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Die Romantik als Strömung in der Malerei entstand in Westeuropa zurück am Ende des 18. Jahrhunderts. In den 20er und 30er Jahren erreichte die Romantik in der Kunst der meisten westeuropäischen Länder ihren Höhepunkt. 19. Jahrhundert.

Der Begriff „Romantik“ selbst leitet sich vom Wort „Roman“ ab (im 17. Jahrhundert waren Romane literarische Werke, die nicht in Latein, sondern in davon abgeleiteten Sprachen – Französisch, Englisch usw. – verfasst wurden). Später wurde alles Unverständliche und Geheimnisvolle als romantisch bezeichnet.

Als kulturelles Phänomen entstand die Romantik aus einer besonderen Weltanschauung, die durch die Ergebnisse der Großen Französischen Revolution hervorgebracht wurde. Desillusioniert von den Idealen der Aufklärung schufen die nach Harmonie und Integrität strebenden Romantiker neue ästhetische Ideale und künstlerische Werte. Im Mittelpunkt ihrer Aufmerksamkeit standen herausragende Charaktere mit all ihren Erfahrungen und ihrem Wunsch nach Freiheit. Der Held romantischer Werke - außergewöhnlicher Mensch, der sich durch den Willen des Schicksals in schwierigen Lebensumständen befand.

Obwohl die Romantik als Protest gegen die Kunst des Klassizismus entstand, stand sie dieser in vielerlei Hinsicht nahe. Romantiker waren teilweise Vertreter des Klassizismus wie N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingr.

Die Romantiker führten nationale Besonderheiten in die Malerei ein, etwas, das der Kunst der Klassiker fehlte.
Der größte Vertreter Französische Romantik war T. Gericault.

Theodore Gericault

Theodore Gericault, der große französische Maler, Bildhauer und Grafiker, wurde 1791 in Rouen in eine wohlhabende Familie geboren. Sein künstlerisches Talent zeigte sich schon früh. Anstatt den Unterricht in der Schule zu besuchen, saß Gericault oft im Stall und zeichnete Pferde. Schon damals ging es ihm darum, nicht nur die äußeren Merkmale der Tiere aufs Papier zu bringen, sondern auch deren Wesen und Charakter zu vermitteln.

Nach seinem Abschluss am Lyceum im Jahr 1808 wurde Gericault Schüler des damals berühmten Malermeisters Carl Vernet, der für seine Fähigkeit, Pferde auf Leinwand darzustellen, berühmt war. Allerdings gefiel dem jungen Künstler Vernets Stil nicht. Bald verlässt er die Werkstatt und studiert bei einem anderen, nicht weniger talentierten Maler als Vernet, P. N. Guerin. Von zwei lernen berühmte Künstler Allerdings setzte Gericault seine Traditionen in der Malerei nicht fort. Seine wahren Lehrer dürften höchstwahrscheinlich J. A. Gros und J. L. David sein.

Gericaults frühe Werke zeichnen sich dadurch aus, dass sie möglichst lebensnah sind. Solche Gemälde sind ungewöhnlich ausdrucksstark und pathetisch. Sie zeigen die enthusiastische Stimmung des Autors, wenn er die Welt um ihn herum beurteilt. Ein Beispiel ist das Gemälde mit dem Titel „Offizier der kaiserlichen Pferdejäger während eines Angriffs“ aus dem Jahr 1812. Dieses Gemälde wurde erstmals von Besuchern des Pariser Salons gesehen. Sie nahmen den Job mit Bewunderung an junger Künstler, das Talent des jungen Meisters zu schätzen.

Das Werk entstand in der Epoche der französischen Geschichte, als Napoleon auf dem Höhepunkt seines Ruhms stand. Seine Zeitgenossen vergötterten ihn, einen großen Kaiser, dem es gelang, den größten Teil Europas zu erobern. In dieser Stimmung, unter dem Eindruck der Siege der napoleonischen Armee, entstand das Bild. Die Leinwand zeigt einen Soldaten, der zu Pferd zum Angriff galoppiert. Sein Gesicht drückt Entschlossenheit, Mut und Furchtlosigkeit angesichts des Todes aus. Die ganze Komposition
ungewöhnlich dynamisch und emotional. Der Betrachter hat das Gefühl, selbst zum echten Teilnehmer des auf der Leinwand dargestellten Geschehens zu werden.

Die Figur des tapferen Soldaten wird in den Werken von Gericault mehr als einmal auftauchen. Unter diesen Bildern sind die Helden der Gemälde „Carabinieri-Offizier“, „Kürassier-Offizier vor einem Angriff“, „Porträt eines Carabinieri“ und „Verwundeter Kürassier“ von besonderem Interesse, die zwischen 1812 und 1814 entstanden sind. Das letzte Werk ist insofern bemerkenswert, als es auf der nächsten Ausstellung im Salon im selben Jahr präsentiert wurde. Dies ist jedoch nicht der Hauptvorteil der Zusammensetzung. Noch wichtiger ist, dass es die Veränderungen zeigte, die im kreativen Stil des Künstlers stattgefunden hatten. Spiegelten seine ersten Gemälde aufrichtige patriotische Gefühle wider, so weicht in seinen Werken aus dem Jahr 1814 das Pathos in der Heldendarstellung dem Drama.

Ein solcher Stimmungswandel des Künstlers war wiederum mit den damaligen Ereignissen in Frankreich verbunden. Im Jahr 1812 wurde Napoleon in Russland besiegt, wodurch er, der einst ein brillanter Held war, bei seinen Zeitgenossen den Ruhm eines erfolglosen Heerführers und eines arroganten, stolzen Mannes erlangte. Géricault verkörpert in dem Gemälde „Der verwundete Kürassier“ die ideale Enttäuschung. Die Leinwand zeigt einen verwundeten Krieger, der versucht, das Schlachtfeld schnell zu verlassen. Er stützt sich auf einen Säbel – eine Waffe, die er vielleicht noch vor wenigen Minuten hoch in die Luft gehalten hat.

Es war Géricaults Unzufriedenheit mit Napoleons Politik, die ihn dazu veranlasste, in die Dienste Ludwigs XVIII. zu treten, der 1814 den französischen Thron bestieg. Pessimistische Gefühle waren auch mit der Tatsache verbunden, dass nach Napoleons zweiter Machtergreifung in Frankreich (der Hundert-Tage-Periode) Der junge Künstler verließ mit Bourbonen sein Heimatland. Aber auch hier wurde er enttäuscht. Der junge Mann konnte nicht ruhig zusehen, wie der König alles zerstörte, was während der Herrschaft Napoleons erreicht worden war. Darüber hinaus verschärfte sich unter Ludwig XVIII. die feudal-katholische Reaktion, das Land erholte sich immer schneller und kehrte zur alten Staatsstruktur zurück. Dies konnte von den jungen, fortschrittlichen Menschen nicht akzeptiert werden denkender Mann. Sehr bald verlässt der junge Mann, nachdem er den Glauben an seine Ideale verloren hat, die von Ludwig XVIII. angeführte Armee und greift wieder zu Pinseln und Farben. Diese Jahre können im Werk des Künstlers nicht als strahlend oder bemerkenswert bezeichnet werden.

Im Jahr 1816 unternahm Gericault eine Reise nach Italien. Nachdem ich Rom und Florenz besucht und die Meisterwerke studiert hatte berühmte Meister, der Künstler ist begeistert monumentale Malerei. Seine Aufmerksamkeit gilt vor allem Michelangelos Fresken, die ihn schmücken Sixtinische Kapelle. Zu dieser Zeit schuf Gericault Werke, deren Ausmaß und Erhabenheit in vielerlei Hinsicht an die Gemälde von Malern erinnerten Hochrenaissance. Darunter größtes Interesse stellen „Die Vergewaltigung einer Nymphe durch einen Zentauren“ und „Der Mann, der den Stier tötet“ dar.

Die gleichen Merkmale des Stils der alten Meister sind in dem um 1817 entstandenen Gemälde „Der Lauf freier Pferde in Rom“ zu sehen, das Reiterwettkämpfe bei einem der Karnevale in Rom darstellt. Die Besonderheit dieser Komposition besteht darin, dass sie vom Künstler aus zuvor angefertigten Naturzeichnungen zusammengestellt wurde. Darüber hinaus weicht die Art der Skizzen deutlich vom Stil des Gesamtwerks ab. Wenn es sich bei den ersten Szenen um Szenen handelt, die das Leben der Römer – der Zeitgenossen des Künstlers – beschreiben, dann gibt es in der Gesamtkomposition Bilder von Mut antike Helden, als käme es aus alten Geschichten. Damit folgt Gericault dem Weg von J. L. David, der, um dem Bild heroisches Pathos zu verleihen, seine Helden in antike Formen kleidete.

Kurz nachdem er dieses Gemälde gemalt hatte, kehrte Gericault nach Frankreich zurück, wo er sich dem Oppositionskreis um den Maler Horace Vernet anschloss. Bei seiner Ankunft in Paris interessierte sich der Künstler vor allem für die Grafik. 1818 schuf er eine Reihe von Lithographien Militärisches Thema, unter denen „Rückkehr aus Russland“ das bedeutendste war. Die Lithographie zeigt besiegte Soldaten der französischen Armee, die über ein verschneites Feld wandern. Die Figuren verkrüppelter und kriegsmüder Menschen werden lebensecht und wahrheitsgetreu dargestellt. In der Komposition gibt es kein Pathos oder heroisches Pathos, was für Gericaults frühe Werke charakteristisch war. Der Künstler ist bestrebt, den tatsächlichen Stand der Dinge widerzuspiegeln, all die Katastrophen, die die von ihrem Kommandanten zurückgelassenen französischen Soldaten in einem fremden Land ertragen mussten.

In der Arbeit „Rückkehr aus Russland“ wurde erstmals das Thema des Kampfes des Menschen mit dem Tod erörtert. Allerdings kommt dieses Motiv hier noch nicht so deutlich zum Ausdruck wie in Gericaults späteren Werken. Ein Beispiel für solche Gemälde ist das Gemälde „Das Floß der Medusa“. Es wurde 1819 gemalt und im selben Jahr im Pariser Salon ausgestellt. Die Leinwand zeigt Menschen, die mit den tosenden Wasserelementen zu kämpfen haben. Der Künstler zeigt nicht nur ihr Leid und ihre Qual, sondern auch ihren Wunsch, im Kampf mit dem Tod um jeden Preis als Sieger hervorzugehen.

Die Handlung der Komposition wird von einem Ereignis bestimmt, das sich im Sommer 1816 ereignete und ganz Frankreich erregte. Die damals berühmte Fregatte „Medusa“ prallte vor der Küste Afrikas auf ein Riff und sank. Von den 149 Menschen auf dem Schiff konnten nur 15 fliehen, darunter der Chirurg Savigny und der Ingenieur Correar. Als sie zu Hause ankamen, veröffentlichten sie ein kleines Buch, in dem sie von ihren Abenteuern und ihrer glücklichen Erlösung erzählten. Aus diesen Erinnerungen erfuhren die Franzosen, dass das Unglück auf die Schuld des unerfahrenen Kapitäns des Schiffes zurückzuführen war, der dank der Schirmherrschaft eines edlen Freundes an Bord kam.

Die von Gericault geschaffenen Bilder sind ungewöhnlich dynamisch, flexibel und ausdrucksstark, was dem Künstler durch lange und sorgfältige Arbeit gelungen ist. Um schreckliche Ereignisse wahrheitsgetreu auf Leinwand darzustellen und die Gefühle der auf See sterbenden Menschen zu vermitteln, trifft sich der Künstler mit Augenzeugen der Tragödie. lange Zeit untersucht die Gesichter erschöpfter Patienten, die in einem der Krankenhäuser in Paris behandelt werden, sowie die Gesichter von Seeleuten, denen nach Schiffbrüchen die Flucht gelang. Zu dieser Zeit schuf der Maler große Zahl Porträtarbeiten.

Auch das tosende Meer, als würde es versuchen, ein zerbrechliches Holzfloß voller Menschen zu verschlingen, ist von tiefer Bedeutung erfüllt. Dieses Bild ist ungewöhnlich ausdrucksstark und dynamisch. Ebenso wie die menschlichen Figuren wurde es dem Leben nachempfunden: Der Künstler fertigte mehrere Skizzen an, die das Meer während eines Sturms darstellten. Bei der Arbeit an der monumentalen Komposition griff Gericault mehr als einmal auf zuvor erstellte Skizzen zurück, um die Natur der Elemente vollständig widerzuspiegeln. Deshalb hinterlässt das Bild einen großen Eindruck beim Betrachter und überzeugt ihn vom Realismus und der Wahrhaftigkeit des Geschehens.

„Das Floß der Medusa“ präsentiert Géricault als bemerkenswerten Meister der Komposition. Für eine lange Zeit Der Künstler dachte darüber nach, wie er die Figuren im Bild anordnen sollte, um die Absicht des Autors am besten zum Ausdruck zu bringen. Unterwegs wurden mehrere Änderungen vorgenommen. Die dem Gemälde vorangehenden Skizzen deuten darauf hin, dass Géricault zunächst den Kampf der Menschen auf dem Floß miteinander darstellen wollte, später jedoch eine solche Interpretation des Ereignisses aufgab. In der endgültigen Fassung stellt die Leinwand den Moment dar, in dem bereits verzweifelte Menschen das Argus-Schiff am Horizont sehen und ihre Hände danach ausstrecken. Die letzte Ergänzung zum Gemälde war die folgende mit rechte Seite Leinwände, menschliche Figur. Sie war es, die der Komposition den letzten Schliff gab, die danach einen zutiefst tragischen Charakter annahm. Bemerkenswert ist, dass diese Änderung vorgenommen wurde, als das Gemälde bereits im Salon ausgestellt war.

Mit seiner Monumentalität und gesteigerten Emotionalität erinnert Géricaults Gemälde in vielerlei Hinsicht an die Werke der Meister der Hochrenaissance (in in einem größeren Ausmaß « Jüngstes Gericht„Michelangelo“, den der Künstler während einer Italienreise kennenlernte.

Das Gemälde „Das Floß der Medusa“, das zu einem Meisterwerk der französischen Malerei wurde, war ein großer Erfolg in Oppositionskreisen, die darin ein Spiegelbild revolutionärer Ideale sahen. Aus den gleichen Gründen wurde das Werk vom höchsten Adel und den offiziellen Vertretern der schönen Künste Frankreichs nicht akzeptiert. Aus diesem Grund wurde das Gemälde damals nicht vom Staat vom Autor erworben.

Enttäuscht über den Empfang seiner Schöpfung in seiner Heimat reist Géricault nach England, wo er den Briten sein Lieblingswerk vorstellt. In London nahmen Kunstkenner das berühmte Gemälde mit großer Freude entgegen.

Géricault kommt englischen Künstlern nahe, die ihn durch ihre Fähigkeit faszinieren, die Realität aufrichtig und wahrheitsgetreu darzustellen. Géricault widmet dem Leben und Alltag der Hauptstadt Englands eine Reihe von Lithographien, von denen die interessantesten die Werke „The Great English Suite“ (1821) und „The Old Beggar Dying at the Bakery Door“ (1821) sind. . Darin stellte der Künstler einen Londoner Landstreicher dar, dessen Bild die Eindrücke widerspiegelte, die der Maler bei der Untersuchung des Lebens der Menschen in den Arbeitervierteln der Stadt erhielt.

Derselbe Zyklus umfasste Lithografien wie „Der Schmied von Flandern“ und „Vor den Toren der Adelfin-Werft“, die dem Betrachter ein Bild des Lebens präsentierten gewöhnliche Menschen London. Interessant an diesen Werken sind die Bilder von Pferden, schwer und schwer. Sie unterscheiden sich deutlich von den anmutigen und anmutigen Tieren, die von anderen Künstlern – Zeitgenossen von Gericault – gemalt wurden.

Während seines Aufenthalts in der Hauptstadt Englands schuf Gericault nicht nur Lithografien, sondern auch Gemälde. Eines der auffälligsten Werke dieser Zeit war das 1821 entstandene Gemälde „Racing at Epsom“. Auf dem Gemälde stellt der Künstler Pferde dar, die mit voller Geschwindigkeit laufen und deren Füße den Boden überhaupt nicht berühren. Der Meister nutzt diese raffinierte Technik (das Foto hat gezeigt, dass eine solche Position der Pferdebeine beim Laufen unmöglich ist; das ist die Einbildung des Künstlers), um der Komposition Dynamik zu verleihen und beim Betrachter den Eindruck der blitzschnellen Bewegung zu erwecken die Pferde. Dieses Gefühl wird durch die genaue Wiedergabe der Plastizität (Körperhaltungen, Gesten) menschlicher Figuren sowie durch die Verwendung von hellen und satten Farben verstärkt Farbkombinationen(rote, braune, weiße Pferde; satte blaue, dunkelrote, weiß-blaue und goldgelbe Jockeyjacken).

Das Thema Pferderennen, das mit seinem besonderen Ausdruck seit langem die Aufmerksamkeit des Malers auf sich gezogen hatte, wiederholte sich mehr als einmal in den Werken, die Géricault nach Abschluss der Arbeit an „The Epsom Races“ schuf.

1822 verließ der Künstler England und kehrte in seine Heimat Frankreich zurück. Hier schafft er große Leinwände, die den Werken von Renaissance-Meistern ähneln. Darunter sind „Der Negerhandel“ und „Die Türen des Inquisitionsgefängnisses in Spanien öffnen“. Diese Gemälde blieben unvollendet – der Tod verhinderte, dass Gericault das Werk vollenden konnte.

Von besonderem Interesse sind die Porträts, deren Entstehung durch Kunsthistoriker auf die Zeit von 1822 bis 1823 zurückgeht. Besondere Aufmerksamkeit verdient die Geschichte ihrer Malerei. Tatsache ist, dass diese Porträts von einem Freund des Künstlers in Auftrag gegeben wurden, der als Psychiater in einer der Kliniken in Paris arbeitete. Sie sollten eine Art Illustration werden, die verschiedene menschliche Geisteskrankheiten verdeutlicht. So entstanden die Porträts „Crazy Old Woman“, „Madman“ und „Madman Imagining Himself a Commander“. Für den Meister der Malerei war es nicht so sehr wichtig, die äußeren Anzeichen und Symptome der Krankheit zu zeigen, sondern vielmehr die inneren, Geisteszustand Kranke. Auf den Leinwänden erscheinen tragische Bilder von Menschen vor dem Betrachter, dessen Augen voller Schmerz und Trauer sind.

Unter den Porträts von Gericault nimmt das Porträt eines schwarzen Mannes, das sich derzeit in der Sammlung des Rouen-Museums befindet, einen besonderen Platz ein. Ein entschlossener und willensstarker Mann blickt von der Leinwand aus auf den Betrachter, bereit, bis zum Ende gegen die ihm feindlichen Mächte zu kämpfen. Das Bild ist ungewöhnlich hell, emotional und ausdrucksstark. Der Mann auf diesem Bild ist jenen willensstarken Helden sehr ähnlich, die Géricault zuvor in großen Kompositionen gezeigt hat (zum Beispiel auf dem Gemälde „Das Floß der Medusa“).

Gericault war nicht nur ein Meister der Malerei, sondern auch ein hervorragender Bildhauer. Seine Werke in dieser Kunstform sind Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte stellten die ersten Beispiele romantischer Skulpturen dar. Unter diesen Werken ist die ungewöhnlich ausdrucksstarke Komposition „Nymphe und Satyr“ von besonderem Interesse. Die in Bewegung eingefrorenen Bilder vermitteln präzise die Plastizität des menschlichen Körpers.

Theodore Gericault starb 1824 in Paris auf tragische Weise, als er vom Pferd stürzte. Sein früher Tod war für alle Zeitgenossen des berühmten Künstlers eine Überraschung.

Gericaults Werk markiert neue Bühne in der Entwicklung der Malerei nicht nur in Frankreich, sondern auch in der Weltkunst - der Zeit der Romantik. In seinen Werken überwindet der Meister den Einfluss klassizistischer Traditionen. Seine Werke sind ungewöhnlich farbenfroh und spiegeln die Vielfalt der Natur wider. Durch die Einbeziehung menschlicher Figuren in die Komposition ist der Künstler bestrebt, die inneren Erfahrungen und Emotionen eines Menschen so vollständig und klar wie möglich zu offenbaren.

Nach dem Tod von Gericault seine Traditionen romantische Kunst wurden von E. Delacroix, einem jüngeren Zeitgenossen des Künstlers, aufgegriffen.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, berühmt Französischer Künstler und ein Grafiker, ein Nachfolger der Traditionen der Romantik, die sich im Werk von Gericault entwickelten, wurde 1798 geboren. Ohne seine Ausbildung am kaiserlichen Lyzeum abzuschließen, begann Delacroix 1815 eine Ausbildung beim berühmten Meister Guerin. Die künstlerischen Methoden des jungen Malers entsprachen jedoch nicht den Anforderungen des Lehrers, sodass der junge Mann ihn sieben Jahre später verließ.

Delacroix studierte bei Guerin und widmete viel Zeit dem Studium der Werke Davids und der Meister der Malerei der Renaissance. Er betrachtet die Kultur der Antike, deren Traditionen David folgte, als grundlegend für die Entwicklung der Weltkunst. Daher waren die ästhetischen Ideale für Delacroix das Werk von Dichtern und Denkern Antikes Griechenland Unter ihnen schätzte der Künstler besonders die Werke von Homer, Horaz und Marcus Aurelius.

Delacroix‘ erste Werke waren unvollendete Gemälde, auf denen der junge Maler den Kampf der Griechen mit den Türken widerspiegeln wollte. Allerdings fehlten dem Künstler das Können und die Erfahrung, ein ausdrucksstarkes Gemälde zu schaffen.

1822 stellte Delacroix sein Werk „Dante und Vergil“ im Pariser Salon aus. Diese ungewöhnlich emotionale und farbenfrohe Leinwand erinnert in vielerlei Hinsicht an Gericaults Werk „Das Floß der Medusa“.

Zwei Jahre später wurde dem Publikum im Salon ein weiteres Gemälde von Delacroix, „Das Massaker auf Chios“, präsentiert. Hier wurde der langjährige Plan des Künstlers verkörpert, den Kampf der Griechen mit den Türken zu zeigen. Allgemeine Zusammensetzung Das Gemälde besteht aus mehreren Teilen, die separat platzierte Menschengruppen bilden, von denen jeder seinen eigenen dramatischen Konflikt hat. Insgesamt vermittelt das Werk den Eindruck einer tiefen Tragödie. Das Gefühl von Spannung und Dynamik wird durch die Kombination glatter und scharfer Linien, die die Figuren der Figuren bilden, verstärkt, was zu einer Veränderung der Proportionen der vom Künstler dargestellten Person führt. Doch gerade dadurch erhält das Bild einen realistischen Charakter und eine lebensnahe Überzeugungskraft.

Delacroix‘ kreative Methode, die in „Das Massaker von Chios“ voll zum Ausdruck kommt, ist weit entfernt von dem klassizistischen Stil, der damals in offiziellen Kreisen in Frankreich und unter Vertretern der schönen Künste akzeptiert wurde. Daher stieß das Gemälde des jungen Künstlers im Salon auf scharfe Kritik.

Trotz des Scheiterns bleibt der Maler seinem Ideal treu. 1827 erschien ein weiteres Werk, dem Thema gewidmet der Kampf des griechischen Volkes um Unabhängigkeit – „Griechenland auf den Ruinen von Missolonghi“. Die hier auf der Leinwand abgebildete Figur einer entschlossenen und stolzen Griechin verkörpert das unbesiegte Griechenland.

Im Jahr 1827 schuf Delacroix zwei Werke, die die kreative Suche des Meisters auf dem Gebiet der Mittel und Methoden widerspiegelten künstlerischer Ausdruck. Dies sind die Gemälde „Der Tod des Sardanapalus“ und „Marino Faliero“. Im ersten Teil wird die Tragik der Situation in der Bewegung menschlicher Figuren zum Ausdruck gebracht. Nur das Bild von Sardanapalus selbst ist hier statisch und ruhig. In der Komposition „Marino Faliero“ ist nur die Figur der Hauptfigur dynamisch. Der Rest der Helden schien bei dem Gedanken an das, was passieren würde, vor Entsetzen erstarrt zu sein.

In den 20er Jahren 19. Jahrhundert Delacroix vollendete eine Reihe von Werken, deren Themen berühmten Vorbildern entnommen waren literarische Werke. Im Jahr 1825 besuchte der Künstler England, die Heimat von William Shakespeare. Im selben Jahr, unter dem Eindruck dieser Reise und Tragödie berühmter Dramatiker Delacroix fertigte eine Lithographie von Macbeth an. In der Zeit von 1827 bis 1828 entstand die Lithographie „Faust“, die Goethes gleichnamigem Werk gewidmet ist.

Im Zusammenhang mit den Ereignissen in Frankreich im Jahr 1830 malte Delacroix das Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“. Das revolutionäre Frankreich wird im Bild einer jungen, starken Frau dargestellt, kraftvoll, entscheidungsfreudig und unabhängig, die mutig die Menge anführt, wobei die Figuren einer Arbeiterin, einer Studentin, eines verwundeten Soldaten, einer Pariserin hervorstechen (ein Bild, das vorwegnahm). Gavroche, der später in V. Hugos Les Miserables auftrat).

Dieses Werk unterschied sich deutlich von ähnlichen Werken anderer Künstler, denen es nur um die wahrheitsgetreue Darstellung eines bestimmten Ereignisses ging. Die Gemälde von Delacroix zeichneten sich durch ein hohes heroisches Pathos aus. Die Bilder hier sind verallgemeinerte Symbole der Freiheit und Unabhängigkeit des französischen Volkes.

Mit der Machtübernahme von Louis Philippe - König-Bourgeois-Heldentum und erhabene Gefühle Für das, was Delacroix predigte, war darin kein Platz modernes Leben. 1831 unternahm der Künstler eine Reise in afrikanische Länder. Er besuchte Tanger, Meknès, Oran und Algier. Zur gleichen Zeit besucht Delacroix Spanien. Das Leben des Ostens fasziniert den Künstler mit seinem rasanten Fluss im wahrsten Sinne des Wortes. Er erstellt Skizzen, Zeichnungen und eine Reihe von Aquarellarbeiten.

Nach seinem Besuch in Marokko malte Delacroix Leinwände, die dem Osten gewidmet waren. Die Gemälde, in denen der Künstler Pferderennen oder Schlachten maurischer Reiter zeigt, sind ungewöhnlich dynamisch und ausdrucksstark. Im Vergleich dazu wirkt die 1834 entstandene Komposition „Algerian Women in Their Chambers“ ruhig und statisch. Es weist nicht die rasante Dynamik und Spannung auf, die für die früheren Werke des Künstlers charakteristisch sind. Delacroix tritt hier als Meister der Farbe auf. Das vom Maler verwendete Farbschema spiegelt voll und ganz die helle Vielfalt der Palette wider, die der Betrachter mit den Farben des Ostens verbindet.

Das um 1841 entstandene Gemälde „Jüdische Hochzeit in Marokko“ zeichnet sich durch die gleiche gemächliche und maßvolle Natur aus. Dank der präzisen Darstellung der Einzigartigkeit des nationalen Interieurs durch den Künstler entsteht hier eine geheimnisvolle orientalische Atmosphäre. Die Komposition wirkt überraschend dynamisch: Der Maler zeigt, wie Menschen die Treppe hinaufsteigen und den Raum betreten. Das in den Raum einfallende Licht lässt das Bild realistisch und überzeugend wirken.

In den Werken von Delacroix waren orientalische Motive noch lange präsent. So waren bei der 1847 im Salon organisierten Ausstellung von den sechs von ihm präsentierten Werken fünf dem Leben und der Lebensweise des Ostens gewidmet.

In den 30-40er Jahren. Im 19. Jahrhundert tauchten im Werk von Delacroix neue Themen auf. Zu dieser Zeit schafft der Meister Werke zu historischen Themen. Unter ihnen verdienen die Gemälde „Mirabeaus Protest gegen die Auflösung der Generalstände“ und „Boissy d’Anglas“ besondere Aufmerksamkeit. Die Skizze des letzteren, die 1831 im Salon gezeigt wurde, ist ein eindrucksvolles Beispiel für Kompositionen zum Thema eines Volksaufstands.

Die Gemälde „Die Schlacht bei Poitiers“ (1830) und „Die Schlacht bei Taibourg“ (1837) sind dem Bild des Volkes gewidmet. Die Dynamik der Schlacht, die Bewegung der Menschen, ihre Wut, Wut und ihr Leid werden hier mit aller Realität dargestellt. Der Künstler ist bestrebt, die Emotionen und Leidenschaften einer Person zu vermitteln, die von dem Wunsch überwältigt wird, um jeden Preis zu gewinnen. Es sind vor allem die Figuren der Menschen, die den dramatischen Charakter des Ereignisses vermitteln.

Sehr oft stehen sich in den Werken von Delacroix der Sieger und der Besiegte scharf gegenüber. Besonders deutlich wird dies auf dem 1840 gemalten Gemälde „Die Eroberung Konstantinopels durch die Kreuzfahrer“. Im Vordergrund steht eine Gruppe von Menschen, die von Trauer überwältigt sind. Dahinter liegt eine reizvolle, bezaubernde Landschaft. Hier sind auch Figuren siegreicher Reiter platziert, deren bedrohliche Silhouetten im Kontrast zu den traurigen Figuren im Vordergrund stehen.

Die Eroberung Konstantinopels durch die Kreuzfahrer präsentiert Delacroix als bemerkenswerten Koloristen. Helle und satte Farben verstärken jedoch nicht das tragische Prinzip, dessen Exponenten traurige Figuren sind, die sich in der Nähe des Betrachters befinden. Im Gegenteil, die reichhaltige Palette vermittelt das Gefühl eines Feiertags, der zu Ehren der Gewinner organisiert wird.

Nicht weniger farbenfroh ist die im selben Jahr 1840 entstandene Komposition „Trajans Gerechtigkeit“. Die Zeitgenossen des Künstlers erkannten dieses Gemälde als eines der besten unter allen Gemälden des Künstlers. Besonders interessant ist die Tatsache, dass der Meister während der Arbeit auf dem Gebiet der Farbe experimentiert. Sogar seine Schatten nehmen unterschiedliche Schattierungen an. Alle Farben der Komposition entsprechen exakt der Natur. Der Ausführung des Werkes gingen lange Beobachtungen des Malers über Farbveränderungen in der Natur voraus. Der Künstler schrieb sie in sein Tagebuch. Anschließend bestätigten Wissenschaftler anhand der Aufzeichnungen, dass die Entdeckungen von Delacroix auf dem Gebiet der Tonalität vollständig mit der damals entstandenen Farblehre übereinstimmten, deren Begründer E. Chevreuil war. Darüber hinaus vergleicht der Künstler seine Entdeckungen mit der verwendeten Palette Venezianische Schule, was für ihn ein Beispiel für sein malerisches Können war.

Unter den Gemälden von Delacroix nehmen Porträts einen besonderen Platz ein. Der Meister wandte sich selten diesem Genre zu. Er malte nur Menschen, mit denen er schon lange vertraut war und deren spirituelle Entwicklung sich vor den Augen des Künstlers abspielte. Daher sind die Bilder in den Porträts sehr ausdrucksstark und tiefgründig. Dies sind die Porträts von Chopin und Georges Sand. Das dem berühmten Schriftsteller gewidmete Gemälde (1834) zeigt einen edlen und stark im Geiste eine Frau, die ihre Zeitgenossen bewundert. Das Porträt Chopins, das vier Jahre später, 1838, entstand, vermittelt ein poetisches und spirituelles Bild des großen Komponisten.

Das um 1831 von Delacroix gemalte Porträt des berühmten Geigers und Komponisten Paganini ist interessant und äußerst ausdrucksstark. Musikalischer Stil Paganini ähnelte in vielerlei Hinsicht der Malmethode des Künstlers. Paganinis Werk zeichnet sich durch den gleichen Ausdruck und die intensive Emotionalität aus, die für die Werke des Malers charakteristisch waren.

Landschaften nehmen im Werk von Delacroix einen kleinen Platz ein. Sie erwiesen sich jedoch als sehr bedeutsam für die Entwicklung der französischen Malerei des Zweiten Weltkriegs Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte. Delacroix‘ Landschaften sind geprägt von dem Wunsch, Licht und das flüchtige Leben der Natur präzise wiederzugeben. Anschauliche Beispiele dafür sind die Leinwände „Himmel“, auf denen durch schneeweiße Wolken, die über den Himmel schweben, ein Gefühl von Dynamik entsteht, und „Das Meer, das von den Ufern von Dieppe aus sichtbar ist“ (1854), in dem der Maler meisterhaft vermittelt das Gleiten leichter Segelschiffe auf der Meeresoberfläche.

1833 erhielt der Künstler vom französischen König den Auftrag, den Saal im Bourbon-Palast auszumalen. Arbeite an der Schöpfung monumentales Werk dauerte vier Jahre. Bei der Ausführung des Auftrages ließ sich der Maler vor allem davon leiten, dass die Bilder äußerst einfach und prägnant und für den Betrachter verständlich waren.
Delacroix‘ letztes Werk war das Gemälde der Kapelle der Heiligen Engel in der Kirche Saint-Sulpice in Paris. Es wurde in der Zeit von 1849 bis 1861 ausgeführt. Mit leuchtenden, satten Farben (Rosa, Hellblau, Flieder, platziert auf einem ascheblauen und gelbbraunen Hintergrund) erzeugt der Künstler in den Kompositionen eine freudige Stimmung, die ein Gefühl hervorruft im Betrachter begeisterter Jubel. Die Landschaft, die im Gemälde „Die Vertreibung Iliodors aus dem Tempel“ als eine Art Hintergrund enthalten ist, vergrößert optisch den Raum der Komposition und die Räumlichkeiten der Kapelle. Andererseits fügt Delacroix, als wollte er den geschlossenen Raum betonen, eine Treppe und eine Balustrade in die Komposition ein. Die dahinter platzierten Personenfiguren wirken fast wie flache Silhouetten.

Eugene Delacroix starb 1863 in Paris.

Delacroix war der gebildetste Maler der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Viele der Motive seiner Gemälde sind ihm entnommen literarische Werke berühmte Meister der Feder. Eine interessante Tatsache ist, dass der Künstler seine Figuren meistens ohne Modell malte. Er versuchte, seinen Anhängern dasselbe beizubringen. Laut Delacroix ist die Malerei etwas Komplexeres als das primitive Kopieren von Linien. Der Künstler glaubte, dass Kunst in erster Linie in der Fähigkeit liegt, die Stimmung und die kreative Absicht des Meisters auszudrücken.

Delacroix ist Autor mehrerer theoretische Arbeiten, Themen gewidmet Farben, Methode und Stil des Künstlers. Diese Werke dienten Malern nachfolgende Generationen ein Leuchtturm auf der Suche nach unserem Eigenen künstlerische Mittel, wird zum Erstellen von Kompositionen verwendet.

Nationale Konsolidierung, gestärkt durch patriotische Begeisterung Vaterländischer Krieg 1812, äußerte sich in einem gesteigerten Interesse an der Kunst und in einem gesteigerten Interesse am Volksleben im Allgemeinen. Die Popularität von Ausstellungen an der Akademie der Künste wächst. Seit 1824 finden sie regelmäßig statt – alle drei Jahre. Das Journal of Fine Arts beginnt mit der Veröffentlichung. Das Sammeln macht sich immer mehr bemerkbar. Neben dem Museum der Akademie der Künste entstand 1825 in der Eremitage die „Russische Galerie“. In den 1810er Jahren. Das „Russische Museum“ von P. Svinin wurde eröffnet.

Der Sieg im Vaterländischen Krieg von 1812 war einer der Gründe für die Entstehung eines neuen Ideals, das auf der Idee einer unabhängigen, stolzen, von starken Leidenschaften überwältigten Persönlichkeit basierte. Malerei bestätigt neuer Stil- Romantik, die nach und nach den als offiziellen Stil geltenden Klassizismus ablöste, in dem religiöse und mythologische Themen vorherrschten.

Bereits in den frühen Gemälden von K. L. Bryullov (1799-1852) „Italienischer Nachmittag“, „Bathseba“ zeigten sich nicht nur das Können und die Brillanz der Vorstellungskraft des Künstlers, sondern auch die Romantik der Weltanschauung. K. P. Bryullovs Hauptwerk „Der letzte Tag von Pompeji“ ist vom Geist des Historismus durchdrungen; sein Hauptinhalt ist nicht die Leistung eines einzelnen Helden, sondern das tragische Schicksal einer Masse von Menschen. Dieses Bild spiegelte indirekt die tragische Atmosphäre des Despotismus des Regimes von Nikolaus I. wider; öffentliches Leben Staaten.

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Die Romantik manifestierte sich in der Porträtmalerei von O. A. Kiprensky (1782-1836). Seit 1812 schuf der Künstler grafische Porträts von Teilnehmern des Vaterländischen Krieges, die mit ihm befreundet waren. Eine der besten Kreationen von O. A. Kiprensky gilt als das Porträt von A. S. Puschkin, nachdem er es gesehen hatte großer Dichter schrieb: „Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir.“

Die Traditionen der Romantik wurden vom Marinemaler I.K. Aivazovsky (1817-1900) entwickelt. Seine Werke, die Größe und Macht wiederherstellten, brachten ihm weltweiten Ruhm ein. Meereselemente(„Die neunte Welle“, „Schwarzes Meer“). Er widmete viele Gemälde den Heldentaten russischer Seeleute („Schlacht von Chesma“, „Schlacht von Navarino“). Während Krimkrieg 1853-1856 Im belagerten Sewastopol organisierte er eine Ausstellung seiner Schlachtengemälde. Anschließend stellte er anhand von Skizzen aus der Natur in mehreren Gemälden die heroische Verteidigung Sewastopols dar.

V.A. Tropinin (1776-1857), aufgewachsen in der sentimentalen Tradition des späten 18. Jahrhunderts, erlebte den enormen Einfluss der neuen romantischen Welle. Der Künstler, selbst ein ehemaliger Leibeigener, schuf eine Galerie mit Bildern von Handwerkern, Dienern und Bauern, die ihnen Züge spirituellen Adels verlieh („Spitzenklöpplerin“, „Näherin“). Details des Alltagslebens und der Arbeitsaktivitäten bringen diese Porträts der Genremalerei näher.

Ivan Konstantinovich Aivazovsky „Meer. „Sonniger Tag“ Privatsammlung Romantik

John Constable „Herbstbeeren und Blumen in einem braunen Topf“ Romantik

Thomas Sully „Porträt von Miss Mary und Emily McEwan“, 1823 Los Angeles County Museum of Art, USA Romantik

William Mo Eagly „So wie der Zweig gebogen ist, neigt sich der Baum“, 1861 Philadelphia Museum of Art, USA Romantik Das Gemälde ist nach dem Sprichwort „So wie der Zweig gebogen ist, neigt sich der Baum“ benannt. Das Analogon auf Russisch lautet: „Wo der Baum sich neigte, da fiel er.“

Ivan Konstantinovich Aivazovsky „Blick auf Teflis von Seyd-Abad“, 1868 Nationalgalerie Armenien, Eriwan-Romantik Seyd-Abad ist ein Viertel in Tiflis, berühmt für seine Schwefelbäder und unübertroffenen Bademeister. Wenn man über Seyd-Abad spricht, kommt man nicht umhin, die Geschichte des berühmten Abanotubani – Badeviertels – zu berühren. Es hatte mehrere Namen. Es gibt eine Legende, dass ein gewisser Flüchtling aus der Grenze, Paschalyk, sich eine Erkältung zugezogen hatte...

Karl Pavlovich Bryullov „Porträt der heitersten Prinzessin Elizaveta Pavlovna Saltykova“, 1841 Russisches Museum, St. Petersburg Romantik Die Prinzessin sitzt auf einem Stuhl auf der Terrasse ihres Anwesens. Auf dieser Leinwand voller lyrischer, gefühlvoller Noten schuf Bryullov ein poetisches Bild seiner Heldin. Elizaveta Pavlovna Saltykova (geb. Stroganova), Tochter des Grafen Stroganov, Philanthrop und Großindustrieller. Bryullov fühlte sich schon immer zu Frauen aus Adelsfamilien hingezogen...

Remy-Furcy Descarcin „Porträt des Doktors de S. beim Schachspiel mit dem Tod“, 1793 Museum der Französischen Revolution, Visium, Frankreich Romantik Der Inschrift auf dem Bildrahmen nach zu urteilen, wurde die Leinwand kurz vor 1793 vom Künstler gemalt vor seinem Tod (der Künstler wurde aus Sympathie für die Konterrevolution hingerichtet) und gehört ihm letzte Arbeit. Das Gemälde befand sich lange Zeit in Privatsammlungen und wurde...

Ivan Konstantinovich Aivazovsky „Nebliger Morgen in Italien“, 1864 Feodosia Kunstgalerie benannt nach I.K. Aivazovsky, Feodosia-Romantik 1840 geht Aivazovsky nach Italien. Dort trifft er prominente Persönlichkeiten der russischen Literatur, Kunst und Wissenschaft – Gogol, Alexander Iwanow, Botkin, Panajew. Gleichzeitig änderte der Künstler 1841 seinen Nachnamen Gaivazovsky in Aivazovsky. Die Aktivitäten des Künstlers in...

Joshua Reynolds „Porträt der Waldgrave-Schwestern“, 1780 National Gallery of Scotland, Edinburgh Romantik Für das Porträt der Waldgrave-Schwestern wählte Reynolds das traditionelle englische Gemäldegenre „Conversational Painting“. Er stellte sie dar, wie sie um einen Tisch saßen und Handarbeiten machten. Doch in seiner Performance wird die Alltagsszene ihrer Alltäglichkeit beraubt. Er strebt danach, seine Heldinnen über den Alltag hinauszuheben. Die Damen voller jugendlichem Charme sind in Weiß gekleidet…

Romantik(Romantik) ist eine ideologische und künstlerische Bewegung, die in der europäischen und amerikanischen Kultur des späten 18. Jahrhunderts – der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts – als Reaktion auf die Ästhetik des Klassizismus entstand.

Es entwickelte sich ursprünglich (1790er Jahre) in der Philosophie und Poesie in Deutschland und verbreitete sich später (1820er Jahre) in England, Frankreich und anderen Ländern. Er hat die neueste Entwicklung der Kunst vorherbestimmt, auch die Richtungen, die ihr entgegenstanden. Neue Kriterien in der Kunst sind Meinungsfreiheit, erhöhte Aufmerksamkeit für das Individuelle, Einzigartige menschliche Eigenschaften

, Natürlichkeit, Aufrichtigkeit und Entspanntheit, die die Nachahmung klassischer Vorbilder des 18. Jahrhunderts ablöste. Die Romantiker lehnten den Rationalismus und den Praktikabilismus der Aufklärung als mechanistisch, unpersönlich und künstlich ab.

Stattdessen legten sie Wert auf emotionalen Ausdruck und Inspiration. Sie fühlten sich vom verfallenden System der aristokratischen Herrschaft befreit und versuchten, ihre neuen Ansichten und die Wahrheit, die sie entdeckt hatten, zum Ausdruck zu bringen. Ihr Platz in der Gesellschaft hat sich verändert. Ihre Leserschaft fanden sie in der wachsenden Mittelschicht, die bereit war, den Künstler – ein Genie und Prophet – emotional zu unterstützen und sogar zu verehren. Zurückhaltung und Demut wurden abgelehnt. Sie wurden durch starke Emotionen ersetzt, die oft Extreme erreichten. Besonders junge Menschen wurden von der Romantik beeinflusst und hatten die Möglichkeit, viel zu lernen und zu lesen (was durch die rasante Entwicklung des Buchdrucks erleichtert wurde). Sie lässt sich von Ideen inspirieren individuelle Entwicklung und Selbstverbesserung, die Idealisierung der persönlichen Freiheit in der Weltanschauung gehen mit der Ablehnung des Rationalismus einher. Die persönliche Entwicklung wurde über die Standards einer eitlen und bereits verblassenden aristokratischen Gesellschaft gestellt. Die Romantik der gebildeten Jugend veränderte die Klassengesellschaft Europas und markierte den Beginn der Entstehung einer gebildeten „Mittelschicht“ in Europa. Und das Bild“

Wanderer über dem Nebelmeer „kann zu Recht als Symbol der Epoche der Romantik in Europa bezeichnet werden., Märchen. Die Romantik wurde teilweise mit demokratischen, nationalen und revolutionären Bewegungen in Verbindung gebracht, obwohl die „klassische“ Kultur der Französischen Revolution tatsächlich die Ankunft der Romantik in Frankreich verlangsamte. Zu dieser Zeit entstanden mehrere literarische Strömungen, von denen die wichtigsten der Sturm und Drang in Deutschland, der Primitivismus in Frankreich unter der Führung von Jean-Jacques Rousseau, der Schauerroman und ein zunehmendes Interesse am Erhabenen, Balladen und alten Romanzen (von woraus der Begriff „Romantik“ entstand. Die Inspirationsquelle für deutsche Schriftsteller, Theoretiker der Jenaer Schule (die Brüder Schlegel, Novalis und andere), die sich zu Romantikern erklärten, war die Transzendentalphilosophie von Kant und Fichte, die die schöpferischen Möglichkeiten des Geistes in den Vordergrund stellte. Diese neuen Ideen drangen dank Coleridge in England und Frankreich ein und bestimmten auch die Entwicklung des amerikanischen Transzendentalismus.

So begann die Romantik als literarische Strömung, hatte jedoch einen erheblichen Einfluss auf die Musik und weniger auf die Malerei. IN Schöne Künste

Die Romantik manifestierte sich am deutlichsten in der Malerei und Grafik, weniger jedoch in der Architektur. Im 18. Jahrhundert waren Berglandschaften und malerische Ruinen die bevorzugten Motive der Künstler. Seine Hauptmerkmale sind dynamische Komposition, volumetrische Räumlichkeit, satte Farben, Hell-Dunkel (z. B. Werke von Turner, Géricault und Delacroix). Andere romantische Künstler sind Füssli und Martin. Auch die Kreativität der Präraffaeliten und der neugotische Stil in der Architektur können als Ausdruck der Romantik angesehen werden.

Die Romantik in der bildenden Kunst basierte weitgehend auf den Ideen von Philosophen und Schriftstellern. In der Malerei, wie auch in anderen Kunstformen, wurden die Romantiker von allem Ungewöhnlichen, Unbekannten angezogen, seien es ferne Länder mit ihren exotischen Bräuchen und Kostümen (Delacroix), die Welt der mystischen Visionen (Blake, Friedrich, die Präraffaeliten) und magische Träume (Runge) oder düstere Tiefen des Unterbewusstseins (Goya, Fusli). Die Inspirationsquelle für viele Künstler war das künstlerische Erbe der Vergangenheit: der Antike Osten, das Mittelalter und die Proto-Renaissance (Nazarener, Präraffaeliten).

Im Gegensatz zum Klassizismus, der die klare Kraft der Vernunft verherrlichte, besangen die Romantiker leidenschaftliche, stürmische Gefühle, die den Menschen völlig erfassten. Die ersten Reaktionen auf neue Trends waren Porträts und Landschaften, die zu bevorzugten Genres der romantischen Malerei wurden. Blütezeit war mit dem Interesse der Romantiker an der strahlenden menschlichen Individualität, Schönheit und seinem Reichtum verbunden spirituelle Welt. Das Leben des menschlichen Geistes hat in einem romantischen Porträt Vorrang vor dem Interesse an körperlicher Schönheit, an der sinnlichen Plastizität des Bildes.

In einem romantischen Porträt (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) kommt immer die Einzigartigkeit jedes Menschen zum Vorschein, die Dynamik, der intensive Takt des Innenlebens und die rebellische Leidenschaft werden vermittelt.

Romantiker interessieren sich auch für die Tragödie einer gebrochenen Seele: Die Helden ihrer Werke sind oft psychisch kranke Menschen (Gericault „Eine verrückte Frau, die unter einer Spielsucht leidet“, „Der Kinderdieb“, „Der verrückte Mann, der sich als solche vorstellt“) ein Kommandant“).

Landschaft von Romantikern als Verkörperung der Seele des Universums konzipiert; Die Natur erscheint wie die menschliche Seele in Dynamik, ständiger Variabilität. Die für den Klassizismus charakteristischen geordneten und veredelten Landschaften wurden durch Bilder spontaner, rebellischer, kraftvoller, sich ständig verändernder Natur ersetzt, die der Verwirrung der Gefühle entsprachen romantische Helden. Romantiker schrieben besonders gerne Stürme, Gewitter, Vulkanausbrüche, Erdbeben und Schiffsunglücke, die eine starke Wirkung haben konnten emotionale Wirkung auf den Betrachter (Gericault, Friedrich, Turner).

Die für die Romantik charakteristische Poetisierung der Nacht – einer fremden, unwirklichen Welt, die nach eigenen Gesetzen lebt – führte zur Blüte des „Nachtgenres“, das vor allem bei deutschen Künstlern zu einem Favoriten in der romantischen Malerei wurde.

Eines der ersten Länder, in dem sich die Romantik der bildenden Künste entwickelte, warDeutschland .

Maßgeblicher Einfluss auf die Entwicklung des Genres romantische Landschaft hatte KreativitätCaspar David Friedrich (1774-1840). Sein künstlerisches Erbe wird von Landschaften dominiert, die Berggipfel, Wälder, das Meer, die Meeresküste sowie die Ruinen alter Kathedralen, verlassener Abteien und Klöster („Kreuz in den Bergen“, „Kathedrale“, „Abtei unter den Eichen“) darstellen Bäume“). Sie enthalten normalerweise ein Gefühl ständiger Traurigkeit aufgrund der Erkenntnis über den tragischen Verlust einer Person in der Welt.

Der Künstler liebte jene Naturzustände, die seiner romantischen Wahrnehmung am besten entsprechen: früher Morgen, Abendsonnenuntergang, Mondaufgang („Zwei betrachten den Mond“, „Klosterfriedhof“, „Landschaft mit Regenbogen“, „Mondaufgang über dem Meer“, „ Kreidefelsen“ auf der Insel Rügen“, „Auf einem Segelboot“, „Hafen bei Nacht“).

Die ständigen Charaktere in seinen Werken sind einsame Träumer, versunken in die Betrachtung der Natur. Durch den Blick in die Weiten und endlosen Höhen werden sie mit den ewigen Geheimnissen des Universums vertraut gemacht und hineingetragen schöne Welt Träume. Friedrich vermittelt diese wundervolle Welt mithilfe eines magisch leuchtenden Lichts- strahlende Sonne oder geheimnisvoller Mond.

Friedrichs Werk erregte die Bewunderung seiner Zeitgenossen, darunter auch mir. W. Goethe und W. A. Schukowski, dank dessen viele seiner Gemälde von Russland erworben wurden.

Maler, Grafiker, Dichter und KunsttheoretikerPhilipp Otto Runge (1777-1810), widmete sich hauptsächlich der Kunst Porträtgenre. In seinen Werken poetisierte er Bilder von gewöhnlichen Menschen, oft von seinen Lieben („Wir drei“ – ein Selbstporträt mit seiner Braut und seinem Bruder, ist nicht erhalten; „Kinder der Familie Huelsenbeck“, „Porträt des Künstlers“) Eltern“, „Selbstporträt“). Runges tiefe Religiosität kam in Gemälden wie „Christus am Ufer des Tiberias-Sees“ und „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“ (unvollendet) zum Ausdruck. Seine Gedanken zur Kunst fasste der Künstler in seiner theoretischen Abhandlung „Die Farbsphäre“ zusammen.

Damit verbunden ist der Wunsch, religiöse und moralische Grundlagen in der deutschen Kunst wiederzubeleben kreative Tätigkeit Künstler Nazarenerschule (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Cornelius). In einer Art religiöser Bruderschaft („Union des Heiligen Lukas“) zusammengeschlossen, lebten die „Nazarener“ in Rom nach dem Vorbild einer Klostergemeinschaft und malten Gemälde zu religiösen Themen. Sie betrachteten die italienische und deutsche Malerei als Vorbild für ihre kreative Suche.XIV - XVJahrhunderte (Perugino, früher Raffael, A. Dürer, H. Holbein der Jüngere, L.Cranach). Im Film „Der Triumph der Religion in der Kunst“ imitiert Overbeck direkt „ Athener Schule„Raphael und Cornelius in „Reiter der Apokalypse“ – Dürers gleichnamiger Stich.

Mitglieder der Bruderschaft betrachteten spirituelle Reinheit und aufrichtigen Glauben als die Haupttugenden des Künstlers und glaubten, dass „nur die Bibel Raffael zu einem Genie machte“. Sie führten ein einsames Leben in den Zellen eines verlassenen Klosters und erhoben ihren Dienst an der Kunst zur Kategorie des spirituellen Dienstes.

Die „Nazarener“ tendierten zu großen monumentalen Formen und versuchten, mithilfe der neubelebten Freskentechnik hohe Ideale zu verkörpern. Einige der Gemälde wurden von ihnen gemeinsam fertiggestellt.

In den 1820er und 1830er Jahren zerstreuten sich die Mitglieder der Bruderschaft über ganz Deutschland und übernahmen führende Positionen an verschiedenen Kunstakademien. Lediglich Overbeck lebte bis zu seinem Tod in Italien, ohne seine künstlerischen Grundsätze zu ändern. Die besten Traditionen der „Nazarener“ wurden lange Zeit in der historischen Malerei bewahrt. Ihre ideologische und moralische Suche beeinflusste die englischen Präraffaeliten sowie die Arbeit von Meistern wie Schwind und Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), gebürtiger Österreicher, arbeitete in München. In seinen Staffeleiarbeiten stellt er vor allem das Aussehen und das Leben altdeutscher Provinzstädte mit ihren Bewohnern dar. Dies geschah mit großer Poesie und Lyrik, mit Liebe zu seinen Charakteren.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Münchner Maler, Grafiker, brillanter Zeichner, Karikaturist, ebenfalls nicht ohne Sentimentalität, aber mit viel Humor, spricht über das Stadtleben („Armer Dichter“, „Morgenkaffee“).

Schwind und Spitzweg werden üblicherweise mit der Biedermeier-Bewegung in der deutschen Kultur in Verbindung gebracht.Biedermeier - Dies ist einer der beliebtesten Stile der Epoche (vor allem im Alltag, aber auch in der Kunst) . Er rückte die Bürger in den Vordergrund, den Durchschnittsbürger. Das zentrale Thema der Biedermeier-Malerei war Alltag ein Mensch, der in einer untrennbaren Verbindung mit seinem Zuhause und seiner Familie steht. Biedermeiers Interesse nicht an der Vergangenheit, sondern an der Gegenwart, nicht am Großen, sondern am Kleinen trug zur Bildung einer realistischen Tendenz in der Malerei bei.

Französische Romantikschule

Die konsequenteste Schule der Romantik in der Malerei entwickelte sich in Frankreich. Es entstand als Opposition zum Klassizismus, der zum kalten, rationalen Akademismus verkommen war und einen solchen vertrat große Meister, die den dominierenden Einfluss der französischen Schule im gesamten 19. Jahrhundert bestimmte.

Französische romantische Künstler tendierten zu Themen voller Dramatik und Pathos, innerer Spannung, weit entfernt vom „langweiligen Alltag“. Indem sie sie verkörperten, reformierten sie die Bild- und Ausdrucksmittel:

Mit dem Namen sind die ersten glanzvollen Erfolge der Romantik in der französischen Malerei verbundenTheodora Gericault (1791-1824), der vor anderen in der Lage war, ein rein romantisches Gefühl des Konflikts in der Welt auszudrücken. Schon in seinen ersten Werken lässt sich sein Wunsch erkennen, die dramatischen Ereignisse unserer Zeit darzustellen. Beispielsweise spiegelten die Gemälde „Berittener Schützenoffizier im Angriff“ und „Verwundeter Kürassier“ die Romantik der napoleonischen Ära wider.

Gericaults Gemälde „Das Floß der Medusa“, das einem jüngsten Ereignis im modernen Leben gewidmet ist – dem Tod eines Passagierschiffs durch das Verschulden einer Reederei, stieß auf große Resonanz. . Gericault schuf eine riesige Leinwand von 7 x 5 m, auf der er den Moment darstellte, als Menschen am Rande des Todes ein Rettungsschiff am Horizont sahen. Die extreme Spannung wird durch das Harsche, Düstere unterstrichen Farbschema, diagonale Komposition. Dieses Gemälde wurde zum Symbol des modernen Géricault-Frankreichs, das wie Menschen, die vor einem Schiffbruch fliehen, sowohl Hoffnung als auch Verzweiflung erlebt.

Das Thema seines letzten großen Gemäldes „Epsom Races“ fand der Künstler in England. Es zeigt Pferde, die wie Vögel fliegen (ein Lieblingsbild von Gericault, der als Teenager ein ausgezeichneter Reiter wurde). Der Eindruck von Schnelligkeit wird durch eine bestimmte Technik verstärkt: Die Pferde und Jockeys sind sehr sorgfältig gemalt und der Hintergrund ist breit.

Nach dem Tod von Gericault (er starb auf tragische Weise in der Blüte seiner Stärke und seines Talents) wurde sein junger Freund zum anerkannten Oberhaupt der französischen RomantikerEugene Delacroix (1798-1863). Delacroix war umfassend begabt und besaß musikalisches und literarisches Talent. Seine Tagebücher und Artikel über Künstler sind die interessantesten Dokumente dieser Zeit. Seine theoretischen Studien zu den Farbgesetzen hatten großen Einfluss auf zukünftige Impressionisten und insbesondere auf V. Van Gogh.

Delacroix‘ erstes Gemälde, das ihn berühmt machte, war „Dante und Vergil“ („Dantes Boot“), basierend auf der Handlung „ Göttliche Komödie" Sie verblüffte ihre Zeitgenossen mit ihrem leidenschaftlichen Pathos und der Kraft ihrer düsteren Farbgebung.

Der Höhepunkt der Kreativität des Künstlers war „Freedom on the Barricades“ („Freiheit führt das Volk“). Die Authentizität der realen Tatsache (das Bild entstand auf dem Höhepunkt der Julirevolution 1830 in Frankreich) verschmilzt hier mit dem romantischen Freiheitstraum und der Symbolik der Bilder. Eine schöne junge Frau wird zum Symbol des revolutionären Frankreichs.

Als Reaktion auf moderne Ereignisse gab es mehr frühe Malerei„Massaker von Chios“, gewidmet dem Kampf des griechischen Volkes gegen die türkische Herrschaft .

Nach einem Besuch in Marokko entdeckte Delacroix die exotische Welt des arabischen Ostens, dem er zahlreiche Gemälde und Skizzen widmete. In „Women of Algeria“ erschien die Welt des muslimischen Harems erstmals vor dem europäischen Publikum.

Der Künstler schuf auch eine Reihe von Porträts von Vertretern der kreativen Intelligenz, von denen viele seine Freunde waren (Porträts von N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz usw.).

In der späteren Schaffensperiode widmete sich Delacroix historischen Themen und arbeitete als Monumentalist (Gemälde in der Abgeordnetenkammer, im Senat) und als Grafiker (Illustrationen zu Werken von Shakespeare, Goethe, Byron).

Die Namen englischer Maler der Romantik – R. Benington, J. Constable, W. Turner – sind mit dem Genre der Landschaft verbunden. Sie haben in diesem Bereich wirklich eine neue Seite aufgeschlagen: heimische Natur fanden in ihrer Arbeit eine so breite und liebevolle Widerspiegelung, wie sie damals kein anderes Land kannte.

John Constable (1776-1837) war einer der ersten in der Geschichte der europäischen Landschaft, der Skizzen ausschließlich aus dem Leben schrieb und sich dabei der direkten Beobachtung der Natur zuwandte. Seine Gemälde sind in ihren Motiven einfach: Dörfer, Bauernhöfe, Kirchen, ein Flussstreifen oder Meeresstrand: „Hay Wagon“, Detham Valley, „Salisbury Cathedral from the Bishop’s Garden“. Constables Werke dienten als Impulsgeber für die Entwicklung realistischer Landschaften in Frankreich.

William Turner (1775-1851) – Marinemaler . Ihn lockten die stürmische See, Schauer, Gewitter, Überschwemmungen, Tornados: „Die letzte Reise des Schiffes „Brave“, „Gewitter über der Piazzetta.“ Mutige koloristische Experimente und seltene Lichteffekte verwandeln seine Gemälde mitunter in leuchtende, phantasmagorische Spektakel: „Feuer des Londoner Parlaments“, „Blizzard“. Der Dampfer verlässt den Hafen und sendet Notsignale, wenn er in seichtes Wasser gerät.“ .

Turner besitzt das erste Gemälde einer auf Schienen fahrenden Dampflokomotive – ein Symbol der Industrialisierung. Im Film „Rain, Steam and Speed“ rast eine Dampflokomotive durch einen nebligen Regendunst die Themse entlang. Alle materiellen Objekte scheinen zu einem Fata Morgana-Bild zu verschmelzen, das das Gefühl von Geschwindigkeit perfekt vermittelt.

Turners einzigartige Studie über Licht- und Farbeffekte nahm die Entdeckungen französischer impressionistischer Künstler weitgehend vorweg.

Im Jahr 1848 entstand in EnglandPräraffaelitische Bruderschaft (von lateinisch prae – „vor“ und Raphael), die Künstler vereinte, die ihre zeitgenössische Gesellschaft und die Kunst der akademischen Schule nicht akzeptierten. Ihr Ideal sahen sie in der Kunst des Mittelalters und der Frührenaissance (daher der Name). Die Hauptmitglieder der Bruderschaft sindWilliam Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. In ihrem frühe Werke Diese Künstler verwendeten anstelle von Signaturen die Abkürzung RV .

Die Liebe zur Antike ähnelte der Romantik der Präraffaeliten. Sie haben angesprochen biblische Geschichten(„Die Lampe der Welt“ und „Der untreue Hirte“ von W. H. Hunt; „Die Kindheit Mariens“ und „Die Verkündigung“ von D. G. Rossetti), Handlungsstränge aus der Geschichte des Mittelalters und Theaterstücke von W. Shakespeare („Ophelia “ von Millais).

Um menschliche Figuren und Gegenstände in ihrer natürlichen Größe zu malen, vergrößerten die Präraffaeliten die Größe der Leinwände. Landschaftsskizzen aus dem Leben gemacht. Die Charaktere in ihren Gemälden hatten Vorbilder unter realen Menschen. D. G. Rossetti beispielsweise porträtierte in fast allen seinen Werken seine geliebte Elizabeth Siddal und blieb ihr wie ein mittelalterlicher Ritter auch nach ihrem frühen Tod treu („Blue Silk Dress“, 1866).

Der Ideologe der Präraffaeliten warJohn Ruskin (1819-1900) - Englischer Schriftsteller, Kunstkritiker und Kunsttheoretiker, Autor der berühmten Buchreihe „Modern Artists“.

Das Werk der Präraffaeliten beeinflusste viele Künstler maßgeblich und wurde zum Vorboten der Symbolik in der Literatur (W. Pater, O. Wilde) und der bildenden Kunst (O. Beardsley, G. Moreau usw.).

Der Spitzname „Nazarener“ könnte vom Namen der Stadt Nazareth in Galiläa herrühren, in der Jesus Christus geboren wurde. Einer anderen Version zufolge entstand er in Analogie zum Namen der alten jüdischen Religionsgemeinschaft der Nazarener. Es ist auch möglich, dass der Name der Gruppe von der traditionellen Bezeichnung für die Frisur „Alla Nazarena“ stammt, die im Mittelalter üblich war und aus dem Selbstporträt von A. Dürer bekannt war: die Art des Tragens langes Haar, in der Mitte geteilt, wurden von Overbeck wieder eingeführt.

Biedermeier(deutsch: „tapferer Meyer“, Philister) – Nachname fiktive Figur aus der Gedichtsammlung des deutschen Dichters Ludwig Eichrodt. Eichrodt schuf eine Parodie auf echtes Gesicht- Samuel Friedrich Sauter, ein alter Lehrer, der naive Gedichte schrieb. Eichrodt betonte in seiner Karikatur die spießbürgerliche Primitivität des Biedermeier-Denkens, das zu einer Art Parodie-Symbol der Epoche wurde. Schwungvolle Striche in den Farben Schwarz, Braun und Grün vermitteln die Wut des Sturms. Der Blick des Betrachters scheint sich im Zentrum eines Strudels zu befinden; das Schiff scheint ein Spielzeug aus Wellen und Wind zu sein.