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Zu Beginn des 15. Jahrhunderts kam es in Italien zu großen Veränderungen im Leben und in der Kultur. Die Bürger, Kaufleute und Handwerker Italiens führten seit dem 12. Jahrhundert einen heldenhaften Kampf gegen die feudale Abhängigkeit. Durch die Entwicklung von Handel und Produktion wurden die Städter nach und nach reicher, stürzten die Macht der Feudalherren und organisierten freie Stadtstaaten. Diese sind kostenlos Italienische Städte wurde sehr mächtig. Ihre Bürger waren stolz auf ihre Eroberungen. Der enorme Reichtum der unabhängigen italienischen Städte war der Grund für ihren rasanten Wohlstand. Die italienische Bourgeoisie betrachtete die Welt mit anderen Augen, sie glaubte fest an sich selbst, an ihre Stärke. Der Wunsch nach Leiden, Demut und der Verzicht auf alle irdischen Freuden, die ihnen bisher gepredigt wurden, waren ihnen fremd. Der Respekt vor dem irdischen Menschen, der die Freuden des Lebens genießt, wuchs. Die Menschen begannen, das Leben aktiv anzugehen, die Welt eifrig zu studieren und ihre Schönheit zu bewundern. In dieser Zeit wurden verschiedene Wissenschaften geboren und die Kunst entwickelt.

Italien hat viele Kunstdenkmäler erhalten Antikes Rom Daher wurde die Antike wieder als Vorbild verehrt, die antike Kunst wurde zum Gegenstand der Verehrung. Die Nachahmung der Antike führte dazu, diese Epoche in der Kunst zu nennen - Renaissance, was auf Französisch bedeutet "Renaissance". Natürlich handelte es sich hierbei nicht um eine blinde, exakte Wiederholung antiker Kunst, es handelte sich bereits um neue Kunst, die jedoch auf antiken Vorbildern basierte. Italienische Renaissance unterteilt in 3 Phasen: VIII. - XIV. Jahrhundert - Vorrenaissance (Proto-Renaissance oder Trecento)-sitzen.); XV Jahrhundert - Frührenaissance (Quattrocento); Ende des 15. – Anfang des 16. Jahrhunderts – Hochrenaissance.

In ganz Italien gab es archäologische Ausgrabungen, suchte nach antiken Denkmälern. Neu entdeckte Statuen, Münzen, Geschirr und Waffen wurden sorgfältig konserviert und in eigens dafür geschaffenen Museen gesammelt. Künstler lernten von diesen Beispielen der Antike und malten sie nach dem Leben.

Trecento (Vorrenaissance)

Mit dem Namen ist der wahre Beginn der Renaissance verbunden Giotto di Bondone (1266? - 1337). Er gilt als Begründer der Renaissance-Malerei. Der Florentiner Giotto hat sich große Verdienste um die Kunstgeschichte erworben. Er war ein Erneuerer, der Begründer der gesamten europäischen Malerei nach dem Mittelalter. Giotto hat den Szenen des Evangeliums Leben eingehaucht, Bilder geschaffen echte Menschen, spirituell, aber irdisch.

Giotto erstellt zunächst Volumina mit Hell-Dunkel. Er liebt saubere helle Farben kühle Farbtöne: Rosa, Perlgrau, Hellviolett und Hellflieder. Die Menschen auf Giottos Fresken sind untersetzt und gehen schwerfällig. Sie haben große Gesichtszüge, breite Wangenknochen und schmale Augen. Seine Person ist freundlich, aufmerksam und seriös.

Von Giottos Werken sind die Fresken in den Tempeln von Padua am besten erhalten. Er stellte die Evangeliengeschichten hier als existent, irdisch, real dar. In diesen Werken spricht er über Probleme, die Menschen zu allen Zeiten beschäftigen: über Freundlichkeit und gegenseitiges Verständnis, Betrug und Verrat, über Tiefe, Trauer, Sanftmut, Demut und die ewige, alles verzehrende mütterliche Liebe.

Statt getrennter Einzelfiguren, wie in mittelalterliche Malerei Giotto gelang es, eine zusammenhängende Geschichte zu schaffen, eine ganze Erzählung über das komplexe Innenleben der Helden. Anstelle des herkömmlichen goldenen Hintergrunds Byzantinische Mosaike, Giotto stellt einen Landschaftshintergrund vor. Und wenn in der byzantinischen Malerei die Figuren im Raum zu schweben und zu hängen schienen, dann fanden die Helden von Giottos Fresken festen Boden unter ihren Füßen. Giottos Bestreben, den Raum, die Plastizität der Figuren und die Ausdruckskraft der Bewegung zu vermitteln, machte seine Kunst zu einer ganzen Etappe der Renaissance.

Ein von berühmte Meister Vorrenaissance -

Simone Martini (1284 - 1344).

Seine Gemälde behielten die Merkmale der Nordgotik bei: Martinis Figuren sind länglich und in der Regel auf einem goldenen Hintergrund. Aber Martini schafft Bilder mit Hell-Dunkel, verleiht ihnen natürliche Bewegung und versucht, einen bestimmten psychologischen Zustand zu vermitteln.

Quattrocento (Frührenaissance)

Die Antike spielte eine große Rolle bei der Entstehung der säkularen Kultur der Frührenaissance. Die Platonische Akademie wird in Florenz eröffnet, die Laurentianische Bibliothek enthält eine reiche Sammlung antiker Manuskripte. Die ersten erscheinen Kunstmuseen, gefüllt mit Statuen, Fragmenten antiker Architektur, Marmor, Münzen und Keramik. Während der Renaissance entstanden die Hauptzentren künstlerisches Leben Italien - Florenz, Rom, Venedig.

Florenz war eines der größten Zentren, der Geburtsort der neuen, realistischen Kunst. Im 15. Jahrhundert lebten, studierten und arbeiteten hier viele berühmte Meister der Renaissance.

Architektur der Frührenaissance

Die Einwohner von Florenz hatten ein Hochgefühl künstlerische Kultur Sie beteiligten sich aktiv an der Schaffung städtischer Denkmäler und diskutierten Möglichkeiten für den Bau schöner Gebäude. Architekten verzichteten auf alles, was der Gotik ähnelte. Unter dem Einfluss der Antike galten Gebäude mit einer Kuppel als die vollkommensten. Vorbild war hier das römische Pantheon.

Florenz ist eine der schönsten Städte der Welt, eine Museumsstadt. Die Architektur aus der Antike ist nahezu vollständig erhalten geblieben, die schönsten Gebäude stammen überwiegend aus der Zeit der Renaissance. Über den roten Ziegeldächern der antiken Gebäude von Florenz erhebt sich das riesige Gebäude der Stadtkathedrale. Santa Maria del Fiore, die oft einfach die Kathedrale von Florenz genannt wird. Seine Höhe erreicht 107 Meter. Eine prächtige Kuppel, deren Schlankheit durch weiße Steinrippen betont wird, krönt die Kathedrale. Die Kuppel ist erstaunlich groß (ihr Durchmesser beträgt 43 m) und krönt das gesamte Panorama der Stadt. Die Kathedrale ist von fast jeder Straße in Florenz aus sichtbar und zeichnet sich deutlich als Silhouette gegen den Himmel ab. Dieses prächtige Bauwerk wurde von einem Architekten erbaut

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Der prächtigste und berühmteste Kuppelbau der Renaissance war Petersdom in Rom. Der Bau dauerte mehr als 100 Jahre. Die Schöpfer des ursprünglichen Projekts waren Architekten Bramante und Michelangelo.

Renaissancegebäude sind mit Säulen, Pilastern, Löwenköpfen usw. geschmückt „Putten“(nackte Babys), Gipskränze aus Blumen und Früchten, Blättern und vielen Details, von denen Beispiele in den Ruinen antiker römischer Gebäude gefunden wurden. Kam wieder in Mode Halbkreisbogen. Wohlhabende Menschen begannen, schönere und komfortablere Häuser zu bauen. Anstelle eng aneinander gedrängter Häuser entstanden luxuriöse Häuser Paläste - Palazzos.

Skulptur der Frührenaissance

Im 15. Jahrhundert gab es in Florenz zwei berühmter Bildhauer -Donatello und Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- einer der ersten Bildhauer Italiens, der die Erfahrungen der antiken Kunst nutzte. Er hat eines davon geschaffen schöne Werke Frührenaissance - Davidstatue.

Entsprechend biblische Legende Als einfacher Hirte besiegte der junge Mann David den Riesen Goliath und rettete so die Bewohner Judäas vor der Versklavung und wurde später König. David war eines der Lieblingsbilder der Renaissance. Er wird vom Bildhauer nicht als bescheidener Heiliger aus der Bibel dargestellt, sondern als junger Held, Sieger, Verteidiger seiner Heimatstadt. Donatello verherrlicht in seiner Skulptur den Menschen als Ideal einer schönen Heldenpersönlichkeit, die in der Renaissance entstand. David wird mit dem Lorbeerkranz des Siegers gekrönt. Donatello scheute sich nicht, ein Detail wie einen Hirtenhut einzuführen – ein Zeichen seiner einfachen Herkunft. Im Mittelalter verbot die Kirche die Darstellung des nackten Körpers, da sie ihn als Gefäß des Bösen betrachtete. Donatello war der erste Meister, der mutig gegen dieses Verbot verstieß. Er behauptet damit, dass der menschliche Körper schön ist. Die Davidstatue ist die erste runde Skulptur dieser Zeit.

Eine weitere schöne Skulptur von Donatello ist ebenfalls bekannt – die Statue eines Kriegers , General von Gattamelata. Es war das erste Reiterdenkmal der Renaissance. Dieses vor 500 Jahren errichtete Denkmal steht noch immer auf einem hohen Sockel und schmückt einen Platz in der Stadt Padua. Zum ersten Mal wurde in der Skulptur kein Gott, kein Heiliger, kein edler und reicher Mensch verewigt, sondern ein edler, tapferer und beeindruckender Krieger mit einer großen Seele, der durch große Taten Ruhm erlangte. In einer antiken Rüstung sitzt Gattemelata (das ist sein Spitzname, der „gefleckte Katze“ bedeutet) in ruhiger, majestätischer Pose auf einem kräftigen Pferd. Die Gesichtszüge des Kriegers betonen einen entschlossenen, festen Charakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Der berühmteste Schüler Donatellos, der das berühmte Reiterdenkmal für den Condottiere Colleoni schuf, das in Venedig auf dem Platz in der Nähe der Kirche San Giovanni errichtet wurde. Das Besondere an dem Denkmal ist die gemeinsame energische Bewegung von Pferd und Reiter. Das Pferd scheint über den Marmorsockel hinauszurennen, auf dem das Denkmal steht. Colleoni, in seinen Steigbügeln stehend, blickt ausgestreckt und mit erhobenem Kopf in die Ferne. Eine Grimasse voller Wut und Anspannung war auf seinem Gesicht erstarrt. Man spürt einen enormen Willen in seiner Haltung, sein Gesicht ähnelt Raubvogel. Das Bild ist erfüllt von unzerstörbarer Stärke, Energie und strenger Autorität.

Malerei der Frührenaissance

Die Renaissance erneuerte auch die Kunst der Malerei. Maler haben gelernt, Raum, Licht und Schatten, natürliche Posen und verschiedene menschliche Gefühle präzise wiederzugeben. Die Zeit der Anhäufung dieser Kenntnisse und Fähigkeiten war die Frührenaissance. Die Gemälde dieser Zeit sind von einer hellen und fröhlichen Stimmung geprägt. Der Hintergrund ist oft in hellen Farben gemalt, Gebäude und Naturmotive werden mit scharfen Linien umrissen, reine Farben überwiegen. Alle Details des Ereignisses werden mit naiver Sorgfalt dargestellt; die Charaktere sind meist aneinandergereiht und durch klare Konturen vom Hintergrund getrennt.

Die Malerei der Frührenaissance strebte nur nach Perfektion, berührt aber dank ihrer Aufrichtigkeit die Seele des Betrachters.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, bekannt als Masaccio (1401 - 1428)

Er gilt als Anhänger Giottos und als erster Meister der Malerei der Frührenaissance. Masaccio lebte nur 28 Jahre, aber noch zu seinen Lebzeiten kurzes Leben hat in der Kunst Spuren hinterlassen, die kaum zu überschätzen sind. Es gelang ihm, die von Giotto begonnenen revolutionären Veränderungen in der Malerei zu vollenden. Seine Bilder zeichnen sich durch dunkle und tiefe Farben aus. Die Menschen in Masaccios Fresken sind viel dichter und kraftvoller als in den Gemälden der Gotik.

Masaccio war der erste, der Objekte im Raum unter Berücksichtigung der Perspektive richtig anordnete; Er begann, Menschen nach den Gesetzen der Anatomie darzustellen.

Er verstand es, Figuren und Landschaft zu einer einzigen Handlung zu verbinden, dramatisch und zugleich ganz natürlich das Leben von Natur und Menschen zu vermitteln – und darin liegt das große Verdienst des Malers.

Dies ist eines der wenigen Staffeleiwerke von Masaccio, das er 1426 für die Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Pisa in Auftrag gab.

Die Madonna sitzt auf einem Thron, der streng nach Giottos Perspektivengesetzen gebaut ist. Ihre Figur ist mit souveränen und klaren Strichen gemalt, was den Eindruck von skulpturalem Volumen erweckt. Ihr Gesicht ist ruhig und traurig, ihr distanzierter Blick ist ins Nichts gerichtet. In einen dunkelblauen Mantel gehüllt, hält die Jungfrau Maria das Kind in ihren Armen, dessen goldene Gestalt sich deutlich von einem dunklen Hintergrund abhebt. Die tiefen Falten des Umhangs ermöglichen dem Künstler ein Spiel mit Hell-Dunkel, was auch einen besonderen visuellen Effekt erzeugt. Das Baby isst schwarze Weintrauben – ein Symbol der Gemeinschaft. Makellos gezeichnete Engel (der Künstler kannte die menschliche Anatomie sehr gut), die die Madonna umgeben, verleihen dem Bild eine zusätzliche emotionale Resonanz.

Die einzige von Masaccio gemalte Tafel für ein doppelseitiges Triptychon. Nach früher Tod Der Rest des von Papst Martin V. für die Kirche Santa Maria in Rom in Auftrag gegebenen Werks wurde vom Künstler Masolino fertiggestellt. Dargestellt sind zwei strenge, monumental ausgeführte Heiligenfiguren, ganz in Rot gekleidet. Hieronymus hält ein offenes Buch und ein Modell der Basilika, zu seinen Füßen liegt ein Löwe. Johannes der Täufer wird in seiner üblichen Form dargestellt: Er ist barfuß und hält ein Kreuz in der Hand. Beide Figuren verblüffen durch ihre anatomische Präzision und ihr fast skulpturales Volumengefühl.

Das Interesse am Menschen und die Bewunderung für seine Schönheit waren in der Renaissance so groß, dass daraus ein neues Genre in der Malerei entstand – das Porträtgenre.

Pinturicchio (Version von Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Heimisch in Perugia in Italien. Eine Zeit lang malte er Miniaturen und half Pietro Perugino dabei, die Sixtinische Kapelle in Rom mit Fresken zu schmücken. Sammelte Erfahrung in der komplexesten Form der dekorativen und monumentalen Wandmalerei. Innerhalb weniger Jahre wurde Pinturicchio ein unabhängiger Wandmaler. Er arbeitete an Fresken in den Borgia-Apartments im Vatikan. Er malte Wandgemälde in der Bibliothek der Kathedrale von Siena.

Der Künstler vermittelt nicht nur Porträtähnlichkeit, sondern ist bestrebt, den inneren Zustand eines Menschen zu offenbaren. Vor uns steht ein Teenager, gekleidet in ein formelles rosa Stadtkleid und mit einer kleinen blauen Mütze auf dem Kopf. Braunes Haar reicht bis zu den Schultern und umrahmt ein sanftes Gesicht, der aufmerksame Blick der braunen Augen ist nachdenklich, ein wenig ängstlich. Hinter dem Jungen liegt eine umbrische Landschaft mit dünnen Bäumen, einem silbernen Fluss und einem rosa Himmel am Horizont. Die frühlingshafte Zärtlichkeit der Natur als Echo des Charakters des Helden steht im Einklang mit der Poesie und dem Charme des Helden.

Das Bild des Jungen ist im Vordergrund dargestellt, groß und nimmt fast die gesamte Bildfläche ein, und die Landschaft ist im Hintergrund gemalt und sehr klein. Dies erweckt den Eindruck der Bedeutung des Menschen, seiner Dominanz über die umgebende Natur und bestätigt, dass der Mensch die schönste Schöpfung der Erde ist.

Hier ist der feierliche Abschied von Kardinal Capranica zum Konzil von Basel, das fast 18 Jahre dauerte, von 1431 bis 1449, zunächst in Basel und dann in Lausanne. Auch der junge Piccolomini befand sich im Gefolge des Kardinals. Eine Gruppe von Reitern, begleitet von Pagen und Dienern, wird in einem eleganten Rahmen eines Halbkreisbogens präsentiert. Das Ereignis ist nicht so real und zuverlässig, sondern eher ritterlich raffiniert, fast fantastisch. Im Vordergrund dreht ein hübscher Reiter auf einem weißen Pferd, der ein luxuriöses Kleid und einen Hut trägt, den Kopf und blickt den Betrachter an – das ist Aeneas Silvio. Der Künstler hat Freude daran, prächtige Kleidung und schöne Pferde in Samtdecken zu malen. Die gestreckten Proportionen der Figuren, die leicht manierierten Bewegungen und die leichten Neigungen des Kopfes kommen dem Hofideal nahe. Das Leben von Papst Pius II. war voller glanzvoller Ereignisse, und Pinturicchio sprach über die Treffen des Papstes mit dem König von Schottland und Kaiser Friedrich III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Über Lippis Leben entstanden Legenden. Er selbst war Mönch, verließ aber das Kloster, wurde Wanderkünstler, entführte eine Nonne aus dem Kloster und starb, vergiftet von den Verwandten einer jungen Frau, in die er sich im Alter verliebte.

Er malte Bilder der Madonna mit Kind, erfüllt von lebendigen menschlichen Gefühlen und Erfahrungen. In seinen Gemälden stellte er viele Details dar: Alltagsgegenstände, Umgebungen, sodass seine religiösen Motive weltlichen Gemälden ähnelten.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Er malte nicht nur religiöse Themen, sondern auch Szenen aus dem Leben des Florentiner Adels, seinem Reichtum und Luxus sowie Porträts von Adligen.

Vor uns steht die Frau eines reichen Florentiners, einer Freundin des Künstlers. In dieser nicht sehr schönen, luxuriös gekleideten jungen Frau drückte der Künstler Ruhe aus, einen Moment der Stille und Stille. Der Gesichtsausdruck der Frau ist kalt, gleichgültig gegenüber allem, es scheint, als würde sie ihren baldigen Tod vorhersehen: Bald nach dem Malen des Porträts wird sie sterben. Die Darstellung der Frau erfolgt im Profil, was für viele Porträts dieser Zeit typisch ist.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Einer der bedeutendsten Namen der italienischen Malerei des 15. Jahrhunderts. Er vollzog zahlreiche Transformationen in den Methoden zur Konstruktion der Perspektive des Bildraums.

Das Gemälde wurde mit Eitempera auf eine Pappelplatte gemalt – offensichtlich beherrschte der Künstler zu diesem Zeitpunkt die Geheimnisse der Ölmalerei, der Technik, in der seine späteren Werke gemalt werden sollten, noch nicht.

Der Künstler hat das Erscheinen des Geheimnisses der Heiligen Dreifaltigkeit im Moment der Taufe Christi eingefangen. weiße Taube, die Flügel über dem Haupt Christi ausbreitend, symbolisiert die Herabkunft des Heiligen Geistes auf den Erretter. Die Figuren von Christus, Johannes dem Täufer und den daneben stehenden Engeln sind in zurückhaltenden Farben bemalt.
Seine Fresken sind feierlich, erhaben und majestätisch. Francesca glaubte an die hohe Bestimmung des Menschen und in seinen Werken vollbrachten die Menschen immer wunderbare Dinge. Er verwendete subtile, sanfte Farbübergänge. Francesca war die erste, die en plein air (unter freiem Himmel) malte.

Die Malerei der Renaissance bildet den goldenen Fundus nicht nur der europäischen, sondern auch der Weltkunst. Die Renaissance löste das bis ins Mark unterworfene dunkle Mittelalter ab Kirchenkanoniker und ging der nachfolgenden Aufklärung und dem New Age voraus.

Es lohnt sich, die Dauer des Zeitraums je nach Land zu berechnen. Die Ära der kulturellen Blüte, wie sie allgemein genannt wird, begann im 14. Jahrhundert in Italien, breitete sich dann über ganz Europa aus und erreichte Ende des 15. Jahrhunderts ihren Höhepunkt. Historiker unterteilen diese Epoche in der Kunst in vier Phasen: Proto-Renaissance, Früh-, Hoch- und spätere Renaissance. Von besonderem Wert und Interesse ist natürlich italienische Malerei In der Renaissance sollte man jedoch die französischen, deutschen und niederländischen Meister nicht aus den Augen verlieren. Es geht um sie im Kontext der Zeiträume der Renaissance, die im Artikel weiter diskutiert werden.

Proto-Renaissance

Die Proto-Renaissance-Periode dauerte ab der zweiten Hälfte des 13. Jahrhunderts. bis ins 14. Jahrhundert Es ist eng mit dem Mittelalter verbunden, in dessen Spätstadium es entstand. Die Protorenaissance ist der Vorläufer der Renaissance und vereint byzantinische, romanische und gotische Traditionen. Vor allen Trends neue Ära erschien in der Skulptur und erst dann in der Malerei. Letztere wurde durch zwei Schulen in Siena und Florenz vertreten.

Die Hauptfigur dieser Zeit war der Künstler und Architekt Giotto di Bondone. Der Vertreter der Florentiner Malerschule wurde zum Reformator. Er skizzierte den Weg der weiteren Entwicklung. Die Merkmale der Renaissance-Malerei stammen genau aus dieser Zeit. Es ist allgemein anerkannt, dass es Giotto in seinen Werken gelang, den in Byzanz und Italien üblichen Stil der Ikonenmalerei zu überwinden. Er machte den Raum nicht zweidimensional, sondern dreidimensional, indem er Hell-Dunkel verwendete, um die Illusion von Tiefe zu erzeugen. Das Foto zeigt das Gemälde „Der Kuss des Judas“.

Vertreter der Florentiner Schule standen an den Ursprüngen der Renaissance und taten alles, um die Malerei aus der langen mittelalterlichen Stagnation herauszuführen.

Die Zeit der Proto-Renaissance gliederte sich in zwei Teile: vor und nach seinem Tod. Bis 1337 arbeiteten die klügsten Meister und es wurden die wichtigsten Entdeckungen gemacht. Danach wird Italien von einer Pestepidemie heimgesucht.

Renaissance-Malerei: Kurz über die Frühzeit

Die Frührenaissance umfasst einen Zeitraum von 80 Jahren: von 1420 bis 1500. Zu diesem Zeitpunkt hat sie sich noch nicht vollständig von den Traditionen der Vergangenheit gelöst und ist immer noch mit der Kunst des Mittelalters verbunden. Der Hauch neuer Trends ist jedoch bereits zu spüren; die Meister greifen zunehmend auf Elemente der klassischen Antike zurück. Am Ende geben Künstler völlig auf mittelalterlicher Stil und beginnen Sie, mutig die besten Beispiele der antiken Kultur zu nutzen. Beachten Sie, dass der Prozess Schritt für Schritt eher langsam verlief.

Helle Vertreter der Frührenaissance

Das Werk des italienischen Künstlers Piero della Francesca gehört vollständig zur Zeit der Frührenaissance. Seine Werke zeichnen sich durch Noblesse, majestätische Schönheit und Harmonie, präzise Perspektive und sanfte, lichtdurchflutete Farben aus. In seinen letzten Lebensjahren beschäftigte er sich neben der Malerei intensiv mit Mathematik und verfasste sogar zwei eigene Abhandlungen. Sein Schüler war ein weiterer berühmter Maler, Luca Signorelli, und dieser Stil spiegelte sich in den Werken vieler umbrischer Meister wider. Auf dem Foto oben ist ein Fragment eines Freskos in der Kirche San Francesco in Arezzo zu sehen: „Die Geschichte der Königin von Saba“.

Domenico Ghirlandaio ist ein weiterer prominenter Vertreter der Florentiner Schule der Renaissance-Malerei frühe Periode. Er war der Gründer einer berühmten Künstlerdynastie und Leiter der Werkstatt, in der der junge Michelangelo begann. Ghirlandaio war ein berühmter und erfolgreicher Meister, der sich nicht nur mit Freskenmalerei (Tornabuoni-Kapelle, Sixtinische Kapelle), sondern auch mit Staffeleimalerei („Anbetung der Könige“, „Geburt Christi“, „Alter Mann mit Enkel“, „Porträt von Giovanna“) beschäftigte Tornabuoni“ – unten abgebildet).

Hochrenaissance

Dieser Zeitraum, in dem sich der Stil prächtig entwickelte, fällt in die Zeit zwischen 1500 und 1527. Zu dieser Zeit verlagerte sich das Zentrum der italienischen Kunst von Florenz nach Rom. Dies hängt mit der Besteigung des päpstlichen Throns durch den ehrgeizigen und unternehmungslustigen Julius II. zusammen, der die besten Künstler Italiens an seinen Hof lockte. Rom wurde zur Zeit des Perikles so etwas wie Athen und erlebte einen unglaublichen Wachstums- und Bauboom. Gleichzeitig herrscht Harmonie zwischen den Kunstzweigen Bildhauerei, Architektur und Malerei. Die Renaissance brachte sie zusammen. Sie scheinen Hand in Hand zu gehen, sich zu ergänzen und zu interagieren.

Die Antike wird in der Hochrenaissance gründlicher untersucht und mit höchster Genauigkeit, Strenge und Konsistenz reproduziert. Würde und Ruhe ersetzen kokette Schönheit und mittelalterliche Traditionen geraten völlig in Vergessenheit. Der Höhepunkt der Renaissance wird durch das Werk von drei der größten italienischen Meister markiert: Raphael Santi (das Gemälde „Donna Velata“ im Bild oben), Michelangelo und Leonardo da Vinci („Mona Lisa“ – im ersten Foto).

Spätrenaissance

Die Spätrenaissance umfasst den Zeitraum von den 1530er bis 1590er bis 1620er Jahren in Italien. Kunstkritiker und Historiker bringen die Werke dieser Zeit mit einem hohen Maß an Konvention auf einen gemeinsamen Nenner. Südeuropa stand unter dem Einfluss der dort siegreichen Gegenreformation, die jegliches Freidenken, einschließlich der Wiederauferstehung der Ideale der Antike, mit großer Vorsicht wahrnahm.

In Florenz dominierte der Manierismus, der durch künstliche Farben und unterbrochene Linien gekennzeichnet war. Allerdings erreichte er Parma, wo Correggio arbeitete, erst nach dem Tod des Meisters. Die venezianische Malerei der Renaissance hatte ihren eigenen Entwicklungsweg späte Periode. Palladio und Tizian, die dort bis in die 1570er Jahre wirkten, sind die bedeutendsten Vertreter. Ihre Arbeit hatte nichts mit den neuen Trends in Rom und Florenz zu tun.

Nördliche Renaissance

Mit diesem Begriff wird die Renaissance in ganz Europa, außerhalb Italiens im Allgemeinen und im deutschsprachigen Raum im Besonderen bezeichnet. Es verfügt über eine Reihe von Funktionen. Die nördliche Renaissance war nicht homogen und zeichnete sich durch spezifische Merkmale in jedem Land aus. Kunsthistoriker unterteilen es in mehrere Richtungen: Französisch, Deutsch, Niederländisch, Spanisch, Polnisch, Englisch usw.

Das Erwachen Europas verlief auf zwei Wegen: der Entwicklung und Verbreitung einer humanistischen, säkularen Weltanschauung und der Entwicklung von Erneuerungsideen religiöse Traditionen. Beide berührten sich, manchmal verschmolzen sie, aber gleichzeitig waren sie Antagonisten. Italien wählte den ersten Weg und Nordeuropa- zweite.

Die Renaissance hatte bis 1450 praktisch keinen Einfluss auf die Kunst des Nordens, einschließlich der Malerei. Ab 1500 verbreitete sie sich auf dem gesamten Kontinent, an einigen Orten blieb der Einfluss der Spätgotik jedoch bis zum Aufkommen des Barock bestehen.

Die nördliche Renaissance zeichnet sich durch einen erheblichen Einfluss des gotischen Stils, eine weniger große Aufmerksamkeit für das Studium der Antike und der menschlichen Anatomie sowie eine detaillierte und sorgfältige Schreibtechnik aus. Die Reformation hatte einen wichtigen ideologischen Einfluss auf ihn.

Französische nördliche Renaissance

Der italienischen Malerei kommt die französische Malerei am nächsten. Die Renaissance war eine wichtige Etappe der französischen Kultur. Zu dieser Zeit wurden die Monarchie und die bürgerlichen Beziehungen aktiv gestärkt, die religiösen Ideen des Mittelalters traten in den Hintergrund und machten humanistischen Tendenzen Platz. Vertreter: Francois Quesnel, Jean Fouquet (abgebildet ist ein Fragment des „Melen Diptychons“ des Meisters), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

Deutsche und niederländische Nordrenaissance

Herausragende Werke der nördlichen Renaissance wurden von deutschen und flämisch-niederländischen Meistern geschaffen. Bedeutende Rolle Religion spielte in diesen Ländern noch immer eine Rolle und hatte großen Einfluss auf die Malerei. In den Niederlanden und in Deutschland ging die Renaissance einen anderen Weg. Im Gegensatz zu den Werken italienischer Meister stellten die Künstler dieser Länder den Menschen nicht in den Mittelpunkt des Universums. Fast das gesamte 15. Jahrhundert hindurch. sie stellten ihn im gotischen Stil dar: leicht und ätherisch. Am meisten prominente Vertreter Die niederländische Renaissance sind Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, die Deutschen sind Albert Dürer, Lucas Cranach der Ältere, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Das Foto zeigt ein Selbstporträt von A. Dürer aus dem Jahr 1498.

Obwohl sich die Werke nordischer Meister deutlich von den Werken italienischer Maler unterscheiden, gelten sie auf jeden Fall als unschätzbare Exponate der bildenden Kunst.

Die Malerei der Renaissance zeichnet sich wie die gesamte Kultur als Ganzes durch einen säkularen Charakter, Humanismus und den sogenannten Anthropozentrismus aus, oder mit anderen Worten, ein primäres Interesse am Menschen und seinen Aktivitäten. In dieser Zeit blühte das Interesse an der antiken Kunst regelrecht auf und es kam zu einer Wiederbelebung. Diese Ära bescherte der Welt eine Galaxie brillanter Bildhauer, Architekten, Schriftsteller, Dichter und Künstler. Nie zuvor und nie danach war die kulturelle Blüte so weit verbreitet.

Die Malerei der Frührenaissance durchläuft die gleiche Entwicklung wie die Skulptur. Überwindung der gotischen Abstraktion von Bildern, Entwicklung beste Eigenschaften Mit Giottos Gemälden beschritten Künstler des 15. Jahrhunderts den breiten Weg des Realismus. Die monumentale Freskenmalerei erlebt eine beispiellose Blüte.

Masaccio. Vertreibung aus dem Paradies, 1426–1427
Kirche Santa Maria del Carmine
Brancacci-Kapelle, Florenz

Uccello. Porträt einer Dame, 1450
Metropolitan Museum of Art, New York

Castaño. Porträt eines Seigneurs, 1446
Nationalgalerie, Washington

Masaccio. Der Reformator der Malerei, der die gleiche Rolle bei der Entwicklung der Architektur Brunelleschis und Donatellos in der Bildhauerei spielte, war der Florentiner Masaccio (1401–1428), der ein kurzes Leben führte und bemerkenswerte Werke hinterließ, in denen die Suche nach einem verallgemeinerten Heldenbild zum Ausdruck kam des Menschen und eine wahrheitsgetreue Darstellung der Umgebung wurde seine Welt fortgeführt. Am deutlichsten manifestierten sich diese Suchen in den Fresken der Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz: „Das Wunder des Staters“ und „Die Vertreibung aus dem Paradies“ (beide zwischen 1427 und 1428).

Masaccio bricht mit der dekorativen und kleinlichen Erzählung, die in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts die Malerei dominierte. In Anlehnung an die Tradition von Giotto konzentriert sich der Künstler Masaccio auf das Bild eines Menschen und betont seine harte Energie und Aktivität sowie den bürgerlichen Humanismus. Masaccio macht einen entscheidenden Schritt bei der Verbindung von Figur und Landschaft und führt erstmals die Luftperspektive ein. In Masaccios Fresken wird die flache Plattform – der Schauplatz des Geschehens in Giottos Gemälden – durch ein Bild des echten Tiefenraums ersetzt; Kunststoff wird überzeugender und reichhaltiger Cut-Off-Modellierung Figuren, ihre Konstruktion ist stärker, ihre Eigenschaften sind vielfältiger. Und außerdem behält Masaccio die enorme moralische Kraft der Bilder, die Giotto in der Kunst fasziniert.

Angelico. Madonna Fiesole, 1430
Kloster San Domenico, Fiesole

Lippi. Frau und Mann, 1460er Jahre
Metropolitan Museum of Art, New York

Domenico. Madonna und Kind
1437, Berenson Gallery, Florenz

Das bedeutendste Fresko von Masaccio ist „Das Wunder des Statir“, eine mehrfigurige Komposition, die der Überlieferung nach verschiedene Episoden der Legende enthält, in der es darum geht, wie Christus und seine Jünger beim Betreten der Stadt um ein Honorar gebeten wurden – ein Statir (Münze); wie Petrus auf Befehl Christi einen Fisch im See fing und in seinem Maul einen Statir fand, den er dem Wächter übergab. Diese beiden zusätzlichen Episoden – Angeln und die Präsentation des Staters – lenken die Aufmerksamkeit nicht von der zentralen Szene ab – einer Gruppe von Aposteln, die die Stadt betritt. Ihre Figuren sind majestätisch, massiv, mutige Gesichter tragen die individuellen Merkmale von Menschen. In dem Mann ganz rechts sehen einige Forscher ein Porträt von Masaccio selbst. Die Bedeutung des Geschehens wird durch den allgemeinen Zustand verhaltener Erregung unterstrichen. Die Natürlichkeit der Gesten und Bewegungen, die Einführung eines Genremotivs in der Szene von Peters Suche nach der Münze und die sorgfältig gemalte Landschaft verleihen dem Gemälde einen weltlichen, zutiefst wahrheitsgetreuen Charakter.

Nicht weniger realistisch ist die Interpretation der Szene „Vertreibung aus dem Paradies“, in der zum ersten Mal in der Renaissance-Malerei nackte Figuren dargestellt werden, die kraftvoll von Seitenlicht modelliert werden. Ihre Bewegungen und Gesichtsausdrücke drücken Verwirrung, Scham und Reue aus. Die große Authentizität und Überzeugungskraft von Masaccios Bildern verleihen der humanistischen Idee von Würde und Bedeutung besondere Kraft. menschliche Persönlichkeit. Mit seinen innovativen Ansätzen eröffnete der Künstler Wege für die Weiterentwicklung der realistischen Malerei.

Uccello. Ein Experimentator im Studium und Einsatz der Perspektive war Paolo Uccello (1397–1475), der erste italienische Schlachtenmaler. Uccello variierte die Kompositionen dreimal mit Episoden aus der Schlacht von San Romano (Mitte der 1450er Jahre, London, National Gallery; Florenz, Uffizien; Paris, Louvre), wobei er begeistert bunte Pferde und Reiter in einer Vielzahl perspektivischer Schnitte und Aufteilungen darstellte.

Castaño. Unter den Anhängern Masaccios ragte Andrea del Castagno (um 1421 – 1457) heraus, der sich nicht nur für die plastischen Formen und perspektivischen Strukturen der damaligen Florentiner Malerei interessierte, sondern auch für das Problem der Farbe. Die besten der geschaffenen Bilder dieses rauen, mutigen, von Natur aus unebenen Künstlers zeichnen sich durch heroische Stärke und unbändige Energie aus. Dies sind die Helden der Gemälde der Villa Pandolfini (um 1450, Florenz, Kirche Santa Apollonia) – ein Beispiel für die Lösung eines weltlichen Themas. Die Figuren heben sich von grünen und dunkelroten Hintergründen ab prominente Personen Renaissance, darunter die Condottieri von Florenz: Farinata degli Uberti und Pippo Spano. Letzterer steht fest auf dem Boden, die Beine weit gespreizt, in Rüstung gekleidet, mit unbedecktem Kopf, in den Händen ein gezogenes Schwert; Er ist ein lebendiger Mensch voller hektischer Energie und Vertrauen in seine Fähigkeiten. Die kraftvolle Licht- und Schattenmodellierung verleiht dem Bild plastische Kraft, Ausdruckskraft, betont die Schärfe einzelner Merkmale und ein helles Porträt, das es in der italienischen Malerei bisher nicht gab.

Unter den Fresken der Kirche Santa Apollonia sticht das Letzte Abendmahl (1445–1450) durch den Umfang seines Bildes und die Schärfe seiner Merkmale hervor. Diese religiöse Szene – das Mahl Christi umgeben von Jüngern – wurde von vielen Künstlern gemalt, die ihm stets folgten ein bestimmter Typ Kompositionen. Castagno wich von dieser Bauweise nicht ab. Auf einer Seite des Tisches an der Wand platzierte der Künstler die Apostel. Unter ihnen steht in der Mitte Christus. Auf der anderen Seite des Tisches steht die einsame Gestalt des Verräters Judas. Dennoch erreicht Castaño in seiner Komposition große Wirkung und innovativen Klang; Dies wird durch den hellen Charakter der Bilder, die Nationalität der Apostel- und Christustypen, den tiefen dramatischen Ausdruck von Gefühlen und die betont reiche und kontrastreiche Farbgebung erleichtert.

Angelico. Die exquisite Schönheit und Reinheit zart leuchtender Farbharmonien, die in Kombination mit Gold eine besondere dekorative Qualität erlangen, besticht durch die Kunst von Fra Beato Angelico (1387–1455), voller Poesie und Fabelhaftigkeit. Mystisch im Geiste, verbunden mit der naiven Welt religiöser Ideen, ist es von Poesie umhüllt Volksmärchen. Die gefühlvollen Bilder der „Krönung Mariens“ (um 1435, Paris, Louvre), Fresken des Klosters San Marco in Florenz, geschaffen von diesem einzigartigen Künstler – einem Dominikanermönch, sind erhellend.

Domenico Veneziano. Farbprobleme zogen auch Domenico Veneziano (ca. 1410 – 1461) an, einen gebürtigen Venezianer, der hauptsächlich in Florenz arbeitete. Seine religiösen Kompositionen („Anbetung der Könige“, 1430–1440, Berlin-Dahlem, Bildergalerie), naiv-märchenhafte Interpretation des Themas, tragen noch immer die Prägung der gotischen Tradition. In den von ihm geschaffenen Porträts kamen Merkmale der Renaissance deutlicher zum Vorschein. Im 15. Jahrhundert erlangte das Porträtgenre eine eigene Bedeutung. Weit verbreitet ist die Profilkomposition, die von antiken Medaillen inspiriert ist und es ermöglicht, das Bild der dargestellten Person zu verallgemeinern und zu verherrlichen. Eine präzise Linie zeichnet ein scharfes Profil im „Bildnis einer Frau“ (Mitte 15. Jahrhundert, Berlin-Dahlem, Gemäldegalerie). Der Künstler erreicht eine lebendige direkte Ähnlichkeit und gleichzeitig eine subtile koloristische Einheit in der Harmonie hell leuchtender Farben, transparent, luftig, die Konturen mildernd. Der Maler war der erste, der Florentiner Meister in die Technik der Ölmalerei einführte. Durch die Einführung von Lacken und Ölen steigerte Domenico Veneziano die Reinheit und Farbfülle seiner Leinwände.

Renaissance (Renaissance). Italien. XV-XVI Jahrhunderte. Früher Kapitalismus. Das Land wird von reichen Bankiers regiert. Sie interessieren sich für Kunst und Wissenschaft.

Die Reichen und Mächtigen versammeln die Talentierten und Weisen um sich. Dichter, Philosophen, Künstler und Bildhauer führen täglich Gespräche mit ihren Gönnern. Irgendwann schien es, als würden die Menschen von weisen Männern regiert, wie Platon es wollte.

Wir erinnerten uns an die alten Römer und Griechen. Sie bauten auch eine Gesellschaft freier Bürger auf, in der die Menschen der wichtigste Wert sind (Sklaven natürlich nicht mitgerechnet).

Renaissance kopiert nicht nur die Kunst antiker Zivilisationen. Das ist eine Mischung. Mythologie und Christentum. Realismus der Natur und Aufrichtigkeit der Bilder. Körperliche und spirituelle Schönheit.

Es war nur ein Blitz. Die Zeit der Hochrenaissance beträgt etwa 30 Jahre! Von den 1490er Jahren bis 1527 Von Beginn der Blütezeit von Leonardos Kreativität. Vor der Plünderung Roms.

Die Illusion einer idealen Welt verblasste schnell. Italien erwies sich als zu zerbrechlich. Sie wurde bald von einem anderen Diktator versklavt.

Diese 30 Jahre bestimmten jedoch die Grundzüge der europäischen Malerei für die kommenden 500 Jahre! Bis zu .

Realismus des Bildes. Anthropozentrismus (wenn der Mittelpunkt der Welt der Mensch ist). Geradlinige Perspektive. Ölfarben. Porträt. Landschaft…

Es ist unglaublich, aber in diesen 30 Jahren haben mehrere brillante Meister gleichzeitig gearbeitet. Zu anderen Zeiten werden sie alle 1000 Jahre einmal geboren.

Leonardo, Michelangelo, Raffael und Tizian sind die Titanen der Renaissance. Aber wir können nicht umhin, ihre beiden Vorgänger zu erwähnen: Giotto und Masaccio. Ohne die es keine Renaissance gäbe.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment des Gemäldes „Fünf Meister der Florentiner Renaissance“. Anfang XVI Jahrhundert. .

XIV. Jahrhundert. Proto-Renaissance. Seine Hauptfigur ist Giotto. Dies ist ein Meister, der die Kunst im Alleingang revolutionierte. 200 Jahre vor der Hochrenaissance. Ohne ihn wäre die Ära, auf die die Menschheit so stolz ist, kaum gekommen.

Vor Giotto gab es Ikonen und Fresken. Sie wurden nach byzantinischen Kanonen geschaffen. Gesichter statt Gesichter. Flache Figuren. Nichteinhaltung der Proportionen. Anstelle einer Landschaft gibt es einen goldenen Hintergrund. Wie zum Beispiel auf diesem Symbol.

Guido da Siena. Anbetung der Heiligen Drei Könige. 1275-1280 Altenburg, Lindenau-Museum, Deutschland.

Und plötzlich tauchen Fresken von Giotto auf. Sie haben voluminöse Figuren. Personen edle Leute. Alt und Jung. Traurig. Traurig. Überrascht. Anders.

Fresken von Giotto in der Kirche Scrovegni in Padua (1302-1305). Links: Beweinung Christi. Mitte: Kuss des Judas (Fragment). Rechts: Verkündigung der Heiligen Anna (Mutter Maria), Fragment.

Giottos Hauptwerk ist der Zyklus seiner Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua. Als diese Kirche für Gemeindemitglieder geöffnet wurde, strömten Scharen von Menschen hinein. So etwas hatten sie noch nie gesehen.

Schließlich hat Giotto etwas Beispielloses getan. Er übersetzte biblische Geschichten in einfache, klare Sprache. Und sie sind für normale Menschen viel zugänglicher geworden.

Giotto. Anbetung der Heiligen Drei Könige. 1303-1305 Fresko in der Scrovegni-Kapelle in Padua, Italien.

Genau das wird für viele Meister der Renaissance charakteristisch sein. Lakonische Bilder. Lebhafte Emotionen der Charaktere. Realismus.

Lesen Sie mehr über die Fresken des Meisters im Artikel.

Giotto wurde bewundert. Doch seine Innovation wurde nicht weiterentwickelt. Die Mode für den internationalen Gothic kam nach Italien.

Erst nach 100 Jahren wird ein würdiger Nachfolger für Giotto erscheinen.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Selbstbildnis (Fragment des Freskos „Der heilige Petrus auf der Kanzel“). 1425-1427 Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Anfang des 15. Jahrhunderts. Die sogenannte Frührenaissance. Ein weiterer Innovator betritt die Bühne.

Masaccio war der erste Künstler, der die lineare Perspektive verwendete. Es wurde von seinem Freund, dem Architekten Brunelleschi, entworfen. Nun ist die dargestellte Welt der realen ähnlich geworden. Spielzeugarchitektur gehört der Vergangenheit an.

Masaccio. Der heilige Petrus heilt mit seinem Schatten. 1425-1427 Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Er übernahm den Realismus Giottos. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger beherrschte er die Anatomie jedoch bereits gut.

Statt klotziger Charaktere hat Giotto wunderschön gebaute Menschen. Genau wie die alten Griechen.

Masaccio. Taufe von Neophyten. 1426-1427 Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, Italien.
Masaccio. Vertreibung aus dem Paradies. 1426-1427 Fresko in der Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Masaccio lebte ein kurzes Leben. Er starb, wie sein Vater, unerwartet. Mit 27 Jahren.

Er hatte jedoch viele Anhänger. Meister nachfolgender Generationen gingen in die Brancacci-Kapelle, um seine Fresken zu studieren.

So wurde Masaccios Innovation von allen großen Künstlern der Hochrenaissance aufgegriffen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Selbstporträt. 1512 Königliche Bibliothek in Turin, Italien.

Leonardo da Vinci ist einer der Titanen der Renaissance. Er hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der Malerei.

Es war da Vinci, der den Status des Künstlers selbst erhöhte. Dank ihm sind Vertreter dieses Berufsstandes nicht mehr nur Handwerker. Dies sind Schöpfer und Aristokraten des Geistes.

Den Durchbruch schaffte Leonardo vor allem in Porträtgemälde.

Er glaubte, dass nichts vom Hauptbild ablenken sollte. Der Blick sollte nicht von einem Detail zum anderen wandern. So entstanden seine berühmten Porträts. Lakonisch. Harmonisch.

Leonardo da Vinci. Dame mit einem Hermelin. 1489-1490 Czertoryski-Museum, Krakau.

Leonardos wichtigste Innovation besteht darin, dass er einen Weg gefunden hat, Bilder ... lebendig zu machen.

Vor ihm sahen Porträtfiguren wie Schaufensterpuppen aus. Die Linien waren klar. Alle Details sind sorgfältig gezeichnet. Die gemalte Zeichnung konnte unmöglich lebendig sein.

Leonardo erfand die Sfumato-Methode. Er schattierte die Linien. Der Übergang von Licht zu Schatten wurde sehr weich gestaltet. Seine Figuren scheinen von einem kaum wahrnehmbaren Dunst bedeckt zu sein. Die Charaktere wurden lebendig.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Sfumato wird in den aktiven Wortschatz aller großen Künstler der Zukunft aufgenommen.

Es gibt oft die Meinung, dass Leonardo zwar ein Genie sei, aber nicht wusste, wie man etwas vollendet. Und ich habe meine Bilder oft nicht fertiggestellt. Und viele seiner Projekte blieben auf dem Papier (übrigens in 24 Bänden). Und im Allgemeinen wurde er entweder in die Medizin oder in die Musik geworfen. Eine Zeit lang interessierte ich mich sogar für die Kunst des Servierens.

Denken Sie jedoch selbst. 19 Gemälde – und er ist der größte Künstler aller Zeiten. Und jemand kommt an Größe nicht einmal annähernd heran, hat aber in seinem Leben 6.000 Leinwände gemalt. Es ist offensichtlich, wer die höhere Effizienz hat.

Lesen Sie im Artikel mehr über das berühmteste Gemälde des Meisters.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (Fragment). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo betrachtete sich als Bildhauer. Aber da war universeller Meister. Wie seine anderen Renaissance-Kollegen. Daher ist sein malerisches Erbe nicht weniger grandios.

Man erkennt ihn vor allem an seinen körperlich entwickelten Charakteren. Er porträtierte einen perfekten Mann, bei dem körperliche Schönheit auch spirituelle Schönheit bedeutet.

Deshalb sind alle seine Helden so muskulös und belastbar. Sogar Frauen und alte Leute.

Michelangelo. Fragmente des Freskos „Das Jüngste Gericht“ in der Sixtinischen Kapelle im Vatikan.

Michelangelo malte die Figur oft nackt. Und dann fügte er noch Kleidung hinzu. Damit der Körper so geformt wie möglich ist.

Er bemalte allein die Decke der Sixtinischen Kapelle. Obwohl es mehrere Hundert Zahlen sind! Er erlaubte niemandem, Farbe zu reiben. Ja, er war ungesellig. Er hatte einen harten und streitsüchtigen Charakter. Vor allem aber war er unzufrieden mit... sich selbst.

Michelangelo. Fragment des Freskos „Die Erschaffung Adams“. 1511 Sixtinische Kapelle, Vatikan.

Michelangelo lebte ein langes Leben. Überlebte den Niedergang der Renaissance. Für ihn war es eine persönliche Tragödie. Seine späteren Werke sind voller Traurigkeit und Leid.

Ohnehin kreativer Weg Michelangelo ist einzigartig. Seine frühen Werke sind eine Hommage an den menschlichen Helden. Frei und mutig. In bester Tradition Antikes Griechenland. Wie ist sein Name, David?

In den letzten Lebensjahren sind das tragische Bilder. Absichtlich grob behauener Stein. Es ist, als ob wir vor Denkmälern für die Opfer des Faschismus des 20. Jahrhunderts sähen. Schauen Sie sich seine Pietà an.

Michelangelos Skulpturen in der Akademie der Schönen Künste in Florenz. Links: David. 1504 Rechts: Palestrinas Pietà. 1555

Wie ist das möglich? Ein Künstler durchlief in einem Leben alle Phasen der Kunst von der Renaissance bis zum 20. Jahrhundert. Was zu tun zukünftige Generationen? Gehen Sie Ihren eigenen Weg. Mir ist bewusst, dass die Messlatte sehr hoch liegt.

5. Raffael (1483-1520)

. 1506 Uffizien, Florenz, Italien.

Raphael wurde nie vergessen. Sein Genie wurde immer anerkannt: sowohl zu Lebzeiten als auch nach dem Tod.

Seine Charaktere sind von sinnlicher, lyrischer Schönheit ausgestattet. Er gilt zu Recht als der Schönste weibliche Bilder jemals geschaffen. Äußere Schönheit spiegelt auch die spirituelle Schönheit der Heldinnen wider. Ihre Sanftmut. Ihr Opfer.

Raphael. . 1513 Galerie Alte Meister, Dresden, Deutschland.

Fjodor Dostojewski sagte die berühmten Worte „Schönheit wird die Welt retten“. Dies war sein Lieblingsgemälde.

Sinnesbilder sind jedoch nicht die einzigen starker Punkt Raphael. Er hat die Kompositionen seiner Bilder sehr sorgfältig durchdacht. Er war ein unübertroffener Architekt in der Malerei. Darüber hinaus fand er bei der Raumorganisation stets die einfachste und harmonischste Lösung. Es scheint, dass es nicht anders sein kann.

Raphael. Athener Schule. 1509-1511 Fresko in den Strophen des Apostolischen Palastes, Vatikan.

Raphael lebte nur 37 Jahre. Er starb plötzlich. Aufgrund einer Erkältung und eines medizinischen Fehlers. Aber sein Erbe ist schwer zu überschätzen. Viele Künstler vergötterten diesen Meister. Und sie vervielfachten seine sinnlichen Bilder in Tausenden ihrer Leinwände.

Tizian war ein unübertroffener Kolorist. Er experimentierte auch viel mit Komposition. Im Allgemeinen war er ein mutiger Erneuerer.

Alle liebten ihn für sein brillantes Talent. Wird „der König der Maler und der Maler der Könige“ genannt.

Apropos Tizian: Ich möchte nach jedem Satz ein Ausrufezeichen setzen. Schließlich war er es, der der Malerei Dynamik verlieh. Pathos. Begeisterung. Grelle Farbe. Die Strahlkraft der Farben.

Tizian. Himmelfahrt Mariens. 1515-1518 Kirche Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venedig.

Am Ende seines Lebens hatte er sich weiterentwickelt ungewöhnliche Technik Briefe. Die Striche sind schnell und dick. Ich habe die Farbe entweder mit einem Pinsel oder mit den Fingern aufgetragen. Dadurch werden die Bilder noch lebendiger und atmender. Und die Handlungen sind noch dynamischer und dramatischer.

Tizian. Tarquinia und Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.

Erinnert Sie das an irgendetwas? Natürlich ist das Technologie. Und Technologie Künstler des XIX Jahrhunderte: Barbizonier und. Tizian durchlief wie Michelangelo in einem Leben 500 Jahre Malerei. Deshalb ist er ein Genie.

UM berühmtes Meisterwerk Lesen Sie den Master im Artikel.

Künstler der Renaissance verfügen über großes Wissen. Um ein solches Erbe zu hinterlassen, musste man viel lernen. Im Bereich Geschichte, Astrologie, Physik usw.

Deshalb regt uns jedes Bild von ihnen zum Nachdenken an. Warum wird das dargestellt? Was ist hier die verschlüsselte Nachricht?

Sie lagen fast nie falsch. Weil sie ihre zukünftige Arbeit gründlich durchdacht haben. Wir haben unser gesamtes Wissen genutzt.

Sie waren mehr als Künstler. Sie waren Philosophen. Sie erklärten uns die Welt durch Malerei.

Deshalb werden sie für uns immer von großem Interesse sein.

Renaissance, oder Renaissance – eine Ära in der Geschichte der europäischen Kultur, die die Kultur des Mittelalters ablöste und der Kultur der Neuzeit vorausging. Ein charakteristisches Merkmal der Renaissance ist der säkulare Charakter der Kultur und ihr Anthropozentrismus (also vor allem Interesse am Menschen und seinen Aktivitäten).

Renaissance-Stil

Die wohlhabenden Bürger Europas mussten sich nicht mehr hinter Burgmauern verstecken. Sie wurden durch Stadtpaläste (Palazzos) und Landvillen ersetzt, die ihre Besitzer mit Schönheit und Komfort erfreuten. Ein typischer Palazzo hat normalerweise 3-4 Etagen. Im Untergeschoss befanden sich Vorräume, Wirtschaftsräume, Ställe und Lagerräume. Auf der nächsten Ebene – Piano Nobile – befinden sich geräumige, reich verzierte Prunkräume. Manchmal befanden sich auf dieser Etage die Schlafzimmer von Familienmitgliedern des Hausbesitzers. Privaträume sind das Schlafzimmer und das „Studio“, ein Raum, der als Büro, Werkstatt oder Raum für private Gespräche genutzt wird. In der Nähe gab es einen Waschraum; Wasser wurde aus einem Brunnen oder Brunnen entnommen. Der dritte Stock hatte oft den gleichen Grundriss wie das Piano Nobile, mit Wohnzimmern mit niedrigeren Decken. Im obersten Stockwerk waren die Decken noch niedriger; dort befanden sich Unterkünfte für Bedienstete. Mittelalterliche Treppen waren spiralförmig oder ähnelten schmalen Schlitzen, die durch die Dicke der Wände geschnitten waren; jetzt sind sie breit und gerade und dominieren den Innenraum. Zusätzliche Treppenhäuser waren oft schlecht beleuchtet. Die Landvilla wurde nicht in so beengten Verhältnissen gebaut und könnte daher größer sein. Gleichzeitig wurde das gleiche Schema beibehalten: Diensträume befanden sich im Erdgeschoss, Prunkräume im zweiten Stock und Dienstbotenzimmer im obersten Stockwerk oder auf dem Dachboden.

Renaissance-Interieurs zeugen von einer Leidenschaft für die Klassiker. Symmetrie steht im Vordergrund und die Details sind an antike römische Designs angelehnt. Wände sind oft in neutralen Farbtönen gehalten oder weisen Muster auf. In reichen Häusern sind die Wände oft mit Fresken geschmückt. Die Decken sind Balken- oder Kassettendecken. Die Deckenbalken und Kassetten sind in hellen Farben gestrichen. Die Böden sind mit komplexen geometrischen Mustern verziert. Die Kamine, die als einzige Wärmequelle dienten, sind mit Schnitzereien bedeckt. Den Gemälden der damaligen Künstler nach zu urteilen, waren Vorhänge und andere Accessoires mehrfarbig.

Während der Renaissance waren Möbel weiter verbreitet als im Mittelalter, nach modernen Maßstäben waren sie jedoch immer noch rar. Im Innenraum waren Schnitzereien, Intarsien und Intarsien vorhanden, je nach den finanziellen Möglichkeiten und dem Geschmack des Hausbesitzers.

Die Innenräume von Renaissance-Kirchen waren in gedämpften Farben gestrichen und reich mit architektonischen Details verziert, die antiken römischen Denkmälern entlehnt waren. Buntglasfenster wichen transparentem Glas. Malerei war weit verbreitet – Fresken, Altargemälde. Altäre wurden in der Regel von wohlhabenden Bürgern bestellt und den Kirchen gespendet, deren Porträts im Vordergrund zu sehen sind. In den Innenräumen der Renaissance lässt sich ein Übergang von der Einfachheit zur Pracht erkennen.

Frührenaissance

Der Palazzo Davanzati in Florenz (Ende des 14. Jahrhunderts) ist ein hervorragend erhaltenes Stadthaus aus der Wende zweier Epochen. Das Gebäude steht auf einem schmalen, unregelmäßigen Grundstück, typisch für eine mittelalterliche Stadt. Im Untergeschoss befindet sich zur Straße hin eine Loggia, die als Sitzbank dienen könnte. Vom Innenhof führen Treppen zu den Etagen, in denen sich die Wohnräume befinden – geräumig und reich verziert, aber chaotisch angeordnet, wie in einer mittelalterlichen Burg. Die Außenseite des Gebäudes ist symmetrisch. Die Friese und Konsolen, die die Deckenbalken tragen, sind der klassischen Architektur entlehnt; aber die Bleifensterrahmen und wandteppichartigen Wandmalereien gehen auf das Mittelalter zurück. Auch mit Möbeln wirken die Räume leer und mittelalterliche Askese ist noch spürbar.

Ungefähr chronologischer Rahmen Epochen: Anfang des XIV - letztes Quartal XVI Jahrhundert und in einigen Fällen - die ersten Jahrzehnte des 17. Jahrhunderts (zum Beispiel in England und insbesondere in Spanien). Es besteht Interesse daran antike Kultur, es gibt sozusagen seine „Wiedergeburt“ – so entstand der Begriff. Historiker haben die Renaissance in drei Perioden eingeteilt:früh, hoch, später Historiker alte Schule verdeutlichen die triumphale Zeit der „Hochrenaissance“, die im Niedergang endet. Moderne Wissenschaftler halten jede Epoche für forschungs- und bewundernswert: vom kühnen Experiment über die Blütezeit bis hin zu einem Endstadium, das von großer Freiheit und Komplexität geprägt ist.

Renaissance in Frankreich

Im Jahr 1515 verbrachte Franz I. (1515-1547) auf Einladung des Papstes vier Tage im Vatikan, wo er die Kunst der Hochrenaissance bewundern konnte. Franziskus lud Leonardo da Vinci ein, nach Frankreich zu kommen, was 1516 zustande kam. Leonardo ließ sich in der Nähe von Amboise nieder, wo er bis zu seinem Tod 1519 lebte. Der Franziskanerflügel im Schloss von Blois (1515-1519) mit seinem berühmten Das Treppenhaus hat drei Etagen, die mit Pilastern und dekorativen Elementen verziert sind, die den Innenhöfen florentinischer Paläste entlehnt sind. Das Dach mit Rohren und Dachfenstern ist im typisch französischen Stil gehalten.

Das spektakulärste Schloss der Frührenaissance ist der riesige Königspalast von Chambord (1519). Runde mittelalterliche Türme, Wassergräben und hohe Dächer werden mit symmetrischen Grundriss- und Ordnungselementen kombiniert. Eine Vielzahl von Schornsteinen, Türmchen, Kuppeln und Dachgauben erinnern daran Italienische Renaissance. Im Chateau de Chambord ist die Lobby in Form eines griechischen Kreuzes gestaltet. Die zweiläufige Wendeltreppe im Zentrum der Lobby ist das Herzstück der Gesamtkomposition. Da Leonardo da Vinci in der Nähe von Amboise lebte, wird angenommen, dass die Treppe auf der Grundlage von bei ihm gefundenen Skizzen erstellt wurde Notizbücher. Wohnräume sind in den Ecken des Platzes konzentriert, zusätzliche Räume, Treppenhäuser und Flure befinden sich in den Ecktürmen, wodurch das Gebäude wie ein riesiges Labyrinth wirkt. Die Räume sehen kahl aus. Damals wanderten Möbel mit dem königlichen Hof nach Paris und zurück. Es wird angenommen, dass der Plan für die Burg von Domenico da Cortona (gest. 1549) entworfen wurde, einem Schüler von Giuliano da Sangallo, der 1495 Frankreich besuchte (Sangallo kehrte nach Italien zurück, während Domenico in Frankreich blieb). Auch der französische Architekt Pierre Iepvo spielte eine wichtige Rolle, aber ob er der Urheber des Projekts oder ein einfacher Maurer war, der unter der Aufsicht anderer Handwerker arbeitete, ist unklar.

Das kleine Schloss von Azay-le-Rideau im Loiretal (1518-1527) ist die Schöpfung unbekannter Architekten. Das Gebäude in Form des lateinischen Buchstabens B, ein Wassergraben und ein See bilden ein reizvolles Ensemble. Die Ecktürme und der Wassergraben erinnern an das Mittelalter, aber die dem Wassergraben zugewandte Rückfassade ist völlig symmetrisch und die Pilaster und Friese sind im Renaissancestil gehalten. Die Haupttreppe befindet sich in der Mitte des Hauptvolumens. Ein uriger Eingang markiert seinen Standort draußen. Die Fassade des Gebäudes ist asymmetrisch. Glücklicherweise sind die Innenräume von Azay-Rideau gut erhalten. Von der Haupttreppe aus beginnt eine Reihe von Zimmern. Die Holzbalken der Decke sind freigelegt, die Wände sind mit Stoff verkleidet, große Kamine sind vermutlich das Werk eines italienischen Meisters. Die Fenster sind in die Dicke der Steinmauern eingelassen. Da die Räume keinen besonderen Zweck hatten, konnte in jedem von ihnen beispielsweise ein Bett stehen. Darüber hinaus wurde jedes Zimmer in einem bestimmten Farbschema dekoriert.

Brunelleschi

Die Frührenaissance in Italien ist der Zeitraum von etwa 1400 bis zum Ende des 15. Jahrhunderts. Die erste bedeutende Persönlichkeit ist Filippo Brunelleschi (1377-1446), ein Florentiner Goldschmied, der später Bildhauer, Geometer und Architekt wurde. Er ist ein Beispiel für einen „Renaissance-Mann“. Nachdem er an einem Wettbewerb für Entwürfe für die Kuppel der Kathedrale von Florenz teilgenommen hatte, schlug Brunelleschi den Bau einer riesigen Kuppel ohne Strebepfeiler und ohne Holzkreise vor (im letzteren Fall wäre es notwendig gewesen, ein teures Gerüst zu errichten, was an sich schon riesig ist). Ingenieurbauwerk). Im Jahr 1420 begann Brunelleschi mit dem Bau der grandiosen Kuppel, die noch heute Florenz überragt.

Brunelleschis Kuppel unterscheidet sich von römischen Kuppeln durch ihre spitze Form, die perfekt zur gotischen Kathedrale passt. Der Bau einer Kuppel ohne äußere Stützpfeiler erforderte grundlegend neue technische Lösungen. In den Ecken des Achtecks ​​befinden sich Steinrippen sowie zwei zusätzliche Rippen auf jeder Seite der Kuppel. Für den Bau wurde der gesamte Raum der Kathedrale genutzt. Nicht sichtbar sind die riesigen Verbindungen aus Stein, Eisen und Holz, die die Kuppel mit den „Spannringen“ verbinden und den Schub dämpfen, völlig ausreichend, um das gesamte Bauwerk zu zerstören. Oben in der Kuppel befindet sich ein rundes Fenster. Die Laterne der Kuppel, eigentlich ein kleines Gebäude auf dem Dach, wurde nach Brunelleschis Tod erbaut, ist aber in seinem Stil gehalten und der einzige Teil der Kuppel, der streng klassisch gestaltet ist.

Obwohl die riesige Kuppel Brunelleschis spektakulärstes Bauwerk ist, spiegeln andere Entwürfe sein Innenarchitekturkonzept besser wider. In den Florentiner Kirchen San Lorenzo (begonnen um 1420) und Santo Spirito (begonnen 1435) versuchte Brunelleschi, die Basilika mit Querschiff, Chor und Seitenschiffen in etwas Neues umzuwandeln. Der Grundriss jeder Kirche ist in Quadrate unterteilt, wobei ein solches Quadrat ein Modul für die gesamte Struktur als Ganzes ist. Das Mittelschiff ist von den Seitenschiffen durch römische Bögen getrennt, die von korinthischen Säulen getragen werden. Die Seitenschiffe sind mit Gewölben bedeckt. Bei römischen Bauten ruht der Bogen nicht direkt auf der Säule, sondern auf dem Gebälk. Bei Brunelleschi sehen wir dasselbe: Die Säulen enden immer mit einem Fragment eines Gebälks, einer quadratischen Platte, die manchmal als Impost bezeichnet wird.

Brunelleschis allererstes Werk in der Kirche San Lorenzo war die kleine Sakristei (bekannt als die Alte Sakristei, es gibt auch die Neue Sakristei von Michelangelo, die üblicherweise Medici-Kapelle genannt wird). Dies ist ein quadratischer Raum mit einer Kuppel auf Segeln. Es schließt an einen kleineren Raum an, in dem sich der Altar befindet (die sogenannte Scarcella).

Die kleine Pazzi-Kapelle im Innenhof der Kirche Santa Croce in Florenz (1429-1461) wird allgemein als Werk Brunelleschis angesehen, obwohl nicht genau geklärt ist, welchen Beitrag er zum Bau der fertiggestellten Kapelle geleistet hat nach dem Tod des Architekten erbaut, erinnert jedoch in vielerlei Hinsicht an die Sakristei in der Kirche St. Lorenzo. Es wird oft als das erste Bauwerk der Frührenaissance angesehen und zeichnet sich durch Symmetrie und klassische Elemente sowie Raffinesse und Innovation aus. Der quadratische Raum ist mit einer Kuppel auf Segeln bedeckt; in Nord-Süd-Richtung erstrecken sich die Kreuzarme mit Tonnengewölben vom Kuppelquadrat und verwandeln den quadratischen Grundriss in einen rechteckigen. Die quadratische Scarcella mit ihrer Kuppel gleicht den Grundriss aus. Die Kapelle wurde als klösterlicher Kapitelsaal erbaut; im Inneren befinden sich noch immer Bänke rund um den Raum, die für die Teilnahme an Versammlungen der Mönche bestimmt sind. Die Wände sind mit Pilastern aus graugrünem Marmor verziert; im oberen Teil der Wände befinden sich runde Nischen mit Reliefs von Luca della Robbia (1400-1482). Der Raum wirkt klein, obwohl er tatsächlich eine beeindruckende Größe hat. Dies kann an der nicht ganz korrekten Verwendung klassischer Elemente liegen.

Michelozzo

Der von Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472) entworfene Palazzo Medici-Riccardi in Florenz (begonnen 1444) ähnelt mit seinen rostigen Wänden und kleinen Fenstern einer mittelalterlichen Burg, der symmetrische Grundriss und die Ordnungselemente weisen jedoch auf einen Stil der Frührenaissance hin. Der zentrale Eingang führt in einen kleinen quadratischen Innenhof mit Zugang zum Garten. Zwölf Säulen korinthischer Ordnung stützen die Bögen und bilden eine offene Galerie. Die Bögen ruhen direkt auf den Kapitellen der Säulen und verbinden sich unschön an den Ecken, was darauf hindeutet, dass der Architekt nicht über ausreichende Kenntnisse der Gesetze der klassischen Architektur verfügt. Die Innenräume sind schlicht und schmucklos, mit Ausnahme prächtiger Kassettendecken, Türrahmen und Kaminsimse im klassischen Stil. Möglicherweise hingen Wandteppiche in den Haupträumen und dienten gleichzeitig als Dekoration. Die Kapelle enthält Fresken von Benozzo Gozzoli (1420-1497), die die „Anbetung der Könige“ darstellen – eine Reihe prächtig gekleideter Menschen, die sich durch das hügelige Gelände bewegen. Das Fresko ähnelt einem Wandteppich. Bei der anschließenden Rekonstruktion (1680) blieb die Symmetrie erhalten, obwohl die ursprüngliche Symmetrie nur noch auf der linken Seite erhalten bleibt. Der Innenhof des Palazzo ist ein Beispiel für die Architektur der Frührenaissance: Halbkreisbögen ruhen auf dünnen Säulen korinthischer Ordnung, der Grundriss ist streng symmetrisch.

Alberti

Leon Battista Alberti (1404–1472) war Wissenschaftler, Musiker, Künstler, Kunsttheoretiker und Schriftsteller. Sein 1485 veröffentlichtes Buch De Re Aedificatoria (Über das Bauen) war das erste große Werk über Architektur seit Vitruv. Das Buch hatte großer Einflussüber italienische Architektur. Der Text umreißt die Regeln klassischer Orden. Wie in der Musik können auch in der Architektur die Grundverhältnisse 2:3, 3:4 und 3:5 (die Schwingungsfrequenz entsprechend musikalischer Akkorde) erfolgreich angewendet werden.

Die Kirche Sant'Andrea in Mantua (Baubeginn 1471) ist Albertis wichtigstes Werk und hatte großen Einfluss auf die Architektur des 16. Jahrhunderts. Der Grundriss der Kirche ist kreuzförmig, über dem Mittelkreuz erhebt sich eine Kuppel, Mittelschiff, Querschiff und Altar sind mit Tonnengewölben mit Senkkästen bedeckt. Es gibt keine Seitenschiffe; Stattdessen wurden große und kleine Kapellen errichtet. Separat stehende Säulen durch mächtige Pylone mit Pilastern ersetzt. Die aufwendige Innenausstattung erschien nach Albertis Tod; die im Allgemeinen schlichte und majestätische Architektur zeugt vom Einfluss der römischen Architektur, insbesondere der Kaiserbäder, auf den Architekten.