Musikalischer Klassizismus und die Hauptstadien seiner Entwicklung

Der Klassizismus (von lat. classicus – vorbildlich) ist ein Stil in der Kunst des 17. – 18. Jahrhunderts. Der Name „Klassizismus“ leitet sich von einer Berufung auf die klassische Antike als höchstem Maßstab ästhetischer Perfektion ab. Vertreter des Klassizismus schöpften ihr ästhetisches Ideal aus Vorbildern Antike Kunst. Der Klassizismus basierte auf dem Glauben an die Rationalität der Existenz, an das Vorhandensein von Ordnung und Harmonie in der Natur und der inneren Welt des Menschen. Die Ästhetik des Klassizismus enthält eine Summe zwingender strenger Regeln, die eingehalten werden müssen Kunstwerk. Die wichtigsten davon sind die Forderung nach einem Gleichgewicht zwischen Schönheit und Wahrheit, logischer Klarheit, Harmonie und Vollständigkeit der Komposition, strengen Proportionen und einer klaren Unterscheidung zwischen den Genres.

Es gibt zwei Phasen in der Entwicklung des Klassizismus:

Klassizismus des 17. Jahrhunderts, der sich teils im Kampf gegen die Barockkunst, teils in Wechselwirkung mit dieser entwickelte.

Aufklärungsklassizismus des 18. Jahrhunderts.

Der Klassizismus des 17. Jahrhunderts ist in vielerlei Hinsicht das Gegenstück zum Barock. Seine vollständigste Ausprägung findet es in Frankreich. Dies war die Blütezeit der absoluten Monarchie, die die höfische Kunst in höchstem Maße förderte und von ihr Prunk und Prunk verlangte. Der Höhepunkt des französischen Klassizismus in der Gegend Theaterkunst wurden die Tragödien von Corneille und Racine sowie die Komödien von Moliere, auf deren Werk sich Lully stützte. Seine „lyrischen Tragödien“ tragen den Einfluss des Klassizismus (strenge Konstruktionslogik, Heroismus, nachhaltiger Charakter), weisen aber auch barocke Züge auf – den Prunk seiner Opern, die Fülle an Tänzen, Prozessionen und Chören.

Der Klassizismus des 18. Jahrhunderts fiel mit dem Zeitalter der Aufklärung zusammen. Aufklärung ist eine breite Bewegung in Philosophie, Literatur und Kunst, die alles umfasst europäische Länder. Der Name „Aufklärung“ erklärt sich aus der Tatsache, dass die Philosophen dieser Zeit (Voltaire, Diderot, Rousseau) versuchten, ihre Mitbürger aufzuklären und Fragen der Struktur der menschlichen Gesellschaft, der menschlichen Natur und seiner Rechte zu lösen. Die Aufklärer gingen von der Idee der Allmacht des menschlichen Geistes aus. Der Glaube an den Menschen bestimmt in seinem Geist die helle, optimistische Haltung, die den Ansichten der Persönlichkeiten der Aufklärung innewohnt.

Die Oper steht im Mittelpunkt musikalischer und ästhetischer Debatten. Französische Enzyklopädisten betrachteten es als ein Genre, in dem das Gesamtkunstwerk des antiken Theaters wiederhergestellt werden sollte. Diese Idee bildete die Grundlage der Opernreform von K.V. Glück.

Die große Errungenschaft des pädagogischen Klassizismus ist die Schaffung der Gattung der Symphonie (Sonaten-Symphonie-Zyklus) und der Sonatenform, die mit dem Werk der Komponisten der Mannheimer Schule verbunden ist. Mannheimer Schule, gegründet in Mannheim (Deutschland) im Jahr Mitte des 18. Jahrhunderts Jahrhundert basierend auf der Hofkapelle, in der vor allem tschechische Musiker wirkten ( größter Vertreter– Tscheche Jan Stamitz). Im Werk der Komponisten der Mannheimer Schule wurden der 4-sätzige Aufbau der Sinfonie und die klassische Komposition des Orchesters etabliert.

Die Mannheimer Schule wurde zum Vorläufer der Wiener Klassik - Musikrichtung, bezeichnet das Werk von Haydn, Mozart, Beethoven. Im Werk der Wiener Klassiker bildeten sich schließlich der klassisch gewordene Sonaten-Sinfonie-Zyklus sowie die Gattungen Kammerensemble und Konzert heraus.

Unter den Instrumentalgenres waren die beliebtesten Verschiedene Arten Haushaltsunterhaltungsmusik - Serenaden, Divertissements, abends im Freien erklingen. Divertimento (französische Unterhaltung) – instrumentale mehrsätzige Werke für Kammerensemble oder Orchester, die die Merkmale einer Sonate und Suite vereinen und einer Serenade und Nocturne nahe kommen.

K. V. Gluck – der große Reformator des Opernhauses

Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) – gebürtiger Deutscher (geboren in Erasbach (Bayern, Deutschland)), ist dennoch einer der herausragenden Vertreter der Wiener Klassik.

Glucks Reformaktivitäten fanden in Wien und Paris statt und wurden im Einklang mit der Ästhetik des Klassizismus durchgeführt. Insgesamt schrieb Gluck etwa 40 Opern – italienisch und französisch, Buffa und Seria, traditionell und innovativ. Letzterem war es zu verdanken, dass er sich einen herausragenden Platz in der Musikgeschichte sicherte.

Die Grundsätze von Glucks Reform sind in seinem Vorwort zur Partitur der Oper Alceste dargelegt. Sie laufen auf Folgendes hinaus:

Musik soll ausdrücken poetischer Text Oper kann nicht für sich allein existieren, außerhalb dramatische Aktion. Damit steigert Gluck die Rolle der literarischen und dramatischen Grundlage der Oper deutlich und ordnet die Musik dem Drama unter.

Oper sollte eine moralische Wirkung auf den Menschen haben, daher die Anziehungskraft auf antike Themen mit ihrem hohen Pathos und Adel („Orpheus und Eurydike“, „Paris und Helena“, „Iphigenie in Aulis“). G. Berlioz nannte Gluck „Aischylos der Musik“.

Die Oper muss „den drei großen Prinzipien der Schönheit in allen Kunstformen“ entsprechen – „Einfachheit, Wahrheit und Natürlichkeit“. Es ist notwendig, die Oper von übermäßiger Virtuosität und stimmlicher Ausschmückung (die der italienischen Oper innewohnt) sowie von komplizierten Handlungssträngen zu befreien.

Es sollte kein scharfer Kontrast zwischen der Arie und dem Rezitativ bestehen. Gluck ersetzt das Secco-Rezitativ durch ein begleitetes, wodurch es sich einer Arie nähert (in der traditionellen Opera seria dienten Rezitative nur als Bindeglied zwischen Konzertnummern).

Gluck interpretiert die Arien auch auf neue Weise: Er führt Merkmale der improvisatorischen Freiheit und Entwicklung ein Musikalisches Material verbindet sich mit einer Veränderung des psychischen Zustands des Helden. Arien, Rezitative und Chöre werden zu großen dramatischen Szenen zusammengefasst.

Die Ouvertüre soll den Inhalt der Oper vorwegnehmen und den Zuhörer in ihre Atmosphäre einführen.

Das Ballett sollte keine Einlegenummer sein, die nicht mit der Handlung der Oper in Zusammenhang steht. Seine Einführung sollte durch den Verlauf der dramatischen Handlung bedingt sein.

Die meisten dieser Prinzipien wurden in der Oper „Orpheus und Eurydike“ (Uraufführung 1762) verkörpert. Diese Oper markiert den Beginn einer neuen Etappe nicht nur in Glucks Werk, sondern in der Geschichte der gesamten europäischen Oper. „Orpheus“ folgte ein weiterer innovative Oper– „Alceste“ (1767).

In Paris schrieb Gluck weitere Reformopern: Iphigenie in Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenie in Tauris (1779). Die Aufführung jedes einzelnen von ihnen wurde zu einem grandiosen Ereignis im Leben von Paris und löste heftige Kontroversen zwischen den „Gluckisten“ und den „Piccinisten“ aus – Anhängern der traditionellen italienischen Oper, die durch den neapolitanischen Komponisten Nicolo Piccini (1728 - 1800) verkörpert wurde ). Glucks Sieg in dieser Kontroverse war durch den Triumph seiner Oper Iphigenie auf Tauris gekennzeichnet.

So machte Gluck die Oper zu einer Kunst mit hohen pädagogischen Idealen, erfüllte sie mit tiefem moralischen Inhalt und offenbarte auf der Bühne echte menschliche Gefühle. Opernreform Gluck hatte sowohl auf seine Zeitgenossen als auch auf ihn einen fruchtbaren Einfluss nachfolgende Generationen Komponisten (insbesondere Wiener Klassiker).

Zeitalter der Erleuchtung

Das Zeitalter der Aufklärung ist eine der Schlüsselepochen in der Geschichte der europäischen Kultur und ist mit der Entwicklung des wissenschaftlichen, philosophischen und sozialen Denkens verbunden. Diese intellektuelle Bewegung basierte auf Rationalismus und Freidenken. Ausgehend von England breitete sich diese Bewegung auf Frankreich, Deutschland, Russland und andere europäische Länder aus. Besonders einflussreich waren die französischen Aufklärer, die zu „Meistern des Denkens“ wurden.

Musikalische Kunst kann mit Theater und literarischer Kunst gleichgesetzt werden. Opern und andere Musikwerke wurden zu Themen der Werke großer Schriftsteller und Dramatiker geschrieben.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts entstand die Kunst der Wiener klassischen Musikschule, die für die gesamte weitere europäische Musikkultur eine entscheidende Rolle spielte.

Entwicklung Musikalische Kunst, ist vor allem mit den Namen so großer Komponisten wie I.S. verbunden. Bach, G.F. Händel, J. Haydn, V.A. Mozart, LW Beethoven.

Franz Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn (31. März 1732 – 31. Mai 1809) war ein österreichischer Komponist, ein Vertreter der Wiener klassischen Schule, einer der Begründer von Musikgattungen wie der Sinfonie und dem Streichquartett. Der Schöpfer der Melodie, die später die Grundlage der Hymnen Deutschlands und Österreich-Ungarns bildete.

Jugend. Joseph Haydn (der Komponist selbst nannte sich nie Franz) wurde am 31. März 1732 auf dem Gut der Grafen von Harrach – dem niederösterreichischen Dorf Rohrau nahe der Grenze zu Ungarn – in der Familie von Matthias Haydn (1699-1763) geboren ). Seine Eltern, die sich ernsthaft für Gesang und Amateurmusik interessierten, entdeckten ihn in dem Jungen musikalische Fähigkeiten und 1737 schickten sie ihn zu Verwandten in die Stadt Hainburg an der Donau, wo Joseph begann, Chorgesang und Musik zu studieren. Im Jahr 1740 wurde Joseph von Georg von Reutter, dem Direktor der Wiener Kapelle St. Stefan. Reutter nahm den talentierten Jungen mit in den Chor und er sang neun Jahre lang im Chor (darunter mehrere Jahre mit seinen jüngeren Brüdern).

Das Singen im Chor war für Haydn eine gute, aber einzige Schule. Als sich seine Fähigkeiten entwickelten, wurden ihm schwierige Soloparts zugewiesen. Gemeinsam mit dem Chor trat Haydn häufig auf Stadtfesten, Hochzeiten, Beerdigungen auf und nahm an Hoffeiern teil.

Im Jahr 1749 begann Josephs Stimme zu brechen und er wurde aus dem Chor geworfen. Die darauffolgenden zehn Jahre waren für ihn sehr schwierig. Josef übernahm verschiedene Jobs, unter anderem als Diener Italienischer Komponist Nicola Porpora, bei dem er auch Kompositionsunterricht nahm. Haydn versuchte, die Lücken in seinem Werk zu schließen Musikalische Bildung, intensiv studierend die Werke von Emmanuel Bach und die Kompositionstheorie. Die Cembalo-Sonaten, die er zu dieser Zeit schrieb, wurden veröffentlicht und erregten großes Aufsehen. Seine ersten großen Werke waren zwei Brevis-Messen, F-Dur und G-Dur, die Haydn 1749 schrieb, bevor er die Kapelle St. Stefan; Oper „Der lahme Dämon“ (nicht erhalten); etwa ein Dutzend Quartette (1755), die erste Symphonie (1759).

Im Jahr 1759 erhielt der Komponist die Stelle eines Kapellmeisters am Hofe des Grafen Karl von Morzin, wo Haydn sich mit einem kleinen Orchester wiederfand, für das der Komponist seine ersten Sinfonien komponierte. Doch bald geriet von Mortzin in finanzielle Schwierigkeiten und stoppte sein musikalisches Projekt.

1760 heiratete Haydn Maria Anna Keller. Sie hatten keine Kinder, was der Komponist sehr bedauerte.

Service bei Esterhazy. Im Jahr 1761 ereignete sich ein schicksalhaftes Ereignis in Haydns Leben: Er wurde der zweite Kapellmeister am Hofe der Fürsten Esterhazy, einer der einflussreichsten und mächtigsten Adelsfamilien Österreichs. Zu den Aufgaben des Kapellmeisters gehörten das Komponieren von Musik, die Leitung des Orchesters, das Spielen von Kammermusik für den Auftraggeber und die Inszenierung von Opern.

Während seiner fast dreißigjährigen Karriere am Esterhazy-Hof komponierte der Komponist große Menge Werke, sein Ruhm wächst. Im Jahr 1781 lernte Haydn während seines Aufenthalts in Wien Mozart kennen und freundete sich mit ihm an. Er gab Sigismund von Neukom Musikunterricht, der später sein enger Freund wurde.

Am 11. Februar 1785 wurde Haydn in die Freimaurerloge „Zur wahren Eintracht“ aufgenommen. Mozart konnte der Einweihung nicht beiwohnen, da er mit seinem Vater Leopold ein Konzert besuchte.

Im Laufe des 18. Jahrhunderts fanden in einer Reihe von Ländern (Italien, Deutschland, Österreich, Frankreich und anderen) Prozesse der Bildung neuer Genres und Formen der Instrumentalmusik statt, die schließlich Gestalt annahmen und ihren Höhepunkt in der sogenannten „ Wiener Klassik“ – in den Werken von Haydn, Mozart und Beethoven. Statt polyphoner Textur sehr wichtig erhielt eine homophonisch-harmonische Textur, gleichzeitig enthielten große Instrumentalwerke jedoch oft polyphone Episoden, die das musikalische Gefüge dynamisierten.

Wieder freiberuflicher Musiker. Im Jahr 1790 starb Prinz Nikolai Esterhazy (englisch) von Russland, und sein Sohn und Nachfolger, Prinz Anton (englisch) von Russland, der kein Musikliebhaber war, löste das Orchester auf. 1791 erhielt Haydn einen Arbeitsvertrag in England. Anschließend arbeitete er ausgiebig in Österreich und Großbritannien. Zwei Reisen nach London, wo er sein eigenes Werk für Solomons Konzerte schrieb beste Sinfonien, stärkte Haydns Ruhm weiter.

Auf einer Durchreise durch Bonn lernte er 1792 den jungen Beethoven kennen und nahm ihn als Schüler auf.

Anschließend ließ sich Haydn in Wien nieder, wo er seine beiden berühmten Oratorien „Die Erschaffung der Welt“ (1799) und „Die Jahreszeiten“ (1801) schrieb.

Haydn versuchte sich an allen Arten der Musikkomposition, doch nicht in allen Genres zeigte sich seine Kreativität mit gleicher Kraft.

Auf dem Gebiet der Instrumentalmusik gilt er zu Recht als einer der bedeutendsten Komponisten der zweiten Hälfte des 18 Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte.

Haydns Größe als Komponist zeigte sich am deutlichsten in seinen beiden letzten Werken: den großen Oratorien „Die Erschaffung der Welt“ (1798) und „Die Jahreszeiten“ (1801). Das Oratorium „Die Jahreszeiten“ kann als beispielhafter Maßstab musikalischen Klassizismus gelten. Gegen Ende seines Lebens erfreute sich Haydn enormer Beliebtheit.

Die Arbeit an Oratorien untergrub die Kraft des Komponisten. Seine letzten Werke waren „Harmoniemesse“ (1802) und das unvollendete Streichquartett op. 103 (1802). Die letzten Skizzen stammen aus dem Jahr 1806; nach diesem Datum schrieb Haydn nichts mehr. Der Komponist starb am 31. Mai 1809 in Wien.

Das kreative Erbe des Komponisten umfasst 104 Sinfonien, 83 Quartette, 52 Klaviersonaten, Oratorien (Die Erschaffung der Welt und Die Jahreszeiten), 14 Messen und 24 Opern.

Liste der Aufsätze:

Kammermusik:

• § 12 Sonaten für Violine und Klavier (einschließlich Sonate e-Moll, Sonate D-Dur)
• § 83 Streichquartette für zwei Violinen, Bratsche und Cello
• § 7 Duette für Violine und Bratsche
• § 40 Trio für Klavier, Violine (oder Flöte) und Cello
• § 21 Trio für 2 Violinen und Cello
• § 126 Trio für Bariton, Viola (Violine) und Cello
• § 11 Trio für gemischte Bläser und Streicher
• 35 Konzerte für ein oder mehrere Instrumente mit Orchester, darunter:
  • § vier Konzerte für Violine und Orchester
  • § zwei Konzerte für Cello und Orchester
  • § zwei Konzerte für Horn und Orchester
  • § 11 Konzerte für Klavier und Orchester
  • § 6 Orgelkonzerte
  • § 5 Konzerte für zweirädrige Leier
  • § 4 Konzerte für Bariton und Orchester
  • § Konzert für Kontrabass und Orchester
  • § Konzert für Flöte und Orchester
  • § Konzert für Trompete und Orchester
  • § 13 Divertimentos mit Klavier

Insgesamt gibt es 24 Opern, darunter:

• § „Der krumme Teufel“, 1751
• § „Wahre Beständigkeit“
• § „Orpheus und Eurydike oder die Seele eines Philosophen“, 1791
• § „Asmodeus oder der neue lahme Dämon“
• § „Apotheker“
• § „Acis und Galatea“, 1762
• § „Einsame Insel“ (L'lsola disabitata)
• § „Armida“, 1783
• § „Fischerfrauen“ (Le Pescatrici), 1769
• § „Betrogene Untreue“ (L"Infedelta delusa)
• § „Eine unvorhergesehene Begegnung“ (L"Incontro improviso), 1775
• § „Die Mondwelt“ (II Mondo della luna), 1777
• § „Wahre Beständigkeit“ (La Vera costanza), 1776
• § „Treue wird belohnt“ (La Fedelta premiata)
• § „Roland der Paladin“ (Orlando Рaladino), eine heroisch-komische Oper basierend auf der Handlung von Ariosts Gedicht „Roland der Wütende“
• 14 Oratorien, darunter:
  • § „Welterschaffung“
  • § "Jahreszeiten"
  • § „Sieben Worte des Erlösers am Kreuz“
  • § „Rückkehr des Tobias“
  • § Allegorisches Kantaten-Oratorium „Applaus“
  • § Oratorienhymne Stabat Mater
• 14 Messen, darunter:
  • § geringe Masse(Missa brevis, F-dur, um 1750)
  • § große Orgelmesse Es-dur (1766)
  • § Messe zu Ehren des hl. Nikolaus (Missa in honorem Sancti Nicolai, G-dur, 1772)
  • § Messe des hl. Caeciliae (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, zwischen 1769 und 1773)
  • § kleine Orgelmesse (H-Dur, 1778)
  • § Mariazellermesse, C-dur, 1782
  • § Messe mit Pauken oder Messe während des Krieges (Paukenmesse, C-dur, 1796)
  • § Messe Heiligmesse (B-dur, 1796)
  • § Nelson-Messe, d-moll, 1798
  • § Messe Theresa (Theresienmesse, B-Dur, 1799)
  • § Messe mit Thema aus dem Oratorium „Die Erschaffung der Welt“ (Schopfungsmesse, B-Dur, 1801)
  • § Messe mit Blasinstrumenten (Harmoniemesse, B-Dur, 1802)

Insgesamt 104 Sinfonien, darunter:

• § „Abschiedssinfonie“
• § „Oxford Symphony“
• § „Trauersymphonie“
• § 6 Pariser Sinfonien (1785-1786)
• § 12 Londoner Symphonien (1791-1792, 1794-1795), einschließlich Symphonie Nr. 103 „Mit Tremolo-Pauken“
• § 66 Divertissements und Kassationen

Werke für Klavier:

• § Fantasien, Variationen
• § 52 der Klaviersonate

Zum ersten Mal wird die Religion heftig kritisiert. Ihr leidenschaftlichster und entschiedenster Kritiker, insbesondere der Kirche, ist Voltaire.

Generell war das 18. Jahrhundert von einer starken Abschwächung geprägt Religiöse Grundlagen Kultur und Stärkung ihres säkularen Charakters.

Philosophie des 18. Jahrhunderts in enger Zusammenarbeit entwickelt Und Zusammenarbeit mit Wissenschaft und Naturgeschichte. Ein großer Erfolg dieser Zusammenarbeit war die Veröffentlichung der Enzyklopädie in 35 Bänden (1751 – 1780), deren Inspiration und Herausgeber waren Diderot Und D'Alembert. Der Inhalt der „Enzyklopädie“ bestand aus fortschrittlichen Ideen und Ansichten über die Welt und den Menschen. Es war eine Sammlung der wertvollsten Erkenntnisse und Informationen über die Entwicklung der Wissenschaft,
Kunst und Handwerk.

Im 18. Jahrhundert endete die zuvor begonnene wissenschaftliche Revolution und damit auch die Wissenschaft- also Naturwissenschaft - erreicht seine klassische Form. Die Hauptmerkmale und Kriterien einer solchen Wissenschaft sind folgende:

Objektivität des Wissens;

Die Erfahrung seiner Herkunft;

Alles Subjektive davon ausschließen.

Die ungewöhnlich gesteigerte Autorität der Wissenschaft führt dazu, dass bereits im 18. Jahrhundert die ersten Formen von Szientismus, was die Wissenschaft an die Stelle der Religion setzt. Auf seiner Grundlage bildet sich auch der sogenannte szientistische Utopismus, wonach die Gesetze der Gesellschaft völlig „transparent“, voll erkennbar werden können; und die Politik basiert auf streng wissenschaftlichen Gesetzen, die sich nicht von den Naturgesetzen unterscheiden. Insbesondere Diderot, der die Gesellschaft und den Menschen durch das Prisma der Naturwissenschaft und der Naturgesetze betrachtete, neigte zu solchen Ansichten. Mit diesem Ansatz hört der Mensch auf, Subjekt des Erkennens und Handelns zu sein, wird seiner Freiheit beraubt und mit einem gewöhnlichen Objekt oder einer gewöhnlichen Maschine identifiziert.

Im Allgemeinen Kunst des 18. Jahrhunderts wirkt im Vergleich zum Vorgänger weniger tief und erhaben, wirkt leichter, luftiger und oberflächlicher. Es zeigt eine ironische und skeptische Haltung gegenüber dem, was zuvor als edel, auserwählt und erhaben galt. Das epikureische Prinzip, das Verlangen nach Hedonismus, der Lust- und Genussgeist werden in ihm spürbar gestärkt. Gleichzeitig wird die Kunst natürlicher und näher an der Realität. Darüber hinaus dringt es zunehmend in das gesellschaftliche Leben, den Kampf und die Politik ein und wird voreingenommen.

Kunst des 18. Jahrhunderts fungiert in vielerlei Hinsicht als direkte Fortsetzung des vorigen Jahrhunderts. Die Hauptstile sind nach wie vor Klassizismus und Barock. Gleichzeitig kommt es zu einer Binnendifferenzierung der Kunst, zu ihrer Zersplitterung in immer mehr Strömungen und Richtungen. Es entstehen neue Stile, und zwar insbesondere Rokoko Und Sentimentalismus.

Klassizismus vertritt hauptsächlich einen französischen Künstler J L. David (1748 - 1825). Seine Werke („Eid der Horatii“, „Tod von Marat“, „Krönung Napoleons I.“ usw.) spiegelten großes wider historische Ereignisse, das Thema der Bürgerpflicht.

Barock Als „großer Stil“ der Ära des Absolutismus verlor er allmählich an Einfluss und etablierte sich Mitte des 18. Jahrhunderts Rokoko. Einer seiner bekanntesten Vertreter ist der Künstler UM. Fragonard (1732 - 1806). Seine „Badenden“ sind eine wahre Apotheose des Lebens, der sinnlichen Freude und des Vergnügens. Gleichzeitig wirken das Fleisch und die Formen, die Fragonard darstellt, unkörperlich, luftig und sogar vergänglich. In seinen Werken stehen Virtuosität, Anmut, Raffinesse, Licht- und Lufteffekte im Vordergrund. In diesem Sinne ist das Gemälde „Swing“ entstanden.

Sentimentalismus(zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts) stellte die Vernunft dem Kult des Naturgefühls gegenüber. Einer der Begründer und Hauptfiguren des Sentimentalismus war J.-J. Rousseau. Ihm gehört das berühmte Sprichwort: „Vernunft kann Fehler machen, Gefühle niemals!“ In seinen Werken „Julia oder New Heloise“, „Confession“ usw. schildert er das Leben und die Sorgen der einfachen Menschen, ihre Gefühle und Gedanken, verherrlicht die Natur, bewertet das Stadtleben kritisch und idealisiert das patriarchalische Bauernleben.

Die größten Künstler des 18. Jahrhunderts gehen über stilistische Grenzen hinaus. Hierzu zählt vor allem der französische Künstler A. Watteau (1684 - 1721) und spanischer Maler F. Goya (1746 - 1828).

Watteaus Werk („Morgentoilette“, „Pierrot“, „Pilgerfahrt zur Insel Kythera“) kommt dem Rokoko-Stil am nächsten. Gleichzeitig ist in seinen Werken der Einfluss von Rubens und Van Dyck, Poussin und Tizian spürbar. Er gilt zu Recht als Vorläufer der Romantik und als erster großer Romantiker in der Malerei.

Mit seinem Werk setzt F. Goya („Porträt der Königin Marie Louise“, „Mach auf dem Balkon“, „Porträt von Sabasa Garcia“, eine Radierungsserie „Caprichos“) Rembrandts realistischen Trend fort. In seinen Werken kann man den Einfluss von Poussin, Rubens und anderen großen Künstlern erkennen. Gleichzeitig ist seine Kunst organisch mit der spanischen Malerei verbunden – insbesondere mit der Kunst von Velazquez. Goya gehört zu den Malern, deren Werk einen ausgeprägten nationalen Charakter hat.

Musikalische Kunst erlebt ein beispielloses Wachstum und Wohlstand. Wenn XVII Jahrhundert gilt als das Jahrhundert des Theaters XVIII Das Jahrhundert kann zu Recht als das Jahrhundert der Musik bezeichnet werden. Ihr gesellschaftliches Ansehen steigt so stark, dass sie unter den Künsten den ersten Platz einnimmt und die Malerei verdrängt.

Die Musik des 18. Jahrhunderts wird durch Namen repräsentiert wie F. Haydn, K. Gluck, G. Händel. Unter den großen Komponisten verdienen sie besondere Aufmerksamkeit IST. Bach (1685 - 1750) und IN. A. Mozart (1756- 1791).

Bach ist das letzte große Genie des Barock. Er hat in fast allen erfolgreich gearbeitet Musikgenres außer Oper. Seine Musik war ihrer Zeit weit voraus und nahm viele spätere Stile vorweg, darunter auch die Romantik. Bachs Werk stellt den Höhepunkt der Polyphonie dar. Im Bereich der Vokal- und Schauspielmusik ist das berühmteste Meisterwerk des Komponisten die Kantate „Matthäus-Passion“, die die Geschichte von erzählt letzten Tage Leben Christi. Bachs größter Ruhm zu seinen Lebzeiten kam von Orgelmusik. Auf dem Gebiet der Musik für das Klavier ist die brillante Schöpfung des Komponisten „Das Wohltemperierte Klavier“ stellt eine Art Enzyklopädie der Musikstile des 17.-18. Jahrhunderts dar.

In den Werken des österreichischen Komponisten W. A. ​​​​Mozart verbinden sich die Prinzipien des Klassizismus mit der Ästhetik des Sentimentalismus. Gleichzeitig ist Mozart der Vorläufer der Romantik – der erste große Romantiker in der Musik. Seine Arbeit umfasst fast jedes Genre und er ist überall ein mutiger Innovator. Zu Mozarts Lebzeiten feierten seine Opern den größten Erfolg. Die bekanntesten unter ihnen sind „Die Hochzeit des Figaro“, „Don Giovanni“, „ Zauberflöte". Verdient auch besondere Erwähnung "Requiem".

Zeitalter der Erleuchtung. Es ist kein Zufall, dass das 18. Jahrhundert in der Geschichte als Zeitalter der Aufklärung bezeichnet wird: wissenschaftliches Wissen, das zuvor Eigentum eines engen Kreises von Wissenschaftlern war, gelangte über die Grenzen von Universitäten und Labors in die weltlichen Salons von Paris und London. Es ist kein Zufall, dass das 18. Jahrhundert in der Geschichte als Zeitalter der Aufklärung bezeichnet wird: wissenschaftliche Erkenntnisse, das zuvor Eigentum eines engen Kreises von Wissenschaftlern war, gelangte über die Grenzen von Universitäten und Labors hinaus in die weltlichen Salons von Paris und London

Johann Sebastian Bach Johann Sebastian Bach wurde am 21. März 1685 in Eisenach, einer kleinen thüringischen Stadt in Deutschland, geboren, wo sein Vater Johann Ambrosius als Stadtmusikant und sein Onkel Johann Christoph als Organist fungierten. Glückliche Kindheit Für ihn endete es im Alter von neun Jahren, als er seine Mutter und ein Jahr später seinen Vater verlor. Das Waisenkind wurde von seinem älteren Bruder, einem Organisten im nahegelegenen Ohrdruf, in sein bescheidenes Zuhause aufgenommen; Dort ging der Junge wieder zur Schule und setzte sein Musikstudium bei seinem Bruder fort. Johann Sebastian verbrachte 5 Jahre in Ohrdruf. Johann Sebastian Bach wurde am 21. März 1685 in Eisenach, einer kleinen thüringischen Stadt in Deutschland, geboren, wo sein Vater Johann Ambrosius als Stadtmusikant und sein Onkel Johann Christoph als Organist fungierten. Eine glückliche Kindheit endete für ihn im Alter von neun Jahren, als er seine Mutter und ein Jahr später seinen Vater verlor. Das Waisenkind wurde von seinem älteren Bruder, einem Organisten im nahegelegenen Ohrdruf, in sein bescheidenes Zuhause aufgenommen; Dort ging der Junge wieder zur Schule und setzte sein Musikstudium bei seinem Bruder fort. Johann Sebastian verbrachte 5 Jahre in Ohrdruf.

Johann Sebastian Bach Im Jahr 1702 kehrte Bach im Alter von 17 Jahren nach Thüringen zurück und erhielt nach kurzer Zeit als „Lakaien und Geiger“ am Weimarer Hof die Stelle eines Organisten Neue Kirche in Arnstadt, einer Stadt, in der die Bachs sowohl vor als auch nach ihm dienten, bis er dank seiner hervorragenden Prüfungsleistungen sofort ein Gehalt erhielt, das weit über dem Gehalt seiner Verwandten lag. Im Jahr 1702, im Alter von 17 Jahren, kehrte Bach nach Thüringen zurück und erhielt, nachdem er kurzzeitig als „Lakaien und Geiger“ am Weimarer Hof gedient hatte, eine Stelle als Organist der Neuen Kirche in Arnstadt, einer Stadt, in der die Bachs zuvor beiden gedient hatten und nach ihm, bis er sich mit Bravour bedankte. Nachdem er seine Prüfungsleistung bestanden hatte, erhielt er sofort ein Gehalt, das viel höher war als das, was seine Verwandten erhielten.

Johann Sebastian Bach Er blieb bis 1707 in Arnstadt und verließ die Stadt 1705, um an der berühmten „ Abendkonzerte“, die in Lübeck im Norden des Landes vom brillanten Organisten und Komponisten Dietrich Buxtehude dirigiert wurden. Offenbar war Lübeck so interessant, dass Bach statt der von ihm beantragten vier Wochen Urlaub vier Monate dort verbrachte. Die darauffolgenden Schwierigkeiten im Gottesdienst sowie die Unzufriedenheit mit dem schwachen und unausgebildeten Arnstädter Kirchenchor, den er leiten musste, zwangen Bach, sich eine neue Stelle zu suchen. Er blieb bis 1707 in Arnstadt und verließ die Stadt 1705, um den berühmten „Abendkonzerten“ des brillanten Organisten und Komponisten Dietrich Buxtehude in Lübeck im Norden des Landes beizuwohnen. Offenbar war Lübeck so interessant, dass Bach statt der von ihm beantragten vier Wochen Urlaub vier Monate dort verbrachte. Die darauffolgenden Schwierigkeiten im Gottesdienst sowie die Unzufriedenheit mit dem schwachen und unausgebildeten Arnstädter Kirchenchor, den er leiten musste, zwangen Bach, sich eine neue Stelle zu suchen.

Johann Sebastian Bach 1723 lebt mit seiner Familie in Leipzig. Hier schafft er sein beste Werke lebt mit seiner Familie in Leipzig. Hier entstehen seine besten Werke. auf seinem künstlerische Entwicklung beeinflusst durch die Bekanntschaft mit den Werken herausragender Persönlichkeiten Italienische Meister, insbesondere Antonio Vivaldi, dessen Orchesterkonzerte Bach für Tasteninstrumente arrangierte: Diese Arbeit half ihm, die Kunst der ausdrucksstarken Melodie zu beherrschen, das harmonische Schreiben zu verbessern und einen Sinn für Form zu entwickeln. Seine künstlerische Entwicklung wurde durch seine Bekanntschaft mit den Werken herausragender italienischer Meister beeinflusst, insbesondere Antonio Vivaldi, dessen Orchesterkonzerte Bach für Tasteninstrumente arrangierte: Diese Arbeit half ihm, die Kunst der ausdrucksstarken Melodie zu beherrschen, das harmonische Schreiben zu verbessern und einen Sinn für Form zu entwickeln .

Wolfgang Amadeus Mozart Österreichischer Komponist. Er hatte ein phänomenales Gehör für Musik und Gedächtnis. Er trat als virtuoser Cembalist, Geiger, Organist und Dirigent auf und improvisierte brillant. Er begann sein Musikstudium unter der Anleitung seines Vaters L. Mozart. Seine ersten Kompositionen erschienen im Alter von fünf Jahren und er tourte erfolgreich durch Deutschland, Österreich, Frankreich, Großbritannien, die Schweiz und Italien. 1765 wurde seine 1. Symphonie in London aufgeführt. Österreichischer Komponist. Er hatte ein phänomenales Gehör für Musik und Gedächtnis. Er trat als virtuoser Cembalist, Geiger, Organist und Dirigent auf und improvisierte brillant. Er begann sein Musikstudium unter der Anleitung seines Vaters L. Mozart. Seine ersten Kompositionen erschienen im Alter von fünf Jahren und er tourte erfolgreich durch Deutschland, Österreich, Frankreich, Großbritannien, die Schweiz und Italien. 1765 wurde seine 1. Symphonie in London aufgeführt.

Wolfgang Amadeus Mozart Mozart schuf St. 600 Werke verschiedener Genres. Der wichtigste Bereich seines Schaffens ist das Musiktheater. Mozarts Werk markierte eine Ära in der Entwicklung der Oper. Mozart beherrschte nahezu alle zeitgenössischen Operngattungen. Mozart schuf St. 600 Werke verschiedener Genres. Der wichtigste Bereich seines Schaffens ist das Musiktheater. Mozarts Werk markierte eine Ära in der Entwicklung der Oper. Mozart beherrschte nahezu alle zeitgenössischen Operngattungen.

Ludwig Van Beethoven Hauptwerke 9 Sinfonien 11 Ouvertüren 5 Konzerte für Klavier und Orchester Violinkonzert 16 Streichquartette 6 Trios für Streicher, Bläser und gemischte Kompositionen 6 Jugendsonaten für Klavier 32 Sonaten für Klavier (komponiert in Wien) 10 Sonaten für Violine und Klavier 5 Sonaten für Cello und Klavier 32 Variationen (c-Moll) Bagatellen, Rondos, Ecosaisen, Menuette und andere Stücke für Klavier (ca. 60) Opera Fidelio Feierliche Massenverarbeitung Volkslieder(Schottisch, Irisch, Walisisch) Etwa 40 Lieder mit Texten verschiedener Autoren

Ludwig van Beethoven Beethoven wurde vermutlich am 16. Dezember 1770 in Bonn geboren (getauft am 17. Dezember). In seinen Adern floss neben deutschem Blut auch flämisches Blut: Der Großvater väterlicherseits des Komponisten, ebenfalls Ludwig, wurde 1712 in Malin (Flandern) geboren. Im Alter von acht Jahren gab der kleine Beethoven sein erstes Konzert in der Stadt Köln. Die Konzerte des Jungen fanden in anderen Städten statt. Als der Vater sah, dass er seinem Sohn nichts mehr beibringen konnte, hörte er auf, ihn zu unterrichten, und als der Junge zehn Jahre alt war, nahm er ihn von der Schule. Beethoven wurde vermutlich am 16. Dezember 1770 in Bonn geboren (getauft im Dezember). 17). In seinen Adern floss neben deutschem Blut auch flämisches Blut: Der Großvater väterlicherseits des Komponisten, ebenfalls Ludwig, wurde 1712 in Malin (Flandern) geboren. Im Alter von acht Jahren gab der kleine Beethoven sein erstes Konzert in der Stadt Köln. Die Konzerte des Jungen fanden in anderen Städten statt. Als der Vater sah, dass er seinem Sohn nichts mehr beibringen konnte, hörte er auf, ihn zu unterrichten, und als der Junge zehn Jahre alt war, nahm er ihn von der Schule

Dieser Artikel kann hilfreich sein zusätzliches Material für den Musikunterricht in den Klassen 7-8. Es bietet Material für eine vertiefte Auseinandersetzung mit der Musikkultur des 17.-18. Jahrhunderts. In der Musik dieser Zeit bildete sich eine Sprache heraus, die später ganz Europa „sprechen“ sollte.

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„Musik des Zeitalters der Aufklärung“

Die Aufklärungsbewegung hatte einen erheblichen Einfluss auf Musikleben. In der Musik des 17. – 18. Jahrhunderts. Es entsteht die musikalische Sprache, die später ganz Europa „sprechen“ wird. Die ersten waren Johann Sebastian Bach (1685–1750) und Georg Friedrich Händel (1685–1759). Bach – großer Komponist und Organist, arbeitete in allen Musikrichtungen außer der Oper. Er brachte die polyphone Kunst, die im Mittelalter in Europa entstand, zur Perfektion. Im Orgelwerk kommt die Tiefe von Bachs Gedanken und Gefühlen voll zum Vorschein und das Bekenntnis der Seele erklingt. Unter den sechs Generationen Bachs sind fast alle Organisten, Trompeter, Flötisten, Geiger, Kapellmeister und Kantoren. Lebensweg Ein brillanter Komponist ist ein ständiger Kampf um das Recht auf Kreativität. Händel, wie Bach, verwendet biblische Geschichten für deine Werke.

Im Laufe des 18. Jahrhunderts kam es in einer Reihe von Ländern (Italien, Deutschland, Österreich, Frankreich usw.) zu Entstehungsprozessen neuer Gattungen und Formen der Instrumentalmusik, die schließlich in der sogenannten Form Gestalt annahmen und ihren Höhepunkt erreichten „Wiener klassische Schule.“Die Wiener klassische Schule, die die fortgeschrittenen Errungenschaften der nationalen Musikkulturen organisch aufnahm, war selbst ein zutiefst nationales Phänomen, das in der demokratischen Kultur des österreichischen Volkes verwurzelt war. Vertreter dieser künstlerischen Bewegung waren J. Haydn, V.A. Mozart, L. van Beethoven. Jeder von ihnen war ein aufgeweckter Mensch. So zeichnete sich Haydns Stil durch eine helle Weltanschauung und die führende Rolle von Genre- und Alltagselementen aus. Der lyrisch-dramatische Beginn war eher charakteristisch für Mozarts Stil. Beethovens Stil ist die Verkörperung des heroischen Pathos des Kampfes. Doch neben den Unterschieden, die die einzigartige Individualität jedes dieser Komponisten ausmachten, eint sie Realismus, lebensbejahende Prinzipien und Demokratie. Das an Rationalismus und abstrakter Verallgemeinerung orientierte Denken der Aufklärung führte zur Entstehung neuer Gattungen: SYMPHONIE, SONATE, KONZERT. Diese Genres hatten die Form eines Sonaten-Symphonie-Zyklus, dessen Kern das Sonaten-Allegro war. SONATA ALLEGRO ist eine proportionale und symmetrische Struktur, die aus drei Hauptabschnitten besteht – Exposition, Durchführung und Reprise.

Die Wiener Klassik war geprägt von Kunst Stil Klassizismus, der im 17. Jahrhundert in Frankreich entstand.Basierend auf Vorstellungen über die Regelmäßigkeit und Rationalität der Weltordnung strebten die Meister dieses Stils nach klaren und strengen Formen, harmonischen Mustern und der Verkörperung von Hohem moralische Ideale. Die höchsten, unübertroffenen Beispiele künstlerische Kreativität Sie betrachteten Werke antiker Kunst und entwickelten sich antike Geschichten und Bilder. Der Klassizismus widersetzte sich weitgehend dem Barock mit seiner Leidenschaft, Variabilität und Widersprüchlichkeit und setzte seine Prinzipien in verschiedenen Kunstformen, einschließlich der Musik, durch.Die Tätigkeit der Komponisten der Wiener Klassikschule wurde durch die künstlerische Erfahrung ihrer Vorgänger und Zeitgenossen, darunter Italiener und Italiener, vorbereitet Französische Oper und Instrumentalkultur, Errungenschaften der deutschen Musik. Eine große Rolle bei der Entstehung der Wiener klassischen Schule spielte das Musikleben Wiens – das größte Musik Zentrum, musikalische Folklore des multinationalen Österreichs. Die Kunst der Wiener Klassiker ist eng mit dem allgemeinen Aufstieg der österreichisch-deutschen Kultur verbunden, mit der Aufklärung, die am Vorabend der Großen die humanistischen Ideale des Dritten Standes widerspiegelte Französische Revolution. Die kreativen Ideen der Wiener Klassiker sind eng mit den Ansichten von G.E. verbunden. Lessinga, I.G. Herdera, I.V. Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, mit einigen Bestimmungen der französischen Enzyklopädisten.

Die Kunst der Vertreter der Wiener Klassik zeichnet sich durch Vielseitigkeit aus künstlerisches Denken, Logik, Klarheit der künstlerischen Form. Ihre Werke verbinden auf organische Weise Gefühle und Intellekt, Tragik und Komik, präzise Berechnung und Natürlichkeit, Leichtigkeit des Ausdrucks.Die Musik der Komponisten der Wiener Klassik ist eine neue Entwicklungsstufe musikalisches Denken. Ihre musikalische Sprache zeichnet sich durch strenge Ordnung gepaart mit innerer Vielfalt und Fülle aus. Jeder der Meister der Wiener Klassik hatte eine einzigartige Persönlichkeit. Der Bereich der Instrumentalmusik stand Haydn und Beethoven am nächsten; Mozart zeigte sich gleichermaßen in der Opern- und Instrumentalmusik. Haydn tendierte mehr zu objektiven Volksbildern, Humor, Witzen, Beethoven – zu Heldentaten, Mozart als Universalkünstler – zu verschiedenen Schattierungen lyrischer Erfahrung. Das Werk der Komponisten der Wiener Klassik, die zu den Spitzen der Weltkunstkultur zählen, hatte großen Einfluss auf die weitere Entwicklung der Musik.

Am meisten Komplexe Form Instrumentalmusik – SYMPHONIE (griechisch „Konsonanz“). Es ist für die Aufführung durch ein Symphonieorchester konzipiert. Die Möglichkeiten dieses Genres sind großartig: Es erlaubt einem, sich auszudrücken musikalische Mittel philosophische und moralische Ideen, sprechen über Gefühle und Erfahrungen. Die Gattung entstand Mitte des 18. Jahrhunderts durch Vertreter der Wiener Klassik. Die Komponisten entwickelten einen Sonaten-Symphonie-Zyklus aus vier Sätzen, die sich in der Art der Musik, dem Tempo und den Methoden der Themenentwicklung unterscheiden. Der erste Satz, der in Sonatenform aufgebaut ist und meist in schnellem Tempo vorgetragen wird, ist voller dramatischer Inhalte. Manchmal geht ihm eine langsame Einleitung voraus. Der zweite Satz ist langsam und nachdenklich; Dies ist das lyrische Zentrum der Komposition. Der dritte steht im Gegensatz zum zweiten: Aktive Live-Musik ist entweder tänzerischer oder humorvoller Natur. Bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts. Komponisten verwendeten die gebräuchliche Form des Menuetts (französisches Menuett, von Menü – „klein, klein“) Salontanz XVIII Jahrhundert. Später wurde das Menuett durch ein Scherzo (von italienisch scherzo – „Witz“) ersetzt – so hießen kleine Vokal- oder Instrumentalwerke, schnell im Tempo und humorvoll im Inhalt. Der vierte, meist schnelle Satz ist das Finale der Symphonie; hier wird die thematische und bildliche Entwicklung des Werkes zusammengefasst.Eine der komplexesten und inhaltsreichsten Musikformen, die Sonate, nahm in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts Gestalt an. und fand in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts in den Werken von Komponisten der Wiener Klassik seine endgültige Form. SONATA FORM ist das Prinzip der Präsentation von Musikmaterial. Dabei handelt es sich nicht um einen mechanischen Wechsel von Teilen und Abschnitten, sondern um ein Zusammenspiel von Themen und künstlerischen Bildern. Themen – Haupt- und Nebenthemen – stehen sich entweder gegenüber oder ergänzen sich. Die Entwicklung der Themen durchläuft drei Phasen – Exposition, Entwicklung und Reprise. In der Ausstellung entstehen Themen (vom lateinischen expositio – „Präsentation, Zurschaustellung“). Die Haupttonart erklingt in der Haupttonart, die den Namen der Tonart der gesamten Komposition bestimmt. Ein Nebenthema wird meist in einem anderen Ton dargestellt – es entsteht ein Kontrast zwischen den Themen. Die Weiterentwicklung der Themen ist in Arbeit. Sie können in scharfen gegenseitigen Widerspruch geraten. Manchmal unterdrückt das eine das andere oder tritt umgekehrt in den Schatten und lässt dem „Rivalen“ völlige Handlungsfreiheit. Beide Themen können in einem anderen Licht erscheinen, zum Beispiel werden sie von einem anderen Instrumentensatz gespielt oder sie verändern ihren Charakter dramatisch. Bei der Reprise (französisch reprise, von reprendre – „fortsetzen, wiederholen“) kehren die Themen auf den ersten Blick in ihren Ausgangszustand zurück. Allerdings erklingt das Nebenthema bereits in der Haupttonart und gelangt so zur Einheit mit dem Hauptthema. Reprise ist das Ergebnis eines komplexen Weges, auf dem Themen durch die Erfahrung der Darstellung und Entwicklung bereichert werden. Die Ergebnisse der Entwicklung werden manchmal in einem zusätzlichen Abschnitt – Code (vom italienischen Coda – „Schwanz“) – fixiert, dies ist jedoch nicht notwendig. Die Sonatenform wird üblicherweise im ersten Teil der Sonate und Sinfonie sowie (mit geringfügigen Änderungen) im zweiten Teil und im Finale verwendet.

Eines der Hauptgenres der Instrumentalmusik ist SONATA (italienisch Sonate, von sonare – „klingen“). Dabei handelt es sich um ein mehrteiliges (normalerweise drei- oder vierteiliges) Werk. Im Werk der Meister der Wiener Klassik erreichte die Sonate ebenso wie die Sinfonie ihren Höhepunkt. Im Gegensatz zu einer Sinfonie ist eine Sonate entweder für ein Instrument (normalerweise ein Klavier) oder für zwei Instrumente (von denen eines ein Klavier ist) gedacht. Der erste Teil der Werke dieser Gattung ist in Sonatenform verfasst. Hier sind die wichtigsten Musikalische Themen funktioniert. Der zweite Teil, normalerweise ruhig und langsam, steht in scharfem Kontrast zum ersten. Das dritte ist das Finale, das in schnellem Tempo aufgeführt wird. Er fasst die Ergebnisse zusammen und legt abschließend den allgemeinen Charakter der Arbeit fest.

Joseph Haydn gilt als Begründer der Wiener Klassik. Haydns Werk ist mit dem Aufblühen von Genres wie der Sinfonie (er hatte einhundertvier davon, die verlorenen nicht mitgerechnet), dem Streichquartett (dreiundachtzig) und der Klaviersonate (zweiundfünfzig) verbunden. Der Komponist legte großen Wert auf Konzerte für verschiedene Instrumente, Kammerensembles und geistliche Musik.

Franz Joseph Haydn wurde im Dorf Rohrau (Österreich) in der Familie eines Kutschenbauers geboren. Ab seinem achten Lebensjahr begann er in der Wiener Stephanskapelle zu singen. Der zukünftige Komponist musste seinen Lebensunterhalt mit dem Abschreiben von Noten, dem Spielen von Orgel, Klavier und Geige verdienen. Mit siebzehn Jahren verlor Haydn seine Stimme und wurde aus der Kapelle verwiesen. Nur vier Jahre später fand er eine feste Anstellung – er bekam einen Job als Begleiter des berühmten Italieners Opernkomponist Nicolet Porpore (1686-1768). Er schätzte Haydns musikalisches Talent und begann, ihm Komposition beizubringen. Im Jahr 1761 Haydn trat in die Dienste des wohlhabenden ungarischen Fürsten Esterhazy und verbrachte fast dreißig Jahre an deren Hof als Komponist und Kapellmeister. Im Jahr 1790 die Kapelle wurde aufgelöst, Haydn behielt jedoch sein Gehalt und die Position des Dirigenten. Dies gab dem Meister die Möglichkeit, sich in Wien niederzulassen, zu reisen und Konzerte zu geben. In den 90ern Haydn lebte und wirkte lange Zeit fruchtbar in London. Er erlangte europäischen Ruhm, sein Werk wurde von seinen Zeitgenossen geschätzt – der Komponist wurde Träger zahlreicher Ehrentitel und Titel. Joseph Haydn wird oft als „Vater“ der Symphonie bezeichnet. Durch sein Werk wurde die Sinfonie zur führenden Gattung der Instrumentalmusik. In Haydns Sinfonien ist die Entwicklung der Hauptthemen interessant. Indem der Komponist eine Melodie in verschiedenen Tonarten und Registern dirigiert und ihr die eine oder andere Stimmung verleiht, entdeckt er so ihre verborgenen Möglichkeiten, offenbart innere Widersprüche: Die Melodie wird entweder transformiert oder kehrt in ihren ursprünglichen Zustand zurück. Haydn hatte einen subtilen Sinn für Humor, und dieser Persönlichkeitszug spiegelte sich in seiner Musik wider. In vielen Sinfonien ist der Rhythmus des dritten Satzes (Menuett) bewusst schwerfällig, als ob der Autor die ungeschickten Versuche eines einfachen Bürgers darstellen wollte, die eleganten Bewegungen eines galanten Tanzes zu wiederholen. Die Symphonie Nr. 94 (1791) ist witzig. Mitten im zweiten Teil, wenn die Musik ruhig und leise klingt, sind plötzlich Paukenschläge zu hören – damit den Zuhörern „keine Langeweile aufkommt“. Es ist kein Zufall, dass das Werk „Mit der kämpfenden Pauke oder Überraschung“ hieß. Haydn verwendete oft die Technik der Lautmalerei (Vögel singen, ein Bär wandert durch den Wald usw.). In seinen Sinfonien wandte sich der Komponist häufig volkstümlichen Themen zu.

Vertretern der Wiener Klassik, allen voran Haydn, wird die Bildung einer stabilen Komposition zugeschrieben Symphonieorchester. Früher begnügten sich Komponisten nur mit den Instrumenten, die dieser Moment Wir sind verfügbar. Der Auftritt eines stabilen Orchesters ist ein klares Zeichen des Klassizismus. Der Klang von Musikinstrumenten wurde somit in ein strenges System gebracht, das den Regeln der Instrumentierung unterlag. Diese Regeln basieren auf der Kenntnis der Fähigkeiten von Instrumenten und gehen davon aus, dass der Klang jedes einzelnen Instruments kein Selbstzweck, sondern ein Mittel zum Ausdruck einer bestimmten Idee ist. Die stabile Zusammensetzung verlieh dem Orchester einen soliden, homogenen Klang.

Neben der Instrumentalmusik widmete sich Haydn der Oper und geistlichen Werken (er schuf unter dem Einfluss Händels eine Reihe von Messen) und wandte sich der Oratoriengattung zu („Die Erschaffung der Welt“, 1798; „Die Jahreszeiten“, 1801).

Seit ihrer Entstehung hat die Oper keine Brüche in ihrer Entwicklung erlebt. Opernreform der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. war in vielerlei Hinsicht eine literarische Bewegung. Ihr Vorfahr war Französischer Schriftsteller und Philosoph J.Zh. Rousseau. Rousseau beschäftigte sich auch mit Musik, und wenn er in der Philosophie eine Rückkehr zur Natur forderte, dann in Operngenre plädierte für eine Rückkehr zur Einfachheit.Der Reformgedanke lag in der Luft. Blütezeit verschiedene Typen komische Oper war eines der Symptome; andere waren Briefe über Tanz und Ballette des französischen Choreografen J. Nover (1727–1810), in denen die Idee des Balletts als Drama und nicht nur als Spektakel entwickelt wurde. Die Person, die die Reform ins Leben rief, war K.V. Glück (1714–1787). Wie viele Revolutionäre begann Gluck als Traditionalist. Mehrere Jahre lang inszenierte er Tragödien nacheinander im alten Stil und wandte sich eher unter dem Druck der Umstände der komischen Oper zu. Die Oper in Wien war in drei Hauptrichtungen unterteilt. Den Spitzenplatz belegte die seriöse italienische Oper (italienische Opera seria), wo klassische Helden und die Götter lebten und starben in einer Atmosphäre höchster Tragödie. Weniger formal war die komische Oper (Opera buffa), die auf der Handlung von Harlequin und Columbine basierte Italienische Komödie(Commedia dell'arte), umgeben von schamlosen Lakaien, ihren heruntergekommenen Herren und allerlei Schurken und Betrügern. Neben diesen italienischen Formen entwickelte sich die deutsche komische Oper (Singspiel), deren Erfolg vielleicht in der Verwendung des Einheimischen lag Schon vor Beginn von Mozarts Opernlaufbahn plädierte Gluck für eine Rückkehr zur Einfachheit der Oper des 17 nur als Gelegenheit für Sänger, die Kraft ihrer Stimmen zu demonstrieren.

Mit der Kraft seines Talents verband Mozart diese drei Richtungen. Noch als Teenager schrieb er jeweils eine Oper jeder Gattung. Als reifer Komponist arbeitete er weiterhin in allen drei Richtungen, obwohl die Tradition der Opera seria verblasste.Mozarts Werk beschäftigt spezieller Ort an der Wiener Klassikschule. In seinen Werken verbanden sich klassizistische Strenge und Klarheit der Form mit tiefer Emotionalität. Die Musik des Komponisten steht jenen Strömungen in der Kultur der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts nahe, die sich an menschliche Gefühle richteten („Storm and Drang“, teilweise Sentimentalismus). Es war Mozart, der als Erster die Inkonsistenz zeigte innere Welt Persönlichkeit.

Wolfgang Amadeus Mozart wurde in Salzburg (Österreich) geboren. Da er über ein phänomenales Gehör für Musik und Gedächtnis verfügte, lernte er bereits in früher Kindheit das Cembalospielen und schrieb im Alter von fünf Jahren seine ersten Kompositionen. Der erste Lehrer des zukünftigen Komponisten war sein Vater Leopold Mozart, ein Musiker in der Kapelle des Erzbischofs von Salzburg. Mozart beherrschte nicht nur das Cembalo, sondern auch Orgel und Violine meisterhaft; war als brillanter Improvisator bekannt. Ab seinem sechsten Lebensjahr bereiste er europäische Länder. Mit elf Jahren schuf er seine erste Oper, Apollo und Hyazinth, und mit vierzehn dirigierte er bereits die Uraufführung seiner eigenen Oper Mithridates, König von Pontus am Mailänder Theater. Etwa zu dieser Zeit wurde er zum Mitglied der Philharmonischen Akademie in Bologna gewählt. Wie viele Musiker dieser Zeit stand Mozart im Hofdienst (1769–1781) – er war Korrepetitor und Organist des Erzbischofs von Salzburg. Der unabhängige Charakter des Meisters erregte jedoch den scharfen Unmut des Erzbischofs, und Mozart beschloss, den Gottesdienst zu verlassen. Unter den herausragenden Komponisten der Vergangenheit war er der erste, der sich für das Leben eines freien Künstlers entschied. Im Jahr 1781 Mozart zog nach Wien und gründete eine Familie. Er verdiente Geld mit seltenen Veröffentlichungen eigene Kompositionen, Klavierunterricht und Aufführungen (letztere dienten als Anstoß für die Entstehung von Klavierkonzerten). Besonderes Augenmerk legte Mozart auf die Oper. Seine Werke repräsentieren eine ganze Ära in der Entwicklung dieser Art von Musikkunst. Die Oper lockte den Komponisten mit der Möglichkeit, die Beziehungen zwischen Menschen, ihre Gefühle und Sehnsüchte aufzuzeigen. Mozart strebte nicht danach, eine neue Opernform zu schaffen – seine Musik selbst war innovativ. In seinen reifen Werken gab der Komponist die strenge Unterscheidung zwischen ernster und komischer Oper auf – es entstand eine musikalische und dramatische Aufführung, in der diese Elemente miteinander verflochten sind. Dadurch gibt es in Mozarts Opern keine eindeutig positiven und negativen Helden; die Charaktere sind lebendig und vielschichtig, nicht miteinander verbunden. Mozart griff oft auf literarische Quellen zurück. So entstand die Oper „Die Hochzeit des Figaro“ (1786) nach dem Stück des französischen Dramatikers P.O. Beaumarchais‘ „Der verrückte Tag oder Die Hochzeit des Figaro“, der durch die Zensur verboten wurde. Hauptthema Opern sind Liebe, was man jedoch von allen Schöpfungen Mozarts sagen kann. Das Werk enthält jedoch auch soziale Implikationen: Figaro und seine geliebte Susanna sind klug und energisch, aber sie stammen aus einfachen Verhältnissen und sind nur Diener im Haus des Grafen Almaviva. Ihr Widerstand gegen den Herrn (einen dummen und getäuschten Aristokraten) weckt die Sympathie des Autors – es ist ganz offensichtlich, dass er auf der Seite der Liebenden steht. In der Oper „Don Giovanni“ (1787) erhielt er musikalische Verkörperung mittelalterliche Geschichte über den Eroberer der Frauenherzen. Dem energischen, temperamentvollen, eigensinnigen und von allen moralischen Maßstäben freien Helden steht in der Person des Kommandanten eine höhere Macht gegenüber, die eine vernünftige Ordnung verkörpert. Hier koexistieren philosophische Verallgemeinerungen mit Liebesaffären, Genre- und Alltagselementen. Das Tragische und das Komische bilden eine untrennbare Einheit. Der Autor selbst betonte dieses Merkmal der Oper und gab seinem Werk den Untertitel „Ein heiteres Drama“. Es scheint, dass im Finale die Gerechtigkeit triumphiert – das Laster (Don Juan) wird bestraft. Doch die Musik der Oper ist subtiler und komplexer als dieses vereinfachte Werkverständnis: Sie weckt beim Zuhörer Mitgefühl für den Helden, der sich selbst im Angesicht des Todes treu blieb. Das philosophische Märchengleichnis „Die Zauberflöte“ (1791) ist in der Gattung des Singspiels verfasst. Die Hauptidee des Werkes ist die Unvermeidlichkeit des Sieges des Guten über das Böse, ein Aufruf zur Standhaftigkeit, zur Liebe, zum Verständnis höhere Bedeutung. Opernfiguren werden entlarvt ernsthafte Tests(Stille, Feuer, Wasser), aber überwinde sie mit Würde und erreiche das Reich der Schönheit und Harmonie.

Für Mozart war die Musik das Wichtigste, obwohl er große Ansprüche an den Text des Librettos stellte. In seinen Opern nahm die Rolle des Orchesters deutlich zu. Es ist der Orchesterpart, den man oft findet Haltung des Autors Zu handelnde Personen: Entweder blitzt ein spöttisches Motiv auf, oder es erklingt eine schöne poetische Melodie. Für einen aufmerksamen Zuhörer sagen diese Details mehr als der Text. Hauptsächlich Porträtmerkmale Arien bleiben erhalten, und die Beziehungen zwischen den Charakteren werden in beschrieben Vokalensembles. Dem Komponisten gelang es, die Charaktereigenschaften jeder Figur in den Ensembles zu vermitteln.Mozart wurde auch einer der Schöpfer des klassischen Genres KONZERT. Grundlage des Konzerts ist der Wettbewerb zwischen Solist und Orchester, und dieser Prozess unterliegt stets einer strengen Logik. Der Komponist besitzt siebenundzwanzig Konzerte für Klavier und Orchester, sieben für Violine und Orchester. In manchen Werken beeindruckt der Zuhörer durch virtuoses Können und Festlichkeit, in anderen durch Dramatik und emotionale Kontraste. Die Interessen des Meisters beschränkten sich nicht nur auf Oper und Instrumentalmusik. Er schuf auch geistliche Werke: Messen, Kantaten, Oratorien, Requiems. Die Musik des Requiems (1791), das für Solisten, Chor und Orchester gedacht ist, ist zutiefst tragisch (Mozart arbeitete an der Komposition, als er bereits krank war, kurz vor seinem Tod). Die an Opernarien und Ensembles erinnernden Teile der Komposition machen die Musik sehr emotional und die polyphonen Teile (zuallererst „Herr, erbarme dich!“) verkörpern das spirituelle Prinzip, die höchste Gerechtigkeit. Hauptbild Requiem – ein leidender Mensch angesichts der harten göttlichen Gerechtigkeit. Der Meister hatte nie Zeit, das Requiem fertigzustellen; es wurde auf der Grundlage der Skizzen des Komponisten von seinem Schüler F.K. fertiggestellt. Zyusmayr.

Historisch gesehen umfasst die Wiener Schule das Werk Ludwig van Beethovens (1770–1827), dessen ästhetische Ideale sich während der Franzosenzeit entwickelten. bürgerliche Revolution. In diesem Zusammenhang floss ein heroisches Thema in sein Werk ein. „Musik soll Feuer aus der menschlichen Brust schlagen“ – das sind die Worte Deutscher Komponist Ludwig van Beethoven, dessen Werke zu den höchsten Errungenschaften der Musikkultur zählen.Musikalisch führte sein Werk einerseits die Traditionen des Wiener Klassizismus fort, andererseits erfasste es Züge des Neuen romantische Kunst. Vom Klassizismus in Beethovens Werken – Erhabenheit des Inhalts, hervorragende Beherrschung der musikalischen Formen, Anziehungskraft auf die Gattungen Symphonie und Sonate. Von der Romantik - ein mutiges Experiment auf dem Gebiet dieser Genres, Interesse an Gesangs- und Klavierminiaturen. Ludwig van Beethoven wurde in Bonn (Deutschland) in die Familie eines Hofmusikers geboren. Er begann mit Musik zu machen frühe Kindheit unter der Leitung seines Vaters. Der eigentliche Mentor Beethovens war jedoch der Komponist, Dirigent und Organist K.G. Nefe. Er lehrte an den jungen Musiker Grundlagen der Komposition, Unterricht im Klavier- und Orgelspiel. Ab seinem elften Lebensjahr fungierte Beethoven als Hilfsorganist in der Kirche, dann als Hoforganist und Korrepetitor an der Bonner Oper. Im Alter von achtzehn Jahren trat er an der Philosophischen Fakultät der Universität Bonn ein, schloss sein Studium jedoch nicht ab und absolvierte anschließend viel Autodidaktik. Im Jahr 1792 Beethoven zog nach Wien. Er nahm Musikunterricht bei J. Haydn, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (die größten Musiker dieser Zeit). Albrechtsberger machte Beethoven mit den Werken Händels und Bachs bekannt. Daher das brillante Wissen des Komponisten über musikalische Formen, Harmonie und Polyphonie. Beethoven begann bald, Konzerte zu geben; wurde bekannt. Er wurde auf der Straße erkannt und zu feierlichen Empfängen in die Häuser hochrangiger Persönlichkeiten eingeladen. Er komponierte viel: Er schrieb Sonaten, Konzerte für Klavier und Orchester, Sinfonien.

Lange Zeit war sich niemand bewusst, dass Beethoven von einer schweren Krankheit heimgesucht wurde – er begann, sein Gehör zu verlieren. Überzeugt von der Unheilbarkeit der Krankheit entschloss sich der Komponist 1802 zu sterben. verfasste ein Testament, in dem er die Gründe für seine Entscheidung erläuterte. Beethoven gelang es jedoch, die Verzweiflung zu überwinden und fand die Kraft, weiter Musik zu schreiben. Der Ausweg aus der Krise war die Dritte („Heroische“) Symphonie. 1803-1808 der Komponist arbeitete auch an der Entstehung von Sonaten; insbesondere die Neunte für Violine und Klavier (1803; dem Pariser Geiger Rudolf Kreutzer gewidmet und erhielt daher den Namen „Kreutzer“), die Dreiundzwanzigste („Appassionata“) für Klavier, die Fünfte und Sechste Symphonie (beide 1808). ). Die sechste Symphonie („Pastorale“) trägt den Untertitel „Erinnerungen an das Landleben“. Dieses Stück zeigt verschiedene Zustände menschliche Seele, für eine Weile von inneren Erfahrungen und Kämpfen zurückgezogen. Die Symphonie vermittelt die Gefühle, die beim Kontakt mit der Natur und dem Landleben entstehen. Sein Aufbau ist ungewöhnlich – fünf statt vier Teile. Die Symphonie enthält figurative und lautmalerische Elemente (Vögel singen, Donnergrollen usw.). Beethovens Erkenntnisse wurden später von vielen romantischen Komponisten genutzt. Der Höhepunkt von Beethovens symphonischem Schaffen war die Neunte Symphonie. Es wurde bereits 1812 konzipiert, der Komponist arbeitete jedoch von 1822 bis 1823 daran. Die Symphonie ist großartig; Besonders ungewöhnlich ist das Finale, das so etwas wie eine große Kantate für Chor, Solisten und Orchester darstellt, geschrieben nach dem Text der Ode „An die Freude“ von J.F. Schiller. Die Uraufführung der Symphonie fand 1825 statt. im Wiener Opernhaus. Um den Plan des Autors umzusetzen, reichte das Theaterorchester nicht aus; es mussten Laien eingeladen werden: vierundzwanzig Violinen, zehn Bratschen, zwölf Celli und Kontrabässe. Für ein klassisches Wiener Orchester war eine solche Komposition ungewöhnlich kraftvoll. Darüber hinaus umfasste jede Chorstimme (Bass, Tenor, Alt und Sopran) vierundzwanzig Sänger, was ebenfalls über die üblichen Normen hinausging. Zu Beethovens Lebzeiten blieb die Neunte Symphonie für viele unverständlich; Es wurde nur von denen bewundert, die den Komponisten genau kannten, seinen Schülern und musikaufgeklärten Zuhörern. Mit der Zeit wurde die Sinfonie in ihr Repertoire aufgenommen die besten Orchester Frieden und sie fand ein neues Leben.

Der Höhepunkt in der Entwicklung des musikalischen Klassizismus war also das Werk von Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven. Sie wirkten hauptsächlich in Wien und bildeten eine Richtung in der Musikkultur der zweiten Hälfte des 18. – frühen 19. Jahrhunderts – der Wiener Klassik. Beachten Sie, dass sich der Klassizismus in der Musik in vielerlei Hinsicht vom Klassizismus in der Literatur, im Theater oder in der Malerei unterscheidet. In der Musik kann man sich nicht auf alte Traditionen verlassen, da diese nahezu unbekannt sind. Darüber hinaus der Inhalt Musikalische Kompositionen oft mit der Welt der menschlichen Gefühle verbunden, die nicht der strengen Kontrolle des Geistes unterliegen. Die Komponisten der Wiener Klassik schufen jedoch ein sehr harmonisches und logisches Regelsystem für den Aufbau eines Werkes. Dank eines solchen Systems wurden die komplexesten Gefühle in eine klare und perfekte Form gekleidet. Leid und Freude wurden für den Komponisten zum Thema der Reflexion, nicht der Erfahrung. Und wenn in anderen Kunstgattungen die Gesetze des Klassizismus zu Beginn des 19. Jahrhunderts gelten. schien vielen veraltet, dann entwickelte sich in der Musik das System der Gattungen, Formen und Harmonieregeln Wiener Schule, behält immer noch seine Bedeutung.