Artistas pintando índios. Decoração de utensílios indígenas norte-americanos com estatuetas esculpidas

John Manchip White::: Índios da América do Norte. Vida, religião, cultura

O índio vivia em ligação inextricável com a natureza, tratando-a com admiração e profundo respeito; ele constantemente voltava suas orações aos espíritos e forças que a encarnavam, tentando apaziguá-los e apaziguá-los. A sua ligação com a natureza era forte e frágil: por um lado, deu-lhe os meios para viver, por outro, lembrou-lhe e alertou constantemente sobre como o homem é uma criatura vulnerável e como está menos e pior adaptado à vida. no ambiente ao seu redor do que outros seres vivos próximos a ele. Portanto, não é de surpreender que na arte o indiano tentasse expressar seus sentimentos e sensações profundamente pessoais associados ao mundo ao seu redor - seus medos, esperanças e crenças que viviam nas profundezas de sua alma.

A arte dos índios estava profundamente ligada às suas crenças religiosas. Infelizmente, devido à destruição do modo de vida tradicional e das antigas crenças e tradições religiosas, perdeu-se a capacidade de expressar e compreender o significado interior mais profundo contido nas obras de arte indiana durante o seu apogeu. Este significado é hoje inacessível não só aos críticos de arte branca, mas também à maioria dos próprios índios. Assim como a arte homem branco, a arte indiana hoje é uma adição agradável à vida, além de leve e superficial; uma espécie de gesto gracioso e sorriso enviado à vida. Não é mais alimentado por aquela força e poder poderosos e irresistíveis que foram fornecidos por uma conexão direta com o que estava escondido nas profundezas. alma humana a fonte de toda a gama de sentimentos e paixões humanas. Apenas naqueles poucos locais, em particular em alguns locais do sudoeste e noroeste, bem como nas regiões do Árctico, onde o modo de vida tradicional e tradições culturais Foi possível preservar em grande parte; às vezes podem ser vislumbrados exemplos de arte indiana genuína.

Outra razão pela qual a arte indiana como um todo permanece incompreendida e subestimada é que as suas obras são executadas num estilo incomum. Os ocidentais poderiam ter-lhe prestado mais atenção e estudado mais seriamente se pertencesse ao realismo ou ao abstracionismo, uma vez que ambos os estilos são bem conhecidos no Ocidente. No entanto arte tradicional Indianos não é realista nem abstrato. É esquemático e simbólico, e por isso se assemelha à arte Antigo Egito. A pintura mural egípcia antiga era considerada divertida, incomum e "amadora" porque o design externo parecia muito simples e ingênuo. A escultura egípcia antiga tem recebido mais atenção de críticos e especialistas porque foi classificada como “realista”, embora seja tão imbuída de significado simbólico e religioso quanto a pintura. A arte nativa americana sofreu avaliações igualmente errôneas e simplistas.

A arte indiana nunca teve como objetivo refletir objetivamente o mundo exterior. Ele não estava interessado no lado externo das coisas; estava voltado para dentro, preocupava-se principalmente com os ecos e manifestações da vida interior de uma pessoa: visões, revelações, sonhos acalentados, sentimentos e sensações. Isso alimentou o próprio artista, e é isso que ele queria ver no objeto de sua obra. Na arte indiana, o princípio estético não estava em primeiro plano, embora entre os índios esse sentimento fosse muito desenvolvido. Sua principal tarefa era transmitir e expressar um certo mistério, significado místico. Até os desenhos e imagens nas roupas e utensílios domésticos têm uma finalidade protetora e curativa; expressar uma conexão com um espírito guardião sagrado ou servir símbolos mágicos, o que deve garantir boa sorte e prosperidade. O artista indiano, como seu antigo colega egípcio, não se esforçou para pintar um retrato preciso de uma pessoa ou a imagem de um animal. Ele não estava interessado na casca externa, mas na alma e no oculto essência interior tudo o que o cercava. De que outra forma você pode transmitir e representar algo tão sutil e evasivo como a alma, senão por meio de símbolos e outros meios semelhantes de transmitir seus sentimentos e autoexpressão?

Com exceção dos monumentos arquitetônicos, os índios americanos não parecem ter criado grande quantidade trabalhos de arte. Poderíamos estar convencidos de que as obras dos antigos construtores de assentamentos rochosos e montes não são inferiores aos exemplos antigos e medievais. Arquitetura europeia. Por outro lado, em América do Norte nada foi descoberto - pelo menos ainda não - que possa ser comparado com as obras-primas da pintura mural encontradas em Altamira, Espanha, ou com os igualmente famosos exemplos de pintura rupestre em Lascaux, França. Apenas algumas modestas pinturas rupestres foram preservadas nas “casas-assentamentos” construídas nas rochas, mas foram feitas pelos índios Navajo, que apareceram aqui muitos anos depois que os criadores desses lugares únicos deixaram esses lugares. estruturas arquitetônicas. Nas paredes das kivas também foram encontrados vários desenhos, cujo acesso era permitido. É possível, claro, que uma série de obras-primas de pintura mural possam ser descobertas dentro de kivas, em vários pueblos, quando o acesso a pessoas de fora lhes é aberto; afinal, vários monumentos de pintura e escultura do Antigo Egito também foram muito tempo escondido de olhares indiscretos. No entanto, é provável que um número significativo de monumentos de arte indiana nunca seja descoberto. Os índios simplesmente não tinham inclinação ou desejo de criá-los. Uma exceção que vale a pena mencionar foram os artistas e entalhadores do noroeste do Pacífico. Decoraram as paredes das famosas "malocas" com verdadeiras obras-primas, bem como os pilares de sustentação dos edifícios residenciais, os pilares dos cemitérios, os pilares memoriais e os famosos totens (a expressão "totem pole", embora frequentemente utilizada, é um nome impróprio; os postes representavam não apenas símbolos sagrados; poderiam ser simplesmente um emblema ou um sinal tribal distintivo).

A única semelhança séria entre a arte do Novo e do Velho Mundo era o uso de meios específicos de representação - pictogramas ou pinturas rupestres. Petroglifos são sinais ou símbolos semânticos desenhados, escavados ou esculpidos na superfície de uma rocha, pedra, em um abrigo ou reentrância rochosa, bem como nas paredes de cavernas. Eles são encontrados em quase toda a América do Norte. Figuras humanas alongadas e oblongas, bem como pés, braços, pernas e dedos são às vezes usadas como símbolos. Mais comum figuras geométricas várias formas(redondo, oval, quadrado, triangular, trapezoidal) e suas combinações, bem como conjuntos surpreendentes de animais, pássaros, répteis e insetos representados de forma única ou seus fragmentos. Às vezes os petróglifos são representados muito de perto, praticamente reduzidos a uma espécie de grande mancha, e às vezes a imagem é única, e em local remoto e de difícil acesso.

O que significavam os petróglifos? Por que eles foram sorteados? Em alguns casos, podem ter sido aplicadas assim mesmo, “do nada para fazer”, sem qualquer propósito específico. Algumas “inscrições” provavelmente foram deixadas pelos amantes para assim expressarem seus sentimentos. Talvez tenham sido deixados por caçadores, passando o tempo enquanto esperavam pelas presas ou fazendo anotações sobre os troféus que haviam capturado. Talvez fosse um registro memorial de uma reunião de várias tribos que se reuniram para fazer um tratado. Muitos sinais estão provavelmente relacionados à caça: talvez seja uma espécie de “conspiração” ou um talismã para uma caçada bem-sucedida. Mas alguns deles, muito provavelmente, são de natureza puramente pessoal: os jovens que partiram especificamente para se retirarem para um lugar deserto e receberem revelação do seu espírito guardião poderiam deixar um sinal pessoal para expressar desta forma os seus sentimentos e impressões. O autor deste livro subia frequentemente uma colina em um vale perto de Carrizozo, Novo México. No seu topo, sobre rochas de origem vulcânica, é possível observar milhares de pinturas rupestres do Formas diferentes, tamanho e representando uma variedade de combinações de enredo e semântica. Eles foram infligidos há 500-1000 anos por pessoas culturais jornada, que é um ramo da cultura mogollon, que, por sua vez, está remotamente relacionado com a cultura Hohokam. Enquanto estiver lá, você se sente como se estivesse lugar sagrado e você está em solo sagrado, mas esses sinais não são rabiscos aleatórios, mas algo muito misterioso e importante.

O facto de o índio norte-americano não gostar de formas de arte monumentais deve-se em grande parte ao facto de levar um estilo de vida em grande parte nómada. Também em em maior medida isso pode ser explicado por seu medo sagrado e admiração pela natureza, medo e relutância em causar qualquer dano ao mundo vivo ao seu redor. A natureza era sagrada para ele. Mesmo quando se deslocava de um lugar para outro, procurava fazê-lo de forma a causar o menor dano possível à natureza. Procurou não deixar rastros, andando pelo chão, movendo-se literalmente “na ponta dos pés”; não quebre um único galho, não arranque uma única folha; removeu da face da terra todos os vestígios de fogueiras e locais de acampamento. Ele tentou se mover como um vento leve. E como vimos, ele tentou tornar até mesmo seu túmulo modesto e discreto. Alguns índios recusaram-se por muito tempo a usar o arado oferecido pelo homem branco, embora agricultura, porque temiam que a relha de ferro do arado, cortando o corpo da mãe terra, lhe causasse dor.

No entanto, embora o índio praticamente não estivesse familiarizado com os tipos de arte considerados mais significativos (embora uma obra de arte em miniatura possa ser executada com a mesma habilidade e ter o mesmo valor que um afresco), ele alcançou o máximo na criação de “doméstico”, coisas cotidianas. Armas, roupas, joias, objetos para rituais religiosos eram exemplos de excelente artesanato. Nesse nível, os índios norte-americanos não tinham igual. Além disso, ao contrário da nossa sociedade, os índios têm capacidades artísticas e Habilidades criativas não eram o destino de apenas um círculo limitado de pessoas. Os índios não consideravam essas habilidades uma espécie de dom excepcional. Há todos os motivos para acreditar que não importa quão rapidamente essas habilidades desapareçam e morram em nossa sociedade, elas se desenvolveram e se espalharam amplamente entre os índios. Quase qualquer índio poderia fazer um jarro ou outro item estampado de cerâmica, tecer uma cesta, costurar roupas de couro, fazer arreios para cavalos ou pintar um padrão em um escudo de batalha ou tenda tipi. A maioria dos indianos tinha mãos “douradas” e dedos “vivos”. As suas condições de vida ensinaram-lhes isso; e seu constante contato e comunicação com o mundo da natureza viva, divindades e espíritos sagrados, revelações e visões, sinais e símbolos mágicos foi uma fonte inesgotável de inspiração criativa.

Mais uma vez, enfatizamos que os exemplos de arte indiana que podem ser vistos hoje em galerias e museus não representam, na verdade, a arte indiana tradicional e genuína na forma em que existia então. Os índios criaram obras-primas com materiais de curta duração: couro, madeira, penas, peles. Aquelas amostras que, apesar de sua exploração ativa e influência natural, sobreviveram até hoje, raramente foram feitas antes meados do século XIX século, isto é, já naquela época em que a influência do homem branco e de sua cultura era bastante perceptível. Itens de mais Período inicial Infelizmente, muito pouco chegou até nós. Assim que os europeus apareceram no continente, eles imediatamente começaram a negociar com os índios, trocando facas, machadinhas, armas, contas de vidro, sinos e sinos de latão, botões de metal, além de tecidos de lã e algodão de cores vivas por peles e peles. Pode-se dizer que com meados do século 18 V. Os índios já haviam caído sob a influência da moda e das preferências de gosto do homem branco. Por um lado, a gama de roupas e joias entre os índios se expandiu e, por outro, seu gosto, tradicionalmente sutil e refinado, tornou-se mais grosseiro durante os contatos com a civilização industrial. Uma parte significativa do que compunha aqueles trajes brilhantes e exuberantes com que os líderes indianos são retratados nas fotografias do século XIX. e que nos causa tanta admiração, foi comprado de empresas comerciais de brancos ou de vendedores ambulantes brancos.

No entanto, o uso de materiais europeus produzidos em massa nem sempre foi prejudicial à cultura e arte dos nativos americanos. Embora carregassem, por um lado, uma variedade e brilho externo de ouropel, mas, por outro lado, deram aos índios a oportunidade de expressar plenamente sua rica imaginação e realizar seu desejo por paletas de cores vivas e ricas, já que as tintas eram apenas de origem natural e os materiais que usavam antes, não tinham tanta variedade de cores como as industriais, e às vezes eram opacos e desbotados. É claro que a influência dos europeus não foi apenas superficial. Mudou seriamente os gostos, a moda e o estilo das roupas e a própria aparência dos índios. Antes do contato com os brancos, os homens indianos não usavam jaquetas, camisas ou agasalhos em geral, e a maioria das mulheres indianas não usava blusas. Mais tarde, as mulheres indianas caíram no feitiço das roupas usadas pelas esposas militares brancas que viam em fortes e guarnições. Passaram a usar seda, cetim e veludo, enfeitaram-se com fitas e também usaram saias e capas largas. Os Navajos de hoje, cujas roupas os turistas consideram " Roupas tradicionais Na verdade, os índios têm muito pouca semelhança com seus companheiros de tribo que viveram há 200 anos. Até as famosas joias Navajo são geralmente modernas, mas não antigas. Os índios Navajo foram ensinados a fazê-los por ourives mexicanos na década de 50. Século XIX. A vida dos índios mudou completamente desde que os espanhóis cruzaram o Rio Grande em 1540 e introduziram os cavalos aos povos indígenas da América do Norte. armas de fogo e outras coisas estranhas e até então desconhecidas.

Isso, é claro, não significa que os índios perderam suas habilidades e habilidades criativas tradicionais e pararam de criar suas próprias obras, a arte indiana. Os índios viram os brancos pela primeira vez há quatro séculos, e sua cultura e as habilidades e habilidades criativas originais que se desenvolveram constantemente a partir dela são pelo menos 30 vezes mais antigas.

Em todas as cinco principais áreas de distribuição de culturas que identificamos no continente norte-americano, há grande semelhança de ferramentas e de todos os tipos de produtos feitos pelo homem, embora as matérias-primas disponíveis para sua fabricação estejam em Áreas diferentes Era diferente. Na zona florestal o principal material era a madeira; nas planícies - couro e peles; as tribos da costa oceânica tinham abundância de conchas marinhas e materiais que recebiam da caça de animais marinhos. Apesar das diferenças de matérias-primas acima mencionadas, graças à difusão de culturas - difusão e comércio - em todas as áreas, mesmo naquelas que não eram vizinhas imediatas, observamos semelhanças nas ferramentas e nas obras de arte ali criadas.

O termo “difusão” é usado por arqueólogos e antropólogos para descrever a forma como a cultura material e espiritual se espalha de um povo para outro. Os objectos materiais, bem como as ideias religiosas e culturais, podem ser difundidos pacificamente através de casamentos mistos ou alianças entre diferentes tribos e comunidades. Também podem espalhar-se como resultado da guerra: quando armas, roupas e pertences pessoais são removidos dos mortos; e também quando fazem prisioneiros, ou seja, passam a se comunicar com pessoas de cultura, costumes e tradições diferentes. Existe uma influência mútua e, por vezes, a cultura e as tradições dos cativos podem gradualmente ter um impacto muito sério sobre aqueles que os capturaram. Outra importante fonte de difusão cultural é a migração populacional. Por exemplo, foi somente através do movimento de grandes populações do México para o norte que as quadras de bola do sudoeste, de influência mexicana, e os montes que são tão comuns no sudeste da América do Norte se tornaram possíveis.

Mesmo durante a época dos antigos caçadores na América do Norte, havia um entrelaçamento relacionado de diferentes culturas. Isto confirma a ampla distribuição de pontas, lâminas, raspadores laterais e outras ferramentas de pedra pertencentes a culturas diferentes: Clovis, Scotsbluff e Folsom. O comércio era comum entre quase todas as tribos, e algumas se especializaram nele. Os Moyawe negociavam entre a Califórnia e o sudoeste, em ambas as direções. Os Hopi eram intermediários habilidosos no comércio de sal e peles. Eles também distribuíram com sucesso ocre vermelho, usado para esfregar o corpo, inclusive durante cerimônias religiosas, que era extraído por seus vizinhos, os Havasupai, nas fendas isoladas e escondidas do Grand Canyon.

É provável que tenha havido um comércio activo de materiais não duradouros, bem como de produtos alimentares. Pode ser carne seca, fubá e iguarias diversas. Por exemplo, sabemos que o povo Hohokam exportava sal e algodão. Mas, naturalmente, mais informações sobre as operações comerciais nos são fornecidas pelas ferramentas descobertas feitas de materiais duráveis, como pedra e metal. Há mais de 10.000 anos, a pederneira das minas de Elibates, no Texas, estava se espalhando ativamente para outras áreas, e a pederneira de Flint Ridge, em Ohio, foi transportada para a costa atlântica e para a Flórida. A obsidiana, tanto preta quanto brilhante, era muito procurada. Foi extraído apenas em alguns locais do sudoeste e de lá foi entregue em áreas localizadas a milhares de quilômetros do local de extração. Já pudemos ver como em grande demanda usou catlinita extraída em Minnesota, a partir da qual foram feitos “tubos da paz”.

Quando uma tribo se tornou próspera, e especialmente quando começou a levar um estilo de vida sedentário e a construir edifícios requintados e casas caras, ele teve a oportunidade de comprar produtos de luxo. O povo da cultura Hopewell, uma das culturas indianas antigas mais vibrantes, exigia enormes quantidades de muito materiais caros, para garantir o estilo de vida ostensivamente luxuoso e “perdulário” que levavam, para não falar das cerimónias igualmente dispendiosas para o funeral dos mortos, incluindo a construção de túmulos gigantescos. Do Alabama trouxeram jade; da região dos Apalaches - placas de mica e cristais de quartzo; de Michigan e Ontário - peças de cobre forjado e prata forjada. Além disso, o povo da cultura Hopewell também importava um dos bens mais procurados do continente naquela época: as conchas do mar.

De Arte antiga O costume de geometrizar formas de plantas e animais em ornamentos foi preservado. Existe um ornamento semelhante ao meandro grego. Particularmente interessantes são os totens esculpidos feitos de um único tronco de árvore. Geometrizando-os elementos visuais tão forte que no processo de adaptação a forma volumétrica coluna, as partes individuais são separadas umas das outras, a conexão natural é interrompida e surge um novo arranjo associado a ideias mitológicas"árvore do mundo" Nessas imagens, os olhos de um peixe ou pássaro podem aparecer nas nadadeiras ou na cauda e o bico nas costas. No Brasil, desenhos índios americanos estudado pelo famoso antropólogo K. Levi-Strauss. Explorou as técnicas de imagens simultâneas e “raios X”.

Os índios dominaram com maestria as técnicas de processamento da madeira. Eles tinham brocas, enxós, machados de pedra, marcenaria e outras ferramentas. Eles sabiam serrar tábuas e cortar esculturas figuradas. Eles faziam casas, canoas, ferramentas de trabalho, esculturas e totens de madeira. A arte Tlingit se distingue por mais dois recursos: multifiguras - conexão mecânica imagens diferentes em um objeto, e poliiconicidade - fluindo, às vezes criptografado, escondido pelo mestre, uma transição suave de uma imagem para outra.

Vivendo no clima chuvoso e nebuloso da costa marítima, os Tlingits faziam capas especiais com fibras de grama e bastão de cedro, que lembravam ponchos. Eles serviram como um abrigo confiável contra a chuva. As obras de arte monumental incluíam pinturas rupestres, pinturas nas paredes das casas e totens. As imagens nos pilares são criadas em um estilo denominado bilateral (frente e verso). Os índios da América do Norte usavam o chamado estilo esquelético para aplicar desenhos em objetos rituais, cerâmicas e também na criação de pinturas rupestres. No campo da pintura, como na joalheria, cestaria e cerâmica, a região sudoeste esteve na vanguarda do Renascimento Nativo Americano, que é visto em Ultimamente. Sua liderança se deveu em parte ao fato de que o povo da região evitou a destruição de seu modo de vida e cultura que as tribos da Costa Leste e Oeste enfrentaram, bem como a completa remoção e remoção de suas terras natais que as Planícies e Sudeste Os índios experimentaram. Os índios do sudoeste passaram por humilhação e pobreza e períodos de amargo exílio e exílio; mas no geral conseguiram permanecer nas terras dos seus antepassados e conseguiram manter uma certa continuidade de estilo de vida e cultura. Num país mais pequeno, um movimento tão original receberia certamente reconhecimento imediato e a longo prazo. Durante meio século, artistas nativos americanos do sudoeste criaram trabalhos notáveis cheios de originalidade vibrante. O interesse por eles, assim como pela literatura indiana, dá esperança para o papel crescente da arte indiana em toda a cultura americana.

Pouco depois do fim da Primeira Guerra Mundial, um pequeno grupo de artistas, cientistas e residentes brancos de Santa Fé e arredores criou um movimento chamado Movimento de Santa Fé. Eles decidiram apresentar ao mundo esse poderoso potencial criativo, que os índios possuíam. Como resultado de seus esforços, a Academia de Belas Artes Indianas foi criada em 1923. Ela ajudou artistas de todas as maneiras possíveis, organizou exposições e, no final, Santa Fé se tornou um dos mais importantes centros de belas artes dos Estados Unidos, com igualmente importante para artistas nativos americanos e brancos.

Surpreendentemente, o berço da arte moderna indiana foi San Ildefonso, um pequeno povoado Pueblo onde a estrela estava nascendo naquela época. mestres famosos cerâmica de Julio e Maria Martinez. Ainda hoje, San Ildefonso é um dos menores pueblos; sua população é de apenas 300 pessoas. Ainda mais surpreendente é que o fundador do movimento para reviver a arte indiana é considerado Crescencio Martinez, primo Maria Martinez. Crescentio (Morada dos Alces) foi um dos jovens artistas indianos que, no início do século XX. experimentou tintas à base de água seguindo o exemplo dos pintores brancos. Em 1910 já trabalhava de forma muito frutífera e atraiu a atenção dos organizadores do movimento santafesino. Infelizmente, ele morreu prematuramente de gripe espanhola durante a epidemia; isso aconteceu em 1918, quando ele tinha apenas 18 anos. Mas a sua iniciativa continuou; logo 20 jovens artistas trabalhavam em San Ildefonso; Juntamente com ceramistas talentosos, trabalharam frutuosamente nesta pequena Atenas às margens do Rio Grande.

O seu impulso criativo espalhou-se pelos pueblos vizinhos e acabou por atingir os apaches e os navajos, atraindo-os para esta “febre criativa”. Na própria San Ildefonso apareceu outro artista famoso - era o sobrinho de Crescenzio chamado Ava Tsire (Alfonso Roybal); ele era filho de um ceramista famoso e tinha sangue Navajo nas veias. De outros mestres excepcionais artes do período de uma verdadeira onda de energia criativa observada nos anos 20-30. Século XX, podemos citar os índios Tao Chiu Ta e Eva Mirabal do pueblo Taos, Ma Pe Wee do pueblo Zia, Rufina Vigil de Tesuque, To Powe de San Juan e o índio Hopi Fred Kaboti. Ao mesmo tempo, surgiu toda uma galáxia de artistas da tribo Navajo, conhecidos por sua capacidade de assimilação rápida e processamento original e original. ideias criativas; Aqui estão os nomes dos mais proeminentes: Keats Begay, Sybil Yazzie, Ha So De, Quincy Tahoma e Ned Nota. Falando em Apaches, Alan Houser deve ser mencionado. E como se ainda por cima, ao mesmo tempo, as Planícies criaram a sua própria escola de Artes Kiowas com o apoio financeiro de entusiastas brancos; George Kibone é considerado o fundador desta escola. E o artista indiano Sioux Oscar Howie influenciou o desenvolvimento de todas as artes plásticas indianas.

Hoje, a arte nativa americana é um dos ramos de crescimento mais rápido e vigoroso da árvore da escultura e pintura americana.

O artista indiano moderno está próximo dos motivos abstratos e semi-abstratos, que ele conhece bem nos padrões tradicionais indianos em peças de couro feitas de miçangas e penas de porco-espinho, bem como na cerâmica. Mostrando um interesse crescente pelo seu passado, os artistas nativos americanos estão tentando repensar as misteriosas imagens geométricas nas cerâmicas antigas e encontrar novas abordagens e soluções criativas baseadas nelas. Eles estudam tendências da arte moderna como realismo e perspectiva, a fim de encontrar seu próprio estilo original baseado nelas. Tentam combinar o realismo com motivos de fantasia inspirados na natureza, colocando-os num espaço bidimensional limitado, o que mais uma vez evoca uma analogia com a arte do Antigo Egipto. Desde os tempos antigos, os artistas indianos usavam tintas brilhantes, puras e translúcidas, muitas vezes apenas os componentes principais. Gama de cores, ao mesmo tempo que adere ao simbolismo da cor individual. Portanto, se, na opinião de um homem branco, ele vê apenas um padrão comum, então o índio que olha o quadro penetra muito mais fundo nele e tenta perceber a verdadeira mensagem vinda do artista que o criou.

Não há lugar para tons escuros na paleta do artista indiano. Ele não utiliza sombras e distribuição de luz e sombra (o que é chamado de jogo de luz e sombra). Você sente a amplitude, a pureza do mundo e da natureza circundante, a energia efervescente do movimento. Nas suas obras sente-se a vastidão do continente americano, que contrasta fortemente com a atmosfera sombria, fechada e apertada que emana das pinturas de muitos artistas europeus. As obras do artista indiano provavelmente podem ser comparadas, ainda que apenas no humor, com as pinturas infinitamente abertas e afirmativas da vida dos impressionistas. Além disso, essas pinturas se distinguem por um profundo conteúdo espiritual. Parecem apenas ingénuos: contêm impulsos profundos provenientes de crenças religiosas tradicionais.

Nos últimos anos, artistas nativos americanos experimentaram com sucesso direção abstrata arte contemporânea, combinando-o com aqueles motivos abstratos, ou pelo menos assim aparecendo, que estão presentes na cestaria e na cerâmica, bem como com motivos semelhantes de sinais e símbolos religiosos. Os índios também demonstraram habilidade no campo da escultura; eles completaram com sucesso extensos afrescos que fluem uns para os outros e mais uma vez provaram que em quase qualquer forma de arte moderna seu talento e imaginação podem ser exigidos e em qualquer um deles eles podem mostrar sua originalidade.

A arte indiana é uma estética focada nos detalhes; mesmo pinturas e gravuras aparentemente simples podem conter o significado interior mais profundo e carregar a intenção oculta do autor. A arte original dos índios em vários países (EUA, Canadá, Uruguai, Argentina, etc.) praticamente desapareceu; em outros países (México, Bolívia, Guatemala, Peru, Equador, etc.) tornou-se a base Arte folclórica período colonial e tempos modernos.

arte mitologia ornamento indiano

Uma variedade de utensílios domésticos dos índios norte-americanos, feitos de madeira ou pedra, também são decorados com cabeças de animais ou pessoas, ou têm formas distorcidas de criaturas vivas. Tais utensílios incluem máscaras festivas, cujas caretas fantásticas indicam a inclinação da imaginação deste povo para o terrível; isso também inclui cachimbos de argila cinza com figuras distorcidas de animais retratados neles, semelhantes aos encontrados na Melanésia; mas antes de mais nada, as panelas para comida e gordura, bem como os copos em forma de animais ou de pessoas, pertencem a este tipo de trabalho. Os animais (pássaros) muitas vezes seguram outros animais ou até mesmo pessoas minúsculas entre os dentes (bicos). O animal ou fica de pé, com o dorso escavado em forma de lançadeira, ou deita-se de costas, e então o papel do próprio navio é desempenhado pela barriga oca. Em Berlim existe um copo em forma de figura humana com olhos fundos e pernas tortas.

Belas artes e ornamentação dos índios norte-americanos.

As imagens no plano desses povos são geralmente mais toscas e ineptas que as suas obras plásticas. As pinturas em uma tenda de búfalos indianos (Museu do Folclore de Berlim) retratam uma caçada por três tribos, mas a cena é desconexa e inacabada. No entanto, alguns animais são desenhados de forma tão vívida que involuntariamente nos lembram da proximidade dos esquimós.

Em arte Índios norte-americanos A ornamentação é de extrema importância: é a ornamentação ocular mais desenvolvida em todo o mundo, cujo simbolismo, intimamente associado às ideias religiosas, surpreende de imediato a todos. As cabeças dos animais e das pessoas, por mais estilizadas que sejam e como se transformam em figuras lineares, distinguem-se por uma espontaneidade muito maior do que a ornamentação do grupo Rarotonga-Tubuaya. Os olhos dessas cabeças - uma parte particularmente proeminente de toda a ornamentação - aparecem nela em abundância. Em seu motivo, como Schurz explicou em detalhes, nada mais são do que uma forma abreviada da cabeça da qual se originaram. As próprias cabeças são apenas formas reduzidas de figuras inteiras de animais e pessoas, que foram originalmente representadas e deveriam representar as fileiras dos ancestrais. Os olhos nos olham de todos os lugares: das paredes e das armas, das roupas e dos cachimbos, dos assentos e das colchas. Como se pode julgar pela cadeira do líder (Museu de História Étnica de Berlim), o corvo, considerado pelos índios do noroeste como a personificação do criador do mundo, o sol e os olhos, repetindo-se constantemente e estranhamente combinados, formam a base de um rico sistema de ornamentação vermelho-azul-preto-amarelo. Um exemplo convincente da predominância do olho na ornamentação é uma manta indiana localizada no mesmo museu (Fig. 54); há algo semelhante no Museu de Bremen.

Arroz. Imagem 54 – Colcha indiana ornamentada com olhos.

Pinturas rupestres indianas na Califórnia

Sem deixar a América Ocidental por enquanto, vamos voltar para o sul, para a Califórnia. Aqui deparamo-nos imediatamente com numerosos desenhos riscados nas rochas, encontrados em muitos locais da América, e que lançam um raio de luz sobre a cultura dos índios civilizados que viveram na época da invasão europeia. Os "petroglifos" californianos e os "kolchakvi" do norte da Argentina cobrem pedras e rochas da mesma forma que o Hällristningar sueco e seus antecessores, covinhas e marcas nas chamadas "pedras escavadas". Mas enquanto nos desenhos suecos pré-históricos sobre pedras predomina um caráter pictórico e pictográfico, nas imagens americanas desse tipo prevalece o caráter escrito e ideográfico, o que também é perceptível em outros desenhos indianos.

Mas junto com esses desenhos nas rochas, como a escrita figurativa na Califórnia, há também pinturas reais de batalhas e caçadas, pintadas nas cores terra preta, branca, vermelha e amarela e em alguns lugares cobrindo grandes áreas de rochas, nas rochas, sob suas saliências e nas entradas das cavernas. Os animais nessas imagens não são tão naturais e vivos quanto os animais em pinturas semelhantes dos bosquímanos. As pessoas são apresentadas principalmente de frente, com os braços levantados, mas desajeitadamente, em forma de silhuetas. É curioso que algumas figuras sejam pintadas meio preto, meio vermelho, e essa coloração seja feita ora ao longo, como, por exemplo, na caverna de San Borgita e sob a copa da rocha de San Juan, ora transversalmente, como em Palmarito, na encosta leste da Serra de São Francisco. A conexão entre as figuras colocadas de maneira desajeitada uma ao lado da outra é deixada para adivinhação. Leon Dicke lista pelo menos trinta lugares na Baixa Califórnia onde imagens semelhantes foram encontradas.

Após esse encontro, Curtis se interessou pela cultura das tribos indígenas e por muitos anos documentou suas vidas. Logo o fotógrafo se juntou a uma expedição com a qual visitou tribos no Alasca e em Montana.

Em 1906, Edward Curtis começou a colaborar com o rico financista J.P. Morgan, que se interessou em financiar projeto documental sobre os povos indígenas do continente. Eles planejavam lançar uma série de fotografias em 20 volumes chamada “Índios Norte-Americanos”.

Com o apoio de Morgan, Curtis viajou pela América do Norte por mais de 20 anos. Ele fez mais de 40.000 imagens de mais de 80 tribos diferentes e também acumulou 10.000 cilindros de cera gravando amostras de fala, música, canções, histórias, lendas e biografias indígenas.

Em seus esforços para capturar e registrar o que considerava um modo de vida em extinção, Curtis às vezes interferia na veracidade documental das imagens. Ele organizou filmagens encenadas, colocando seus personagens em condições romantizadas, desprovidas de sinais de civilização. As imagens eram mais consistentes com as ideias sobre a existência pré-colombiana do que Vida real naquele momento.

A obra em grande escala de Edward Curtis é uma das mais impressionantes descrições históricas A vida indiana no início do século XX.

1904 Um grupo de índios Navajo em Canyon de Chelly, Arizona.

1905 Líderes do povo Sioux.

1908 Mãe e filho da tribo Apsaroke.

1907 Luzi da tribo Papago.

1914 Uma mulher Kwagul vestindo um cobertor com franjas e uma máscara de um parente falecido que era xamã.

1914 Hakalahl é o chefe da tribo Nakoaktok.

1910 Uma mulher Kwakiutl pesca abalone em Washington.

1910 Garotas Pigan coletam goldenrod.

1907 Uma garota da tribo Kahatika.

1910 Um jovem índio da tribo Apache.

1903 Escadi da tribo Apache.

1914 Representantes do povo Kwakiutl em uma canoa na Colúmbia Britânica.

1914 Índios Kwakiutl em uma canoa na Colúmbia Britânica.

1914 Os índios Kwakiutl chegaram em canoas para o casamento.

1914 Um xamã Kwakiutl realiza um ritual religioso.

1914 Um índio coskimó vestindo um terno de pele e uma máscara Hami ("coisa perigosa") durante a cerimônia Numlim.

1914 Um índio Kwagul dança com uma roupa de Paqusilahl (encarnação de um homem da terra).

1914 Índio Kwagul fantasiado de urso.

1914 Dançarinos da tribo Kwagul.

1914 Dança ritual dos índios Nacoaktok usando máscaras Hamatsa.

1910 Índio da tribo Apache.

“Com a morte de cada idoso, ficam no mundo certas tradições e conhecimentos de ritos sagrados, que ninguém mais possuía... É, portanto, necessário recolher informações em benefício das gerações futuras e como sinal de respeito pelo modo de vida de uma das grandes raças do homem. É necessário coletar informações imediatamente ou esta oportunidade será perdida para sempre.”
Eduardo Curtis

1907 Urso indiano de chifre oco da tribo Brule.