Ballett als spektakuläre synthetische Kunst. Was ist Ballett? Klassisch und modern

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Modernes Ballett verwendet in großem Umfang andere Tanztechniken (vor allem Modern Dance und Jazz Dance) sowie Elemente der Gymnastik, Akrobatik, Kampfkunst und dergleichen.

Geschichte des Balletts

Die Geburt des Balletts

Am Anfang – als Tanzszene, vereint durch eine einzelne Handlung oder Stimmung, eine Episode in einer Musikaufführung oder Oper. Aus Italien entlehnt, blüht es in Frankreich als prächtiges zeremonielles Spektakel auf – das Hofballett. Als Beginn der Ballettära in Frankreich und auf der ganzen Welt gilt der 15. Oktober 1581, als am französischen Hof eine Aufführung stattfand, die als das erste Ballett gilt – „Das Komödienballett der Königin“ (oder „Circe“). ), inszeniert vom italienischen Geiger, „dem Oberintendanten der Musik“ Baltazarini de Belgioso. Die musikalische Grundlage der ersten Ballette waren höfische Tänze, die Teil davon waren alte Suite. In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts neu Theatergenres, wie Comedy-Ballett, Opernballett, in denen der Ballettmusik ein bedeutender Platz eingeräumt wird und versucht wird, sie zu dramatisieren. Aber auf unabhängige Weise darstellende Künste Das Ballett erlangte erst in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts dank der Reformen des französischen Choreografen Jean-Georges Noverre (1727-1810) Popularität. Basierend auf der Ästhetik der französischen Aufklärung schuf er Performances, deren Inhalte sich in dramatisch ausdrucksstarken Bildern offenbaren.

Weiterentwicklung des Balletts

Russisches Ballett

In Russland fand die erste Ballettaufführung am 8. Februar 1673 am Hofe des Zaren Alexei Michailowitsch im Dorf Preobraschenskoje bei Moskau statt. Die nationale Identität des russischen Balletts nahm Gestalt an Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert dank der Arbeit des französischen Choreografen Charles-Louis Didelot. Didelot stärkt die Rolle des Corps de Ballet, die Verbindung zwischen Tanz und Pantomime, und betont den Vorrang des Frauentanzes. Eine echte Revolution in der Ballettmusik vollzog Pjotr Iljitsch Tschaikowski, der das Continuous einführte symphonische Entwicklung, tiefer figurativer Inhalt, dramatische Ausdruckskraft. Die Musik seiner Ballette „Schwanensee“, „Dornröschen“, „Der Nussknacker“ erlangte zusammen mit der symphonischen Musik die Fähigkeit, den inneren Fluss der Handlung zu offenbaren, die Charaktere der Charaktere in ihrer Interaktion, Entwicklung zu verkörpern, und kämpfen. Der Beginn des 20. Jahrhunderts war geprägt von innovativen Suchen, dem Wunsch, Stereotypen und Konventionen zu überwinden akademisches Ballett 19. Jahrhundert...

Moderner Tanz

Terminologie

Zunächst wurden Ballettbegriffe aus Italien entlehnt, doch bereits im 18. Jahrhundert wurden Ballettvokabular und Namen von Tanzbewegungen (verschiedene) eingeführt pas, temps, sissonne, entrechat usw.) basierten auf der französischen Grammatik. Die meisten Begriffe geben direkt die spezifische Aktion an, die bei der Ausführung einer Bewegung ausgeführt wird (Strecken, Beugen, Öffnen, Schließen, Gleiten usw.), einige geben die Art der ausgeführten Bewegung an ( Fondu- schmelzen, Gargouillade- murmeln, Gala- feierlich), andere - für den Tanz, durch den sie entstanden sind (Pas Bourre, Pas Walzer, Pas Polka). Es gibt auch Begriffe, deren Namen ein bestimmtes visuelles Bild enthalten (z. B. Katzen - pas de chat, Fisch - pas de poisson, Schere - pas de ciseaux). Abseits stehen Begriffe wie Entrechat Royale(Der Legende nach gehörte die Urheberschaft dieses Sprunges Ludwig XIV., zu dessen Ehren er „königlich“ genannt wurde) und sissonne, dessen Erfindung François de Roissy, Graf von Sisson, zugeschrieben wird, der im 17. Jahrhundert lebte.

Ballett als Kunst

In seiner Entwicklung rückt das Ballett immer näher an den Sport heran und verliert dabei die dramatische Bedeutung der Rolle. Manchmal ist es technisch vorne, hinkt aber inhaltlich hinterher.

In Russland wurde bis zum 20. Jahrhundert die Ausbildung in Choreografie, Musik, Theater und verschiedenen angewandten Theaterberufen in einem durchgeführt Bildungseinrichtung- Kaiserliche Theaterschule. Abhängig von den Erfolgen der Kinder wurden diese identifiziert oder in die entsprechende Abteilung versetzt. Nach der Revolution von 1917 wurden die Schulen aufgeteilt und die Ballettausbildung begann autonom zu existieren. Gleichzeitig pflegten viele Theater ein gemischtes Repertoire: dramatische Aufführungen wechselten sich mit Operetten- und Ballett-Divertissements ab. Neben Produktionen am Bolschoi inszenierte Kasyan Goleizovsky beispielsweise Ballettaufführungen in „Die Fledermaus“ und im „Mamontovsky-Miniaturentheater“, darunter die Produktion „Les Tableaux vivants“, was „ein zum Leben erwecktes Bild“ bedeutet. , da Goleizovsky in erster Linie ein Künstler war. Dieses Phänomen entwickelt sich im modernen Ballett als „lebendes Gemälde“, „lebende Fotografie“ und „lebende Skulptur“.

Theaterkunst

Literatur zum Thema Ballett

Methodische Literatur Geschichte des Balletts Ballettstudien Ballettkritik Musikwissenschaftler Memoirenliteratur Bücher Buchreihe



Stimmformen

Einfache Formen

Komplexe Formen

Zyklische Formen

Polyphone Formen

Spezifische Formen des Europäischen Mittelalter und Renaissance

Spezifische Formen des Barock

Spezifische Formen der Epoche der Romantik

Formulare Musiktheater

Ein Auszug, der das Ballett charakterisiert

„Ich werde ihnen einen militärischen Befehl geben ... Ich werde gegen sie kämpfen“, sagte Nikolai sinnlos und erstickte vor unvernünftiger tierischer Wut und dem Bedürfnis, dieser Wut Luft zu machen. Ohne zu ahnen, was er unbewusst mit einem schnellen, entschlossenen Schritt tun würde, ging er auf die Menge zu. Und je näher er zu ihr kam, desto mehr hatte Alpatych das Gefühl, dass seine unvernünftige Tat gute Ergebnisse bringen könnte. Den Männern in der Menge ging es genauso, als sie seinen schnellen und festen Gang und sein entschlossenes, stirnrunzelndes Gesicht betrachteten.
Nachdem die Husaren das Dorf betraten und Rostow zur Prinzessin ging, herrschte Verwirrung und Zwietracht in der Menge. Einige Männer begannen zu sagen, dass diese Neuankömmlinge Russen seien und dass sie sich nicht darüber ärgern würden, dass sie die junge Dame nicht rausgelassen hätten. Drone war derselben Meinung; Doch sobald er es zum Ausdruck brachte, griffen Karp und andere Männer den ehemaligen Häuptling an.
– Wie viele Jahre isst du schon die Welt? - Karp schrie ihn an. - Dir ist es egal! Du gräbst das kleine Glas aus, nimmst es weg, willst du unsere Häuser zerstören oder nicht?
- Es hieß, es solle Ordnung herrschen, niemand solle die Häuser verlassen, um kein blaues Schießpulver herauszuholen - das ist alles! - schrie ein anderer.
„Es gab eine Warteschlange für deinen Sohn, und wahrscheinlich hast du deinen Hunger bereut“, sprach der kleine alte Mann plötzlich schnell und griff Dron an, „und du hast meine Vanka rasiert.“ Äh, wir werden sterben!
- Dann werden wir sterben!
„Ich bin kein Weltverweigerer“, sagte Dron.
- Er ist kein Verweigerer, ihm ist ein Bauch gewachsen!
Zwei lange Männer kamen zu Wort. Sobald sich Rostow in Begleitung von Iljin, Lawruschka und Alpatytsch der Menge näherte, trat Karp hervor, indem er leicht lächelnd die Finger hinter die Schärpe steckte. Die Drohne hingegen drang in die hinteren Reihen ein und die Menge rückte näher zusammen.
- Hey! Wer ist hier Ihr Häuptling? - schrie Rostow und näherte sich schnell der Menge.
- Der Häuptling also? Was brauchen Sie?... – fragte Karp. Doch bevor er zu Ende sprechen konnte, flog sein Hut weg und sein Kopf rutschte durch einen heftigen Schlag zur Seite.
- Hut ab, Verräter! - schrie Rostows vollblütige Stimme. -Wo ist der Häuptling? – schrie er mit hektischer Stimme.
„Der Häuptling, der Häuptling ruft ... Dron Zakharych, dich“, hier und da waren unterwürfige Stimmen zu hören, und ihnen wurden Hüte vom Kopf genommen.
„Wir können nicht rebellieren, wir sorgen für Ordnung“, sagte Karp und plötzlich sprachen mehrere Stimmen von hinten gleichzeitig:
- Wie die alten Leute murrten, es gibt viele von euch Chefs...
- Reden?.. Aufruhr!.. Räuber! Verräter! - Rostow schrie sinnlos mit einer Stimme, die nicht seine eigene war, und packte Karp am Yurot. - Strick ihn, strick ihn! - schrie er, obwohl außer Lawruschka und Alpatytsch niemand da war, der ihn strickte.
Lawruschka rannte jedoch auf Karp zu und ergriff von hinten seine Hände.
– Werden Sie unseren Leuten befehlen, unter dem Berg hervorzurufen? - schrie er.
Alpatych wandte sich an die Männer und rief zwei von ihnen beim Namen, um sich mit Karp zu paaren. Die Männer traten gehorsam aus der Menge hervor und begannen, ihre Gürtel zu lockern.
- Wo ist der Häuptling? - schrie Rostow.
Mit gerunzelter Stirn und blassem Gesicht tauchte die Drohne aus der Menge auf.
-Sind Sie der Häuptling? Strick, Lawruschka! - schrie Rostow, als ob dieser Befehl nicht auf Hindernisse stoßen könnte. Und tatsächlich begannen zwei weitere Männer, Dron zu fesseln, der, als ob er ihnen helfen würde, das Gericht abnahm und es ihnen gab.
„Und ihr hört mir alle zu“, wandte sich Rostow an die Männer: „Jetzt marschiert nach Hause, und zwar so, dass ich eure Stimme nicht höre.“
„Nun, wir haben keinen Schaden angerichtet.“ Das heißt, wir sind einfach nur dumm. Sie haben einfach Blödsinn gemacht ... Ich habe dir gesagt, dass es ein Durcheinander gibt“, hörte man Stimmen, die sich gegenseitig Vorwürfe machten.
„Das habe ich dir gesagt“, sagte Alpatych und kam zu sich selbst. - Das ist nicht gut, Leute!
„Unsere Dummheit, Jakow Alpatytsch“, antworteten die Stimmen, und die Menge begann sich sofort zu zerstreuen und im ganzen Dorf zu zerstreuen.
Die beiden gefesselten Männer wurden in den Hof des Herrenhauses gebracht. Zwei betrunkene Männer folgten ihnen.
- Oh, ich werde dich ansehen! - sagte einer von ihnen und wandte sich an Karp.
„Kann man so mit Herren reden?“ Was hast du gedacht?
„Du Narr“, bestätigte der andere, „wirklich, ein Narr!“
Zwei Stunden später standen die Karren im Hof von Bogutscharows Haus. Die Männer trugen zügig die Sachen des Meisters heraus und legten sie auf die Karren, und Dron wurde auf Wunsch von Prinzessin Marya aus dem Schließfach befreit, in dem er eingesperrt war, während er im Hof stand und den Männern Befehle gab.
„Lass sie nicht so schlecht werden“, sagte einer der Männer. großer Mann Mit einem runden, lächelnden Gesicht nahm er der Magd die Schachtel aus den Händen. - Es kostet auch Geld. Warum wirfst du es so oder ein halbes Seil – und es wird reiben. So gefällt es mir nicht. Und damit alles fair ist, im Einklang mit dem Gesetz. Einfach so unter die Matte legen und mit Heu bedecken, das ist das Wichtigste. Liebe!
„Suchen Sie nach Büchern, Büchern“, sagte ein anderer Mann, der die Bibliotheksschränke von Fürst Andrej herausnahm. - Nicht festhalten! Es ist schwer, Leute, die Bücher sind großartig!
- Ja, sie haben geschrieben, sie sind nicht gelaufen! – sagte der große Mann mit dem runden Gesicht mit einem deutlichen Augenzwinkern und zeigte auf die dicken Lexika, die oben lagen.

Rostow, der der Prinzessin seine Bekanntschaft nicht aufzwingen wollte, ging nicht zu ihr, sondern blieb im Dorf und wartete darauf, dass sie ging. Nachdem Rostow darauf gewartet hatte, dass die Kutschen der Prinzessin Marya das Haus verließen, setzte er sich zu Pferd und begleitete sie zu dem von unseren Truppen besetzten Weg, zwölf Meilen von Bogucharov entfernt. In Yankov, im Gasthaus, verabschiedete er sich respektvoll von ihr und erlaubte sich zum ersten Mal, ihr die Hand zu küssen.
„Schämst du dich nicht“, antwortete Prinzessin Marya errötend zum Ausdruck der Dankbarkeit für ihre Rettung (wie sie seine Tat nannte), „jeder Polizist hätte das Gleiche getan.“ Wenn wir nur mit den Bauern kämpfen müssten, hätten wir den Feind nicht so weit weggelassen“, sagte er, der sich für etwas schämte und versuchte, das Gespräch zu ändern. „Ich bin nur froh, dass ich die Gelegenheit hatte, Sie kennenzulernen.“ Lebe wohl, Prinzessin, ich wünsche dir Glück und Trost und wünsche dir, dich unter glücklicheren Bedingungen zu treffen. Wenn Sie mich nicht zum Erröten bringen wollen, danken Sie mir bitte nicht.
Aber die Prinzessin dankte ihm, wenn sie ihm nicht mit weiteren Worten dankte, mit dem ganzen Ausdruck ihres Gesichts, das vor Dankbarkeit und Zärtlichkeit strahlte. Sie konnte ihm nicht glauben, dass sie ihm nichts zu danken hatte. Im Gegenteil, für sie war sicher, dass sie, wenn er nicht existiert hätte, wahrscheinlich sowohl an den Rebellen als auch an den Franzosen gestorben wäre; dass er sich, um sie zu retten, den offensichtlichsten und schrecklichsten Gefahren aussetzte; und was noch sicherer war, war, dass er ein Mann mit einer hohen und edlen Seele war, der ihre Situation und ihren Kummer zu verstehen wusste. Seine freundlichen und ehrlichen Augen mit Tränen auf ihnen, während sie selbst weinend mit ihm über ihren Verlust sprach, ließen ihre Fantasie nicht los.
Als sie sich von ihm verabschiedete und allein gelassen wurde, spürte Prinzessin Marya plötzlich Tränen in ihren Augen und hier wurde ihr nicht zum ersten Mal eine seltsame Frage gestellt: Liebt sie ihn?
Auf dem Weg weiter nach Moskau bemerkte Dunyasha, die mit ihr in der Kutsche fuhr, trotz der Tatsache, dass die Situation der Prinzessin nicht glücklich war, mehr als einmal, dass die Prinzessin, die sich aus dem Kutschenfenster lehnte, freudig und traurig lächelte etwas.
„Nun, was wäre, wenn ich ihn lieben würde? - dachte Prinzessin Marya.
Obwohl sie sich schämte, sich einzugestehen, dass sie die erste war, die einen Mann liebte, der sie vielleicht nie lieben würde, tröstete sie sich mit dem Gedanken, dass das niemand jemals erfahren würde und dass es nicht ihre Schuld wäre, wenn sie bliebe ohne dass jemand für den Rest ihres Lebens davon sprach, die Person zu lieben, die sie zum ersten und letzten Mal liebte.
Manchmal erinnerte sie sich an seine Ansichten, seine Teilnahme, seine Worte, und es schien ihr, dass Glück nicht unmöglich war. Und dann bemerkte Dunyasha, dass sie lächelte und aus dem Wagenfenster schaute.
„Und er musste nach Bogutscharowo kommen, und zwar in diesem Moment! - dachte Prinzessin Marya. „Und seine Schwester hätte Prinz Andrei ablehnen sollen!“ „Und in all dem sah Prinzessin Marya den Willen der Vorsehung.
Der Eindruck, den Prinzessin Marya auf Rostow machte, war sehr angenehm. Als er sich an sie erinnerte, wurde er fröhlich, und als seine Kameraden, nachdem sie von seinem Abenteuer in Bogutscharowo erfahren hatten, ihm scherzten, dass er, nachdem er Heu geholt hatte, eine der reichsten Bräute Russlands abgeholt hatte, wurde Rostow wütend. Er war gerade deshalb wütend, weil ihm gegen seinen Willen mehr als einmal der Gedanke in den Sinn kam, die sanftmütige Prinzessin Marya zu heiraten, die ihm angenehm war und über ein riesiges Vermögen verfügte. Für sich persönlich konnte sich Nikolai keine bessere Frau als Prinzessin Marya wünschen: Sie zu heiraten würde die Gräfin – seine Mutter – glücklich machen und die Angelegenheiten seines Vaters verbessern; und sogar – Nikolai spürte es – hätte Prinzessin Marya glücklich gemacht. Aber Sonya? UND gegebenes Wort? Und deshalb wurde Rostow wütend, als sie Witze über Prinzessin Bolkonskaja machten.

Nachdem er das Kommando über die Armeen übernommen hatte, erinnerte sich Kutusow an Fürst Andrei und sandte ihm den Befehl, in die Hauptwohnung zu kommen.
Prinz Andrei traf genau an dem Tag und genau zu der Tageszeit in Zarewo Zaimishche ein, als Kutusow die erste Truppenüberprüfung vornahm. Prinz Andrei hielt im Dorf beim Haus des Priesters an, wo die Kutsche des Oberbefehlshabers stand, und setzte sich auf eine Bank am Tor und wartete auf Seine Durchlaucht, wie jetzt alle Kutusow nannten. Auf dem Feld außerhalb des Dorfes konnte man entweder die Klänge der Regimentsmusik hören oder das Gebrüll einer großen Anzahl von Stimmen, die dem neuen Oberbefehlshaber „Hurra!“ zuriefen. Genau dort am Tor, zehn Schritte von Prinz Andrei entfernt, standen zwei Pfleger, ein Kurier und ein Butler, die Abwesenheit des Prinzen und das schöne Wetter ausnutzend. Schwärzlich, mit Schnurrbärten und Koteletten überwuchert, ritt der kleine Oberstleutnant der Husaren zum Tor und fragte Prinz Andrei mit einem Blick: Steht Seine Durchlaucht hier und wird er bald dort sein?
Prinz Andrei sagte, dass er nicht zum Hauptquartier Seiner Durchlaucht gehöre und auch ein Besucher sei. Der Husaren-Oberstleutnant wandte sich an den klugen Pfleger, und der Pfleger des Oberbefehlshabers sagte zu ihm mit jener besonderen Verachtung, mit der die Pfleger des Oberbefehlshabers zu Offizieren sprechen:
- Was, Mylord? Es muss jetzt sein. Was willst du?
Der Husaren-Oberstleutnant grinste im gleichen Tonfall wie der Ordonnanz in seinen Schnurrbart, stieg von seinem Pferd, gab es dem Boten und näherte sich Bolkonsky, wobei er sich leicht vor ihm verneigte. Bolkonsky stand abseits auf der Bank. Der Husarenoberstleutnant setzte sich neben ihn.
– Warten Sie auch auf den Oberbefehlshaber? - Es sprach der Husaren-Oberstleutnant. – Govog“yat, es ist für jeden zugänglich, Gott sei Dank gibt es Ärger mit den Wurstherstellern. Erst vor kurzem hat sich Yeg „molov“ bei den Deutschen niedergelassen. Jetzt wird es vielleicht möglich sein, auf Russisch zu sprechen, sonst weiß niemand, was sie getan haben. Alle zogen sich zurück, alle zogen sich zurück. Hast du die Wanderung gemacht? – fragte er.
„Ich hatte das Vergnügen“, antwortete Prinz Andrei, „nicht nur an den Exerzitien teilzunehmen, sondern bei diesen Exerzitien auch alles zu verlieren, was mir lieb war, ganz zu schweigen von Eigentum und.“ heim... ein Vater, der vor Kummer starb. Ich komme aus Smolensk.
- Äh?... Sind Sie Fürst Bolkonski? Es ist großartig, Oberstleutnant Denisov, besser bekannt als Vaska, kennenzulernen“, sagte Denisov, schüttelte Prinz Andrei die Hand und blickte Bolkonsky mit besonders freundlicher Aufmerksamkeit ins Gesicht. „Ja, ich habe es gehört“, sagte er mitfühlend und sagte nach kurzem Schweigen. Fortsetzung: – Das ist der Skythenkrieg. Es ist alles gut, aber nicht für diejenigen, die die Verantwortung für sich übernehmen. Und Sie sind Prinz Andgey Bolkonsky? - Er schüttelte den Kopf. „Es ist die Hölle, Sie kennenzulernen“, fügte er erneut mit einem traurigen Lächeln hinzu und schüttelte die Hand.

Sie gilt zu Recht als die höchste Stufe der choreografischen Kunst, bei der der Tanz zur musikalischen Bühnenaufführung wird. Diese Kunstform hat ihren Ursprung in XV-XVI Jahrhunderte, viel später als der Tanz. Ursprünglich handelte es sich um eine höfische Adelskunst. Der Tanz ist das wichtigste Ausdrucksmittel im Ballett, doch die dramatische Grundlage, die Szenografie sowie die Arbeit der Kostüm- und Lichtdesigner sind von erheblicher Bedeutung.

Klassisches Ballett ist ein Erzähltanz, bei dem Tänzer durch den Tanz immer eine Geschichte erzählen. Das klassische mehraktige Ballett widmet sich traditionell Mythen, Märchen, historische Themen. Genreproduktionen kann heroisch, komisch, folkloristisch sein.

Der Ursprung des Namens ist entweder das lateinische ballo – „Tanzen“ oder das französische balleto, das die gleiche Bedeutung hat.

Unter Ballett versteht man sowohl eine Tanzaufführung als auch eine Form der Theater- und Musikkunst, bei der mit Hilfe von Plastizität und Choreographie ausdrucksstarke künstlerische Bilder entstehen.

Die Theatralisierung des Tanzes begann in Italien im 15. Jahrhundert, als Tanzmeister begannen, auf Volkstänzen basierende Hof- und Gesellschaftstänze zu kreieren.

Erstes Ballett

Die erste Ballettinszenierung, die Tanz, Musik, Pantomime und Sprache kombinierte, wurde 2010 am Hofe von Katharina von Medici in Frankreich aufgeführt spätes XVI Jahrhundert. Es hieß „Circe und die Nymphen“ und wurde von Baltazarini di Belgioioso inszeniert, einem wunderbaren Choreografen und Geiger, der mit seinem Geigerorchester aus Italien angereist war.

Es war eine Produktion mit alte Handlung, was den Beginn der Entwicklung des französischen Hofballetts markierte. Zwischenspiele, Pastorale, Maskeraden und Tanzdivertissements wurden schnell zum Höhepunkt höfischer Feste.

Die wichtigsten Kanons des Balletts, zusammengestellt von Pierre Beauchamp

Jeder Tanz basiert auf bestimmte Regeln, und der Tanz verwandelte sich in Ballett, als der Choreograf Pierre Beauchamp die Kanons einer edlen Tanzart beschrieb.

Beauchamp teilte die Bewegungen des Tänzers in Gruppen ein – Sprünge, Kniebeugen, verschiedene Körperpositionen und Rotationen. Diese Art der Tanzkunst basierte auf dem Prinzip der Eversion der Beine, wodurch sich der Körper in verschiedene Richtungen bewegen konnte. Die oben genannten Bewegungen wurden basierend auf drei Armpositionen und fünf Beinpositionen ausgeführt.

Entwicklung des Balletts

Von diesem Moment an begann die Entwicklung des Balletts, das im 18. Jahrhundert zu einer eigenständigen Kunst wurde.

Die Entwicklung von Ballettschulen beginnt in ganz Europa und erreicht Russland, wo 1738 in St. Petersburg das Russische Kaiserballett gegründet wurde.

Die frühen Tänzer hatten es schwer – sie trugen sehr komplexe Kostüme und schwere Röcke erschwerten ihre Bewegungen. Doch nach und nach veränderte sich das Kostüm – die Ballettschuhe verloren ihre Absätze, die Kleidung der Ballerinas wurde leicht und luftig.

Choreografen brachten den Tänzern bei, Emotionen mit Gestik und Mimik auszudrücken, mythologische Geschichten wurden durch Geschichten über ferne Länder ersetzt, Liebesgeschichten und Märchen. In dieser Form hat sich das klassische Ballett bis heute als eine der schönsten Formen der Tanzkunst erhalten.

Ballett ist ein Genre der Instrumental- und Theatermusik. Übersetzt aus Italienische Sprache das Wort „Ballett“ bedeutet „Tanz“. Ein Ballett besteht aus drei Hauptkomponenten: Solisten, einem Corps de Ballet (ein Corps de Ballet ist eine Gruppe von Tänzern. Es kann mit einem Chor in einer Oper verglichen werden) und einem Orchester. Wie hängt Tanz mit Theater zusammen? Es ist ganz einfach. Im Herzen jedes Balletts liegt etwas literarisches Werk.

Wie eine Theateraufführung hat auch ein Ballett ein eigenes Drehbuch, das jedoch „Libretto“ genannt wird. Das Libretto ist nur für Ballett und Oper geschrieben. Der Autor überarbeitet ein literarisches Werk, nimmt einige Änderungen daran vor, ohne jedoch den Ablauf der Ereignisse zu stören und alle Charaktere zu bewahren. Wenn das Libretto fertig ist, schreibt der Komponist die Musik und kreiert so ein Ballett. Anschließend choreografieren professionelle Choreografen die Tänze. Jetzt müssen die Tänzer nur noch ihre Rollen lernen.

Im Ballett gibt es wie im Theater Kostüme und Bühnendekorationen. All dies soll es dem Zuschauer erleichtern, die Helden in den Schauspielern zu erkennen und zu erkennen.

Im Ballett gibt es die gleichen Schauspieler wie in Theateraufführungen und in der Oper, nur singen in der Oper die Figuren ihre Monologe und Dialoge, aber im Ballett wird alles durch Bewegung und Tanz vermittelt. Die Charaktere kommunizieren durch Tanz, erzählen dem Betrachter von ihren Erlebnissen, teilen ihre Gedanken ...
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Einführung

1. Ballett vor 1900
1.1 Ursprünge des Balletts als Hofaufführung
1.2 Ballett im Zeitalter der Aufklärung
1.3 Romantisches Ballett
2. Ballett des 20. Jahrhunderts.
2.1 Russisches Ballett S.P. Diaghilew
2.2 Ballett in den USA
3. Weltballett
3.1 Großbritannien
3.2 Sowjetrußland und andere länder
3.3 Frankreich
3.4 Deutschland
Abschluss
Liste der verwendeten Literatur

Einführung

Ballett - Ansicht Theaterkunst, wobei das Hauptausdrucksmittel der sogenannte „klassische“ (historisch etablierte, einem strengen Regelwerk unterworfene) Tanz ist; ein szenisches Werk, das zu dieser Kunstform gehört.

Die Handlung des Balletts wird im Libretto (Drehbuch) dargestellt. Basierend auf dem Libretto wird Musik geschrieben, die den emotionalen und semantischen Inhalt des Werkes zum Ausdruck bringt, anschließend entstehen Tanz- und Pantomimekulissen sowie Kostüme. An der Entstehung des Balletts sind ein Drehbuchautor, Komponist, Choreograf und Künstler beteiligt. Es gibt auch Ballette ohne Handlung, bei denen die Choreographie ausschließlich den Inhalt der Musik zum Ausdruck bringt. Oftmals wird im Ballett Musik verwendet, die der Komponist ursprünglich nicht für den Tanz gedacht hatte (Scheherazade von Rimsky-Korsakov, Karneval von Schumann usw.). Tanz ist der Hauptbestandteil Ballettaufführung. Das Ballett umfasst klassische Tänze und Charaktertänze, Gesellschaftstänze, Volkstänze und teilweise auch akrobatische und rhythmisch-plastische Tänze. Es gibt Aufführungen, die nur auf Klassik basieren oder nur auf charakteristischer Tanz, sondern im modernen Westernballett.

Das Ballett entstand während der Renaissance an den Fürstenhöfen Italiens und verbreitete sich mit zunehmender Popularität und verbesserten Aufführungstechniken in ganz Europa und eroberte später auch Nord- und Südamerika, Asien und Australien.

Während des größten Teils des 18. Jahrhunderts. Ballett entwickelte sich hauptsächlich in Italien; zu Beginn des 19. Jahrhunderts Frankreich und später Russland wurden für ihre Balletttruppen berühmt. Im 20. Jahrhundert Ballett nahm einen starken Platz auf den Bühnen der USA (insbesondere in New York), Großbritanniens und Großbritanniens ein die Sowjetunion.

Ziel des Aufsatzes ist es, die Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte des Balletts als Form der Theaterkunst nachzuzeichnen.

Die Aufgabe besteht darin, die Literatur zum Thema des Aufsatzes zu studieren und zu analysieren.

1. Ballett vor 1900

1.1 Ursprünge des Balletts als Hofaufführung

Am Ende des Mittelalters legten die italienischen Fürsten großen Wert auf prachtvolle Palastfeste. Der Tanz nahm in ihnen einen wichtigen Platz ein, wodurch der Bedarf an professionellen Tanzmeistern entstand.

Das Können der frühen italienischen Tanzlehrer beeindruckte die edlen Franzosen, die die Armee von Karl VIII. begleiteten, als dieser 1494 nach Italien einmarschierte und seinen Anspruch auf den Thron des Königreichs Neapel erhob. Infolgedessen wurden italienische Tanzmeister an den französischen Hof eingeladen. Der Tanz blühte während der Ära von Katharina von Medici auf, der Ehefrau von Heinrich II. (reg. 1547–1559) und Mutter von Karl IX. (reg. 1560–1574) und Heinrich III. (reg. 1574–1589). Auf Einladung von Katharina von Medici inszenierte der Italiener Baldasarino di Belgioioso (in Frankreich wurde er Balthazar de Beaujoyeux genannt) Hofaufführungen, von denen die berühmteste das Komödienballett der Königin (1581) hieß und allgemein als die erste Ballettaufführung gilt in der Geschichte des Musiktheaters. Während der Regierungszeit der drei französischen Könige Heinrich IV. (1533-1610), Ludwig XIII. (1601-1643) und Ludwig im Rahmen des Hofballetts. In England im gleichen Zeitalter, d.h. Während der Regierungszeit von Elisabeth I. fand ein ähnlicher Prozess statt, der in den Produktionen des sogenannten Ausdruck fand. Masken vor Gericht in Whitehall. In Italien wurde die Technik des professionellen Tanzes weiter bereichert und es erschienen die ersten Tanzwerke (Il Ballarino von Fabrizio Caroso, 1581 und Le Gratie d'Amore von Cesare Negri, 1602).

Mitte des 17. Jahrhunderts. Es kam zu einer Abkehr von den strengen Formen des Hofballetts. Balletttänzer traten nun auf einer über das Saalniveau erhöhten und vom Publikum getrennten Bühne auf, wie es beispielsweise im zu Beginn des 17. Jahrhunderts von Kardinal Richelieu erbauten Theater der Fall war. Dieses Theater im italienischen Stil befand sich in seinem Palast und verfügte über ein Proszenium, das zusätzliche Möglichkeiten zur Schaffung von Bühnenillusionen und spektakulären Effekten bot. So entstand eine rein theatralische Tanzform.

Während der Herrschaft Ludwigs XIV. erreichten die Hofballettaufführungen sowohl in Paris als auch im Schloss Versailles besonderen Glanz. Der „Sonnenkönig“ trat unter anderem als Sonne im Ballett der Nacht (1653) auf.

Viele der bis heute erhaltenen Merkmale von Balletttänzen erklären sich aus den Ursprüngen des Balletts und dem Verhaltensstil seiner ersten Darsteller – Höflingen, die in edlen Manieren ausgebildet wurden. Alle Adligen waren mit der Kunst des Fechtens vertraut und viele ihrer Techniken wurden beim Tanzen verwendet: zum Beispiel das „Herausdrehen“, d. h. eine Stellung der Beine, bei der sie von der Hüfte bis zum Fuß nach außen gedreht sind. Auch die erforderlichen Positionen der Beine, des Kopfes und der Arme im Ballett ähneln denen des Fechters.

Im Jahr 1661 gründete Ludwig XIV. die Königliche Akademie für Musik und Tanz, die 13 führende Tanzmeister vereinte, deren Aufgabe es war, Tanztraditionen aufrechtzuerhalten.

1.2 Ballett im Zeitalter der Aufklärung

Im 18. Jahrhundert Beide Tanzstile – edel und virtuos – entwickelten sich schnell. Auf dem Gebiet des Theatertanzes traten Meister auf, die ihre eigenen bildeten individueller Stil. Neben Dupre gab es den brillanten Gaetan Vestris (1729–1808), den hochtechnischen Pierre Gardel (1758–1840) und den Erneuerer Auguste Vestris (1760–1842), die sich hervortaten ungewöhnliches Aussehen und phänomenale Höhe (d. h. die Fähigkeit, hoch zu springen). Einfachere und leichtere Kleidung, die am Vortag in Mode kam Französische Revolution, gab größere Freiheit bei der Ausführung von Pirouetten und Hebungen (besondere Sprungbewegungen) und die Leidenschaft dafür wurde universell, was die Anhänger der Tradition irritierte.

Noch bedeutsamer für die Entwicklung des Balletts als die Entwicklung der Technik war jedoch die durch die Aufklärung hervorgerufene neue Haltung gegenüber dieser Kunst. Es kam zu einer Trennung von Ballett und Oper und es entstand eine neue Art der Theateraufführung, bei der Tanz und Pantomime die Ausdrucksmittel waren. Jean Georges Noverre (1727-1810) war der bedeutendste Choreograf dieser Bewegung, nicht nur ein innovativer Praktiker, sondern auch Autor sehr überzeugender Publikationen. Seine „Letters on Dance and Ballets“ (1760) legten den ästhetischen Grundstein der Ballettkunst und viele seiner Aussagen sind auch heute noch aktuell. Noverre wurde in den 1760er Jahren als Regisseur zahlreicher Ballets d'Action, „effektiver Ballette“ (also Ballette mit Handlung), in Stuttgart berühmt und wurde 1776 nach Überwindung erheblicher Schwierigkeiten als Choreograf eingeladen gelang es ihm, das Ballett als eigenständige Aufführungsform in diesem berühmten Opernhaus zu etablieren.

Das Ballett verbreitete sich in ganz Europa. Bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts. Fürstliche Höfe versuchten überall, den Luxus von Versailles nachzuahmen; gleichzeitig wurden in vielen Städten Opernhäuser eröffnet, so dass Tänzer und Tanzlehrer, deren es immer mehr gab, problemlos eine Anstellung fanden. Nicht nur in Frankreich, sondern auch in anderen Ländern schlugen Choreografen Innovationen vor, die für die Entwicklung des Balletts wichtig waren. In Österreich war Franz Hilferding (1710–1768) einer der ersten, der Inszenierungen schuf, bei denen die Handlung durch Mimik und Tanz dargestellt wurde. Der italienische Lehrer Gennaro Magri veröffentlichte ein ausführliches Lehrbuch über den Theatertanz, wie er in den letzten Jahren vor dem Sturz des alten Regimes in Frankreich entstand.

Als die Revolution von 1789 ausbrach, hatte sich das Ballett bereits als besondere Kunstform etabliert. Das Publikum gewöhnte sich an die Konventionen der Bühnenmimik, und der Tanz befreite sich unter dem Einfluss der Ideen der Aufklärung von der Künstlichkeit, gegen die Noverre kämpfte. Ballett wurde nicht mehr als Phänomen des höfischen Lebens wahrgenommen.

Der russische Einfluss zeigte sich darin, dass Charles Louis Didelot, der zuvor als Choreograf in St. Petersburg gearbeitet hatte, eingeladen wurde, sein berühmtestes Ballett Flora und Zephyr (Musik von K.A. Kavos) an der Pariser Oper aufzuführen. Als Didelot nach St. Petersburg zurückkehrte und dort mehrere Jahre lang arbeitete, hinterließ er dem Theater nicht nur ein riesiges neues Repertoire, darunter auch Ballette, die auf russischen Themen basieren Kaukasischer Gefangener(Musik von Kavos, 1823), aber auch hohes Niveau Unterricht an einer Ballettschule, die später als die beste der Welt anerkannt wurde.

In den 1790er Jahren wurde das Ballettkostüm der Frauen unter dem Einfluss der modernen Mode viel leichter und lockerer, so dass die Linien des Körpers darunter sichtbar waren; Gleichzeitig verzichteten sie auf Schuhe mit Absätzen und ersetzten sie durch leichte Schuhe ohne Absatz.

1.3 Romantisches Ballett

Als in Europa Frieden herrschte (1815), war eine neue Generation herangewachsen, die sich kaum für die Vergangenheit interessierte. Was der Vorzeit innewohnte, geriet in Vergessenheit, eine neue Ästhetik der Romantik entstand, die sich auf alle Künste ausdehnte. Die Romantik zerstörte nicht nur alte Formen, die veraltet und unpassend schienen, sondern suchte nach neuen Inspirationsquellen. Junge romantische Künstler wandten sich übernatürlichen und exotischen Phänomenen zu; sie wurden von der Kultur ferner Länder und der uralten Antike angezogen. Besonders beeindruckend waren die ersten Erscheinungsformen der Romantik, die das Ballett länger als viele andere Formen der Theaterkunst von ihr beeinflusste.

Unter dem Einfluss von Maria Taglioni (1804-1884) veränderten sich viele Vorstellungen über die Kunst des Balletts völlig. Mit ihrem Auftritt in La Sylphide (1832), choreografiert von ihrem Vater, öffnete sie die Bühne für eine neue Art von Ballettheldin: den ätherischen Gast aus andere Welt. Ihr Tanz hatte eine Anmut, die zur Erschaffung dieses idealen Wesens beitrug. Obwohl Taglioni nicht die erste war, die sich auf die Finger drückte, wie Historiker immer wieder fälschlicherweise behaupteten, gelang es ihr, das, was ihr nur als Trick vorlag, in ein ausdrucksstarkes Mittel zur Vermittlung der besonderen Eigenschaften zu verwandeln, die flüchtigen, ätherischen Bildern innewohnen.

Die Musik der meisten Ballette der Romantik wurde von Komponisten geschrieben, die sich auf leichte Genres spezialisiert hatten. Der bedeutendste unter ihnen war A. Adam, der Autor der Musik von Giselle und der Korsar. Ballettmusik wurde damals auf Bestellung geschrieben, und man ging nicht davon aus, dass es sich um ein Werk handelte, das ernst genug war, um in Konzerten aufgeführt zu werden; Die für den Tanz gedachten Passagen waren melodisch und ihr Aufbau war einfach, während die Musik die Episoden lediglich begleiten und schaffen sollte allgemeine Stimmung Leistung.

Der Niedergang des europäischen Balletts, der Aufstieg des Balletts in Russland. Mitte des 19. Jahrhunderts begann die Flamme der Romantik zu erlöschen. Das Ballett war immer noch erfolgreich, allerdings hauptsächlich als Spektakel mit hübschen Frauen. In Paris bewahrten Joseph Mazilier (1801-1868) und Saint-Léon das Ansehen der Oper bis zum Fall des Zweiten Kaiserreichs im Jahr 1870. Maziliers Le Corsaire (1856, Musik von Adan) und Saint-Léons letzte Inszenierung von Coppelia (1870). , Musik von L. Delibes) waren die höchsten Errungenschaften dieser Zeit, als die Franzosen Balletttänzer ausländische Stars beiseite geschoben. überwiegend Italiener. Die Ausnahme bildete Emma Livry (1842-1863), eine Schülerin von Maria Taglioni, die jedoch im Alter von 21 Jahren an Verbrennungen starb (ihr Ballettkostüm fing durch eine Kerze auf der Bühne Feuer). Sylvie (1876, Musik von Delibes) ist das einzige erhaltene französische Ballett aus dieser Zeit.

In London verschwand das Ballett damals praktisch von den Bühnen der Opernhäuser und fand Zuflucht in den Varietés. Künstlerischer Wert Die Popularität dieser Aufführungen war nicht immer hoch, aber sie verschafften dem Ballett die Liebe des Publikums. Ende des 19. Jahrhunderts. Von besonderer Bedeutung war die Teilnahme der bemerkenswerten Ballerina dänischer Herkunft Adeline Genet (1878-1970). Italien blieb zu dieser Zeit das Zentrum, aus dem nach wie vor Ballerinas hervorgingen, die das Publikum mit ihrer technischen Perfektion begeisterten. Die berühmteste von ihnen, Virginia Zucchi (1847-1930), wurde jedoch weniger wegen ihrer Virtuosität als vielmehr wegen der dramatischen Intensität ihres Spiels berühmt, die sie auf eine Stufe mit den berühmten Schauspielern ihrer Zeit stellte.

Russisches Ballett Diaghilew Welt

2. Ballett 20 V.

2.1 Russisches Ballett S.P. Diaghilew

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. ständige Balletttruppen arbeiteten in Dänemark und Frankreich, aber das choreografische Theater erreichte seine wahre Blüte erst in Russland. Bald begann sich das Ballett von Russland aus in ganz Europa, Amerika, Asien und der ganzen Welt zu verbreiten. Bemerkenswert an seiner Entwicklung war in der Mitte des Jahrhunderts die außergewöhnliche Stilvielfalt: Jeder Choreograf bzw künstlerischer Leiter Die Truppe bot ihren eigenen Ansatz.

Politische und soziale Veränderungen in Russland zu Beginn des 20. Jahrhunderts. wirkte sich auch auf das Ballett aus. MM. Fokine, eine Absolventin der St. Petersburger Theaterschule, die eng mit dem Mariinski-Theater verbunden ist, lernte ihren natürlichen und unendlich wandelbaren Tanz während der ersten Russlandtournee von Isadora Duncan (1877–1927) in den Jahren 1904–1905 kennen. Allerdings hatte er schon vorher Zweifel an der Unverletzlichkeit der strengen Regeln und Konventionen, die M. Petipa in seinen Inszenierungen leiteten. Fokin kam den Künstlern des Mariinsky-Theaters nahe, die nach Veränderung strebten, sowie einer Gruppe von Künstlern, die mit S.P. verbunden waren. Diaghilew (1872-1929), zu dem auch A.N. Benoit und L.S. Bakst. In ihrem Magazin „World of Art“ präsentierten diese Künstler Innovatives künstlerische Ideen. Sie engagierten sich gleichermaßen für die nationale russische Kunst, insbesondere ihre volkstümlichen Formen, und für akademische Strömungen wie die Musik Tschaikowskys. Obwohl die Tänzer des Mariinsky-Theaters und Moskaus Bolschoi-Theater und reiste zuvor ins Ausland, doch Westeuropa erlangte dank der Organisation von S.P. erst 1909 ein umfassendes Verständnis ihrer Kunst und der seltenen Schönheit russischer Aufführungen. Diaghilew zur Pariser „Russischen Saison“. In den nächsten 20 Jahren trat die russische Balletttruppe Diaghilev hauptsächlich in auf Westeuropa, manchmal im Norden und Südamerika; Ihr Einfluss auf die Weltballettkunst ist enorm.

Die Tänzer der russischen Balletttruppe kamen aus dem Mariinski-Theater und dem Bolschoi-Theater: Anna Pawlowa, Tamara Karsawina, Waslaw Nijinsky, Adolf Bolm (1884-1951) usw. Künstler aus Diaghilews Kreis komponierten das Libretto, schufen Bühnenbilder und Kostüme und Gleichzeitig wurde neue Musik geschrieben.

Erste Weltkrieg und die Oktoberrevolution beraubte Diaghilew der Möglichkeit, in seine Heimat zurückzukehren. Doch seine Verbindungen zu Künstlerkreisen in Europa sowie zu Emigranten aus Russland wurden immer enger. Zu seiner Truppe gehörten Künstler, die in Ateliers in Paris und London ausgebildet wurden.

Anna Pawlowa nahm am ersten Diaghilew-Ballett „Russische Saison“ teil und gründete dann ihre eigene Kompanie mit Sitz in London, reiste aber um die Welt und besuchte sogar die fernen Länder, die Diaghilews Truppe nicht erreichte. Diese große Künstlerin und Frau von seltenem Charme überraschte Tausende von Zuschauern mit ihrer Aufführung von Fokines „Sterbender Schwan“ (1907, zur Musik von C. Saint-Saëns), die zum Symbol ihrer gefühlvollen Kunst wurde.

2.2 Ballett in den USA

Ende des 19. Jahrhunderts. Ballettszenen konnte nur in der Zusammensetzung von Aufführungen namens „Extravaganza“ gesehen werden, die noch auf der amerikanischen Bühne erhalten blieben. Sie waren luxuriös eingerichtet musikalische Darbietungen, die auf den Bühnen von Opernhäusern nach der eigentlichen Oper stattfand, so dass der Tanzteil der Aufführung etwa um 11 oder 12 Uhr begann. Opernhäuser luden Ballerinas aus Europa ein, in diesen Balletten Hauptrollen zu spielen, und einige von ihnen blieben, um in Amerika zu unterrichten. Also rein verschiedene Städte Schulen und kleine Amateurtruppen traten auf. Russische Künstler, die in den Balletttheatern von Diaghilew oder Anna Pawlowa arbeiteten, begannen, Studios in Amerika zu eröffnen, wie Adolf Bolm, Michail Mordkin (1880-1944) und Fokine.

Eine Reihe von Kompanien, die in Europa in der Hoffnung gegründet wurden, Diaghilews Leistungen nachzuahmen, beeinflussten das amerikanische Ballett. Eines davon, das eine Zeit lang den Namen „Russisches Ballett von Colonel de Basil“ trug, wurde 1933 in den USA aufgeführt, wo es vom berühmten Impresario Sol Hurok vertreten wurde. Eine andere Truppe, die historisch mit der genannten Truppe verbunden war und den Namen „Russisches Ballett von Monte Carlo“ trug, ließ sich irgendwann in den Vereinigten Staaten nieder. 1942 inszenierte Agnes de Mille (1909-1993) hier das Ballett Rodeo und 1946 Balanchine La Sonnambula, danach existierte das Ensemble bis in die frühen 1960er Jahre als Wanderkompanie. Die ersten in Amerika gegründeten Ballettkompanien entstanden in den 1930er Jahren: das Littlefield Ballet in Philadelphia und das San Francisco Ballet. Die beiden größten amerikanischen Balletttheater – das New York City Ballet und das American Ballet Theatre – entstanden als Ergebnis des Zusammenspiels russischer Tradition und amerikanischer Unternehmungslust und Beharrlichkeit, die im ersten Fall von L. Kirstein und im zweiten von gezeigt wurden Lucia Chase.

Amerikanisches Balletttheater. Im Jahr 1939 gründete Lucia Chase (1897–1986), eine wohlhabende Witwe, die bei M. Mordkin klassischen Tanz studierte, zusammen mit dem Unternehmer Richard Pleasant (1906–1961) und dem Künstler Oliver Smith (1918–1994) eine Balletttruppe zunächst „Balle Theatre“ genannt, 1956 „American Ballet Theatre“. Der erste Auftritt der Kompanie fand im Januar 1940 statt. In den Anfangsjahren wurden traditionelle Ballette wie Fokines La Sylphide (Chopinian) sowie Produktionen mit modernem und ethnischem Tanz aufgeführt. Um ihr Repertoire zu bereichern, lockte Chase verschiedene Choreografen, einschließlich Fokine und Balanchine. Zum Repertoire gehörten insbesondere die für andere Kompanien inszenierten Ballette Rodeo von Agnes de Mille und Billy's Boy von Eugene Loring (beide zur Musik von A. Copland).

Die dramatischen Ballette des englischen Choreografen Anthony Tudor sind aus dem American Ballet Theatre nicht mehr wegzudenken.

Die Vielfalt des Repertoires des American Ballet Theatre erforderte die Anwesenheit von Tänzern in der Truppe, die sowohl über brillante klassische Technik als auch über dramatisches Talent verfügten. IN frühe Jahre dies waren Alicia Alonso (geb. 1921), Nora Kay, John Kriza (1919–1975), Igor Yuskevich (1912–1994) und Alicia Markova (geb. 1910); ihnen folgten Tony Lander (1931-1985), Sally Wilson (geb. 1932), Bruce Marks (geb. 1937), Roy Fernandez (1929-1980), Lupe Serrano (geb. 1930), Scott Douglas (1927-1996). , Cynthia Gregory (geb. 1946), Martina Van Hamel (geb. 1945), Fernando Bujones (geb. 1955) und Gelsey Kirkland (geb. 1952).

Das Dance Theatre of Harlem wurde 1968 vom ehemaligen New Yorker Balletttänzer Arthur Mitchell (geb. 1934) gegründet, um gegen die Ermordung von Martin Luther King zu protestieren, und die Truppe begann 1971 mit Auftritten. Sie wollte beweisen, dass afroamerikanische Tänzer ein fester Bestandteil sind Als Teil der Welt des Balletts nahm Mitchell die Ballette Giselle, Schwanensee, Balanchines Produktionen, Fokines Scheherazade sowie die Werke vieler afroamerikanischer Choreografen in sein Repertoire auf.

3. Weltballett

3.1 Vereinigtes Königreich

Vor der Tournee der Truppe von Diaghilew und Anna Pavlova in London in den 1910er und 1920er Jahren war das Ballett in England hauptsächlich durch Einzelaufführungen vertreten berühmte Ballerinas auf den Bühnen von Varietés, zum Beispiel die Dänin Adeline Genet (1878–1970). Das englische Ballett verdankt seine Geburt zwei Frauen, die mit Diaghilew zusammengearbeitet haben: Marie Rambert (1888-1982), eine gebürtige Polin, und Ninette de Valois (geb. 1898), geboren in Irland, aber in London zur Schule gegangen.

In den 1930er Jahren lud Ninette de Valois den aus Russland emigrierten Regisseur des Mariinsky-Theaters Nikolai Sergeev (1876-1951) ein, klassische Ballette des 19. Jahrhunderts aufzuführen, um das Repertoire zu bereichern und Künstlern die Möglichkeit zu geben, bisher ungewöhnliche Tanzformen zu beherrschen . 1956 wurde Sadlers Wells Ballet zum Royal Ballet und trat im Royal Opera House in Covent Garden auf. organisierte in der Saison 1994-1995 das Royal Ballet Festival.

In den 1940er und 1940er Jahren führte die Balle Rambert-Truppe weiterhin neue Ballette auf, behielt aber in ihrem Repertoire die ursprünglichen klassischen Ballette bei, die für eine kleine Besetzung konzipiert waren. 1966 wurde die Truppe neu organisiert.

Zu den weiteren englischen Kompanien gehört das English National Ballet, dessen direkter Vorgänger die 1949 von den ehemaligen Diaghilew-Tänzern Alicia Markova und Anton Dolin (1904-1983) gegründete Kompanie ist, die viele Jahre lang den Namen „London Festival Ballet“ trug. 1984 nahm der Däne Peter Schaufus (geb. 1949), der die Truppe leitete, Ashtons inzwischen praktisch vergessenes Ballett Romeo und Julia wieder auf. Im Jahr 1990 wurde Ivan Nagy Direktor der Truppe.

Das Royal Ballet unterhält seit jeher eine zweite, kleinere Reisekompanie. In den 1990er Jahren ließ es sich in Birmingham nieder und ist heute als Birmingham Royal Ballet bekannt.

In Russland verlor das Ballett auch in den Jahren nach dem Ersten Weltkrieg und unter der sowjetischen Herrschaft nicht an Bedeutung, auch als die politische und wirtschaftliche Situation die Existenz des Bolschoi- und Mariinsky-Theaters (das nach der Oktoberrevolution den Namen trug) zu gefährden schien das Staatstheater für Oper und Ballett, GOTOB, und seit 1934 - der Name des S.M. Kirov-Theaters. Die 1920er Jahre waren eine Zeit intensiver Experimente in Form und Inhalt von Ballettaufführungen. Es erschienen auch Proletkult-Inszenierungen zu politischen und gesellschaftlichen Themen, in Moskau Werke von Kasjan Goleizowski (1892–1970) und in Petrograd (1924 in Leningrad umbenannt) verschiedene Inszenierungen von Fjodor Lopuchow (1886–1973), darunter „Die Größe des Universums“. (1922) zur Musik von Beethovens Vierter Symphonie.

Der Zusammenbruch der Sowjetunion und die darauffolgende Wirtschaftskrise brachten die bis dahin großzügig vom Staat subventionierten Ballettkompanien in enorme Schwierigkeiten. Viele Tänzer und Lehrer verließen das Land, um sich in den USA, England, Deutschland und anderen westlichen Ländern niederzulassen.

Während Kalter Krieg viele Länder Osteuropa, Teil des Sowjetblocks, folgte sowohl bei der Ausbildung von Tänzern als auch bei der Inszenierung von Aufführungen sowjetischen Prinzipien. Als sich die Grenzen öffneten, schlossen sich viele Künstler aus diesen Ländern, insbesondere aus Ungarn und Polen, den Errungenschaften der Choreografie der westlichen Truppen an, die sie besuchten, und begannen selbst, außerhalb ihrer Länder zu reisen.

3.3 Frankreich

Französisches Ballett zu Beginn des 20. Jahrhunderts. befand sich in einer Krise. Russische Künstler, die an die Pariser Oper eingeladen wurden, insbesondere aus Diaghilews Truppe, waren viel stärker Französische Künstler. Nach Diaghilews Tod leitete der Haupttänzer seiner Truppe, Sergei Lifar (1905-1986), der einst aus der Ukraine nach Frankreich gekommen war, das Pariser Opernballett und blieb in diesem Amt von 1929 bis 1945 und dann von 1947 bis 1958. Unter seiner Führung wuchsen wunderbare Tänzer heran, allen voran die wunderbare lyrische Ballerina Ivette Chauvire (geb. 1917), die durch ihre Darstellung der Rolle der Giselle berühmt wurde. Die interessantesten Experimente auf dem Gebiet der Choreografie wurden außerhalb der Pariser Oper durchgeführt, insbesondere von Roland Petit und Maurice Béjart. Petit (geb. 1924) verließ die Oper 1944 und gründete das Ballet des Champs-Élysées, wo er unter anderem das Ballett Jugend und Tod (1946, zur Musik von J. S. Bach) für den jungen und dynamischen Tänzer Jean inszenierte Babile (geb. 1923). Dann schuf er für die Truppe des Pariser Balletts eine seiner berühmtesten und langlebigsten Produktionen – Carmen (1949, zur Musik von J. Bizet) mit Rene (Zizi) Jeanmer (geb. 1924). Petits Sinn für Theatralik ermöglichte es ihm, in einer Vielzahl von Genres zu arbeiten und an kommerziellen Veranstaltungen teilzunehmen. Von 1972 bis 1998 leitete er die Truppe des Nationalballetts von Marseille, wo er viele stilvolle und ausgefallene Theateraufführungen inszenierte.

In den 1970er und 1980er Jahren erhielten französische Provinztruppen zunehmend staatliche Unterstützung und erlangten internationale Bekanntheit. Besondere Aufmerksamkeit Verdient hat die Truppe „Ballett der Rheindepartements“.

3.4 Deutschland

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. In Deutschland war das bedeutendste Phänomen die Entwicklung des freien Tanzes, der hier den Namen „Ausdruckstanz“ erhielt. Nach dem Zweiten Weltkrieg legten die Regierungen der Bundesrepublik Deutschland und der Deutschen Demokratischen Republik großen Wert auf die Unterstützung Balletttruppen. In allen großen Städten Westdeutschlands entstanden an Opernhäusern freie Ballettgruppen, die eigene Aufführungen aufführten und gleichzeitig an Opernaufführungen teilnahmen. John Cranko aus England (1927-1973), der in der englischen Truppe von Sadlers Wells Theatre Ballet eine Reihe von Aufführungen aufführte und inszenierte, leitete 1961 das Stuttgarter Ballett und baute ein umfangreiches Repertoire seiner eigenen Mehrakter-Aufführungen auf, das weitgehend an … erinnert Stil des sowjetischen Balletts, reich an dramatisierten Tänzen. Das ist Romeo und Julia (Musik von Prokofjew, 1962). Onegin (1965, zur Musik von Tschaikowsky, arrangiert von K. H. Stolze) und Der Widerspenstigen Zähmung (1969, zur Musik von A. Scarlatti, arrangiert von K. H. Stolze), Ballette, deren Erfolg stark von der Teilnahme von abhing darin die wunderbare Tänzerin Marcia Heide (geb. 1939), gebürtige Brasilianerin, und ihr amerikanischer Partner Richard Cragan (geb. 1944). Die Truppe erlangte bald weltweite Berühmtheit; Nach dem frühen Tod von Cranko wurde es von Glen Tetley geleitet, der zum Gedenken an Cranko das Ballett Organ Solo (Voluntaries, 1973, zur Musik von F. Poulenc) inszenierte.

Abschluss

Wie Mitte des 20. Jahrhunderts. Die Rolle des Balletts nahm zu, in fast allen Ländern Amerikas, Europas und Asiens, auch in einigen Regionen, wurden Truppen gegründet Zentralasien und Afrika sowie Australien und Neuseeland. Selbst in Ländern mit einer eigenen reichen Tanztradition wie Spanien, China, Japan und Kleinasien hat das Ballett seinen Platz gefunden. Bis zum Ende des 20. Jahrhunderts. Die Probleme der Ballettkunst wurden immer klarer. In den 1980er Jahren, als Balanchine, Ashton und Tudor starben (in den 1980er Jahren) und Robbins wegzog aktive Arbeit Es entstand ein kreatives Vakuum. Die meisten jungen Choreografen des späten 20. Jahrhunderts waren nicht besonders daran interessiert, die Ressourcen des klassischen Tanzes weiterzuentwickeln. Sie bevorzugten eine Mischung verschiedener Tanzsysteme, wobei der klassische Tanz dürftig wirkte und der moderne Tanz es an Originalität bei der Darstellung körperlicher Fähigkeiten mangelte. In dem Bemühen zu vermitteln, was ein Wesen ausmacht modernes Leben Choreografen verwenden Fingertechniken, als ob sie Gedanken betonen würden, ignorieren jedoch traditionelle Handbewegungen (port de bras). Die Kunst des Stützens wurde auf eine Art Interaktion zwischen Partnern reduziert, bei der eine Frau über den Boden geschleift, geworfen, gewirbelt, aber fast nie gestützt oder mit ihr getanzt wird.

Die meisten Ensembles bauen ihr Repertoire auf Klassiker des 19. Jahrhunderts auf. (La Sylphide, Giselle, Schwanensee, Dornröschen), die meisten berühmte Ballette Meister des 20. Jahrhunderts (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor und Ashton), beliebte Produktionen von MacMillan, Cranko, Tetley und Kilian und die Arbeit einer neuen Generation von Choreografen wie Forsyth, Duato, James Kudelka. Gleichzeitig erhalten Tänzer eine bessere Ausbildung, weil... Es gibt kompetentere Lehrer. Das relativ neue Gebiet der Tanzmedizin hat Tänzern Zugang zu Techniken zur Verletzungsprävention verschafft.

Es gibt ein Problem, Tänzer an die Musik heranzuführen. Die weitverbreitete Popmusik kennt die Vielfalt der Stile nicht, in vielen Ländern wird sie trainiert musikalische Bildung ist auf einem niedrigen Niveau, bei der Choreografie von Tänzen werden ständig Tonträger verwendet – all dies beeinträchtigt die Entwicklung der Musikalität bei Tänzern.

Ein neues Phänomen in den letzten Jahrzehnten war Ballettwettbewerbe Die erste Veranstaltung fand 1964 in Varna (Bulgarien) statt. Sie locken nicht nur mit Preisen, sondern auch mit der Möglichkeit, vor Richtern der renommiertesten Organisationen aufzutreten. Nach und nach gab es weitere Wettbewerbe, mindestens zehn in verschiedenen Ländern; einige bieten neben Geld auch Stipendien an. Aufgrund des Bedarfs an Choreografen entstanden auch Choreografiewettbewerbe.

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13. Slonimsky Yu., Masters of Ballet....-M., 1997

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15. Slonimsky Yu., Sowjetisches Ballett. Materialien zur Geschichte der Eulen. Balletttheater. - M., 1997

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Bücher

Ballett. Enzyklopädie,. Ausgabe 1981. Der Zustand ist sehr gut. Die erste der Ballettkunst gewidmete Enzyklopädie in der UdSSR enthält: allgemeine Informationenüber Ballett, Erklärungen zu den gebräuchlichsten Begriffen;...
Ballett. 1992. Ausgabe Nr. 2, . Das Magazin „BALLET“ ist eine Publikation für wahre Kenner schöne Kunst, das Plastizität, Dramatik, Musik und Emotionalität vereint. Die Sprache des Tanzes ist universell und für jeden verständlich. Magazin…