Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Nilikha niya ang kanyang mga pintura noong panahon ng Taisho (1912-26) at unang bahagi ng Seva. Siya ay ipinanganak noong 1891
taon sa Tokyo, ay anak ng mamamahayag na si Kishida Ginko. Noong 1908 nagtapos siya sa paaralan, sa edad
Sa loob ng 15 taon siya ay naging isang Kristiyano at inilaan ang kanyang sarili sa mga aktibidad sa simbahan, pagkatapos ay si Kishida
Nag-aral si Ryūsei ng mga istilo ng sining sa Kanluran sa studio ng Hakubakai sa ilalim ng patnubay ni
Seiki Kuroda (1866-1924), na isa sa mga tagapagtatag ng Academy of Arts sa Japan.
Noong 1910, nagsimulang ipakita ng batang artista ang kanyang mga gawa sa taunang
Banten State Exhibition. Ang kanyang mga unang gawa, lalo na ang mga landscape, ay isinulat
labis na naimpluwensyahan at tinutulad ang istilo ng kanyang guro na si Kuroda Seika.

Larawan ni Reiko

Nang maglaon, nakilala at naging kaibigan ng artista si Mushanokoji Saneatsu,
na nagpakilala sa artista sa lipunan ng Shirakaba (White Birch) at nagpakilala sa kanya sa European
Fauvism at Kubismo. Ang paglitaw ni Kishida Ryūsei bilang isang artista ay naganap sa una
dekada ng ikadalawampu siglo, nang maraming mga batang artistang Hapones ang nagpunta upang mag-aral
pagpipinta sa ibang bansa, lalo na sa Paris. Si Kishida Ryūsei ay hindi pa nakapunta sa Europa at
hindi nag-aral sa mga European masters, ngunit naimpluwensyahan ng European Post-Impresionism
ay napakalaki, lalo na ang gawain nina Van Gogh at Cezanne. Mula sa katapusan ng 1911 hanggang sa simula
1912 siya ay naging inspirasyon ng mga gawa ng kontemporaryo Mga artistang Pranses, kung kaninong mga gawa
Nakilala ko siya sa Shirakaba magazine at sa pamamagitan ng mga ilustradong libro. Ang kanyang maagang mga gawa malinaw naman
nilikha sa ilalim ng impluwensya ni Henri Matisse at ng mga Fauves.

Self-portrait na may sumbrero, 1912
estilo: fauvism

Noong 1912, sa edad na dalawampu't isa, si Kishida Ryūsei ay nag-debut bilang
propesyonal na artista, ang kanyang unang personal na eksibisyon ay naganap sa
art gallery Rokando. Sa parehong taon inayos ng artist ang kanyang
art circle Fyizankai upang pag-aralan at i-promote
post-impressionism.

Hardin ng Pangulo ng South Manchurian Railway Company noong 1929

Hindi nagtagal ay nabuwag ang bilog dahil sa mga panloob na salungatan matapos magdaos ng dalawang eksibisyon.
Sa paligid ng 1914, inabandona ng artist ang Fauvism, ang kanyang maagang istilo. Noong 1915
taon, nilikha ni Kishida Reisai ang grupong Shodosa, kung saan ang kanyang pangunahing kasamahan, mag-aaral
at isang tagasunod ay ang artist na si Michisai Kono.

Landas sa Maagang Tag-init 1917
estilo: yoga-ka

Mula noon, binuo niya ang kanyang sariling natatanging istilo ng isang mahusay na master, sa Japanese
Sa wika ito ay tinatawag na "shajitsu" o "shasei", karaniwang isinalin sa Russian bilang realismo.
Pinapasimple ng artist ang mga form, nakakahanap ng isang natatanging lasa, ang lahat ng ito ay nagmula sa sining
Cezanne. Bagama't lubos na pinahahalagahan ni Kishida Reisai ang sining ng France, siya late period Siya
itinuturing na Silangan na sining na mas mataas kaysa Kanluraning sining.

Road Cut Through a Hill, 1915
estilo: yoga-ka

Larawan ni Bernard Leach, 1913
estilo: fauvism

Self-portrait, 1915,
estilo: yoga-ka

Self-portrait, 1913,
estilo: yoga-ka

Self-portrait, 1917,
estilo: yoga-ka

Larawan ng isang lalaki
estilo: yoga-ka

Noong 1917, lumipat ang artist sa Kugenuma Fujisawa sa lugar ng Kanagawa. Sinimulan niya
pag-aralan ang mga istilo at pamamaraan ng hilaga Mga artistang Europeo Renaissance, tulad ng
Durer at Van Dyck. Sa panahong ito ipininta niya ang kanyang sikat na serye ng mga painting ng kanyang anak na si Reiko,
na pinagsasama ang halos photographic realism sa surreal
pandekorasyon na elemento. Noong unang bahagi ng 1920s, nagpakita ng interes si Kishida Ryūsei sa
mga elemento ng oriental na sining, sa partikular, sa mga pinturang Tsino na "Mga Kanta" at
"Dinastiya Yuan".

"Larawan ng Sanada Hisakichi"

Sa panahon ng Great Kanto Earthquake noong 1923, ang bahay ng artist sa Kugenuma ay
nawasak, lumipat si Kishida Ryūsei sa Kyoto sa maikling panahon, pagkatapos nito noong Pebrero
Noong 1926 bumalik siya upang manirahan sa Kamakura. Noong 1920s, marami ang ipininta ng pintor
mga artikulo sa estetika at kasaysayan Pagpipinta ng Hapon.

Tea Cup Tea Bowl at Three Green Apples, 1917
estilo: cezanismo

Buhay pa rin, 1918,
estilo: cezanismo

Dalawang Pulang Mansanas, Tea-cup, Tea-bowl at isang Bote, 1918,
estilo: cezanismo

Noong 1929, sa tulong ng South Manchuria riles Nakatuon si Kishida Ryūsei
ang tanging banyagang paglalakbay ng aking buhay, ang pagbisita sa Dalian, Harbin at Fengtian
sa Manchuria. Sa kanyang pag-uwi, huminto siya sa lungsod ng Tokuyama, distrito
Yamaguchi, kung saan bigla siyang namatay dahil sa matinding pagkalason sa sarili ng katawan. Kishida Ryūsei
nilikha ang kanyang mga portrait, landscape at still lifes hanggang sa kanyang maagang pagkamatay sa edad na
38 taon. Ang libingan ng pintor ay matatagpuan sa Tama Reien Cemetery sa Tokyo. Pagkatapos ng kamatayan
Kishida Ryūsei dalawa sa kanyang mga painting na Japanese Government Agency for Cultural Affairs
iginawad ang titulong "Pambansa kultural na halaga" Noong Disyembre 2000, isa sa
Ang kanyang mga larawan ng kanyang anak na si Reiko na may scarf sa kanyang mga balikat ay naibenta sa halagang 360 milyong yen, na
naging pinakamataas na presyo sa mga auction ng mga Japanese painting.

Ang kontemporaryong Japanese art scene ay tila ganap na globalisado. Ang mga artista ay lumipat sa pagitan ng Tokyo at New York, halos lahat ay nakatanggap ng European o American na edukasyon, at nagsasalita sila tungkol sa kanilang trabaho sa internasyonal na sining na Ingles. Gayunpaman, ang larawang ito ay malayo sa kumpleto.

Ang mga pambansang anyo at uso ay naging isa sa mga pinakahinahangad na produkto na maiaalok ng Japan sa pandaigdigang merkado ng mga masining na ideya at gawa.

Pagpapatakbo ng eroplano. Paano pinagsasama ng superflat na kilusan ang kultura ng geek ng Amerika at tradisyonal na pagpipinta ng Hapon

Takashi Murakami. "Tang Tang Bo"

Kung sa Kanluraning mundo para sa halos lahat (maliban marahil sa mga pinaka-masigasig na theorists ng postmodernity) ang hangganan sa pagitan ng mataas at kulturang masa ay nananatiling may kaugnayan, kahit na may problema, kung gayon sa Japan ang mga mundong ito ay ganap na magkakahalo.

Ang isang halimbawa nito ay si Takashi Murakami, na matagumpay na pinagsama ang mga eksibisyon sa pinakamahusay na mga gallery sa mundo at streaming production.

Pagre-record ng tour ng Murakami exhibition na "There Will Be Gentle Rain"

Gayunpaman, ang relasyon ni Murakami sa sikat na kultura - at para sa Japan, ito ang pangunahing kultura ng mga tagahanga ng manga at anime (otaku) - ay mas kumplikado. Pinuna ni Pilosopo Hiroki Azuma ang pag-unawa sa otaku bilang isang tunay na kababalaghan sa Hapon. Itinuturing ng Otaku ang kanilang sarili na direktang konektado sa mga tradisyon ng panahon ng Edo noong ika-17–19 na siglo - isang panahon ng isolationism at pagtanggi na mag-modernize. Sinasabi ni Azuma na ang kilusang otaku ay batay sa manga, animation, mga graphic na nobela, mga laro sa Kompyuter- maaaring lumitaw lamang sa konteksto ng pananakop ng mga Amerikano pagkatapos ng digmaan bilang resulta ng pag-import ng kulturang Amerikano. Ang sining ni Murakami at ng kanyang mga tagasunod ay muling nag-imbento ng otaku gamit ang mga paraan ng pop art at pinabulaanan ang nasyonalistang alamat tungkol sa pagiging tunay ng tradisyong ito. Kinakatawan nito ang "re-Americanization ng Japaneseized American culture."

Mula sa isang art historical point of view, ang superflat ay pinakamalapit sa sinaunang Japanese ukiyo-e painting. Ang pinaka sikat na gawain sa tradisyong ito ay ang nakalimbag na The Great Wave off Kanagawa ni Katsushika Hokusai (1823–1831).

Para sa Kanluraning modernismo, ang pagtuklas ng pagpipinta ng Hapon ay isang pambihirang tagumpay. Ito ay nagpapahintulot sa amin na makita ang larawan bilang isang eroplano at nagsusumikap na huwag pagtagumpayan ang tampok na ito, ngunit upang gumana dito.

Katsushiki Hokusai. "The Great Wave off Kanagawa"

Mga pioneer ng performance art. Ano ang Ibig Sabihin Ngayon ng Sining ng Hapon noong 1950s

Pagdodokumento ng malikhaing proseso nina Akira Kanayama at Kazuo Shiraga

Ang Superflat ay nabuo lamang noong 2000s. Ngunit makabuluhan para sa sining ng mundo masining na mga kaganapan nagsimula sa Japan nang mas maaga - at mas maaga pa kaysa sa Kanluran.

Ang performative turn sa sining ay naganap sa pagliko ng 60s at 70s ng huling siglo. Sa Japan, lumitaw ang performance art noong dekada fifties.

Sa unang pagkakataon, inilipat ng Gutai Group ang pokus nito mula sa paglikha ng mga bagay na sapat sa sarili patungo sa proseso ng paggawa ng mga ito. Mula dito ay isang hakbang ang layo mula sa pag-abandona sa art object sa pabor sa isang ephemeral na kaganapan.

Kahit na ang mga indibidwal na artist mula sa Gutai (mayroong 59 sa kanila sa kabuuan sa loob ng dalawampung taon) ay aktibong umiral sa internasyonal na konteksto, ang pag-unawa sa Japanese post-war art bilang isang kolektibong aktibidad sa pangkalahatan ay nagsimula sa Kanluran kamakailan lamang. Dumating ang boom noong 2013: ilang exhibition sa maliliit na gallery sa New York at Los Angeles, "Tokyo 1955–1970: The New Avant-Garde" sa MoMA at isang malakihang historical retrospective na "Gutai: Splendid Playground" sa Guggenheim Museum. Ang pag-import ng Moscow ng sining ng Hapon ay tila isang halos huli na pagpapatuloy ng kalakaran na ito.

Sadamasa Motonaga. Trabaho (Tubig) sa Guggenheim Museum

Nakapagtataka kung gaano kapanahon ang hitsura ng mga retrospective na eksibisyon na ito. Halimbawa, ang sentral na bagay ng eksibisyon sa Guggenheim Museum ay isang muling pagtatayo ng Trabaho (Tubig) ni Sadamasa Motonaga, kung saan ang mga antas ng museo rotunda ay konektado sa pamamagitan ng polyethylene tubes na may kulay na tubig. Ang mga ito ay kahawig ng mga brush stroke na napunit mula sa canvas, at naging halimbawa ang sentrong pagtutok ni Gutai sa "konkreto" (tulad ng isinalin mula sa pangalang Hapon grupo), ang materyalidad ng mga bagay kung saan gumagana ang artist.

Maraming kalahok sa Gutai ang nakatanggap ng edukasyon na may kaugnayan sa klasikal na nihonga painting, marami ang biyograpikong nakatali sa kontekstong relihiyon ng Zen Buddhism, sa katangian nitong Japanese calligraphy. Lahat sila ay nakahanap ng bago, procedural o participatory approach sa mga sinaunang tradisyon. Nag-record si Kazuo Shiraga ng mga video ng kanyang sarili na nagpinta ng kanyang mga monochrome, inaabangan si Rauschenberg, gamit ang kanyang mga paa, at gumawa pa ng mga painting sa publiko.

Binago ni Minoru Yoshida ang mga bulaklak mula sa Japanese prints sa mga psychedelic na bagay - isang halimbawa nito ay ang Bisexual Flower, isa sa mga unang kinetic (gumagalaw) na eskultura sa mundo.

Ang mga tagapangasiwa ng eksibisyon sa Guggenheim Museum ay nagsasalita tungkol sa pampulitikang kahalagahan ng mga gawang ito:

"Ipinakita ni Gutai ang kahalagahan ng malayang pagkilos ng indibidwal, ang pagbabagsak ng mga inaasahan ng manonood, at maging ang katangahan bilang mga paraan upang kontrahin ang pagiging walang kabuluhan at pagsang-ayon sa lipunan na, sa loob ng ilang dekada, pinahintulutan ang isang militaristikong pamahalaan na magkaroon ng kritikal na masa ng impluwensya, lusubin ang Tsina, at pagkatapos ay sumali sa World War II.

Mabuti at matalino. Bakit umalis ang mga artista sa Japan patungong Amerika noong 1960s?

Ang Gutai ay eksepsiyon sa panuntunan sa post-war Japan. Ang mga grupo ng avant-garde ay nanatiling marginal, ang mundo ng sining ay mahigpit na hierarchical. Ang pangunahing landas sa pagkilala ay ang pakikilahok sa mga kumpetisyon na gaganapin ng mga kinikilalang asosasyon ng mga klasikal na artista. Samakatuwid, marami ang ginustong pumunta sa Kanluran at isama sa sistema ng sining sa wikang Ingles.

Ito ay lalong mahirap para sa mga kababaihan. Maging sa progresibong Gutai, ang bahagi ng kanilang presensya ay hindi umabot kahit isang ikalimang bahagi. Ano ang masasabi natin tungkol sa mga tradisyonal na institusyon, ang pag-access kung saan nangangailangan ng espesyal na edukasyon. Sa pamamagitan ng mga ikaanimnapung taon, nakuha na ng mga batang babae ang karapatan dito, ngunit pagsasanay sa sining (kung hindi ito tungkol sa pandekorasyon na sining, na bahagi ng hanay ng kasanayan) ryosai kenbo- isang mabuting asawa at matalinong ina) ay isang aktibidad na hindi inaprubahan ng lipunan.

Yoko Ono. Gupitin ang Piraso

Naging paksa ng pag-aaral ni Midori Yoshimoto na "Into Performance: Japanese Women Artists in New York" ang kuwento ng paglilipat ng limang makapangyarihang Japanese artist mula Tokyo patungong States. Nagpasya sina Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi at Shigeko Kubota na lumipat sa New York sa pagsisimula ng kanilang mga karera at doon ay nagtrabaho, kabilang ang paggawa ng makabago sa mga tradisyon ng sining ng Hapon. Si Yoko Ono lamang ang lumaki sa Estados Unidos - ngunit siya rin, ay sadyang tumanggi na bumalik sa Japan, na naging disillusioned sa artistikong hierarchy ng Tokyo sa isang maikling pamamalagi noong 1962-1964.

Si Ono ang naging pinakatanyag sa limang ito - hindi lamang bilang asawa ni John Lennon, kundi pati na rin bilang may-akda ng mga proto-feminist na pagtatanghal na nakatuon sa objectification ng babaeng katawan. May mga halatang pagkakatulad sa pagitan ng Ono's Cut Piece, kung saan maaaring putulin ng mga manonood ang mga piraso ng damit ng artist, at "Rhythm 0" ng "lola ng pagganap" na si Marina Abramović.

Sa maikling binti. Paano kumuha ng orihinal na pagsasanay sa pag-arte ni Tadashi Suzuki

Sa kaso nina Ono at Gutai, ang mga pamamaraan at tema ng kanilang trabaho, na hiwalay sa mga may-akda, ay naging makabuluhan sa buong mundo. Mayroong iba pang mga anyo ng pag-export - kapag ang gawa ng artist ay natanggap na may interes sa internasyonal na yugto, ngunit ang pamamaraan mismo ay hindi hiniram dahil sa pagiging tiyak nito. Ang pinaka-kapansin-pansin na kaso ay ang acting training system ng Tadashi Suzuki.

Ang Suzuki Theater ay minamahal kahit na sa Russia - at hindi ito nakakagulat. Huling beses binisita niya kami noong 2016 kasama ang dulang "The Trojan Women" batay sa mga teksto ng Euripides, at noong 2000s ay dumating siya nang maraming beses kasama ang mga produksyon nina Shakespeare at Chekhov. Inilipat ni Suzuki ang aksyon ng mga dula sa kasalukuyang konteksto ng Hapon at nag-alok ng mga di-halatang interpretasyon ng mga teksto: natuklasan niya ang anti-Semitism sa Ivanov at inihambing ito sa mapanghamak na saloobin ng mga Hapon sa mga Intsik, at inilipat ang aksyon ni King Lear sa isang Japanese madhouse.

Itinayo ni Suzuki ang kanyang sistema sa pagsalungat sa paaralan ng teatro ng Russia. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, sa panahon ng tinatawag na panahon ng Meiji, ang isang nagmoderno na imperyal na Japan ay nakaranas ng pagtaas ng mga kilusan ng oposisyon. Ang resulta ay isang malawakang Westernization ng isang dating sobrang saradong kultura. Kabilang sa mga na-import na form ay ang Stanislavsky system, na nananatiling isa sa mga pangunahing pamamaraan ng direktoryo sa Japan (at sa Russia).

Mga ehersisyo ng Suzuki

Noong dekada ikaanimnapung taon, nang simulan ni Suzuki ang kanyang karera, ang thesis ay lalong lumalaganap na, dahil sa kanilang mga pisikal na katangian, ang mga aktor ng Hapon ay hindi nasanay sa mga tungkulin mula sa mga tekstong Kanluranin na pumupuno sa repertoire noon. Nagawa ng batang direktor na mag-alok ng pinaka-nakakumbinsi na alternatibo.

Ang sistema ng mga pagsasanay ni Suzuki, na tinatawag na grammar ng mga binti, ay may kasamang dose-dosenang mga paraan upang umupo, kahit na higit pa upang tumayo at maglakad.

Ang kanyang mga aktor ay karaniwang naglalaro ng nakayapak at, dahil sa pagbaba ng sentro ng grabidad, ay lumilitaw na mabigat hangga't maaari, na nakatali sa lupa. Itinuro ni Suzuki sa kanila at sa mga dayuhang performer ang kanyang pamamaraan sa nayon ng Toga, sa mga sinaunang bahay ng Hapon na puno ng modernong kagamitan. Ang kanyang tropa ay nagbibigay lamang ng humigit-kumulang 70 na pagtatanghal sa isang taon, at ang natitirang oras ay nabubuhay sila, halos hindi umaalis sa nayon at walang oras para sa mga personal na bagay - trabaho lamang.

Ang sentro sa Toga ay lumitaw noong dekada ikapitumpu, ito ay dinisenyo sa kahilingan ng direktor ng mundo sikat na arkitekto Arata Isozaka. Ang sistema ni Suzuki ay maaaring mukhang patriyarkal at konserbatibo, ngunit siya mismo ay nagsasalita tungkol sa Toga sa modernong mga tuntunin ng desentralisasyon. Noong kalagitnaan ng 2000s, naunawaan ni Suzuki ang kahalagahan ng pag-export ng sining mula sa kabisera patungo sa mga rehiyon at pag-aayos ng mga lokal na lugar ng produksyon. Ayon sa direktor, ang mapa ng teatro ng Japan sa maraming paraan ay katulad ng sa Russia - ang sining ay puro sa Tokyo at ilang mas maliliit na sentro. teatro ng Russia Mainam din na magkaroon ng isang kumpanya na regular na naglilibot sa maliliit na bayan at malayo sa kabisera.

SCOT Company Center sa Toga

Mga landas ng bulaklak. Anong mapagkukunan ang natuklasan ng modernong teatro sa sistema ng noh at kabuki?

Ang pamamaraan ng Suzuki ay lumago sa dalawang sinaunang tradisyon ng Hapon - Kabuki. Ito ay hindi lamang na ang mga uri ng teatro ay madalas na nailalarawan bilang walking art, kundi pati na rin ang mas malinaw na mga detalye. Madalas na sinusunod ni Suzuki ang panuntunan na ang lahat ng mga tungkulin ay ginagampanan ng mga lalaki, at gumagamit ng mga katangiang spatial na solusyon, halimbawa, ang hanamichi ("landas ng mga bulaklak") ng halimbawa ng kabuki - isang platform na umaabot mula sa entablado hanggang sa kailaliman ng auditorium. Gumagamit din siya ng napakakilalang mga simbolo tulad ng mga bulaklak at mga scroll.

Siyempre, sa isang pandaigdigang mundo ay hindi may usapan tungkol sa pribilehiyo ng mga Hapones na gamitin ang kanilang mga pambansang anyo.

Ang teatro ng isa sa pinakamahalagang direktor sa ating panahon, ang Amerikanong si Robert Wilson, ay itinayo sa mga paghiram mula rito.

Hindi lamang siya gumagamit ng mga maskara at pampaganda na nagpapaalala sa mass audience ng Japan, ngunit humihiram din siya ng mga paraan ng pag-arte batay sa maximum slow motion at self-sufficient expressiveness ng kilos. Pinagsasama-sama ang mga tradisyonal at ritwalistikong anyo na may mga cutting-edge na marka ng pag-iilaw at minimalist na musika (isa sa pinakasikat na mga gawa ni Wilson ay ang produksyon ng Einstein on the Beach ni Philip Glass), talagang gumagawa si Wilson ng synthesis ng mga pinagmulan at kaugnayan na pinagsisikapan ng maraming kontemporaryong sining.

Robert Wilson. "Einstein sa dalampasigan"

Mula sa noh at kabuki lumaki ang isa sa mga haligi modernong sayaw- butoh, literal na isinalin - sayaw ng dilim. Nilikha noong 1959 ng mga koreograpo na sina Kazuo Ono at Tatsumi Hijikata, na umasa din sa mababang sentro ng grabidad at nakatutok sa mga binti, kinakatawan ng butoh ang pagsasalin ng mga pagninilay sa mga traumatikong karanasan sa digmaan sa pisikal na dimensyon.

"Nagpakita sila ng isang katawan na may sakit, nabubulok, kahit na napakapangit, napakapangit.<…>Ang mga paggalaw ay minsan mabagal, minsan sadyang matalim, paputok. Para dito, ginagamit ang isang espesyal na pamamaraan, kapag ang paggalaw ay isinasagawa na parang hindi ginagamit ang pangunahing mga kalamnan, dahil sa mga lever ng buto ng balangkas," isinulat ng mananalaysay ng sayaw na si Irina Sirotkina ang butoh sa kasaysayan ng pagpapalaya ng katawan, na kumukonekta. ito sa pag-alis mula sa ballet normativity. Inihambing niya ang butoh sa mga gawi ng mga mananayaw at koreograpo noong unang bahagi ng ika-20 siglo - sina Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, at pinag-uusapan ang impluwensya sa "postmodern" na sayaw.

Isang fragment ng isang sayaw ni Katsura Kan, isang modernong kahalili sa tradisyon ng butoh

Ngayon, ang butoh sa orihinal nitong anyo ay hindi na isang avant-garde practice, kundi isang historical reconstruction.

Gayunpaman, nananatili ang bokabularyo ng mga paggalaw na binuo nina Ono, Hijikata at ng kanilang mga tagasunod makabuluhang mapagkukunan para sa mga modernong koreograpo. Sa Kanluran, ginagamit ito nina Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky at maging sa video para sa "Belong To The World" ng The Weekend. Sa Japan, ang nagpapatuloy ng tradisyon ng butoh ay, halimbawa, si Saburo Teshigawara, na darating sa Russia sa Oktubre. Bagama't siya mismo ay itinatanggi ang anumang pagkakatulad sa sayaw ng kadiliman, ang mga kritiko ay nakakahanap ng medyo nakikilalang mga palatandaan: isang tila walang buto na katawan, hina, at tahimik na mga hakbang. Totoo, inilagay na sila sa konteksto ng postmodern choreography - na may mataas na tempo, jogging, gumagana sa post-industrial noise music.

Saburo Teshigawara. Metamorphosis

Lokal na global. Paano nagkakatulad ang kontemporaryong sining ng Hapon sa sining ng Kanluranin?

Ang mga gawa ni Teshigawara at marami sa kanyang mga kasamahan ay magkasya nang walang putol sa mga programa ng pinakamahusay na Western contemporary dance festival. Kung mabilis mong titingnan ang mga paglalarawan ng mga pagtatanghal at pagtatanghal na ipinakita sa Festival/Tokyo - ang pinakamalaking taunang palabas ng Japanese theater, magiging mahirap na mapansin ang mga pangunahing pagkakaiba sa mga uso sa Europa.

Isa sa mga pangunahing tema ay site-specificity - ginalugad ng mga Japanese artist ang mga espasyo ng Tokyo mula sa mga kumpol ng kapitalismo sa anyo ng mga skyscraper hanggang sa mga marginal na lugar ng konsentrasyon ng otaku.

Ang isa pang paksa ay ang elaborasyon ng intergenerational misunderstanding, theater bilang isang lugar ng live na pagpupulong at organisadong komunikasyon ng mga tao iba't ibang edad. Ang mga proyektong nakatuon sa kanya nina Toshiki Okada at Akira Tanayama ay dinala sa Vienna sa loob ng ilang magkakasunod na taon para sa isa sa mga susi. mga pagdiriwang sa Europa sining ng pagganap. Sa pagtatapos ng 2000s, wala nang bago sa pagdadala ng mga dokumentong materyal at personal na kwento sa entablado, ngunit ipinakita ng tagapangasiwa ng Vienna Festival ang mga proyektong ito sa publiko bilang isang pagkakataon para sa live, naka-target na pakikipag-ugnayan sa ibang kultura.

Ang isa pang pangunahing linya ay nagtatrabaho sa pamamagitan ng mga traumatikong karanasan. Para sa mga Hapon, hindi ito nauugnay sa Gulag o Holocaust, ngunit sa pambobomba sa Hiroshima at Nagasaki. Ang teatro ay patuloy na tumutukoy dito, ngunit ang pinakamalakas na pahayag tungkol sa mga pagsabog ng atom bilang ang sandali ng simula ng lahat ng modernong kultura ng Hapon ay pagmamay-ari pa rin ni Takashi Murakami.

para sa eksibisyon na "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture"

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" ang pamagat ng kanyang curatorial project, na ipinakita sa New York noong 2005. "Little Boy" - "baby" sa Russian - ang pangalan ng isa sa mga bomba na ibinagsak sa Japan noong 1945. Nangongolekta ng daan-daang manga komiks mula sa mga nangungunang illustrator, mga natatanging vintage na laruan, at mga souvenir batay sa sikat na anime - mula Godzilla hanggang Hello Kitty, pinalaki ni Murakami ang konsentrasyon ng cute - kawaii - sa espasyo ng museo hanggang sa limitasyon. Kasabay nito, inilunsad niya ang isang seleksyon ng mga animation kung saan ang mga sentral na larawan ay mga larawan ng mga pagsabog, hubad na lupa, at nawasak na mga lungsod.

Ang kaibahan na ito ay naging unang malakihang pahayag tungkol sa infantilization ng kultura ng Hapon bilang isang paraan upang makayanan ang post-traumatic stress disorder.

Ngayon ang konklusyon na ito ay tila halata. Nakabatay dito ang akademikong pananaliksik ni Inuhiko Yomota sa kawaii.

Mayroon ding mamaya traumatic trigger. Ang pinakamahalaga ay ang mga kaganapan noong Marso 11, 2011, ang lindol at tsunami na humantong sa isang malaking aksidente sa Fukushima nuclear power plant. Sa Festival/Tokyo 2018, isang buong programa ng anim na pagtatanghal ang inilaan sa pag-unawa sa mga kahihinatnan ng isang natural at teknolohikal na sakuna; sila rin ang naging tema ng isa sa mga akdang ipinakita sa Solyanka. Ang halimbawang ito ay malinaw na nagpapakita na ang arsenal ng mga kritikal na pamamaraan sa Western at Japanese na sining ay hindi sa panimula ay naiiba. Lumilikha si Haruyuki Ishii ng pag-install ng tatlong telebisyon na naglalaro ng high-tempo, naka-loop na footage mula sa mga programa sa telebisyon tungkol sa lindol sa isang loop.

"Ang gawa ay binubuo ng 111 na video na pinapanood ng artist araw-araw sa balita hanggang sa sandaling ang lahat ng nakita niya ay nagsimulang isipin bilang fiction," paliwanag ng mga curator. Ang "Bagong Japan" ay isang kapansin-pansing halimbawa kung paano hindi nilalabanan ng sining ang interpretasyon batay sa mga pambansang alamat, ngunit sa parehong oras kritikal na pananaw ay nagpapakita na ang parehong interpretasyon ay maaaring may kaugnayan para sa sining ng anumang pinagmulan. Pinag-uusapan ng mga curator ang pagmumuni-muni bilang batayan tradisyon ng Hapon, pagguhit ng mga panipi mula sa Lao Tzu. Kasabay nito, na parang nag-iiwan ng mga bracket, halos lahat ng kontemporaryong sining ay nakatuon sa "epekto ng tagamasid" (iyan ang pangalan ng eksibisyon) - maging ito sa anyo ng paglikha ng mga bagong konteksto para sa pang-unawa ng mga pamilyar na phenomena o sa pagtaas ang tanong ng posibilidad ng sapat na pang-unawa tulad nito.

Ang Imagined Communities ay isa pang gawa ng video artist na si Haruyuki Ishii

Laro

Gayunpaman, hindi dapat isipin na ang Japan noong 2010s ay kumakatawan sa isang konsentrasyon ng progresibo.

Ang mga gawi ng magandang lumang tradisyonalismo at pagmamahal para sa Orientalist exoticism ay hindi pa nagtagumpay. Ang "Theater of Virgins" ay ang pamagat ng isang medyo hinahangaan na artikulo tungkol sa Japanese Takarazuka Theater sa Russian konserbatibong magazine na PTZh. Lumitaw ang Takarazuka sa pagtatapos ng ika-19 na siglo bilang isang proyekto ng negosyo upang maakit ang mga turista sa malayong lungsod na may parehong pangalan, na hindi sinasadyang naging dulo ng isang pribadong riles. Naglalaro lang sila sa sinehan mga babaeng walang asawa, na, ayon sa plano ng may-ari ng riles, ay dapat umakit sa mga lalaking manonood sa lungsod. Ngayon ang Takarazuka ay gumagana tulad ng isang industriya - na may sarili nitong TV channel, isang abalang programa sa konsiyerto, kahit isang lokal na amusement park. Pero ang mga unmarried girls lang ang may karapatang mapabilang sa tropa - sana, at least hindi nila suriin ang kanilang virginity.

Gayunpaman, namumutla ang Takarazuka kumpara sa Toji Deluxe club sa Kyoto, na tinatawag ding teatro ng mga Hapon. Nagpapakita sila ng mga ganap na ligaw na bagay, sa paghusga sa pamamagitan ng paglalarawan Ang kolumnista ng New Yorker na si Ian Buruma, palabas sa estriptis: ilang nakahubad na batang babae sa entablado ang ginawang pampublikong ritwal ang pagpapakita ng mga ari.

Tulad ng maraming artistikong kasanayan, ang palabas na ito ay batay sa mga sinaunang alamat (sa tulong ng isang kandila at isang magnifying glass, ang mga kalalakihan sa madla ay maaaring magpalitan ng paggalugad sa "mga lihim ng Inang Diyosa na si Amaterasu"), at ang may-akda mismo ay pinaalalahanan ng ang tradisyon ng Noh.

Ipauubaya namin sa mambabasa ang paghahanap para sa Western analogues para sa Takarazuka at Toji - hindi mahirap hanapin ang mga ito. Tandaan lamang natin na tiyak na labanan ang gayong mga gawi ng pang-aapi na ang isang mahalagang bahagi ng kontemporaryong sining ay naglalayong - parehong Kanluranin at Hapon, mula sa superflat hanggang sa butoh na sayaw.

Hapon? Paano ito nabuo? Sasagutin namin ang mga ito at iba pang mga tanong sa artikulo. Nabuo ang kulturang Hapones bilang resulta ng isang makasaysayang kilusan na nagsimula noong lumipat ang mga Hapones mula sa mainland patungo sa kapuluan at isinilang ang sibilisasyon noong panahon ng Jomon.

Ang kasalukuyang kaliwanagan ng mga taong ito ay lubhang naimpluwensyahan ng Europa, Asya (lalo na ang Korea at Tsina) at Hilagang Amerika. Ang isa sa mga palatandaan ng kultura ng Hapon ay ang mahabang pag-unlad nito sa panahon ng kumpletong paghihiwalay ng estado (sakoku policy) mula sa lahat ng iba pang mga bansa sa panahon ng paghahari ng Tokugawa Shogunate, na tumagal hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo - ang simula ng Meiji kapanahunan.

Impluwensya

Paano ito nabuo kultura ng sining Hapon? Malaki ang naiimpluwensyahan ng kabihasnan ng hiwalay na rehiyonal na lokasyon ng bansa, klima at mga tampok na heograpikal, pati na rin ang mga natural na phenomena (mga bagyo at madalas na lindol). Ito ay ipinahayag sa pambihirang saloobin ng populasyon sa kalikasan bilang isang buhay na nilalang. Tampok pambansang katangian Ang mga Hapones ay ang kakayahang humanga sa dumadaloy na kagandahan ng Uniberso, na ipinahayag sa maraming uri ng sining sa isang maliit na bansa.

Ang artistikong kultura ng Japan ay nilikha sa ilalim ng impluwensya ng Budismo, Shintoismo at Confucianism. Ang parehong mga direksyon ay nakaimpluwensya sa karagdagang pag-unlad nito.

Unang panahon

Sumang-ayon, ang masining na kultura ng Japan ay kahanga-hanga. Nag-ugat ang Shintoismo noong sinaunang panahon. Ang Budismo, bagaman ito ay lumitaw bago ang ating panahon, ay nagsimulang kumalat lamang mula sa ikalimang siglo. Ang panahon ng Heian (ika-8-12 siglo) ay itinuturing na ginintuang panahon ng estado ng Hapon. Sa parehong panahon, ang pictorial culture ng bansang ito ay umabot sa pinakamataas na punto nito.

Lumitaw ang Confucianism noong ika-13 siglo. Sa yugtong ito, naganap ang paghihiwalay ng pilosopiya ng Confucius at Budismo.

Mga hieroglyph

Ang imahe ng kulturang sining ng Hapon ay nakapaloob sa isang natatanging taludtod na tinatawag Sa bansang ito, ang sining ng kaligrapya ay lubos na binuo, na, ayon sa alamat, ay nagmula sa makalangit na mga banal na imahe. Sila ang nagbigay ng buhay sa pagsulat, kaya ang populasyon ay sensitibo sa bawat senyales sa pagbabaybay.

May mga alingawngaw na ang mga hieroglyph ang nagbigay ng kultura ng Hapon, dahil sa kanila lumitaw ang mga larawang nakapalibot sa inskripsiyon. Maya-maya, nagsimulang maobserbahan ang isang malakas na kumbinasyon ng mga elemento ng pagpipinta at tula sa isang akda.

Kung mag-aaral ka ng Japanese scroll, makikita mo na ang akda ay naglalaman ng dalawang uri ng mga simbolo. Ito ay mga palatandaan ng pagsulat - mga selyo, tula, colophene, pati na rin ang mga kuwadro na gawa. Kasabay nito, ang teatro ng Kabuki ay nakakuha ng mahusay na katanyagan. Ang ibang uri ng teatro - Hindi - ay mas gusto ng mga tauhan ng militar. ang kanilang kalubhaan at kalupitan ay nagkaroon ng epekto sa Ngunit malakas na impluwensya.

Pagpipinta

Ang artistikong kultura ay pinag-aralan ng maraming mga espesyalista. Ang pagpipinta ng Kaiga, na sa wikang Hapon ay nangangahulugang pagguhit o pagpipinta, ay may malaking papel sa pag-unlad nito. Ang sining na ito ay itinuturing na pinakalumang uri ng pagpipinta sa estado, na tinutukoy ng isang malaking bilang ng mga solusyon at anyo.

Sa loob nito, ang kalikasan ay sumasakop sa isang espesyal na lugar, na tumutukoy sa sagradong prinsipyo. Ang paghahati ng pagpipinta sa sumi-e at yamato-e ay umiral mula pa noong ikasampung siglo. Ang unang istilo ay nabuo nang mas malapit sa ika-labing-apat na siglo. Ito ay isang uri ng monochrome na watercolor. Ang Yamato-e ay pahalang na nakatiklop na mga balumbon na karaniwang ginagamit sa disenyo ng mga akda ng panitikan.

Maya-maya, noong ika-17 siglo, ang pag-print sa mga tablet - ukiyo-e - ay lumitaw sa bansa. Ang mga master ay naglalarawan ng mga landscape, geisha, mga sikat na artista Kabuki theater. Ang ganitong uri ng pagpipinta ay nagkaroon ng malakas na impluwensya sa sining ng Europa noong ika-18 siglo. Ang umuusbong na kalakaran ay tinawag na "Japanism". Sa Middle Ages, ang kultura ng Hapon ay lumampas sa mga hangganan ng bansa - nagsimula itong gamitin sa disenyo ng mga naka-istilong at naka-istilong interior sa buong mundo.

kaligrapya

Oh, kay ganda ng artistikong kultura ng Japan! Ang pagkamit ng pagkakaisa sa kalikasan ay makikita sa bawat bahagi nito. Ano ang makabagong Japanese calligraphy? Ito ay tinatawag na shodo (“ang landas ng abiso”). Ang kaligrapya, tulad ng pagsulat, ay isang sapilitang disiplina. Natuklasan ng mga siyentipiko na ang sining na ito ay dumating doon kasabay ng pagsulat ng Tsino.

Sa pamamagitan ng paraan, noong sinaunang panahon ang kultura ng isang tao ay hinuhusgahan ng kanyang antas ng kaligrapya. Ngayon meron malaking numero mga istilo ng pagsulat, at ang mga ito ay binuo ng mga mongheng Budista.

Paglililok

Paano umusbong ang kultura ng Hapon? Pag-aaralan namin ang pag-unlad at mga uri ng lugar na ito ng aktibidad ng tao sa mas maraming detalye hangga't maaari. Ang iskultura ay ang pinakalumang uri ng sining sa Japan. Noong sinaunang panahon, ang mga tao sa bansang ito ay gumagawa ng mga pigurin ng mga diyus-diyosan at mga pinggan mula sa mga seramika. Pagkatapos ay nagsimulang maglagay ang mga tao ng mga eskultura ng haniwa na gawa sa lutong luwad sa mga libingan.

Ang pagbuo ng sculptural craft sa modernong kultura ng Hapon ay nauugnay sa paglaganap ng Budismo sa estado. Ang isa sa mga pinaka sinaunang kinatawan ng mga monumento ng Hapon ay itinuturing na estatwa ni Buddha Amitabha, na gawa sa kahoy, na matatagpuan sa Zenko-ji Temple.

Ang mga eskultura ay madalas na ginawa mula sa mga beam, ngunit mukhang napakayaman nila: tinakpan sila ng mga manggagawa ng barnisan, ginto at maliliwanag na kulay.

Origami

Gusto mo ba ng Japanese artistic culture? Ang pag-unawa sa pagkakaisa sa kalikasan ay magdadala ng hindi malilimutang mga impresyon. Katangian na tampok Ang kultura ng Hapon ay naging pinagmumulan ng mga kamangha-manghang origami (“nakatuping papel”) na mga produkto. Ang kasanayang ito ay may utang sa pinagmulan nito sa Tsina, kung saan, sa katunayan, ang pergamino ay naimbento.

Noong una, ang "nakatuping papel" ay ginamit sa mga ritwal ng relihiyon. Ang sining na ito ay maaari lamang pag-aralan ng nakatataas na uri. Ngunit pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, iniwan ng origami ang mga tahanan ng mga maharlika at natagpuan ang mga hinahangaan nito sa buong Daigdig.

Ikebana

Dapat malaman ng bawat tao kung ano ang artistikong kultura ng mga bansa sa Silangan. Ang Japan ay naglagay ng maraming trabaho sa pag-unlad nito. Ang isa pang bahagi ng kultura ng kamangha-manghang bansang ito ay ikebana ("mga sariwang bulaklak", " bagong buhay mga kulay"). Ang mga Hapon ay mga tagahanga ng aesthetics at pagiging simple. Ang dalawang katangiang ito ay inilalagay sa mga gawa. Ang pagiging sopistikado ng mga imahe ay nakakamit sa pamamagitan ng kapaki-pakinabang na paggamit ng natural na kagandahan ng mga halaman. Ang Ikebana, tulad ng origami, ay nagsilbi rin bilang bahagi ng isang relihiyosong seremonya.

Mga miniature

Marahil marami na ang nakamulat sa kulturang sining Sinaunang Tsina at Japan ay malapit na magkakaugnay. Ano ang bonsai? Ito ay isang natatanging kakayahan ng Hapon na magtanim ng halos eksaktong miniature na kopya ng isang tunay na puno.

Sa Japan, karaniwan din ang paggawa ng netsuke - maliliit na eskultura na isang uri ng keychain. Kadalasan ang gayong mga numero ay naka-attach sa kapasidad na ito sa mga damit ng Hapon, na walang mga bulsa. Hindi lamang nila ito pinalamutian, ngunit nagsilbi rin bilang isang natatanging panimbang. Ang mga susing singsing ay ginawa sa anyo ng isang susi, pouch, o wicker basket.

Kasaysayan ng pagpipinta

Ang masining na kultura ng Sinaunang Japan ay kinagigiliwan ng maraming tao. Ang pagpipinta sa bansang ito ay nagmula sa panahon ng Paleolithic ng Hapon at nabuo tulad ng sumusunod:

• Panahon ng Yamato. Sa panahon ng Asuka at Kofun (IV-VII na siglo), kasabay ng pagpapakilala ng mga hieroglyph, ang paglikha ng isang rehimeng estado batay sa modelong Tsino at ang pagpapasikat ng Budismo, maraming mga gawa ng sining ang dinala sa Japan mula sa Celestial Empire . Pagkatapos nito sa Bansa sumisikat na araw nagsimulang magparami ng mga pintura sa istilong Tsino.
• Oras ng Nara. Sa VI at VII siglo. Ang Budismo ay patuloy na umunlad sa Japan. Kaugnay nito, nagsimulang umunlad ang pagpipinta ng relihiyon, na ginamit upang palamutihan ang maraming templo na itinayo ng aristokrasya. Sa pangkalahatan, ang panahon ng Nara ay higit na nag-ambag sa pag-unlad ng iskultura at sining kaysa sa pagpipinta. Kasama sa mga unang painting sa cycle na ito ang mga painting sa interior wall ng Horyu-ji Temple sa Nara Prefecture, na naglalarawan sa buhay ni Shakyamuni Buddha.
• Panahon ni Heian. Sa pagpipinta ng Hapon, simula sa ika-10 siglo, ang Yamato-e trend ay nakikilala, tulad ng isinulat namin tungkol sa itaas. Ang gayong mga kuwadro ay mga pahalang na balumbon na ginamit upang ilarawan ang mga aklat.
• Panahon ng Muromachi. Noong ika-14 na siglo, lumitaw ang istilong supi-e (monochrome watercolor), at sa unang kalahati ng ika-17 siglo. nagsimulang mag-print ang mga artista ng mga ukit sa mga tablet - ukiyo-e.
• Ang pagpipinta ng panahon ng Azuchi-Momoyama ay nakatayo sa matalim na kaibahan sa pagpipinta ng panahon ng Muromachi. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang polychrome na istilo na may malawak na paggamit ng pilak at sa panahong ito, ito ay nagtamasa ng mahusay na prestihiyo at katanyagan. institusyong pang-edukasyon Kano. Ang nagtatag nito ay si Kano Eitoku, na nagpinta ng mga kisame at mga sliding door upang hatiin ang mga silid. Ang gayong mga guhit ay pinalamutian ang mga kastilyo at palasyo ng maharlikang militar.
• Panahon ni Maiji. Mula sa pangalawa kalahati ng ika-19 na siglo siglo, ang sining ay nahahati sa magkatunggaling tradisyonal at European na istilo. Sa panahon ng Maiji, ang Japan ay sumailalim sa mahusay na panlipunan at mga pagbabago sa pulitika sa proseso ng modernisasyon at Europeanization na inorganisa ng mga awtoridad. Ang mga batang promising artist ay ipinadala sa ibang bansa upang mag-aral, at ang mga dayuhang pintor ay dumating sa Japan upang lumikha mga programa sa paaralan sa sining. Maging na bilang ito ay maaaring, pagkatapos ng unang paggulong ng kuryusidad tungkol sa artistikong istilo Sa Kanluran, ang pendulum ay umindayog sa kabaligtaran na direksyon, at ang tradisyonal na istilo ng Hapon ay muling nabuhay. Noong 1880, ipinagbawal ang mga kasanayan sa sining sa Kanluran mula sa mga opisyal na eksibisyon at labis na binatikos.

Mga tula

Pinag-aaralan pa rin ang artistikong kultura ng Sinaunang Japan. Ang kakaiba nito ay ang versatility, ilang syntheticity, dahil nabuo ito sa ilalim ng impluwensya ng iba't ibang relihiyon. Nabatid na ang klasikal na tula ng Hapon ay lumitaw mula sa pang-araw-araw na buhay, kumilos sa loob nito, at ang kababaang-loob na ito ay napanatili sa ilang mga lawak sa mga tradisyonal na anyo modernong tula - tatlong linyang haiku at limang linyang tanka, na nakikilala sa pamamagitan ng isang malinaw na ipinahayag na karakter ng masa. Sa pamamagitan ng paraan, tiyak na ang kalidad na ito ang nagpapakilala sa kanila mula sa "malayang taludtod" na may posibilidad na elitismo, na lumitaw sa simula ng ika-20 siglo sa Japan sa ilalim ng impluwensya ng European na tula.

Napansin mo ba na ang mga yugto ng pag-unlad ng kulturang masining ng Hapon ay maraming aspeto? Ang tula ay may natatanging papel sa lipunan ng bansang ito. Isa sa mga pinakasikat na genre ay haiku, maiintindihan mo lamang ito sa pamamagitan ng pamilyar sa kasaysayan nito.

Unang lumabas sa panahon ng Heian, ito ay katulad ng istilong renga, na isang uri ng paglabas ng mga makata na gustong magpahinga mula sa mga maalalahang tula na waha. Ang Haikai ay nabuo sa sarili nitong genre noong ika-16 na siglo dahil ang renga ay naging masyadong seryoso at ang haiku ay umasa sa sinasalitang wika at nakakatawa pa rin.

Siyempre, ang artistikong kultura ng Japan ay maikling inilarawan sa maraming mga gawa, ngunit susubukan naming pag-usapan ito nang mas detalyado. Ito ay kilala na sa Middle Ages ang isa sa mga pinakasikat na Japanese literary genre ay tanka ("laconic song"). Sa karamihan ng mga kaso, ito ay isang pentaverse, na binubuo ng isang pares ng mga saknong na may nakapirming bilang ng mga pantig: 5-7-5 pantig sa tatlong linya ng unang saknong, at 7-7 sa dalawang linya ng pangalawa. Tulad ng para sa nilalaman, ang tangke ay gumagamit ng sumusunod na pamamaraan: ang unang saknong ay kumakatawan sa isang tiyak na natural na imahe, at ang pangalawa ay sumasalamin sa damdamin ng tao na sumasalamin sa larawang ito:

• Sa malayong liblib na kabundukan
  Long-tailed pheasant dozing -
  Ang mahabang gabing ito
  Dapat ba talaga akong matulog mag-isa? ( Kakinomoto no Hitowaro, unang bahagi ng ika-8 siglo, pagsasalin ni Sanovich.)

Japanese drama

Sinasabi ng maraming tao na ang artistikong kultura ng Tsina at Japan ay kaakit-akit. Mahilig ka ba sa performing arts? Ang tradisyunal na dramaturhiya ng Land of the Rising Sun ay nahahati sa joruri (puppet theater), Noh theater dramaturgy (kyogen at yokyouku), Kabuki theater at Shingeki. Kasama sa mga kaugalian ng sining na ito ang limang pangunahing genre ng teatro: kyogen, no, bugaku, kabuki at bunraku. Lahat ng limang tradisyong ito ay naroroon pa rin hanggang ngayon. Sa kabila ng kanilang napakalaking pagkakaiba, sila ay konektado sa pamamagitan ng mga karaniwang aesthetic na prinsipyo na sumasailalim sa sining ng Hapon. Siyanga pala, nagmula ang Japanese drama sa entablado ng Noh.

Ang teatro ng Kabuki ay lumitaw noong ika-17 siglo at umabot sa tugatog nito sa pagtatapos ng ika-18. Ang anyo ng mga pagtatanghal na nabuo sa panahong ito ay napanatili sa modernong yugto ng Kabuki. Ang mga produksyon ng teatro na ito, hindi tulad ng mga yugto ng Noh, na naglalayong sa isang makitid na bilog ng mga tagahanga ng sinaunang sining, ay idinisenyo para sa mass audience. Ang mga ugat ng mga kasanayan sa Kabuki ay nagmula sa mga pagtatanghal ng mga komedyante - mga gumaganap ng maliliit na farces, mga skit na binubuo ng pagsasayaw at pagkanta. Mga kasanayan sa teatro Ang Kabuki ay nakakuha ng mga elemento ng joruri at Noh.

Ang hitsura ng Kabuki theater ay nauugnay sa pangalan ng isang manggagawa sa Buddhist sanctuary O-Kuni sa Kyoto (1603). Nagtanghal si O-Kuni sa entablado na may mga relihiyosong sayaw, na kinabibilangan ng mga galaw ng mga katutubong sayaw ng Nembutsu-odori. Ang kanyang mga pagtatanghal ay sinalihan ng mga dulang komiks. Sa yugtong ito, ang mga produksyon ay tinawag na yujo-kabuki (Kabuki ng mga courtesan), O-Kuni-kabuki o onna-kabuki (kabuki ng mga babae).

Mga ukit

Sa huling siglo, ang mga Europeo, at pagkatapos ay ang mga Ruso, ay nakatagpo ng kababalaghan ng sining ng Hapon sa pamamagitan ng pag-ukit. Samantala, sa Land of the Rising Sun, ang pagguhit sa kahoy ay hindi muna itinuturing na isang kasanayan, bagaman mayroon itong lahat ng mga katangian. sikat na kultura- mababang gastos, kakayahang magamit, sirkulasyon. Alam ng mga eksperto sa Ukiyo-e kung paano makamit ang pinakamataas na kalinawan at pagiging simple kapwa sa sagisag ng mga plot at sa kanilang pinili.

Ang Ukiyo-e ay isang espesyal na paaralan ng sining, kaya nakagawa ito ng isang bilang ng mga natatanging artista. Kaya, ang paunang yugto ng pagbuo ng pag-ukit ng balangkas ay nauugnay sa pangalan ng Hishikawa Moronobu (1618-1694). SA kalagitnaan ng ika-18 siglo siglo, ang unang eksperto sa multicolor engraving, Suzuki Harunobu, ay nilikha. Ang mga pangunahing motibo ng kanyang trabaho ay mga liriko na eksena, kung saan ang pansin ay binabayaran hindi sa pagkilos, ngunit sa paglipat ng mga mood at damdamin: pag-ibig, lambing, kalungkutan. Parang exquisite sinaunang sining Sa panahon ng Heian, muling binuhay ng mga ukiyo-e virtuosos ang pambihirang kulto ng pinong kagandahan ng kababaihan sa isang panibagong kapaligiran sa kalunsuran.

Ang pagkakaiba lang ay sa halip na ang mga mapagmataas na Heian na aristokrata, ang mga ukit ay naglalarawan ng magagandang geisha mula sa mga entertainment district ng Edo. Ang artist na Utamaro (1753-1806) ay marahil isang natatanging halimbawa sa kasaysayan ng pagpipinta ng isang propesyonal na ganap na nakatuon sa kanyang paglikha sa paglalarawan ng mga kababaihan sa iba't ibang mga poses at outfits, sa iba't ibang mga pangyayari sa buhay. Ang isa sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay ang ukit na "Geisha Osama", na itinatago sa Moscow, sa A. S. Pushkin Museum of Painting. Ang artist ay hindi kapani-paniwalang banayad na naghatid ng pagkakaisa ng kilos at kalooban, ekspresyon ng mukha.

Manga at anime

Maraming mga artista ang nagsisikap na mag-aral ng Japanese painting. Ano ang anime (Japanese animation)? Naiiba ito sa iba pang mga genre ng animation sa mas malaking pagtutok nito sa adultong manonood. Dito mayroong isang dobleng paghahati sa mga istilo para sa hindi malabo target na madla. Ang sukatan ng fragmentation ay ang kasarian, edad o sikolohikal na larawan ng manonood ng pelikula. Kadalasan, ang anime ay isang pelikulang adaptasyon ng isang Japanese manga comic, na nakakuha din ng mahusay na katanyagan.

Ang pangunahing bahagi ng manga ay inilaan para sa isang may sapat na gulang na manonood. Noong 2002, humigit-kumulang 20% ​​ng kabuuang merkado ng libro sa Hapon ay inookupahan ng manga komiks.

Ang Japan ay malapit sa atin sa heograpiya, ngunit sa kabila nito, sa loob ng mahabang panahon ay nanatili itong hindi maintindihan at hindi naa-access sa buong mundo. Ngayon, marami tayong alam tungkol sa bansang ito. Ang mahabang boluntaryong paghihiwalay ay humantong sa katotohanan na ang kultura nito ay ganap na naiiba sa mga kultura ng ibang mga estado.

May napaka mayamang kasaysayan; malawak ang tradisyon nito, na ang kakaibang posisyon ng Japan sa mundo ay lubos na nakakaimpluwensya sa nangingibabaw na mga istilo at pamamaraan ng mga Japanese artist. Kilalang katotohanan Na ang Japan ay medyo nakahiwalay sa loob ng maraming siglo ay dahil hindi lamang sa heograpiya, kundi pati na rin sa nangingibabaw na Japanese cultural tendency tungo sa paghihiwalay na nagmarka sa kasaysayan ng bansa. Sa loob ng mga siglo ng tinatawag nating “Japanese civilization,” ang kultura at sining ay nabuo nang hiwalay sa mga nasa ibang bahagi ng mundo. At ito ay kahit na kapansin-pansin sa pagsasanay ng Japanese painting. Halimbawa, ang Nihonga paintings ay kabilang sa mga pangunahing gawa ng Japanese painting practice. Ito ay batay sa higit sa isang libong taon ng tradisyon, at ang mga kuwadro na gawa ay karaniwang nilikha gamit ang mga brush sa alinman sa Vashi (Japanese paper) o Egina (silk).

Gayunpaman, ang sining at pagpipinta ng Hapon ay naiimpluwensyahan ng mga dayuhang artistikong kasanayan. Una, ito ay sining ng Tsino noong ika-16 na siglo at sining ng Tsino at ang tradisyon ng sining ng Tsino, na partikular na nakaimpluwensya sa ilang aspeto. Noong ika-17 siglo, ang pagpipinta ng Hapon ay naiimpluwensyahan din ng mga tradisyong Kanluranin. Sa partikular, sa panahon ng pre-war, na tumagal mula 1868 hanggang 1945, ang pagpipinta ng Hapon ay naiimpluwensyahan ng impresyonismo at Romantikismo sa Europa. Kasabay nito, ang mga bagong artistikong kilusan sa Europa ay malaki rin ang naiimpluwensyahan ng mga pamamaraan ng masining na Hapon. Sa kasaysayan ng sining ang impluwensyang ito ay tinatawag na "Japaneseism", at ito ay lalong makabuluhan para sa mga Impresyonista, Cubists at mga artistang nauugnay sa modernismo.

Ang mahabang kasaysayan ng Japanese painting ay makikita bilang isang synthesis ng ilang mga tradisyon na lumikha ng mga bahagi ng isang kinikilalang Japanese aesthetic. Una sa lahat, ang mga pamamaraan ng sining at pagpipinta ng Budismo, gayundin ang pagpipinta ng relihiyon, ay nag-iwan ng isang makabuluhang marka sa aesthetics ng mga pagpipinta ng Hapon; water-ink painting ng mga landscape sa tradisyong Tsino pampanitikan pagpipinta- isa pang mahalagang elemento na kinikilala sa maraming sikat na Japanese painting; Ang mga pagpipinta ng mga hayop at halaman, lalo na ang mga ibon at bulaklak, ay ang karaniwang nauugnay sa mga komposisyon ng Hapon, tulad ng mga tanawin at eksena mula sa pang-araw-araw na buhay. Sa wakas, malaking impluwensya Ang pagpipinta ng Hapon ay may mga sinaunang ideya tungkol sa kagandahan mula sa pilosopiya at kultura ng Sinaunang Hapon. Ang Wabi, na nangangahulugang lumilipas at masungit na kagandahan, sabi (ang kagandahan ng natural na patina at pagtanda), at yugen (malalim na biyaya at kahinahunan) ay patuloy na nakakaimpluwensya sa mga ideyal sa pagsasanay ng pagpipinta ng Hapon.

Sa wakas, kung tututukan natin ang pagpili ng sampung pinakasikat na obra maestra ng Hapon, dapat nating banggitin ang ukiyo-e, na isa sa pinakasikat na genre ng sining sa Japan, kahit na kabilang ito sa printmaking. Nangibabaw siya sining ng Hapon mula sa ika-17 - ika-19 na siglo, habang ang mga artista na kabilang sa genre na ito ay lumikha ng mga woodcut at painting na may mga bagay tulad ng magagandang babae, mga aktor ng Kabuki at sumo wrestler, pati na rin ang mga eksena mula sa kasaysayan at kwentong bayan, mga eksena sa paglalakbay at landscape, flora at fauna at maging ang erotika.

Palaging mahirap mag-compile ng listahan ng pinakamahusay na mga painting mula sa masining na tradisyon. Maraming kamangha-manghang mga gawa ang hindi isasama; gayunpaman, ang listahang ito ay nagtatampok ng sampu sa mga pinakakilalang Japanese painting sa mundo. Ang artikulong ito ay magpapakita lamang ng mga kuwadro na gawa mula sa ika-19 na siglo hanggang sa kasalukuyan.

Ang pagpipinta ng Hapon ay may napakayamang kasaysayan. Sa paglipas ng mga siglo, umunlad ang mga artistang Hapones malaking bilang ng natatanging mga diskarte at istilo na pinakamahalagang kontribusyon ng Japan sa mundo ng sining. Isa sa mga pamamaraan na ito ay sumi-e. Ang Sumi-e ay literal na nangangahulugang "pagguhit ng tinta" at pinagsasama ang kaligrapya at pagpipinta ng tinta upang lumikha ng isang pambihirang kagandahan ng mga komposisyon na iginuhit ng brush. Ang kagandahang ito ay kabalintunaan - sinaunang ngunit moderno, simple ngunit kumplikado, matapang ngunit mahinahon, walang alinlangan na sumasalamin sa espirituwal na batayan ng sining sa Zen Buddhism. Ipinakilala ng mga paring Budista ang mga solidong bloke ng tinta at mga brush ng kawayan sa Japan mula sa China noong ika-anim na siglo, at sa nakalipas na 14 na siglo, ang Japan ay nakabuo ng isang mayamang pamana ng pagpipinta ng tinta.

Mag-scroll pababa at tingnan ang 10 Japanese Painting Masterpieces

1. Katsushika Hokusai "Ang Pangarap ng Asawa ng Mangingisda"

Isa sa mga pinakakilalang Japanese painting ay ang "The Dream of the Fisherman's Wife." Ipininta ito noong 1814 ng sikat na pintor na si Hokusai. Kung susundin mo ang mahigpit na mga kahulugan, ito kamangha-manghang gawain Ang Hokusai ay hindi maaaring ituring na isang pagpipinta, dahil ito ay isang woodcut ng ukiyo-e genre mula sa aklat na Young Pines (Kinoe no Komatsu), na isang tatlong-tomo na shunga na libro. Ang komposisyon ay naglalarawan ng isang batang ama na maninisid na nakikipagtalik sa isang pares ng mga octopus. Napakaimpluwensya ng imaheng ito noong ika-19 at ika-20 siglo. Naimpluwensyahan ng trabaho ang mga susunod na artista tulad nina Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff at Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Si Abe no Nakamaro ay nagsusulat ng isang nostalhik na tula habang pinagmamasdan ang buwan"

Ang Tessai Tomioka ay ang pseudonym ng isang sikat na Japanese artist at calligrapher. Siya ay itinuturing na huling pangunahing artista sa tradisyon ng bunjing at isa sa mga una mga pangunahing artista Nihonga style. Ang Bunjinga ay isang paaralan ng pagpipinta ng Hapon na umunlad sa huling bahagi ng panahon ng Edo sa mga artista na itinuturing ang kanilang sarili na mga literati o intelektwal. Ang bawat isa sa mga artist na ito, kabilang si Tessaya, ay bumuo ng kanyang sariling istilo at diskarte, ngunit lahat sila ay malaking tagahanga ng sining ng Tsino at kultura.

3. Fujishima Takeji "Sunrise over the Eastern Sea"

Si Fujishima Takeji ay isang Japanese artist na kilala sa kanyang trabaho sa pagbuo ng Romanticism at Impressionism sa yoga (Western style) art movement noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Noong 1905, naglakbay siya sa France, kung saan naimpluwensiyahan siya ng mga kilusang Pranses noong panahong iyon, partikular na ang Impresyonismo, gaya ng makikita sa kanyang pagpipinta na Sunrise over the Eastern Sea, na ipininta noong 1932.

4. Kitagawa Utamaro "Sampung uri ng mukha ng babae, isang koleksyon ng mga naghaharing dilag"

Si Kitagawa Utamaro ay isang kilalang Japanese artist na ipinanganak noong 1753 at namatay noong 1806. Siya ay tiyak na pinakamahusay na kilala para sa isang serye na tinatawag na "Sampung Uri ng Mukha ng Babae. Isang Koleksyon ng Mga Dominant Beauties, Great Love Themes of Classical Poetry" (minsan ay tinatawag na "Women in Love", na naglalaman ng magkahiwalay na mga ukit na "Naked Love" at "Thoughtful Love"). Isa siya sa pinakamahalagang artist na kabilang sa ukiyo-e woodcut genre.

5. Kawanabe Kyosai “Tiger”

Si Kawanabe Kyosai ay isa sa mga pinakasikat na artista ng Hapon noong panahon ng Edo. Ang kanyang sining ay naimpluwensyahan ng gawa ni Tohaku, isang pintor ng paaralang Kano noong ika-16 na siglo na nag-iisang pintor sa kanyang panahon na nagpinta ng mga screen nang buo sa tinta sa isang pinong background ng gintong pulbos. Bagama't kilala si Kyosai bilang isang cartoonist, isinulat niya ang ilan sa pinakamarami sikat na mga painting V kasaysayan ng Hapon sining noong ika-19 na siglo. Ang "Tiger" ay isa sa mga painting na ginamit ni Kyosai na watercolor at tinta para gawin.

6. Hiroshi Yoshida "Fuji mula sa Lake Kawaguchi"

Si Hiroshi Yoshida ay kilala bilang isa sa mga pangunahing tauhan ng istilong Shin-hanga (Ang Shin-hanga ay isang masining na kilusan sa Japan noong unang bahagi ng ika-20 siglo, noong panahon ng Taisho at Showa, na muling binuhay ang tradisyonal na sining ng ukiyo-e, na ay nag-ugat sa panahon ng Edo at Meiji (XVII - XIX na siglo)). Nagsanay siya sa tradisyon ng Western oil painting, na pinagtibay mula sa Japan noong panahon ng Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Si Takashi Murakami ay marahil ang pinakasikat na Japanese artist sa ating panahon. Ang kanyang mga gawa ay nagbebenta para sa mga astronomical na presyo sa mga pangunahing auction, at ang kanyang trabaho ay nagbibigay inspirasyon sa mga bagong henerasyon ng mga artista hindi lamang sa Japan, kundi pati na rin sa ibang bansa. Kasama sa sining ni Murakami ang isang hanay ng mga medium at karaniwang inilalarawan bilang superflat. Ang kanyang trabaho ay kilala sa kanyang paggamit ng kulay, na nagsasama ng mga motif mula sa Japanese traditional at sikat na kultura. Ang nilalaman ng kanyang mga pagpipinta ay madalas na inilarawan bilang "cute", "psychedelic" o "satirical".

8. Yayoi Kusama “Kalabasa”

Si Yaoi Kusama ay isa rin sa pinakasikat na Japanese artist. Gumagawa siya sa iba't ibang media kabilang ang pagpipinta, collage, scat sculpture, performance, environmental art at installation, karamihan sa mga ito ay nagpapakita ng kanyang pampakay na interes sa psychedelic na kulay, pag-uulit at pattern. Ang isa sa pinakasikat na serye ng mahusay na artist na ito ay ang seryeng "Pumpkin". Sakop sa isang polka dot pattern, ang isang regular na kalabasa na may maliwanag na dilaw ay ipinakita sa isang net na background. Sama-sama, ang lahat ng naturang elemento ay bumubuo ng isang visual na wika na hindi mapag-aalinlanganan na totoo sa istilo ng artist, at binuo at pino sa loob ng mga dekada ng masusing paggawa at pagpaparami.

9. Tenmyoya Hisashi “Japanese Spirit No. 14”

Si Tenmyoya Hisashi ay isang kontemporaryong Japanese artist na kilala sa kanyang mga neo-nihonga painting. Lumahok siya sa muling pagkabuhay ng lumang tradisyon ng pagpipinta ng Hapon, na ganap na kabaligtaran ng modernong pagpipinta ng Hapon. Noong 2000 nilikha din niya ang kanyang isang bagong istilo butouha, na nagpapakita ng isang malakas na saloobin sa awtoridad masining na sistema sa pamamagitan ng kanyang mga ipininta. Ang "Japanese Spirit No. 14" ay nilikha bilang bahagi ng masining na pamamaraan Ang "BASARA", ay binibigyang kahulugan sa kultura ng Hapon bilang ang mapanghimagsik na pag-uugali ng mababang aristokrasya sa panahon ng mga Naglalabanang Estado upang ipagkait sa mga nasa kapangyarihan ang kakayahang makamit ang perpektong pamumuhay sa pamamagitan ng pagbibihis ng malago at marangyang pananamit at pagkilos nang walang kalayaan, na hindi naaangkop sa kanilang panlipunang uri.

10. Katsushika Hokusai “The Great Wave Off Kanagawa”

Sa wakas, ang "The Great Wave off Kanagawa" ay marahil ang pinakakilala pagpipinta ng Hapon kailanman naisulat. Ito talaga ang pinakasikat na piraso ng sining na nilikha sa Japan. Ito ay naglalarawan malalaking alon nagbabantang mga bangka sa baybayin ng Kanagawa Prefecture. Bagama't minsan ay napagkakamalang tsunami, ang alon, gaya ng ipinahihiwatig ng pamagat ng pagpipinta, ay malamang na hindi normal na mataas. Ang pagpipinta ay ginawa sa tradisyon ng ukiyo-e.

Mula sa:  18346 view

- Sumali ka! Ang pangalan mo:

Komento:

Magandang hapon, mahal na mga mambabasa! Ipinagpapatuloy ko ang aking pagpili ng mga tampok na pelikula tungkol sa Japan na inirerekomenda kong panoorin. Ang mga pelikula, tulad ng mga libro, ay nagpapahintulot sa iyo na mapalapit sa pamumuhay, kaisipan at kultura ng mga naninirahan sa lupain ng pagsikat ng araw.

Mga tampok na pelikula sa Japan:

1.Emperador, pinagsamang pelikula Japan at USA, na inilabas noong 2012, genre - kasaysayan ng militar, sa direksyon ni Pitter Webber. Ang pelikula ay nagpapakita ng mga kaganapan na naganap sa Japan pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, nang dumating ang mga tropang Amerikano sa Japan upang ibalik ang kaayusan, arestuhin ang mga kriminal sa digmaan at tukuyin ang hinaharap na kurso ng pag-unlad ng Japan. Ang sitwasyon ay nakikita sa pamamagitan ng mga mata ng isang Amerikanong heneral na umiibig sa isang babaeng Hapones bago ang digmaan. Kailangan niyang matukoy ang antas ng pagkakasala ni Emperor Hirohito ng Japan sa pagsisimula ng digmaan.

Ang pelikula ay kawili-wili mula sa isang makasaysayang punto ng view, dahil ito ay nagpapakita ng mga tunay na kaganapan ng oras na iyon. At ang Japan ay ipinakita hindi lamang bilang isang aggressor na bansa, kundi pati na rin bilang isang napinsalang bansa - ang mga lungsod ay ganap na nawasak at nasunog, daan-daang libong mga tao ang nasunog sa pagsabog ng mga bomba atomika.

2.Shinsengumi, taon ng paggawa ng pelikula 1969, ginawa sa Japan, sa direksyon ni Tadashi Sawashima.

Ang pelikula ay nagpapakita mga nakaraang taon pamamahala ng Tokugawa shogunate. Nang ang isang maliit na detatsment ay nabuo mula sa isang grupo ng mga libreng samurai (ronin) upang protektahan ang huling shogun ng angkan ng Tokugawa, ang tinatawag na self-proclaimed police detachment. Ang detatsment ng militar na ito ng desperado at matapang na samurai ay pinamunuan ni Kondo Isami, isang magsasaka sa kapanganakan. Ang detatsment ay sikat sa hindi maunahang kahusayan ng militar nito kamay-sa-kamay na labanan at ang mga ideya ng tagumpay ng shogunate laban sa kapangyarihang imperyal.

Sa parehong paksa, makakahanap ka ng isang dokumentaryong pelikula na nagpapanumbalik ng mga kaganapan sa panahong iyon at nagbibigay ng isang layunin na pagtatasa ng mga aksyon ng Shinsengumi detachment at ang kumander nitong si Kondo Isami. Ang pelikula ay batay sa mga makasaysayang kaganapan at ang tampok na pelikula ay halos hindi nagbabago sa kakanyahan ng dokumentaryong pelikula.

3.Nakatagong Blade, na ginawa sa Japan, inilabas noong 2004, sa direksyon ni Yoji Yamada. Ang genre ng pelikula ay drama, melodrama. Ang pelikula ay naganap noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo sa maliit na principality ng Unasaku sa hilagang-kanlurang baybayin ng Japan. Sa panahong ito, malaking pagbabago ang naganap sa bansa, ang samurai ay muling nag-adjust sa istilong Kanluranin at pinagkadalubhasaan ang mga baril at mga bagong paraan ng pakikidigma. Nagsisimula ang isang salungatan sa pagitan ng lumang paraan ng pamumuhay at lahat ng bago na mabilis na kumukuha sa buhay ng mga Hapon.

Laban sa background ng relasyon sa pagitan ng isang lalaki at isang babae, ang imahe ng isang samurai ay hindi napapansin, na binubuo ng mahigpit na pagsunod sa mga alituntunin ng karangalan, dignidad at katapatan. Matapos mapanood ang pelikulang ito, muli kang dumating sa konklusyon na ang stereotype na ang samurai ay isang militanteng uri ay mali. Sa mga salita ng bayani ng pelikula, "para sa isang samurai, ang pagpatay sa isang tao ay kasing hirap ng iba."

4. Ang aking tag-ulan, ginawa sa Japan 2009, genre drama. Inilalarawan ng pelikula ang buhay ng mga mag-aaral na nagsasanay ng enjo-kasai. Lahat nagbabago kapag bida nakilala ang isang binata, isang guro ng kasaysayan. Ang romantikong pelikulang ito ay nagsasabi tungkol sa pag-unlad ng relasyon sa pagitan nila. Isang napakatamis at nakakaantig na pelikula.

5. Pag-ibig sa isang espesyal na antas— ginawa sa Japan, direktor ng pelikula na si Naoto Kumazawa, inilabas noong 2014, genre melodrama.

Nagsimula ang lahat sa high school, high school student si Kururuki Yuni, matalino, mataas ang grades niya sa lahat ng disiplina maliban sa English. Siya ay may layunin at matalino, itinatago ang lahat ng kanyang mga damdamin sa loob ng kanyang sarili at samakatuwid ay napaka-malungkot.

Ang batang guro sa Ingles na si Sakurai ang nagtalaga ng mga pang-araw-araw na klase ni Yuni. Ano ang nagtulak sa kanya para gawin ito? Ang pagnanais na turuan si Kukuruki ng wika o ang pagnanais na alisin ang batang babae sa kanyang shell. Ngunit kung ano man iyon, karagdagang mga klase wikang Ingles humantong sa isang resulta na hindi inaasahan ng sinuman. Ang pelikula ay maganda, lahat ng mga aksyon ay nagaganap nang maluwag minimum set mga salita at paglalaro ng damdamin, magagandang aktor, kalmadong saliw ng musika. Idinisenyo para sa isang teenager na babaeng madla. Maaaring mukhang medyo nailabas.

6. Gusto kitang yakapin- ginawa sa Japan, direktor ng pelikula na si Akihiko Shioto, na inilabas noong 2014.

Ang malungkot at nakakaantig na kwento ng relasyon ng batang si Masami at ng batang babae na si Tsukasa ay hango sa mga totoong pangyayari. Nagaganap ang pelikula sa isla ng Hokkaido. Isang araw, isang grupo ng mga kabataang naglalaro ng basketball ang dumating sa gym, na nakalaan para sa parehong oras ng isang grupo ng mga taong may kapansanan. Ang kaganapang ito ay nagbigay-daan sa driver ng taxi na si Masami, na naglalaro ng basketball mula noong paaralan, upang makilala si Tsukasa, na bilang isang resulta aksidente sa sasakyan naging may kapansanan.

Ayaw ni Tsukasa na tratuhin na parang may kapansanan. Nang makaligtas sa malubhang kahihinatnan ng aksidente at unti-unting nabuhay, siya ay naging malakas. Si Masami naman ay mabait at magiliw na tao. Ang kanilang relasyon ay hindi naiintindihan ng mga magulang sa magkabilang panig, ngunit sa kabila nito, ang mga kabataan ay patuloy na nagkikita. Nang mapagtantong tapat ang relasyon ng mga kabataan, napamahal din ang mga magulang kay Tsukasa. Nagkaroon ng magandang kasal ng isang guwapong binata at isang babae wheelchair, ngunit ang buhay ay may sariling paraan ...