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A era clássica é o auge do desenvolvimento da arte grega, o período mais famoso da história da Grécia Antiga.

Na era dos altos clássicos, como nos períodos anteriores, as principais características da arquitetura grega estavam associadas à construção de templos.

O templo grego era considerado o lar de uma divindade, portanto em todos os templos gregos havia uma estátua do deus em cuja homenagem foi erguida. Os templos da Hélade também eram considerados os edifícios públicos mais importantes: ali estavam guardadas as riquezas da polis e seu tesouro.

Os mestres da era clássica resolveram brilhantemente o problema de sintetizar arquitetura e escultura. Os monumentos arquitetônicos da época e sua decoração decorativa formam um todo único. Frontões e frisos foram usados ​​ativamente para colocar composições escultóricas.

Madeira e mármore foram utilizados como materiais para a construção de templos; tintas vermelhas e azuis, assim como douramento, foram amplamente utilizadas para decoração. Os tipos de templos gregos também eram variados: peripteros– edifícios retangulares rodeados por uma colunata, dípteros– templos com fileira dupla de colunas, templos Forma redonda – monóptero E tholos.

No início do século Y. AC. Os templos dóricos mais significativos foram construídos: o templo de Zeus em Olímpia e o templo de Hera em Paestum.

O magnífico conjunto de templos ocupa um lugar especial na história da arquitetura grega. Acrópole de Atenas- o edifício mais famoso dos clássicos gregos. Fortemente danificado durante as guerras greco-persas, foi restaurado em meados do século X. AC. Arquitetos e escultores famosos participaram da reconstrução da Acrópole : Ictinus, Calicrates, Mnesicles, Fídias e etc. A Acrópole foi uma expressão da força e do poder da Atenas democrática e ainda hoje surpreende pela sua majestade e harmonia extraordinária. A maior estrutura da Acrópole é Partenon- um templo em homenagem a Atenas. A história preservou os nomes dos criadores - Iktin E Calicrates. É construído em mármore claro, rodeado por quarenta e seis colunas de ordem dórica e emoldurado por friso jônico., representando a personificação da harmonia e do rigor. Além disso, em uma combinação dos estilos dórico e jônico, foram feitos os majestosos portões que levam à Acrópole - Propileus(arquiteto Mnesícula).

A ordem jônica predomina na arquitetura do pequeno mas gracioso templo de Nike Apteros (sem asas). Um templo único foi construído no mesmo estilo. em homenagem a Atenas, Poseidon e ao herói Erecteu Erecteion - exemplo de templo de planta assimétrica, raramente encontrado na arquitetura grega. Cada uma de suas fachadas é decorada de forma diferente. O sul é especialmente pitoresco - em vez de colunas existem seis figuras femininas, cariátides famosas.

Os templos da Acrópole estavam localizados na colina de tal forma que os participantes da solene procissão nacional à Acrópole durante o feriado principal dos cidadãos atenienses - a Grande Panatenaia - só gradualmente tinham uma visão de cada edifício. Todas as estruturas da Acrópole são extraordinariamente plásticas e proporcionais. Os arquitetos do Partenon também levaram em consideração algumas características da visão humana: as colunas do templo estão desigualmente espaçadas umas das outras, as colunas de canto são um pouco mais maciças que as internas e tudo em geral é ligeiramente inclinado para dentro em direção às paredes do edifício - isso faz com que pareçam mais magros e mais altos.

Escultura clássica grega do século V. AC. tornou-se um modelo de perfeição clássica. Seu estilo é caracterizado pelo equilíbrio, simetria estrita, idealização e estática. Pessoas estátuas gregas sempre desapaixonado e estático, o mundo interior dos heróis é desprovido de individualidade e sentimentos. Individualização de imagens, ou seja, a arte do retrato, a escultura antiga não conhecia nada.

Um dos melhores exemplos da escultura clássica antiga é a “Estátua do Cocheiro” de bronze de Delfos. Apesar de alguma tensão na estátua, a sua pose ainda é mais natural do que a do kouros congelado.

O século dos altos clássicos gregos produziu três escultores notáveis ​​- Fídias, Miron e Policleto.

Fídias realizou muitas obras famosas. Ele e seus alunos realizaram o famoso friso do Partenon. As 92 métopas do Partenon estavam repletas de relevos representando as batalhas dos gregos com as amazonas, cenas da Guerra de Tróia, batalhas de deuses e gigantes. Com mais de 500 figuras apresentadas no friso, nenhuma é igual à outra. O friso escultural do Partenon é considerado um dos pináculos da arte clássica. Fídias também esculpiu uma estátua de 12 metros Atenas-Virgem. A deusa é retratada na forma linda mulher. As roupas, capacete, cabelo e escudo da deusa eram feitos de ouro puro, e o rosto e as mãos da deusa eram cobertos com placas de marfim. Safiras foram inseridas nas órbitas oculares da estátua. Fídias mostrou ao mundo nova imagem Atenas é uma deusa guerreira e deusa da sabedoria, uma verdadeira padroeira.

Ideal personalidade humana foi encarnado por Fídias em outro de seus famosos estátua de Zeus Olímpico para o templo de Olímpia. Esta estátua foi considerada uma das “sete maravilhas do mundo”; sua altura era de 14 metros. O terrível deus foi retratado sentado majestosamente em um trono. Face

Zeus incorporou a ideia de sabedoria e filantropia. A estátua de Zeus também era feita de ouro e marfim.

Ambas as obras de Fídias não sobreviveram. Elas são conhecidas por nós apenas pela descrição do antigo historiador grego Pausânias (século II aC) e por imagens em moedas. Além do mais Fídias possui outra imagem escultural - Atena, a Guerreira . Uma estátua de bronze de 12 metros de Atenas segurando uma lança, cuja ponta dourada era visível longe do mar, adorna a praça em frente ao Partenon. O conceito de “alto estilo” na arte grega antiga está associado à obra de Fídias, que se expressava em nobre simplicidade e ao mesmo tempo em grandeza.

Miron, que trabalhou em Atenas em meados do século X. AC, foi o primeiro escultor grego que conseguiu transmitir a figura humana no momento do movimento rápido. A mais famosa é sua estátua de bronze" Lançador de disco», incorporando a imagem ideal de um cidadão humano. É significativo que mesmo nesta estátua, que representa um homem em movimento, o rosto do lançador de disco seja calmo e estático.

O terceiro escultor famoso do século Y. AC. – Policleto de Argos , autor do famoso estátuas de Hera, "Amazona Ferida" E " Dorífora" Polykleitos era um teórico da arte - ele determinou os cânones das proporções ideais figura humana e os formulou no tratado “ Cânone" A personificação do cânone na prática foi a estátua “Doriphoros”. Segundo a regra encontrada por Policleto, a cabeça deveria ter 1/7 da altura total, o rosto e a mão deveriam ter 1/10, o pé deveria ter 1/6 e a linha reta do nariz deveria continuar a linha de a testa. As estátuas de Policleto estão sempre imóveis e estáticas. As obras originais de Policleto e Myron não sobreviveram; apenas suas cópias romanas em mármore sobreviveram.

Entre os artistas gregos do século V. BC. AC. se destacarem Polignoto, Apolodoro e Parrásio. Infelizmente, suas pinturas não sobreviveram até nossos dias; apenas as descrições de seus contemporâneos sobreviveram. No entanto belos exemplos de pinturas em vasos foram preservados, testemunhando alta habilidade seus criadores. Os maiores pintores de vasos dos primeiros clássicos gregos foram Eufrônio E Eutimidas que trabalhou na técnica de composição de figuras vermelhas, o que permitiu transmitir melhor o volume da composição e identificar com mais clareza os detalhes. Os temas das pinturas em vasos gregos são retirados principalmente da mitologia, mas no século V. BC. AC. O interesse dos pintores por cenas da vida cotidiana está crescendo

A arte da Grécia durante o período clássico tardio (finais dos séculos Y-IY aC).

Durante este período, a Grécia entrou num período de crise, que se expressou na instabilidade política, na decomposição das instituições da pólis e na moralidade da pólis. Neste momento, novos são formados valores culturais e ideais. Novas tendências filosóficas, como o cinismo, estão a ganhar terreno. O grande filósofo grego antigo Platão cria sua doutrina do estado ideal.

Se na era dos altos clássicos o centro da arquitetura monumental era Atenas, então no século 4 AC. o centro da arquitetura mudou-se para a Ásia Menor, que novamente viveu seu apogeu. O estilo dórico dominou na Grécia continental. mas com proporções mais leves do que antes. Nas cidades da Ásia Menor foi preservado Estilo jônico, no qual o talentoso arquiteto trabalhou Píteas, quem construiu Templo de Atena em Priene. Pela primeira vez na história da arquitetura, ele ergueu um edifício tão monumental como Mausoléu, - o grandioso túmulo do rei Carian Movsol e sua esposa Artemísia na cidade de Halicarnasso. Esta pirâmide de mármore de três camadas e 24 degraus, com 49 m de altura, coroada com uma escultura representando quatro cavalos em arreios - uma quadriga, os antigos a consideravam uma das “sete maravilhas do mundo”. Não menos magnífico foi o díptero clássico, também considerado uma “maravilha do mundo” - reconstruído após um incêndio em 356 aC. Templo de Ártemis na cidade de Éfeso. A majestade e o esplendor destes edifícios aproximaram-nos da arquitetura do Antigo Oriente e testemunharam a aproximação de uma nova era helenística, na qual os empréstimos culturais gregos e orientais se fundiram.

Na arquitetura do século IV. AC. O protagonismo já não era desempenhado pelos edifícios dos templos (culturais), mas pelos edifícios de carácter secular: teatros, salas de reuniões, palestras, ginásios. Um notável conjunto arquitetônico foi construído na cidade de Epidauro: incluía um templo, um estádio, ginásios, uma casa para visitantes, uma sala de concertos e um belo teatro - uma obra-prima do notável arquiteto Policleto, o Jovem.

A escultura dos clássicos tardios apresentou uma série de novidades. Ela se tornou mais refinada, mostrando sentimentos humanos profundos, o estado interior de uma pessoa. Majestade e dignidade foram substituídas por outras tendências - pathos dramático, lirismo especial e graça. Eles foram incorporados em suas obras pelos maiores escultores gregos do século I. - Escopas, Praxíteles e Lísippos. Além disso, na escultura desta época, os motivos de género e do quotidiano ocupavam um lugar especial, colocando os religiosos e civis em segundo plano.

Skopas geralmente criava imagens mitológicas que impressionavam por seu drama e expressão. Dele " Bacante”, O companheiro de dança de Dionísio é uma obra-prima não apenas da arte antiga, mas também da arte mundial. (frisos do Mausoléu de Halicarnasso).

Contemporâneo mais jovem de Skopas Praxíteles esculpiu principalmente deuses e deusas do Olimpo. Suas esculturas são retratadas em pose de descanso sonhador: “Sátiro em Repouso”, “Apolo”, “Hermes com o Menino Dionísio”. Sua estátua mais famosa é “Afrodite de Cnidos” - um protótipo de muitas imagens subsequentes da deusa do amor. Pela primeira vez na história da escultura grega, Praxíteles apresentou Afrodite como uma bela mulher nua.

Muito poucas estátuas autênticas de Escopas e Praxíteles sobreviveram; sabemos principalmente de suas cópias romanas. A obra de Praxíteles teve influência significativa nos escultores da época helenística e nos mestres romanos.

A vontade de transmitir a diversidade de personagens é a principal característica da obra do grande escultor Lísipo. Ele deixou um maravilhoso busto de Alexandre, o Grande e desenvolveu um novo cânone de plástico, substituindo o cânone de Polykleitos (“Apoxiomen”).

Nome ateniense Leohara associado ao trabalho do livro didático - “ Apolo Belvedere”. Esta escultura testemunhou como o ideal havia mudado beleza masculina na arte grega.

Em geral, na arquitetura, escultura e pintura do século I. BC. AC. marcado pelo nascimento de muitas tendências que receberão plena expressão na próxima era helenística.

Capítulo “A Arte dos Clássicos Tardios (do fim das Guerras do Peloponeso ao surgimento do Império Macedônio).” Seção "A Arte da Grécia Antiga". História geral da arte. Volume I. Arte do Mundo Antigo. Autor: Yu.D. Kolpinsky; sob a direção geral de A.D. Chegodaeva (Moscou, Editora Estadual"Arte", 1956)

Século IV a.C. foi uma etapa importante no desenvolvimento da arte grega antiga. As tradições dos grandes clássicos foram retrabalhadas em novas condições históricas.

O crescimento da escravatura, a concentração cada vez maior de riquezas nas mãos de alguns grandes proprietários de escravos, já a partir da segunda metade do século V. AC. interferiu no desenvolvimento do trabalho livre. No final do século, especialmente nas cidades economicamente desenvolvidas, o processo de ruína gradual dos pequenos produtores livres tornou-se cada vez mais evidente, levando a uma queda na proporção de mão-de-obra livre.

As Guerras do Peloponeso, que foram o primeiro sintoma da crise emergente das políticas escravistas, agravaram e aceleraram extremamente o desenvolvimento desta crise. Em várias cidades-estado gregas, surgiram revoltas da parte mais pobre de cidadãos livres e escravos. Ao mesmo tempo, o crescimento do intercâmbio exigiu a criação de um poder único capaz de conquistar novos mercados e garantir a supressão bem sucedida das revoltas das massas exploradas.

A consciência da unidade cultural e étnica dos helenos também entrou em conflito decisivo com a desunião e a luta feroz das políticas entre si. Em geral, a política, enfraquecida por guerras e conflitos internos, torna-se um travão ao desenvolvimento de uma sociedade escravista.

Houve uma luta feroz entre os proprietários de escravos para encontrar uma saída para a crise que ameaçava os alicerces da sociedade escravista. Em meados do século, estava surgindo uma tendência que unia os oponentes da democracia escravista - grandes proprietários de escravos, comerciantes, agiotas, que depositavam todas as suas esperanças em uma força externa capaz de subjugar e unir as políticas por meios militares, suprimindo o movimento dos pobres e organizando uma ampla expansão militar e comercial para o Oriente. Tal força era a monarquia macedônia economicamente relativamente subdesenvolvida, que tinha um exército poderoso, principalmente de composição agrícola. A subjugação das cidades-estado gregas ao Império Macedônio e o início das conquistas no Oriente marcaram o fim do período clássico da história grega.

O colapso da pólis acarretou a perda do ideal de cidadão livre. Ao mesmo tempo conflitos trágicos a realidade social causou o surgimento de uma visão mais complexa dos fenômenos da vida social do que antes e enriqueceu a consciência das pessoas progressistas da época. Intensificação da luta entre materialismo e idealismo, misticismo e métodos científicos o conhecimento, os confrontos violentos de paixões políticas e ao mesmo tempo o interesse pelo mundo das experiências pessoais são característicos da vida social e cultural do século IV, repleta de contradições internas. AC.

As mudanças nas condições da vida social levaram a uma mudança na natureza do realismo antigo.

Juntamente com a continuação e desenvolvimento das formas de arte clássica tradicional do século IV. BC, em particular a arquitetura, teve que resolver problemas completamente novos. A arte pela primeira vez começou a servir às necessidades e interesses estéticos do indivíduo, e não à polis como um todo; também apareceram obras que afirmavam princípios monárquicos. Ao longo do século IV. AC. O processo de afastamento de vários representantes da arte grega dos ideais de nacionalidade e heroísmo do século V intensificou-se constantemente. AC.

Ao mesmo tempo, as dramáticas contradições da época reflectiram-se em imagens artísticas, mostrando o herói em uma intensa luta trágica com forças que lhe são hostis, oprimido por experiências profundas e dolorosas, dilacerado por dúvidas profundas. Estes são os heróis das tragédias de Eurípides e das esculturas de Escopas.

O desenvolvimento da arte, que terminou no século IV, teve grande influência no desenvolvimento da arte. AC. crise do sistema de ficção ingênua ideias mitológicas, cujos arautos distantes já podem ser vistos no século V. BC. AC. Mas no século V. AC. a fantasia artística popular ainda extraiu material para suas sublimes ideias éticas e estéticas de antigos contos mitológicos e crenças familiares e próximas do povo (Ésquilo, Sófocles, Fídias, etc.). No século IV, o artista interessou-se cada vez mais por aspectos da existência humana que não se enquadravam nas imagens e ideias mitológicas do passado. Os artistas procuraram expressar em suas obras tanto experiências internas contraditórias, impulsos de paixão quanto a sofisticação e penetração da vida espiritual humana. Surgiu o interesse pela vida cotidiana e pelos traços característicos da constituição mental de uma pessoa, ainda que em termos mais gerais.

Na arte dos principais mestres do século IV. AC. - Scopas, Praxiteles, Lysippos - colocou-se o problema da transmissão das experiências humanas. Como resultado disso, foram alcançados os primeiros sucessos na revelação da vida espiritual do indivíduo. Essas tendências afetaram todos os tipos de arte, em particular a literatura e o teatro. Estes são; por exemplo, “Personagens” de Teofrasto, dedicado à análise dos traços típicos da constituição mental de uma pessoa - um guerreiro contratado, um fanfarrão, um parasita, etc. uma imagem típica generalizada do harmoniosamente perfeito pessoa desenvolvida, mas também para abordar uma série de problemas que não eram o foco da atenção dos artistas do século V. AC.

No desenvolvimento da arte grega dos clássicos tardios, distinguem-se claramente duas etapas, determinadas pelo próprio curso desenvolvimento Social. Nos primeiros dois terços do século, a arte ainda estava muito organicamente ligada às tradições dos grandes clássicos. No último terço do século IV. AC. Há uma mudança brusca no desenvolvimento da arte, para a qual novas condições de desenvolvimento social impõem novas tarefas. Nessa época, a luta entre linhas realistas e antirrealistas na arte intensificou-se especialmente.

Arquitetura grega do século IV. AC. teve uma série de conquistas importantes, embora o seu desenvolvimento tenha sido muito desigual e contraditório. Assim, durante o primeiro terço do século IV. na arquitectura registou-se um declínio bem conhecido na actividade de construção, reflectindo a crise económica e social que assolou todas as cidades-estado gregas e especialmente aquelas localizadas na própria Grécia. Este declínio estava, no entanto, longe de ser universal. Afectou-se de forma mais aguda em Atenas, que foi derrotada nas Guerras do Peloponeso. No Peloponeso, a construção de templos não parou. A partir do segundo terço do século, a construção voltou a intensificar-se. Numerosas estruturas arquitetônicas foram erguidas na Ásia Menor grega e, em parte, na própria península.

Monumentos do século IV AC. geralmente seguiam os princípios do sistema de pedidos. No entanto, eles diferiam significativamente em caráter das obras dos grandes clássicos. A construção de templos continuou, mas o desenvolvimento foi especialmente difundido em comparação com o século V. BC. recebeu a construção de teatros, palaestres, ginásios, espaços internos para reuniões públicas (bouleuteria), etc.

Ao mesmo tempo, surgiram estruturas na arquitetura monumental dedicadas à exaltação de uma personalidade individual e, além disso, não de um herói mítico, mas da personalidade de um monarca autocrático - fenômeno completamente incrível para a arte do século V. AC. Tais são, por exemplo, o túmulo do governante de Carius Mausolus (Mausoléu de Halicarnasso) ou o Philippeion em Olímpia, que glorificou a vitória do rei macedônio Filipe sobre as cidades-estado gregas.

Um dos primeiros monumentos arquitetônicos que apresentavam características dos clássicos tardios foi reconstruído após um incêndio em 394 aC. Templo de Atena Alea em Tegea (Peloponeso). Tanto o edifício em si como as esculturas que o decoravam foram criados por Skopas. Em alguns aspectos, este templo desenvolveu as tradições do templo de Bassa. Assim, no templo Tegeu foram utilizadas todas as três ordens - Dórica, Jônica e Coríntia. Em particular, a ordem coríntia é usada nas semicolunas que se projetam das paredes e decoram os naos. Essas semicolunas eram conectadas entre si e à parede por uma base comum de perfil complexo que percorria todas as paredes da sala. Em geral, o templo se distinguiu pela riqueza de decorações escultóricas, esplendor e variedade de decoração arquitetônica.

Mais para o meio. século 4 AC. pertence ao conjunto do santuário de Asclépio em Epidauro, cujo centro era o templo do deus curandeiro Asclépio, mas o edifício mais notável do conjunto foi o teatro construído por Policleto, o Jovem, um dos mais belos teatros da antiguidade . Nele, como na maioria dos teatros da época, as poltronas para espectadores (theatron) ficavam localizadas ao longo da encosta. Havia um total de 52 fileiras de bancos de pedra com capacidade para pelo menos 10 mil pessoas. Essas fileiras emolduravam a orquestra - a plataforma onde o coro se apresentava. Em fileiras concêntricas, o theatron cobria mais de um semicírculo da orquestra. No lado oposto às poltronas dos espectadores, a orquestra era cercada por uma skene, ou traduzido do grego - uma tenda. Inicialmente, no século VI e início do V. BC. AC, o skene era uma tenda na qual os atores se preparavam para aparecer, mas no final do século V. BC. AC. O skene se transformou em uma complexa estrutura de dois níveis, decorada com colunas e formando um fundo arquitetônico diante do qual os atores atuavam. Várias saídas conduziam do interior do skene à orquestra. Skene em Epidauro tinha um proscênio decorado com a ordem jônica - uma plataforma de pedra que se elevava acima do nível da orquestra e era destinada à condução de episódios individuais de peças dos atores principais. O teatro de Epidauro foi inscrito com excepcional talento artístico na silhueta da suave encosta. Skena, solene e graciosa na sua arquitectura, iluminada pelo sol, destacava-se lindamente contra o céu azul e os contornos distantes das montanhas e ao mesmo tempo distinguia os actores e o coro do drama do ambiente natural envolvente.

A mais interessante das estruturas que chegaram até nós, erguidas por particulares, é o monumento corégico de Lisícrates em Atenas (334 aC). O Lisícrates ateniense decidiu imortalizar neste monumento a vitória conquistada pelo coro preparado às suas custas. Sobre uma base alta e quadrada, composta por quadrados oblongos e imaculadamente talhados, ergue-se um esbelto cilindro com graciosas meias-colunas da ordem coríntia. Ao longo do entablamento acima da arquitrave estreita e de perfil leve, há uma faixa contínua de friso com grupos de relevos livremente dispersos e cheios de movimento natural. O telhado em forma de cone, suavemente inclinado, é coroado por uma esbelta acroteria, formando um suporte para aquele tripé de bronze, que foi o prêmio concedido a Lisícrates pela vitória conquistada por seu coro. A combinação de requintada simplicidade e graça, a natureza íntima da escala e das proporções constituem a peculiaridade deste monumento, que se distingue pelo seu sabor subtil e graça. E, no entanto, o aparecimento de estruturas deste tipo está associado à perda, pela arquitectura da pólis, da base democrática pública da arte.

Se o monumento de Lisicrates antecipou o aparecimento de obras de arquitetura helenística, pintura e escultura dedicadas à vida privada de uma pessoa, então no “Philippeion” criado um pouco antes, outros aspectos do desenvolvimento da arquitetura da segunda metade do século IV século encontrou expressão. AC. Philippeion foi construído na década de 30 do século IV. AC. em Olímpia em homenagem à vitória conquistada em 338 pelo rei macedônio Filipe sobre as tropas de Atenas e da Beócia, que tentavam combater a hegemonia macedônia na Hélade. O naos redondo do Philippeion era cercado por uma colunata jônica e seu interior era decorado com colunas coríntias. No interior do naos havia estátuas dos reis da dinastia macedônia, feitas na técnica crisoelefantina, que até então era usada apenas para representar deuses. Philippeion deveria propagar a ideia da primazia da Macedônia na Grécia, para santificar a autoridade real da pessoa do rei macedônio e sua dinastia com a autoridade do lugar sagrado.

Os caminhos de desenvolvimento da arquitetura da Grécia Menor da Ásia foram um pouco diferentes do desenvolvimento da arquitetura da Grécia propriamente dita. Ela era caracterizada por um desejo de exuberante e grandioso estruturas arquitetônicas. As tendências de afastamento dos clássicos na arquitetura da Ásia Menor fizeram-se sentir de forma especialmente forte. Assim, construído em meados e finais do século IV. AC. os enormes dípteros jónicos (o segundo templo de Ártemis em Éfeso, o templo de Ártemis em Sardes, etc.) distinguiam-se pelo esplendor e luxo da sua decoração, muito longe do espírito dos verdadeiros clássicos. Esses templos, conhecidos pelas descrições de autores antigos, sobreviveram até nossos dias em vestígios muito escassos.

As características do desenvolvimento da arquitetura da Ásia Menor foram refletidas mais claramente no edifício construído por volta de 353 aC. arquitetos Pytheas e Sátiro Mausoléu de Halicarnasso - o túmulo de Mausolus, governante da província persa de Caria.

O mausoléu surpreendeu não tanto pela majestosa harmonia de proporções, mas pela grandiosidade da sua escala e pela magnífica riqueza da sua decoração. Nos tempos antigos, foi classificado entre as sete maravilhas do mundo. A altura do Mausoléu provavelmente atingiu 40-50 m. O edifício em si era uma estrutura bastante complexa, que combinava as tradições locais da Ásia Menor da arquitetura de ordem grega e os motivos emprestados do Oriente clássico. No século 15 O mausoléu foi gravemente danificado e a sua reconstrução exata é atualmente impossível; apenas algumas de suas características mais gerais não causam divergências entre os cientistas. Em planta, era um retângulo aproximando-se de um quadrado. A primeira camada em relação às subsequentes serviu de base. O mausoléu era um enorme prisma de pedra feito de grandes quadrados. Nos quatro cantos, o primeiro nível era ladeado por estátuas equestres. Na espessura deste enorme bloco de pedra havia uma sala alta e abobadada onde ficavam os túmulos do rei e de sua esposa. O segundo nível consistia em uma sala cercada por uma alta colunata da ordem jônica. Estátuas de leões em mármore foram colocadas entre as colunas. A terceira e última camada era uma pirâmide escalonada, no topo da qual havia grandes figuras do governante e sua esposa em pé em uma carruagem. O túmulo de Mausolo era cercado por três fileiras de frisos, mas sua localização exata é conjunto arquitetônico não instalado. Todo o trabalho escultórico foi realizado por mestres gregos, incluindo Skopas.

A combinação da força opressora e da enorme escala do piso térreo com a magnífica solenidade da colunata deveria enfatizar o poder do rei e a grandeza do seu estado.

Assim, todas as conquistas da arquitetura clássica e da arte em geral foram colocadas a serviço de novos objetivos sociais alheios aos clássicos, gerados pelo inevitável desenvolvimento da sociedade antiga. O desenvolvimento passou do isolamento obsoleto das cidades-estado para poderosas, embora frágeis, monarquias escravistas, que proporcionaram ao topo da sociedade a oportunidade de fortalecer os fundamentos da escravidão.

Embora as obras de escultura sejam do século IV. AC, como toda a Grécia Antiga em geral, chegaram até nós principalmente em cópias romanas, mas podemos ter uma ideia muito mais completa do desenvolvimento da escultura desta época do que do desenvolvimento da arquitetura e da pintura. O entrelaçamento e a luta de tendências realistas e antirrealistas adquiridas na arte do século IV. AC. muito mais agudo do que no século V. No século 5 AC. A principal contradição foi a contradição entre as tradições do arcaico moribundo e dos clássicos em desenvolvimento. Duas direções no desenvolvimento da própria arte do século IV foram claramente definidas aqui;

Por um lado, alguns escultores, seguindo formalmente as tradições dos grandes clássicos, criaram arte abstraída da vida, afastando-se de suas agudas contradições e conflitos para o mundo das imagens desapaixonadamente frias e abstratamente belas. Esta arte, de acordo com as tendências do seu desenvolvimento, era hostil ao espírito realista e democrático da arte dos altos clássicos. No entanto, não foi esta direção, cujos representantes mais proeminentes foram Kephisodotus, Timothy, Briaxis, Leochares, que determinou a natureza da escultura e da arte em geral desta época.

O caráter geral da escultura e da arte dos clássicos tardios foi determinado principalmente pela atividade criativa de artistas realistas. Os principais e maiores representantes desta tendência foram Scopas, Praxiteles e Lysippos. A direção realista foi amplamente desenvolvida não só na escultura, mas também na pintura (Apeles).

A estética de Aristóteles foi uma generalização teórica das conquistas da arte realista de sua época. Foi no século IV. AC. nas declarações estéticas de Aristóteles, os princípios do realismo dos clássicos tardios receberam uma justificativa consistente e detalhada.

A oposição de duas direções na arte do século IV. AC. não apareceu imediatamente. A princípio, na arte do início do século IV, durante o período de transição dos clássicos elevados para os clássicos tardios, essas direções eram às vezes contraditórias entrelaçadas na obra do mesmo mestre. Assim, a arte de Cefisódoto carregava em si um interesse pelo humor lírico da alma (que foi desenvolvido na obra do filho de Cefisódoto, o grande Praxíteles) e ao mesmo tempo características de beleza deliberada, ostentação externa e elegância. A estátua de Cefisódoto “Eirene com Plutão”, representando a deusa da paz com o deus da riqueza nos braços, combina novas características - uma interpretação de gênero da trama, um sentimento lírico suave - com uma tendência indubitável para idealizar a imagem e para sua interpretação externa, um tanto sentimental.

Um dos primeiros escultores cuja obra foi influenciada por uma nova compreensão do realismo, diferente dos princípios do realismo do século V. AC, houve Demétrio de Alopeka, cujo início de atividade remonta ao final do século V. Ao que tudo indica, ele foi um dos mais ousados ​​inovadores da arte realista grega. Ele dedicou toda a sua atenção ao desenvolvimento de métodos para transmitir com veracidade as características individuais da pessoa retratada.

Mestres do retrato do século V. BC. em suas obras omitiram aqueles detalhes da aparência externa de uma pessoa que não pareciam significativos na criação de uma imagem heróica - Demétrio foi o primeiro na história da arte grega a seguir o caminho da afirmação valor artístico características externas pessoais únicas da aparência de uma pessoa.

Os méritos e, ao mesmo tempo, os limites da arte de Demétrio podem ser julgados, até certo ponto, a partir da cópia sobrevivente de seu retrato do filósofo Antístenes, executado por volta de 375 aC. , - um de últimos trabalhos mestre, no qual suas aspirações realistas foram expressas com particular plenitude. O rosto de Antístenes mostra claramente os traços de sua aparência individual específica: testa coberta de dobras profundas, boca desdentada, cabelos desgrenhados, barba desgrenhada, olhar um pouco carrancudo. Mas este retrato não contém características psicológicas complexas. Principais realizações no desenvolvimento das tarefas, as características da esfera espiritual do homem foram realizadas pelos mestres subsequentes - Scopas, Praxiteles e Lysippos.

O maior mestre da primeira metade do século IV. AC. era Escopas. As trágicas contradições da sua época encontraram a sua expressão artística mais profunda na obra de Skopas. Intimamente associado às tradições das escolas do Peloponeso e da Ática, Scopas dedicou-se à criação de imagens heróicas monumentais. Dessa forma, ele parecia dar continuidade às tradições dos grandes clássicos. A criatividade de Skopas surpreende pelo seu enorme conteúdo e vitalidade. Os heróis de Skopas, como os heróis dos grandes clássicos, continuam a ser a personificação das mais belas qualidades de pessoas fortes e valentes. No entanto, eles se distinguem das imagens dos grandes clássicos pela tempestuosa tensão dramática de todas as forças espirituais. Um feito heróico não tem mais o caráter de um ato natural para todo cidadão digno da polis. Os heróis de Skopas estão em uma tensão incomum. Uma explosão de paixão perturba a clareza harmoniosa característica dos grandes clássicos, mas dá às imagens de Skopas uma enorme expressão, um toque de experiência pessoal e apaixonada.

Ao mesmo tempo, Skopas introduziu na arte clássica o motivo do sofrimento, um colapso trágico interno, refletindo indiretamente a trágica crise dos ideais éticos e estéticos criados durante o apogeu da polis.

Durante quase meio século de atividade, Skopas atuou não apenas como escultor, mas também como arquiteto. Apenas muito pouco de seu trabalho chegou até nós. Do Templo de Atenas em Tegea, famoso na antiguidade pela sua beleza, apenas escassos fragmentos sobreviveram, mas mesmo deles se pode julgar a coragem e a profundidade da criatividade do artista. Além do edifício em si, Skopas também completou seu projeto escultural. O frontão ocidental representava cenas da batalha entre Aquiles e Télefo no Vale do Caica, e o frontão oriental representava a caça de Meleagro e Atalanta ao javali caledônio.

A cabeça de um guerreiro ferido do frontão ocidental, na interpretação geral dos volumes, parece próxima de Policleto. Mas o giro rápido e patético da cabeça jogada para trás, o jogo agudo e inquieto do claro-escuro, as sobrancelhas dolorosamente arqueadas, a boca entreaberta conferem-lhe uma expressividade apaixonada e um drama de experiência que os grandes clássicos não conheciam. Uma característica desta cabeça é a violação da estrutura harmoniosa da face para enfatizar a força da tensão mental. Os vértices dos arcos das sobrancelhas e do arco superior do globo ocular não coincidem, o que cria uma dissonância cheia de drama. Foi captado de forma bastante perceptível pelo grego antigo, cujo olhar era sensível às nuances mais sutis da forma plástica, especialmente quando tinham um significado semântico.

É característico que Skopas tenha sido o primeiro entre os mestres dos clássicos gregos a dar forte preferência ao mármore, quase abandonando o uso do bronze, material preferido dos mestres dos altos clássicos, especialmente Myron e Policleto. Na verdade, o mármore, que proporciona um jogo quente de luz e sombra, permitindo a obtenção de contrastes texturais sutis ou nítidos, estava mais próximo do trabalho de Skopas do que o bronze, com suas formas claramente moldadas e bordas de silhueta nítidas.

O mármore “Maenad”, que chegou até nós numa pequena cópia antiga e danificada, encarna a imagem de um homem possuído por um violento impulso de paixão. Não é a personificação da imagem de um herói capaz de dominar com confiança suas paixões, mas a revelação de uma paixão extática extraordinária que envolve uma pessoa, característica de “A Ménade”. É interessante que a Ménade de Skopas, ao contrário das esculturas do século V, foi projetada para ser vista de todos os lados.

A dança da embriagada Maenad é rápida. Sua cabeça está jogada para trás, o cabelo jogado para trás da testa cai em ondas pesadas sobre os ombros. O movimento das dobras bem curvas de um corte curto de chiton na lateral enfatiza o impulso violento do corpo.

A quadra de um poeta grego desconhecido que chegou até nós transmite bem a estrutura figurativa geral de “Maenad”:

A pedra pariana é uma bacante. Mas o escultor deu alma à pedra.
E, bêbada como estava, ela deu um pulo e começou a dançar.
Tendo criado esta mênade, em frenesi, com uma cabra morta,
Você criou um milagre com esculturas idólatras, Skopas.

As obras do círculo de Skopas também incluem uma estátua de Meleagro, o herói da mítica caça ao javali da Caledônia. Segundo o sistema de proporções, a estátua é uma espécie de reformulação do cânone de Policleto. No entanto, Skopas enfatizou nitidamente a rapidez da cabeça de Meleagro, realçando assim o caráter patético da imagem. Skopas deu maior harmonia às proporções corporais. A interpretação das formas do rosto e do corpo, geralmente belas, mas mais nervosamente expressivas que a de Policleto, distingue-se pela emotividade. Scopas transmitiu um estado de ansiedade e preocupação em Meleagro. Para Skopas, o interesse na expressão direta dos sentimentos do herói acaba por estar associado principalmente a uma violação da integridade e da harmonia do mundo espiritual do homem.

O cinzel de Skopas aparentemente possui uma bela lápide - uma das mais bem preservadas da primeira metade do século IV. AC. Esta é a “Lápide de um Jovem” encontrada no Rio Ilissa. Difere da maioria dos relevos desse tipo no drama especial do diálogo nele retratado. E o jovem que deixou o mundo, e o velho barbudo que se despede dele com tristeza e reflexão, levando a mão aos lábios, e a figura curvada de um menino sentado e imerso no sono, personificando a morte - todos eles não são apenas imbuídos do reflexo claro e calmo habitual nas lápides gregas, mas distinguem-se por uma profundidade vital especial e força de sentimento.

Uma das criações mais notáveis ​​​​e recentes de Skopas são os seus relevos que retratam a luta dos gregos com as amazonas, feitos para o Mausoléu de Halicarnasso.

O grande mestre foi convidado a participar desta grandiosa obra junto com outros escultores gregos - Timóteo, Briaxis e o então jovem Leochares. O estilo artístico de Skopas era visivelmente diferente daqueles meios artísticos, que foram utilizados pelos seus companheiros, o que nos permite destacar os relevos por ele criados na faixa sobrevivente do friso do Mausoléu.

A comparação com o friso da Grande Panatenaia de Fídias permite ver com especial clareza o que há de novo característico do friso halicarnassiano de Skopas. O movimento das figuras do friso panatenaico desenvolve-se, com toda a sua diversidade vital, de forma gradual e consistente. A ascensão, culminação e conclusão uniformes do movimento da procissão criam a impressão de um todo completo e harmonioso. Na “Amazonomaquia” halicarnasiana, o movimento uniforme e gradualmente crescente é substituído por um ritmo de oposições enfaticamente contrastantes, pausas repentinas, explosões bruscas de movimento. Contrastes de luz e sombra e dobras esvoaçantes das roupas enfatizam o drama geral da composição. A “Amazonomaquia” é desprovida do sublime pathos dos grandes clássicos, mas o choque de paixões e a ferocidade da luta são mostrados com força excepcional. Isso é facilitado pelo contraste entre os movimentos rápidos de guerreiros fortes e musculosos e de amazonas esbeltas e leves.

A composição do friso baseia-se na colocação livre em todo o seu campo de cada vez mais novos grupos, repetindo em diferentes versões o mesmo tema de uma batalha impiedosa. Particularmente expressivo é o relevo em que um guerreiro grego, empurrando seu escudo para a frente, atinge uma amazona esbelta e seminua, que está recostada e levantando os braços com um machado, e no próximo grupo do mesmo relevo um maior desenvolvimento deste é dado o tema: a Amazônia caiu; Apoiando o cotovelo no chão, ela tenta com a mão enfraquecida repelir o golpe do grego, que acaba sem piedade com a mulher ferida.

É magnífico o relevo, que retrata um guerreiro recostado bruscamente, tentando resistir ao ataque de uma amazona, que agarrou seu escudo com uma das mãos e desferiu um golpe fatal com a outra. À esquerda deste grupo está uma amazona cavalgando um cavalo quente. Ela se senta de costas e, aparentemente, atira um dardo no inimigo que a persegue. O cavalo quase atropela o guerreiro recostado. A colisão brusca de movimentos opostos da amazona e do guerreiro e o desembarque incomum da Amazônia com seus contrastes realçam o drama geral da composição.

A figura do cocheiro no fragmento da terceira laje do friso de Skopas que chegou até nós é repleta de força e tensão excepcionais.

A arte de Skopas teve uma enorme influência na arte grega contemporânea e posterior. Sob a influência direta de Skopas, por exemplo, Píteas (um dos construtores do Mausoléu de Halicarnasso) criou um grupo escultórico monumental de Mausolo e sua esposa Artemísia, que ficava na quadriga no topo do Mausoléu. A estátua de Mausolo, com cerca de 3 m de altura, combina clareza e harmonia verdadeiramente gregas no desenho de proporções, dobras de roupas, etc. Seu rosto largo, severo e um pouco triste, cabelo longo, o longo bigode esvoaçante não só transmite a aparência étnica única de um representante de outro povo, mas também atesta o interesse dos escultores desta época em retratar a vida espiritual de uma pessoa. O círculo artístico de Skopas pode incluir os belos relevos nas bases das colunas do novo templo de Ártemis em Éfeso. A figura gentil e atenciosa do gênio alado é especialmente atraente.

Dos jovens contemporâneos de Scopas, apenas a influência do mestre ático Praxíteles foi tão duradoura e profunda quanto a de Scopas.

Em contraste com a arte tempestuosa e trágica de Skopas, Praxíteles em sua obra recorre a imagens imbuídas do espírito de harmonia clara e pura e de serena reflexão. Os heróis de Skopas são quase sempre apresentados em ação tempestuosa e rápida, as imagens de Praxíteles costumam ser imbuídas de um clima de contemplação clara e serena. E, no entanto, Scopas e Praxíteles complementam-se. Embora de formas diferentes, tanto Scopas como Praxíteles criam uma arte que revela o estado de alma humana, sentimentos humanos. Assim como Scopas, Praxíteles busca formas de revelar a riqueza e a beleza da vida espiritual de uma pessoa, sem ir além da imagem generalizada pessoa maravilhosa desprovido de características individuais únicas. As estátuas de Praxíteles retratam um homem idealmente belo e harmoniosamente desenvolvido. A este respeito, Praxiteles está mais intimamente associado às tradições dos grandes clássicos do que Scopas. Além disso, as melhores criações de Praxíteles distinguem-se por uma graça ainda maior, maior sutileza na transmissão dos matizes da vida espiritual do que muitas obras de grandes clássicos. No entanto, uma comparação de qualquer uma das obras de Praxíteles com obras-primas de grandes clássicos como as “Moiras” mostra claramente que as realizações da arte de Praxíteles foram compradas ao alto preço da perda daquele espírito de afirmação heróica da vida, daquela combinação de grandeza monumental. e simplicidade natural que foi alcançada nas obras do apogeu.

Trabalhos iniciais Praxíteles ainda está diretamente associado a exemplos da arte clássica. Assim, em “The Satyr Pouring Wine” Praxíteles usa o cânone Policleitano. Embora o Sátiro tenha chegado até nós em cópias romanas medíocres, ainda fica claro nessas cópias que Praxíteles suavizou a severidade majestosa do cânone de Policleto. O movimento do sátiro é gracioso, sua figura é esbelta.

O trabalho estilo maduro Praxíteles (c. 350 aC) é seu "Sátiro em Repouso". O sátiro de Praxíteles é um jovem elegante e atencioso. O único detalhe na aparência do sátiro que lembra sua origem “mitológica” são suas orelhas afiadas de “sátiro”. Porém, eles são quase invisíveis, pois se perdem nos cachos macios de seus cabelos grossos. O belo jovem, descansando, encostou-se casualmente no tronco de uma árvore. A modelagem sutil, assim como as sombras deslizando suavemente pela superfície do corpo, criam uma sensação de respiração, uma emoção de vida. A pele do lince jogada sobre os ombros com suas dobras pesadas e textura áspera enfatiza a extraordinária vitalidade e calor do corpo. Seus olhos profundos olham atentamente para o mundo ao seu redor, há um sorriso suave e levemente malicioso em seus lábios e em sua mão direita está a flauta que ele acabara de tocar.

A maestria de Praxíteles foi revelada mais plenamente em seu “Hermes Descansando com o Menino Dionísio” e “Afrodite de Cnido”.

Hermes é retratado parando durante sua jornada. Ele se apoia casualmente em um tronco de árvore. Na mão direita, sem conservas, Hermes aparentemente segurava um cacho de uvas, ao qual o bebê Dionísio está alcançando (suas proporções, como era usual nas imagens de crianças na arte clássica, não são infantis). A perfeição artística desta estátua reside na vitalidade da imagem, surpreendente no seu realismo, na expressão da espiritualidade profunda e subtil que o escultor soube dar ao belo rosto de Hermes.

A capacidade do mármore de criar um jogo suave e cintilante de luz e sombra, de transmitir as mais finas nuances de textura e todos os tons no movimento da forma foi desenvolvida pela primeira vez com tanta habilidade por Praxiteles. Utilizando brilhantemente as possibilidades artísticas do material, subordinando-as à tarefa de uma revelação extremamente vital e espiritualizada da beleza da imagem de uma pessoa, Praxíteles transmite toda a nobreza do movimento da figura forte e graciosa de Hermes, o elástico a flexibilidade dos músculos, o calor e a suavidade elástica do corpo, o pitoresco jogo de sombras nos cabelos cacheados, a profundidade do seu olhar pensativo.

Em Afrodite de Cnido, Praxíteles retratou uma bela mulher nua que havia tirado a roupa e estava pronta para entrar na água. As dobras frágeis e pesadas das roupas descartadas, com um jogo nítido de luz e sombra, enfatizam as formas esbeltas do corpo, seus movimentos calmos e suaves. Embora a estátua fosse destinada a fins religiosos, não há nada de divino nela - é apenas uma bela mulher terrena. O corpo feminino nu, embora raro, atraiu a atenção de escultores de já grandes clássicos (“Garota Flautista” do Trono de Ludovisi, “Nióbis Ferida” do Museu dos Banhos, etc.), mas pela primeira vez uma deusa nua foi retratado, pela primeira vez, numa estátua que era de culto para o seu propósito, a imagem vestia-se assim livre de qualquer solenidade e majestade de caráter. O aparecimento de tal estátua só foi possível porque as antigas ideias mitológicas perderam finalmente o seu significado e porque para os gregos do século IV. AC. o valor estético e a expressividade vital de uma obra de arte passaram a parecer mais importantes do que a sua conformidade com as exigências e tradições do culto. O cientista romano Plínio descreve a história da criação desta estátua da seguinte forma:

Acima de todas as obras não só de Praxíteles, mas geralmente existentes no universo, está a Vénus da sua obra. Para vê-la, muitos nadaram até Knidus. Praxíteles fabricou e vendeu simultaneamente duas estátuas de Vênus, mas uma estava coberta de roupas - era a preferida pelos habitantes de Kos, que tinham o direito de escolher. Praxíteles cobrou o mesmo preço pelas duas estátuas. Mas os habitantes de Kos reconheceram esta estátua como séria e modesta; os Cnidianos compraram o que rejeitaram. E sua fama era imensamente maior. Posteriormente, o rei Nicomedes quis comprá-lo dos Cnidianos, prometendo perdoar ao estado Cnidiano todas as enormes dívidas que eles tinham. Mas os Cnidianos preferiram mover tudo em vez de se desfazer da estátua. E não em vão. Afinal, Praxíteles criou a glória de Cnido com esta estátua. O prédio onde está localizada esta estátua é todo aberto, por isso pode ser visto de todos os lados. Além disso, acreditam que esta estátua foi construída com a participação favorável da própria deusa. E por um lado o deleite que evoca não é menor....

Afrodite de Knidos deu origem, especialmente na era helenística, a uma série de repetições e imitações. Nenhum deles, entretanto, poderia ser comparado ao original. Imitadores posteriores viram em Afrodite apenas uma imagem sensual de um belo corpo feminino. Na verdade, o verdadeiro conteúdo desta imagem é muito mais significativo. “Afrodite de Cnido” personifica a admiração pela perfeição da beleza física e espiritual do homem.

“Afrodite Cnidiana” chegou até nós em inúmeras cópias e versões, algumas datando da época de Praxíteles. O melhor deles não são aquelas cópias dos Museus do Vaticano e de Munique, onde a figura de Afrodite foi preservada inteiramente (são cópias de dignidade não muito elevada), mas estátuas como o “Torso de Afrodite” napolitano, cheio de incríveis detalhes vitais. encanto, ou a maravilhosa cabeça da chamada “Afrodite de Kaufman”, onde o olhar pensativo característico de Praxíteles e a suave ternura da expressão facial são perfeitamente transmitidos. O torso da Afrodite de Khvoshchinsky, um monumento belíssimo da coleção antiga do Museu Pushkin de Belas Artes, também remonta a Praxíteles.

A importância da arte de Praxíteles reside também no facto de algumas das suas obras sobre temas mitológicos terem transferido imagens tradicionais para a esfera da vida quotidiana. A estátua de "Apollo Saurocton" é essencialmente apenas um menino grego praticando sua agilidade: ele tenta perfurar um lagarto correndo com uma flecha. Não há nada de divino na graça deste corpo jovem e esguio, e o próprio mito passou por um repensar lírico de gênero tão inesperado que nada resta da antiga imagem tradicional grega de Apolo.

“Artemis from Gabii” se distingue pela mesma graça. A jovem grega, ajeitando as roupas nos ombros com um gesto natural e livre, não se parece em nada com a deusa rígida e orgulhosa, irmã de Apolo.

As obras de Praxiteles receberam amplo reconhecimento, expresso, em particular, no facto de serem repetidas em infinitas variações em pequenos plásticos de terracota. Em toda a sua estrutura, por exemplo, a maravilhosa estatueta de tanager de uma menina envolta em uma capa, e muitas outras (por exemplo, “Afrodite em uma Concha”) se aproximam de “Ártemis de Gabii”. Nestas obras de mestres modestos, que nos permaneciam desconhecidos de nome, continuaram a viver as melhores tradições da arte de Praxíteles; a poesia sutil da vida, característica de seu talento, é preservada neles incomensuravelmente em maior medida do que em incontáveis ​​​​observações friamente fofas ou sentimentais mestres famosos Escultura helenística e romana.

Algumas estátuas de meados do século IV também são de grande valor. AC. feito por mestres desconhecidos. Eles combinam e variam de forma única as descobertas realistas de Escopas e Praxíteles. Tal é, por exemplo, uma estátua de bronze de um efebo, encontrada no século XX. no mar perto de Maratona (“O Jovem de Maratona”). Esta estátua é um exemplo do enriquecimento da técnica do bronze com todas as técnicas pictóricas e texturais da arte praxiteliana. A influência de Praxíteles refletiu-se aqui tanto na graça das proporções quanto na ternura e consideração de toda a aparência do menino. A “Cabeça de Eubouleus” também pertence ao círculo de Praxíteles, notável não só pelos seus detalhes, em particular, os cabelos ondulados soberbamente representados, mas também - sobretudo - pela sua delicadeza espiritual.

Nas obras de Skopas e Praxíteles encontraram a solução mais vívida e completa para os problemas enfrentados pela arte da primeira metade do século IV. O seu trabalho, apesar de todo o seu carácter inovador, ainda estava intimamente ligado aos princípios da arte dos altos clássicos. Na cultura artística da segunda metade do século e especialmente no último terço, a ligação com as tradições dos altos clássicos torna-se menos direta e perde-se parcialmente.

Foi durante estes anos que a Macedónia, apoiada por grandes proprietários de escravos de uma série de políticas importantes, alcançou a hegemonia nos assuntos gregos.

Os apoiantes da velha democracia, os defensores da independência e das liberdades da polis, apesar da sua resistência heróica, sofreram uma derrota decisiva. Esta derrota foi historicamente inevitável, uma vez que a pólis e a sua estrutura política não proporcionavam as condições necessárias para o desenvolvimento de uma sociedade escravista. Não havia pré-requisitos históricos para uma revolução bem-sucedida de escravos e a eliminação dos próprios fundamentos do sistema escravista. Além disso, mesmo os mais consistentes defensores das antigas liberdades da pólis e inimigos da expansão macedónia, como o famoso orador ateniense Demóstenes, não pensaram de forma alguma na derrubada do sistema escravista e expressaram apenas os interesses de amplos sectores da parte livre da população comprometida com os princípios da antiga democracia escravista. Daí a destruição histórica de sua causa. Últimas décadas do século 4 aC não foram apenas a época que levou ao estabelecimento da hegemonia macedônia na Grécia, mas também a era das campanhas vitoriosas de Alexandre o Grande ao Oriente (334 - 325 aC), que abriram novo capítulo na história da sociedade antiga - o chamado helenismo.

Naturalmente, a natureza transitória desta época, a época de uma ruptura radical do antigo e do nascimento do novo, não poderia deixar de se refletir na arte.

Na cultura artística daqueles anos, travava-se uma luta entre a arte falso-clássica, abstraída da vida, e a arte realista e avançada, que, a partir do processamento das tradições do realismo clássico, tentava encontrar meios de reflexão artística de um realidade que já era diferente daquela do século V.

Foi durante estes anos que a direção idealizadora da arte dos clássicos tardios revelou com particular clareza o seu caráter anti-realista. Na verdade, o isolamento completo da vida ocorreu ainda na primeira metade do século IV. AC. obras da direção idealizadora apresentam abstração fria e artificialidade. Nas obras de mestres da primeira metade do século, como Kephisodotus, autor da estátua “Eirene com Plutão”, pode-se ver como as tradições clássicas foram gradualmente privadas de seu conteúdo vital. A habilidade de um escultor de direção idealizadora às vezes se resumia a um domínio virtuoso das técnicas formais, o que tornava possível criar obras aparentemente belas, mas essencialmente desprovidas de persuasão genuína e realista.

Em meados do século, e especialmente na segunda metade do século IV, esta tendência conservadora essencialmente expansiva recebeu um desenvolvimento especialmente amplo. Artistas desse movimento participaram da criação de arte oficial friamente solene, destinada a decorar e glorificar a nova monarquia e afirmar os ideais estéticos antidemocráticos dos grandes proprietários de escravos. Estas tendências reflectiram-se claramente nos relevos decorativos individuais feitos em meados do século por Timothy, Briaxis e Leochares para o mausoléu de Halicarnasso.

A arte da direção falso-clássica foi revelada de forma mais consistente na obra de Leochares, um ateniense de nascimento, que se tornou o artista da corte de Alexandre, o Grande. Foi ele quem criou uma série de estátuas crisoelefantinas dos reis da dinastia macedônia para o Philippeion. Frio e exuberante, classicizante, isto é, imitando externamente as formas clássicas, o estilo das obras de Leochar satisfez as necessidades da monarquia emergente de Alexandre. Uma ideia do estilo das obras de Leochares, dedicadas ao louvor da monarquia macedónia, é-nos dada por uma cópia romana do seu heróico imagem de retrato Alexandre o grande. A figura nua de Alexandre tinha um caráter abstratamente ideal.

Seu grupo escultórico “Ganimedes sequestrado pela águia de Zeus” também era exteriormente decorativo, no qual uma idealização açucarada da figura de Ganimedes estava peculiarmente entrelaçada com um interesse em retratar gênero e motivos cotidianos (um cachorro latindo para uma águia, uma flauta deixada cair por Ganimedes ).

A mais significativa entre as obras de Leochar foi a estátua de Apolo - o famoso "Apollo Belvedere" ("Apollo Belvedere" é o nome da cópia romana sobrevivente em mármore do original de bronze de Leochare, que estava localizada ao mesmo tempo no Belvedere do Vaticano (loggia aberta )).

Durante vários séculos, o Apollo Belvedere foi visto como incorporando as melhores qualidades da arte clássica grega. No entanto, eles se tornaram amplamente conhecidos no século XIX. obras de verdadeiros clássicos, em particular as esculturas do Partenon, deixaram clara toda a relatividade do valor estético do Apollo Belvedere. É claro que nesta obra Leochard se mostrou um artista com domínio magistral da técnica de seu ofício e um sutil conhecedor de anatomia. No entanto, a imagem de Apolo é mais espetacular externamente do que significativa internamente. O esplendor do penteado, o giro arrogante da cabeça e a conhecida teatralidade do gesto são profundamente alheios às verdadeiras tradições dos clássicos.

A famosa estátua de “Ártemis de Versalhes”, cheia de grandeza fria e um tanto arrogante, também fica próxima ao círculo de Leochares.

O maior artista realista desta época foi Lísippo. Naturalmente, o realismo de Lísipo diferia significativamente tanto dos princípios do alto realismo clássico quanto da arte de seus antecessores imediatos - Escopas e Praxíteles. No entanto, deve-se enfatizar que Lísippo estava intimamente ligado às tradições da arte de Praxíteles e especialmente de Escopas. Na arte de Lísipo, o último grande mestre dos clássicos tardios, bem como na obra dos seus antecessores, resolveu-se a tarefa de revelar o mundo interior das experiências humanas e de uma certa individualização da imagem de uma pessoa. Ao mesmo tempo, Lysippos introduziu novos matizes na solução desses problemas artísticos e, o mais importante, deixou de considerar a criação da imagem de uma pessoa bela e perfeita como a principal tarefa da arte. Lísipo, como artista, sentia que as novas condições de vida social privavam este ideal de qualquer base vital séria.

É claro que, continuando as tradições da arte clássica, Lísipo procurou criar uma imagem típica generalizada que incorporasse os traços característicos de um homem de sua época. Mas essas mesmas características, a própria atitude do artista para com essa pessoa já eram significativamente diferentes.

Em primeiro lugar, Lísippo encontra a base para retratar o típico na imagem de uma pessoa, não naqueles traços que caracterizam uma pessoa como membro de um coletivo de cidadãos livres da polis, como uma personalidade harmoniosamente desenvolvida, mas nas características de sua idade. , ocupação, pertencente a um ou outro caráter psicológico . Assim, embora Lísippo não se volte para a imagem de uma personalidade individual em toda a sua originalidade única, ainda assim as suas imagens tipicamente generalizadas distinguem-se por uma maior diversidade do que as imagens dos grandes clássicos. Uma novidade particularmente importante na obra de Lísipo é o interesse em revelar o que é caracteristicamente expressivo, em vez de idealmente perfeito, na imagem de uma pessoa.

Em segundo lugar, Lysippos enfatiza, até certo ponto, o momento de percepção pessoal em suas obras e se esforça para transmitir sua atitude emocional em relação ao evento retratado. De acordo com Plínio, Lísippo disse que se os antigos retratavam as pessoas como realmente eram, então ele, Lísippo, representava as pessoas como pareciam.

Lysippos também se caracterizou pela expansão da estrutura de gênero tradicional da escultura clássica. Ele criou muitas estátuas monumentais enormes, destinadas a decorar grandes praças e ocupar seu lugar independente no conjunto da cidade. A mais famosa foi a grandiosa estátua de bronze de Zeus, com 20 m de altura, que precedeu o aparecimento de estátuas colossais típicas da arte dos séculos III a II. AC. A criação de uma estátua de bronze tão grande deveu-se não só ao desejo da arte da época pela grandeza e poder sobrenaturais das suas imagens, mas também ao crescimento da engenharia e do conhecimento matemático. A observação de Plínio sobre a estátua de Zeus é característica: “O que é surpreendente nela é que, como dizem, ela pode ser posta em movimento pela mão, mas nenhuma tempestade pode abalá-la: este é o cálculo do seu equilíbrio”. Lísipo, juntamente com a construção de enormes estátuas, também se voltou para a criação de pequenas estatuetas do tamanho de câmaras que eram propriedade de um indivíduo e não de domínio público. Esta é uma estatueta de mesa representando um Hércules sentado, que pertenceu pessoalmente a Alexandre, o Grande. Também nova foi a abordagem de Lysippos ao desenvolvimento de grandes composições multifiguradas sobre temas históricos modernos em escultura redonda, o que certamente expandiu o leque de possibilidades artísticas da escultura. Por exemplo, grupo famoso"Alexandre na Batalha de Granicus" consistia em vinte e cinco figuras montadas em combate.

Numerosas cópias romanas das suas obras dão-nos uma ideia bastante clara da natureza da arte de Lísippo.

A compreensão de Lísipo da imagem do homem foi incorporada de maneira especialmente vívida em seu famoso nos tempos antigos estátua de bronze"Apoxiômenes." Lysippos retratou um jovem usando um raspador para remover a areia da arena que havia grudado em seu corpo durante uma competição esportiva. Nesta estátua, o artista transmitiu de forma muito expressiva o estado de cansaço que tomou conta do jovem após o stress da luta que viveu. Tal interpretação da imagem de um atleta sugere que o artista rompe decisivamente com as tradições da arte dos clássicos gregos, que se caracterizava pelo desejo de mostrar o herói na máxima tensão de todas as suas forças, como, por exemplo, nas obras de Skopas, ou corajoso e forte, pronto para realizar uma façanha, como, por exemplo, em Doríforo, de Policleto. Em Lísipo, seu Apoxyomenes é desprovido de qualquer heroísmo. Mas tal interpretação da imagem dá a Lísipo a oportunidade de evocar no espectador uma impressão mais direta da vida, de dar à imagem de Apoxyomenes a maior persuasão, de mostrar não um herói, mas apenas um jovem atleta.

No entanto, seria errado concluir que Lísippo se recusa a criar uma imagem típica. Lísipo se propõe a revelar o mundo interior de uma pessoa, mas não retratando as propriedades constantes e estáveis ​​​​de seu caráter, como faziam os mestres dos altos clássicos, mas transmitindo a experiência de uma pessoa. Em Apoxyomenes, Lísippo quer mostrar não paz interior e equilíbrio estável, mas uma mudança complexa e contraditória nos tons de humor. Já o tema da trama, como se lembrasse a luta que o jovem acabara de vivenciar na arena, dá ao espectador a oportunidade de imaginar a tensão apaixonada de todas as forças físicas e espirituais que este esbelto corpo jovem suportou.

Daí a nitidez dinâmica e a complexidade da composição. Toda a figura do jovem parece estar permeada de movimentos instáveis ​​​​e mutáveis. Este movimento é implantado livremente no espaço. O jovem apoia-se na perna esquerda; sua perna direita está recuada e lateral; o corpo, que é facilmente transportado por pernas delgadas e fortes, é ligeiramente inclinado para a frente e ao mesmo tempo faz uma curva acentuada. Uma reviravolta particularmente complexa é dada pela sua cabeça expressiva, assente num pescoço forte. A cabeça de Apoxiomenes está voltada para a direita e ao mesmo tempo ligeiramente inclinada para o ombro esquerdo. Olhos sombreados e profundos olham cansados ​​para longe. O cabelo estava preso em mechas espalhadas e inquietas.

Ângulos e giros complexos da figura atraem o espectador a buscar cada vez mais novos pontos de vista, nos quais se revelam matizes cada vez mais expressivos no movimento da figura. Esta característica contém a profunda originalidade da compreensão de Lysippov das possibilidades da linguagem da escultura. Em Apoxyomena, cada ponto de vista é essencial para a percepção da imagem e introduz algo fundamentalmente novo nesta percepção. Assim, por exemplo, a impressão da energia rápida da figura ao olhar para ela de frente enquanto caminha ao redor da estátua é gradualmente substituída por uma sensação de cansaço. E somente comparando impressões alternadas ao longo do tempo é que o espectador tem uma ideia completa da natureza complexa e contraditória da imagem de Apoxyomenes. Este método de percorrer uma obra escultórica, desenvolvido por Lysippos, enriqueceu a linguagem artística da escultura.

No entanto, também aqui o progresso foi comprado a um preço elevado - o preço do abandono da clara integridade e simplicidade das imagens dos grandes clássicos.

Perto de Apoxyomenos está "Hermes Resting", criado por Lysippos ou um de seus alunos. Hermes pareceu sentar-se à beira de um penhasco por um momento. O artista transmitiu aqui paz, um ligeiro cansaço e ao mesmo tempo a disponibilidade de Hermes para continuar o seu voo rápido e rápido. A imagem de Hermes é desprovida de conteúdo moral profundo; não contém nem o heroísmo claro das obras do século V, nem o impulso apaixonado de Skopas, nem o lirismo refinado das imagens praxitelianas. Mas, por outro lado, os traços externos característicos do rápido e hábil mensageiro dos deuses, Hermes, são transmitidos de forma vital e expressiva.

Como já mencionado, Lísippo transmite de maneira especialmente sutil em suas estátuas o momento de transição de um estado para outro: da ação ao repouso, do repouso à ação; tal é o cansado Hércules, descansando apoiado em sua clava (o chamado “Hércules Farnese”). Lísipo também mostra expressivamente a tensão da força física humana: em “Hércules Ultrapassando o Cirene traseiro”, a força bruta do corpo acima do peso de Hércules é contrastada com uma pungência excepcional à esbelteza e graça da figura da corça. Esta composição, que chegou até nós, como outras obras de Lísippo, em cópia romana, fazia parte de uma série de 12 grupos escultóricos que retratam as obras de Hércules. A mesma série incluía também um grupo que representava a luta de Hércules com o leão de Neméia, que também chegou até nós numa cópia romana guardada em l'Hermitage.

O trabalho de Lísippo foi especialmente importante para a evolução do retrato grego. Embora Lísippo não tenha ido além de Demétrio de Alopeka na transmissão específica das características externas da pessoa retratada, ele já se propôs de forma bastante clara e consistente o objetivo de revelar o caráter geral da pessoa retratada. Lísipo aderiu igualmente a este princípio tanto na série de retratos dos sete sábios, de natureza histórica, como nos retratos dos seus contemporâneos.

Assim, a imagem do sábio Bias para Lísippo é, antes de tudo, a imagem de um pensador. Pela primeira vez na história da arte, um artista transmite em sua obra o próprio processo de pensamento, pensamento profundo e concentrado. A cabeça ligeiramente inclinada de Bias, as sobrancelhas franzidas, o olhar ligeiramente sombrio, a boca cerrada e obstinada, os fios de cabelo com seu jogo inquieto de luz e sombra - tudo isso cria uma sensação de tensão geral contida. O retrato de Eurípides, sem dúvida associado ao círculo de Lísippo, transmite um sentimento de ansiedade trágica, triste; pensamento. Diante do espectador não está apenas um marido sábio e digno, como mostraria Eurípides o mestre dos grandes clássicos, mas um trágico. Além disso, a caracterização de Eurípides feita por Lísipo corresponde à natureza geral agitada da obra do grande poeta dramático.

A originalidade e a força dos retratos de Lísipo foram incorporadas mais claramente em seus retratos de Alexandre, o Grande. Uma ideia da estátua conhecida na antiguidade, representando Alexandre na forma tradicional de um herói-atleta nu, é dada por uma pequena estatueta de bronze guardada no Louvre. De excepcional interesse é a cabeça de mármore de Alexandre, feita por um mestre helenístico a partir do original de Lísippo. Esta cabeça permite julgar a proximidade criativa da arte de Lysippos e Skopas. Ao mesmo tempo, em comparação com Skopas, este retrato de Alexandre é feito passo importante rumo a uma divulgação mais complexa da vida espiritual humana. É verdade que Lísipo não se esforça para reproduzir com todo cuidado os traços externos característicos da aparência de Alexandre. Nesse sentido, a cabeça de Alexandre, assim como a de Bias, tem um caráter ideal, mas a natureza complexa e contraditória de Alexandre é transmitida aqui com força excepcional.

Uma virada de cabeça obstinada e enérgica e fios de cabelo jogados para trás criam uma sensação geral de impulso patético. Por outro lado, as dobras tristes na testa, o olhar sofrido e a boca curvada dão à imagem de Alexandre traços de confusão trágica. Neste retrato, pela primeira vez na história da arte, a tensão das paixões e a sua luta interna são expressas com tanta força.

No último terço do século IV. AC. no retrato, não foram desenvolvidos apenas os princípios da expressividade psicológica generalizada, tão característicos de Lísipo. Junto com essa direção, havia outra - que buscava transmitir a semelhança externa do retrato, ou seja, a originalidade da aparência física de uma pessoa.

A cabeça de bronze de um lutador de Olímpia, possivelmente feita por Lisístrato, irmão de Lísippo, transmite com precisão e poder a força física bruta, a vida espiritual primitiva de um lutador profissional de meia-idade e a melancolia sombria de seu caráter. Nariz achatado, olhos pequenos, arregalados e profundos, maçãs do rosto largas - tudo neste rosto fala das características únicas de uma pessoa individual. Vale ressaltar, porém, que o mestre enfatiza justamente aquelas características da aparência individual do modelo que são consistentes com o tipo geral de pessoa, possuindo força física bruta e tenacidade estúpida. A cabeça de um lutador é ao mesmo tempo um retrato e, em maior medida, um certo caráter humano. Este grande interesse do artista pela imagem, juntamente com a beleza do caracteristicamente feio, é completamente novo em comparação com os clássicos. O autor do retrato não está nem um pouco interessado em avaliar e condenar os lados feios do caráter humano. Eles existem - e o artista os retrata da forma mais precisa e expressiva possível; qualquer seleção e avaliação não importa – este é o princípio que está claramente expresso neste trabalho.

Assim, também nesta área da arte, o avanço no sentido de uma representação mais concreta da realidade foi acompanhado por uma perda de compreensão do elevado valor educativo da arte. A cabeça de um lutador de Olímpia, em seu caráter, aliás, já vai além da arte dos clássicos tardios e está intimamente ligada à próxima etapa do desenvolvimento da arte grega.

Não se deve, entretanto, presumir que na arte do século IV. AC. tipos feios, fenômenos feios da vida não eram ridicularizados. Como no século V. AC e no século IV. Estatuetas de barro de natureza caricaturada ou grotesca eram muito difundidas. Em alguns casos, essas estatuetas eram repetições de máscaras teatrais cômicas. Entre as figuras grotescas do século V. AC. (especialmente criadas na segunda metade do século) e estatuetas do século IV. AC. houve uma diferença importante. Estatuetas do século V apesar de todo o seu realismo, eles se distinguiam por uma certa generalidade de formas. No século IV. eles tinham um caráter mais diretamente real, quase de gênero. Algumas delas eram imagens nítidas e raivosas de tipos expressivos; um agiota, uma velha feia e malvada, etc. O Eremitério de Leningrado tem uma rica coleção dessas estatuetas de argila.

Nos clássicos tardios, desenvolveram-se as tradições da pintura realista do último quartel do século V. AC. Sua participação em vida artística século 4 AC. era muito grande.

O maior entre os pintores de meados do século IV. AC. Havia Nícias, a quem Praxíteles tinha uma estima especial. Praxíteles, como a maioria dos mestres de sua época, contratou pintores para pintar suas estátuas de mármore. Essa coloração era aparentemente muito leve e cuidadosa. Tintas de cera derretida foram esfregadas no mármore, revivendo e aquecendo suavemente a brancura fria da pedra.

Nenhuma das obras originais de Nicias sobreviveu até hoje. Uma ideia bem conhecida da sua obra é dada por algumas das pinturas murais de Pompeia, que repetem de forma muito imperfeita os enredos e soluções composicionais desenvolvidas por Nicéia. Um afresco de Pompéia reproduz a famosa pintura "Perseu e Andrômeda" de Nicias. Embora as figuras ainda sejam de natureza estatuária, ainda em comparação com o século V. AC. A pintura distingue-se pela liberdade na transmissão dos ângulos e movimentos das figuras. A paisagem é delineada nos termos mais gerais, apenas o suficiente para criar a impressão mais geral do espaço onde as figuras estão colocadas. A tarefa de uma representação detalhada do ambiente em que uma pessoa vive e age ainda não estava definida - a pintura antiga apenas na era do helenismo tardio chegou perto de resolver este problema. Esta característica da pintura clássica tardia era completamente natural e explicada pelo fato de que a consciência artística grega se esforçava acima de tudo para revelar a imagem de uma pessoa. Mas aquelas propriedades da linguagem da pintura, que possibilitaram modelar com precisão o corpo humano, foram desenvolvidas com sucesso pelos mestres do século IV. AC, e especialmente Nícias. Segundo os contemporâneos, a modelagem suave de luz e sombra, comparações de cores fortes e ao mesmo tempo sutis que esculpem a forma, foram amplamente utilizadas por Nicias e outros artistas do século IV. AC.

A maior perfeição na arte da pintura, segundo as críticas dos antigos, foi alcançada por Apeles, que, junto com Lísippo, foi o mais artista famosoúltimo terço do século. Jônico de nascimento, Apeles foi um mestre proeminente retrato pitoresco clássicos tardios. Seu retrato de Alexandre, o Grande, foi especialmente famoso; Apeles também criou uma série de composições alegóricas que, de acordo com as descrições sobreviventes, forneceram um excelente alimento para a mente e a imaginação do público. Algumas de suas composições dessa natureza foram descritas com tantos detalhes por seus contemporâneos que motivaram tentativas de reproduzi-las durante o Renascimento. Por exemplo, a descrição da “Alegoria da Calúnia” de Apeles serviu de tela para uma pintura criada por Botticelli sobre o mesmo tema. Esta descrição cria a impressão de que se a representação de pessoas por Apeles e a representação de seus movimentos e expressões faciais se distinguiam por uma grande expressividade vital, então composição geral foi um tanto condicional. Figuras que incorporavam certas ideias e ideias abstratas pareciam passar uma após a outra diante dos olhos do público.

A "Afrodite Anadyomene" de Apeles, que adornava o Templo de Asclépio na ilha de Kos, parece ter incorporado de forma especialmente completa a habilidade realista do artista. Nos tempos antigos, esta pintura não era menos famosa que “Afrodite de Cnido”, de Praxíteles. Apeles retratou Afrodite nua emergindo da água e tirando a umidade do mar de seus cabelos. Os contemporâneos deste trabalho ficaram impressionados não apenas com a imagem magistral do corpo molhado e da água límpida, mas também com o olhar brilhante e “brilhante de felicidade e amor” de Afrodite. Aparentemente, a transferência do estado mental de uma pessoa é o mérito incondicional de Apeles, aproximando a sua obra da tendência geral de desenvolvimento da arte realista do último terço do século IV. AC.

No século IV. AC. A pintura monumental também foi difundida. Com base em descrições antigas, é possível fazer uma suposição plausível de que a pintura monumental percorreu o mesmo caminho de desenvolvimento que a escultura durante o período clássico tardio, mas, infelizmente, a quase completa ausência de originais sobreviventes nos priva da oportunidade de dar-lhe uma avaliação detalhada. No entanto, monumentos como as pinturas recentemente descobertas em Kazanlak (Bulgária), século IV ou início do século III. AC. , dão uma certa ideia da graça e sutileza da pintura clássica tardia, já que esses afrescos foram, sem dúvida, feitos por um mestre grego. Nesta pintura, porém, não há ambiente espacial; as figuras são apresentadas sobre um fundo plano e estão pouco conectadas pela ação geral. Aparentemente, a pintura foi criada por um mestre formado em alguma escola provincial. No entanto, a descoberta desta pintura em Kazanlak pode ser considerada um dos eventos mais notáveis ​​no estudo da pintura grega antiga.

Durante o período clássico tardio, as artes aplicadas continuaram a florescer. No entanto, juntamente com os próprios centros gregos de artesanato artístico no último terço do século IV. AC, especialmente na era helenística, os centros da Ásia Menor, da Magna Grécia (Apúlia, Campânia) e da região norte do Mar Negro começaram a se desenvolver. As formas dos vasos estão se tornando cada vez mais complexas; com mais frequência do que no século V. AC, existem vasos que imitam no barro a técnica dos caros vasos de prata com seus entalhes e perfis complexos e finos. A coloração de imagens em relevo convexas colocadas na superfície de um vaso é muito utilizada.

O aparecimento de vasos deste tipo foi consequência do luxo e da pompa da vida privada característicos das casas ricas do século IV. AC. Prosperidade econômica relativa no século IV. As cidades gregas do sul da Itália determinaram a distribuição particularmente ampla de vasos deste estilo nessas cidades.

Freqüentemente criado por mestres cerâmicos do século IV. AC. e vasos figurados. Além disso, se no século V. BC. AC. os mestres geralmente se limitavam a representar a cabeça de uma pessoa ou animal, menos frequentemente uma figura separada, então no século IV. eles geralmente retratam grupos inteiros que consistem em várias figuras intimamente entrelaçadas e de cores vivas. Tal é, por exemplo, o lekythos escultórico “Afrodite acompanhada por dois Erotes” de origem na Ásia Menor.

Difundido obra de arte em metal. De particular interesse são os vasos e pratos de prata, decorados com imagens em relevo. Esta é a “taça Orsini”, encontrada no século XVIII. em Anzio, com relevo representando a corte de Orestes. Itens de ouro notáveis ​​foram encontrados recentemente na Bulgária. Porém, em geral, as artes aplicadas e principalmente a pintura de vasos não chegaram ao século IV. AC. aquela elevada perfeição artística daquela ligação subtil da composição com a forma do vaso, tão típica da pintura em vasos do século V.

Arte da segunda metade do século IV. AC. completou o longo e glorioso caminho de desenvolvimento dos clássicos gregos.

Pela primeira vez na história da humanidade, a arte clássica estabeleceu como objetivo a divulgação verdadeira do valor ético e estético da pessoa humana e do coletivo humano. A arte clássica, no seu melhor, expressou os ideais da democracia pela primeira vez na história da sociedade de classes.

A cultura artística dos clássicos mantém para nós um valor eterno e duradouro, como um dos ápices absolutos do desenvolvimento artístico da humanidade. Nas obras de arte clássica, pela primeira vez, o ideal de uma pessoa harmoniosamente desenvolvida encontrou sua expressão artística perfeita; a beleza e o valor de uma pessoa física e moralmente bela foram verdadeiramente revelados;

A arte da Grécia Antiga tornou-se o suporte e a base sobre a qual todo o Civilização europeia. A escultura da Grécia Antiga é um tema especial. Sem a escultura antiga não haveria obras-primas brilhantes da Renascença, e o desenvolvimento desta arte é difícil de imaginar. Na história do desenvolvimento da escultura grega antiga, podem ser distinguidas três grandes fases: arcaica, clássica e helenística. Cada um tem algo importante e especial. Vejamos cada um deles.

Arcaico

Este período inclui esculturas criadas desde o século VII aC até o início do século V aC. A época nos deu figuras de jovens guerreiros nus (kuros), bem como muitas figuras femininas vestidas (koras). As esculturas arcaicas são caracterizadas por alguns esboços e desproporções. Por outro lado, cada obra do escultor atrai pela simplicidade e emotividade contida. As figuras desta época caracterizam-se por um meio sorriso, conferindo às obras algum mistério e profundidade.

"Deusa com Romã", que está guardada no Berlim museu estadual, uma das esculturas arcaicas mais bem preservadas. Apesar da rugosidade externa e das proporções “erradas”, a atenção do espectador é atraída para as mãos da escultura, executada de forma brilhante pelo autor. O gesto expressivo da escultura torna-a dinâmica e especialmente expressiva.

"Kouros do Pireu", que adorna o acervo do Museu de Atenas, é uma obra posterior e, portanto, mais avançada do antigo escultor. Diante do espectador está um jovem guerreiro poderoso. Uma leve inclinação da cabeça e gestos com as mãos indicam uma conversa pacífica que o herói está tendo. As proporções perturbadas já não são tão marcantes. E os traços faciais não são tão generalizados como nas primeiras esculturas do período arcaico.

Clássico

A maioria das pessoas associa as esculturas desta época em particular à arte plástica antiga.

Na era clássica, esculturas famosas como Atena Partenos, Zeus Olímpico, Discobolus, Doryphorus e muitas outras foram criadas. A história preservou para a posteridade os nomes de escultores notáveis ​​​​da época: Policletos, Fídias, Myron, Scopas, Praxíteles e muitos outros.

As obras-primas da Grécia clássica distinguem-se pela harmonia, proporções ideais (o que indica excelente conhecimento da anatomia humana), bem como conteúdo interno e dinâmica.

É o período clássico que se caracteriza pelo aparecimento das primeiras figuras femininas nuas (a Amazona Ferida, Afrodite de Cnido), que dão uma ideia do ideal beleza feminina apogeu da antiguidade.

helenismo

A antiguidade grega tardia é caracterizada por uma forte influência oriental em toda a arte em geral e na escultura em particular. Aparecem ângulos complexos, cortinas requintadas e numerosos detalhes.

A emotividade e o temperamento oriental penetram na calma e majestade dos clássicos.

Afrodite de Cirene, que decora o Museu Romano das Termas, é cheia de sensualidade, até mesmo de alguma coqueteria.

A composição escultórica mais famosa da era helenística é Laocoonte e seus filhos de Agesandro de Rodes (a obra-prima está guardada em um deles). A composição é cheia de drama, o enredo em si sugere fortes emoções. Resistindo desesperadamente às cobras enviadas por Atenas, o próprio herói e seus filhos parecem entender que seu destino é terrível. A escultura é feita com extraordinária precisão. As figuras são de plástico e reais. Os rostos dos personagens impressionam fortemente o espectador.

Das primeiras décadas do século V. BC. AC. O período clássico de desenvolvimento da cultura grega e da arte grega começou. Reformas de Clístenes no final do século VI. AC. aprovou em Atenas e outras cidades gregas a vitória completa do povo sobre a aristocracia. No início do século V. BC. AC. surgiram duas cidades-estado mais opostas: Atenas e Esparta. Para a história da arte, Esparta permaneceu estéril.

O centro de desenvolvimento da cultura helênica clássica foi principalmente a Ática, o norte do Peloponeso, as ilhas do Mar Egeu e, em parte, as colônias gregas na Sicília e no sul da Itália (Magna Grécia). Durante as guerras greco-persas, começou o primeiro período de desenvolvimento da arte clássica - os primeiros clássicos (490-550 aC) no segundo quartel do século V. BC. AC. (475-450 aC) as tradições arcaicas foram finalmente superadas e os princípios dos clássicos receberam sua plena expressão na obra dos mestres da época. O momento de maior prosperidade está em“A Era de Péricles” - durou de 450 a 410 AC. No final do século V. BC. AC. o uso crescente do trabalho escravo passou a afetar negativamente a prosperidade do trabalho livre, causando o empobrecimento gradual dos cidadãos livres comuns. A divisão da Grécia em políticas começou a desacelerar o desenvolvimento de uma sociedade escravista. As longas e difíceis Guerras do Peloponeso (431 - 404 a.C.) entre duas alianças de cidades (lideradas por Atenas e Esparta) aceleraram a crise das políticas. Arte clássica no final do século V - início do século IV. AC. entrou em seu último e terceiro estágio de desenvolvimento - o clássico tardio. A arte dos clássicos tardios perdeu seu caráter heróico e cívico, mas foram desenvolvidas novas imagens que refletiam as contradições internas do homem. Este período tornou-se mais dramático e lírico;

Conquista macedônia na segunda metade do século IV. AC. pôr fim à existência independente das cidades-estado gregas. Não destruiu as tradições dos clássicos gregos, mas em geral o desenvolvimento da arte posterior seguiu um caminho diferente.

Arte dos primeiros clássicos."Estilo estrito"

490-450 AC.

As características da convenção arcaica ainda se fizeram sentir durante algum tempo, na pintura de vasos e especialmente na escultura. Toda a arte do primeiro terço do século V. BC. AC. foi permeado por uma intensa busca por métodos de representação realista de uma pessoa. O peripterus torna-se o tipo de construção dominante na arquitetura monumental grega. As proporções dos templos tornaram-se menos alongadas e mais sólidas. Em grandes templos, o naos era geralmente dividido em 3 partes por duas fileiras longitudinais de colunas, e em templos pequenos os arquitetos dispensavam colunas internas. Desapareceu a utilização de colunatas com número ímpar de colunas nas fachadas finais, que interferiam na localização da entrada do templo no centro da fachada. A proporção usual do número de colunas das fachadas finais e laterais passou a ser 6:13 ou 8:17. Nas profundezas da parte central do naos, em frente à entrada, havia uma estátua de uma divindade.

Um monumento de transição do arcaico tardio ao clássico inicial é o templo de Atena Afaia na ilha de Eríge (490 aC). A proporção das colunas é de 6:12, o templo é construído em pedra calcária e coberto com gesso pintado. Os frontões foram decorados com grupos escultóricos de mármore.

O templo tinha um caráter transitório"E" em Selinunte (Sicília). A proporção da coluna é 6:15.

As características típicas da arquitetura clássica inicial foram incorporadas de forma mais completa no Templo de Poseidon em Paestum (Grande Grécia, século V aC). Proporção da coluna 6:14

e no Templo de Zeus em Olímpia (Peloponeso, 468-456 aC) peripterus dórico clássico, proporção de coluna 6:13. O templo foi quase totalmente destruído, mas com base em escavações e descrições de antigos autores de seu Forma geral reconstruído com bastante precisão. A severidade e severidade das proporções foram suavizadas pelo colorido festivo. O templo foi decorado com grandes grupos escultóricos nos frontões - a competição de carruagens de Pélope e Enomaus e a batalha dos gregos (Lapitas) com os centauros, nas métopas - os trabalhos de Hércules. Interior do templo de meados do século V. AC. havia uma estátua de Zeus feita de ouro e marfim por Fídias.

Durante o início do período clássico, a pintura em vasos estava imbuída das tradições do artesanato artístico popular. Em vez da silhueta plana da pintura de vasos com figuras negras, os artistas começaram a construir corpos tridimensionais em uma ampla variedade de curvas e ângulos. Os pintores de vasos procuraram não apenas representar especificamente o corpo e o movimento - eles chegaram a uma nova compreensão da composição, pintando cenas complexas de conteúdo mitológico e cotidiano. Em certo sentido, o desenvolvimento da pintura em vasos determinou o desenvolvimento da escultura.

Os mestres mais proeminentes da pintura de vasos desta época foram Euphronius, Duris e Brig, que trabalharam em Atenas. O mais velho desses mestres, Eufrônio (final do século VI aC), está mais associado a padrões e ornamentações arcaicas.

Teseu em Anfitrite. Eufrônio

Sátiro e Ménade. Eufrônio, Louvre

Tétis e Peleu. Duris

Captura de Tróia, Mestre Brig

Na pintura em vasos, como na escultura ou na pintura monumental, o ambiente não interessava ao artista, que mostrava apenas as pessoas - suas ações. Mesmo as ferramentas com as quais uma pessoa atua e os frutos do trabalho são mostrados apenas para que o significado da ação fique claro. Isso explica a ausência de paisagem na pintura de vasos gregos - tanto os primeiros quanto os clássicos. A relação do homem com a natureza foi transmitida através da imagem do próprio homem.

Pelika com um gole. Eufrônio, Eremitério

Na parte norte do Peloponeso, na escola Argive-Sicyon, a mais significativa das escolas dóricas, a escultura desenvolveu a tarefa de criar uma figura humana em pé e calma. Mudar o centro de gravidade para uma perna permitiu que os mestres alcançassem uma postura livre e natural. O movimento Jônico prestou mais atenção ao movimento. Já no século VI. AC. a escola ática sintetizou os melhores aspectos de ambas as direções, e em meados do século V. BC. AC. estabeleceu os princípios básicos da arte realista. Uma característica importante da escultura grega do período clássico foi a sua ligação inextricável com a vida pública.A fase de transição é visível nas esculturas do frontão do Templo de Egina. (A restauração das estátuas foi realizada no século XIX pelo famoso escultor Thorvaldsen)

Há um repensar das imagens míticas em direção à força e à beleza do ideal ético e estético.

Grupo de tiranicidas: Harmodius e Aristogeiton. Escultores Critias e Nesiot (Protótipo« trabalhador e agricultor coletivo» )

Pela primeira vez na história da escultura monumental, um grupo escultórico está unido por uma única ação, um único enredo.

Em comparação, a escultura arcaica de Polimedes de Agoras"Cleobis e Biton"

Grandes mestres que deram uma guinada decisiva na escultura nos anos 70-60. século 5 AC. Havia Ageladus, Pitágoras de Régio e Calamidas.

Jacinto ou Eros Soranzo,Pitágoras de Régio(Cópia romana, Hermitage)

Cocheiro Delfos

Uma das poucas estátuas autênticas de bronze da Grécia Antiga.

Apolo de Pompéia (réplica romana)

Já no final do século VI e início do século V. BC. AC. Os artesãos tentaram retrabalhar a estátua do kouros nessa direção.

Zeus, o Trovão

Garoto tirando uma lasca

Um grande sucesso na representação do movimento real foi o aparecimento de estátuas como« O vencedor na corrida" A estátua foi originalmente feita de bronze; o copista romano, que a repetiu em mármore, acrescentou um suporte tosco.

Niobide Ferido, Museu dos Banhos, Roma

Nereidas de Xanthus (Reconstrução do Museu Britânico)

Um bom exemplo de repensar temas mitológicos durante os anos de quebra de tradições arcaicas é o relevo que representa o nascimento de Afrodite (Trono de Ludovisi):

O próximo passo importante em direção aos altos clássicos foram os grupos de frontão e métopas do Templo de Zeus em Olímpia (anos 50 do século V aC). O frontão oriental é dedicado ao mito da competição entre Pélope e Enomaus, que marcou o início de. jogos Olímpicos. Ocidental - a batalha dos lapitas com os centauros.

Inicialmente, o tipo mais comum de escultura de retrato era a estátua do vencedor das competições olímpicas. A estátua do vencedor foi encomendada pela cidade-estado para glorificar não só o vencedor, mas também toda a cidade. Um espírito valente em um corpo harmoniosamente desenvolvido - isso era considerado o que há de mais valioso em uma pessoa, por isso as estátuas eram tipicamente generalizadas. Os primeiros retratos de cidadãos distinguidos pelos seus méritos também eram desprovidos de características individuais claramente definidas.

Chefe de Atenas. Fragmento de uma metope do Templo de Zeus em Olímpia

Chefe do Atlas. Fragmento de uma metope do Templo de Zeus em Olímpia

Apolo. Fragmento do frontão ocidental do Templo de Zeus em Olímpia

Cabeça de atleta. Miron (?) Eremitério

Kimon (?) Gliptoteca de Munique

Lançador de disco, cabeça. Mirón. Roma, Museu Termal

O escultor mais famoso desta época é Myron de Eleuther. Trabalhou em Atenas no final do século II e início do terceiro quartel do século V. AC. As obras originais não chegaram até nós, apenas cópias romanas.

Lançador de disco. Mirón. Roma, Museu Termal

Atena e Mársias, Myron. Francoforte

Obras relacionadas em espírito à arte de Myron incluem um relevo representando Atena apoiada em uma lança (~460 aC):

Nike-Vitória alada, Paeonius de Mende

A arte dos altos clássicos

450-410 AC.

Arquitetura do terceiro quartel do século V. AC. agiu como evidência da vitória da vontade humana racional sobre a natureza. Não só nas cidades, mas também entre a natureza selvagem, as estruturas arquitetónicas dominaram o espaço envolvente. Por exemplo, no Cabo Sunium por volta de 430 AC. O Templo de Poseidon foi construído.

Atenas foi decorada com numerosos edifícios novos: pórticos cobertos (classificações), ginásios - escolas onde os jovens aprendiam filosofia e literatura, palaestros - instalações para ensinar ginástica aos jovens, etc. As paredes eram frequentemente cobertas por pinturas monumentais. Mas o edifício mais importante da era de Péricles foi o novo conjunto da Acrópole ateniense.

Planta do local da Acrópole de Atenas:

1. Partenon 2. Hecatompedon 3. Erecteion 4. Estátua de Atena Promacos 5. Propileus 6. Templo de Nike Apteros 7. Eleusinion 8. Bravronion 9. Chalkoteka 10. Pandroseion 11. Arrephorion 12. Altar de Atenas13. Santuário de Zeus Polyaeus14. Santuário de Pandion15. Odeão de Herodes Ático 16. Stoa de Eumenes 17. Asklepion 18. Teatro de Dionísio 19. Odeão de Péricles 20. Temenos de Dionísio21. Santuário de Aglavra

A Acrópole foi destruída durante a invasão persa; os restos de edifícios antigos e estátuas quebradas foram usados ​​para nivelar a superfície da colina. Durante o 3º quartel do século V. AC. novos edifícios foram erguidos - o Partenon, o Propileu, o Templo da Vitória Sem Asas. O edifício final do conjunto, o Erechtheon, foi construído posteriormente, durante as Guerras do Peloponeso. O traçado da Acrópole foi realizado sob a direção geral do grande escultor Fídias. O pleno significado da Acrópole só pode ser compreendido tendo em conta o movimento das procissões solenes durante as festas. Na festa da Grande Panatenaia - o dia em que, em nome de toda a cidade-estado, as meninas atenienses trouxeram os peplos que haviam tecido como presente à deusa Atena - a procissão entrou na Acrópole pelo oeste. A estrada conduzia à entrada cerimonial da Acrópole - o Propylaea (no edifício Propylaea existia uma biblioteca e uma galeria de arte - Pinakothek), construída pelo arquitecto Mnesicles em 437 -432. AC. A colunata dórica dos Propileus voltada para a cidade era emoldurada por duas alas desiguais do edifício. Um deles - o esquerdo - era maior, e adjacente ao menor estava a saliência da rocha da Acrópole - Pyrgos, coroada com um pequeno templo de Nike Apteros, ou seja, a Vitória Sem Asas (sem asas - para que nunca voaria para longe de Atenas)

Mneciclo. Propileus

Este pequeno templo foi construído pelo arquitecto Calícrates entre 449 - 421. AC. O traçado dos Propileus, assim como do Templo de Nike Apturos, aproveitou habilmente os desníveis da colina da Acrópole. O segundo pórtico dórico dos Propileus, voltado para a Acrópole, localizava-se mais alto que o exterior. O interior da passagem dos Propileus foi decorado com colunas jônicas.Na Praça da Acrópole, entre os Propileus, o Partenon e Erectéon, erguia-se uma colossal estátua de bronze (7m) de Atena Promachos (Guerreira), criada por Fídias antes mesmo da construção do novo conjunto da Acrópole.

O Partenon não estava localizado diretamente em frente à entrada, como ficava o templo arcaico de Hekatompedon, mas ao lado. A procissão festiva percorreu a colunata norte do Partenon até sua fachada principal oriental. Prédio Largo O Partenon era equilibrado pelo edifício Erechtheon, do outro lado da praça. Os criadores do Partenon foram Ictinus e Callicrates (447-438 aC). O trabalho escultórico no Partenon - Fídias e seus assistentes - continuou até 432. O Partenon tem 8 colunas nos lados curtos e 17 nos lados longos. As colunas do Partenon são colocadas com mais frequência do que nos primeiros templos dóricos, e o entablamento é mais leve. Imperceptível aos olhos curvatura- isto é, a fraca curvatura convexa das linhas horizontais do estilóbato e do entablamento, bem como as inclinações imperceptíveis das colunas para dentro e para o centro - esses desvios da precisão geométrica são necessários porque a parte central da fachada, coroada com um frontão, exerce pressão crítica sobre as colunas e estilóbato com maior força do que as laterais da fachada, a linha horizontal completamente reta da base do templo pareceria ao observador ligeiramente curvada. Para compensar este efeito óptico, algumas linhas horizontais do templo foram feitas pelos arquitetos para serem curvadas para cima. A coloração foi utilizada apenas para realçar detalhes estruturais e fornecer uma cor de fundo sobre a qual se destacavam as esculturas dos frontões e métopas (vermelho e azul).

Executado principalmente na ordem dórica, o Partenon incluía elementos individuais da ordem jônica. O Partenon foi decorado com esculturas feitas sob a direção de Fídias. Fídias também possuía uma estátua de Atena de 12 metros que ficava no naos.

Para a Acrópole, Fídias criou três estátuas de Atenas. A mais antiga delas foi Atena Promachos (Guerreira). A segunda, de tamanho menor, foi Atena Lemnia (Lemnos). A terceira é Atena Partenos (isto é, Virgem). A grandeza dos deuses de Fídias reside em sua elevada humanidade, e não na divindade.

Atena Lemnia (cópia em mármore romano, torso, Dresden, cabeça - Bolonha) e sua reconstrução

Atena Varvakion. Cópia pequena de Atena Partenos Fídias. Museu Nacional de Atenas

Uma das características das estátuas de Atena Partenos e de Zeus Olímpico era a técnica de execução crisoelefantina: a base de madeira das estátuas era coberta com finas folhas de ouro (cabelos e roupas) e placas de marfim (rosto, braços, pés). Um exemplo da impressão que esta técnica poderia produzir é um pequeno lekythos de obra ática do final do século V. AC. -"Esfinge de Taman" (Eremitério):

Os grupos escultóricos e relevos que decoravam o Partenon foram preservados nos originais, embora bastante danificados. Todos os 92 metopes do templo foram decorados com altos relevos. Nas métopas da fachada ocidental estava representada a batalha dos gregos com as amazonas, na fachada principal oriental - a batalha dos deuses com os gigantes, no lado norte do templo - a queda de Tróia, no lado sul - a luta dos lapitas com os centauros. Todos esses assuntos foram de grande importância para os antigos helenos. Um grande grupo de múltiplas figuras no tímpano do frontão oriental foi dedicado ao mito do nascimento milagroso da deusa da sabedoria Atena da cabeça de Zeus. O grupo ocidental retratou a disputa entre Atenas e Poseidon pela posse das terras do Ático. Ao longo da parede do Naos atrás das colunas caminhavam zóforo(friso em templo grego), representando a procissão festiva do povo ateniense durante os dias da Grande Panatenaia.

A vida artística desta época não se concentrou apenas em Atenas. Por exemplo, o famoso escultor Polykleitos, natural de Argos (Peloponeso). A sua arte está associada às tradições da escola Argive-Sicyon, com o seu interesse predominante em representar uma figura calmamente parada. As imagens das estátuas de Policleto ecoam o antigo ideal do hoplita (guerreiro fortemente armado).

Doríforo (Lançador). Policleitos, ~ser. século 5 AC.

O equilíbrio da figura é conseguido pelo fato de o quadril direito elevado corresponder ao ombro direito abaixado e vice-versa. Este sistema de construção da figura humana é denominado quiasma. Policleto tentou fundamentar teoricamente a imagem típica de uma pessoa perfeita, por isso passou a escrever"Canon" - um tratado teórico sobre o sistema de proporções ideais e leis de simetria. Os copistas romanos reforçaram as características de abstração que surgiram dos padrões"Cânone". Por exemplo, uma cópia romana de um jovem nu (Paris, Louvre):

No final de sua vida, Policleto abandonou a estrita adesão a“Kanon”, aproximando-se dos mestres áticos, cria o famoso Diadumen:

Também foram preservadas uma cópia romana do ferido Amazon Polykleitos e uma estátua romana do Amazon Mattea, que remonta ao original de Fídias.

Entre os alunos diretos de Fídias, destaca-se Cresilau, autor do retrato de Péricles:

Chefe de Efebe. Kresilai

No mesmo círculo de Fídias surgem obras que buscam potencializar a ação dramática e intensificar os temas da luta. Escultores desta direção decoraram o templo de Apolo em Bassai. O friso que representa a batalha dos gregos com os centauros e as amazonas, contrariando as regras habituais, estava localizado em um naos escuro e executado em alto relevo.

Entre os mestres da escola Fidiyan também no final do século V. BC. AC. Havia também uma tendência a expressar sentimentos líricos. O mestre mais importante desta tendência na Ática foi Alkamen. Alkamen também possuía algumas estátuas de caráter puramente fidiiano, por exemplo, a colossal estátua de Dionísio. No entanto, novas missões apareceram mais claramente em obras como a estátua de Afrodite -"Afrodite nos Jardins":

A busca lírica por uma imagem encontrou sua realização nos relevos da balaustrada do templo de Nike Apteros na Acrópole. Esses relevos representavam meninas realizando um sacrifício.

Nike desamarrando sua sandália

Os relevos nas lápides desempenharam um papel muito importante no desenvolvimento desta tendência.

Lápide de Gegeso. Museu Nacional de Atenas

Stella Mnesarete, Munique

Lekythos. Cena na lápide. Eremitério

As mudanças na consciência artística encontraram expressão na arquitetura. Iktin no Templo de Apolo em Bassai introduziu pela primeira vez no edifício, junto com elementos dóricos e jônicos, a terceira ordem - coríntia (embora apenas 1 coluna):

A novidade foi a construção assimétrica do edifício Erechtheon na Acrópole de Atenas, concluída por um arquiteto desconhecido em 421-406.

O desenvolvimento artístico deste templo, dedicado a Atenas e Poseidon, introduziu novas características na arquitetura dos tempos clássicos: interesse em comparações de formas arquitetônicas e escultóricas contrastantes, múltiplos pontos de vista. O Erechtheon foi construído numa encosta norte irregular, o seu traçado inclui estes desníveis: o templo é composto por duas salas localizadas em níveis diferentes, tem Formas diferentes pórticos em três lados, incluindo o famoso pórtico cor (cariátides) na parede sul. Não havia pintura externa no Erechtheon; ele foi substituído por uma combinação de mármore branco com friso roxo e douramento de peças individuais.

A pintura de vasos na era dos altos clássicos desenvolveu-se em estreita cooperação com a pintura e escultura monumental. Os vasógrafos passaram a ser atraídos por imagens não só da ação, mas também do estado mental dos personagens. Tal como na escultura, as pinturas em vasos desta época transmitiam os estados mais gerais do espírito humano, sem dar atenção a sentimentos específicos e individuais.

Cratera de Orvieto, Paris, Louvre

Sátiro empurrando uma garota em um balanço

Polinices oferecendo um colar a Erífila (Vaso de Lecce)

Por volta de meados do século, os lekythos pintados sobre fundo branco se espalharam e serviram para fins religiosos.

Museu Lekythos de Boston

No final do século V. BC. AC. A pintura de vasos começou a declinar. Já Midius e seus imitadores começaram a sobrecarregar o desenho com detalhes decorativos. A crise do trabalho livre teve um efeito particularmente prejudicial sobre a criatividade dos ceramistas e desenhistas.

A pintura do período clássico que não chegou até nós, pelo que se pode julgar pelas afirmações de autores antigos, tinha, tal como a escultura, um carácter monumental e estava indissociavelmente ligada à arquitectura. Aparentemente, na maioria das vezes era feito em afrescos, é possível que tenham sido utilizadas tintas adesivas, bem como tintas de cera (; encáustica). O maior mestre desta época foi Polignoto, natural da ilha de Tasos. Uma característica importante da pintura de Polignoto foi o seu apelo a temas de natureza histórica ("Batalha de Maratona"). Uma das obras mais famosas é a pintura"Leschi (casa de reunião) dos Cnidianos" em Delfos. Uma descrição desta obra foi preservada nos escritos de Pausânias. Sabe-se que Polignoto utilizava apenas 4 cores (branco, amarelo, vermelho e preto, aparentemente, sua paleta não era muito diferente daquela utilizada na pintura de vasos); De acordo com as descrições, a cor era do tipo pintura e quase nenhuma modelagem colorida da figura foi utilizada. Os antigos admiravam seu conhecimento anatômico e principalmente sua capacidade de representar rostos.

Na segunda metade e final do século V. BC. AC. Surgiram vários pintores, intimamente associados às tendências da escola escultórica ática. O autor mais famoso foi Apolodoro de Atenas. Sua pintura é caracterizada pelo interesse na modelagem de luz e sombra do corpo. Ele e vários outros pintores (por exemplo, Zeuxis e Parrhasius) começaram a desenvolver perspectiva linear e aérea. Apolodoro foi um dos primeiros a chegar e começou a pintar pinturas que não estavam organicamente ligadas à estrutura arquitetônica.

Arte Clássica Tardia

fim das Guerras do Peloponeso - surgimento do Império Macedônio

século 4 AC. foi uma etapa importante no desenvolvimento da arte grega antiga, as tradições dos altos clássicos foram processadas em novas condições históricas. O crescimento da escravidão e a concentração da riqueza nas mãos de poucos proprietários de escravos impediram o desenvolvimento do trabalho livre. As Guerras do Peloponeso exacerbaram o desenvolvimento da crise. Em várias cidades ocorrem revoltas da parte pobre da população. O crescimento do intercâmbio criou a necessidade de criar um poder único. Em meados do século, estava a emergir um movimento que unia os opositores da democracia escravista e depositava esperança numa força externa capaz de unir as políticas por meios militares. A monarquia macedónia era uma dessas forças.
O colapso da pólis acarretou a perda do ideal de cidadão livre. Ao mesmo tempo, conflitos trágicos na atividade social causaram o surgimento de uma visão mais complexa dos fenómenos. A arte pela primeira vez passou a servir às necessidades e interesses estéticos de uma pessoa privada, e não à polis como um todo: surgiram também obras que afirmavam princípios monárquicos. A crise do sistema de ideias mitológicas também teve grande influência na arte. Surgiu um interesse pela vida cotidiana e pelos traços característicos da constituição mental de uma pessoa.Na arte dos principais mestres do século IV. AC. - Scopas, Praxiteles, Lysippos - colocou-se o problema da transmissão das experiências humanas.
Existem 2 etapas no desenvolvimento da arte grega dos clássicos tardios. Nos primeiros 2 terços do século, a arte ainda estava organicamente ligada às tradições dos grandes clássicos. No último terço do século IV. AC. ocorre uma mudança brusca, momento em que a luta entre as linhas realistas e anti-realistas na arte se intensifica.
Durante o primeiro terço do século IV. AC e. na arquitectura registou-se um conhecido declínio da actividade de construção, reflectindo a situação social e crise econômica, que cobria todas as políticas urbanas gregas. Este declínio estava longe de ser universal. Afectou-se de forma mais aguda em Atenas, que foi derrotada nas Guerras do Peloponeso. No Peloponeso, a construção de templos não parou. No segundo terço do século, a construção voltou a intensificar-se.
Monumentos do século IV AC. em geral seguiam os princípios do sistema de ordem, mas diferiam significativamente das obras dos grandes clássicos. A construção de templos continuou, mas a construção de teatros, palaestres, ginásios, espaços interiores para reuniões públicas (bouleuteria), etc. Ao mesmo tempo, edifícios dedicados à exaltação de personalidades individuais, não de um herói mítico, mas da personalidade de um monarca autocrático, surgiram na arquitetura monumental. Por exemplo, o túmulo do governante de Caria Mausolus (Mausoléu de Halicarnasso) ou o Philippeion em Olímpia, dedicado à vitória do rei macedônio Filipe sobre as cidades-estado gregas.

Philippeion em Olímpia

Um dos primeiros monumentos a apresentar as características dos clássicos tardios foi o templo de Atena Alea em Tegea (Peloponeso), reconstruído após um incêndio em 394.Tanto o edifício como as esculturas foram criados por Skopas. No templo Tegean, todas as 3 ordens foram usadas.

Mas o edifício mais famoso foi o teatro construído por Policleto, o Jovem. Nele, como na maioria dos teatros da época, as poltronas para espectadores (theatron) ficavam localizadas ao longo da encosta do morro. 52 filas (10.000 pessoas) emolduravam a orquestra - a plataforma onde o coro se apresentava. No lado oposto aos assentos dos espectadores, a orquestra era cercada por uma skene - traduzida do grego como tenda. Inicialmente, a skena era uma tenda onde os atores se preparavam para aparecer, mas depois a skena se transformou em uma complexa estrutura de dois níveis, decorada com colunas e formando um fundo arquitetônico diante do qual os atores atuavam. Skene em Epidauro tinha um proscênio decorado com a ordem jônica - uma plataforma de pedra para a realização de episódios individuais de peças dos atores principais.

Tholos em Epidauro (Phimela), Policleto, o Jovem:

A mais interessante das estruturas que chegaram até nós, erguidas por particulares, é o monumento corégico de Lisícrates em Atenas (334 aC). O Lisícrates ateniense decidiu neste monumento perpetuar a vitória conquistada pelo coro preparado às suas custas. .

Os caminhos do desenvolvimento da arquitetura na Ásia Menor Grécia foram um pouco diferentes do desenvolvimento da arquitetura na Grécia propriamente dita. Ela era caracterizada pelo desejo de estruturas arquitetônicas exuberantes e grandiosas. As tendências de afastamento dos clássicos na arquitetura da Ásia Menor fizeram-se sentir com muita força: por exemplo, os enormes dípteros jônicos do segundo templo de Ártemis em Éfeso e do templo de Ártemis em Sardes distinguiam-se pela pompa e luxo de decoração. Esses templos, conhecidos pelas descrições de autores antigos, sobreviveram até hoje em escassos vestígios.

As características do desenvolvimento da arquitetura da Ásia Menor foram refletidas mais claramente no edifício construído por volta de 353 aC. Mausoléu de Halicarnasso (arquivos Píteas e Sátiro). Nos tempos antigos, foi classificado entre as sete maravilhas do mundo.

O edifício era uma estrutura complexa que combinava as tradições da arquitetura da ordem grega da Ásia Menor e motivos emprestados do Oriente clássico. No século 15 o mausoléu foi gravemente destruído. E a sua reconstrução exata é impossível.

Pouco mais se pode dizer sobre o desenvolvimento da escultura desta época, graças às cópias romanas, do que sobre a arquitetura e a pintura. Duas direções foram claramente definidas. Alguns escultores, seguindo formalmente as tradições dos grandes clássicos, criaram arte abstraída da vida, afastando-a de contradições e conflitos agudos para um mundo de imagens desapaixonadamente frias e abstratamente belas. Os representantes mais proeminentes foram Kephisodotus, Timothy, Briaxis, Leochares.

O caráter geral da escultura e da arte dos clássicos tardios foi determinado principalmente pela atividade criativa de artistas realistas. Os maiores representantes desta tendência foram Scopas, Praxiteles e Lysippos. A direção realista foi amplamente desenvolvida não só na escultura, mas também na pintura (Apeles). A estética de Aristóteles foi uma generalização teórica das conquistas da arte realista de sua época.

A oposição entre as duas direções não foi imediatamente aparente. A princípio, essas direções às vezes se cruzavam de forma contraditória na obra de um mestre. Assim, a arte de Cefisódoto (pai de Praxíteles) carregava em si tanto um interesse pelo humor lírico da alma quanto, ao mesmo tempo, características de elegância externa deliberada.

O maior mestre da primeira metade do século IV. AC. era Escopas. As imagens de Skopas diferem das imagens dos clássicos pela tempestuosa tensão dramática de todas as forças espirituais. Skopas introduziu o tema do sofrimento, um colapso trágico interno, um colapso trágico interno, refletindo indiretamente a trágica crise dos ideais éticos e estéticos criados na era do apogeu das políticas. Durante quase meio século de atividade, Skopas atuou não apenas como escultor, mas também como arquiteto. Apenas um pouco chegou até nós: restam poucos fragmentos do templo de Atena em Tegea. Além do edifício em si, Skopas completou seu projeto escultural. O frontão ocidental representava cenas da batalha entre Aquiles e Télefo no Vale do Caica, e o frontão oriental representava a caça de Meleagro e Atalanta ao javali caledônio. Amazonomaquia, relevos da batalha entre gregos e amazonas pelo Mausoléu de Halicarnasso. Londres, Museu Britânico

Em contraste com a arte tempestuosa e trágica de Skopas, Praxíteles, em sua obra, cresceu em direção a imagens imbuídas do espírito de harmonia clara e pura e de reflexão serena. Tal como Scopas, Praxíteles procura formas de revelar a riqueza e a beleza da vida espiritual humana. As primeiras obras de Praxíteles ainda estão associadas a imagens da arte clássica. Então, em“Ao Sátiro Derramando Vinho” ele usa o cânone Policleitano.

O produto do estilo maduro de Praxíteles (~350 a.C.) é o seu Apollo Saurocton (matador de lagartos)

Ártemis de Gabii

Na cultura artística da segunda metade do século IV. AC. e especialmente no seu último terço, a ligação com as tradições dos altos clássicos torna-se menos direta. Foi nesta altura que a Macedónia alcançou a liderança nos assuntos gregos. Os partidários da velha democracia sofreram uma derrota completa. Esta época também é conhecida pelas campanhas de Alexandre o Grande ao Oriente (334-325 aC), que abriram um novo capítulo na história da sociedade antiga - o Helenismo. Na cultura artística daqueles anos, houve uma luta entre movimentos realistas e falso-clássicos. Em meados do século IV. AC. A tendência conservadora anti-realista recebeu um desenvolvimento especialmente amplo. Estas tradições são visíveis nos relevos feitos por Timóteo, Bryaxis e Leochares para o Mausoléu de Halicarnasso. A arte da direção falso-clássica foi revelada de forma mais consistente na obra de Leochard. Ele se tornou o artista da corte de Alexandre, o Grande e criou estátuas crisoelefantinas dos reis da dinastia macedônia para o Philippeion.Sua escultura também era decorativa externamente."Ganimedes sequestrado pela águia de Zeus":

A obra mais significativa de Leochares foi a estátua de Apolo - famosa"Apolo Belvedere". Apesar da excelente execução, os detalhes da escultura, como o giro arrogante da cabeça e a teatralidade do gesto, são alheios às verdadeiras tradições dos clássicos.

Há uma estátua famosa perto do círculo de Leochares"Ártemis de Versalhes":

O maior artista do movimento realista foi Lísippo. O realismo de Lísipo diferia significativamente de seus antecessores, mas sua obra também resolveu o problema de revelar o mundo interior das experiências humanas e de uma certa individualização da imagem de uma pessoa. Ele parou de considerar a criação da imagem de uma pessoa absolutamente bela como a principal tarefa da arte. Mas ele também procurou criar uma imagem típica generalizada que incorporasse os traços característicos de um homem de sua época. O mestre encontra a base para retratar o típico da imagem de uma pessoa, não naqueles traços que a caracterizam como membro de uma equipe, mas como uma personalidade harmoniosamente desenvolvida. Lysippos também enfatiza o elemento de percepção pessoal em suas obras. Criou um grande número de estátuas monumentais destinadas a decorar praças e ocupar um lugar independente no conjunto da cidade. A mais famosa é a estátua de Zeus. Retrato de Alexandre, o Grande

A cabeça do Bias. Roma, Museu do Vaticano

A imagem do sábio Bias para Lísippo é, antes de tudo, a imagem de um pensador. Pela primeira vez na história da arte, um artista transmite em sua obra o próprio processo de pensamento, pensamento profundo e concentrado. A cabeça de mármore de Alexandre, o Grande, é de excepcional interesse. Lísipo não se esforça para reproduzir com todo cuidado os traços característicos externos da aparência de Alexandre; nesse sentido, sua cabeça, como a cabeça de Bias, tem um caráter ideal, mas a natureza complexa e contraditória de Alexandre é transmitida com força excepcional.

No século IV. AC, como antes, eram comuns estatuetas de barro de natureza caricatural ou grotesca. Uma rica coleção dessas estatuetas é mantida em l'Hermitage.

Nos clássicos tardios, desenvolveram-se as tradições da pintura realista do último quartel do século V. AC. O maior entre os pintores foi Nicias, a quem Praxíteles valorizava muito. Ele o encarregou de pintar suas estátuas de mármore. Nenhuma das obras originais de Nicias sobreviveu até hoje. Um dos afrescos de Pompéia reproduz a pintura de Nicias"Perseu e Andrômeda."

A maior habilidade foi alcançada por Apeles, que, junto com Lísippo, foi o artista mais famoso do último terço do século. Seu retrato de Alexandre, o Grande, é famoso. Ele também foi o autor de uma série de composições alegóricas que, de acordo com as descrições sobreviventes, forneceram um excelente alimento para a mente e a imaginação do público. Alguns enredos foram descritos com tantos detalhes pelos contemporâneos que muitas vezes foram tentados reproduzi-los durante o Renascimento.

No século IV. AC. A pintura monumental também foi difundida. A quase total ausência de originais impossibilita sua avaliação.

A compreensão de Lísipo da imagem do homem foi incorporada de maneira especialmente vívida em sua estátua de bronze “Apoxiomen”, famosa na antiguidade (il. 215, 216 b). Lysiple retratou um jovem usando um raspador para remover a areia da arena que grudou em seu corpo durante uma competição esportiva. Nesta estátua, o artista transmitiu de forma muito expressiva o estado de cansaço que tomou conta do jovem após o stress da luta que viveu. Tal interpretação da imagem de um atleta sugere que o artista rompe decisivamente com as tradições da arte dos clássicos gregos, que se caracterizava pelo desejo de mostrar o herói na máxima tensão de todas as suas forças, como, por exemplo, nas obras de Skopas, ou corajoso e forte, pronto para realizar uma façanha, como, por exemplo, em Doríforo, de Policleto. Em Lísipo, seu Apoxyomenes é desprovido de qualquer heroísmo. Mas tal interpretação da imagem dá a Lísipo a oportunidade de evocar no espectador uma impressão mais direta da vida, de dar à imagem de Apoxyomenes a maior persuasão, de mostrar não um herói, mas apenas um jovem atleta.

No entanto, seria errado concluir que Lísippo se recusa a criar uma imagem hipócrita. Lísipo se propõe a revelar o mundo interior de uma pessoa, mas não retratando as propriedades constantes e estáveis ​​​​de seu caráter, como faziam os mestres dos altos clássicos, mas transmitindo a experiência de uma pessoa. Em Apoxyomenes, Lísippo quer mostrar não paz interior e equilíbrio estável, mas uma mudança complexa e contraditória nos tons de humor. Já o tema da trama, como se lembrasse a luta que o jovem acabara de vivenciar na arena, dá ao espectador a oportunidade de imaginar a tensão apaixonada de todas as forças físicas e espirituais que este esbelto corpo jovem suportou.

Daí a nitidez dinâmica e a complexidade da composição. Toda a figura do jovem parece estar permeada de movimentos instáveis ​​​​e mutáveis. Este movimento é implantado livremente no espaço. O jovem apoia-se na perna esquerda; sua perna direita está recuada e lateral; o corpo, que é facilmente transportado por pernas delgadas e fortes, é ligeiramente inclinado para a frente e ao mesmo tempo faz uma curva acentuada. Uma reviravolta particularmente complexa é dada pela sua cabeça expressiva, assente num pescoço forte. A cabeça de Apoxiomenes está voltada para a direita e ao mesmo tempo ligeiramente inclinada para o ombro esquerdo. Olhos sombreados e profundos olham cansados ​​para longe. O cabelo estava preso em mechas espalhadas e inquietas.

Ângulos e giros complexos da figura atraem o espectador a buscar cada vez mais novos pontos de vista, nos quais se revelam matizes cada vez mais expressivos no movimento da figura. Esta característica contém a profunda originalidade da compreensão de Lysippov das possibilidades da linguagem da escultura. Em Apoxyomena, cada ponto de vista é essencial para a percepção da imagem e introduz algo fundamentalmente novo nesta percepção. Assim, por exemplo, a impressão da energia rápida da figura ao olhar para ela de frente enquanto caminha ao redor da estátua é gradualmente substituída por uma sensação de cansaço. E somente comparando impressões alternadas ao longo do tempo é que o espectador tem uma ideia completa da natureza complexa e contraditória da imagem de Apoxyomenes. Este método de percorrer uma obra escultórica, desenvolvido por Lysippos, enriqueceu a linguagem artística da escultura.