Aktuellen Zustand

Seit 2006 hat die FIVB 220 nationale Volleyballverbände vereint und Volleyball zu einer der beliebtesten Sportarten der Welt gemacht. Im August 2008 wurde der Chinese Wei Jizhong zum neuen Präsidenten der FIVB gewählt.

Volleyball ist die am weitesten entwickelte Sportart in Ländern wie Russland, Brasilien, China, Italien, den USA, Japan und Polen. Aktueller Weltmeister bei den Männern ist die brasilianische Nationalmannschaft (2006), bei den Frauen die russische Nationalmannschaft (2006).

Entwicklung des Volleyballs in Russland

Wie die Veröffentlichung „All about Sports“ (1978) feststellt, wurde Volleyball im Ausland geboren, war aber zunächst ein Stiefsohn auf dem amerikanischen Kontinent. „Unser Land wurde seine wahre Heimat. In der Sowjetunion erlangte Volleyball seine bemerkenswerten Qualitäten. Er wurde athletisch, schnell, wendig, wie wir ihn heute kennen.“

Vor dem Krieg wurde Volleyball in der UdSSR scherzhaft als „das Spiel der Schauspieler“ bezeichnet. Schließlich entstanden in Moskau die ersten Volleyballplätze in den Innenhöfen der Theater Meyerhold, Kamerny, Revolution und Wachtangow. Am 28. Juli 1923 fand in der Myasnitskaya-Straße das erste offizielle Spiel statt, bei dem die Mannschaften der Higher Art Theatre Workshops (VKHUTEMAS) und Öffentliche Schule Kinematographie (GShK). Mit diesem Treffen beginnt die Chronologie unseres Volleyballs. Die Pioniere des neuen Sports waren Meister der Kunst, zukünftige Volkskünstler der UdSSR Nikolai Bogolyubov, Boris Shchukin, Anatoly Ktorov und Rina Zelenaya berühmte Künstler Georgy Nissky und Yakov Romas. Das Können der Schauspieler war damals dem Sport nicht unterlegen - der Verein „Rabis“ (Gewerkschaft der Kunstschaffenden) besiegte die Mannschaft des Sportvereins „Dynamo“ (Moskau).

Im Januar 1925 entwickelte und genehmigte der Moskauer Rat für Leibeserziehung die ersten offiziellen Regeln für Volleyballwettbewerbe. Nach diesen Regeln werden seit 1927 regelmäßig Moskauer Meisterschaften ausgetragen. Ein wichtiges Ereignis Die Entwicklung des Volleyballs in unserem Land wurde durch die Meisterschaft geprägt, die während der ersten All-Union-Spartakiade 1928 in Moskau ausgetragen wurde. Es nahmen Männer- und Frauenmannschaften aus Moskau, der Ukraine, dem Nordkaukasus, Transkaukasien, Fernost. Im selben Jahr wurde in Moskau eine ständige Jury eingerichtet.

Für die Entwicklung des Volleyballs sehr wichtig In vielen Städten der UdSSR fanden Massenwettbewerbe auf dem Gelände von Kultur- und Erholungsparks statt. Diese Spiele wurden auch zu einer guten Schule für ausländische Gäste – Anfang der 30er Jahre wurden in Deutschland Wettkampfregeln unter dem Namen „Volleyball – ein russisches Volksspiel“ veröffentlicht.

Im Frühjahr 1932 wurde im Allunionsrat für Körperkultur der UdSSR eine Volleyballabteilung eingerichtet. Im Jahr 1933 fand während einer Sitzung des Zentralen Exekutivkomitees auf der Bühne des Bolschoi-Theaters vor den Führern der Regierungspartei und der Regierung der UdSSR ein Freundschaftsspiel zwischen den Mannschaften von Moskau und Dnepropetrowsk statt. Und ein Jahr später fanden regelmäßig die Meisterschaften der Sowjetunion statt, die offiziell als „All-Union-Volleyball-Festival“ bezeichnet wurden. Nachdem sie zu den Anführern des heimischen Volleyballsports geworden waren, hatten Moskauer Athleten die Ehre, ihn auf der internationalen Bühne zu vertreten, als afghanische Athleten 1935 Gäste und Rivalen waren. Obwohl die Spiele nach asiatischen Regeln ausgetragen wurden, errangen die sowjetischen Volleyballer einen überzeugenden Sieg – 2:0 (22:1, 22:2).

Während des Großen Vaterländischer Krieg Volleyball wurde weiterhin kultiviert Militäreinheiten. Bereits 1943 begannen die Volleyballplätze im hinteren Teil des Gebäudes mit Leben zu füllen. Seit 1945 wurden die UdSSR-Meisterschaften wieder aufgenommen, Volleyball in unserem Land ist zu einem der beliebtesten geworden Massenarten Sport Die Zahl der Volleyballspieler wurde auf 5-6 Millionen geschätzt (und einigen Quellen zufolge sogar um ein Vielfaches mehr). Wie der legendäre Trainer Vyacheslav Platonov in seinem Buch „The Equation with Six Famous People“ feststellt, „sind diese Tage, diese Jahre ohne Volleyball unvorstellbar.“ Der Ball, der durch ein zwischen zwei Säulen (Bäume, Gestelle) gespanntes Netz flog, hatte eine magische Wirkung auf Teenager, auf Jungen und Mädchen, auf tapfere Krieger, die von den Schlachtfeldern zurückkehrten, auf diejenigen, die sich zueinander hingezogen fühlten. Und dann fühlten sich alle zueinander hingezogen.“ Volleyball wurde in Innenhöfen, Parks, Stadien, an Stränden gespielt... Gemeinsam mit Amateuren zögerten anerkannte Meister – Anatoly Chinilin, Anatoly Eingorn, Vladimir Ulyanov – nicht, ans Netz zu gehen. Dank dieser Massenbeteiligung entwickelten sich Schulkinder, die zum ersten Mal einen Ball in die Hand nahmen, schnell zu echten Stars des sowjetischen und internationalen Volleyballsports.

Die Wettbewerbe um die UdSSR-Meisterschaft fanden ausschließlich auf offenem Gelände statt, meist nach Fußballspielen in der Nähe von Stadien größten Wettbewerbe, wie bei der Weltmeisterschaft 1952 – in denselben Stadien mit überfüllten Tribünen.

Im Jahr 1947 betraten sowjetische Volleyballspieler die internationale Arena. Am ersten Weltfest In Prag fand ein Volleyballturnier für Jugendliche statt, an dem die Leningrader Mannschaft teilnahm, die, wie damals üblich, durch Moskauer verstärkt wurde. Angeführt wurde das Team von den legendären Trainern Alexey Baryshnikov und Anatoly Chinilin. Unsere Athleten gewannen 5 Spiele mit einem Ergebnis von 2:0 und nur das letzte mit 2:1 (13:15, 15:10, 15:7) gegen den Gastgeber, die tschechoslowakische Nationalmannschaft. Die erste „Frauen“-Reise fand 1948 statt – die Hauptstadtmannschaft „Lokomotiv“ reiste nach Polen, ergänzt durch Kollegen aus Moskau „Dynamo“ und „Spartak“ sowie die Leningrader Spartak-Mannschaften. Im selben Jahr 1948 wurde die All-Union-Volleyball-Sektion Mitglied Internationale Föderation Volleyball (und zwar nicht amerikanisch, aber unsere Spielregeln bildeten die Grundlage für internationale), und 1949 nahmen unsere Spieler erstmals offiziell teil internationale Wettbewerbe. Das Debüt erwies sich als „golden“ – die Frauenmannschaft der UdSSR gewann den Titel der Europameisterin und die Männermannschaft gewann die Weltmeisterschaft. 1959 wurde der Volleyballverband der UdSSR gegründet.

Auch unsere Herrenmannschaft wurde 1964 in Tokio erster Olympiasieger. Sie gewann sowohl die Olympischen Spiele in Mexiko-Stadt (1968) als auch in Moskau (1980). Und die Damenmannschaft gewann viermal den Titel der Olympiasiegerin (1968, 1972, 1980 und 1988).

Sowjetische Volleyballspieler sind sechsmalige Weltmeister, zwölfmalige Europameister und viermalige Weltmeister. Die Frauenmannschaft der UdSSR gewann fünfmal die Weltmeisterschaft, 13mal die Europameisterschaft und einmal die Weltmeisterschaft.

Der Allrussische Volleyballverband (VFV) wurde 1991 gegründet. Der Präsident der Föderation ist Nikolai Patruschew. Die russische Herrenmannschaft ist Gewinner der Weltmeisterschaft 1999 und der Weltliga 2002. Die Damenmannschaft gewann die Weltmeisterschaft 2006, die Europameisterschaft (1993, 1997, 1999, 2001), den Grand Prix (1997, 1999, 2002) und den Weltmeisterpokal 1997.

Unter der Schirmherrschaft der FIVB

Die Olympischen Spiele finden alle 4 Jahre statt. Die Weltmeisterschaft findet ebenfalls alle 4 Jahre statt. Der Weltmeisterpokal findet alle 4 Jahre statt. Die Weltliga findet einmal im Jahr statt. Der Hauptpreis wird einmal im Jahr vergeben. Unter der Schirmherrschaft von CEV findet alle zwei Jahre die Europameisterschaft statt.

Der vollständige Name lautet „Staatliches Akademisches Bolschoi-Theater Russlands“ (SABT).

Operngeschichte

Eines der ältesten russischen Musiktheater, das führende russische Opern- und Balletttheater. Das Bolschoi-Theater spielte eine herausragende Rolle bei der Etablierung der nationalen realistischen Traditionen der Oper und des Balletts sowie bei der Entstehung der russischen Musik- und Bühnenschule. Die Geschichte des Bolschoi-Theaters reicht bis ins Jahr 1776 zurück, als der Moskauer Provinzstaatsanwalt Fürst P. W. Urusow das Regierungsprivileg erhielt, „der Eigentümer aller Theateraufführungen in Moskau zu sein“. Seit 1776 fanden Aufführungen im Haus des Grafen R.I. Vorontsov auf Znamenka statt. Urusov baute zusammen mit dem Unternehmer M.E. Medox ein besonderes Theatergebäude (an der Ecke Petrovka-Straße) – das „Petrovsky-Theater“ oder „Opernhaus“, in dem zwischen 1780 und 1805 Opern-, Schauspiel- und Ballettaufführungen stattfanden. Es war das erste permanente Theater in Moskau (es brannte 1805 ab). Im Jahr 1812 zerstörte ein Brand ein weiteres Theatergebäude am Arbat (Architekt K. I. Rossi) und die Truppe trat in provisorischen Räumlichkeiten auf. Am 6. (18.) Januar 1825 wurde das Bolschoi-Theater (Entwurf von A. A. Mikhailov, Architekt O. I. Bove), das an der Stelle des ehemaligen Petrowski-Theaters errichtet wurde, mit dem Prolog „Der Triumph der Musen“ mit Musik von A. N. Verstovsky und A. A. eröffnet. Aljabyew. Der Raum – der zweitgrößte in Europa nach dem Mailänder Scala-Theater – wurde nach dem Brand von 1853 erheblich umgebaut (Architekt A.K. Kavos), akustische und optische Mängel wurden behoben, Auditorium unterteilt in 5 Ebenen. Die Eröffnung fand am 20. August 1856 statt.

Im Theater wurden die ersten russischen Volksmusikkomödien aufgeführt: „Der Müller – der Zauberer, der Betrüger und der Heiratsvermittler“ von Sokolowski (1779), „Das St. Petersburg“. Gostiny Dvor„Paschkewitsch (1783) und andere. Das erste Pantomimeballett, „The Magic Shop“, wurde 1780 am Eröffnungstag des Petrowski-Theaters aufgeführt. Bei den Ballettaufführungen überwogen konventionelle phantastisch-mythologische Spektakelaufführungen, es wurden aber auch Aufführungen mit russischer Einbindung aufgeführt Volkstänze, die beim Publikum großen Erfolg hatten („Village Holiday“, „Dorfbild“, „The Taking of Ochakov“ usw.). Das Repertoire umfasste auch die meisten bedeutende Opern ausländische Komponisten des 18. Jahrhunderts (G. Pergolesi, D. Cimarosa, A. Salieri, A. Grétry, N. Daleirac usw.).

Ende des 18. – Anfang des 19. Jahrhunderts Opernsänger gespielt dramatische Darbietungen und dramatische Schauspieler, die in Opern auftraten. Die Truppe des Petrowski-Theaters wurde oft durch talentierte Leibeigenenschauspieler und -schauspielerinnen ergänzt, manchmal auch durch ganze Gruppen von Leibeigenentheatern, die die Theaterleitung von Grundbesitzern kaufte.

Zur Theatertruppe gehörten Leibeigene Schauspieler aus Urusov, Schauspieler der Theatertruppen von N. S. Titov und der Moskauer Universität. Zu den ersten Schauspielern gehörten V. P. Pomerantsev, P. V. Zlov, G. V. Bazilevich, A. G. Ozhogin, M. S. Sinyavskaya, I. M. Sokolovskaya, später E. S. Sandunova und andere Balletttänzer- Schüler des Waisenhauses (wo 1773 eine Ballettschule unter der Leitung des Choreografen I. Walberch gegründet wurde) und Leibeigene Tänzer der Truppen von Urusov und E. A. Golovkina (darunter: A. Sobakina, D. Tukmanova, G. Raikov, S . Lopukhin und andere).

Im Jahr 1806 erhielten viele der Leibeigenen des Theaters ihre Freiheit; die Truppe wurde der Direktion der Moskauer Kaiserlichen Theater zur Verfügung gestellt und in ein Hoftheater umgewandelt, das direkt dem Hofministerium unterstand. Dies bestimmte die Schwierigkeiten bei der Entwicklung der fortgeschrittenen russischen Musikkunst. Das heimische Repertoire wurde zunächst von Varietés dominiert, die sich großer Beliebtheit erfreuten: „Der Dorfphilosoph“ von Alyabyev (1823), „Lehrer und Schüler“ (1824), „Humpster“ und „Fun of the Kalif“ (1825) von Alyabyev und Werstowski usw. Ab Ende des 20. Jahrhunderts In den 1980er Jahren wurden im Bolschoi-Theater Opern von A. N. Werstowski (seit 1825 Musikinspektor der Moskauer Theater) aufgeführt, die von nationalromantischen Tendenzen geprägt waren: „Pan Tvardovsky“ (1828), „ „Vadim oder die zwölf schlafenden Jungfrauen“ (1832), „Askolds Grab“ (1835), das lange Zeit im Repertoire des Theaters blieb, „Sehnsucht nach dem Vaterland“ (1839), „Churova Dolina“ (1841), „Donnerbrecher“ (1858). Verstovsky und der Komponist A. E. Varlamov, der 1832–44 im Theater arbeitete, trugen zur Ausbildung russischer Sänger bei (N. V. Repina, A. O. Bantyshev, P. A. Bulakhov, N. V. Lawrow usw.). Das Theater inszenierte auch Opern deutscher, französischer und italienischer Komponisten, darunter Mozarts „Don Giovanni“ und „Die Hochzeit des Figaro“, Beethovens „Fidelio“, Webers „Der Zauberer“, „Fra Diavolo“, „Fenella“ und „Das bronzene Pferd“ von Ober sowie „Robert der Teufel“ von Meyerbeer , " Barbier von Sevilla„Rossini“, „Anna Boleyn“ von Donizetti usw. Im Jahr 1842 wurde die Moskauer Theaterverwaltung der St. Petersburger Direktion unterstellt. Glinkas Oper „Ein Leben für den Zaren“ („Ivan Susanin“) aus dem Jahr 1842 wurde zu einer großartigen Aufführung, die an feierlichen Hoffeiertagen aufgeführt wurde. Dank der Bemühungen der Künstler der St. Petersburger Russischen Operntruppe (1845–50 nach Moskau verlegt) wurde diese Oper auf der Bühne des Bolschoi-Theaters in unvergleichlicher Weise aufgeführt beste Produktion. In derselben Aufführung wurden 1846 Glinkas Oper „Ruslan und Ljudmila“ und 1847 Dargomyschskis „Esmeralda“ aufgeführt. Im Jahr 1859 inszenierte das Bolschoi-Theater „Die Meerjungfrau“. Der Auftritt von Opern von Glinka und Dargomyzhsky auf der Bühne des Theaters war geprägt neue Bühne seine Entwicklung und war von großer Bedeutung für die Bildung realistischer Gesangsprinzipien darstellende Künste.

Im Jahr 1861 verpachtete die Direktion der kaiserlichen Theater das Bolschoi-Theater an eine italienische Operntruppe, die vier bis fünf Tage in der Woche auftrat und tatsächlich einen Tag für die russische Oper übrig ließ. Der Wettbewerb zwischen den beiden Gruppen brachte den russischen Sängern einen gewissen Vorteil, da sie gezwungen waren, ihre Fähigkeiten ständig zu verbessern und einige Prinzipien des Italienischen zu übernehmen Gesangsschule, aber das Versäumnis der Direktion der kaiserlichen Theater, das nationale Repertoire zu genehmigen, und die privilegierte Stellung der Italiener erschwerten der russischen Truppe die Arbeit und verhinderten, dass die russische Oper öffentliche Anerkennung erlangte. Neues Russisch Opernhaus konnte nur im Kampf gegen den italienischen Manie- und Unterhaltungstrend für die Bestätigung der nationalen Identität der Kunst entstehen. Bereits in den 60er und 70er Jahren war das Theater gezwungen, den Stimmen fortschrittlicher Persönlichkeiten auf Russisch zuzuhören Musikkultur, auf die Bedürfnisse des neuen demokratischen Betrachters. Die Opern „Rusalka“ (1863) und „Ruslan und Ljudmila“ (1868), die sich im Repertoire des Theaters etabliert hatten, wurden wieder aufgenommen. Im Jahr 1869 inszenierte das Bolschoi-Theater P. I. Tschaikowskis erste Oper „Die Wojewode“ und 1875 „Der Opritschnik“. Im Jahr 1881 kam „Eugen Onegin“ zur Aufführung (die zweite Inszenierung, 1883, etablierte sich im Repertoire des Theaters).

Seit Mitte der 80er Jahre des 19. Jahrhunderts kam es zu einem Wendepunkt in der Haltung der Theaterleitung gegenüber der russischen Oper; Es wurden Produktionen herausragender Werke russischer Komponisten durchgeführt: „Mazepa“ (1884), „Cherevichki“ (1887), „ Pik-Dame„(1891) und „Iolanta“ (1893) von Tschaikowsky erschienen erstmals auf der Bühne des Bolschoi-Theaters der Opernkomponisten. Mächtiger Haufen" - „Boris Godunow“ von Mussorgski (1888), „Das Schneewittchen“ von Rimski-Korsakow (1893), „Prinz Igor“ von Borodin (1898).

Aber das Hauptaugenmerk im Repertoire des Bolschoi-Theaters lag in diesen Jahren immer noch auf französischen Opern (J. Meyerbeer, F. Aubert, F. Halévy, A. Thomas, C. Gounod) und italienischen (G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi) Komponisten. 1898 wurde Bizets „Carmen“ erstmals auf Russisch aufgeführt, 1899 Berlioz‘ „Die Trojaner in Karthago“. Deutsche Oper vertreten durch die Werke von F. Flotov: „ Magischer Shooter Weber, Einzelinszenierungen von Wagners Tannhäuser und Lohengrin.

Zu den russischen Sängern der Mitte und der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts zählen E. A. Semyonova (der erste Moskauer Interpret der Rollen von Antonida, Lyudmila und Natascha), A. D. Alexandrova-Kochetova, E. A. Lavrovskaya, P. A. Khokhlov (der Bilder von Onegin schuf und der Dämon), B. B. Korsov, M. M. Koryakin, L. D. Donskoy, M. A. Deisha-Sionitskaya, N. V. Salina, N. A. Preobrazhensky usw. Es gibt einen Wandel nicht nur im Repertoire, sondern auch in der Qualität der Produktionen und musikalischen Interpretationen von Opern. In den Jahren 1882-1906 war I.K. Altani der Chefdirigent, 1882-1937 war U.I. Avranek der Chefchor. P. I. Tschaikowsky und A. G. Rubinstein dirigierten ihre Opern. Der dekorativen Gestaltung und der Inszenierungskultur der Aufführungen wird größere Aufmerksamkeit geschenkt. (1861-1929 arbeitete K. F. Waltz als Dekorateur und Mechaniker am Bolschoi-Theater).

Ende des 19. Jahrhunderts braute sich eine Reform des russischen Theaters zusammen, seine entscheidende Hinwendung zur Tiefe des Lebens und zur historischen Wahrheit, zum Realismus von Bildern und Gefühlen. Das Bolschoi-Theater erlebt seine Blütezeit und erlangt Ruhm als eines der größten Zentren der Musik- und Theaterkultur. Das Repertoire des Theaters umfasst beste Werke Weltkunst, gleichzeitig nimmt die russische Oper einen zentralen Platz auf ihrer Bühne ein. Zum ersten Mal wurden im Bolschoi-Theater Inszenierungen von Rimsky-Korsakows Opern „Die Pskower Frau“ (1901), „Pan-voevoda“ (1905), „Sadko“ (1906) und „Das Märchen von der unsichtbaren Stadt Kitesch“ aufgeführt. (1908), „Der goldene Hahn“ (1909) sowie „Der steinerne Gast“ von Dargomyzhsky (1906). Gleichzeitig werden im Theater so bedeutende Werke ausländischer Komponisten wie „Die Walküre“, „Der fliegende Holländer“, „Tannhäuser“ von Wagner, „Die Trojaner in Karthago“ von Berlioz, „Pagliacci“ von Leoncavallo und „Honor Rusticana“ aufgeführt “ von Mascagni, „La Bohème“ von Puccini usw.

Der Aufschwung der darstellenden Kunstschule Russlands erfolgte nach einem langen und intensiven Kampf um russische Opernklassiker und steht in direktem Zusammenhang mit der tiefen Beherrschung des heimischen Repertoires. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erschien eine Konstellation großer Sänger auf der Bühne des Bolschoi-Theaters – F. I. Chaliapin, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova. Mit ihnen traten herausragende Sänger auf: E. G. Azerskaya, L. N. Balanovskaya, M. G. Gukova, K. G. Derzhinskaya, E. N. Zbrueva, E. A. Stepanova, I. A. Alchevsky, A V. Bogdanovich, A. P. Bonachich, G. A. Baklanov, I. V. Gryzunov, V. R. Petrov, G. S. Pirogov, L. F. Savransky. In den Jahren 1904–06 dirigierte S. V. Rachmaninow am Bolschoi-Theater und gab eine neue realistische Interpretation russischer Opernklassiker. Seit 1906 wurde V. I. Suk Dirigent. Der Chor unter der Leitung von U. I. Avranek erlangt verfeinerte Fähigkeiten. An der Gestaltung der Aufführungen sind prominente Künstler beteiligt – A. M. Vasnetsov, A. Ya. Golovin, K. A. Korovin.

Die Große Sozialistische Oktoberrevolution eröffnete eine neue Ära in der Entwicklung des Bolschoi-Theaters. In schwierigen Jahren Bürgerkrieg die Theatertruppe blieb vollständig erhalten. Die erste Spielzeit begann am 21. November (4. Dezember) 1917 mit der Oper „Aida“. Zum ersten Jahrestag der Oktoberrevolution wurde ein Sonderprogramm vorbereitet, das unter anderem das Ballett „Stepan Rasin“ mit Musik beinhaltete Symphonisches Gedicht Glasunow, die „Veche“-Szene aus der Oper „Die Frau von Pskow“ von Rimsky-Korsakow und das choreografische Bild „Prometheus“ zur Musik von A. N. Skrjabin. In der Saison 1917/1918 wurden im Theater 170 Opern- und Ballettaufführungen aufgeführt. Seit 1918 gibt das Orchester des Bolschoi-Theaters Zyklen von Sinfoniekonzerten unter Beteiligung von Solisten. Parallel dazu gab es Kammer Instrumentalkonzerte und Sängerkonzerte. Im Jahr 1919 wurde dem Bolschoi-Theater der akademische Titel verliehen. Im Jahr 1924 wurde in den Räumlichkeiten des ehemaligen privaten Opernhauses von Zimin eine Filiale des Bolschoi-Theaters eröffnet. Bis 1959 wurden auf dieser Bühne Aufführungen aufgeführt.

In den 20er Jahren erschienen Opern auf der Bühne des Bolschoi-Theaters Sowjetische Komponisten- „Trilby“ von Jurasowski (1924, 2. Inszenierung 1929), „Dezembristen“ von Solotarew und „Stepan Rasin“ von Triodin (beide 1925), „Die Liebe zu den drei Orangen“ von Prokofjew (1927), „Iwan der Soldat“ von Korchmarev (1927), „Son of the Sun“ von Vasilenko (1928), „Zagmuk“ von Crane und „Breakthrough“ von Pototsky (beide 1930) usw. Gleichzeitig Großer Jobüber Opernklassiker. Es fanden Neuinszenierungen der Opern von R. Wagner statt: „Das Rheingold“ (1918), „Lohengrin“ (1923), „Die Meistersinger von Nürnberg“ (1929). Im Jahr 1921 wurde G. Berlioz‘ Oratorium „Die Verdammnis des Faust“ aufgeführt. Von grundlegender Bedeutung erlangte die Inszenierung von M. P. Mussorgskys Oper „Boris Godunow“ (1927), die erstmals vollständig mit Szenen aufgeführt wurde. Unter Kromy Und Bei St. Basil(Letzteres, orchestriert von M. M. Ippolitov-Ivanov, ist seitdem in allen Produktionen dieser Oper enthalten). 1925 fand die Uraufführung von Mussorgskys Oper „ Sorochinskaya-Messe" Zu den bedeutenden Werken des Bolschoi-Theaters dieser Zeit gehören: „Die Geschichte von der unsichtbaren Stadt Kitezh“ (1926); „Die Hochzeit des Figaro“ von Mozart (1926) sowie die Opern „Salome“ von R. Strauss (1925), „Cio-Cio-san“ von Puccini (1925) usw., erstmals aufgeführt in Moskau.

Bedeutende Ereignisse in der Schaffensgeschichte des Bolschoi-Theaters der 30er Jahre sind mit der Entwicklung der sowjetischen Oper verbunden. Im Jahr 1935 wurde D. D. Schostakowitschs Oper „Katerina Izmailova“ (nach der Erzählung „Lady Macbeth“ von N. S. Leskov) aufgeführt Bezirk Mzensk"), dann "Quiet Don" (1936) und "Virgin Soil Upturned" von Dzerzhinsky (1937), "Battleship Potemkin" von Chishko (1939), "Mother" von Zhelobinsky (nach M. Gorky, 1939) usw. Funktioniert von Komponisten werden Sowjetrepubliken inszeniert – „Almast“ von Spendiarov (1930), „Abesalom und Eteri“ von Z. Paliashvili (1939). 1939 ließ das Bolschoi-Theater die Oper „Iwan Susanin“ wieder aufleben. Die Neuinszenierung (Libretto von S. M. Gorodetsky) enthüllte die volksheldenhafte Essenz dieses Werkes; Besondere Bedeutung erlangten Massenchorszenen.

Im Jahr 1937 wurde das Bolschoi-Theater mit dem Lenin-Orden ausgezeichnet größte Meister mit dem Titel Volkskünstler der UdSSR ausgezeichnet.

In den 20-30er Jahren traten herausragende Sänger auf der Bühne des Theaters auf - V. R. Petrov, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova, N. A. Obukhova, K. G. Derzhinskaya, E. A. Stepanova, E. K. Katulskaya, V. V. Barsova, I. S. Kozlovsky, S. Ya. Lemeshev, A. S. Pirogov, M. D. Mikhailov, M. O. Reizen, N. S. Khanaev, E. D. Kruglikova, N. D. Shpiller, M. P. Maksakova, V. A. Davydova, A. I. Baturin, S. I. Migai, L. F. Savransky, N. N. Ozerov, V. R. Slivinsky und andere. Zu den Dirigenten des Theaters gehören V. I. Suk, M. M. Ippolitov-Ivanov, N. S. Golovanov, A. M. Pazovsky, S. A. Samosud, Yu. P. Steinberg, V. V. Nebolsin. Die Opern- und Ballettaufführungen des Bolschoi-Theaters wurden von den Regisseuren V. A. Lossky, N. V. Smolich inszeniert; Choreograf R.V. Zakharov; Chorleiter U. O. Avranek, M. G. Shorin; Künstler P. W. Williams.

Während des Großen Vaterländischen Krieges (1941–45) wurde ein Teil der Truppe des Bolschoi-Theaters nach Kuibyschew evakuiert, wo 1942 die Uraufführung von Rossinis Oper „Wilhelm Tell“ stattfand. Auf der Bühne der Filiale (das Hauptgebäude des Theaters wurde durch eine Bombe beschädigt) wurde 1943 die Oper „On Fire“ von Kabalevsky aufgeführt. IN Nachkriegsjahre Die Operntruppe wandte sich dem klassischen Erbe der Völker sozialistischer Länder zu; es wurden die Opern „Die verkaufte Braut“ von Smetana (1948) und „Pebble“ von Moniuszko (1949) aufgeführt. Die Aufführungen „Boris Godunov“ (1948), „Sadko“ (1949) und „Khovanshchina“ (1950) zeichnen sich durch die Tiefe und Integrität des Musik- und Bühnenensembles aus. Anschauliche Beispiele sowjetischer Ballettklassiker waren die Ballette „Aschenputtel“ (1945) und „Romeo und Julia“ (1946) von Prokofjew.

Seit Mitte der 40er Jahre nimmt die Rolle der Regie bei der Offenlegung des ideologischen Inhalts und der Verkörperung der Intention des Autors eines Werkes zu, bei der Ausbildung eines Schauspielers (Sängers und Balletttänzers), der in der Lage ist, zutiefst bedeutungsvolle, psychologisch wahrheitsgetreue Bilder zu schaffen. Die Rolle des Ensembles bei der Lösung der ideologischen und künstlerischen Probleme der Aufführung gewinnt an Bedeutung, was dadurch erreicht wird hohes Können Orchester, Chor und andere Theatergruppen. All dies bestimmte den Aufführungsstil des modernen Bolschoi-Theaters und machte es weltweit bekannt.

In den 50er und 60er Jahren intensivierte sich die Arbeit des Theaters an Opern sowjetischer Komponisten. 1953 wurde die monumentale epische Oper „Dezembristen“ von Shaporin inszeniert. Prokofjews Oper „Krieg und Frieden“ (1959) wurde in den Goldenen Fonds des sowjetischen Musiktheaters aufgenommen. Die Produktionen waren „Nikita Vershinin“ von Kabalevsky (1955), „The Taming of the Shrew“ von Shebalin (1957), „Mutter“ von Khrennikov (1957), „Jalil“ von Zhiganov (1959), „The Tale of a Real“. „Mann“ von Prokofjew (1960), „Schicksal“ von Dserschinski (1961), „Nicht nur die Liebe“ von Schtschedrin (1962), „Oktober“ von Muradeli (1964), „Der unbekannte Soldat“ von Moltschanow (1967), „Optimistische Tragödie“ von Kholminow (1967), „Semyon Kotko“ von Prokofjew (1970).

Seit Mitte der 50er Jahre wurde das Repertoire des Bolschoi-Theaters durch moderne Stücke ergänzt Ausländische Opern. Zum ersten Mal werden Werke der Komponisten L. Janacek (Her Stepdaughter, 1958), F. Erkel (Bank-Ban, 1959), F. Poulenc (The Human Voice, 1965) und B. Britten (Dream in) aufgeführt Sommernacht", 1965). Das klassische russische und europäische Repertoire hat sich erweitert. Zu den herausragenden Werken der Operngruppe gehört Beethovens Fidelio (1954). Auch Opern wurden aufgeführt: „Falstaff“ (1962), „Don Carlos“ (1963) von Verdi, „Der fliegende Holländer“ von Wagner (1963), „Das Märchen von der unsichtbaren Stadt Kitezh“ (1966), „Tosca“ (1971), „Ruslan“ und Ljudmila“ (1972), „Troubadour“ (1972); Ballette - „Der Nussknacker“ (1966), „ Schwanensee"(1970). Zur Operntruppe dieser Zeit gehörten die Sänger I. I. und L. I. Maslennikov, E. V. Shumskaya, Z. I. Andzhaparidze, G. P. Bolshakov, A. P. Ivanov, A. F. Krivchenya, P. G. Lisitsian, G. M. Nelepp, I. I. Petrov und andere. Dirigenten arbeiteten an der musikalischen und szenischen Verkörperung der Aufführungen - A. Sh. Melik-Pashaev, M. N. Zhukov, G. N. Rozhdestvensky, E. F. Svetlanov; Direktoren - L. B. Baratov, B. A. Pokrovsky; Choreograf L. M. Lavrovsky; Künstler - P. P. Fedorovsky, V. F. Ryndin, S. B. Virsaladze.

Führende Meister der Opern- und Balletttruppen des Bolschoi-Theaters sind in vielen Ländern der Welt aufgetreten. Opernkompanie Tourneen in Italien (1964), Kanada, Polen (1967), Ostdeutschland (1969), Frankreich (1970), Japan (1970), Österreich, Ungarn (1971).

In den Jahren 1924–59 verfügte das Bolschoi-Theater über zwei Bühnen – die Hauptbühne und eine Nebenbühne. Die Hauptbühne des Theaters ist ein fünfrängiger Zuschauerraum mit 2.155 Sitzplätzen. Die Länge des Saals beträgt inklusive Orchesterschale 29,8 m, Breite – 31 m, Höhe der Bühne – 22,8 m, Breite – 39,3 m, Größe des Bühnenportals – 21,5 × 17,2 m 1961 erhielt das Bolschoi-Theater eine neue Bühne - Kremlpalast Kongresse (Saal für 6.000 Sitzplätze; Bühnengröße im Grundriss – 40 x 23 m und Höhe bis zum Gitter – 28,8 m, Bühnenportal – 32 x 14 m; Bühnenplanke ist mit sechzehn Hebe- und Senkplattformen ausgestattet). Im Bolschoi-Theater und im Kongresspalast finden feierliche Versammlungen, Kongresse, jahrzehntelange Kunstveranstaltungen usw. statt.

Literatur: Das Bolschoi-Moskau-Theater und ein Rückblick auf die Ereignisse vor der Gründung des eigentlichen russischen Theaters, M., 1857; Kashkin N.D., Opernbühne des Moskauer Kaiserlichen Theaters, M., 1897 (in der Region: Dmitriev N., Kaiserliche Opernbühne in Moskau, M., 1898); Chayanova O., „Triumph der Musen“, Memo historischer Erinnerungen zum hundertjährigen Jubiläum des Moskauer Bolschoi-Theaters (1825-1925), M., 1925; ihrs, Medox-Theater in Moskau 1776-1805, M., 1927; Moskauer Bolschoi-Theater. 1825-1925, M., 1925 (Sammlung von Artikeln und Materialien); Borisoglebsky M., Materialien zur Geschichte des russischen Balletts, Bd. 1, L., 1938; Glushkovsky A.P., Memoiren eines Choreografen, M. - L., 1940; Staatliches Akademisches Bolschoi-Theater UdSSR, M., 1947 (Artikelsammlung); S. V. Rachmaninow und die russische Oper, Sammlung. Artikel herausgegeben von I. F. Belzy, M., 1947; „Theater“, 1951, Nr. 5 (gewidmet dem 175. Jahrestag des Bolschoi-Theaters); Shaverdyan A.I., Bolschoi-Theater der UdSSR, M., 1952; Polyakova L. V., Jugend Opernbühne Bolschoi-Theater, M., 1952; Khripunov Yu. D., Architektur des Bolschoi-Theaters, M., 1955; Bolschoi-Theater der UdSSR (Artikelsammlung), M., 1958; Grosheva E. A., Bolschoi-Theater der UdSSR in Vergangenheit und Gegenwart, M., 1962; Gozenpud A. A., Musiktheater in Russland. Von den Ursprüngen bis Glinka, L., 1959; sein, Russisches Sowjetisches Operntheater (1917-1941), L., 1963; seine, Russische Oper Theater XIX Jahrhundert, Bd. 1-2, L., 1969-71.

L. V. Polyakova
Musikalische Enzyklopädie, hrsg. Yu.V.Keldysh, 1973-1982

Geschichte des Balletts

Führender Russe Musiktheater, der eine herausragende Rolle bei der Bildung und Entwicklung nationaler Traditionen der Ballettkunst spielte. Seine Entstehung ist mit der Blüte der russischen Kultur in der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts sowie mit der Entstehung und Entwicklung des professionellen Theaters verbunden.

Die Entstehung der Truppe begann im Jahr 1776, als der Moskauer Philanthrop Fürst P. V. Urusov und der Unternehmer M. Medox Regierungsprivilegien für die Entwicklung des Theatergeschäfts erhielten. Die Aufführungen fanden im Haus von R.I. Vorontsov auf Znamenka statt. Im Jahr 1780 baute Medox in Moskau an der Straßenecke. Petrowka-Theatergebäude, das als Petrowski-Theater bekannt wurde. Hier fanden Theater-, Opern- und Ballettaufführungen statt. Dies war die erste dauerhafte professionelles Theater in Moskau. Seine Balletttruppe wurde bald mit Schülern der Ballettschule des Moskauer Waisenhauses (besteht seit 1773) und dann mit Leibeigenenschauspielern aus der Truppe von E. A. Golovkina ergänzt. Die erste Ballettaufführung war „The Magic Shop“ (1780, Choreograf L. Paradise). Es folgten: „Der Triumph der Freuden des weiblichen Geschlechts“, „Der vorgetäuschte Tod des Harlekins oder der betrogene Pantalon“, „Die taube Herrin“ und „Der vorgetäuschte Zorn der Liebe“ – allesamt Produktionen des Choreografen F. Morelli (1782); „Morgenunterhaltung im Dorf, wenn die Sonne erwacht“ (1796) und „Der Müller“ (1797) – Choreograf P. Pinucci; „Medea und Jason“ (1800, nach J. Nover), „Die Toilette der Venus“ (1802) und „Rache für den Tod des Agamemnon“ (1805) – Choreograf D. Solomoni usw. Diese Aufführungen basierten auf den Prinzipien des Klassizismus, in komischen Balletten („The Deceived Miller“, 1793; „Cupid’s Deceptions“, 1795) begannen Züge des Sentimentalismus aufzutreten. Unter den Tänzern der Truppe stachen G. I. Raikov, A. M. Sobakina und andere hervor.

Im Jahr 1805 brannte das Gebäude des Petrowski-Theaters nieder. Im Jahr 1806 wurde die Truppe der Direktion der kaiserlichen Theater unterstellt und trat an verschiedenen Orten auf. Seine Zusammensetzung wurde ergänzt, neue Ballette wurden inszeniert: „Gishpan-Abende“ (1809), „Pierrots Schule“, „Algerier oder die besiegten Seeräuber“, „Zephyr oder die Anemone, die dauerhaft wurde“ (alle - 1812), „Semik oder Festlichkeiten in Maryina Roshcha“ (zur Musik von S. I. Davydov, 1815) – alle inszeniert von I. M. Abletz; " Neue Heldin, oder die Kosakenfrau“ (1811), „Feier im Lager der alliierten Armeen in Montmartre“ (1814) – beide zur Musik von Kavos, Choreograf I. I. Walberkh; "Feier weiter Sperlingsberge„(1815), „Der Triumph der Russen oder Biwak bei Krasny“ (1816) – beide zur Musik von Davydov, Choreograf A. P. Glushkovsky; „Kosaken am Rhein“ (1817), „Newa-Spaziergang“ (1818), „Alte Spiele oder Weihnachtsabend“ (1823) – alles zur Musik von Scholz, der Choreograf ist derselbe; „Russische Schaukel am Rheinufer“ (1818), „Zigeunerlager“ (1819), „Festival in Petrovsky“ (1824) – alle choreografiert von I. K. Lobanov usw. Bei den meisten dieser Aufführungen handelte es sich um Divertissements mit umfangreicher Nutzung Volksrituale Und Charaktertanz. Besonders wichtig waren die Auftritte Veranstaltungen gewidmet Vaterländischer Krieg von 1812 – die ersten Ballette zu einem modernen Thema in der Geschichte der Moskauer Bühne. 1821 schuf Gluschkowsky das erste Ballett nach dem Werk von A. S. Puschkin („Ruslan und Ljudmila“ zur Musik von Scholz).

Im Jahr 1825 begannen mit dem von F. Gyullen-Sor inszenierten Prolog „Der Triumph der Musen“ die Aufführungen im neuen Gebäude des Bolschoi-Theaters (Architekt O. I. Bove). Sie inszenierte auch die Ballette „Fenella“ zur Musik von Obers gleichnamiger Oper (1836), „Tom Thumb“ („Der schlaue Junge und der Kannibale“) von Varlamov und Guryanov (1837) usw. T. N. stach heraus die Balletttruppe dieser Zeit Glushkovskaya, D. S. Lopukhina, A. I. Voronina-Ivanova, T. S. Karpakova, K. F. Bogdanov und andere. Das Ballett des Bolschoi-Theaters wurde maßgeblich von den Prinzipien der Romantik beeinflusst (die Aktivitäten von F. Taglioni und J. Perrot in St. Petersburg, die Tourneen von M. Taglioni, F. Elsler usw.). Herausragende Tänzer dieser Richtung sind E. A. Sankovskaya, I. N. Nikitin.

Von großer Bedeutung für die Bildung realistischer Prinzipien der Bühnenkunst waren die Aufführungen der Opern „Iwan Susanin“ (1842) und „Ruslan und Ljudmila“ (1846) von Glinka im Bolschoi-Theater, die detaillierte choreografische Szenen enthielten, die eine wichtige Rolle spielten dramatische Rolle. Diese ideologischen und künstlerischen Prinzipien wurden in Dargomyzhskys „Rusalka“ (1859, 1865), Serovs „Judith“ (1865) und dann in Opernproduktionen von P. I. Tschaikowsky und den Komponisten von „The Mighty Handful“ fortgeführt. In den meisten Fällen wurden Tänze in Opern von F. N. Manokhin choreografiert.

Im Jahr 1853 zerstörte ein Brand die gesamte Innenausstattung des Bolschoi-Theaters. Das Gebäude wurde 1856 vom Architekten A.K. Kavos restauriert.

In der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts war das Ballett des Bolschoi-Theaters dem Ballett des St. Petersburger Theaters deutlich unterlegen (es gab weder einen so talentierten Regisseur wie M. I. Petipa noch die gleichen günstigen materiellen Entwicklungsbedingungen). Das kleine bucklige Pferd von Pugni, inszeniert von A. Saint-Leon in St. Petersburg und 1866 an das Bolschoi-Theater übertragen, hatte enormen Erfolg; Dies zeigte die langjährige Tendenz des Moskauer Balletts zu Genre-, Komik-, Alltags- und Nationalmerkmalen. Es wurden jedoch nur wenige Originalaufführungen geschaffen. Eine Reihe von Inszenierungen von K. Blazis („Pygmalion“, „Zwei Tage in Venedig“) und S.P. Sokolov („Farn oder Nacht unter Ivan Kupala“, 1867) deuteten auf einen gewissen Verfall der schöpferischen Prinzipien des Theaters hin. Das einzige bedeutende Ereignis war das Theaterstück „Don Quijote“ (1869), das M. I. Petipa auf der Moskauer Bühne inszenierte. Die Verschärfung der Krise war mit den Aktivitäten der aus dem Ausland eingeladenen Choreografen V. Reisinger („The Magic Slipper“, 1871; Kashchei, 1873; Stella, 1875) und J. Hansen („The Virgin of Hell“, 1879) verbunden. Auch die Inszenierung von „Schwanensee“ durch Reisinger (1877) und Hansen (1880) war erfolglos, da sie das innovative Wesen von Tschaikowskys Musik nicht verstanden. Während dieser Zeit hatte die Truppe starke Künstler: P. P. Lebedeva, O. N. Nikolaeva, A. I. Sobeshchanskaya, P. M. Karpakova, S. P. Sokolov, V. F. Geltser und später L. N. Gaten, L. A. Roslavleva, A. A. Dzhuri, A. N. Bogdanov, V. E. Polivanov, I. N. Khlustin und andere; talentierte Nachahmer arbeiteten - F.A. Reishausen und V. Vanner, die besten Traditionen wurden von Generation zu Generation in den Familien der Manokhins, Domashovs, Ermolovs weitergegeben. Die 1882 von der Direktion der kaiserlichen Theater durchgeführte Reform führte zu einer Reduzierung der Balletttruppe und verschärfte die Krise (besonders manifestierte sich in den vielseitigen Produktionen des aus dem Ausland eingeladenen Choreografen J. Mendes – „India“, 1890; „Daita“) , 1896 usw.).

Stagnation und Routine wurden erst mit der Ankunft des Choreografen A. A. Gorsky überwunden, dessen Aktivitäten (1899-1924) eine ganze Ära in der Entwicklung des Balletts des Bolschoi-Theaters markierten. Gorsky versuchte, das Ballett von schlechten Konventionen und Klischees zu befreien. Bereicherung des Balletts mit den Errungenschaften des modernen dramatischen Theaters und bildende Kunst, führte er Neuinszenierungen von „Don Quijote“ (1900), „Schwanensee“ (1901, 1912) und anderen Balletten von Petipa durch, schuf das Mimodrama „Gudulas Tochter“ von Simon (nach „Notre Dame Cathedral“ von V. Hugo, 1902), das Ballett „Salambo“ von Arends (nach dem gleichnamigen Roman von G. Flaubert, 1910) usw. Auf der Suche nach dramatischer Fülle Ballettaufführung Gorsky übertrieb manchmal die Rolle des Drehbuchs und der Pantomime und unterschätzte manchmal die Musik und den wirkungsvollen symphonischen Tanz. Gleichzeitig war Gorsky einer der ersten Regisseure von Balletten mit symphonischer Musik, die nicht für den Tanz bestimmt waren: „Die Liebe ist schnell!“ zur Musik von Grieg, „Schubertian“ zur Musik von Schubert, das Divertissement „Carnival“ zur Musik verschiedener Komponisten – alle 1913, „Die Fünfte Symphonie“ (1916) und „Stenka Razin“ (1918) zur Musik von Glasunow. In Gorskys Auftritten kommt das Talent von E. V. Geltser, S. V. Fedorova, A. M. Balashova, V. A. Coralli, M. R. Reizen, V. V. Krieger, V. D. Tikhomirova, M. M. Mordkina, V. A. Ryabtseva, A. E. Volinina, L. A. Zhukova, I. E. Sidorova und anderen zum Ausdruck.

Ende 19 - Anfang. 20. Jahrhundert Die Ballettaufführungen des Bolschoi-Theaters wurden von I. K. Altani, V. I. Suk, A. F. Arends, E. A. Cooper, dem Theaterdekorateur K. F. Waltz, den Künstlern K. A. Korovin, A. Ya. Ya. geleitet.

Die Große Sozialistische Oktoberrevolution begann Bolschoi-Theater neue Wege und prägte seinen Aufstieg als führendes Opern- und Ballettensemble künstlerisches Leben Länder. Während des Bürgerkriegs blieb die Theatertruppe dank der Aufmerksamkeit des Sowjetstaates erhalten. 1919 schloss sich das Bolschoi-Theater der Gruppe an akademische Theater. In den Jahren 1921–22 fanden Aufführungen des Bolschoi-Theaters auch im Neuen Theater statt. Eine Filiale des Bolschoi-Theaters wurde 1924 eröffnet (bis 1959 in Betrieb).

Seit den ersten Jahren der Sowjetmacht stand die Balletttruppe vor einer der wichtigsten kreativen Aufgaben: das klassische Erbe zu bewahren und einem neuen Publikum zugänglich zu machen. 1919 wurde „Der Nussknacker“ (Choreograf Gorsky) zum ersten Mal in Moskau aufgeführt, dann Neuinszenierungen von „Schwanensee“ (Gorsky, unter Beteiligung von V. I. Nemirovich-Danchenko, 1920), „Giselle“ (Gorsky, 1922). ), „Esmeralda“ (V.D. Tikhomirov, 1926), „Dornröschen“ (A.M. Messerer und A.I. Chekrygin, 1936) usw. Gleichzeitig versuchte das Bolschoi-Theater, neue Ballette zu schaffen – dazu wurden Einakter inszeniert symphonische Musik („Spanish Capriccio“ und „Scheherazade“, Choreograf L. A. Zhukov, 1923 usw.) wurden die ersten Experimente gemacht, um ein modernes Thema zu verkörpern (Kinderballett-Extravaganz „Eternally Living Flowers“ zur Musik von Asafiev und anderen , Choreograf Gorsky, 1922; allegorisches Ballett „Tornado“ von Bera, Choreograf K. Ya. Goleizovsky, 1927), Entwicklung der choreografischen Sprache („Joseph der Schöne“ von Vasilenko, Ballett von Goleizovsky, 1925; „Fußballer“ von Oransky, Ballett von L. A. Lashchilin und I. A. Moiseev, 1930 usw.). Wegweisende Bedeutung erlangte das Stück „Die rote Mohnblume“ (Choreograf Tikhomirov und L.A. Lashchilin, 1927), in dem eine realistische Darstellung eines modernen Themas auf der Umsetzung und Erneuerung klassischer Traditionen basierte. Die kreative Suche nach dem Theater war untrennbar mit den Aktivitäten der Künstler verbunden – E. V. Geltser, M. P. Kandaurova, V. V. Krieger, M. R. Reizen, A. I. Abramova, V. V. Kudryavtseva, N. B. Podgoretskaya, L. M. Bank, E. M. Ilyushenko, V. D. Tikhomirova, V. A. Ryabtseva, V. V. Smoltsova , N. I. Tarasova, V. I. Tsaplina, L. A. Zhukova und andere .

1930er Jahre in der Entwicklung des Bolschoi-Theaters war das Ballett geprägt große Erfolge in der Verkörperung des historisch-revolutionären Themas („Flames of Paris“, Ballett von V. I. Vainonen, 1933) und Bildern literarische Klassiker(„Der Bachtschissarai-Brunnen“, Ballett von R. V. Zakharov, 1936). Eine Richtung, die es der Literatur und Literatur näher brachte, hat im Ballett gesiegt. Schauspieltheater. Die Bedeutung von Regie und Schauspiel hat zugenommen. Die Aufführungen zeichneten sich durch die dramatische Integrität der Handlungsentwicklung und die psychologische Entwicklung der Charaktere aus. In den Jahren 1936-39 wurde die Balletttruppe von R.V. Zakharov geleitet, der bis 1956 am Bolschoi-Theater als Choreograf und Opernregisseur arbeitete. Es entstanden Aufführungen zu einem modernen Thema – „Der kleine Storch“ (1937) und „Svetlana“ ( 1939) von Klebanova (beide - Ballettmeister A. I. Radunsky, N. M. Popko und L. A. Pospekhin) sowie „ Gefangener des Kaukasus„Asafiev (nach A.S. Puschkin, 1938) und „Taras Bulba“ von Solovyov-Sedoy (nach N.V. Gogol, 1941, beide vom Balletttänzer Zakharov), „Three Fat Men“ von Oransky (nach Yu. K. Olesha, 1935, Ballett von I. A. Moiseev) und anderen. In diesen Jahren blühte die Kunst von M. T. Semyonova, O. V. Lepeshinskaya, A. N. Ermolaev, M. M. Gabovich, A. M. Messerer am Bolschoi-Theater auf, die Aktivitäten von S. N. Golovkina, M. S. Bogolyubskaya, I. V. Tikhomirnova, V. A. Preobrazhensky, Yu . G. Kondratov, S. G. Koren und andere waren an der Gestaltung der Ballettaufführungen beteiligt. Dmitriev, P. V. Williams, Yu. Fire erlangten hohe Dirigentenfähigkeiten.

Während des Großen Vaterländischen Krieges wurde das Bolschoi-Theater nach Kuibyschew evakuiert, aber ein Teil der in Moskau verbliebenen Truppe (unter der Leitung von M. M. Gabovich) nahm bald wieder Aufführungen in einer Filiale des Theaters auf. Zusammen mit der Präsentation des alten Repertoires entstand eine neue Aufführung von „Scarlet Sails“ von Yurovsky (Ballettchoreograf A. I. Radunsky, N. M. Popko, L. A. Pospekhin), die 1942 in Kuibyshev aufgeführt und 1943 auf die Bühne des Bolschoi übertragen wurde Theater. Immer wieder gingen Künstlerbrigaden an die Front.

In den Jahren 1944-64 (mit Unterbrechungen) wurde die Balletttruppe von L. M. Lawrowski geleitet. Inszeniert wurden (die Namen der Choreografen in Klammern): „Aschenputtel“ (R.V. Zakharov, 1945), „Romeo und Julia“ (L.M. Lavrovsky, 1946), „Mirandolina“ (V.I. Vainonen, 1949), „ Bronzener Reiter„(Zakharov, 1949), „Red Poppy“ (Lavrovsky, 1949), „Shurale“ (L. V. Yakobson, 1955), „Laurencia“ (V. M. Chabukiani, 1956) usw. Das Bolschoi-Theater wandte sich immer wieder an Wiederaufführungen der Klassiker – „Giselle“ (1944) und „Raymonda“ (1945) inszeniert von Lawrowski usw. In den Nachkriegsjahren war der Stolz der Bühne des Bolschoi-Theaters die Kunst von G. S. Ulanova, deren Tanzbilder durch ihre lyrische und psychologische Ausdruckskraft faszinierten . Eine neue Künstlergeneration ist herangewachsen; darunter M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, M. V. Kondratyeva, L. I. Bogomolova, R. K. Karelskaya, N. V. Timofeeva, Yu. T. Zhdanov, G. K. Farmanyants, V. A. Levashov, N. B. Fadeechev, Ya. D. Sekh und andere.

Mitte der 1950er Jahre. In den Produktionen des Bolschoi-Theaters machten sich die negativen Folgen der Leidenschaft der Choreografen für die einseitige Dramatisierung einer Ballettaufführung (Alltäglichkeit, Vorherrschaft der Pantomime, Unterschätzung der Rolle des wirkungsvollen Tanzes) bemerkbar, was sich insbesondere in den Aufführungen widerspiegelte „Das Märchen von der Steinblume“ von Prokofjew (Lawrowski, 1954), „Gayane“ (Vainonen, 1957), „Spartak“ (I. A. Moiseev, 1958).

Ende der 50er Jahre begann eine neue Periode. Das Repertoire umfasste bahnbrechende Aufführungen des sowjetischen Balletts von Yu. N. Grigorowitsch – „Die steinerne Blume“ (1959) und „Die Legende der Liebe“ (1965). In den Produktionen des Bolschoi-Theaters erweiterte sich das Spektrum an Bildern und ideologischen und moralischen Problemen, die Rolle des Tanzprinzips nahm zu, die Formen des Dramas wurden vielfältiger, das choreografische Vokabular wurde bereichert und es wurden interessante Suchen nach der Verkörperung von durchgeführt moderne Themen. Dies zeigte sich in den Produktionen der Choreografen: N. D. Kasatkina und V. Yu Vasilyov – „Vanina Vanini“ (1962) und „Geologists“ („Heroic Poem“, 1964) von Karetnikov; O. G. Tarasova und A. A. Lapauri – „Oberleutnant Kizhe“ zur Musik von Prokofjew (1963); K. Ya. Goleizovsky – „Leyli und Majnun“ von Balasanyan (1964); Lawrowski – „Paganini“ zur Musik von Rachmaninow (1960) und „Night City“ zur Musik von Bartoks „The Marvelous Mandarin“ (1961).

Im Jahr 1961 erhielt das Bolschoi-Theater eine neue Bühne – den Kreml-Kongresspalast, der zu den umfassenderen Aktivitäten der Balletttruppe beitrug. Neben den reifen Meistern – Plisetskaya, Struchkova, Timofeeva, Fadeechev und anderen – nahmen talentierte junge Leute die Spitzenposition ein, die um die Wende der 50er und 60er Jahre ans Bolschoi-Theater kamen: E. S. Maksimova, N. I. Bessmertnova, N. I. Sorokina , E. L. Ryabinkina, S. D. Adyrkhaeva, V. V. Vasiliev, M. E. Liepa, M. L. Lavrovsky, Yu. V. Vladimirov, V. P. Tikhonov und andere.

Seit 1964 ist Yu. N. Grigorovich der Chefchoreograf des Bolschoi-Theaters, der progressive Trends in den Aktivitäten der Balletttruppe festigte und entwickelte. Fast jede neue Aufführung im Bolschoi-Theater ist von interessanten kreativen Erkundungen geprägt. Sie traten in „The Rite of Spring“ (Ballett von Kasatkina und Vasilev, 1965), „Carmen Suite“ von Bizet-Shchedrin (Alberto Alonso, 1967), „Aseli“ von Vlasov (O. M. Vinogradov, 1967) und „Icare“ von auf Slonimsky (V. V. Vasiliev, 1971), „Anna Karenina“ von Shchedrin (M. M. Plisetskaya, N. I. Ryzhenko, V. V. Smirnov-Golovanov, 1972), „Love for Love“ von Khrennikov (V. Boccadoro, 1976), „Chippolino“ von K. Khachaturyan (G. Mayorov, 1977), „Diese bezaubernden Klänge...“ zur Musik von Corelli, Torelli, Rameau, Mozart (V.V. Vasiliev, 1978), „Husar Ballad“ von Khrennikov (O. M. Vinogradov und D. A. Bryantsev), „ „Die Möwe“ von Shchedrin (M. M. Plisetskaya, 1980), „Macbeth“ von Molchanov (V. V. Vasiliev, 1980) usw. Es erlangte herausragende Bedeutung in der Entwicklung des sowjetischen Ballettstücks „Spartacus“ (Grigorovich, 1968; Lenin-Preis 1970). Grigorowitsch inszenierte Ballette zu den Themen russische Geschichte („Iwan der Schreckliche“ zur Musik von Prokofjew, arrangiert von M. I. Chulaki, 1975) und Moderne („Angara“ von Eshpai, 1976), die die kreativen Suchen früherer Perioden synthetisierten und verallgemeinerten in der Entwicklung des sowjetischen Balletts. Grigorowitschs Aufführungen zeichnen sich durch ideologische und philosophische Tiefe und Reichtum aus choreografische Formen und Wortschatz, dramatische Integrität, breite Entwicklung eines wirkungsvollen symphonischen Tanzes. Im Lichte neuer Schaffensprinzipien führte Grigorowitsch auch Inszenierungen durch klassisches Erbe: „Dornröschen“ (1963 und 1973), „Der Nussknacker“ (1966), „Schwanensee“ (1969). Sie gelangten zu einem tieferen Verständnis der ideologischen und figurativen Konzepte von Tschaikowskys Musik („Der Nussknacker“ wurde völlig neu inszeniert, in anderen Aufführungen wurde die Hauptchoreografie von M. I. Petipa und L. I. Ivanov beibehalten und das künstlerische Ganze danach entschieden).

An der Gestaltung waren G. N. Rozhdestvensky, A. A. Kopylov, E. G. Stenberg, A. D. beteiligt . Der Designer aller von Grigorovich inszenierten Aufführungen ist S. B. Virsaladze.

Die Balletttruppe des Bolschoi-Theaters tourte durch die Sowjetunion und im Ausland: in Australien (1959, 1970, 1976), Österreich (1959, 1973), Argentinien (1978), Ägypten (1958, 1961). Großbritannien (1956, 1960, 1963, 1965, 1969, 1974), Belgien (1958, 1977), Bulgarien (1964), Brasilien (1978), Ungarn (1961, 1965, 1979), Ostdeutschland (1954, 1955, 1956). , 1958), Griechenland (1963, 1977, 1979), Dänemark (1960), Italien (1970, 1977), Kanada (1959, 1972, 1979), China (1959), Kuba (1966), Libanon (1971), Mexiko (1961, 1973, 1974, 1976), Mongolei (1959), Polen (1949, 1960, 1980), Rumänien (1964), Syrien (1971), USA (1959, 1962, 1963, 1966, 1968, 1973, 1974, 1975, 1979), Tunesien (1976), Türkei (1960), Philippinen (1976), Finnland (1957, 1958), Frankreich. (1954, 1958, 1971, 1972, 1973, 1977, 1979), Deutschland (1964, 1973), Tschechoslowakei (1959, 1975), Schweiz (1964), Jugoslawien (1965, 1979), Japan (1957, 1961, 1970, 1973, 1975, 1978, 1980).

Enzyklopädie „Ballett“ hrsg. Yu.N.Grigorovich, 1981

Am 29. November 2002 wurde die Premiere von Rimsky-Korsakows Oper „Das Schneewittchen“ eröffnet Neue Szene Bolschoi-Theater. Am 1. Juli 2005 wurde die Hauptbühne des Bolschoi-Theaters wegen Umbauarbeiten geschlossen, die mehr als sechs Jahre dauerten. Am 28. Oktober 2011 fand die feierliche Eröffnung der historischen Bühne des Bolschoi-Theaters statt.

Veröffentlichungen

In unserem Land begann sich Volleyball in den Jahren 1920-1921 in den Regionen der Mittleren Wolga (Kasan, Nizhny Novgorod). Dann erschien er im Fernen Osten – in Chabarowsk und Wladiwostok und 1925 – in der Ukraine. Volleyball wurde damals im Land scherzhaft als „das Spiel der Schauspieler“ bezeichnet. Tatsächlich entstanden in Moskau die ersten Volleyballplätze in den Innenhöfen der Theater – Meyerhold, Kamerny, Revolution, Vakhtangov. Am 28. Juli 1923 fand in der Myasnitskaya-Straße das erste offizielle Spiel statt, bei dem sich die Teams der Higher Art Theatre Workshops (VKHUTEMAS) und der State College of Cinematography (GTK) trafen. Die Pioniere des neuen Sports waren Meister der Kunst, zukünftige Volkskünstler der UdSSR Nikolai Bogolyubov, Boris Shchukin, zukünftige berühmte Künstler Georgy Nissky und Yakov Romas, berühmte Schauspieler Anatoly Ktorov und Rina Zelenaya waren gute Spieler. Mit diesem Treffen beginnt die Chronologie unseres Volleyballs.

Im Januar 1925 entwickelte und genehmigte der Moskauer Rat für Leibeserziehung die ersten offiziellen Regeln für Volleyballwettbewerbe. Nach diesen Regeln werden seit 1927 regelmäßig Moskauer Meisterschaften ausgetragen. Ein wichtiges Ereignis in der Entwicklung des Volleyballs in unserem Land war die Meisterschaft, die während der ersten All-Union-Spartakiade 1928 in Moskau ausgetragen wurde. Es nahmen Männer- und Frauenmannschaften aus Moskau, der Ukraine, dem Nordkaukasus, Transkaukasien und dem Fernen Osten teil. Im selben Jahr wurde in Moskau eine ständige Jury eingerichtet.

Von großer Bedeutung für die Entwicklung des Volleyballsports waren Massenwettbewerbe auf dem Gelände von Kultur- und Erholungsparks. Diese Spiele waren nicht nur für Moskauer, sondern auch für ausländische Gäste eine gute Schule. Kein Wunder in den frühen 30ern. In Deutschland wurden Regeln für Volleyball-Wettbewerbe unter dem Titel „Volleyball – ein russisches Volksspiel“ veröffentlicht.

Im Frühjahr 1932 wurde im Allunionsrat für Körperkultur der UdSSR eine Volleyballabteilung eingerichtet. Im Jahr 1933 fand während einer Sitzung des Zentralen Exekutivkomitees auf der Bühne des Bolschoi-Theaters vor den Führern der Regierungspartei und der Regierung der UdSSR ein Freundschaftsspiel zwischen den Mannschaften von Moskau und Dnepropetrowsk statt. Und ein Jahr später fanden regelmäßig die Meisterschaften der Sowjetunion statt, die offiziell als „All-Union-Volleyball-Festival“ bezeichnet wurden. Nachdem sie zu den Anführern des heimischen Volleyballsports geworden waren, hatten Moskauer Athleten die Ehre, ihn auf der internationalen Bühne zu vertreten, als afghanische Athleten 1935 Gäste und Rivalen waren. Obwohl die Spiele nach asiatischen Regeln ausgetragen wurden, errangen die sowjetischen Volleyballer einen überzeugenden Sieg – 2:0 (22:1, 22:2).

Während des Großen Vaterländischen Krieges wurde Volleyball in Militäreinheiten weiterhin gepflegt. Bereits 1943 begannen die Volleyballplätze im hinteren Teil des Gebäudes mit Leben zu füllen. Seit 1945 wurden die UdSSR-Meisterschaften wieder aufgenommen und Jahr für Jahr wurden Technologie und Taktik verbessert. Unsere Volleyballspieler haben sich immer wieder als Reformer des Spiels betätigt. Im Jahr 1947 betraten unsere Volleyballspieler die internationale Arena. Beim Ersten Weltfestival der Jugend und Studenten in Prag fand ein Volleyballturnier statt, an dem die Leningrader Mannschaft teilnahm, die, wie damals üblich, durch Moskauer verstärkt wurde. Angeführt wurde das Team von den Trainern Alexey Baryshnikov und Anatoly Chinilin. Unsere Athleten gewannen 5 Spiele mit einem Ergebnis von 2:0 und nur das letzte mit 2:1 (13:15, 15:10, 15:7) gegen den Gastgeber, die tschechoslowakische Nationalmannschaft. Die erste „Frauen“-Reise fand 1948 statt – das Hauptstadtteam „Lokomotiv“ reiste nach Polen, ergänzt durch Kollegen vom Moskauer „Dynamo“ und „Spartak“ sowie dem Leningrader Spartak-Team.

Im Jahr 1948 wurde die All-Union-Volleyball-Sektion Mitglied der Internationalen Volleyball-Föderation (und zwar nicht der amerikanischen, aber unsere Spielregeln bildeten die Grundlage für die internationalen), und im Jahr 1949 nahmen unsere Spieler erstmals an offiziellen internationalen Wettbewerben teil Zeit. Die Volleyballspieler der UdSSR-Nationalmannschaft debütierten bei der Europameisterschaft in Prag und gewannen auf Anhieb den Titel des Stärksten. Und unsere Herrenmannschaft wurde der erste Olympiasieger bei den Olympischen Spielen in Tokio (1964). Sie gewann sowohl die Olympischen Spiele in Mexiko-Stadt (1968) als auch in Moskau (1980). Und die Damenmannschaft gewann viermal den Titel der Olympiasiegerin (1968, 1972, 1980 und 1988).

Sowjetische Volleyballspieler sind sechsmalige Weltmeister, zwölfmalige Europameister und viermalige Weltmeister. Die Frauenmannschaft der UdSSR gewann fünfmal die Weltmeisterschaft, 13mal die Europameisterschaft und einmal die Weltmeisterschaft.

Die russische Herrenmannschaft ist Gewinner der Weltmeisterschaft 1999 und der Weltliga 2002. Die Damenmannschaft gewann die Weltmeisterschaft 2006, die Europameisterschaft (1993, 1997, 1999, 2001), den Grand Prix (1997, 1999, 2002) und den Weltmeisterpokal 1997.

Bedeutender Beitrag zur Interpretation Shakespeares Sowjetische Szene wurde das Stück „Zwölfte Nacht“ im 2. Moskauer Kunsttheater, das am 26. Dezember 1933 uraufgeführt wurde.
Die Aufführung wurde von S. V. Giatsintova und V. V. Gotovtsev inszeniert. Künstler - V. A. Favorsky, Komponist - N. Rakhmanov. A. M. Azarin spielte die Rolle des Malvolio, V. V. Gotovtsev spielte die Rolle des Sir Toby.
„Es war eine lebendige und lebendige Aufführung. Noch saftiger und dicker als bei der Aufführung des Ersten Studios im Jahr 1917 wurde das Thema des „vollblütigen“ Shakespeare von S. V. Giatsintov in der Rolle der Maria getragen – „fleischliche irdische Maria“, wie einer der Kritiker sie nannte – und V. V. Gotovtsev, der in der Rolle des fröhlichen, ausschweifenden und gewalttätigen Sir Toby Belch ein wahrhaft falstaffisches Bild schuf. M. A. Durasova, die die Rollen von Viola und Sebastian spielte, hatte viel echte Poesie. Die Aufführung war von leidenschaftlicher Lebenslust und unbändigem Spaß durchdrungen, so typisch für die sonnigen Komödien, die Shakespeare in seiner ersten Schaffensperiode schuf. kreativer Weg. Dennoch wies diese Leistung immer noch gravierende Mängel auf. Wie in der Inszenierung von 1917 wurde beispielsweise jegliche Rede über Malvolios „Puritanismus“ aus dem Text entfernt. Anstelle einer Karikatur eines Puritaners oder allgemeiner gesagt eines „respektablen“ narzisstischen englischen Gentleman erschien eine Vogelscheuche mit Affenlippen und einer durchdringenden Falsettstimme auf der Bühne, erfüllt, wie ein Kritiker es ausdrückte, „von der Arroganz von …“. ein Narr.“ Obwohl A. M. Azarin die Rolle des Malvolio auf seine ganz eigene Weise spielte, hatte die von ihm geschaffene primitive Maske wenig Bezug zu Shakespeares Bild. Beachten wir auch, dass das Zweite Moskauer Kunsttheater den Text von Shakespeare sehr unfeierlich behandelte. Z.L., der sich speziell mit diesem Thema befasst hat. Troitsky kommt zu dem Schluss, dass, anstatt den Text zu entziffern, dunkle Stellen einfach herausgeschnitten wurden und dass „der Text im Allgemeinen eine lockere und bunte Komposition war, die wenig mit Shakespeares Original gemein hatte“ ().
Die lyrischen Lieder wurden von Fest übernommen und Viola-Sebastian übergeben. Das Theater ahnte offenbar nicht einmal, dass Festus ein komplexes und bedeutsames Bild ist, ähnlich wie Touchstone, der „aus seiner Tarnung Pfeile des Witzes abschießt“ sowie der „süße“ und zugleich „bittere“ Narr von King Lear. In der Aufführung des Zweiten Moskauer Kunsttheaters war Fest nur eine Art unpersönlicher fröhlicher Kerl, obwohl diese Rolle von einem Meister wie S. V. Obraztsov gespielt wurde. (M. M. Morozov. Ausgewählte Artikel und Übersetzungen „Shakespeare auf der sowjetischen Bühne“, M., GIHL, 1954)

Aus den Memoiren von Olga Aroseva
Überraschenderweise erinnerte sich Wladimir Wassiljewitsch (Gotovtsev) bis ins kleinste Detail an die Aufführung des Zweiten Moskauer Kunsttheaters. Er hielt die wundervolle Inszenierung mit einem Bierkrug fest, als Maria an einem heißen Sommertag ihr Gesicht in den Krug senkte, genüsslich das Bier nippte und laut in sein glasiges Echo lachte; Sie lachte glücklich, weil sie jung, gesund und voller Kraft war und weil ihre Freunde in der Nähe waren – fröhliche Kerle und schelmische Menschen, und der liebevolle alte Sir Toby völlig den Kopf über sie verlor, und auch, weil der südliche Sommertag des magischen Landes war von Elyria blühte und leuchtete überall.

OlegDikun: Die Frage, ob man der Belarussischen Republikanischen Jugendunion beitreten soll oder nicht, ist Sache jedes jungen Menschen. Aber die Organisation ist eine Plattform für junge Menschen, sich auszudrücken. Wenn eine Person nicht geneigt ist, aktiv zu arbeiten, wenn sie grundsätzlich an nichts interessiert ist, wird sie sich wahrscheinlich nicht in der Organisation wiederfinden. Aber wenn eine Person konkrete Projekte oder Ideen hat oder Potenzial verspürt, wird die Organisation ihr sicherlich dabei helfen, sich zu offenbaren.

Es scheint mir, dass die Organisation zu viele Tätigkeitsbereiche hat. Es gibt sie für jeden Geschmack. Das und kulturelle Projekte, und Bildung, und die Bewegung von Studentengruppen (wir helfen Kindern, Arbeit zu finden) und die Jugendstrafverfolgungsbewegung, Freiwilligenarbeit, Arbeit im Internet – das heißt, es gibt genug Anleitung für alle, deshalb heißen wir jeden in unserer Organisation willkommen. Ich bin mir sicher, dass hier jeder junge Mensch einen Platz für sich finden kann. Die Hauptsache ist, dass die Jungs keine Scheu haben, zu unseren Organisationen kommen, Ideen einbringen und wir werden sie auf jeden Fall unterstützen. Heute ist es die Politik unserer Organisation, die Ideen jedes jungen Menschen zu unterstützen, soweit die Organisation dazu in der Lage ist.

Wir haben viele Projekte, die auf republikanischer Ebene umgesetzt werden, aber es waren die Leute, die sie initiiert haben. Ein Projekt, dessen Umsetzung vor Kurzem begonnen hat – „PapaZal“ – kam von einer Familie aus der Region Gomel zu uns. Es geht um die Beteiligung der Väter an der Kindererziehung. Väter kommen mit ihren Kindern vorbei Sporthallen und mit ihnen Sport treiben und so den Kindern die Liebe zu wecken Körperkultur und fördern gesundes Bild Leben. Leider können unsere Väter ihren Kindern oft nicht genug Zeit widmen, da sie arbeiten und für die Familie sorgen – das ist das Wichtigste für einen Mann. „PapaZal“ ermöglicht es ihnen, mehr Zeit mit ihren Kindern zu verbringen.

AlexandraGontscharowa: Und es ist auch ein Pluspunkt, dass Mama in dieser Zeit ein wenig entspannen und sich Zeit für sich selbst nehmen kann.

Ich werde hinzufügen. Oleg sprach nicht über die Richtung, die sich derzeit in unserem Land stark entwickelt – die internationale Zusammenarbeit. Unsere Organisation bietet Kindern aus verschiedenen Ländern die Möglichkeit, zu kommunizieren und sich auf einigen internationalen Plattformen und Veranstaltungen zu treffen. Als Mitglied der Belarussischen Republikanischen Jugendunion können Sie also auch an internationalen Foren teilnehmen und an interessanten Programmen teilnehmen.

Wie viele Personen sind derzeit Mitglieder der Jugendunion? Gibt es eine Altersgrenze oder kann man lebenslanges Mitglied der Belarussischen Republikanischen Jugendunion sein?

Oleg Dikun: Jeder fünfte junge Mensch im Land ist Mitglied der Belarussischen Republikanischen Jugendunion, und darauf sind wir sicherlich stolz. Das soll nicht heißen, dass wir nach Quantität streben. Wir versuchen, qualitativ hochwertige Veranstaltungen zu organisieren und durchzuführen, damit Menschen zu uns kommen. Und aus Qualität wird bereits Quantität.

Ich habe eine Idee, wie ich meine Heimatstadt verbessern könnte. Wohin kann ich gehen?

OlegDikun: Natürlich arbeitet die Organisation in diesem Bereich. Um Hilfe zu erhalten (z. B. möchten Sie eine Website erstellen oder einfach Leute für einen Aufräumtag organisieren, um Ihre Heimatstadt zu verbessern, und Sie haben nicht genügend Ausrüstung oder Bedarf). technische Unterstützung), können Sie sich an den Bezirk wenden bzw Stadtorganisation BRSM. Ich bin sicher, dass sie Sie nicht ablehnen werden, denn wir müssen die Orte, an denen wir leben, sauberer und besser machen. Darüber hinaus feiern wir das Jahr des kleinen Mutterlandes und ermutigen daher alle, sich zu vernetzen und an der Verbesserung ihrer Städte und Dörfer teilzunehmen.

AlexandraGontscharowa: Sie können auf der Website brsm.by im Bereich „Kontakte“ die Bezirksorganisation der Stadt Orscha finden und dort alle Ihre Ideen einbringen, nicht nur zur Verbesserung der Stadt.

OlegDikun: Ich möchte auch hinzufügen, dass wir in weitreichend vertreten sind in sozialen Netzwerken. Wenn Sie die Website nicht besuchen möchten, sind wir auf Instagram und VKontakte. Suchen Sie dort nach uns.

Ich habe von Ihrer Bewerbung „I Vote!“ gehört. Bitte sagen Sie uns, wofür es ist und wie es entwickelt wurde. Wie sicher ist mein Gerät, wenn ich es installiere?

AlexandraGontscharowa: Die Anwendung wurde dieses Jahr nicht entwickelt, sie wurde von unseren Aktivisten für die Kommunalwahlen vorbereitet, eine Ergänzung vorgenommen und nun haben unsere Entwickler der Hauptorganisation BSUIR sie allen zum Download angeboten. Mit der Anwendung können Sie Ihre Adresse eingeben und herausfinden, wie Sie zum Wahllokal gelangen, Wegbeschreibungen zu Fuß, mit öffentlichen Verkehrsmitteln oder mit dem Fahrrad erhalten und, was am wichtigsten ist, sich über die Kandidaten informieren, die für das Repräsentantenhaus des Nationalen Parlaments kandidieren Versammlung der Republik Belarus der 7. Einberufung.

OlegDikun: Das Hauptziel der Anwendung bestand darin, das Erlernen von Wahlen einfacher und schneller zu machen. Junge Menschen sind mittlerweile sehr mobil und aktiv. Die gleichen Informationen, die das CEC an den Ständen veröffentlicht, werden auch in der Anmeldung bereitgestellt. Damit Sie keine Zeit im Wahllokal verschwenden müssen, empfehlen wir jedem, die Anwendung „Ich wähle!“ zu installieren. Sie ist im App Store und im Play Market erhältlich.

Moderator: Wie sieht es mit der Sicherheit aus?

AlexandraGontscharowa: Es gab keine Beschwerden. Es wurde von Profis, unseren IT-Studenten, entwickelt, daher denke ich, dass sie sich um die Sicherheit gekümmert haben.

OlegDikun: Der Antrag wird auch auf der CEC-Website veröffentlicht. Wenn Sie uns nicht vertrauen, dann sollte das CEC dies tun, sie haben dort auf jeden Fall alles überprüft.

BRSM geht mit der Zeit und ich höre immer wieder, dass Sie Anwendungen entwickeln und erfinden. Warum eine solche Betonung dieser Richtung, welche Wirksamkeit hat sie? Mir scheint, dass nur noch wenige Menschen ihr Telefon mit verschiedenen Anwendungen verstopfen?

OlegDikun: Heute arbeiten wir aktiv an der Erstellung der BRSM-Anwendung. Sie können sehen, was die Organisation tut, erhalten schnell Informationen über unsere Projekte und können mit uns Kontakt aufnehmen. Heutzutage möchten junge Menschen Informationen auf dem bequemsten Weg erhalten, und wir glauben, dass der bequemste Weg eine Bewerbung ist. Ich habe es heruntergeladen, mich angemeldet und eine Benachrichtigung erhalten, dass heute in Ihrer Stadt diese oder jene Veranstaltung stattfindet.

Wie viele Projekte aus „100 Ideen für Weißrussland“ haben praktische Anwendung gefunden und umgesetzt?

OlegDikun: Das Projekt „100 Ideen für Weißrussland“ ist bereits 8 Jahre alt. Das Projekt entwickelt sich und heute kann ich mit Stolz sagen: Es deckt alle Regionen ab. Jetzt haben wir zonale Etappen, danach kommen regionale und Minsker Stadtbühnen. Wir planen, im Februar eine republikanische Veranstaltung abzuhalten. Erstens ist dies eine Plattform für Jungs, auf der sie ihre Projekte zeigen und mit Mentoren zusammenarbeiten können, die ihnen sagen, wo, was und wie sie sich verbessern können. Und das gibt jungen Menschen die Möglichkeit dazu Neues level, verbessern Sie Ihr Projekt.

10 Gewinner der republikanischen Bühne erhalten die Möglichkeit, kostenlos einen Businessplan zu entwickeln. Mit einem Businessplan nehmen Sie automatisch am Wettbewerb innovativer Projekte teil. Die Gewinner des Wettbewerbs für innovative Projekte erhalten die ersten Fördermittel für die Umsetzung ihrer Projekte. Es ist schwer zu sagen, wie viele Projekte bisher umgesetzt wurden, da es viele regionale Projekte gab. Eines der auffälligsten jüngsten Beispiele ist die Armprothese, die von Maxim Kiryanov entwickelt wurde. Solche Typen gibt es viele, und jedes Jahr werden es noch mehr, worüber wir uns freuen. Deshalb werden wir „100 Ideen für Weißrussland“ entwickeln, es mobiler machen, damit es für junge Menschen interessanter wird.

AlexandraGontscharowa: Ein weiterer Star unserer Organisation ist eine junge Mutter, sie selbst hat die Gipfel von Vulkanen bezwungen und ein Sorptionsmittel mit einem sehr schwierigen Namen entwickelt. Und als junge Wissenschaftlerin verfügt sie bereits über zwei Patente. Es gibt viele helle Sterne in der Belarussischen Republikanischen Jugendunion!

OlegDikun: Je mehr die Jungs sich und ihre Projekte auf verschiedenen Plattformen vorstellen, unter anderem in „100 Ideen für Weißrussland“, desto mehr Möglichkeiten gibt es, einen Investor, einen Sponsor zu finden, der Geld in ihre Umsetzung investiert.

Unsere Jugend ist aktiv und proaktiv. Wie wirkt sich das Ihrer Erfahrung nach auf politische Kampagnen aus? Welche Initiativen hat die Belarussische Republikanische Jugendunion?

Alexandra Gontscharowa: Wir haben ein gleichnamiges Spiel. Wir nicht politische Partei, aber wir haben eine sehr aktive Position. Es gibt Leute, die auf verschiedenen Ebenen als Beobachter an den Wahlkommissionen der Bezirke teilnehmen (an den Tagen der vorzeitigen Stimmabgabe und am 17. November werden sie Wahllokale beobachten). Es gibt Kandidaten für Stellvertreter, die Mitglieder unserer Organisation sind. Wir sind in dieser Kampagne sehr aktiv, und nicht nur in dieser.

Oleg Dikun: Heute unterstützen wir 10 unserer jungen Kandidaten. Gestern haben wir sie alle auf einer Plattform versammelt, wo sie besprochen haben, womit sie ins Repräsentantenhaus gehen, welche Projekte sie umsetzen möchten, welche Ideen sie haben, was die Bevölkerung ihnen während der Zeit des Unterschriftensammelns und der Treffen geäußert hat . Wir werden alle Informationen der Wähler sammeln und nach Möglichkeiten suchen, die Probleme der Menschen zu lösen. Unabhängig davon, ob unsere Jungs bestehen oder nicht, hoffen wir sehr, dass die Bevölkerung die jungen Kandidaten unterstützt.

Moderator: Wie aktiv reagieren Mitglieder Ihrer Organisation auf Ereignisse wie beispielsweise einen Wahlkampf?

Alexandra Gontscharowa: Jeden Samstag veranstalten wir in Großstädten Wahlkampfdemonstrationen für Jugendliche, bei denen wir ihnen sagen, wann die Wahlen stattfinden, wie sie ihr Wahllokal finden und den Bewohnern unsere Anwendung „Vote!“ vorstellen.

In Gomel wurde die Initiative „Bürger-ABC“ entwickelt, bei der man die Rolle eines Parlamentariers ausprobieren kann. Die Jungs entwickeln selbst Rechnungen und schicken sie zur Überarbeitung. Daher arbeiten wir nicht nur mit jungen Menschen zusammen, die bereits das Wahlrecht haben, sondern auch mit denen, die in ein oder zwei Jahren wählen werden. Mit den Jungs wird viel Informationsarbeit geleistet.

Dies mag eine erwartete Frage sein, aber dennoch. Das Internet, soziale Netzwerke – dort konzentrieren sich viele junge Menschen und viele mehrdeutige Informationen. Bitte teilen Sie uns diese Richtung mit. Wie arbeitet man im Internet, ist das notwendig? Vielleicht gibt es einige Informationsseminare, denn in diesem Strom muss den Kindern beigebracht werden, auszuwählen, was notwendig und nützlich ist, und nicht in einem Strom von Fälschungen.

Oleg Dikun: Schwere Frage. Heute ist dies ein Problem für die gesamte Menschheit. Es finden viele Cybersicherheitskonferenzen statt. Wir können sagen, dass das Internet gleichzeitig Vorteile und Negativität mit sich bringt. Wir arbeiten aktiv am Internet, und das ist sicherlich notwendig, denn alle jungen Menschen sind online und deshalb müssen wir Informationen auf eine für sie bequeme Weise vermitteln. Wir sind in sozialen Netzwerken vertreten; für alle unsere regionalen Organisationen wurden Gruppen auf VKontakte, Instagram und Facebook erstellt. Wir arbeiten mit Instant Messengern – Telegram, Viber. Wir denken über Programme nach, die den Kindern vielleicht auf spielerische Weise vermitteln, was gut und was schlecht ist. Wir freuen uns über alle Vorschläge und Initiativen, denn eigentlich ist das ein wunder Punkt.

Lohnt es sich, das Internet zu verbieten? Diese Frage wurde dem Staatsoberhaupt kürzlich gestellt. Meiner Meinung nach lohnt es sich nicht, denn das Verbot weckt Interesse. Sie müssen lediglich die Informationen richtig darstellen und sagen, was nützlich ist und wie Sie sie im Internet erhalten. Nun, niemand hat die Kindersicherung aufgehoben; Sie müssen sich dafür interessieren, was Kinder in sozialen Netzwerken tun und welche Websites sie besuchen.

Alexandra Gontscharowa: Als wir darüber diskutierten, wie wir diese Kerle aus dem Internet entfernen könnten, kamen wir zu dem Schluss, dass es keine Möglichkeit gibt. Und dann stellt sich die Frage, womit wir dieses Informationsfeld sättigen, in dem sie kommunizieren. Mittlerweile sind auf unserer Plattform viele Projekte für Pioniere und sogar für Oktoberstudenten veröffentlicht. Lassen Sie mich gleich prahlen, dass unsere Ressource mit dem TIBO-2019-Award als beste Website für Kinder und Jugendliche ausgezeichnet wurde. Wir haben viele Projekte, dank derer Kinder lernen, Informationen zu finden, sie richtig zu nutzen und ihre Zeit positiv im Internet zu verbringen. In unserem Projekt „Votchyna Bai“ erstellen Kinder ein oder zwei Mal QR-Codes. Wir versuchen, dieses Informationsfeld mit nützlichen und interessanten Informationen zu füllen.

Bitte erzählen Sie uns etwas über das Open Dialogue-Projekt. Mit wem, wie und zu welchem ​​Zweck findet dieser Dialog statt?

AlexandraGontscharowa: Dies ist eine der Kommunikationsplattformen, die die Belarussische Republikanische Jugendunion seit mehreren Jahren organisiert und zu der wir Experten und junge Menschen einladen offenes Format An verschiedene Themen kann mit Regierungsbeamten, Sportlern und unseren berühmten Persönlichkeiten kommunizieren und Probleme diskutieren, die die jüngere Generation betreffen. Jetzt haben wir eine Dialogreihe unter dem allgemeinen Titel „Belarus und ich“ eröffnet, die dem Wahlkampf gewidmet ist. Dieses Projekt wird seit langem und erfolgreich umgesetzt.

OlegDikun: Es ist wichtig zu klären, warum „Belarus und ich“. Alle sagen, der Staat hat uns dies nicht gegeben, hat uns jenes nicht gegeben, der Staat ist schlecht. Wir haben darüber nachgedacht und beschlossen, das Thema zu diskutieren: „Was der Staat für die Jugend getan hat und was die Jugend für den Staat getan hat.“ Was jeder von uns persönlich dem Staat gegeben hat oder geben will, welche Ideen und Projekte wir haben. Es ist leicht zu kritisieren, aber Sie schlagen etwas vor. Wenn Sie Ideen oder Anregungen haben, sind wir jederzeit zum Dialog bereit.

Wie sind Sie persönlich zur Belarussischen Republikanischen Jugendunion gekommen? Bedauern Sie etwas, ist es schwierig, aktiv und führend zu sein, und was hat es Ihnen gebracht?

Oleg Dikun: Ich bin zu der Organisation gekommen, weil ich an meiner Schule einen guten Lehrer-Organisator hatte, der es geschafft hat, mich für verschiedene Tätigkeitsbereiche, einschließlich der Jugendunion, zu interessieren. Wir nahmen aktiv an Kulturprogrammen und Wettbewerben teil und besuchten als Anreiz die Fachverschiebung der Belarussischen Republikanischen Jugendunion in „Zubrenok“, wo uns gezielt die Tätigkeit der Organisation vorgestellt wurde. An ihre Stelle traten die Sekretäre des Zentralkomitees; für mich waren sie fast Götter. Ich habe geschaut, zugehört, bewundert und gedacht, so beschäftigte Leute, so ernst. Mein aktive Arbeit Ich habe in der Schule angefangen und bin dann an die Universität gegangen, wo ich im Laufe der Zeit Sekretärin der Fakultät und dann Sekretärin der Hauptorganisation der Universität wurde. Heute arbeite ich im Zentralkomitee der Belarussischen Republikanischen Jugendunion. Ist es schwierig? Es ist nicht einfach, aber wenn man ein Projekt umsetzt und es in der Fertigstellungsphase ist, ist man begeistert, wenn die Augen der Jungs leuchten. Am liebsten unterstütze ich die Ideen der Jungs und helfe ihnen bei der Umsetzung. Es ist toll!

Alexandra Gontscharowa: Vor einiger Zeit schlüpfte ich in die Rolle des Lehrer-Organisators, der die Kinder in seinen Bann zog. Mittlerweile gibt es so viele öffentliche Vereine, dass ich die Kinder in diese Aktivität einbeziehen musste. Ich war mit etwas in der Arbeit von Jugendorganisationen nicht einverstanden und der Wunsch, es zu ändern und die Organisation besser zu machen, spielte in mir eine Rolle. Wenn Jungs anfangen, im Raum öffentlicher Vereine herumzuhängen, versteht man, dass sie es brauchen ... Ist es schwierig? Aber die Resonanz, die Sie jedes Mal nach Veranstaltungen und Projekten erhalten, überzeugt Sie davon, dass das, was ich tue, richtig ist. Und das Wichtigste: Ich habe es von meinem eigenen Kind. Das ist das Coolste, wenn die Augen der Jungs leuchten und sie die Organisation verbessern wollen, und ich hoffe, dass wir das schaffen. Und wir werden dabei nicht aufhören.