga at anime comics. Ang mga imahe na naimbento niya ay "napunta sa mga tao" sa loob ng maraming taon: ang mga ito ay naka-print sa mga T-shirt, mga souvenir at iba't ibang "merch" ay ginawa gamit ang mga ito. Ipinanganak sa isang mahirap na pamilya, malayo sa kabisera, hindi lamang siya minamahal para sa kanyang talento, ngunit pinahahalagahan din bilang isang taong gawa sa sarili. Ang artista ay gumagana nang mabilis at nagpapahayag. Nabatid na ang ilan sa kanyang mga obra maestra ay literal na natapos sa magdamag. Ang mga kuwadro na gawa at eskultura ng Yoshitomo Nara, bilang isang patakaran, ay napaka laconic, kung hindi maramot sa kanilang paraan ng pagpapahayag, ngunit palagi silang nagdadala ng isang malakas na emosyonal na singil. Ang mga teenager na babae ni Nara ay madalas na tumitingin sa manonood na may masamang duling. Sa kanilang mga mata ay may kapangahasan, hamon at pagsalakay. Sa kanyang mga kamay - alinman sa isang kutsilyo o isang sigarilyo. May opinyon na ang mga itinatanghal na kabuktutan ng pag-uugali ay isang reaksyon sa mapang-aping moralidad sa lipunan, iba't ibang bawal, at mga prinsipyo ng edukasyon na pinagtibay ng mga Hapones. Ang halos medieval na kalubhaan at kahihiyan ay nagtutulak ng mga problema sa loob at lumikha ng lupa para sa isang naantalang emosyonal na pagsabog. Ang "The Knife Behind Your Back" ay maiikling sumasalamin sa isa sa mga pangunahing ideya ng artist. Sa gawaing ito ay may mapoot na tingin ng isang batang babae at isang kamay na nagbabantang inilagay sa likod niya. Hanggang 2019, ang mga painting at sculpture ni Yoshitomo Nara ay umabot na sa milyon, o kahit ilang milyon, nang higit sa isang beses. Ngunit dalawampung milyon ang unang pagkakataon. Si Nara ay isa sa mga pinakasikat na artistang ipinanganak sa Hapon. At ngayon ang pinakamahal na buhay. Noong Oktubre 6, 2109, sa Sotheby's sa Hong Kong, kinuha niya ang titulong ito mula sa Takashi Murakami at kapansin-pansing nalamangan ang 90-taong-gulang na avant-garde artist na si Yayoi Kusama (ang pinakamataas na presyo ng auction para sa kanyang mga painting ay lumalapit na sa $9 milyon).

11. ZENG FANZHI Huling Hapunan. 2001. $23.3 milyon

Sa Sotheby's auction sa Hong Kong Oktubre 5, 2013 taon malakihang canvas "Huling Hapunan" Artist ng Beijing Zeng Fanzhi (1964) ay naibenta sa halagang HK$160 milyon - $23.3 milyon USA. Ang pangwakas na halaga ng gawain ni Fanzhi, na isinulat, siyempre, sa ilalim ng impluwensya ng gawain ni Leonardo da Vinci, ay naging dalawang beses na mas mataas kaysa sa paunang pagtatantya na humigit-kumulang $10 milyon Ang dating rekord ng presyo ng Zeng Fanzhi ay $ 9.6 milyon, binayaran sa Christie's Hong Kong auction noong Mayo 2008 para sa trabaho "Serye ng Maskara. 1996. Hindi. 6".

Ang "The Last Supper" ay ang pinakamalaking (2.2 × 4 meters) na pagpipinta ni Fanzhi sa seryeng "Masks", na sumasaklaw sa panahon mula 1994 hanggang 2001. Ang siklo ay nakatuon sa ebolusyon ng lipunang Tsino sa ilalim ng impluwensya ng mga repormang pang-ekonomiya. Ang pagpapakilala ng mga elemento ng ekonomiya ng pamilihan ng pamahalaan ng PRC ay humantong sa urbanisasyon at pagkakawatak-watak ng mga mamamayang Tsino. Inilalarawan ng Fanzhi ang mga residente ng modernong lungsod ng China na kailangang makipaglaban para sa isang lugar sa araw. Ang kilalang komposisyon ng fresco ni Leonardo sa pagbabasa ni Fanzhi ay may ganap na naiibang kahulugan: ang eksena ng pagkilos ay inilipat mula sa Jerusalem patungo sa isang silid-aralan sa isang paaralang Tsino na may mga tipikal na hieroglyph board sa mga dingding. Si "Kristo" at ang "mga apostol" ay naging mga pioneer na may mga iskarlata na kurbata, at si "Judas" lamang ang nagsusuot ng gintong kurbata - ito ay isang metapora para sa Kanluraning kapitalismo na tumagos at sumisira sa karaniwang paraan ng pamumuhay sa isang sosyalistang bansa.

Ang mga gawa ni Zeng Fanzhi ay estilistang malapit sa European expressionism at parehong dramatiko. Ngunit sa parehong oras sila ay puno ng Chinese simbolismo at pagtitiyak. Ang versatility na ito ay umaakit sa mga Chinese at Western collectors sa gawa ng artist. Ang isang direktang kumpirmasyon nito ay ang pinagmulan ng "The Last Supper": ang gawain ay inilagay para sa auction ng sikat na kolektor ng Chinese avant-garde noong 1980s at unang bahagi ng 1990s, ang Belgian baron na si Guy Ullens.

12. ROBERT RYMAN tulay. 1980. $20.6 milyon

Sa auction Christie's May 13, 2015 abstract na gawain "Tulay" 85-taong-gulang na Amerikanong artista Robert Ryman(Robert Ryman) ay naibenta para sa $20.6 milyon isinasaalang-alang ang komisyon - dalawang beses na mas mahal kaysa sa mas mababang pagtatantya.

Robert Ryman(1930) ay hindi kaagad napagtanto na nais niyang maging isang artista. Sa edad na 23, lumipat siya sa New York mula sa Nashville, Tennessee, na gustong maging isang jazz saxophonist. Hanggang sa naging sikat na musikero, kailangan niyang magtrabaho bilang security guard sa MoMA, kung saan nakilala niya sina Sol LeWitt at Dan Flavin. Ang una ay nagtrabaho sa museo bilang isang night secretary, at ang pangalawa bilang isang security guard at elevator operator. Humanga sa mga gawa ng abstract expressionist na nakita niya sa MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock at Newman - Si Robert Ryman ay nagpinta sa sarili noong 1955.

Si Ryman ay madalas na itinuturing na isang minimalist, ngunit mas gusto niyang tawaging "realist" dahil hindi siya interesado sa paglikha ng mga ilusyon, ipinapakita lamang niya ang mga katangian ng mga materyales na kanyang ginagamit. Karamihan sa kanyang mga gawa ay pininturahan ng mga pintura ng lahat ng posibleng mga kulay puti(mula sa kulay-abo o madilaw-dilaw hanggang sa nakasisilaw na puti) batay sa laconic square na hugis. Sa panahon ng kanyang karera, sinubukan ni Robert Ryman ang maraming materyales at diskarte: nagpinta siya sa langis, acrylic, casein, enamel, pastel, gouache, atbp. sa canvas, steel, plexiglass, aluminum, papel, corrugated cardboard, vinyl, wallpaper, atbp. Ang kanyang Pinayuhan siya ng kaibigan, propesyonal na restorer na si Orrin Riley sa pagiging corrosive ng mga materyales na naisip niyang gamitin. Tulad ng sinabi ng artista, "Wala akong tanong Ano magsulat, ang pangunahing bagay ay Paano sumulat". Ang lahat ay tungkol sa texture, ang likas na katangian ng mga stroke, ang hangganan sa pagitan ng ibabaw ng pintura at mga gilid ng base, pati na rin ang relasyon sa pagitan ng trabaho at dingding. Mula noong 1975, ang isang espesyal na elemento ng kanyang trabaho ay ang mga mounting, na idinisenyo ni Ryman sa kanyang sarili at sadyang hindi nakikita, na binibigyang-diin na ang kanyang gawa ay "kasing totoo ng mga dingding kung saan sila nakasabit." Mas gusto ni Ryman na bigyan ng "mga pangalan" ang kanyang mga gawa kaysa "mga pamagat." Ang "pangalan" ang tumutulong na makilala ang isang gawa mula sa isa pa, at madalas na pinangalanan ni Ryman ang kanyang mga gawa pagkatapos ng mga tatak ng pintura, kumpanya, atbp., at ang "pamagat" ay nagsasabing ilang uri ng alusyon at malalim. mga nakatagong kahulugan, ang pagkakaroon nito sa kanyang mga gawa ay regular na tinatanggihan ng artist. Walang mahalaga maliban sa materyal at pamamaraan.

13. DAMIEN HURST Nakakaantok na tagsibol. 2002. $19.2 milyon

Sa English artist Damien Hirst (1965) ay nakatakdang maging unang kumuha ng unang lugar sa rating na ito sa isang hindi pagkakaunawaan sa buhay na klasikong Jasper Johns. Ang nabanggit na gawaing "False Start" ay maaaring nanatiling isang hindi malulubog na pinuno sa mahabang panahon kung Hunyo 21, 2007 pag-install ng noon ay 42 taong gulang na si Hirst "Natutulog Spring"(2002) ay hindi naibenta sa Sotheby's para sa £ 9.76 milyon, ibig sabihin, para sa $19.2 milyon. Ang trabaho, sa pamamagitan ng paraan, ay may medyo hindi pangkaraniwang format. Sa isang banda, mayroong isang display cabinet na may mga dummies ng mga tabletas (6,136 na tabletas), na mahalagang isang klasikong pag-install. Sa kabilang banda, ang showcase na ito ay ginawang patag (10 cm ang lalim), inilagay sa isang frame at isinabit sa dingding tulad ng isang plasma panel, sa gayon ay ganap na tinitiyak ang ginhawa ng pagmamay-ari na tipikal ng mga painting. Noong 2002, ang kapatid na babae ng installation na ito, si Sleepy Winter, ay naibenta sa halagang $7.4 milyon, higit sa kalahati ng presyo. "Ipinaliwanag" ng isang tao ang pagkakaiba sa presyo sa pamamagitan ng pagsasabi na ang mga tablet ay mas kupas sa taglamig. Ngunit malinaw na ang paliwanag na ito ay ganap na walang batayan, dahil ang mekanismo ng pagpepresyo para sa mga naturang bagay ay hindi na nauugnay sa kanilang pandekorasyon na kalikasan.

Noong 2007, kinilala ng marami si Hirst bilang may-akda ng pinakamahal na gawain sa mga buhay na artista. Ang tanong, gayunpaman, ay mula sa kategoryang "depende sa kung paano mo binibilang." Ang katotohanan ay ang Hirst ay ibinenta para sa mamahaling pounds, at si Jones sa ngayon ay mas murang dolyar, at kahit dalawampung taon na ang nakararaan. Ngunit kahit na magbilang tayo sa halaga ng mukha, nang hindi isinasaalang-alang ang 20-taong inflation, kung gayon ang trabaho ni Hirst ay mas mahal sa dolyar, at kay Jones sa pounds. Ang sitwasyon ay hangganan, at lahat ay malayang magpasya kung sino ang itinuturing na pinakamamahal. Ngunit hindi nagtagal si Hearst sa unang lugar. Sa parehong 2007, siya ay inilipat mula sa unang lugar ng Koons sa kanyang "Hanging Heart".

Sa bisperas lamang ng pandaigdigang pagbaba ng mga presyo para sa kontemporaryong sining, si Hirst ay nagsagawa ng isang hindi pa nagagawang gawain para sa isang batang artista - isang solong auction ng kanyang mga gawa, na naganap noong Setyembre 15, 2008 sa London. Ang balita ng pagkabangkarote ng Lehman Brothers na inihayag noong nakaraang araw ay hindi nakasira sa gana ng kontemporaryong mga mahilig sa sining: sa 223 na gawa na inaalok ng Sotheby's, lima lamang ang hindi nakahanap ng mga bagong may-ari (isa sa mga mamimili, sa pamamagitan ng paraan, ay Victor Pinchuk). Trabaho "Golden Taurus"- isang malaking pinalamanan na toro sa formaldehyde, na nakoronahan ng isang gintong disk - nagdala ng mas maraming £10.3 milyon ($18.6 milyon). Ito ang pinakamagandang resulta ni Hirst kung kalkulahin sa pounds (ang currency kung saan isinagawa ang transaksyon). Gayunpaman, kami ay nagraranggo sa mga tuntunin ng mga dolyar, kaya (nawa'y patawarin kami ng Golden Calf) isasaalang-alang pa rin namin ang "Sleepy Spring" bilang pinakamahusay na sale ni Hirst.

Mula noong 2008, si Hirst ay hindi nagkaroon ng mga benta sa antas ng "Sleepy Spring" at "The Golden Calf". Ang mga bagong rekord ng 2010s - para sa mga gawa nina Richter, Jones, Fanzhi, Wool at Koons - ay naglipat kay Damien sa ikaanim na puwesto sa aming ranking. Ngunit huwag tayong gumawa ng kategoryang paghatol tungkol sa pagtatapos ng panahon ng Hearst. Ayon sa mga analyst, si Hirst bilang isang "superstar" ay bumaba na sa kasaysayan, ibig sabihin ay mabibili siya sa napakahabang panahon; Gayunpaman, ang pinakamalaking halaga sa hinaharap ay hinuhulaan para sa mga gawa na nilikha sa panahon ng pinaka-makabagong panahon ng kanyang karera, iyon ay, noong 1990s.

14. MAURIZIO CATTELAN Siya. 2001. $17.19 milyon

Ang Italyano na si Maurizio Cattelan (1960) ay dumating sa sining pagkatapos magtrabaho bilang isang security guard, cook, gardener at furniture designer. Ang self-taught artist ay naging sikat sa buong mundo para sa kanyang mga ironic na eskultura at installation. Naghulog siya ng meteorite sa Papa, ginawang tropeo ng pangangaso ang asawa ng kliyente, gumawa ng mga butas sa sahig ng Old Masters Museum, nagpakita ng higanteng gitnang daliri sa Milan Stock Exchange, at nagdala ng buhay na asno sa Frieze fair. Sa malapit na hinaharap, nangangako si Cattelan na mag-install ng gintong banyo sa Guggenheim Museum. Sa huli, ang mga kalokohan ni Maurizio Cattelan ay nakatanggap ng malawak na pagkilala sa mundo ng sining: inanyayahan siya sa Venice Biennale (ang pag-install na "Iba pa" noong 2011 - isang kawan ng dalawang libong kalapati na mukhang menacingly mula sa lahat ng mga tubo at beam sa mga pulutong ng mga bisitang dumadaan sa ibaba), ayusin na nakatanggap siya ng retrospective sa Guggenheim Museum sa New York (Nobyembre 2011) at sa wakas ay binayaran siya ng maraming pera para sa kanyang mga eskultura.

Mula noong 2010, ang pinakamahal na gawa ni Maurizio Cattelan ay isang wax sculpture ng isang lalaki na nakatingin sa labas ng butas sa sahig, na katulad ng hitsura ng artist mismo (Untitled, 2001). Ang sculpture-installation na ito, na mayroon sa tatlong kopya kasama ang kopya ng may-akda, ay unang ipinakita sa Boijmans van Beuningen Museum sa Rotterdam. Pagkatapos ay tumingin ang malikot na karakter na ito mula sa isang butas sa sahig ng bulwagan na may mga pintura ng mga Dutch na pintor noong ika-18 - ika-19 na siglo. Sa gawaing ito, iniugnay ni Maurizio Cattellan ang kanyang sarili sa isang mapangahas na kriminal na sumalakay sa sagradong espasyo ng museo hall na may mga painting ng mga dakilang master. Kaya, nais niyang alisin ang sining ng halo ng kabanalan na ibinibigay dito ng mga pader ng museo. Ang gawa, na nangangailangan ng mga butas sa sahig na ipakita sa bawat oras, ay naibenta sa halagang $7.922 milyon sa Sotheby's.

Ang rekord ay tumagal hanggang Mayo 8, 2016, nang ang mas mapanuksong gawa ni Cattelan na "Him," na naglalarawan sa isang lumuluhod na Hitler, ay na-auction sa halagang $17.189 milyon. Kakaiba ang pangalan. Ang pagpili ng isang karakter ay mapanganib. Tulad ng lahat mula kay Cattelan. Ano ang ibig sabihin Niya? "Kanya" o "Kanyang makademonyo na kamahalan"? Malinaw na tiyak na hindi natin pinag-uusapan ang tungkol sa pagluwalhati sa imahe ng Fuhrer. Sa gawaing ito, lumilitaw si Hitler sa isang walang magawa, nakakaawa na anyo. At walang katotohanan - ang pagkakatawang-tao ni Satanas ay ginawang kasing tangkad ng isang bata, nakasuot ng costume ng schoolboy at nakaluhod na may mapagpakumbabang ekspresyon sa kanyang mukha. Para kay Cattelan, ang larawang ito ay isang paanyaya na mag-isip tungkol sa likas na katangian ng ganap na kasamaan at isang paraan upang maalis ang mga takot. Sa pamamagitan ng paraan, ang iskultura na "Kanya" ay kilala sa mga taga-Kanluran. Ang kanyang mga kapatid sa serye ay nai-exhibit nang higit sa 10 beses sa mga nangungunang museo sa buong mundo, kabilang ang Pompidou Center at ang Solomon Guggenheim Museum.

15. MARK GROTJAN Walang Pamagat (S III Inilabas sa France Face 43.14). 2011. $16.8 milyon

Noong Mayo 17, 2017, isa sa pinakamakapangyarihang mga painting ni Mark Grotjahn na inilagay para sa auction ay lumabas sa Christie's evening auction sa New York. Ang pagpipinta na "Walang Pamagat (S III Released to France Face 43.14)" ay ipinakita ng kolektor ng Paris na si Patrick Seguin na may pagtatantya na $13–16 milyon, at dahil ang pagbebenta ng lote ay ginagarantiyahan ng isang third party, walang partikular na nagulat. sa pamamagitan ng pagtatatag ng isang bagong personal na tala sa auction ng 49-taong-gulang na artist . Ang presyo ng martilyo na $14.75 milyon (at kabilang ang Buyer's Premium na $16.8 milyon) ay lumampas sa nakaraang tala ng auction ni Grotjahn ng higit sa $10 milyon, na naglagay sa kanya sa club ng mga buhay na artista na ang mga gawa ay nagbebenta ng walong-figure na halaga. Mayroon nang humigit-kumulang tatlumpu't pitong-figure na mga resulta (mga benta na higit sa $1 milyon, ngunit hindi hihigit sa $10 milyon) sa kaban ng auction ni Mark Grotjahn.

Si Mark Grotjahn (1968), kung saan nakita ng mga eksperto sa trabaho ang impluwensya ng modernismo, abstract minimalism, pop at op art, ay dumating sa kanyang signature style noong kalagitnaan ng 1990s, pagkatapos lumipat kasama ang kanyang kaibigan na si Brent Peterson sa Los Angeles at magbukas ng gallery doon "Kwarto 702" Tulad ng naaalala mismo ng artist, sa oras na iyon nagsimula siyang mag-isip tungkol sa kung ano ang nauna para sa kanya sa sining. Naghahanap siya ng motif kung saan siya mag-eksperimento. At napagtanto ko na siya ay palaging interesado sa linya at kulay. Ang mga eksperimento sa diwa ng Rayonism at minimalism na may linear na pananaw, maraming nawawalang punto at multi-kulay na abstract na tatsulok na mga hugis sa huli ay nagdala ng katanyagan sa mundo ng Grotjahn.

Mula sa abstract na makulay na mga landscape na may maraming linya ng horizon at nawawalang mga punto ng pananaw, sa kalaunan ay nakarating siya sa mga triangular na hugis na nakapagpapaalaala sa mga pakpak ng butterfly. Mga painting ni Grotjahn 2001–2007 Yan ang tinatawag nilang "Butterflies". Ngayon, ang paglipat ng nawawalang punto o paggamit ng ilang nawawalang punto nang sabay-sabay, na magkakahiwalay sa espasyo, ay itinuturing na isa sa pinakamakapangyarihang mga diskarte ng artist.

Ang susunod na malaking serye ng mga gawa ay tinawag na "Mga Mukha"; sa mga abstract na linya ng seryeng ito ay makikilala ang mga katangian ng mukha ng tao, na pinasimple sa estado ng isang maskara sa diwa ng Matisse, Jawlensky o Brancusi. Sa pagsasalita tungkol sa matinding pagpapasimple at pag-istilo ng mga form, tungkol sa komposisyon na solusyon ng mga kuwadro na gawa, kapag ang mga nakakalat na tabas ng mga mata at bibig ay tila nakatingin sa amin mula sa kagubatan, napansin ng mga mananaliksik ang koneksyon sa pagitan ng "Mga Mukha" ni Grotjan at ang sining ng ang mga primitive na tribo ng Africa at Oceania, habang ang artist mismo ay "gusto ang mga imaheng mata na nakatingin sa labas ng gubat. Naiimagine ko minsan ang mga mukha ng mga baboon o unggoy. Hindi ko masasabi na ako ay sinasadya o hindi sinasadya na naiimpluwensyahan ng primitive na sining ng Africa sa halip, naimpluwensyahan ako ng mga artista na naimpluwensyahan nito. Ang Picasso ang pinaka-halatang halimbawa."

Ang mga gawa sa seryeng "Mga Mukha" ay tinatawag na brutal at eleganteng, nakalulugod sa mata at nakalulugod sa isip. Sa paglipas ng panahon, ang texture ng mga gawang ito ay nagbabago din: upang lumikha ng epekto ng panloob na espasyo, ang artist ay gumagamit ng malawak na mga stroke ng makapal na pintura, kahit na splashing sa estilo ng Pollock, ngunit ang ibabaw ng pagpipinta ay leveled upang sa malapit na pagsusuri ito lumilitaw na ganap na patag. Ang pagpipinta na "Untitled (S III Released to France Face 43.14)", na nagtakda ng isang auction record, ay kabilang sa sikat na seryeng ito ni Mark Grotjahn.

16. TAKASHI MURAKAMI Ang malungkot kong cowboy. $15.16 milyon

Hapon Takashi Murakami (1962) pumasok sa rating namin na may sculpture "Aking Lonely Cowboy", ibinebenta sa Sotheby's noong Mayo 2008 sa halagang $ 15.16 milyon. Sa pagbebentang ito, si Takashi Murakami ay matagal nang itinuturing na pinakamatagumpay na buhay na artistang Asyano - hanggang sa siya ay nalampasan ng pagbebenta ng The Last Supper ni Zeng Fanzhi.

Si Takashi Murakami ay nagtatrabaho bilang pintor, iskultor, fashion designer at animator. Nais ni Murakami na kumuha ng isang bagay na tunay na Hapones bilang batayan para sa kanyang trabaho, nang walang Kanluranin o anumang iba pang paghiram. Sa panahon ng kanyang mga taon ng pag-aaral siya ay nabighani sa tradisyonal pagpipinta ng Hapon Nihonga, kalaunan ay pinalitan ng sikat na sining ng anime at manga. Ito ay kung paano ipinanganak ang psychedelic Mr DOB, mga pattern ng nakangiting mga bulaklak at maliwanag, makintab na fiberglass sculpture, na parang diretso mula sa mga pahina ng Japanese comics. Itinuturing ng ilan na ang sining ni Murakami ay fast food at ang sagisag ng kabastusan, ang iba ay tinatawag ang artist na Japanese na si Andy Warhol - at sa hanay ng huli, tulad ng nakikita natin, mayroong maraming napakayamang tao.

Hiniram ni Murakami ang pangalan para sa kanyang eskultura mula sa pelikulang Andy Warhol na "Lonely Cowboys" (1968), na hindi kailanman napanood ng mga Hapones, tulad ng inamin niya, ngunit talagang nagustuhan niya ang kumbinasyon ng mga salita. Parehong ikinatuwa ni Murakami ang mga tagahanga ng erotikong Japanese comics at pinagtawanan sila ng isang iskultura. Nadagdagan ang laki, at tatlong-dimensional din, ang bayani ng anime ay nagiging isang anting-anting ng kultura ng masa. Ang masining na pahayag na ito ay lubos na nasa diwa ng klasikong Western pop art (tandaan ang furniture set ng Allen Jones o Koons' "The Pink Panther"), ngunit may pambansang twist.

17. KAWS. Album ng KAWS. 2005. $14,784,505

Ang KAWS ay ang pseudonym ng American artist na si Brian Donnelly mula sa New Jersey. Siya ang pinakabatang kalahok sa aming ranking, ipinanganak noong 1974. Nagsimula si Donelly bilang isang animator sa Disney (nagpinta siya ng mga background para sa cartoon na "101 Dalmatians" at iba pa). Mula sa kanyang kabataan ay interesado siya sa graffiti. Ang kanyang signature na disenyo noong una ay isang bungo na may "X's" bilang kapalit ng mga eye socket. Ang mga gawa ng batang manunulat ay minahal ng mga show business figure at mga tao mula sa industriya ng fashion: nilikha niya ang cover para sa album ni Kanye West, at naglabas ng mga pakikipagtulungan sa Nike, Comme des Garçons at Uniqlo. Sa paglipas ng panahon, naging kilala ang KAWS sa mundo ng kontemporaryong sining. Ang kanyang signature figure, na nakapagpapaalaala kay Mickey Mouse, ay nag-ugat sa mga museo, pampublikong espasyo at pribadong koleksyon. Noong unang panahon, naglabas ang KAWS ng limitadong edisyon ng mga laruang vinyl kasama ang tatak na My Plastic Heart, at bigla silang naging paksa ng mataas na collectible na interes. Ang isa sa mga masigasig na kolektor ng mga "laruan" na ito ay ang nagtatag ng Black Star, ang rapper na si Timati: halos nakolekta na niya ang buong serye ng "Cavs Companions".

Nagtakda ng rekord ang gawa ng KAWS para sa gawa ng artist - $14.7 milyon - sa Sotheby's auction sa Hong Kong noong Abril 1, 2019. Dati, nasa koleksyon siya ng Japanese fashion designer na si Nigo. Meter canvas Ang KAWS Album - parangal sa pabalat ng sikat na album Ang Beatles"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" 1967. Imbes na mga tao lang, may mga Kimpsons dito - mga naka-istilong character mula sa animated na seryeng The Simpsons na may "X's" sa halip na mga mata.

18. JIN SHANI Tajik na nobya. 1983. $13.89 milyon

Sa mga medyo bata at kontemporaryong Chinese artist, na lahat ay kabilang sa tinatawag na "new wave" noong huling bahagi ng 1980s sa Chinese art, ang aming rating ay hindi inaasahang kasama ang isang kinatawan ng isang ganap na naiibang henerasyon at ibang paaralan. Si Jin Shangyi, ngayon ay higit sa 80, ay isa sa mga kilalang kinatawan ng unang henerasyon ng mga artista sa komunistang Tsina. Ang mga pananaw ng grupong ito ng mga artista ay nabuo sa isang malaking lawak sa ilalim ng impluwensya ng kanilang pinakamalapit na komunistang kaalyado - ang USSR.

Ang opisyal na sining ng Sobyet, sosyalistang realismo, at pagpipinta ng langis, na noon ay hindi pangkaraniwan para sa Tsina (kumpara sa tradisyonal na pagpipinta ng tinta ng Tsino), ay nasa tugatog ng katanyagan noong 1950s, at ang artistang Sobyet na si Konstantin ay dumating upang magturo sa Beijing Art University sa loob ng tatlong taon (mula 1954 hanggang 1957). Si Jin Shani, na noong panahong iyon ay ang pinakabata sa grupo, ay napunta sa kanyang klase. Palaging naaalala ng artista ang kanyang guro na may labis na init, na sinasabi na si Maksimov ang nagturo sa kanya na maunawaan nang tama at ilarawan ang isang modelo. Sinanay ni K. M. Maksimov ang isang buong kalawakan ng mga realistang Tsino, na ngayon ay mga klasiko.

Sa gawain ni Jin Shan ay madarama ng isa ang impluwensya ng parehong Sobyet " malupit na istilo", at ang European school of painting. Ang artista ay nagtalaga ng maraming oras sa pag-aaral ng pamana ng Renaissance at klasisismo, habang itinuturing niyang kinakailangan upang mapanatili ang espiritu ng Tsino sa kanyang mga gawa. Ang pagpipinta na "Tajik Bride", na ipininta noong 1983, ay itinuturing na isang kinikilalang obra maestra, isang bagong milestone sa gawain ni Jin Shan. Ito ay inilagay para sa auction ng China Guardian noong Nobyembre 2013 at naibenta nang maraming beses nang higit pa kaysa sa tantiya - sa halagang $13.89 milyon kasama ang komisyon.

19. BANKSY Decomposed Parliament. 2008. $12.14 milyon

Nagsimulang lumabas ang mga mural na may tag ng Banksy sa mga pader ng lungsod (una sa Britain at pagkatapos ay sa buong mundo) noong huling bahagi ng 1990s. Ang kanyang pilosopiko at kasabay na matalim na graffiti ay nakatuon sa mga problema ng pag-atake ng estado sa mga kalayaan ng mga mamamayan, mga krimen laban sa kapaligiran, iresponsableng pagkonsumo, ang kawalang-katauhan ng illegal migration system. Sa paglipas ng panahon, ang "mga paninisi" ng pader ni Banksy ay nakakuha ng hindi pa nagagawang katanyagan sa media. Sa katunayan, siya ay naging isa sa mga pangunahing exponent opinyon ng publiko, kinondena ang pagpapaimbabaw ng mga estado at korporasyon na nagbubunga ng lumalagong kawalang-katarungan sa sistemang kapitalista.

Ang kahalagahan ng Banksy, ang kahulugan ng "nerbiyos ng oras" at ang katumpakan ng kanyang mga metapora ay pinahahalagahan hindi lamang ng mga manonood, kundi pati na rin ng mga kolektor. Noong 2010s, daan-daang libo, o higit pa sa isang milyong dolyar ang ibinigay para sa kanyang mga gawa. Umabot sa punto kung saan nabasag at ninakaw ang graffiti ni Banksy kasama ng mga piraso ng dingding.

Sa isang panahon ng advanced na digital surveillance, pinamamahalaan pa rin ng Banksy na mapanatili ang hindi pagkakilala. Mayroong isang bersyon na ito ay hindi na isang tao, ngunit isang grupo ng ilang mga artista, na pinamumunuan ng isang mahuhusay na babae. Iyon ay magpapaliwanag ng marami. At ang panlabas na pagkakaiba-iba ng mga manunulat, na nahuli sa mga lente ng mga camera ng saksi, at ang impersonal na stencil na paraan ng aplikasyon (nagbibigay ng mataas na bilis at hindi nangangailangan ng direktang pakikilahok ng may-akda), at ang nakakaantig na pagmamahalan ng mga paksa ng mga kuwadro na gawa ( bola, snowflake, atbp.). Magkagayunman, alam ng mga tao mula sa proyekto ng Banksy, kasama ang kanyang mga katulong, kung paano tikom ang kanilang bibig.

Noong 2019, ang pinakamahal na trabaho ni Banksy ay hindi inaasahang naging apat na metrong canvas na Devolved Parliament ("degraded," "decay," o "devolved" parliament). Ang mga chimpanzee na nakikipagtalo sa House of Commons ay tila kinukutya ang madla sa taon ng nakakahiyang Brexit. Nakapagtataka na ang pagpipinta ay ipininta 10 taon bago ang makasaysayang pagbabagong ito, at samakatuwid ay itinuturing ito ng isang tao na makahulang. Sa isang auction ng Sotheby noong Oktubre 3, 2019, sa panahon ng matinding pag-bid, binili ng hindi kilalang mamimili ang langis na ito sa halagang $12,143,000 - anim na beses na mas mahal kaysa sa paunang pagtatantya.

20. JOHN CURREN “Matamis at simple.” 1999. $12.007 milyon

Amerikanong artista John Curran (1962) na kilala sa kanyang satirical figurative paintings sa mapanuksong sekswal at sosyal na mga tema. Pinamamahalaan ng mga gawa ni Curren na pagsamahin ang mga diskarte sa pagpipinta ng mga matandang masters (lalo na si Lucas Cranach the Elder and the Mannerists) at mga larawan sa fashion mula sa mga makintab na magazine. Sa pagkamit ng mas malaking grotesquerie, madalas na binabaluktot ni Curren ang mga proporsyon ng katawan ng tao, pinalaki o binabawasan ang mga indibidwal na bahagi nito, at inilalarawan ang mga bayani sa mga sirang, mannered na pose.

Nagsimula si Curren noong 1989 sa mga larawan ng mga batang babae na muling iginuhit mula sa isang album ng paaralan; nagpatuloy noong unang bahagi ng 1990s na may mga painting ng mga busty beauties, na inspirasyon ng mga larawan mula sa Cosmopolitan at Playboy; noong 1992, lumitaw ang mga larawan ng mayayamang matatandang babae; at noong 1994, pinakasalan ni Curren ang iskultor na si Rachel Feinstein, na naging pangunahing muse at modelo niya sa loob ng maraming taon. Sa huling bahagi ng 1990s, ang teknikal na kasanayan ni Curren, na sinamahan ng kitsch at kababalaghan ng kanyang mga pagpipinta, ay nagdala sa kanya ng katanyagan. Noong 2003, kinuha ni Larry Gagosian ang trabaho ng pag-promote ng artist, at kung ang isang dealer na tulad ni Gagosian ay kukuha ng artist, kung gayon ang tagumpay ay garantisadong. Noong 2004, isang retrospective ni John Curran ang ginanap sa Whitney Museum.

Sa mga panahong ito, nagsimulang magbenta ang kanyang mga gawa para sa anim na numerong halaga. Ang kasalukuyang rekord para sa isang pagpipinta ni John Curren ay nabibilang sa akdang "Sweet and Simple," na ibinebenta noong Nobyembre 15, 2016 sa Christie's sa halagang $12 milyon. para kay John Curran, na Ngayon higit sa 50, ito ay talagang isang pambihirang tagumpay sa aking karera. Ang kanyang nakaraang rekord noong 2008 ay $5.5 milyon (binayaran, sa pamamagitan ng paraan, para sa parehong trabaho, "Sweet and Simple").

21. BRYCE MARDEN Ang Dumalo. 1996–1999 $10.917 milyon

Ang isa pang buhay na American abstract artist sa aming ranking ay si Bryce Marden (1938). Ang mga gawa ni Marden sa istilong minimalism, at mula noong huling bahagi ng 1980s - gestural painting, namumukod-tangi sa kanilang kakaiba, bahagyang naka-mute na palette. Ang mga kumbinasyon ng kulay sa mga gawa ni Marden ay inspirasyon ng kanyang mga paglalakbay sa buong mundo - Greece, India, Thailand, Sri Lanka. Kabilang sa mga may-akda na nakaimpluwensya sa pag-unlad ni Marden ay si Jackson Pollock (noong unang bahagi ng 1960s, nagtrabaho si Marden bilang isang security guard sa Jewish Museum, kung saan nasaksihan niya ang "pagtulo" ni Pollock gamit ang kanyang sariling mga mata), Alberto Giacometti (kilala sa kanyang mga gawa sa Paris) at Robert Rauschenberg (ang ilang Marden ay nagtrabaho bilang kanyang katulong nang ilang panahon). Ang unang yugto ng trabaho ni Marden ay nakatuon sa mga klasikong minimalist na canvases na binubuo ng mga may kulay na mga parihabang bloke (pahalang o patayo). Hindi tulad ng maraming iba pang mga minimalist, na naghanap ng perpektong kalidad ng mga gawa na tila ang mga ito ay naka-print sa pamamagitan ng isang makina sa halip na iginuhit ng isang tao, si Marden ay napanatili ang mga bakas ng gawa ng artist at pinagsama ang iba't ibang mga materyales (wax at oil paints). Mula noong kalagitnaan ng 1980s, sa ilalim ng impluwensya ng oriental calligraphy, ang geometric abstraction ay pinalitan ng mga paikot-ikot, parang meander na mga linya, ang background kung saan ay ang parehong mga patlang ng kulay ng monochrome. Ang isa sa mga gawang "meander" na ito, "The Attended," ay ibinenta sa Sotheby's noong Nobyembre 2013 sa halagang $10.917 milyon, kasama ang komisyon.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 Disyembre 1959. $10.6 milyon

23. ZHANG XIAOGAN Walang hanggang pag-ibig. $10.2 milyon

Isa pang kinatawan ng modernong sining ng Tsino - simbolista at surrealist Zhang Xiaogang (1958). Sa Sotheby's auction sa Hong Kong Abril 3, 2011, kung saan naibenta ang Chinese avant-garde art mula sa koleksyon ng Belgian baron na si Guy Ullens, isang triptych ni Zhang Xiaogang "Walang hanggang pag-ibig" ay naibenta sa halagang $ 10.2 milyon. Sa oras na iyon, ito ay isang rekord hindi lamang para sa artist, ngunit para sa lahat ng kontemporaryong sining ng Tsino. Sinabi nila na ang gawa ni Xiaogang ay binili ng bilyunaryo na asawang si Wang Wei, na nagpaplanong magbukas ng sarili niyang museo.

Si Zhang Xiaogang, na interesado sa mistisismo at pilosopiyang Silangan, ay sumulat ng kuwento " Walang hanggang pag-ibig"sa tatlong bahagi - buhay, kamatayan at muling pagsilang. Ang triptych na ito ay kasama sa iconic 1989 China/Avant-Garde exhibition sa National Museum of Art. Noong 1989 din, ang mga demonstrasyon ng estudyante ay brutal na sinupil ng militar sa Tiananmen Square. Kasunod nito trahedya na pangyayari ang paghihigpit ng mga turnilyo ay nagsimula na - exhibition in Pambansang Museo nagkalat, maraming artista ang nandayuhan. Bilang tugon sa sosyalistang realismo na ipinataw mula sa itaas, bumangon ang direksyon ng mapang-uyam na realismo, isa sa mga pangunahing kinatawan nito ay si Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Walang magawa si Henry Moore. 1967. $9.9 milyon

Amerikano Bruce Nauman (1941), nagwagi ng pangunahing premyo sa 48th Venice Biennale (1999), ay tumagal ng mahabang panahon upang makamit ang kanyang record. Sinimulan ni Nauman ang kanyang karera noong dekada sisenta. Tinatawag siya ng mga connoisseurs, kasama sina Andy Warhol at Joseph Beuys, isa sa mga pinaka-maimpluwensyang pigura sa sining ng ikalawang kalahati ng ikadalawampu siglo. Gayunpaman, ang matinding intelektwalidad at ganap na kawalan ng dekorasyon ng ilan sa kanyang mga gawa ay malinaw na pumigil sa kanyang mabilis na pagkilala at tagumpay sa pangkalahatang publiko. Madalas na nag-eksperimento si Nauman sa wika, na nakatuklas ng mga hindi inaasahang kahulugan sa mga pamilyar na parirala. Ang mga salita ay naging pangunahing karakter ng marami sa kanyang mga gawa, kabilang ang mga neon pseudo-sign at panel. Tinawag mismo ni Nauman ang kanyang sarili na isang iskultor, bagaman sa nakalipas na apatnapung taon ay sinubukan niya ang kanyang sarili nang lubusan iba't ibang genre- sculpture, photography, video art, performances, graphics. Noong unang bahagi ng nineties, si Larry Gagosian ay bumigkas ng mga makahulang salita: "Hindi pa natin natatanto ang tunay na halaga ng gawain ni Nauman." Ganito nangyari: Mayo 17, 2001 sa Christie's, Nauman's 1967 work "Walang magawang Henry Moore (tanaw sa likuran)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ay nagtakda ng bagong record sa post-war art segment. Isang cast ng mga kamay ni Nauman na nakatali sa likod, na gawa sa plaster at wax, ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa $ 9.9 milyon sa koleksyon ng French tycoon na si Francois Pinault (ayon sa iba pang mga mapagkukunan, ang American Phyllis Wattis). Ang pagtatantya para sa trabaho ay $2–3 milyon lamang, kaya ang resulta ay naging isang tunay na sorpresa sa lahat.

Bago ang maalamat na pagbebentang ito, dalawa lamang sa mga gawa ni Nauman ang tumawid sa milyong dolyar na marka. At sa kanyang buong karera sa auction, sa ngayon ay anim na gawa lamang, bilang karagdagan sa "Henry Moore...", ang napunta para sa pitong-figure sums, ngunit ang kanilang mga resulta ay hindi pa rin maihahambing sa siyam na milyon.

Ang "Helpless Henry Moore" ay isa sa isang serye ng mga polemikong gawa ni Nauman tungkol sa pigura ni Henry Moore (1898–1986), isang British artist na noong dekada ikaanimnapung taon ay itinuturing na isa sa mga pinakadakilang iskultor noong ikadalawampu siglo. Ang mga batang may-akda, na natagpuan ang kanilang sarili sa anino ng kinikilalang master, pagkatapos ay inatake siya ng masigasig na pagpuna. Ang gawa ni Nauman ay isang tugon sa kritisismong ito at kasabay nito ay isang pagmumuni-muni sa paksa ng pagkamalikhain. Ang pamagat ng akda ay nagiging isang pun, dahil nag-uugnay ito ng dalawang kahulugan salitang Ingles nakatali - nakatali (literal) at napapahamak sa isang tiyak na kapalaran.

Pansin! Ang lahat ng mga materyales sa site at ang database ng mga resulta ng auction sa site, kabilang ang nakalarawan na impormasyon ng sanggunian tungkol sa mga gawa na ibinebenta sa auction, ay inilaan para sa eksklusibong paggamit alinsunod sa Art. 1274 ng Civil Code ng Russian Federation. Ang paggamit para sa mga layuning pangkomersyo o sa paglabag sa mga patakarang itinatag ng Civil Code ng Russian Federation ay hindi pinahihintulutan. ang site ay hindi mananagot para sa nilalaman ng mga materyales na ibinigay ng mga ikatlong partido. Sa kaso ng paglabag sa mga karapatan ng mga ikatlong partido, ang pangangasiwa ng site ay may karapatang alisin ang mga ito mula sa site at mula sa database batay sa isang kahilingan mula sa awtorisadong katawan.