Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo mayroong lumitaw isang bagong istilo– Baroque. Ito ang tatalakayin sa artikulong ito.

Baroque (Italian barocco - “kakaiba”, “kakaiba”, “prone to excess”, port. perola barroca - literal na "perlas na may kapintasan") ay isang istilo sa sining sa pangkalahatan at partikular na arkitektura.

Panahon ng Baroque

Karaniwang pinaniniwalaan (tulad ng lahat ng makasaysayang panahon) na ang panahon ng Baroque ay tumagal noong ika-16-18 na siglo. Kapansin-pansin, nagsimula ang lahat, na noong ika-16 na siglo ay nagsimulang kapansin-pansing humina sa internasyonal na arena, sa ekonomiya at pulitika.

Ang mga Pranses at Kastila ay aktibong itinuloy ang kanilang mga patakaran sa Europa, bagama't ang Italya ay nanatili pa ring sentro ng kultura ng lipunang Europeo. At ang lakas ng isang kultura, tulad ng alam natin, ay tinutukoy ng kakayahang umangkop sa mga bagong katotohanan.

Kaya't ang maharlikang Italyano, na walang pera upang magtayo ng mga mayayamang palasyo na nagpapakita ng kanilang kapangyarihan at kadakilaan, ay bumaling sa sining upang magamit ito upang lumikha ng hitsura ng kayamanan, lakas at kasaganaan.

Ganito nagsimula ang panahon ng Baroque, na naging mahalagang yugto sa pag-unlad ng sining ng daigdig.

Mahalagang bigyang-diin na ang buhay ng mga tao ay nagsimulang magbago sa panimula sa panahong ito. Ang panahon ng Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng maraming libreng oras. Mas gusto ng mga taong-bayan ang pagsakay sa kabayo ("carousels") at paglalaro ng mga baraha kaysa sa mga knightly tournament (tingnan), paglalakad sa parke sa mga pilgrimage, at mga teatro sa mga misteryo.

Ang mga lumang tradisyon na nakabatay sa mga pamahiin at pagkiling ay bumabagsak. Ang isang natatanging matematiko at pilosopo ay nakakuha ng pormula: "Sa tingin ko, samakatuwid ako ay umiiral." Ibig sabihin, ang lipunan ay muling itinatayo sa ibang paraan ng pag-iisip, kung saan ang makatwiran ay hindi kung ano ang sinabi ng ilang awtoridad, ngunit kung ano ang maaaring maipaliwanag nang tumpak sa matematika sa sinumang matalinong nilalang.

Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay na sa propesyonal na kapaligiran mayroong higit pang mga hindi pagkakaunawaan sa paligid ng salitang "Baroque" kaysa sa tungkol sa panahon tulad nito. Mula sa Espanyol, ang barroco ay isinalin bilang isang hindi regular na hugis na perlas, ngunit mula sa Italyano, ang baroco ay nangangahulugang isang maling lohikal na konklusyon.

Ang pangalawang opsyon na ito ay mukhang ang pinaka-maaaring bersyon ng pinagmulan ng kontrobersyal na salita, dahil ito ay sa panahon ng Baroque na ang ilang uri ng napakatalino na kahangalan, at kahit na kakaiba, ay naobserbahan sa sining, na tumatama sa imahinasyon sa kanyang karangyaan at kadakilaan.

Baroque style

Ang estilo ng Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng kaibahan, dinamismo at pag-igting, pati na rin ang isang malinaw na pagnanais para sa karangyaan at panlabas na kadakilaan.

Ito ay kagiliw-giliw na ang mga kinatawan ng kilusang ito ay lubos na organikong pinagsama ang iba't ibang mga estilo ng sining. Sa madaling salita, naglaro ang Repormasyon at doktrina pangunahing tungkulin sa paglalatag ng pundasyon ng istilong Baroque.

Kung para sa Renaissance ay pangkaraniwan ang pag-unawa sa tao bilang sukatan ng lahat ng bagay at ang pinaka-matalino sa mga nilalang, kung gayon iba ang pananaw niya sa kanyang sarili: "isang bagay sa pagitan ng lahat at wala."

Baroque na sining

Ang sining ng Baroque ay nakikilala, una sa lahat, sa pamamagitan ng pambihirang kagandahan ng mga anyo, pagka-orihinal ng mga plot at dynamism. Ang sining ay pinangungunahan ng kaakit-akit na floridity. Sa pagpipinta, ang pinakatanyag na kinatawan ng istilong ito ay sina Rubens at.

Kung titingnan mo ang ilan sa mga painting ni Caravaggio, hindi mo maiwasang mamangha sa dynamism ng kanyang mga nasasakupan. Ang paglalaro ng liwanag at anino ay hindi kapani-paniwalang banayad na binibigyang diin ang iba't ibang emosyon at karanasan ng mga tauhan. Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay ang impluwensya ng artist na ito sa sining ay napakahusay na lumitaw ang isang bagong istilo - Caravaggism.

Ang ilang mga tagasunod ay pinamamahalaang gumamit ng naturalismo mula sa kanilang guro sa paglalarawan ng mga tao at mga kaganapan sa canvas. Si Peter Rubens, nag-aaral sa Italya, ay naging tagasunod ni Caravaggio at Carraci, na pinagkadalubhasaan ang kanilang pamamaraan at pinagtibay ang kanilang istilo.

Ang pintor ng Flemish na si Van Dyck at ang Dutchman na si Rembrandt ay mga kilalang kinatawan din ng Baroque art. Ang istilong ito ay sumunod natatanging artista Diego Velazquez, at sa - Nicolas Poussin.

Sa pamamagitan ng paraan, si Poussin ang nagsimulang maglagay ng mga pundasyon ng isang bagong istilo sa sining - klasisismo.

Baroque sa arkitektura

Ang arkitektura, na ginawa sa istilong Baroque, ay nakikilala sa pamamagitan ng spatial na saklaw nito at kumplikado, mga curvilinear na anyo. Maraming mga eskultura sa mga facade at sa mga interior, iba't ibang mga colonnade at maraming bracing ang lumikha ng isang karangyaan at marilag na hitsura.

Architectural ensemble "Zwinger" sa Dresden

Ang mga dome ay may mga kumplikadong hugis at kadalasan ay may ilang mga tier. Ang isang halimbawa ay ang simboryo sa St. Peter's Basilica sa Roma, na ang arkitekto ay.

Karamihan makabuluhang mga gawa Ang arkitektura ng Baroque ay itinuturing na Palasyo ng Versailles at ang gusali ng French Academy. Kabilang sa pinakamalaking Baroque ensemble sa mundo ang Versailles, Peterhof, Zwinger, Aranjuez at Schönbrunn.

Sa pangkalahatan, dapat sabihin na ang arkitektura ng istilong ito ay kumalat sa marami mga bansang Europeo, kabilang sa, sa ilalim ng impluwensya ni Peter the Great.

Baroque na musika

Kung pinag-uusapan ang panahon ng Baroque, imposibleng balewalain ang musika, dahil sumailalim din ito sa mga makabuluhang pagbabago sa panahong ito. Pinagsama-sama ng mga kompositor ang malalaking anyo ng musika, habang sabay na sinusubukang ihambing ang choral at solong pagkanta, boses at instrumento.

Iba-iba mga instrumental na genre. Ang pinakakilalang kinatawan ng Baroque music ay sina Bach, Handel at.

Bilang buod, masasabi natin nang may kumpiyansa na ang panahong ito ay nagsilang ng mga henyo ng kahalagahan ng mundo na walang hanggan na sumulat ng kanilang mga pangalan sa kasaysayan. Ang pagkamalikhain ng marami sa kanila ay pinalamutian pa rin pinakamahusay na mga museo iba't-ibang bansa.

Kung gusto mo ng mga kawili-wiling katotohanan tungkol sa lahat ng bagay sa mundo, inirerekomenda namin ang pag-subscribe sa. Ito ay palaging kawili-wili sa amin!

Ang pinakatanyag at makabuluhang artista ng Italian Baroque ay si Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680). Niluwalhati niya ang absolutismo at Katolisismo. Siya ay isang tao ng napakalaking creative energy, na may iba't ibang talento na namangha sa kanya: arkitekto, iskultor, dekorador, pintor, draftsman. Isa siya sa mga iyon mga bihirang artista na namuhay ng mahaba at komportable. Sa katunayan, sa buong buhay niya, si Bernini ang diktador ng buhay-sining ng mga Romano.

Sa isang banda, ang kanyang trabaho ay salamin ng mga hinihingi ng simbahan (hindi nagkataon na ang simbahan ay palaging tumatangkilik sa kanyang talento); sa kabilang banda, pinalawak nito ang mga posibilidad ng spatial (plastic) na mga anyo ng sining. Sa isang banda, nilikha niya ang kaluwalhatian ng sining ng Katoliko, sa kabilang banda, "nasira" niya ang iskultura ng simbahan, lumikha ng isang nakakainis, malikot, malaswa na uri ng mga relihiyosong estatwa, na naging kanon sa isang buong siglo.

Isa sa mga sikat na eskultura Bernini - David. Ito ay ipinakita sa isang ganap na naiibang paraan kaysa sa Michelangelo. May kapayapaan, dito mayroong pagpapahayag, pakiramdam, mapusok na paggalaw. Ganoon din ang makikita sa mukha. Pinapangit ito ng isang pagngiwi ng galit at poot. Ang mga imahe sa Bibliya at ang kanilang interpretasyon ay talagang hindi mauubos. Kabaligtaran sa monumentalismo ng mga revivalists, nagsusumikap si Bernini para sa isang kongkretong paglalarawan ng kaganapan.

Ang aksyon at dynamics ay ang core ng mga komposisyon ni Bernini (“The Rape of Proserpina”, “Apollo and Daphne”). Ang kahanga-hangang artist na ito ay naging isa sa mga unang (pagkatapos ng mga sinaunang eskultor) na lumapit sa problema ng pagpapadala ng paggalaw sa pamamagitan ng isang spatial na anyo ng sining.

Lalo itong ipinahayag sa kanyang eskultura na "Apollo at Daphne" (ang kuwento ni Apollo at Daphne ay sinabi ni Ovid. Hinabol ni Apollo si Daphne, ang anak na babae ng lupain ng Gaia at ang diyos ng mga ilog Peneus (o Ladon), na nagbigay sa kanya salita upang manatiling malinis at manatiling walang asawa, tulad ni Artemis. Humingi siya ng tulong sa mga diyos, at ginawa siya ng mga diyos puno ng bay. Walang kabuluhang niyakap ito ni Apollo; hindi ito bumalik kay Daphne. At mula noon ang laurel ay naging paboritong sagradong halaman ni Apollo). Nakakagulat na tumpak na naihatid ni Bernini ang sandali ng metamorphosis ng katawan ng nymph sa mga ugat, dahon, at sanga ng isang puno. Ipinapahiwatig ng bato ang lambot ng balat ni Daphne, ang liwanag ng kanyang buhok, at ang ibabaw ng umuusbong na puno. Marahil sa kauna-unahang pagkakataon ang eskultura ay prangka at tunay.

Nagawa ni Bernini na lapitan ang genre ng sculptural portraiture.

Ang larawan ni Cardinal Scipione Borghese ay naghahatid ng lumulubog na balat, ang satin ng robe, at ang katangiang paggalaw; ang isang tao ay nakadarama ng isang tiwala sa sarili, matalino, senswal, at makapangyarihang tao.

Gumawa si Bernini ng isang bilang ng mga kahanga-hangang tinatawag na ceremonial portraits (minsan sinasabi nilang ceremonial - romantic).

Halimbawa, ang larawan ni Francesco d'Este ay naglalarawan ng isang tunay na pinuno, isang soberanya. Isa sa pinaka mga gawaing katangian Larawan ni Bernini ni Louis XIV sa genre na ito. Kahit na hindi alam kung kaninong larawan ang nasa harap namin, maaari naming hulaan na ito ay ang hari. Ipinakita ni Bernini, kasama ng kadakilaan, aristokratikong pagmamataas, walang laman na pagmamataas, at pagkamakasarili.

Isinulat ni E. Fuchs sa "The Illustrated History of Morals" ang tungkol sa panahon ng Baroque bilang "isang masining na pagmuni-muni ng prinsipeng absolutismo, isang artistikong pormula ng kadakilaan, pose, representasyon... Walang mas mataas kaysa sa monarko, alinman sa ideya o sa pagsasagawa... Sa katauhan ng ganap na soberanya sa lupa ang diyos mismo ay lumalakad. Kaya't ang karilagan, kaya't ang kumikinang na ginintuang karangyaan kung saan ang ganap na monarko ay nakadamit... ang prim, maingat na pinag-isipang seremonya hanggang sa pinakamaliit na detalye, na pumapalibot sa bawat serbisyong ibinigay sa kanya mula sa sandaling siya ay nagising hanggang sa sandaling siya ay bumagsak. sa pagtulog.”

Si Louis XIV ay hindi marunong bumasa o sumulat. Ngunit gayunpaman, ang mga tala ni E. Fuchs, nang malaman ng sikat na J.B. Colbert (Minister ng Pananalapi mula 1665) na ang kanyang anak ay kasama sa mga courtier ng Louis XIV, nakita niya ito bilang ang pinakamataas na kaligayahan. Ganito ang sinabi niya kay Louis: “Sir, tungkulin nating manatiling may pagpipitagan na tahimik at magpasalamat sa Diyos araw-araw sa pagpapahintulot sa atin na ipanganak sa ilalim ng setro ng isang soberano na hindi kumikilala ng anumang mga hangganan maliban sa kanyang sariling kalooban.” Ang sining ni Bernini, na ipinakita sa larawan ni Louis XIV, ay kapansin-pansing sumasalamin sa sikolohiya at wika ng panahon ng absolutismo.

Nakukuha ng mga sculptural works ni Bernini ang kalunos-lunos na damdamin, kagila-gilalas na ningning, mga epekto ng larawan, kumbinasyon ng mga materyales na may iba't ibang texture at kulay, at paggamit ng liwanag. Ang mga lapida ng papa ay talagang theatrical mise-en-scenes, ang lahat ng nasa kanila ay nilikha sa paraang pumukaw ng gulo ng mga damdamin (sa partikular, ang mga lapida ni Pope Alexander VII at Pope Urban VIII ay nakikilala sa pamamagitan nito).

Hindi pinansin ni Bernini ang kanyang mga paboritong paksa ng kulto noong ika-17 siglo. - mga martir, ecstasie, mga pangitain at apotheoses. Kaya, ang balangkas ng kanyang sikat na sculptural composition na "The Ecstasy of Saint Teresa" ay isa sa mga liham ng isang madre ng Espanyol noong ika-16 na siglo, kung saan sinabi niya kung paano niya nakita ang isang anghel na ipinadala sa kanya ng Diyos. Nagawa ni Bernini na ihatid ang panloob na kalagayan ng madre na ito, na hindi pa nagawa ng ibang artista.

Ang mga character sa komposisyon ay lumilitaw sa harap ng manonood nang hindi inaasahan. Ang dingding ng altar ay tila bumukas, ang mga haligi ay bahagi. Ang mga pigura ni Teresa at ng anghel, na gawa sa puting marmol, ay kahawig ng isang pangitain. Ngunit para kay Teresa, ang anghel ay katotohanan. Ang sandali ng pinakamataas na emosyonal na kaguluhan ay ganap na nakuha. Ang ulo ay itinapon pabalik, ang kamay ay nakabitin. Ang mga sirang tiklop ng damit ay nagpapatindi lamang sa hilig ng karanasan. Sa harap natin ay tunay na masakit at matamis na lubos na kaligayahan. (May isang napaka-tiyak na oryentasyon ng sining ng Kanluraning Katoliko patungo sa karanasan, at hindi sa mistikong pakiramdam. mabigat na patong erotisismo, na hindi pa nangyari, halimbawa, sa isang Russian icon.) Sa komposisyon, ang isang espesyal na papel ay ginampanan ng liwanag na sinasalamin mula sa mga sinag ng tanso, na pinahuhusay din ang karanasan. Ang sculptural composition ay matatagpuan sa Cornaro Chapel.

Ang gawa ni Bernini ay nakikilala rin sa katotohanan na naghahanap siya ng mga bagong pamamaraan upang mapahusay ang pagpapahayag at lumiliko sa synthesis ng sining (eskultura at arkitektura). Halimbawa, ang canopy at pulpito sa Cathedral of St. Petra. Kinukuha ni Bernini ang mga hindi pa nagagawang plastic effect mula sa mga tradisyonal na materyales.

Kabilang sa mga pinakamagagandang likha ni Bernini ay ang mga fountain na puno ng napakalaking dinamikong kapangyarihan. Ang unyon ng iskultura at tubig ay kawili-wili dito. Halimbawa, ang sikat na Triton fountain, ang fountain ng Four Rivers. Ang mga fountain ni Bernini ay naging mahalagang bahagi ng arkitektura ng Roma.

Si Bernini ay nanatili sa kasaysayan bilang isang sikat na arkitekto. Sa arkitektura ng Baroque, nawawala ang pagkakaisa ng mga anyo na likas sa arkitektura ng Renaissance. Sa halip na isang ekwilibriyo ng mga bahagi, nariyan ang kanilang pakikibaka, mga kaibahan, pabago-bagong pakikipag-ugnayan.

Ang kaluwagan ng pader ay nagiging mas kumplikado, ang mga form ay mas plastic, na parang mobile, sila ay "bumubuo" at nagpapatuloy sa isa't isa. Ang arkitektura ng Baroque ay tila gumuhit ng isang tao sa espasyo nito.

Kasama sa mga gawa ni Bernini ang simbahan ng Sant'Andrea al Quirinale (parang yumuko ang harapan, malukong ang bakod, kalahating bilog na mga hakbang, ang balangkas ng simbahan ay batay sa isang ellipse, ang loob ay napapalibutan ng mga kapilya - niches; niches, mga haligi, pilasters, eskultura ay makikita mula sa mga kumplikadong anggulo, na lumilikha ng impresyon sa kanila na walang katapusang pagkakaiba-iba; ang solusyon ng simboryo ay kawili-wili din: ang mga caisson ay matatagpuan na bumababa sa laki patungo sa gitna, na lumilikha ng ilusyon ng espesyal na liwanag ng simboryo at espesyal na pataas na direksyon nito.

Ang solusyon sa "Royal Staircase" sa Vatican ay napaka-interesante din. Sa pamamagitan ng paggamit ng iba't ibang diskarte sa pananaw, nililikha ni Bernini ang ilusyon ng napakalaking sukat at lawak nito.

Sa Palasyo ng Barberini, ang mga silid ay matatagpuan sa isang enfilade, kasama ang isang axis, at ang unti-unting pagbubukas na ito, isang uri ng "paggalaw" ng espasyo, ay nagtatakda ng isang mataas, marangal na ritmo para sa mga seremonya ng kasiyahan.

Ang parisukat sa harap ng St. Peter's Basilica ay isa sa mga magagandang likha ni Bernini.

Dalawang gallery na humahantong sa isang colonnade ang yumakap sa espasyo ng parisukat, "tulad ng mga bukas na armas," gaya ng sinabi ni Bernini. Ang gitna ng parisukat (kabuuang lalim nito ay 280 m) ay minarkahan ng isang obelisk, ang mga fountain sa mga gilid nito ay tumutukoy sa transverse axis nito. Ang lugar sa harap ng katedral ay lalo na malinaw na nagpapakita ng henyo sa arkitektura ni Bernini at ang kanyang kakayahang magmodelo ng espasyo. Patungo sa katedral, ang isang tao ay dapat maglakad sa ilalim ng colonnade o sa kahabaan nito, kaya nakikita niya ang gusali na may iba't ibang puntos view at sa pagkakaisa sa colonnade at fountain.

Nakamit ni Bernini ang impresyon ng pagkakaisa ng komposisyon ng katedral - isang gusali na itinayo ng iba't ibang mga masters sa loob ng dalawang siglo. Ang facade ng katedral ay lilitaw sa harap ng walker sa sandali ng agarang paglapit dito, ngunit ang engrandeng parisukat na sikolohikal na naghahanda ng isang tao para sa pang-unawa na ito (isa sa mga prinsipyo ng Baroque ay sorpresa, ang pagnanais na humanga sa imahinasyon, lahat ng ito ay naroroon sa Bernini). Ang parisukat sa harap ng katedral ay itinuturing na pinakamahusay na grupo ng arkitektura Italya XVII V. (I. Pruss).

Ang lahat ng ito ay pinagsama-samang pinahusay ang mood ng mga relihiyosong kalunos-lunos.

Ang gawaing arkitektura ni Bernini ay nagpapatunay sa emosyonal na prinsipyo.

Ang Simbahan ni St. Charles ng sikat na Francesco Borromini ay, mula sa harapan, isang tunay na buhay na organismo, mayroon itong hindi mapakali na ritmo ng mga anyong arkitektura. Lumilitaw ito bilang isang mabisang pandekorasyon na panoorin.

Ang pintor na si Caravaggio (1573-1610) ay ang personipikasyon ng walang pigil na ugali sa pagpipinta. Ang isang katangian ng kanyang trabaho ay uri. Kasama sa kanyang mga gawa katutubong larawan(“Pagkamartir ni Apostol Pedro”).

Si Peter Paul Rubens ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa kilusang Baroque. Ang Flemish artist na ito ay itinuturing ng maraming mga istoryador ng sining na kabilang sa kilusang Baroque sa sining.

Rubens - ang pinakamaliwanag na kinatawan Panahon ng Baroque. Ang pagnanais para sa isang solemne "grand style" (isang kinahinatnan ng pagtatatag ng mga monarkiya ng Europa) ay pinagsama sa Baroque na may isang saloobin sa mundo bilang isang kumplikado at nababagong kabuuan. Samakatuwid - lahat ng bagay na itinuturing na "trademark" ng Baroque: kaibahan, pag-igting, dynamism ng mga imahe, affectation, ang pagnanais para sa kadakilaan at karilagan, para sa pagsasama-sama ng katotohanan at ilusyon.

Si Peter Paul Rubens ay ipinanganak noong Hunyo 28, 1577 sa Siegen, sa Westphalia (ngayon ay bahagi ng Alemanya). Siya ang ikapitong anak sa pamilya ng abogadong si Jan Rubens. Sa loob ng mahabang panahon ang pamilya Rubens ay nanirahan sa Antwerp, ngunit noong 1568 lumipat sila sa Cologne. Ang katotohanan ay sa mga panahong ito, si Jan ay nagsimulang sumandal sa Protestantismo, na nagdulot ng matinding kawalang-kasiyahan sa bahagi ng lokal na komunidad ng Katoliko. Sa Cologne, natanggap niya ang posisyon ng kalihim ni Anna ng Saxony, ang asawa ni William I ng Orange. Noong 1591, nagsimulang mag-aral ng pagpipinta si Rubens. Sa loob ng ilang panahon ay nagtrabaho siya bilang isang baguhan kay Tobias Verhahat; mga apat na taon - kasama si Adam van Noort; isa pang dalawang taon kasama si Otto van Ven. Noong 1598 sa wakas ay tinanggap siya sa Guild of Artists of St. Luke. Ang mga unang guro ni Rubens ay napakakaraniwan na mga pintor, ngunit ang pag-aaral kay van Wen ay nakinabang kay Rubens. Noong Mayo 1600, nagtungo si Peter Paul sa lupang pangako ng mga artista. Nanirahan siya sa Italya sa loob ng walong taon, na nagpasiya sa kanyang kinabukasan. Hindi malamang na sinuman sa mga pintor sa Hilagang Europa na dumating sa Italya noong mga taong iyon ay nahuhulog ang kanilang sarili sa kulturang Italyano na kasing lalim ni Rubens. Noong Oktubre 1608, nakatanggap si Rubens ng abiso na ang kanyang ina ay may malubhang karamdaman. Nagmadali siyang pumunta sa Antwerp, ngunit hindi siya nagkaroon ng pagkakataon na makitang buhay ang kanyang ina. Noong Setyembre 23, 1609, nakatanggap si Rubens ng posisyon bilang pintor ng korte sa korte ni Archduke Albert at ng kanyang asawang si Isabella, na noon ay namuno sa Flanders sa ngalan ng korona ng Espanya, at pagkaraan ng sampung araw ay pinakasalan niya ang 17-taong-gulang na si Isabella Brant. SA sa susunod na taon Sa wakas ay nanirahan si Rubens sa Flanders, bumili malaking bahay sa Antwerp. Sa susunod na dekada, aktibong lumahok si Rubens sa gawaing ito, na lumikha ng isa-isa na kamangha-manghang mga altarpieces. Kabilang sa mga ito, ang mga triptych na "The Raising of the Cross" at "The Descent from the Cross", na isinulat para sa Antwerp Cathedral, ay namumukod-tangi. Ang tadhana ay nagbigay sa kanya ng unang malupit na dagok noong 1623, nang mamatay ang anak na babae ni Rubens (mayroon pa siyang dalawa pang anak na lalaki), at ang pangalawa noong 1626, nang mamatay ang kanyang asawa ("isang kaibigan at isang hindi mapapalitang katulong," gaya ng isinulat mismo ni Rubens sa isa sa kanyang mga sulat).Kasama ng kaligayahan ang artista sa kanyang personal na buhay. Noong 1630, pinakasalan ni Rubens ang 16-anyos na si Helena Fourment, ang pamangkin ng kanyang unang asawa. Ang kasal na ito, tulad ng una, ay naging matagumpay. Nagkaroon ng limang anak sina Rubens at Helena (isinilang ang kanilang huling anak na babae walong buwan pagkatapos ng pagkamatay ng artista). Noong 1635, nakuha ni Rubens ang kastilyo ng Steen, na matatagpuan humigit-kumulang 20 milya sa timog ng Antwerp. Habang naninirahan sa kastilyo, naging mahilig siya sa pagpinta ng mga lokal na tanawin.Noong Mayo 30, 1640, habang nasa Antwerp, hindi inaasahang namatay si Rubens dahil sa atake sa puso. Ang artista, na naging 62, ay ipinagluksa ng buong lungsod.

Baroque bilang isang istilo

Ang mga artistang Baroque ay sinasadyang gumawa upang ihiwalay ang kanilang mga sarili mula sa mga artista ng Renaissance at ang Mannerist na panahon pagkatapos nito. Sa kanilang palette gumamit sila ng matinding at maiinit na kulay at, sa partikular, ang mga pangunahing kulay: pula, asul at dilaw, kadalasang inilalagay ang tatlo sa malapit. Kasama sa pagpipinta ng Baroque ang isang malawak na hanay ng mga istilo, dahil ang pinakamahalaga at pangunahing pagpipinta sa panahon na nagsisimula sa paligid ng 1600 at nagpapatuloy hanggang ika-17 siglo, at hanggang sa unang bahagi ng ika-18 siglo, ay kinilala ngayon bilang pagpipinta ng Baroque. Ang pinakakaraniwang pagpapakita ng sining ng Baroque ay: mahusay na drama, mayaman, malalim na kulay at matinding liwanag at madilim na anino. Ang Baroque art ay inilaan upang pukawin ang damdamin at simbuyo ng damdamin sa halip na ang kalmadong katwiran na pinahahalagahan sa panahon ng Renaissance. Hindi tulad ng mga kalmadong mukha ng Renaissance painting, ang mga mukha sa Baroque painting ay malinaw na nagpahayag ng kanilang mga damdamin. Madalas gumamit ang mga artista ng kawalaan ng simetrya, kung saan naganap ang pagkilos palayo sa gitna ng imahe, at lumikha ng mga palakol na hindi patayo o pahalang, ngunit nakatagilid sa kaliwa o kanan, na lumilikha ng pakiramdam ng kawalang-tatag at paggalaw. Pinahusay nila ang impresyon na ito ng paggalaw kapag ang mga kasuotan ng mga karakter ay natangay ng hangin o lumipat sa kanilang sariling landas. Ang mga pangkalahatang impresyon ay sa kilusan. Ang isa pang mahalagang elemento ng pagpipinta ng Baroque ay alegorya. Ang bawat pagpipinta ay nagkuwento at may mensahe, kadalasang naka-encrypt sa mga simbolong alegoriko na inaasahang malaman at basahin ng isang edukadong manonood.

Teorya ng sining sa panahon ng Baroque

Ang isang binuo na teoryang masining ng panahon ng Baroque ay hindi nilikha alinman sa Italya, sa sariling bayan, o sa ibang mga bansa. Ang ilang mga katangian lamang ng Baroque ang inilarawan sa mga gawa ng kanyang mga kontemporaryo: Marco Boschini (Italyano) Ruso, Pietro da Cortona, Bernini, Roger de Pil (Pranses) Ruso. Sa mga kwento ni Boschini tungkol sa mga merito ng pagpipinta ng Venetian, ang mga prinsipyo ng Baroque ay hindi malinaw na nabalangkas, ngunit ang mismong likas na katangian ng mga paghahambing at ang anyo ng paglalarawan ay nagpapahiwatig ng mga kagustuhan ng may-akda, na ipinahayag niya hindi sa sinaunang iskultura at Raphael, ngunit kay Titian, Veronese, Velazquez at Rembrandt. Binigyang-diin ni Boschini ang nangingibabaw na papel ng pangkulay ng baroque, pati na rin ang pagkakaiba sa pagitan ng pictorial form at plastic form. Sa mga komento tungkol sa pagpapahayag ng pagpipinta na may mantsa at tungkol sa optical illusion Sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga stroke, nakabuo si Boschini ng isang uri ng pananaw sa mundo na malapit sa Baroque.

Inihambing ni Pietro da Cortona ang mga pintura ng panahon ng Baroque hindi sa trahedya, na tipikal para sa mga pagpipinta ng klasisismo, ngunit sa isang epikong tula at ang taglay nitong lawak ng salaysay, maraming iba't ibang paksa, makulay at malayang komposisyon. Sa mga hindi pagkakaunawaan sa akademiko kay Andrea Sacchi, ipinagtanggol ng mga tagasunod ni Pietro da Cortona ang mga pakinabang ng imaheng Baroque, na hindi nangangailangan ng manonood na maingat na pag-aralan ang bawat pigura at maingat na "basahin" ang balangkas upang ipakita ang lahat ng mga lilim ng kahulugan, ngunit ibinuka ito bago ang nagmamasid "isang maningning, maayos at masiglang pangkalahatang epekto na may kakayahang magdulot ng paghanga at pagkamangha" .

Sa Italya

Nabuo ang Italian Baroque painting iba't ibang genre, ngunit karamihan ito ay mga alegorya, isang mythological genre. Nagtagumpay sina Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo, Giovanni Battista Tiepolo, at ang magkapatid na Carracci (Agostino at Lodovico) sa direksyong ito. Naging tanyag ang paaralang Venetian, kung saan naging napakapopular ang genre ng vedata, o tanawin ng lungsod. Ang pinakatanyag na may-akda ng naturang mga gawa ay si D. A. Canaletto. Hindi gaanong sikat sina Francesco Guardi at Bernardo Bellotto. Sina Canaletto at Guardi ay nagpinta ng mga tanawin ng Venice, habang si Bellotto (isang estudyante ng Canaletto) ay nagtrabaho sa Germany. Siya ay nagmamay-ari ng maraming tanawin ng Dresden at iba pang mga lugar. Sina Salvator Rosa (Neapolitan school) at Alessandro Magnasco ay nagpinta ng mga kamangha-manghang tanawin. Ang huli ay kabilang sa mga pananaw sa arkitektura, at ang Pranses na pintor na si Hubert Robert, na nagtrabaho noong panahon na ang interes sa sinaunang panahon at mga guho ng Romano, ay napakalapit sa kanya. Ang kanilang mga gawa ay naglalarawan ng mga guho, mga arko, mga colonnade, mga sinaunang templo, ngunit sa isang medyo kamangha-manghang anyo, na may pagmamalabis. Ang mga heroic painting ay ipininta ni Domenichino, at mga magagandang talinghaga ni Domenico Fetti.

Sa France

Sa France, ang mga tampok na Baroque ay likas sa mga seremonyal na larawan ng Iacinte Rigaud. Ang kanyang pinakatanyag na gawa ay isang larawan ni Louis XIV. Ang gawa nina Simon Vouet at Charles Lebrun, mga artista ng korte na nagtrabaho sa genre ng ceremonial portraiture, ay nailalarawan bilang "baroque classicism". Ang tunay na pagbabagong-anyo ng Baroque sa pagiging klasiko ay sinusunod sa mga kuwadro na gawa ni Nicolas Poussin.

Sa Espanya

Ang estilo ng Baroque sa Espanya ay nakatanggap ng isang mas mahigpit, mahigpit na sagisag, na nakapaloob sa mga gawa ng mga masters tulad ng Velazquez, Ribera at Zurbaran. Sila ay sumunod sa mga prinsipyo ng realismo. Noong panahong iyon, nararanasan na ng Espanya ang "Golden Age" nito sa sining, habang nasa pagbaba ng ekonomiya at pulitika.

Ang sining ng Espanya ay nailalarawan sa pamamagitan ng dekorasyon, kapritsoso, pagiging sopistikado ng mga anyo, dualismo ng ideal at tunay, ang pisikal at ang asetiko, ang pagtatambak at ang pagiging maramot, ang dakila at ang katawa-tawa. Kabilang sa mga kinatawan:

1. Francisco Zurbaran (1598-1664) - “The Boyhood of Our Lady,” “The Christ Child.” Ang pangunahing bagay sa kanyang mga kuwadro na gawa ay ang pakiramdam ng kabanalan at kadalisayan; simpleng komposisyonal na solusyon, makinis na mga linya, siksik na scheme ng kulay, materyalidad, materyalidad, kayamanan ng kulay, kamahalan, pagpigil, katotohanan ng buhay, na sinamahan ng mistisismo ng pananampalataya, mataas na espirituwalidad, emosyonal na intensidad.
2. Jusepe Ribera (1591-1652). Ang mga pangunahing paksa ng kanyang mga pagpipinta ay ang pagkamartir ng mga santo, mga larawan ng mga taong nabuhay mahabang buhay. Pero hindi sentimental ang trabaho niya. Higit sa lahat, ayaw niyang magdulot ng awa ang kanyang mga modelo. Naglalaman ang mga ito ng tunay na pambansang pagmamataas ng Espanya. Halimbawa, “The Lame Leg,” “Saint Agnes,” “Apostle James the Elder.”

Tila ang pagpipinta ng Espanyol ay hindi kailanman aalis sa "mga pader" ng mga templo. Ngunit ito ay ginawa ni Diego Velazquez (1599-1660), isang mahusay na master ng psychological portraiture at character na pintor. Ang kanyang mga painting ay nakikilala sa pamamagitan ng multi-figure complexity ng kanilang mga komposisyon, multi-frame nature, matinding detalye, at mahusay na mastery ng kulay. Si Velazquez ay isang mahusay na polyphonist ng pagpipinta. "Almusal", "Portrait of Olivares", "Jester", "Pagsuko ni Breda" ("Spears"), "Spinners".

Ang pintor na nakakumpleto ng "gintong panahon" ng pagpipinta ng Espanyol ay

Ang termino ay nagmula sa isang salitang Italyano na ginamit noong Middle Ages upang ilarawan ang pag-abandona sa lohika ng eskematiko. Kasunod nito, ang salita ay nangahulugan ng anumang baluktot na ideya o espesyal na proseso ng pag-iisip. Ang isa pang posibleng pinagmulan ay ang salitang Portuges na "Barroco" (Espanyol na "Barrueco"), na ginamit upang ilarawan ang hindi perpektong hugis ng mga perlas. Ang kasaysayan ng mga gawa sa estilo ay bumalik tungkol sa 200 taon - ang pag-unlad ng panahon ay tumagal mula 1600s hanggang 1700s.

Sa kasaysayan ng sining, ang salitang baroque ay ginagamit upang ilarawan ang lahat ng bagay na kakaiba, walang simetriko, hindi pangkaraniwan, maliwanag, na sumisimbolo sa pagtanggi sa itinatag na mga tuntunin at sukat. Lumitaw ang ideyang ito salamat sa mga kritiko noong ika-17 siglo. dati huli XIX siglo, ang terminong ito ay palaging may mga konotasyon ng katawa-tawa, pagmamalabis, labis na dekorasyon, karangyaan. Noong 1888 lamang nagsimulang gamitin ang termino bilang isang pagtatalaga ng isang estilistang kilusan, at hindi bilang isang konsepto na pumupuna sa labis, labis sa pagpipinta.

Ang istilong Baroque ng pagpipinta ng mga painting na may emosyonal na pag-andar ay nagkaroon ng malalim na epekto sa lahat ng anyo ng sining, kabilang ang arkitektura at iskultura. Ito ay sa pagpipinta na ang direksyon ng sining ay pinaka ipinahayag.

Kasaysayan ng pag-unlad ng estilo

Bahagi ng mga pagsisikap sa reporma ng simbahan ang turuan ang mga miyembro nito sa pamamagitan ng pagtulong sa kanila na mas maunawaan ang tungkol sa pananampalataya. Hindi ito isang madaling gawain dahil karamihan sa mga tao ay hindi marunong bumasa at sumulat sa panahong ito.

Ang desisyon ay ginawa upang gawing mas maliwanag ang sining ordinaryong mga tao– kinakailangang gamitin ang paglikha ng pagpipinta upang ipaliwanag ang malalim na paniniwala ng pananampalataya sa lahat, at hindi lamang sa mga edukado. Upang makamit ang kanilang layunin, ang mga relihiyosong pagpipinta ay kailangang hindi malabo, emosyonal na nakakahimok, at makapangyarihan, upang magbigay ng inspirasyon sa manonood sa higit na debosyon.

Ang mga bagong denominasyon, tulad ng mga Calvinist, ay naniniwala na ang mga simbahan at mga serbisyo sa simbahan ay dapat na simple. Gayunpaman, ang opisyal na simbahan at mga pari ay nag-utos na ang sining at ang kagandahan nito ay maaaring maghatid ng higit pa sa kanilang mga salita.

Ang istilo ay itinatag ni Caravaggio, ang pinaka-maimpluwensyang artista ng unang bahagi ng panahon ng Baroque. Siya ang may pananagutan sa pagtuklas ng pangunahing tampok - ang maliwanag na pag-iilaw ng eksena mula sa kadiliman ng mga gawa ng Baroque. Sa hinaharap, ang tampok na ito ay magiging isang karaniwang tampok ng Baroque painting.

Naakit ni Caravaggio ang pagpuna sa kanyang trabaho. Ang kanyang mga relihiyosong pagpipinta ay nagdulot ng kontrobersya tungkol sa kanyang pagnanais na ilarawan ang mga tao nang walang ideyalisasyon. Sinikap ng pintor na ipahiwatig ang kanilang di-kasakdalan. Salamat sa Caravaggio, nagkaroon ng pahinga mula sa Renaissance tradisyon ng idealismo, lalo na sa relihiyon paksa.

Mga yugto ng pag-unlad

Katamtaman

Ang pangunahing kinatawan ay Caravaggio. Panahon ng pag-unlad: 1600 – 1625.

Mataas

Ito ay binuo mula 1625 hanggang 1675. Mayroong ilang mga lugar sa yugtong ito:

Mamaya

1675-1725. Ang estilo ay nilikha ng mga receiver mula sa maaga at mataas na yugto.

Pangunahing tampok

Ang Baroque art sa pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng dynamism (isang pakiramdam ng paggalaw), na kinumpleto ng mga labis na epekto (mga hubog na linya, mayamang dekorasyon, maliwanag na pag-iilaw).

Ang Full-scale Baroque o Full Baroque ay binuo sa katimugang bahagi Kanlurang Europa, habang ang hilagang Kanlurang Europa ay lumikha ng isang klasiko o hindi gaanong direksyon.
Ang Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng tuluy-tuloy na overlap, ang intersection ng mga figure at elemento.

Mga Tampok ng Estilo:

Ang mga pangunahing tema ng mga kuwadro na gawa: mga pagbabagong-anyo, pagkamartir at kamatayan, mga labanan, matinding sikolohikal na sandali, anumang anyo ng pagpapakita ng aksyon, ang kanilang mga kahihinatnan. Ang pagpipinta ng Baroque ay maaaring tawaging tugatog ng realismo sa sining ng Europa. Sa panahon ng Renaissance, napagtanto ng mga artista sa Europa ang kahalagahan ng anyo at anatomy sa representasyon ng mga pigura ng tao nang makatotohanan. Nagtagumpay ang mga Baroque creator sa makatotohanang paghahatid ng mga larawan ng mga tao - naging mas detalyado, maliwanag, at emosyonal ang kanilang mga larawan. Ang mga Baroque artist ay nahuhumaling sa liwanag, mga painting na tumpak na naglalarawan sa isang landscape o sa loob ng isang eksena.

Ang pagpipinta ng Baroque ay maaaring nahahati sa dynamic at makatotohanang baroque. Ang una ay maaaring isaalang-alang bilang isang pagpapatuloy ng Italian Renaissance, ang huli - bilang sining ng mga bansa na may ibang antas ng pag-unlad ng pagpipinta, kung saan ang pangunahing pokus ay sa pisikal na bahagi.

Ang mga painting na landscape ay kinakatawan ng mga gawa ni Jacob Isaacs van Ruisdael mula sa Netherlands, ang mga still life ay ipininta ni Jean Baptiste Simeon Chardin mula sa France, at portraiture ni Frans Hals. Ang kanilang mga gawa ay kilala sa kanilang espesyal na pagtatanghal at pang-unawa sa katotohanan.

Mga kilalang gawa

"The Crucifixion of St. Peter" by Caravaggio

Hindi tulad ng idealized, marangal, classical mga anyo ng tao, Renaissance artists, ginustong magpinta ng mga eksena at mga tao na may kanilang mga likas na kapintasan.

Peter Paul Rubens "Apat na Kontinente"

Ang artista ay nagdala ng enerhiya, senswalidad at drama sa Baroque, hindi lamang sa mga gawaing panrelihiyon. Sa kanilang paglalarawan ay makikita ang mga barok na katangian ng malakas na kulay, pisikalidad at magkakapatong na mga pigura.

"Pagbaba mula sa Krus" ni Rembrandt

Ang pintor ay nagsusumikap para sa isang natural na paghahatid ng paggalaw. Ang kanyang trabaho ay nagbibigay ng mga tampok ng mga gawa sa istilong Baroque: emosyonalidad ng eksena, tumaas na drama, aktibong paggamit ng liwanag at anino.

Ibig sabihin

Ang masigla at nakikilalang istilo ng maagang modernong panahon ay may malaking impluwensya sa sining ng Europa. Nagdala siya ng pagiging totoo, kayamanan, emosyonalidad, at dinamika sa pagpipinta - salamat sa mga katangiang ito na madali mong makilala ang mga pagpipinta ng mga Baroque artist. Pinakamalaking impluwensya nai-render sa istilong Rococo.

Ang Renaissance ay natapos na. Dumating ang ika-17 siglo, na naging bagong yugto sa kasaysayan ng sining ng Kanlurang Europa. Ang mga pambansang estado ng Europa ay pinalakas, at pinalitan ng kapitalismo ang naghihingalong sistemang pyudal. Lumalaki ang kawalang-kasiyahan ng masa sa kanilang sitwasyon. Ang lumalagong bourgeoisie ay nagsusumikap para sa kapangyarihang pampulitika. Sa mga bansang may maunlad na industriya at kalakalan (England at Holland) mga rebolusyong burges nagtapos sa tagumpay ng bagong sistemang panlipunan. Ang paglaban sa pyudalismo ay nakadirekta din laban sa Simbahang Katoliko, na namumuno sa mga reaksyunaryong pwersa.

Sa mahirap na panahon na ito, bagong kultura, na nagbigay sa mundo ng mahusay na mga siyentipiko - Galileo, Leibniz, Newton, mga pilosopo - Bacon, Spinoza, Descartes, mga manunulat - Shakespeare, Cervantes, Moliere.

Nabuo din ang pinong sining pinakamataas na tagumpay na pangunahing nauugnay sa mga bansa tulad ng Italy, Spain, Holland, Flanders at France.

Ang pangunahing direksyon ng istilo sa sining ng panahong ito ay ang Baroque, ipinanganak sa Italya sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Ang pangalang "baroque" ay literal na nangangahulugang "kakaiba", "kakaiba". Ang mga epithets na ito ay nakakagulat na tumutugma sa mga tampok ng bagong istilo, na nagpapanatili ng katanyagan nito sa sining ng Kanlurang Europa hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ang Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tampok tulad ng pag-iibigan at linaw ng damdamin, damdamin, pag-abot sa punto ng pagmamalabis, seremonyal na solemnidad at karangyaan.

Hinangad ng mga pinuno at ng Simbahang Katoliko na gamitin ito sa kanilang kalamangan, itinataguyod ang kanilang lakas at kapangyarihan sa pamamagitan ng sining at pagpapalakas ng pananampalataya ng mga tao. Kaya naman ang Baroque art ay pinaka-binuo sa mga bansang may relihiyong Katoliko.

Kasabay nito, ang istilong ito ay nagpahayag din ng mga progresibong ideya tungkol sa pagkakaiba-iba at pagkakaiba-iba ng mundo, at ang isang tao ay lumilitaw bilang isang kumplikadong personalidad na may sariling mundo ng malalim na damdamin at karanasan.

Pagpipinta sa Baroque art na inookupahan espesyal na lugar. Sa panahong ito, lumitaw ang mga bagong genre at tema. Ngayon ginagamit ng mga artista para sa kanilang mga gawa hindi lamang ang mga motif ng relihiyon at mitolohiya, kundi pati na rin ang mga tema na may kaugnayan sa mga katotohanan ng buhay sa kanilang paligid.

Hinahati ng ilang mananaliksik ang pagpipinta ng Baroque sa tatlong bahagi depende sa kung sino ang kostumer: simbahan, korte, burgis. Ang pagpipinta ng simbahan ay katangian ng Espanya, ang pagpipinta sa korte ay katangian ng Flanders, at ang burges na pagpipinta ay katangian ng Holland, na noong panahong iyon ay may pinakaprogresibong sistema ng lipunan.

Ang mga Baroque master ay pangunahing ginagamit sa kanilang mga gawa mainit na lilim at makinis na mga transition ng kulay, mahusay na gumamit ng mga light at shadow effect at contrast ng light at dark tone. Ang kanilang mga pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng matinding drama; ang mga pose ng mga bayani ay hindi matatag, ang mga kilos at galaw ay matalas at labis na nagpapahayag. Ang mga mata ng mga santo at martir ay nakataas sa langit, ang hindi kapani-paniwalang hubog na katawan ng mga karakter sa mga komposisyong mitolohiko ay dapat na magpaganda ng impresyon sa kung ano ang inilalarawan sa ang canvas at gawing makiramay ang manonood sa mga bayani.

Pagpipinta ng Italya

Sa Italya, ang lugar ng kapanganakan ng Baroque, noong ika-17 siglo. Ang pagpipinta ng fresco ay umunlad. Ang pamilya ng mga artista ng Carracci ay nasiyahan sa mahusay na katanyagan, na lumikha ng maraming mga kuwadro na gawa sa dingding batay sa mga sinaunang motif sa Roma at Bologna. Si Lodovico Carracci at ang kanyang mga pinsan na sina Annibale at Agostino Carracci ay nagtatag ng isang workshop-academy sa Bologna noong 1585, kung saan sinanay nila ang mga batang artista ayon sa kanilang sariling programa, na naglalayong lumikha ng monumental at ceremonial na sining. Sa mga mag-aaral ng akademya, sina Guido Reni at Domenichino, na nagtrabaho sa Roma noong maagang XVII V.

Michelangelo da Caravaggio

Isang makabuluhang lugar sa pagpipinta ng Italyano sa pagliko ng ika-16-17 siglo. sumasakop sa gawain ni Michelangelo da Caravaggio. Ipinanganak noong 1573 sa Lombardy. Edukasyon sa sining natanggap sa Milan. Nanirahan sa Roma noong unang bahagi ng 1590s. Nasiyahan ang pintor sa pagtangkilik ng Cardinal del Monte. Noong 1606, sa isang laro ng bola, nakipag-away si Caravaggio sa isa sa mga kalahok sa libangan at pinatay siya sa isang tunggalian. Pagtago mula sa gobyerno, napilitang tumakas ang artista sa Naples, at pagkatapos ay sa isla ng Malta. Matapos ang isang away sa isa sa mga kinatawan ng lokal na maharlika, kinailangan niyang umalis papuntang Sicily. Noong 1608-1609. Nagtago si Caravaggio mula sa mga assassin sa Sicily at Southern Italy. Sa Naples, nabigo ang artist na makatakas sa isang pag-atake kung saan siya ay nasugatan. Noong 1610, si Caravaggio ay pumunta sa dagat sa Roma, umaasa sa kapatawaran ng Papa, ngunit bago makarating sa kanyang huling hantungan, siya ay ninakawan ng mga carrier at namatay sa malaria.

Ang mapanghimagsik na espiritu ni Caravaggio ay nahayag din sa kanyang gawain. Nagsusumikap para sa katotohanan, ang artista ay naglalarawan ng mga karaniwang tao sa mga relihiyoso at mitolohiyang komposisyon. Ito ang mga bayani ng kanyang mga unang gawa ("Little Sick Bacchus", ca. 1591; "Bacchus", 1592-1593), kung saan ang matamis na guwapong bayani ng akademikong sining ay nagbibigay-daan sa mga larawan ng mga ordinaryong Italyano na may mga katangian ng mukha (almond). -hugis na mata, buong labi, maitim na malasutla na kulot). Ang katotohanan ng mga tauhan ay binibigyang-diin ng mga detalye ng buhay na walang buhay: mga bulaklak, prutas, mga instrumentong pangmusika. Ang interes sa still life ay kapansin-pansin sa marami sa mga gawa ni Caravaggio. Noong 1596, isinagawa ng artist ang isa sa mga unang komposisyon sa genre na ito sa kasaysayan ng pagpipinta ng Europa - "Fruit Basket".

Nagsusumikap para sa pagiging tunay, palaging inilalarawan ni Caravaggio sa kanyang mga gawa totoong buhay, gaano man ito kagaspangan at walang awa (“Sakripisyo ni Abraham”, 1594-1596; “Judith at Holofernes”, 1595-1596). Ayon sa mga kontemporaryo, ang pintor, na inanyayahan sa isang eksibisyon ng mga antigong estatwa, ay nanatiling walang malasakit sa kanilang malamig na kagandahan at, itinuro ang mga pulutong ng mga tao sa paligid, sinabi na sila, mga ordinaryong kontemporaryo, ang nagbigay inspirasyon sa kanya. Upang patunayan ang kanyang mga salita, pinahinto ng artista ang isang babaeng gipsi na dumaan at pininturahan siya na hinuhulaan ang kapalaran ng isang binata. Ito ay kung paano lumitaw ang sikat na "Fortune Teller" (1595).

Hinahanap ni Caravaggio ang kanyang mga bayani sa mga lansangan, sa maliliit na tavern, sa bohemian na kapaligiran. Nagsusulat siya ng mga manlalaro, musikero ("Mga Manlalaro", 1594-1595; "Lute Player", 1595).

Sa kanyang mature na mga taon, si Caravaggio ay bumaling sa monumental na sining. Inilalarawan niya ang mga kaganapan ng Sagradong Kasaysayan para sa mga simbahan ng San Luigi dei Francesi at Santa Maria del Popolo bilang makatotohanan at totoo bilang mga eksena sa genre. Hindi nasisiyahan ang mga customer dito: hindi tinanggap ng simbahan ang pagpipinta na "Apostle Matthew with an Angel", dahil ang hitsura ng santo ay tila bastos at bastos sa kanya. Ang pintor ay kailangang magpinta ng isa pang larawan.

Dalawang monumental na komposisyon ni Caravaggio ang naging tunay na obra maestra: "Entombment" (1602) at "Assumption of Mary" (1605-1606). Ang huling gawain, dahil sa makatotohanang paglalarawan ng pagkamatay ng Ina ng Diyos, ay tinanggihan ng kostumer - ang Simbahang Romano ng Santa Maria della Scala. Binibigyang-kahulugan ng pintor ang tema ng pag-akyat ni Maria bilang isang simpleng drama sa buhay: ang pagkamatay ng isang ordinaryong babae ay ipinagluluksa ng kanyang pamilya at mga kaibigan.

Ang pagpipinta na "Entombment" ay minarkahan ng malalim na trahedya, ngunit sa parehong oras na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng pagpigil at pagiging totoo, walang labis na pagpapahayag at kadakilaan dito, na katangian ng pagpipinta ng maraming mga artista ng panahon ng Baroque. Sa pamamagitan ng paglalarawan sa patay na si Kristo at sa mga taong nagyelo sa paligid niya nang malungkot, hinahangad ng artista na ihatid ang ideya ng kabayanihan na kamatayan at ginagawa ito nang nakakumbinsi at makatotohanan.

Ang mga paghihirap ng buhay at patuloy na pag-aaway sa simbahan ay humantong sa pagtindi ng kalunos-lunos na tunog sa mga gawa ni Caravaggio sa mga huling taon ng kanyang buhay ("The Flagellation of Christ", 1607; "Seven Acts of Mercy", 1607).

Ang Italyano master ay nagbabayad ng malaking pansin sa pag-render ng pag-iilaw: ang aksyon sa kanyang mga gawa ay karaniwang nagaganap sa kalahating kadiliman, isang bigkis ng liwanag na nagmumula sa kailaliman ay tumatawid sa espasyo ng canvas (tinatawag na basement lighting). Maraming mga artista noong ika-17 siglo. ginamit ang pamamaraang ito sa kanilang mga gawa, na nagdaragdag ng drama sa larawan.

Ang gawa ni Caravaggio ay nagkaroon ng malaking impluwensya hindi lamang sa Italyano, kundi pati na rin sa mga dayuhang artista na nagtatrabaho sa Roma. Ipinakalat ng mga tagasunod ng pintor ang kanyang istilo, na tinatawag na "Caravaggism," sa ibang mga bansa sa Europa.

Karamihan sa mga Italian Caravaggist ay hindi umabot sa taas ng katanyagan ng dakilang master. Kabilang sa mga ito ay maaari nating i-highlight ang mga nagtrabaho sa unang kalahati ng ika-17 siglo. Bartolomeo Manfredi, Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine, Giovanni Battista Caracciollo, binansagang Battistello. Sa simula ng kanilang malikhaing karera, sina Rubens, Rembrandt, Vermeer, Velazquez, at Ribera ay mahilig sa Caravaggism.

Napakasikat noong ika-17 siglo. sa Naples ay ginamit ni Salvator Rosa, na ang pangalan ay nauugnay sa hitsura ng mga romantikong tanawin sa pagpipinta.

Salvator Rosa

Noong 1615, ipinanganak ang isang batang lalaki sa bahay ng surveyor at arkitekto na si Vitantonio Rosa sa maliit na bayan ng Arenella malapit sa Naples. Pinangalanan nila siyang Salvator. Mula sa mga bintana ng sirang Casaccio estate ay may magandang tanawin ng Naples at ng Vesuvius volcano. Sa paligid ng nayon mayroong maraming mga lugar na nabighani sa kanilang kagandahan: ang mataas na bato ng San Elmo, ang kuta ng Borgo di Arenella, na itinayo noong panahon ng paghahari ni Charles V, ang mga burol ng Vomero at Posilipo, ang isla ng Capri, ang baybayin ng ang Golpo ng Naples na may transparent na asul na tubig. Ang lahat ng mga larawang ito ay ganap na makikita sa mga kuwadro na gawa ni Salvator Rosa. Mula sa isang maagang edad, sinubukan ng hinaharap na artista na makuha ang mga larawan ng kalikasan na nagpasigla sa kanya sa maliliit na piraso ng papel.

Napansin ng kanilang anak na lalaki ang pagnanais para sa kaalaman, agham at sining, nagpasya ang kanyang mga magulang na ipatala siya sa Jesuit College ng Somasca Congregation, na matatagpuan sa Naples. Doon nakatanggap si Salvator Rosa ng iba't ibang edukasyon: nag-aral siya klasikal na panitikan, nag-aral ng gramatika, retorika, lohika. Among other things, natanggap ko edukasyong pangmusika, natutong tumugtog ng alpa, plauta, gitara, at sinubukan pang gumawa ng maliliit na obrang pangmusika (kilala ang mga serenades-doncella na kanyang isinulat). Ang ilang mga harana ay napakapopular sa mga Neapolitano na kinakanta nila ito araw at gabi sa ilalim ng mga bintana ng kanilang mga manliligaw.

Pagkaraan ng ilang oras, umalis si Salvator Rosa sa kolehiyo at bumalik sa kanyang bayan ng Arenella, kung saan nakilala niya ang lokal na artista na si Francesco Fracanzano, dating estudyante Espanyol master ng pagpipinta Jusepe Ribera, na tangkilikin ang hindi karaniwang mahusay na katanyagan sa mga araw na iyon. Nang makita ang mga pagpipinta ni Francesco, gumawa si Salvator ng ilang kopya ng mga ito, kung saan nararapat siyang papurihan ni Fracanzano, na nakilala ang talento ng isang tunay na artista sa binata at pinayuhan siyang seryosohin ang pagpipinta.

Mula ngayon, marami nang na-drawing si Rosa. Sa paghahanap ng mga bagong larawan, naglalakbay siya sa Abruzzi Mountains. Sa oras na ito, lumilitaw ang mga landscape na may mga larawan ng mga lambak ng Monte Sarkio na may patay na bulkan, ang mga grotto ng Palignano, ang mga kuweba ng Otranto, pati na rin ang mga guho ng sinaunang lungsod ng Canusia at Brundisia, ang mga guho ng arko at ang amphitheater ng Benevento.

Doon, sa Abruzzi Mountains at Calabria, nakilala ng batang artista ang mga palaboy na magnanakaw, kasama ng mga ito ang mga pinatalsik mula sa lipunan ng "kagalang-galang" na mga tao para sa kanilang mapagmahal sa kalayaan, matapang na pag-iisip. Ang hitsura ng mga bandidong ito ay labis na ikinagulat ni Salvator na nagpasya siyang kunin ang mga ito sa kanyang album. Ang kanilang mga imahe ay ginamit noon sa mga susunod na komposisyon ng may-gulang na master (dito ay angkop na alalahanin ang ukit mula sa Capricci suite, na nagpapakita ng pagkuha ng isang binata ng mga magnanakaw na pinamumunuan ng pinuno), at makikita rin sa mga pagpipinta. naglalarawan ng mga eksena ng labanan.

Naging mabunga at makabuluhan ang paglalakbay para sa pagbuo ng pagkamalikhain sa landscape ng batang pintor. Sa kanyang paglalakbay, gumawa siya ng maraming sketch ng mga tanawin ng kalikasan ng Italyano. Pagkatapos ay inilipat sa mga painting, ang mga landscape na ito ay hindi pangkaraniwang makatotohanan, buhay, at natural. Parang saglit lang nakatulog ang kalikasan. Tila sa isang segundo ay mabubuhay ang lahat, ihip ng mahinang hangin, uugoy ang mga puno, huni ng mga ibon. Ang mga tanawin ng Rosa ay naglalaman ng napakalaking kapangyarihan at espesyal na pagpapahayag. Ang mga figure ng mga tao at mga gusali, bilang bahagi ng isang solong kabuuan, harmoniously pinagsama sa mga larawan ng kalikasan.

Ang unang eksibisyon ni Salvator Rosa ay naganap sa Naples. Isa sa mga nakapansin at nagpahalaga sa gawa ng batang artista ay ang sikat na master monumental na pagpipinta Giovanni Lanfranco, na bumili ng ilang mga landscape para sa kanyang sarili sa eksibisyon.

Sa kalagitnaan ng 30s. siglo XVII Lumipat si Salvator Rosa sa Roma - ang kabisera ng mundo sining biswal, kung saan naghahari ang baroque at classicism. Sa Roma nakilala ni Rosa ang gawain ng mga ganyan pangunahing mga masters mga painting tulad ng Michelangelo, Raphael, Titian, Claude Lorrain. Malaki ang impluwensya ng kanilang istilo ng pagsulat sa pagbuo malikhaing pamamaraan at masining at visual na mga diskarte ng Rose. Ito ay pinaka-kapansin-pansin sa mga painting na may mga seascape. Kaya, " daungan ng dagat"Nakasulat sa pinakamagandang tradisyon ni C. Lorrain. Gayunpaman, ang batang artista ay higit pa kaysa sa guro. Ang kanyang tanawin ay natural at konkreto: ang perpekto, sa halip na abstract, mga larawan ng Lorrain ay pinalitan dito ng mga pigura ng mga ordinaryong mangingisda mula sa Naples.

Pagkalipas ng ilang buwan, si Rosa, na may malubhang karamdaman, ay umalis sa malago at magandang kabisera ng Italya. Bumalik lamang siya noong 1639. Noong tag-araw ng taong ito, isang karnabal ang ginanap sa Roma, kung saan gumanap si Rosa bilang isang naglalakbay na artista sa ilalim ng pagkukunwari ni Coviello (isang plebeian na hindi tinanggap ang kanyang kapalaran). At kung sinubukan ng ibang Coviello ang kanilang makakaya na maging katulad ng mga tunay na magsasaka hangga't maaari, pagkatapos ay ganap na nilalaro ni Rosa ang kanyang maskara, bumubuo ng isang buong pagtatanghal at ipinakita sa kanya ang pagkanta at pagtugtog ng gitara, masayahin, hindi nasiraan ng loob sa anumang pagkakataon at kahirapan sa buhay. binata. Ang pagkilos ng karnabal ay naganap sa Piazza Navona. Si Salvator Rosa kasama ang isang maliit na grupo ng mga aktor ay sumakay sa isang kariton na pinalamutian ng mga bulaklak at berdeng sanga. Napakalaki ng tagumpay ni Rose.

Nang matapos ang karnabal, hinubad ng lahat ang kanilang mga maskara. Isipin ang sorpresa ng mga nakapaligid sa kanya nang matuklasan na sa pagkukunwari ng isang magsasaka ay walang iba kundi si Salvator Rosa.

Pagkatapos nito, nagpasya si Rosa na mag-artista. Hindi kalayuan sa Porta del Popolo, sa isa sa mga walang laman na villa, nagbubukas siya ng sariling teatro. Ang nilalaman ng mga dulang itinanghal sa ilalim ng direksyon ni Rosa ay hindi alam ng mga kritiko ng sining at mga mananalaysay. Gayunpaman, may mga katotohanan na nagsasalita para sa kanilang sarili: pagkatapos ng premiere ng dula, kung saan kinutya ng mga aktor ang teatro ng korte sa ilalim ng direksyon ng noon ay sikat na arkitekto at iskultor na si Lorenzo Bernini, may nag-hire ng mga assassin para kay Rosa. Naghihintay sila sa kanya malapit sa kanyang bahay.

Sa kabutihang palad, hindi naganap ang tangkang pagpatay - nakaligtas ang binata. Gayunpaman, dahil sa mga pangyayaring ito, napilitan siyang umalis muli sa Roma.

Matapos tumugon sa imbitasyon ni Cardinal Giovanni Carlo Medici, pumunta si Rosa sa Florence. Dito lumilikha ang artista
ang sikat na "Self-Portrait".

Ang canvas ay nakikilala sa pamamagitan ng natatanging pagpapatupad nito. Ang binata na ipinakita sa larawan ay tila anggulo. Gayunpaman, ang isang tao ay nakadarama ng masiglang enerhiya, pambihirang lakas at determinasyon sa kanya. Sa pagpipinta, ang isang binata ay nakasandal sa isang pisara na may inskripsiyon sa Latin: "Avt tace, Avt Loqver meliora silentio" ("Manahimik ka, o sabihin kung ano ang mas mabuti kaysa sa katahimikan"). Ang inskripsiyong ito ay parang ang buong pag-iisip ng buong gawa ng sining at kasabay ng kredo ng binata na inilalarawan sa canvas (at samakatuwid ay ang pintor mismo).

Mahusay na pinagkadalubhasaan ng artista ang paglalaro ng liwanag at anino. Ang pagpapahayag ng imahe ay nakamit nang tumpak sa pamamagitan ng epekto ng anino, nang matindi at kung minsan kahit na hindi inaasahang nagiging mga light spot.

Hindi sinasadya na ang pigura ng isang binata ay matatagpuan laban sa background ng kalangitan sa gabi: ang imahe ng isang mapagmataas, independiyenteng binata sa madilim na damit ay nakatayo laban sa isang magaan na background, at samakatuwid ay nagiging mas malapit at mas naiintindihan sa manonood. .

Ang mga sikat na satire ni Rose ay nilikha sa parehong ugat, kung saan ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng "Poetry", "Music", "Envy", "War", "Painting", na naging isang uri ng awit ng batang manunulat at artist . Dito sinasabi ng may-akda na ang mga pintor, bilang mga tagapaglingkod ng isa sa mga kapatid ng sining - artistikong at visual na pagkamalikhain, ay dapat na bihasa sa kasaysayan, etnograpiya, at eksaktong agham. Ang istilo ni Rose sa tula, gayundin sa pagpipinta, ay nahayag sa kabuuan nito. Ang kanyang mga tula ay masigla, mapusok, emosyonal at sa ilang mga lugar ay masyadong bastos at malupit. Ang mga ito ay isang uri ng pagsalungat sa cutesy at artificial theatrical na paraan ng pagbuo at pagpapatunog ng mga anyong patula na nabuo noong panahong iyon sa panitikan.

Si Salvator Rosa ay nanatili sa Florence hanggang 1654. Ang kanyang bahay, ayon sa mga alaala ng kanyang mga kontemporaryo, ay ang lugar kung saan ang pinaka mga sikat na tao: makata R. Giambatisti, pintor at manunulat F. Baldinucci, siyentipiko E. Torricelli, propesor sa Unibersidad ng Pisa G. B. Ricciardi.

Ang isa sa mga pangunahing ideya sa sining ng pang-araw-araw na buhay ng Baroque ay "ang turuan ang manonood o mambabasa nang hindi nakakagambala, magturo sa pamamagitan ng kagandahan." Kasunod ng hindi binibigkas na panuntunang ito, ang mga artista ay lumikha ng mga canvases, kapag tinitingnan kung saan ang manonood ay may napaka-tiyak na mga asosasyon, na nagbubunga ng mga larawan ng mga bayaning pampanitikan. At kabaligtaran, ayon sa mga manunulat ng panahon ng Baroque, ang isang patula na gawa ay dapat na, pagkatapos basahin ito, ang mga kaakit-akit, maliwanag at makulay na mga larawan ay lilitaw sa harap ng mga mata ng mambabasa.

Halos lahat ng masining at biswal na gawain ni Rosa ay batay sa mga imaheng pampanitikan na kanyang nilikha. Ito ay eksakto kung gaano karaming mga pintura ang ipininta. mga fairy tale at mga canvases na may mga eksena sa labanan na lumitaw pagkatapos ng paglikha ng mga satire na "The Witch" at "War".

Ang canvas na tinatawag na "Kasinungalingan" ay isang magandang paglalarawan para sa tula na "Tinatanggal ko ang aking pamumula at mga pintura sa aking mukha." Mapapansin dito ang pagkakatulad ng pangunahing tauhan ng larawan at mismong may-akda. Si Salvator Rosa ay nagpapakita ng mahusay na kasanayan sa pagpipinta ng pamamaraan sa paghahatid ng mga ekspresyon ng mukha at kilos. Ang balangkas ay batay sa isang episode kung saan ang dalawang aktor ay may pag-uusap sa likod ng mga eksena ng isang teatro pagkatapos ng isang pagtatanghal. Ang tono para sa buong trabaho ay itinakda ng hindi pangkaraniwang mga paglipat ng liwanag sa anino at ang paggamit ng mga pintura ng isang tiyak na kulay (ang background ay madilim na kayumanggi, ang madilaw na damit ng aktor ay sumisimbolo sa mga kasinungalingan at panlilinlang). Ang partikular na kahalagahan ay ang tingin ng isa sa mga aktor, hindi nakadirekta sa kausap, ngunit sa isang lugar sa gilid. Para bang pilit tinatago ng tao ang iniisip niya sa kaibigan.

Ang pangunahing ideya ng canvas ay maaaring tukuyin ng mga salita ni W. Shakespeare, na naging isang uri ng motto para sa Baroque art, nang sabihin niya na ang mga tao ay mga aktor sa entablado ng buhay. Ang pangunahing pamamaraan masining na imahe realidad at tao sa produksyon ng teatro ay isang panlilinlang. Dito nagmumula ang koneksyon sa pagitan ng konsepto ng pagsisinungaling at ng imahe ng isang dramatikong aktor na naglalagay ng maskara sa isang pagtatanghal sa pagpipinta ni Rosa.

Ang ideya ng posibilidad ng pagkakaroon ng isang superman na pinagkalooban ng maraming mga kakayahan ay malinaw na ipinakita sa mga larawan ni Salvator Rosa. Ganyan ang "Portrait of a Man" ("Portrait of a Bandit"), kung saan ang isang lalaki ay lumilitaw sa harap namin na may matalim, matalim, matalim na titig at isang mapait na ngiti sa kanyang mga labi. Ang imaheng ito ay hindi matatawag na tiyak na hindi malabo. May isang bagay na nakababahala sa mga mata ng padyak at nagbabala sa amin, ang madla, tungkol sa malakas, determinado at mapagmataas na katangian ng taong ito, na ang mga emosyon ay maaaring masira at lumabas anumang sandali. Ang larawan ng isang bandido ay lumalabas na mas kumplikado kaysa sa bukas at medyo romantikong hilig na binata mula sa canvas na "Self-Portrait". Ang kalabuan sa interpretasyon ng imahe ay lumitaw dahil sa espesyal na kumbinasyon at pag-aayos ng liwanag at anino sa canvas. Ang hindi pangkaraniwang maliwanag na pagpapahayag ng larawan ay nakakamit sa pamamagitan ng mahusay na paggamit pamamaraan ng pagpipinta at ang paggamit ng magkakaibang mga kulay (maitim na sumbrero at maliwanag na background, puting kamiseta at itim na fur coat).

Sinasabi ng mga kritiko ng sining na ang "Portrait of a Man" ay ang parehong self-portrait. Dito sinusubukan ng may-akda, bilang isang propesyonal na aktor, ang kanyang sarili sa papel ng isang tulisan, na handang bawat segundo upang labanan ang kanyang mga kaaway. Isinulat ng mga kontemporaryo na dito (tulad ng sa "Self-Portrait") ang karakter ng artist mismo ay higit na ipinahayag - isang rebelde na may mapagpasyang at malakas na karakter. Ang bayani ng larawan ay hindi na isang abstract na karakter, ngunit isang tunay na tao, na kung saan ang kaluluwa ng mabagyo na mga hilig ay kumukulo.

Ang gawain ni Salvator Rosa ay ang unang yugto ng pagbuo at pagbuo ng isang bagong pictorial form - ang landscape painting. Pinagsasama-sama ng mga gawang ginawa sa ganitong paraan ang mga elementong aktwal na umiiral sa pang-araw-araw na buhay at yaong kathang-isip lamang.

Partikular na kawili-wili at kapansin-pansin ang gawa ni Rosa na pinamagatang "Landscape with a Bridge," na kasalukuyang nakatago sa Pitti Gallery sa Florence. Ang canvas ay nagpapakita ng isang maliit na tanawin na may tulay at isang mataas na bato na agad na tumataas sa likod nito sa anyo ng isang arko. Dalawang manlalakbay ang naglalakbay sa kalsada. Naligaw yata sila sa lugar na hindi pamilyar sa kanila. Nagtatanong sila sa isang basag-basag lalaki para sa direksyon. Sa di kalayuan, dalawang pigura ang nakatago sa likod ng isang bato. Ang araw ay pumunta sa likod ng ulap. Madilim malapit sa tulay; mula sa likod ng bawat palumpong o bato, ang isang dumadaan ay maaaring salakayin ng mga magnanakaw, nagtatago mula sa hustisya at naghahanap ng katotohanan nang mag-isa.

Marahil ito ang interpretasyon ng balangkas ng larawan. Ang impresyon ng pagkabalisa at isang tiyak na kalabuan ay nilikha sa loob nito salamat sa mahusay na paggamit ng artist ng pamamaraan ng pagsasama-sama ng mga light spot at mga anino. Ang liwanag ng araw, na malinaw na nakikita sa malayo, sa background ng komposisyon, ay unti-unting napalitan ng anino at dilim sa canvas, na nagiging sanhi ng isang masakit na sensasyon at isang premonisyon ng panganib sa manonood.

Ang tulay na inilalarawan sa larawan, pati na rin ang rock arch na umaakyat, ang pagbabago ng liwanag at anino - lahat ay nagbibigay sa landscape ng pambihirang dynamism, paghinga ng buhay dito.

Ang mga kontemporaryo ng artista ay paulit-ulit na nagsalita tungkol sa pagkakaroon at pamamayani ng mga romantikong elemento sa akda ni Rosa. Ang mga ito ay naroroon din sa "Landscape na may Tulay": isang maliwanag na lambak na nalunod sa sinag ng araw at madilim, madilim na mga bato malapit sa tulay, puno ng sabik na pag-asa.

Kadalasan ang kalikasan ay lumilitaw na nangingibabaw sa kabuuang komposisyon. Bukod dito, ang elementong ito ay makabuluhan para sa pagpapasigla ng larawan at paglikha ng isang tiyak na mood at mga asosasyon para sa manonood. Sa pagpipinta na "Fright", ang espesyal na pagpapahayag ay nakamit sa pamamagitan ng pagsasama ng mga pigura ng tao at kalikasan sa isang solong kabuuan. Ang mga tao ay kumikilos dito bilang isang mahalagang bahagi ng buhay na mundo.

Ang isang espesyal na mood sa landscape ay nilikha sa pamamagitan ng kaibahan ng liwanag at anino, bilang isang resulta kung saan ang mga lugar ay lilitaw sa larawan, na parang inagaw mula sa kadiliman ng isang sinag ng liwanag. Ang pakiramdam ng pagkabalisa ay sanhi din ng isang tiyak na posisyon ng mga figure. Ang pagliko ng mga katawan, mga ekspresyon ng mukha at mga kilos ng mga taong ginamit ng artist, nagpapahayag, makapal na mga kulay ay pumukaw sa manonood ng isang pakiramdam ng pagkabalisa at nalalapit na panganib.

Ang pagpipinta na ito ay kasalukuyang nakatago sa Pitti Gallery sa Florence.

Si Salvator Rosa ang lumikha ng ganitong uri ng tanawin bilang pilosopiko. Ang isang kapansin-pansing halimbawa ay ang sikat na “Forest Landscape with Three Philosophers.” Ang kalikasan dito ay hindi lamang nagtatakda ng tono para sa kabuuang komposisyon, ngunit nagpapahayag din ng mga damdamin, emosyon, estado ng pag-iisip tatlong lalaki na nagtatalo, marahil, tungkol sa kahulugan ng buhay sa lupa at ang pang-araw-araw na walang kabuluhan ng tao. Ang pambihirang pagpapahayag ay ipinahayag sa pamamagitan ng mga malalaking puno na yumuyuko sa hangin, mabilis na gumagalaw na mga ulap na halos ganap na natatakpan ang maaliwalas na kalangitan, at pag-gestika sa mga tao na sinusubukang patunayan ang isang bagay sa isa't isa. Ang dinamika at espesyal na emosyonalidad ay ibinibigay sa larawan sa pamamagitan ng isang matalim na pagbabago sa liwanag at madilim na mga spot.

Ang matapang, minsan kahit medyo malupit, estilo ng pagpipinta ni Rose na nakakaganyak sa manonood (kontrast ng liwanag at anino, mga detalye ng landscape, matingkad na pagpapahayag ng kabuuang komposisyon) ay ipinagpatuloy sa sining ng mga romantikong artista.

Halos lahat ng still lifes na nilikha ni Rosa ay nakikilala ng parehong balisa at suwail na karakter. Sa Italya noong panahong iyon, sikat na sikat ang mga still life painting nina Paolo Porpora at Giuseppe Recco. Ang kanilang mga canvases ay umaakit sa mga manonood sa halos nasasalat na katotohanan ng mga itinatanghal na larawan. Tila ang mga bulaklak, isda, at prutas ay hindi iginuhit, ngunit inilipat lamang sa dingding, nakadikit dito, tila buhay na buhay.

Kasunod ng prinsipyo ng Baroque art (panitikan ng mga gawa ng pinong sining), lumikha si Salvator Rosa ng mga buhay pa rin na puno ng pilosopikal na nilalaman. Ang palagiang pinagtutuunan ng pansin niya ay ang mga sinaunang aklat sa sira-sira na mga pagkakatali, iba't ibang instrumentong pangmusika, mga koleksyon ng musika, mga instrumento para sa pagmamasid sa mga bituin at halos palaging - isang bungo, na sumisimbolo sa walang kabuluhang walang kabuluhan ng buhay sa lupa - Vanitas (mula sa Latin na "vanity of vanities").

Si Salvator Rosa ay itinuturing na isang dalubhasa sa paglalarawan ng mga eksena sa labanan. Natuto siyang magpinta ng mga laban sa pagawaan ng Agnello Falcone (1607-1656). Sa mga canvases ni Falcone, imposibleng makahanap ng mga pangunahing at pangalawang karakter. Ang lahat ng mga imahe ay bumubuo ng isang solong kabuuan at napapailalim sa isang gawain: paglikha ng isang tunay na larawan na naghahatid ng likas na katangian ng isang partikular na labanan nang walang anumang pagmamalabis.

Ang parehong paraan ay katangian ng Rose. Ang kanyang apela sa tema ng mga eksena ng labanan ay nauugnay sa pag-uugali ng mga bansa sa Kanlurang Europa sa Digmaan, na kalaunan ay tinawag na Tatlumpung Taon na Digmaan.

Ang teatro ng mga operasyong militar ni Salvator Rosa ay hindi kapani-paniwalang nagpapahayag at, bilang panuntunan, ay matatagpuan hanggang sa abot-tanaw laban sa backdrop ng nawasak, nagyelo sa katahimikan mga gusaling arkitektura(mga tore, palasyo, templo) at isang transparent na asul na kalangitan, sa ilang mga lugar na natatakpan ng mga puting ulap na halos hindi nakikita ng mata. Ang kaibahan ng maaliwalas na kalangitan at ang larangan kung saan ang mga dramatikong kaganapan ay naganap sa partisipasyon ng mga tao na nadaig ng pagkamuhi sa isa't isa na may mga mukha na binaluktot ng sakit o galit, higit pang nagbibigay-diin at nagpapatalas sa walang hanggang tema ng kawalang-kahulugan at trahedya ng digmaan para sa sangkatauhan.

At dito gumaganap ang artist bilang isang kahanga-hangang master, matatas sa sining ng pagsasama-sama ng liwanag at anino. Ang mga indibidwal na sinag ng liwanag ay inagaw mula sa dilim mga pigura ng tao at ginagawa ng mga mukha pangkalahatang komposisyon nagpapahayag, hindi kapani-paniwalang emosyonal at pabago-bago.

Ang isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na mga pintura ay ang "Labanan", na naglalarawan sa labanan sa pagitan ng mga detatsment ng mga rebelde at ng regular na hukbong Espanyol sa panahon ng pag-aalsa na pinamunuan ni T. Masaniello. Pinaniniwalaang lumahok si Salvator Rosa sa pag-aalsa na ito. Ang palagay ay lumitaw dahil sa ang katunayan na ang artist mismo ay inilalarawan sa canvas, sa kaliwang sulok. Ang hula, bilang karagdagan sa visual na paghahambing, ay nakumpirma din ng inskripsyon sa sandata ng mandirigmang ito: "Saro" (Salvator Rosa).

Gayunpaman, hindi pa rin tiyak na mapagtibay ng mga art historian ang partisipasyon ni Rosa sa pag-aalsa. Ayon sa mga biographer, wala si Salvator Rosa sa Naples sa oras na ito. Nasa Florence siya at mula roon ay sinundan niya ang mga kakila-kilabot na pangyayaring nagaganap sa malaking lungsod. Dapat ding tandaan na ganap na ibinahagi ng artista ang mga pananaw ng mga rebelde. At para kahit papaano ay maipahayag ko ang aking saloobin sa mga kaganapan at sa mga rebelde, nagpasya akong ilarawan ang aking sarili sa isang eksena ng labanan.

Noong 1649, umalis si Salvator Rosa sa Florence at pumunta sa Roma, kung saan siya nanirahan sa Monte Pincio, na matatagpuan sa Piazza della Trinita del Monte. Mula sa mga bintana ng bahay ay may magandang tanawin ng St. Peter's Cathedral at ng Quirinal Hill. Sa tabi ng pinto ni Rose ay nakatira ang mga sikat na artista noong mga panahong iyon, sina Nicolas Poussin at Claude Lorrain, at hindi kalayuan sa bahay ng pintor ay ang Villa Medici.

Mula nang lumitaw si Salvator Rosa sa Florence, ang mga residente ng Monte Pincio Street ay nahati sa dalawang kampo. Ang isang grupo ay pinamunuan ng isang mukhang asetiko na binata, si Nicolas Poussin. Ang isa pa, na kinabibilangan ng mga sikat na musikero, mang-aawit at makata, ay pinangunahan ni Rosa.

Ginawang pagawaan ni Salvator Rosa ang isa sa mga silid ng kanyang bahay. Ang mga dingding nito ay pinalamutian ng mga orihinal na gawa ng artist. Ang master ay patuloy na nagtrabaho, na lumilikha ng mga canvases ng iba't ibang nilalaman: relihiyon, mitolohiya at makasaysayang paksa. Ang kanyang kredo ay patuloy na trabaho, pagpapabuti ng teknolohiya. Sinabi niya sa lahat na ang "star fever" (tulad ng sasabihin ng ating mga kontemporaryo ngayon) ay maaaring sirain kahit na ang pinakamalakas at pinakamaliwanag na talento. Samakatuwid, kahit na matapos ang katanyagan at unibersal na pagkilala ay dumating sa master, kinakailangan na patuloy na magtrabaho sa sarili at sa mga gawa ng isa.

SA late period Ang malikhaing gawa ni Salvator Rosa ay madalas na bumabaling sa biblikal at sinaunang mga paksa. Para sa artist dito ito ay lumiliko na ang pinakamahalagang ihatid ang mismong diwa ng panahong iyon at ang mga tampok nito. Ang panginoon ay nagsisikap, kumbaga, na buhayin, na buhayin ang lahat ng bagay na umiral nang matagal bago ang mga buhay na nagsilbing mapagkukunan ng mga kamangha-manghang maganda at nakapagtuturo na mga kuwento.

Ito ang medyo kilalang mga kuwadro na "Justice Descending to the Shepherds" (1651), "Odysseus and Nausicaa", "Democritus and Protagoras" (1664), "The Prodigal Son".

Ang pagpipinta na "Justice Descending to the Shepherds" ay ipininta ayon sa sikat na kwento"Metamorphoses" ni Ovid. Sa canvas, nakikita ng manonood ang diyosang Hustisya, na nagbibigay sa mga pastol ng espada at kaliskis ng hustisya. Ang pangunahing ideya ng pagpipinta ay maaaring tukuyin tulad ng sumusunod: ang tunay na hustisya ay posible lamang sa mga ordinaryong tao.

Ang "Odysseus at Nausicaa", "Democritus at Protagoras" ay isinulat ni Salvator Rosa pagkatapos ng pagdating mula sa Venice, kung saan nakilala niya ang mga pagpipinta ng mga pintor ng Venetian (kabilang si Paolo Veronese, kung saan ang pinakamahusay na mga tradisyon ay nilikha ang mga gawa sa itaas).

Sa pelikulang "The Prodigal Son," ang balangkas, kung ihahambing sa parabula ng Ebanghelyo, ay lumalabas na medyo pinasimple at makamundo. Kaya, ang bayani ay ipinakita bilang isang simpleng Neapolitan na magsasaka. Wala ring kahanga-hangang kapaligiran dito: ang alibughang anak ay bumaling sa Diyos na napapaligiran ng mga tupa at baka. Ang malaking sukat ng canvas na naglalarawan ng bahagyang binagong eksena ay nagdudulot ng panunuya at panunuya tungkol sa kung ano ang itinuturing sa lipunan masarap. Lumilitaw dito si Rosa bilang kahalili ng mga ideya ng realismo, na ang pagbuo nito ay nagsisimula sa gawa ni Michelangelo da Caravaggio.

Noong 1656, nagsimulang magtrabaho si Salvator Rosa sa isang cycle na binubuo ng 72 ukit, na tinatawag na "Capricci". Ang mga larawang inilalarawan sa mga sheet na ito ay mga magsasaka, magnanakaw, tramp, sundalo. Ang ilang mga detalye ng mga ukit ay katangian ng maagang gawain ni Rosa. Iminumungkahi nito na, malamang, kasama sa cycle ang mga sketch na ginawa noong pagkabata, pati na rin sa isang paglalakbay sa Abruzzi Mountains at Calabria.

Ang mahusay na master ng pagpipinta, makata, kahanga-hangang aktor at direktor ng mga dramatikong pagtatanghal ay namatay noong 1673.

Isang kilalang kinatawan ng romantikong kilusan sa pagpipinta ng Italyano noong ika-17 siglo. naroon si Alessandro Magnasco, na nagtrabaho sa Milan at Florence. Nagpinta siya ng mga larawan at komposisyon sa mga paksang mitolohiya at relihiyon, ngunit ang kanyang mga paboritong genre ay mga tanawin at pang-araw-araw na eksena.

Ang artista ay naaakit sa mga larawan ng mga gumagala na musikero, sundalo, gypsies, at komedyante. Malaking interes ay nagtatanghal ng isang serye ng mga kuwadro na gawa sa tema ng monastic life ("Nuns' Meal", "Funeral of a Monk"). Ginawang madilim na komedya ng Magnasco ang karaniwan at hindi kapansin-pansing buhay ng monasteryo. Ang mga kakaibang pigura ng mga monghe at madre ay may labis na pinahabang sukat, deformed, at ang kanilang mga kilos at pose ay labis na nagpapahayag. Ang kawalan ng laman ng kulay abong monastikong katotohanan ay binibigyang-diin ng pangkulay, na pinananatili sa madilim na kayumanggi at maberde na lilim.

Sinasakop ng landscape ang isang malaking lugar sa mga painting ng master. Inilalarawan ng artista ang madilim na mga guho, madilim na mga mangkok sa kagubatan at mga bagyo sa dagat. Ang mga kakaibang pigura ng tao ay tila natutunaw sa mga natural na elemento, na nagbibigay sa mga landscape ng kamangha-manghang hitsura ("Landscape with washerwomen"; "Mountain landscape", 1720s; "Sermon of St. Anthony of Brescia"; "Seascape", 1730s). Sa kabila ng kabalintunaan na naroroon sa mga larawan ng mga tao, na tumitingin sa mga kuwadro na gawa, ang manonood ay nakakaramdam ng pagkahabag sa mga monghe, musikero, at padyak na naninirahan sa kakaibang mundo ng pagpipinta ni Magnasco.