Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Schubert at Beethoven. Schubert - ang unang romantikong Viennese

Si Schubert ay isang nakababatang kontemporaryo ng Beethoven. Sa loob ng humigit-kumulang labinlimang taon, pareho silang nanirahan sa Vienna, sabay na lumikha ng kanilang pinakamahalagang mga gawa. Ang “Margarita at the Spinning Wheel” at “The Forest King” ni Schubert ay “the same age” as Beethoven’s Seventh and Eighth Symphony. Kasabay ng Ninth Symphony at ng "Solemn Mass" ni Beethoven ay binuo ni Schubert ang "Unfinished Symphony" at ikot ng kanta"Ang magandang asawa ni miller."

Ngunit ang paghahambing na ito lamang ay nagpapahintulot sa amin na mapansin na pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga gawa ng iba't ibang estilo ng musika. Hindi tulad ni Beethoven, lumitaw si Schubert bilang isang pintor hindi sa mga taon ng mga rebolusyonaryong pag-aalsa, ngunit sa puntong iyon nang dumating ang panahon ng reaksyong sosyo-politikal. Ang kadakilaan at kapangyarihan ng musika ni Beethoven, ang mga rebolusyonaryong kalunos-lunos nito at lalim ng pilosopikal Inihambing ni Schubert ang mga liriko na miniature na may mga larawan ng demokratikong buhay - parang bahay, matalik, sa maraming paraan na nakapagpapaalaala sa isang naitala na improvisasyon o isang pahina ng isang mala-tula na talaarawan. Ang magkasabay na mga gawa nina Beethoven at Schubert ay naiiba sa isa't isa sa parehong paraan na ang mga advanced na ideological trend ng dalawang magkaibang mga panahon ay dapat magkaiba - ang panahon Rebolusyong Pranses at ang panahon ng Kongreso ng Vienna. Nakumpleto ni Beethoven ang isang siglong pag-unlad ng musical classicism. Si Schubert ang unang kompositor ng Viennese Romantic.

Ang sining ni Schubert ay bahagyang nauugnay sa Weber. Ang romanticism ng parehong mga artist ay may mga karaniwang pinagmulan. Ang "The Magic Shooter" ni Weber at ang mga kanta ni Schubert ay pantay na produkto ng demokratikong pag-aalsa na tumangay sa Alemanya at Austria sa panahon ng pambansang pagpapalaya. Si Schubert, tulad ni Weber, ang higit na sumasalamin mga katangiang anyo masining na pag-iisip ng kanyang mga tao. Bukod dito, siya ay ang pinakamaliwanag na kinatawan ito ay ang Viennese folk-pambansang kultura ng panahong ito. Ang kanyang musika ay kasing dami ng anak ng demokratikong Vienna gaya ng mga waltze nina Lanner at Strauss the Father na gumanap sa mga cafe, mga dulang-diwata at komedya ni Ferdinand Raymond, at mga pagdiriwang ng katutubong sa Prater Park. Ang sining ni Schubert ay hindi lamang niluwalhati ang tula ng katutubong buhay, madalas itong direktang nagmula doon. At ito ay sa mga katutubong genre na ang henyo ng Viennese romantikong ipinakita ang sarili nito.

Kasabay nito, ginugol ni Schubert ang buong panahon ng kanyang creative maturity sa Metternich's Vienna. At ang pangyayaring ito ay lubos na natukoy ang likas na katangian ng kanyang sining.

Sa Austria, ang pambansa-makabayan na pag-aalsa ay hindi kailanman nagkaroon ng gayong epektibong pagpapahayag gaya ng sa Alemanya o Italya, at ang reaksyon na naganap sa buong Europa pagkatapos ng Kongreso ng Vienna ay nagkaroon ng isang partikular na madilim na karakter doon. Ang kapaligiran ng mental na pang-aalipin at ang "makapal na kadiliman ng pagtatangi" ay nilabanan ang pinakamahusay na mga isip pagiging makabago. Ngunit sa ilalim ng despotismo, ang bukas na aktibidad sa lipunan ay hindi maiisip. Ang enerhiya ng mga tao ay nakagapos at hindi nakahanap ng mga karapat-dapat na anyo ng pagpapahayag.

Maaari lamang labanan ni Schubert ang malupit na katotohanan sa kayamanan ng panloob na mundo ng "maliit na tao." Sa kanyang trabaho ay walang "The Magic Shooter", o "William Tell", o "Pebbles" - iyon ay, mga gawa na bumaba sa kasaysayan bilang direktang kalahok sa pakikibaka ng lipunan-makabayan. Sa mga taon nang isinilang si "Ivan Susanin" sa Russia, isang romantikong tala ng kalungkutan ang tumunog sa trabaho ni Schubert.

Gayunpaman, gumaganap si Schubert bilang isang tagapagpatuloy ng mga demokratikong tradisyon ni Beethoven sa isang bagong makasaysayang sitwasyon. Nang maihayag sa musika ang kayamanan ng taos-pusong damdamin sa lahat ng iba't ibang uri ng patula, tumugon si Schubert sa mga kahilingan sa ideolohiya ng mga nangungunang tao sa kanyang henerasyon. Bilang isang liriko, nakamit niya ang lalim ng ideolohiya at kapangyarihang masining na karapat-dapat sa sining ni Beethoven. Sinimulan ni Schubert ang lyrical-romantic na panahon sa musika.

- Paano naimpluwensyahan ni Schubert ang kanyang trabaho? makasaysayang panahon?

Ano ba talaga ang ibig mong sabihin sa period influence? Pagkatapos ng lahat, ito ay maaaring maunawaan sa dalawang paraan. Gaano kaimpluwensya musikal na tradisyon at kasaysayan. O - bilang impluwensya ng diwa ng panahon at ng lipunang kanyang ginagalawan. Saan tayo magsisimula?

- Magsimula tayo sa mga impluwensyang pangmusika!

Pagkatapos ay dapat naming ipaalala kaagad sa iyo ang isang napakahalagang bagay:

SA PANAHON NI SCHUBERT, NABUHAY ANG MUSIKA SA ISANG ARAW (PRESENT).

(Sinadya kong ipahayag ito sa malalaking titik!)

Ang musika ay isang buhay na proseso, na nakikita "dito at ngayon." Walang ganoong bagay tulad ng "kasaysayan ng musika" (sa mga termino ng iskolar, "panitikan ng musika"). Natuto ang mga kompositor mula sa kanilang mga immediate mentor at mula sa mga nakaraang henerasyon.

(Halimbawa, natutunan ni Haydn na gumawa ng musika sa mga sonata sa keyboard ni Carl Philipp Emmanuel Bach. Mozart - sa mga symphony ni Johann Christian Bach. Parehong nag-aral ang mga anak ni Bach sa kanilang ama na si Johann Sebastian. At si Bach na ama ay nag-aral sa mga gawa ng organ ng Buxtehude , sa mga keyboard suite ng Couperin at sa Vivaldi violin concerto at iba pa.)

Sa oras na iyon ay walang "kasaysayan ng musika" (bilang isang solong sistematikong retrospective ng mga estilo at panahon), ngunit isang "tradisyong musikal." Ang pokus ng kompositor ay ang musika ng pangunahing henerasyon ng mga guro. Lahat ng nawala sa paggamit sa oras na iyon ay maaaring nakalimutan o itinuturing na hindi na ginagamit.

Ang unang hakbang sa paglikha ng "musical-historical perspective" - ​​pati na rin ang musical-historical consciousness sa pangkalahatan! - Ang pagganap ni Mendelssohn ng Bach's St. Matthew Passion ay maaaring ituring na eksaktong isang daang taon pagkatapos itong likhain ni Bach. (At, idinagdag namin, ang una - at tanging - pagganap ng mga ito sa panahon ng kanyang buhay.) Nangyari ito noong 1829 - iyon ay, isang taon pagkatapos ng kamatayan ni Schubert.

Ang mga unang palatandaan ng gayong pananaw ay, halimbawa, ang pag-aaral ni Mozart sa musika nina Bach at Handel (sa aklatan ng Baron van Swieten) o ang pag-aaral ni Beethoven ng musika ng Palestrina. Ngunit ang mga ito ay mga pagbubukod sa halip na ang panuntunan.

Ang makasaysayang pangmusika ay sa wakas ay itinatag sa mga unang conservatories ng Aleman - na si Schubert, muli, ay hindi nabuhay upang makita.

(Dito ang isang pagkakatulad ay agad na lumitaw sa sinabi ni Nabokov na namatay si Pushkin sa isang tunggalian ilang taon bago ang paglitaw ng unang daguerreotype - isang imbensyon na naging posible upang idokumento ang mga manunulat, artista at musikero sa halip na mga artistikong interpretasyon ng kanilang mga imahe ng mga pintor. !)

Sa Court Convict (choir school), kung saan nag-aral si Schubert noong unang bahagi ng 1810s, ang mga estudyante ay binigyan ng sistematikong pagsasanay sa musika, ngunit may mas utilitarian na kalikasan. Sa ating mga pamantayan ngayon, maihahambing ang nahatulan, sa halip, sa isang bagay tulad ng isang paaralan ng musika.

Ang mga konserbatoryo ay pag-iingat na ng tradisyon ng musika. (Nagsimula silang magkaiba sa routinism sa lalong madaling panahon pagkatapos ng kanilang paglitaw noong ikalabinsiyam na siglo.) At sa panahon ni Schubert ito ay buhay.

Walang pangkalahatang tinatanggap na "doktrina ng komposisyon" noong panahong iyon. Ang mga musical form na iyon na itinuro sa amin sa mga conservatories ay nilikha nang "live" nang direkta ng parehong Haydn, Mozart, Beethoven at Schubert.

Nang maglaon lamang sila ay nagsimulang maging sistematiko at ma-canonize ng mga teorista (Adolph Marx, Hugo Riemann, at kalaunan Schoenberg - na lumikha ng pinaka-unibersal na pag-unawa hanggang sa kasalukuyan kung anong anyo at komposisyonal na gawain ang kabilang sa mga klasikong Viennese).

Ang pinakamahabang "koneksyon ng mga panahon ng musika" ay umiral lamang noon sa mga aklatan ng simbahan at hindi naa-access ng lahat.

(Ating alalahanin ang sikat na kuwento kay Mozart: nang matagpuan niya ang kanyang sarili sa Vatican at marinig ang "Miserere" ni Allegri doon, napilitan siyang isulat ito sa pamamagitan ng tainga, dahil mahigpit na ipinagbabawal na ibigay ang mga tala sa mga tagalabas.)

Ito ay hindi nagkataon na ang musika ng simbahan, hanggang sa simula ng ikalabinsiyam na siglo, ay nagpapanatili ng mga simulain ng estilo ng Baroque - kahit na sa Beethoven! Tulad mismo ni Schubert - tingnan natin ang score ng kanyang Misa sa E-flat major (1828, ang huling sinulat niya).

Ngunit ang sekular na musika ay lubhang madaling kapitan sa mga uso ng panahon. Lalo na sa teatro - sa oras na iyon "ang pinakamahalaga sa sining."

Anong uri ng musika ang natutunan ni Schubert nang dumalo siya sa mga aralin sa komposisyon mula kay Salieri? Anong uri ng musika ang kanyang narinig at paano ito nakaimpluwensya sa kanya?

Una sa lahat - sa mga opera ni Gluck. Si Gluck ay guro ni Salieri at sa kanyang pang-unawa pinakadakilang kompositor ng lahat ng panahon at mga tao.

Ang Konvikt school orchestra, kung saan tumugtog si Schubert kasama ng iba pang mga estudyante, ay natuto ng mga gawa ni Haydn, Mozart at marami pang ibang celebrity noong panahong iyon.

Si Beethoven ay tinaguriang pinakadakilang kontemporaryong kompositor pagkatapos ni Haydn. (Namatay si Haydn noong 1809.) Ang kanyang pagkilala ay laganap at walang kondisyon. Iniidolo siya ni Schubert sa simula pa lang kabataan.

Nagsisimula pa lang si Rossini. Siya ang magiging unang Opera Composer of the Age makalipas lamang ang isang dekada, noong 1820s. Ang parehong ay totoo para sa Weber sa kanyang "Free Shooter", na yumanig sa buong kultura ng Aleman noong unang bahagi ng 1820s. mundo ng musika.

Ang pinakaunang vocal na komposisyon ni Schubert ay hindi ang mga simpleng "Lieder" ("mga kanta") sa isang katutubong karakter, na, gaya ng karaniwang pinaniniwalaan, ay nagbigay inspirasyon sa kanyang pagsulat ng kanta, ngunit mahinahon, seryosong "Gesänge" ("chants") sa isang mataas na kalmado - isang uri ng operatic scenes para sa boses at piano, isang legacy ng Age of Enlightenment, na humubog kay Schubert bilang isang kompositor.

(Tulad ng, halimbawa, isinulat ni Tyutchev ang kanyang mga unang tula sa ilalim ng malakas na impluwensya mula noong ikalabing walong siglo.)

Buweno, ang mga kanta at sayaw ni Schubert ay ang parehong "itim na tinapay" kung saan nabuhay ang lahat ng pang-araw-araw na musika ng Vienna noong panahong iyon.

- Sa anong kapaligiran ng tao nabuhay si Schubert? Mayroon bang anumang bagay na karaniwan sa ating panahon?

Ang panahong iyon at ang lipunang iyon ay maihahambing sa isang malaking lawak sa ating modernong panahon.

Ang 1820s sa Europe (kabilang ang Vienna) ay isa pang "panahon ng stabilisasyon," na dumating pagkatapos ng isang-kapat ng isang siglo ng mga rebolusyon at digmaan.

Sa lahat ng presyur "mula sa itaas" - censorship at iba pa - ang mga ganitong oras, bilang panuntunan, ay naging napaka-kanais-nais para sa pagkamalikhain. Ang enerhiya ng tao ay nakadirekta hindi sa aktibidad sa lipunan, ngunit sa panloob na buhay.

Sa panahon ng napaka "reaksyonaryo" na iyon sa Vienna, naririnig ang musika sa lahat ng dako - sa mga palasyo, sa mga salon, sa mga bahay, sa mga simbahan, sa mga cafe, sa mga sinehan, sa mga tavern, sa mga hardin ng lungsod. Tanging ang mga tamad lamang ang hindi nakinig, hindi tumugtog, at hindi nag-compose nito.

May katulad na nangyari dito sa ating bansa. panahon ng Sobyet noong 1960-80s, nang ang rehimeng pampulitika ay hindi malaya, ngunit medyo matino at binigyan ang mga tao ng pagkakataon na magkaroon ng kanilang sariling espirituwal na angkop na lugar.

(Sa pamamagitan ng paraan, talagang nagustuhan ko nang, kamakailan lamang, inihambing ng artista at sanaysay na si Maxim Kantor ang panahon ng Brezhnev kay Catherine. Sa aking palagay, natamaan niya ang ulo!)

Si Schubert ay kabilang sa mundo ng Viennese creative bohemia. Mula sa bilog ng mga kaibigan kung saan siya lumipat, ang mga artista, makata at aktor ay "napisa" na kalaunan ay nakakuha ng katanyagan sa mga lupain ng Aleman.

Artist Moritz von Schwind - ang kanyang mga gawa ay nakabitin sa Munich Pinakothek. Ang makata na si Franz von Schober - hindi lamang si Schubert, ngunit kalaunan ay sumulat si Liszt ng mga kanta batay sa kanyang mga tula. Mandudula at librettist na sina Johann Mayrhofer, Joseph Kupelwieser, Eduard von Bauernfeld - lahat ng ito ay mga sikat na tao ng panahon nito.

Ngunit ang katotohanan na si Schubert - ang anak ng isang guro sa paaralan, na nagmula sa isang mahirap ngunit medyo kagalang-galang na pamilyang burgher - ay sumali sa lupong ito pagkatapos umalis sa kanyang tahanan ng magulang ay dapat ituring na walang iba kundi isang pagbabawas ng loob sa klase sa lipunan, kahina-hinala sa oras na iyon hindi lamang mula sa isang materyal na pananaw, ngunit din mula sa isang moral na pananaw. Hindi nagkataon na nagdulot ito ng pangmatagalang salungatan sa pagitan ni Schubert at ng kanyang ama.

Sa ating bansa, sa panahon ng "thaw" ng Khrushchev at "stagnation" ni Brezhnev, nabuo ang isang malikhaing kapaligiran na halos kapareho sa espiritu. Maraming mga kinatawan ng domestic bohemia ay nagmula sa ganap na "tama" na mga pamilyang Sobyet. Ang mga taong ito ay nabuhay, lumikha at nakikipag-usap sa isa't isa na parang kahanay sa opisyal na mundo - at sa maraming paraan kahit na "bukod" dito. Sa kapaligirang ito nabuo ang Brodsky, Dovlatov, Vysotsky, Venedikt Erofeev, Ernst Neizvestny.

Ang malikhaing pag-iral sa gayong bilog ay palaging hindi mapaghihiwalay sa proseso ng komunikasyon sa isa't isa. Parehong pinamunuan ng aming mga bohemian artist noong 1960-80s at ng Viennese “künstlers” noong 1820s ang isang napakasaya at malayang pamumuhay - na may mga party, handaan, inumin, at love affairs.

Tulad ng alam mo, ang bilog ni Schubert at ng kanyang mga kaibigan ay nasa ilalim ng lihim na pagsubaybay ng pulisya. Upang ilagay ito sa aming sariling paraan, nagkaroon ng malapit na interes sa kanila "mula sa mga awtoridad." At pinaghihinalaan ko - hindi dahil sa malayang pag-iisip, ngunit dahil sa isang malayang pamumuhay, alien sa moralidad ng pilistiko.

Ang parehong bagay ay nangyari dito noong panahon ng Sobyet. Walang bago sa ilalim ng araw.

Tulad ng kamakailang nakaraan ng Sobyet, gayon din sa Vienna noong panahong iyon, ang napaliwanagan na publiko, kadalasang may mataas na katayuan, ay interesado sa bohemian na mundo.

Sinubukan nilang tulungan ang mga indibidwal na kinatawan nito - mga artista, makata at musikero - at "itinulak" sila sa malaking mundo.

Isa sa mga pinaka-tapat na tagahanga ni Schubert at isang madamdaming tagataguyod ng kanyang trabaho ay si Johann Michael Vogl, isang mang-aawit mula sa Court Opera, ayon sa mga pamantayang iyon - "People's Artist of the Austrian Empire."

Marami siyang ginawa upang matiyak na nagsimulang kumalat ang mga kanta ni Schubert sa mga bahay at salon ng Viennese - kung saan ginawa ang mga karera sa musika.

Si Schubert ay "masuwerte" na mamuhay ng halos buong buhay niya sa anino ng Beethoven, isang panghabambuhay na klasiko. Sa parehong lungsod at sa parehong oras. Paano nakaapekto ang lahat ng ito kay Schubert?

Beethoven at Schubert tila sa akin tulad ng pakikipag-usap sasakyang-dagat. Dalawang magkaibang mundo, dalawang halos magkasalungat na istilo ng pag-iisip sa musika. Gayunpaman, sa kabila ng lahat ng panlabas na hindi pagkakatulad na ito, mayroong ilang uri ng hindi nakikita, halos telepatikong koneksyon sa pagitan nila.

Gumawa si Schubert ng isang musikal na mundo na sa maraming paraan ay kahalili sa Beethoven's. Ngunit hinangaan niya si Beethoven: para sa kanya ito ang numero unong musical luminary! At marami siyang obra kung saan kumikinang ang sinasalamin na liwanag ng musika ni Beethoven. Halimbawa, sa Fourth (“Tragic”) Symphony (1816).

Sa mga huling gawa ni Schubert, ang mga impluwensyang ito ay napapailalim sa mas mataas na antas ng pagmuni-muni, na dumadaan sa isang uri ng filter. Sa Great Symphony - isinulat sa ilang sandali pagkatapos ng Beethoven's Ninth. O sa Sonata sa C minor - isinulat pagkatapos ng kamatayan ni Beethoven at ilang sandali bago ang kanyang sariling kamatayan. Pareho sa mga gawang ito ay sa halip ay isang uri ng "aming sagot kay Beethoven."

Ihambing ang pinakadulo (coda) ng pangalawang paggalaw ng Schubert's Great Symphony (simula sa bar 364) sa isang katulad na lugar mula sa Beethoven's Seventh (coda din ng pangalawang kilusan, simula sa bar 247). Parehong susi (Isang menor de edad). Parehong laki. Ang parehong maindayog, melodic at harmonic na mga liko. Kapareho ng sa Beethoven, ang roll call ng mga orkestra na grupo (mga string - hangin). Ngunit ito ay hindi lamang isang katulad na sipi: ang paghiram na ito ng isang ideya ay parang isang uri ng pagmuni-muni, isang tugon sa haka-haka na pag-uusap na naganap sa loob ni Schubert sa pagitan ng kanyang sarili at ng superego ni Beethoven.

Ang pangunahing tema ng unang paggalaw ng Sonata sa C minor ay isang karaniwang istilong Beethoven na ritmo at maharmonya na formula. Ngunit sa simula pa lang ay hindi ito umuunlad sa paraang Beethovenian! Sa halip na isang matalim na pagkapira-piraso ng mga motibo, na inaasahan ng isa sa Beethoven, sa Schubert mayroong isang agarang pag-alis sa gilid, isang pag-urong sa kanta. At sa ikalawang bahagi ng sonata na ito, ang mabagal na paggalaw mula sa "Pathetique" ni Beethoven ay malinaw na "nagpalipas ng gabi". At ang tonality ay pareho (A-flat major), at ang modulation plan - hanggang sa parehong piano figurations...

Ang isa pang bagay ay kawili-wili: Si Beethoven mismo kung minsan ay biglang nagpapakita ng hindi inaasahang "Schubertisms" na ang isa ay namangha.

Kunin, halimbawa, ang kanyang Violin Concerto - lahat ng bagay na konektado sa pangalawang tema ng unang kilusan at ang major-minor recolors nito. O - ang kantang "To a Distant Beloved".

O - ang ika-24 na sonata ng piano, malambing sa pamamagitan at sa pamamagitan ng "sa paraang Schubert" - mula simula hanggang wakas. Ito ay isinulat ni Beethoven noong 1809, nang ang labindalawang taong gulang na si Schubert ay kakapasok lamang sa pagkabilanggo.

O - ang pangalawang paggalaw ng ika-27 sonata ni Beethoven, marahil ang pinaka "Schubertian" sa mood at melody. Noong 1814, nang ito ay isinulat, si Schubert ay kalalabas lamang mula sa pagkabilanggo at hindi pa siya nakakasulat ng isang solong sonata ng piano. Di nagtagal, noong 1817, isinulat niya ang sonata DV 566 - sa parehong susi ng E minor, katulad ng ika-27 ni Beethoven. Si Beethoven lang ang naging mas "Schubertian" kaysa sa Schubert noon!

O - ang menor de edad na gitnang seksyon ng ikatlong kilusan (scherzo) mula sa napakaagang ika-4 na sonata ni Beethoven. Ang tema sa lugar na ito ay "nakatago" sa mga nakakagambalang figurations ng triplets - na para bang isa ito sa impromptu ng piano ni Schubert. Ngunit ang sonata na ito ay isinulat noong 1797, nang si Schubert ay ipinanganak pa lamang!

Tila, mayroong isang bagay na lumulutang sa hangin ng Viennese na nakaapekto lamang kay Beethoven, ngunit para kay Schubert, sa kabaligtaran, ang naging batayan ng kanyang buong mundo ng musika.

Una nang natagpuan ni Beethoven ang kanyang sarili sa malaking anyo - sa sonatas, symphony at quartets. Sa simula pa lamang siya ay hinimok ng pagnanais para sa mahusay na pag-unlad materyal na pangmusika.

Ang mga maliliit na anyo ay namumulaklak sa kanyang musika sa pagtatapos ng kanyang buhay - alalahanin ang kanyang mga bagatel sa piano noong 1820s. Nagsimula silang lumitaw pagkatapos niyang isulat ang First Symphony.

Sa bagatelles, ipinagpatuloy niya ang ideya ng pag-unlad ng symphonic, ngunit sa isang naka-compress na sukat ng oras. Ang mga gawang ito ang nagbigay daan para sa hinaharap na ikadalawampu siglo - ang maikli at aphoristic na mga gawa ni Webern, napakayaman sa mga kaganapang pangmusika, tulad ng isang patak ng tubig - ang hitsura ng isang buong karagatan.

Hindi tulad ng Beethoven, ang malikhaing "base" ni Schubert ay hindi malaki, ngunit, sa kabaligtaran, maliliit na anyo - mga kanta o mga piraso ng piano.

Ang kanyang hinaharap na mga pangunahing instrumental na gawa ay matured sa kanila. Hindi ito nangangahulugan na nagsimulang magtrabaho si Schubert sa mga ito nang mas huli kaysa sa kanyang mga kanta - ito ay talagang natagpuan niya ang kanyang sarili sa mga ito pagkatapos niyang maitaguyod ang kanyang sarili sa genre ng kanta.

Sinulat ni Schubert ang kanyang Unang Symphony sa edad na labing-anim (1813). Ito ay isang mahusay na komposisyon, kamangha-manghang para sa isang batang edad! Naglalaman ito ng maraming inspiradong sipi na naglalarawan sa kanyang mga mature na gawa sa hinaharap.

Ngunit ang kantang "Gretchen at the Spinning Wheel," na isinulat makalipas ang isang taon (pagkatapos na maisulat ni Schubert ang higit sa apatnapung kanta!), ay isa nang hindi mapag-aalinlanganan, kumpletong obra maestra, isang gawang organiko mula sa una hanggang sa huling nota.

Maaaring sabihin ng isa, dito nagsisimula ang kasaysayan ng kanta bilang isang "mataas" na genre. Habang sinusundan pa rin ng mga unang symphony ni Schubert ang hiniram na canon.

Sa madaling salita, masasabi natin na ang vector ng creative development ni Beethoven ay deduction (projection of the large to the small), habang para kay Schubert ito ay induction (projection of the small to the large).

Ang mga sonatas-symphonies-quartets ni Schubert ay lumalaki mula sa kanyang maliliit na anyo, tulad ng isang sopas mula sa isang kubo.

Ang malalaking anyo ni Schubert ay nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang tungkol sa isang partikular na "Schubert" na sonata o symphony - ganap na naiiba sa Beethoven's. Ang wika ng kanta mismo, na pinagbabatayan nito, ay nakakatulong dito.

Para kay Schubert, ang pinakamahalaga sa lahat ay ang melodic na imahe ng musikal na tema. Para sa Beethoven, ang pangunahing halaga ay hindi ang musikal na tema tulad nito, ngunit ang mga posibilidad para sa pag-unlad na itinatago nito.

Ang tema ay maaaring isang pormula lamang para sa kanya, na nagsasabi ng kaunti bilang "isang himig lamang."

Hindi tulad ni Beethoven sa kanyang mga tema ng formula, ang mga tema ng kanta ni Schubert ay mahalaga sa kanilang sarili at nangangailangan ng higit pang pag-unlad sa oras. Hindi nila kailangan ang masinsinang pag-unlad gaya ng kay Beethoven. At ang resulta ay isang ganap na naiibang sukat at pulso ng oras.

Hindi ko nais na pasimplehin: Si Schubert ay mayroon ding maraming maiikling "formular" na mga tema - ngunit kung lumilitaw ang mga ito sa kanya sa isang lugar sa isang lugar, kung gayon sa isa pa sila ay binabalanse ng ilang melodikal na self-sufficient na "antithesis".

Kaya, ang anyo ay lumalaki mula sa loob niya dahil sa higit na pagiging ganap at bilog ng panloob na dibisyon nito - iyon ay, isang mas maunlad na syntax.

Para sa lahat ng intensity ng mga proseso na nagaganap sa kanila, ang mga pangunahing gawa ni Schubert ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mas kalmadong panloob na pulsation.

Ang tempo sa kanyang mga huling gawa ay madalas na "bumabagal" - kumpara sa parehong Mozart o Beethoven. Kung saan ang mga pagtatalaga ng tempo ni Beethoven ay "maliksi" (Allegro) o "napaka liksi" (Allegro molto), ang kay Schubert ay "maliksi, ngunit hindi masyadong marami" (Allegro ma non troppo), "katamtamang maliksi" (Allegro moderato), "katamtaman" (Moderato) at maging “very moderately and melodiously” (Molto moderato e cantabile).

Ang pinakahuling halimbawa ay ang mga unang paggalaw ng kanyang dalawang sonata (G major 1826 at B flat major 1828), na ang bawat isa ay tumatagal ng mga 45-50 minuto. Ito ang karaniwang timing ng mga gawa ni Schubert noong huling panahon.

Ang gayong epikong pagpintig ng oras ng musika ay naimpluwensyahan ang mga may-akda ng Schumann, Bruckner, at Ruso.

Ang Beethoven, nga pala, ay mayroon ding ilang mga gawa sa malaking anyo, malambing at mas bilugan na "Schubertian" kaysa sa "Beethovenian." (Ito -

at ang nabanggit na ika-24 at ika-27 na sonata, at ang "Archducal" trio ng 1811.)

Ang lahat ng ito ay musika na isinulat ni Beethoven noong mga taong iyon nang magsimula siyang maglaan ng maraming oras sa pag-compose ng mga kanta. Tila, sinasadya niyang nagbigay pugay sa musika ng isang bagong uri ng kanta.

Ngunit para kay Beethoven ang mga ito ay ilan lamang sa mga gawa ng ganitong uri, at para kay Schubert ito ay likas ng kanyang pag-iisip sa komposisyon.

Ang mga sikat na salita ni Schumann tungkol sa "banal na haba" ni Schubert ay sinabi, siyempre, na may pinakamahusay na mga intensyon. Ngunit nagpapahiwatig pa rin sila ng ilang "hindi pagkakaunawaan" - na maaaring maging katugma sa kahit na ang pinaka taos-pusong paghanga!

Si Schubert ay walang "mga longitude," ngunit ibang sukat ng oras: ang kanyang anyo ay nagpapanatili ng lahat ng mga panloob na sukat at sukat.

At kapag gumaganap ng kanyang musika, napakahalaga na ang mga proporsyon ng oras na ito ay mapanatili nang eksakto!

Ito ang dahilan kung bakit hindi ako makatiis kapag binabalewala ng mga gumaganap ang mga senyales ng pag-uulit sa mga gawa ni Schubert - lalo na sa kanyang mga sonata at symphony, kung saan sa sukdulan, pinaka-maganap na mga paggalaw ay kinakailangan lamang na sundin ang mga tagubilin ng may-akda at ulitin ang buong unang seksyon. (“paglalahad”) upang hindi labagin ang mga proporsyon nang buo!

Ang mismong ideya ng gayong pag-uulit ay nakasalalay sa napakahalagang prinsipyo ng "muling pamumuhay." Pagkatapos nito ang lahat karagdagang pag-unlad(development, reprise at code) ay dapat na isipin bilang isang uri ng "ikatlong pagtatangka", na humahantong sa amin sa isang bagong landas.

Bukod dito, si Schubert mismo ay madalas na nagsusulat ng unang opsyon para sa pagtatapos ng paglalahad ("unang volta") para sa paglipat-pagbabalik sa simula-pag-uulit nito, at ang pangalawang opsyon ("pangalawang volta") para sa paglipat sa pag-unlad.

Ang mga "unang volts" ng Schubert na ito ay maaaring naglalaman ng makabuluhang mga piraso ng musika. (Tulad ng, halimbawa, siyam na bar - 117a-126a - sa kanyang Sonata sa B flat major. Napakaraming nilalaman ng mga ito mahahalagang pangyayari at tulad ng isang kalaliman ng pagpapahayag!)

Ang pagwawalang-bahala sa kanila ay tulad ng pagputol at pagtatapon ng buong malalaking piraso ng bagay. Namangha ako kung gaano kabingi ang mga performer dito! Ang mga pagtatanghal ng musikang ito na "nang walang pag-uulit" ay palaging nagbibigay sa akin ng pakiramdam ng isang mag-aaral na tumutugtog ng "sa mga fragment".

Ang talambuhay ni Schubert ay nagpaluha: ang gayong henyo ay nararapat sa isang landas ng buhay na mas karapat-dapat sa kanyang talento. Ang partikular na nakakalungkot para sa mga romantiko ay ang typological bohemianism at kahirapan, pati na rin ang mga sakit (syphilis at iba pa) na naging sanhi ng kamatayan. Sa palagay mo ba ang lahat ng ito ay mga tipikal na katangian ng romantikong pagbuo ng buhay o, sa kabaligtaran, tumayo ba si Schubert sa pundasyon ng biographical canon?

Noong ika-19 na siglo, ang talambuhay ni Schubert ay labis na na-mitolohiya. Ang fictionalization ng mga kwento ng buhay ay karaniwang produkto ng romantikong siglo.

Magsimula tayo sa isa sa mga pinakasikat na stereotype: "Namatay si Schubert sa syphilis."

Ang tanging katotohanan dito ay talagang dinanas ni Schubert ang masamang sakit na ito. At hindi lang sa isang taon. Sa kasamaang palad, ang impeksiyon, na hindi agad na ginagamot nang maayos, ay patuloy na nagpapakilala sa sarili sa anyo ng mga relapses, na nagtutulak kay Schubert na mawalan ng pag-asa. Dalawang daang taon na ang nakalilipas, ang diagnosis ng syphilis ay espada ni Damocles, na nagpahayag ng unti-unting pagkawasak ng pagkatao ng tao.

Ito ay isang sakit, sabihin nating, hindi alien sa mga single na lalaki. At ang una niyang binantaan ay ang publisidad at kahihiyan sa publiko. Pagkatapos ng lahat, si Schubert ay "nagkasala" lamang sa oras-oras na binibigyan niya ng vent ang kanyang mga batang hormone - at ginawa niya ito sa tanging legal na paraan sa oras na iyon: sa pamamagitan ng mga relasyon sa mga pampublikong kababaihan. Ang relasyon sa isang "disenteng" babae sa labas ng kasal ay itinuturing na kriminal.

Nagkaroon siya ng sakit kasama si Franz von Schober, ang kanyang kaibigan at kasama, kung saan sila nakatira sa parehong apartment nang ilang panahon. Ngunit kapwa nakabangon mula rito - halos isang taon bago ang kamatayan ni Schubert.

(Si Schober, hindi katulad ng huli, ay nabuhay pagkatapos nito hanggang siya ay walumpung taong gulang.)

Si Schubert ay namatay hindi dahil sa syphilis, ngunit mula sa ibang dahilan. Noong Nobyembre 1828, nagkasakit siya ng typhoid fever. Ito ay isang sakit ng mga urban suburbs na may mababang antas ng sanitary ng buhay. Sa madaling salita, ito ay isang sakit ng mga palayok ng silid na hindi pa nahuhugasan ng mabuti. Sa oras na iyon, naalis na ni Schubert ang dati niyang sakit, ngunit nanghina ang kanyang katawan at dinala siya ng tipus sa libingan sa loob lamang ng isang linggo o dalawa.

(Ang tanong na ito ay pinag-aralan nang mabuti. Tinutukoy ko ang sinumang interesado sa aklat ni Anton Neumayr na pinamagatang "Musika at Medisina: Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert," na inilathala hindi pa gaanong katagal sa wikang Ruso. Ang kasaysayan ng ang isyu ay nakabalangkas dito nang buong puspusan at tapat, at higit sa lahat - binibigyan ng mga sanggunian sa mga doktor na gumamot kay Schubert at sa kanyang mga sakit sa iba't ibang panahon.)

Ang buong kalunos-lunos na kahangalan ng maagang pagkamatay na ito ay naabutan nito si Schubert nang magsimulang lumiko ang buhay nito sa mas kaaya-ayang panig patungo sa kanya.

Ang mapahamak na sakit ay sa wakas ay nawala. Ang relasyon sa aking ama ay bumuti. Naganap ang konsiyerto ng unang may-akda ni Schubert. Ngunit, sayang, hindi niya kinailangang matamasa ang tagumpay nang matagal.

Bilang karagdagan sa mga sakit, maraming iba pang kalahating katotohanan sa paligid ng talambuhay ni Schubert.

Ito ay pinaniniwalaan na sa panahon ng kanyang buhay siya ay hindi nakilala sa lahat, na siya ay maliit na gumanap at maliit na nai-publish. Ang lahat ng ito ay "kalahati" lamang ang totoo. Ang punto dito ay hindi gaanong pagkilala mula sa labas, ngunit sa mismong katangian ng kompositor at sa paraan ng kanyang malikhaing buhay.

Si Schubert ay likas na hindi isang tao ng karera. Ang kasiyahang natanggap niya mula sa proseso ng paglikha mismo at mula sa patuloy na malikhaing komunikasyon sa isang bilog ng mga taong katulad ng pag-iisip, na binubuo ng noo'y Viennese creative youth, ay sapat na para sa kanya.

Naghari doon ang kulto ng pakikipagkapwa, kapatiran at kaswal na saya, tipikal ng panahong iyon. Sa German ito ay tinatawag na "Geselligkeit". (Sa Russian ito ay parang "pagsasama.") "Paggawa ng sining" ay parehong layunin ng bilog na ito at ang pang-araw-araw na paraan ng pagkakaroon nito. Ganyan ang diwa ng unang bahagi ng ikalabinsiyam na siglo.

Karamihan sa musika na nilikha ni Schubert ay idinisenyo upang i-play sa tiyak na semi-domestic na kapaligiran. At pagkatapos lamang, sa ilalim ng isang kanais-nais na kumbinasyon ng mga pangyayari, nagsimula siyang lumabas mula dito sa malawak na mundo.

Mula sa pananaw ng ating mga pragmatikong panahon, ang gayong saloobin sa trabaho ng isang tao ay maaaring ituring na walang kabuluhan, walang muwang - at maging bata pa. Palaging may pagiging bata sa karakter ni Schubert - ang sinabi ni Jesu-Kristo na "maging tulad ng mga bata." Kung wala siya, si Schubert ay wala sa kanyang sarili.

Ang likas na pagkamahiyain ni Schubert ay isang uri ng social phobia, kapag ang isang tao ay nakakaramdam ng awkward sa isang malaking hindi pamilyar na madla at samakatuwid ay hindi nagmamadaling makipag-ugnayan dito.

Siyempre, mahirap husgahan kung saan ang sanhi at kung saan ang epekto. Para kay Schubert, ito ay, siyempre, isang mekanismo ng sikolohikal na pagtatanggol sa sarili - isang uri ng kanlungan mula sa pang-araw-araw na pagkabigo.

Napaka-vulnerable niyang tao. Ang mga pagbabago ng kapalaran at ang mga karaingan na idinulot sa kanya mula sa loob - at ito ay ipinakita sa kanyang musika, kasama ang lahat ng mga kaibahan nito at matalim na pagbabago ng mood.

Nang si Schubert, na nagtagumpay sa kanyang pagkamahiyain, ay nagpadala ng mga kanta ni Goethe batay sa kanyang mga tula - "The Forest King" at "Gretchen at the Spinning Wheel" - hindi siya nagpakita ng interes sa kanila at hindi man lang tumugon sa liham. Ngunit ang mga kanta ni Schubert ay ang pinakamahusay na naisulat sa mga salita ni Goethe!

Gayunpaman, upang sabihin na walang sinuman ang interesado kay Schubert, na hindi siya kailanman nilalaro o nai-publish kahit saan, ay isang labis na pagmamalabis, isang patuloy na romantikong alamat.

Ipagpapatuloy ko ang pagkakatulad sa panahon ng Sobyet. Tulad ng sa ating bansa maraming mga nonconformist na may-akda ang nakahanap ng mga paraan upang kumita ng pera gamit ang kanilang pagkamalikhain - nagbigay sila ng mga aralin, pinalamutian ang mga sentrong pangkultura, nagsulat ng mga script ng pelikula, mga aklat pambata, musika para sa mga cartoon - Nagtayo rin si Schubert ng mga tulay na may mga kapangyarihan na: kasama ang mga publisher, na may mga concert society at maging sa mga sinehan.

Sa panahon ng buhay ni Schubert, inilathala ng mga publisher ang tungkol sa isang daang ng kanyang mga gawa. (Ang mga numero ng opus ay itinalaga sa kanila sa pagkakasunud-sunod ng paglalathala, kaya wala silang kinalaman sa panahon ng kanilang paglikha.) Tatlo sa kanyang mga opera ay itinanghal noong siya ay nabubuhay - isa sa kanila kahit na sa Vienna Court Opera. (Gaano karaming mga kompositor ang maaari mong mahanap ngayon para sa kanino ang Bolshoi Theater ay itinanghal kahit isa?)

Isang nakakasilaw na kwento ang nangyari sa isa sa mga opera ni Schubert - Fierrabras. Ang Vienna Court Opera noon ay nagnanais, gaya ng sasabihin nila ngayon, na "suportahan ang mga domestic producer" at nag-utos ng mga romantikong opera sa mga makasaysayang paksa mula sa dalawang Mga kompositor ng Aleman- Weber at Schubert.

Ang una ay sa oras na iyon ay isa nang pambansang idolo, na nakakuha ng walang uliran na tagumpay sa kanyang "Free Shooter". At si Schubert ay itinuring, sa halip, isang may-akda na "kilala sa mga makitid na bilog."

Sa kahilingan ng Vienna Opera, isinulat ni Weber ang "Euryanthe", at isinulat ni Schubert ang "Fierrabras": ang parehong mga gawa ay batay sa mga paksa mula sa mga panahon ng chivalry.

Gayunpaman, nais ng publiko na makinig sa mga opera ng Rossini - sa oras na iyon ay isang tanyag na tao sa mundo. Walang sinuman sa kanyang mga kasabayan ang makakalaban sa kanya. Siya ay, maaaring sabihin ng isa, ang Woody Allen, ang Steven Spielberg ng opera noong panahong iyon.

Dumating si Rossini sa Vienna at ninakaw ang palabas. Nabigo ang "Euryanthe" ni Weber. Nagpasya ang teatro na "i-minimize ang mga panganib" at tuluyang tinalikuran ang produksyon ng Schubert. At hindi nila siya binayaran ng bayad para sa gawaing nagawa na.

Isipin na lang: bumubuo ng musika nang higit sa dalawang oras, muling isinulat ang buong iskor! At tulad ng isang bummer.

Kahit sinong tao ay magkakaroon ng matinding nervous breakdown. Ngunit tiningnan ni Schubert ang mga bagay na ito kahit papaano nang mas simple. Mayroong ilang uri ng autism sa kanya, marahil, na nakatulong sa "pagbaba" ng gayong mga pag-crash.

At, siyempre, mga kaibigan, serbesa, ang madamdaming kumpanya ng isang maliit na kapatiran ng mga kaibigan, kung saan nadama niya ang sobrang komportable at kalmado...

Sa pangkalahatan, kailangan nating pag-usapan hindi ang tungkol sa "romantikong pagbuo ng buhay" ni Schubert kundi tungkol sa "seismograph ng mga damdamin" at mga mood na para sa kanya ang pagkamalikhain.

Alam kung anong taon nahawa si Schubert sa kanya hindi kanais-nais na sakit(Nangyari ito sa katapusan ng 1822, noong siya ay dalawampu't limang taong gulang - hindi nagtagal pagkatapos niyang isulat ang "The Unfinished" at "The Wanderer" - ngunit nalaman niya ang tungkol dito sa simula lamang sa susunod na taon), maaari pa nga nating matunton mula sa catalog ng Deutsch kung anong eksaktong sandali ang nangyari sa kanyang musika: isang mood ng trahedya na pagkasira ay lilitaw.

Para sa akin, ang watershed na ito ay dapat tawaging kanyang piano na Sonata in A minor (DV784), na isinulat noong Pebrero 1823. Lumilitaw sa kanya na parang ganap na hindi inaasahan, kaagad pagkatapos ng isang buong serye ng mga sayaw para sa piano - tulad ng isang suntok sa ulo pagkatapos ng isang mabagyong piging.

Nahihirapan akong pangalanan ang isa pang akda ni Schubert na parang kawalang pag-asa at pagkawasak gaya ng sa sonata na ito. Hindi kailanman nagkaroon ng ganitong kabigat, nakamamatay na karakter sa kanya ang mga damdaming ito.

Ang susunod na dalawang taon (1824-25) ay dumaan sa kanyang musika sa ilalim ng tanda ng isang epikong tema - pagkatapos siya, sa katunayan, ay dumating sa kanyang "mahabang" sonata at symphony. Sa unang pagkakataon, maririnig sa kanila ang mood ng pagtagumpayan, ng ilang bagong pagkalalaki. Ang kanyang pinakatanyag na gawain noong panahong iyon ay Mahusay na Symphony C major.

Kasabay nito, nagsimula ang isang pagkahilig para sa makasaysayang at romantikong panitikan - lumitaw ang mga kanta batay sa mga salita ni Walter Scott mula sa "The Virgin of the Lake" (sa mga pagsasalin ng Aleman). Kabilang sa mga ito ang mga kanta ng Tatlong Ellen, kung saan (ang huli) ay ang kilalang "AveMaria". Sa ilang kadahilanan, ang kanyang unang dalawang kanta ay hindi gaanong ginaganap - "Sleep soldier, end of the war" at "Sleep hunter, oras na para matulog." Mahal ko lang sila.

(Nga pala, tungkol sa mga romantikong pakikipagsapalaran: ang huling aklat na hiniling ni Schubert sa kanyang mga kaibigan na basahin bago siya mamatay, noong siya ay nakahiga na sa sakit, ay isang nobela ni Fenimore Cooper. Buong Europa ay nagbabasa nito noong panahong iyon. Pushkin ang nagraranggo sa kanya mas mataas pa kaysa kay Scott.)

Pagkatapos, noong 1826, nilikha ni Schubert marahil ang kanyang pinaka-kilalang liriko. Ibig kong sabihin, una sa lahat, ang kanyang mga kanta - lalo na ang mga paborito ko batay sa mga salita ng Seidl (“Lullaby”, “Wanderer to the Moon”, “Funeral Bell”, “At the Window”, “Languishment”, “On the Libre"), pati na rin ang iba pang mga makata ("Morning Serenade" at "Sylvia" na may lyrics ni Shakespeare sa German translation, "From Wilhelm Meister" na may lyrics ni Goethe, "At Midnight" at "To My Heart" na may lyrics ni Ernst Schulze).

1827 - sa musika ni Schubert ito ang pinakamataas na punto ng trahedya nang likhain niya ang kanyang "Winter Reise". At ito rin ang taon ng kanyang piano trios. Malamang na wala siyang ibang gawain na nagpapakita ng napakalakas na dualismo sa pagitan ng kabayanihan at walang pag-asa na pesimismo tulad ng sa kanyang Trio sa E-flat major.

Ang huling taon ng kanyang buhay (1828) ay ang panahon ng mga hindi kapani-paniwalang tagumpay sa musika ni Schubert. Ito ang taon ng kanyang huling sonata, impromptu at mga musikal na sandali, Fantasia sa F minor at Grand Rondo sa A major para sa apat na kamay, String Quintet, ang kanyang pinakakilalang espirituwal na mga gawa (huling Misa, Offertory at Tantumergo), mga kanta na batay sa mga salita nina Relshtab at Heine. Sa buong taon ay nagtrabaho siya sa mga sketch bagong symphony, na bilang isang resulta ay nanatili sa mga sketch.

Ang oras na ito ay pinakamahusay na inilarawan sa pamamagitan ng mga salita ng epitaph ni Franz Grillparzer sa libingan ni Schubert:

"Ang kamatayan ay nagbaon dito ng isang mayamang kayamanan, ngunit higit pang kamangha-manghang pag-asa ...."

Kasunod ang pagtatapos

Isang magandang bituin sa sikat na kalawakan na nagsilang ng mayabong mga henyo sa musika Lupang Austrian - Franz Schubert. Isang walang hanggang batang romantiko na nagdusa nang husto sa kanyang maikling buhay landas buhay, na nagawang ipahayag ang lahat ng kanyang malalim na damdamin sa musika at nagturo sa mga tagapakinig na mahalin ang gayong "hindi perpekto", "hindi huwarang" (klasikal) na musika, puno ng pagdurusa sa isip. Isa sa mga pinakamaliwanag na tagapagtatag ng musical romanticism.

Basahin ang isang maikling talambuhay ni Franz Schubert at maraming mga kagiliw-giliw na katotohanan tungkol sa kompositor sa aming pahina.

Maikling talambuhay ni Schubert

Ang talambuhay ni Franz Schubert ay isa sa pinakamaikling kultura ng musika sa mundo. Nabuhay lamang ng 31 taon, nag-iwan siya ng isang maliwanag na landas, katulad ng nananatili pagkatapos ng isang kometa. Ipinanganak upang maging isa pang klasikong Viennese, si Schubert, dahil sa pagdurusa at paghihirap na dinanas niya, ay nagdala ng malalim na personal na karanasan sa kanyang musika. Ito ay kung paano ipinanganak ang romantikismo. Ang mga mahigpit na klasikal na tuntunin, na kinikilala lamang ang huwarang pagpigil, simetrya at kalmadong mga katinig, ay pinalitan ng protesta, mga sumasabog na ritmo, nagpapahayag ng mga himig na puno ng tunay na damdamin, at matinding harmonies.

Ipinanganak siya noong 1797 sa isang mahirap na pamilya ng isang guro sa paaralan. Ang kanyang kapalaran ay paunang natukoy - upang ipagpatuloy ang gawain ng kanyang ama ay hindi inaasahan dito ang katanyagan o tagumpay; Gayunpaman, sa murang edad ay nagpakita na siya ng mataas na kakayahan para sa musika. Natanggap ko ang aking unang mga aralin sa musika sa bahay, ipinagpatuloy niya ang kanyang pag-aaral sa paaralan ng parokya, at pagkatapos ay sa Vienna Konvikt - isang saradong boarding school para sa mga mang-aawit sa simbahan.Mag-order sa institusyong pang-edukasyon ay katulad ng hukbo - ang mga mag-aaral ay kailangang mag-ensayo nang ilang oras at pagkatapos ay magsagawa ng mga konsyerto. Nang maglaon, naalala ni Franz nang may kakila-kilabot ang mga taon na ginugol niya doon; siya ay naging disillusioned sa dogma ng simbahan sa loob ng mahabang panahon, kahit na siya ay bumaling sa espirituwal na genre sa kanyang trabaho (siya ay sumulat ng 6 na misa). sikat" Ave Maria", kung wala ang isang solong Pasko ay kumpleto, at kung saan ay madalas na nauugnay sa magandang imahe ng Birheng Maria, ay talagang ipinaglihi ni Schubert bilang isang romantikong balad batay sa mga tula ni Walter Scott (isinalin sa Aleman).

Siya ay isang napakatalino na estudyante, tinanggihan siya ng mga guro sa mga salitang: "Tinuruan siya ng Diyos, wala akong kinalaman sa kanya." Mula sa talambuhay ni Schubert nalaman namin na ang kanyang unang mga eksperimento sa komposisyon ay nagsimula sa edad na 13, at mula sa edad na 15 si maestro Antonio Salieri mismo ay nagsimulang mag-aral ng counterpoint at komposisyon sa kanya.

Siya ay pinatalsik mula sa koro ng Court Chapel (“Hofsengecnabe”) matapos ang kanyang boses ay nagsimulang masira. . Sa panahong ito, oras na upang magpasya sa pagpili ng propesyon. Iginiit ng aking ama na pumasok sa seminary ng mga guro. Ang mga prospect para sa pagtatrabaho bilang isang musikero ay napakalabo, at ang pagtatrabaho bilang isang guro ay maaaring maging tiwala sa hinaharap. Si Franz ay sumuko, nag-aral at nakapagtrabaho pa sa paaralan ng 4 na taon.

Ngunit ang lahat ng mga aktibidad at istraktura ng buhay noon ay hindi tumutugma sa mga espirituwal na impulses ng binata - ang lahat ng kanyang mga iniisip ay tungkol lamang sa musika. Nag-compose siya sa kanyang libreng oras at nagpatugtog ng maraming musika kasama ang isang maliit na bilog ng mga kaibigan. At isang araw nagpasya akong umalis sa aking regular na trabaho at italaga ang aking sarili sa musika. Ito ay isang seryosong hakbang - upang tanggihan ang isang garantisadong, kahit na katamtaman, kita at tadhana ang iyong sarili sa gutom.

Ang unang pag-ibig ay kasabay ng parehong sandali. Ang pakiramdam ay kapalit - ang batang Teresa Grob ay malinaw na umaasa ng isang proposal ng kasal, ngunit hindi ito dumating. Ang kinikita ni Franz ay hindi sapat para sa kanyang sariling buhay, hindi pa banggitin ang pagpapanatili ng kanyang pamilya. Nanatili siyang nag-iisa, hindi na-develop ang kanyang musical career. Hindi tulad ng virtuoso pianists Liszt At Chopin, si Schubert ay walang matingkad na kakayahan sa pagganap, at hindi nakakuha ng katanyagan bilang isang performer. Ang posisyon ng bandmaster sa Laibach, na kanyang inaasahan, ay tinanggihan sa kanya, at hindi siya nakatanggap ng anumang iba pang seryosong alok.

Ang pag-publish ng kanyang mga gawa ay halos walang pera. Ang mga publisher ay lubhang nag-aatubili na mag-publish ng mga gawa ng isang maliit na kilalang kompositor. Tulad ng sasabihin nila ngayon, hindi ito "na-promote" para sa masa. Minsan ay inanyayahan siyang magtanghal sa maliliit na salon, na ang mga miyembro ay nakadama ng higit na bohemian kaysa tunay na interesado sa kanyang musika. Sinuportahan ng maliit na bilog ng mga kaibigan ni Schubert ang batang kompositor sa pananalapi.

Ngunit sa pangkalahatan, ito ay naka-on malaking madla Halos hindi gumanap si Schubert. Hindi siya nakarinig ng palakpakan pagkatapos ng anumang matagumpay na pagtatapos sa isang akda; Hindi pinagsama ang kanyang tagumpay sa kasunod na mga gawa - pagkatapos ng lahat, hindi na niya kailangang isipin kung paano ibabalik ang malaki bulwagan ng konsiyerto para bumili sila ng ticket, para siya mismo maalala, etc.

Sa katunayan, ang lahat ng kanyang musika ay isang walang katapusang monologo na may pinakamadaling pagmuni-muni ng isang lalaking mature na lampas sa kanyang mga taon. Walang pag-uusap sa publiko, walang pagtatangkang pasayahin at pahangain. Ang lahat ng ito ay napaka-kilala, kahit na kilalang-kilala sa isang kahulugan. At puno ng walang katapusang katapatan ng damdamin. Ang malalalim na karanasan ng kanyang makalupang kalungkutan, kawalan, at pait ng pagkatalo ay pumuno sa kanyang mga iniisip araw-araw. At, sa paghahanap ng walang ibang paraan out, sila poured out sa pagkamalikhain.

Matapos makilala ang opera at chamber singer na si Johann Mikael Vogl, naging mas maayos ang mga bagay. Ang artista ay gumanap ng mga kanta at ballad ni Schubert sa mga salon ng Viennese, at si Franz mismo ay kumilos bilang isang accompanist. Ginampanan ng Vogl, mabilis na sumikat ang mga kanta at romansa ni Schubert. Noong 1825, nagsagawa sila ng magkasanib na paglilibot sa itaas na Austria. SA mga lungsod ng probinsiya sila ay binati ng maluwag sa loob at sa tuwa, ngunit nabigo silang kumita muli. Paano maging sikat.

Nasa unang bahagi ng 1820s, nagsimulang mag-alala si Franz tungkol sa kanyang kalusugan. Ito ay mapagkakatiwalaang kilala na siya ay nagkaroon ng sakit pagkatapos ng pagbisita sa isang babae, at ito ay nagdagdag ng pagkabigo sa bahaging ito ng kanyang buhay. Pagkatapos ng maliliit na pagpapabuti, ang sakit ay umuunlad at humina ang immune system. Kahit na ang mga karaniwang sipon ay mahirap para sa kanya na tiisin. At noong taglagas ng 1828, nagkasakit siya ng typhoid fever, kung saan siya namatay noong Nobyembre 19, 1828.

Unlike Mozart, inilibing si Schubert sa isang hiwalay na libingan. Totoo, ang gayong kahanga-hangang libing ay kailangang bayaran ng pera mula sa pagbebenta ng kanyang piano, na binili pagkatapos ng tanging malaking konsiyerto. Ang pagkilala ay dumating sa kanya posthumously, at marami mamaya - ilang dekada mamaya. Ang katotohanan ay ang karamihan sa mga gawa sa musikal na anyo ay itinago ng mga kaibigan, kamag-anak, o sa ilang mga closet bilang hindi kailangan. Kilala sa kanyang pagkalimot, hindi kailanman itinago ni Schubert ang isang katalogo ng kanyang mga gawa (tulad ng Mozart), at hindi rin niya sinubukang i-systematize ang mga ito o hindi bababa sa itago ang mga ito sa isang lugar.

Karamihan sa mga sulat-kamay na materyal ng musika ay natagpuan nina George Grove at Arthur Sullivan noong 1867. Noong ika-19 at ika-20 siglo, ang musika ni Schubert ay ginampanan ng mahahalagang musikero, at mga kompositor tulad ng Berlioz, Bruckner, Dvorak, Britten, Strauss kinikilala ang ganap na impluwensya ni Schubert sa kanilang trabaho. Sa ilalim ng direksyon ng Brahms noong 1897 ang unang na-verify na siyentipikong edisyon ng lahat ng mga gawa ni Schubert ay nai-publish.

Mga kagiliw-giliw na katotohanan tungkol kay Franz Schubert

• Ito ay tiyak na kilala na halos lahat ng umiiral na mga larawan ng kompositor ay lubos na nambobola sa kanya. Halimbawa, hindi siya nagsuot ng puting kuwelyo. At ang isang direktang, may layunin na pagtingin ay hindi sa lahat ng katangian sa kanya - kahit na ang kanyang malapit, adoring mga kaibigan na tinatawag na Schubert Schwamal ("schwam" - sa Aleman "espongha"), ibig sabihin ang kanyang magiliw na karakter.

• Maraming mga kontemporaryo ang nagpapanatili ng mga alaala ng kakaibang kawalan ng pag-iisip at pagkalimot ng kompositor. Ang mga scrap ng music paper na may mga sketch ng mga komposisyon ay matatagpuan kahit saan. Sinasabi pa nga nila na isang araw, nang makita ang mga nota ng isang piyesa, agad siyang umupo at tinugtog ito. “Napakagandang maliit na bagay! – bulalas ni Franz, “kanino siya?” Siya na pala ang sumulat ng dula. At ang manuskrito ng sikat na Great C Major Symphony ay aksidenteng natuklasan 10 taon pagkatapos ng kanyang kamatayan.
• Sumulat si Schubert ng humigit-kumulang 600 vocal na gawa, dalawang-katlo nito ay isinulat bago siya 19 taong gulang, at sa kabuuan ang bilang ng kanyang mga gawa ay lumampas sa 1000 na ito ay hindi maitatag nang may katiyakan, dahil ang ilan sa mga ito ay nanatiling hindi natapos na mga sketch, at ang ilan malamang na nawala ng tuluyan.
• Maraming isinulat si Schubert mga orkestra na gawa, ngunit hindi pa niya narinig ang alinman sa mga ito na gumanap sa publiko sa buong buhay niya. Ang ilang mga mananaliksik ay balintuna na naniniwala na marahil ito ang dahilan kung bakit agad nilang kinikilala na ang may-akda ay isang orkestra na biyolista. Ayon sa talambuhay ni Schubert, sa koro ng korte ang kompositor ay nag-aral hindi lamang sa pag-awit, kundi pati na rin sa paglalaro ng viola, at ginanap ang parehong bahagi sa orkestra ng mag-aaral. Ito ay tiyak na isinulat nang malinaw at malinaw sa kanyang mga symphony, masa at iba pang instrumental na mga gawa, na may malaking halaga teknikal at ritmikong kumplikadong mga pigura.
• Ilang tao ang nakakaalam na sa halos buong buhay niya, si Schubert ay walang piano sa bahay! Nag-compose siya sa gitara! At sa ilang mga gawa ay malinaw din itong maririnig sa saliw. Halimbawa, sa parehong "Ave Maria" o "Serenade".

• Legendary ang pagiging mahiyain niya. Hindi lang siya nabuhay kasabay ng Beethoven, na kanyang iniidolo, hindi lamang sa parehong lungsod - sila ay nanirahan nang literal sa mga kalapit na kalye, ngunit hindi kailanman nagkita! Ang dalawang pinakadakilang haligi ng kulturang musikal sa Europa, na pinagsama ng kapalaran mismo sa isang heograpikal at makasaysayang marker, ay hindi nakuha ang isa't isa sa pamamagitan ng kabalintunaan ng kapalaran o dahil sa pagkamahiyain ng isa sa kanila.
• Gayunpaman, pagkatapos ng kamatayan, pinagsama ng mga tao ang alaala sa kanila: Si Schubert ay inilibing sa tabi ng libingan ni Beethoven sa sementeryo ng Wehring, at kalaunan ang parehong mga libing ay inilipat sa Central Vienna Cemetery.

• Ngunit kahit dito lumitaw ang isang mapanlinlang na pagngiwi ng kapalaran. Noong 1828, sa anibersaryo ng pagkamatay ni Beethoven, nag-organisa si Schubert ng isang gabi sa memorya ng mahusay na kompositor. Iyon ang tanging pagkakataon sa kanyang buhay nang pumasok siya sa isang malaking bulwagan at nagtanghal ng kanyang musika na nakatuon sa kanyang idolo para sa mga tagapakinig. Sa kauna-unahang pagkakataon ay nakarinig siya ng palakpakan - ang madla ay nagalak, sumisigaw ng "isang bagong Beethoven ay ipinanganak!" Sa unang pagkakataon, kumita siya ng maraming pera - sapat na para makabili (ang una sa kanyang buhay) ng piano. Iniisip na niya ang hinaharap na tagumpay at katanyagan, sikat na pag-ibig... Ngunit makalipas lamang ang ilang buwan ay nagkasakit siya at namatay... At ang piano ay kailangang ibenta para mabigyan siya ng hiwalay na libingan.

Ang mga gawa ni Franz Schubert

Sinasabi ng talambuhay ni Schubert na para sa kanyang mga kontemporaryo ay nanatili siya sa memorya bilang may-akda ng mga kanta at liriko na piyesa ng piano. Kahit na ang kagyat na paligid ay hindi maisip ang laki nito malikhaing gawa. At sa paghahanap ng mga genre, masining na mga larawan Ang gawa ni Schubert ay maihahambing sa kanyang pamana Mozart. Kabisado niya ito nang husto vocal music- nagsulat ng 10 opera, 6 na masa, ilang mga gawa ng cantata-oratorio, ang ilang mga mananaliksik, kabilang ang sikat na musikero ng Sobyet na si Boris Asafiev, ay naniniwala na ang kontribusyon ni Schubert sa pagbuo ng kanta ay kasinghalaga ng kontribusyon ni Beethoven sa pagbuo ng symphony.

Itinuturing ng maraming mananaliksik ang puso ng kanyang gawain vocal loops « Ang ganda ng asawa ni miller"(1823), " Kanta ng Swan "At" paglalakbay sa taglamig"(1827). Binubuo ng iba't ibang mga numero ng kanta, ang parehong mga cycle ay pinagsama ng isang karaniwang nilalaman ng semantiko. Ang mga pag-asa at pagdurusa ng isang malungkot na tao, na naging sentro ng liriko ng mga romansa, ay higit sa lahat ay autobiographical. Sa partikular, ang mga kanta mula sa siklo ng "Winter Reise", na isinulat isang taon bago ang kanyang kamatayan, nang si Schubert ay may malubhang karamdaman, at naramdaman ang kanyang pag-iral sa lupa sa pamamagitan ng prisma ng lamig at mga paghihirap na kanyang tiniis. Ang imahe ng organ grinder mula sa huling numero, "The Organ Grinder," ay nagpapakilala sa monotony at kawalang-saysay ng mga pagsisikap ng isang naglalakbay na musikero.

SA instrumental na musika sinakop din niya ang lahat ng mga genre na umiiral sa oras na iyon - sumulat siya ng 9 symphony, 16 sonata ng piano, maraming mga gawa para sa pagganap ng ensemble. Ngunit sa instrumental na musika ay may malinaw na naririnig na koneksyon sa simula ng kanta - karamihan sa mga tema ay may binibigkas na melody at liriko na karakter. Sa kanyang mga liriko na tema ay katulad siya ni Mozart. Nangibabaw din ang melodic emphasis sa disenyo at pagbuo ng musical material. Kinuha mula sa mga klasikong Viennese ang pinakamahusay na pag-unawa sa anyo ng musika, pinunan ito ni Schubert ng bagong nilalaman.

Kung si Beethoven, na nakatira sa parehong oras, literal sa susunod na kalye, ay may kabayanihan, kalunus-lunos na istilo ng musika na sumasalamin sa mga social phenomena at mood ng isang buong tao, kung gayon para sa Schubert ang musika ay isang personal na karanasan ng agwat sa pagitan ng perpekto. at ang tunay.

Ang kanyang mga gawa ay halos hindi gumanap; kadalasan ay sumulat siya "sa mesa" - para sa kanyang sarili at sa mga napakatapat na kaibigan na nakapaligid sa kanya. Nagtipon sila sa mga gabi sa tinatawag na "Schubertiads" at nasiyahan sa musika at komunikasyon. Ito ay may kapansin-pansing epekto sa lahat ng gawain ni Schubert - hindi niya kilala ang kanyang madla, hindi siya nagsusumikap na pasayahin ang isang tiyak na karamihan, hindi niya iniisip kung paano humanga ang mga tagapakinig na dumating sa konsiyerto.

Sumulat siya para sa mga nagmamahal at nakakaunawa sa kanya panloob na mundo mga kaibigan. Tinatrato nila siya nang may malaking paggalang at paggalang. At ang buong intimate, espirituwal na kapaligiran ay katangian ng kanyang mga liriko na komposisyon. Ito ay higit na nakakagulat na mapagtanto na ang karamihan sa mga gawa ay isinulat nang walang pag-asang marinig. Para bang wala siyang ambisyon at ambisyon. Pinilit siya ng ilang hindi maintindihan na puwersa na lumikha nang hindi lumilikha ng positibong pampalakas, nang hindi nag-aalok ng anumang kapalit maliban sa magiliw na pakikilahok ng mga mahal sa buhay.

Ang musika ni Schubert sa sinehan

Ngayon ay may napakalaking bilang ng iba't ibang pagsasaayos ng musika ni Schubert. Ginawa ito ng parehong mga akademikong kompositor at modernong musikero na gumagamit mga elektronikong instrumento. Salamat sa kanyang pino at sa parehong oras simpleng melody, ang musikang ito ay mabilis na "nahuhulog sa tainga" at naaalala. Karamihan sa mga tao ay alam na ito mula pagkabata, at nagdudulot ito ng "epekto sa pagkilala" na gustong gamitin ng mga advertiser.

Maaari itong marinig sa lahat ng dako - sa mga seremonya, philharmonic concert, sa mga pagsusulit ng mag-aaral, pati na rin sa mga "magaan" na genre - sa sinehan at sa telebisyon bilang saliw sa background.

Bilang isang soundtrack sa mga tampok na pelikula, dokumentaryo at serye sa telebisyon:

• "Mozart in the Jungle" (t/s 2014-2016);
• "Lihim na Ahente" (pelikula 2016);
• "The Illusion of Love" (pelikula 2016);
• "Hitman" (pelikula 2016);
• "Alamat" (pelikula 2015);
• "Moon Scam" (pelikula 2015);
• "Hannibal" (pelikula 2014);
• "Supernatural" (t/s 2013);
• "Paganini: The Devil's Violinist" (pelikula 2013);
• "12 Years a Slave" (pelikula 2013);
• "Ulat ng Minorya" (t/s 2002);
• "Sherlock Holmes: A Game of Shadows" (pelikula 2011); "trout"
• "Bahay ng Doktor" (t/s 2011);
• "The Curious Case of Benjamin Button" (pelikula 2009);
• "The Dark Knight" (pelikula 2008);
• "Smallville" (t/s 2004);
• "Spider-Man" (pelikula 2004);
• "Good Will Hunting" (pelikula 1997);
• "Doktor Sino" (t/s 1981);
• "Jane Eyre" (pelikula 1934).

At hindi mabilang na iba, hindi posible na ilista ang lahat. Ang mga biographical na pelikula tungkol sa buhay ni Schubert ay ginawa rin. Ang pinakatanyag na mga pelikula ay "Schubert. Song of Love and Despair" (1958), 1968 teleplay na "Unfinished Symphony", "Schubert" / Schubert. Das Dreimäderlhaus/ Talambuhay na tampok na pelikula, 1958.

Ang musika ni Schubert ay nauunawaan at malapit sa karamihan ng mga tao; Kahit na mga siglo pagkatapos ng kanyang buhay, ang musikang ito ay may kaugnayan tulad ng dati at malamang na hindi malilimutan.

Video: manood ng pelikula tungkol kay Franz Schubert

Theater na pinangalanan Si Pokrovsky noong 2014 ay nagpakita ng dalawang opera ng mahusay Mga kompositor ng Vienna - "Leonora" ni L. Beethoven at "Lazarus, o ang Tagumpay ng Muling Pagkabuhay" ni F. Schubert - E. Denisov, na naging mga kaganapan sa proseso ng opera ng Russia.

Ang pagtuklas ng mga markang ito para sa Russia ay maaaring isama sa pangkalahatan modernong kalakaran sa rebisyon ng makasaysayang pamana. Sa halos kauna-unahang pagkakataon, ang mga tagapakinig na Ruso ay nakikilala sa napakalaking sukat sa mga istilo ng opera nina Beethoven at Schubert, mga klasiko na ang mga pangalan ay iniuugnay namin pangunahin sa pagiging instrumental at chamber-vocal na pagkamalikhain.

Ang mga opera na "Leonora" at "Lazarus", na nabigo sa Vienna at sa parehong oras ay nakasulat sa teksto ng Viennese noong unang bahagi ng ika-19 na siglo, muling likhain kung ano ang sinikap ng mga henyo, ngunit hindi natagpuan (o hindi ganap) na natanto sa pagsasanay sa musika.

Nagsalita siya tungkol sa dalawang opera na ito eksklusibong panayam"MO" sikat na musicologist na si Larisa Kirillina.

Si Kirillina Larisa Valentinovna- isa sa mga pinaka-makapangyarihang mananaliksik banyagang musika sa Russia. Doctor of Art History, Propesor ng Moscow Conservatory. Nangungunang mananaliksik sa State Research Institute. May-akda ng mga pangunahing monograpiya: " Klasikong istilo sa musika noong ika-18–unang bahagi ng ika-19 na siglo. (sa 3 bahagi, 1996–2007); " Italian opera unang kalahati ng ika-20 siglo" (1996); "Gluck's Reform Operas" ("Classics-XXI", 2006); dalawang tomo “Beethoven. Buhay at Pagkamalikhain" (National Research Center "Moscow Conservatory", 2009). Ang monograph sa Beethoven ay pinangalanang "Aklat ng Taon" noong 2009 sa Rehiyon ng Moscow na "Mga Tao at Mga Kaganapan" na rating. Editor-compiler at commentator ng bagong edisyon ng Beethoven's Letters (Music). Aktibong nakikilahok sa modernong proseso ng musika, nagpapanatili ng kanyang sariling blog tungkol sa mga musical premiere. Nagsusulat siya ng tula, tuluyan, at inilathala sa mga website na pampanitikan. Siya ay isang siyentipikong consultant at lektor sa panahon ng panayam at eksibisyon na kasama ng produksyon ng "Leonora" sa Teatro. Pokrovsky.

«  Leonora"

MO|  Gaano kaiba ang unang bersyon ng "Leonora" sa mga kasunod na bersyon? Iba't ibang drama at karakter? Espesyal na lohika ng pagsasalaysay? O iba pa?

LK|  Malamang na makatuwiran na pag-usapan muna ang tungkol sa mga pagkakaiba sa pagitan ng una (1805) at pangatlo (1814) na bersyon. Ang pangalawa, na nilikha sa simula ng 1806, ay isang sapilitang pagbabago ng una. Sinubukan ni Beethoven na panatilihin ang pinakamahusay na nasa orihinal na marka, ngunit dahil sa mga pagbawas at muling pagsasaayos ng mga numero, medyo nagdusa ang lohika. Bagaman lumitaw ang isang bagong overture dito, ang "Leonora" No. 3, na pagkatapos ay nagsimulang gumanap nang hiwalay. At lumitaw ang martsa ng mga sundalo ni Pizarro (ang unang bersyon ay may iba't ibang musika).

Ang unang bersyon ("Leonora") ay medyo naiiba. Ito ay mas mahaba... Ang aksyon ay umuunlad nang mas mabagal, ngunit sa parehong oras ito ay mas lohikal at sikolohikal na nakakumbinsi...

Ang unang bersyon ay medyo naiiba mula sa pangatlo. Una, ito ay mas mahaba: tatlong aksyon sa halip na ang huling dalawa. Ang aksyon ay umuunlad nang mas mabagal, ngunit sa parehong oras ito ay mas lohikal at sikolohikal na nakakumbinsi kaysa sa pangalawa at kahit pangatlong bersyon. Mga tiyak na halimbawa: Ang 1805 na bersyon ay nagbukas na may napakahabang, napaka-dramatiko at napaka-bold na Leonora Overture No. 2 (ang mga serial number ng tatlong overture kay Leonora ay lumitaw pagkatapos ng kamatayan ni Beethoven, at sa katunayan si Leonora No. 1 ang pinakahuli sa kanila na binubuo para sa nabigo produksyon sa Prague noong 1807). Pagkatapos nito ay dumating ang aria ni Marcellina (sa C minor, na ganap na sumama sa overture, ngunit agad na lumikha ng isang nakababahala na anino sa simula ng opera), pagkatapos ay ang duet nina Marcellina at Jaquino, ang terzetto ni Rocco, Marcellina at Jaquino - at ang quartet, na may partisipasyon na si Leonora. Ang bilang ng mga character sa entablado ay unti-unting tumaas, ang bawat isa ay nakakuha ng sarili nitong mga katangian, at ang kalidad ng musikal na materyal ay naging mas kumplikado (ang quartet ay isinulat sa anyo ng isang canon). Ihambing natin sa pangatlong bersyon, Fidelio 1814: ang overture ay ganap na naiiba, hindi ayon sa tema na nauugnay sa opera. Pagkatapos nito ay hindi mo maaaring ilagay ang aria ni Marcellina (overture sa E major, aria sa C minor). Nangangahulugan ito na ipinagpalit ni Beethoven ang duet (siya ay nasa A major) at ang aria, sa gayon ay binibigyang-diin ang pang-araw-araw, halos Singspiel na kapaligiran ng mga unang eksena. Walang itinatagong pagkabalisa, walang lihim na intriga.

Sa unang bersyon, ang Pizarro ay may dalawang aria, hindi isa. Kung ang una ay isang medyo tradisyonal na "aria ng paghihiganti" (ito ay napanatili sa ikatlong bersyon), kung gayon ang pangalawa, na nagtatapos sa Act 2, ay isang larawan ng isang malupit na lasing sa kanyang kapangyarihan. Kung wala ito, ang imahe ay mukhang mahirap. Si Pizarro sa unang bersyon ay mas kakila-kilabot; siya ay isang tunay, kumbinsido, madamdamin na malupit, at hindi isang maginoo na kontrabida sa opera.

Ang pagtatapos sa unang edisyon ay mas monumental kaysa sa pangatlo. Sa 1805 na bersyon, nagsisimula ito hindi sa pagsasaya sa parisukat, ngunit sa nakakatakot na sigaw ng koro - "Paghihiganti! Paghihiganti! ang episode ng "panalangin" ay ipinakita sa isang napaka-detalyadong paraan, na ginagawang isang liturhiya sa ilalim ang katapusan bukas na hangin. Sa ikatlong bersyon, ang lahat ng ito ay mas simple, mas maikli at mas parang poster. Ang marka ng "Leonora" ay napanatili; Ang marka ay nai-publish noong 1905 at magagamit sa mga pangunahing aklatan. Kaya ang pagpili ng bersyon ay depende sa kalooban ng teatro.

MO|  Ang unang bersyon ba ay ginanap sa ibang bansa?

LK| Ginagawa ito, ngunit bihira. Sa entablado mayroon lamang ilang mga kaso ng produksyon. Ang huli ay sa Bern noong 2012, bago iyon nagkaroon ng mahabang panahon ng "katahimikan", at wala ni isang pag-record ng video. Ang "Leonora" ay naitala sa mga audio disc nang maraming beses, kabilang ang para sa mga bagong nakolektang gawa ng Beethoven sa audio recording, pati na rin nang hiwalay. Mayroong kahit isang audio recording ng napakabihirang pangalawang edisyon ng 1806, isang kompromiso kumpara sa una. Samakatuwid, ang isang matagumpay at masiglang paggawa ng Moscow ng "Leonora" ay, siyempre, isang pambihirang kaganapan.

MO|  Pagkalimot sa unang bersyon - isang trahedya na aksidente o isang tiyak makasaysayang pattern? Sa totoo lang, bakit mas sikat ang “Fidelio”?

LK|  Nagkaroon ng parehong trahedya na aksidente at isang pattern dito. Ang musika ng unang bersyon ay kumplikado, banayad, at sa oras na iyon ay ganap na avant-garde. Isinasaalang-alang na ni Fidelio ang panlasa ng pangkalahatang publiko. Ito ay naging isang repertory opera, na pinadali ng pamamahagi ng mga sulat-kamay na awtorisadong mga kopya ng marka (Ginawa ito ni Beethoven at ng kanyang bagong librettist na si Treitschke). Ngunit walang namahagi ng "Leonora," at kahit na may gusto, halos wala kahit saan upang makuha ang mga tala.

MO|  Kaugnay ng unang bersyon, kaugalian na pag-usapan ang mga dahilan ng pagkabigo. Ano ang iyong opinyon?

LK|  Ang mga dahilan ay nasa ibabaw; bahagyang isinulat ko ang tungkol sa mga ito sa aking aklat tungkol sa Beethoven. Ang pinakamahalagang bagay: ang oras ay hindi na maibabalik. Kung ang pagtatanghal ay ibinigay noong Oktubre 15, gaya ng binalak (sa araw ng pangalan ng empress), maaaring iba ang naging kapalaran ng opera. Ngunit ang censor ay namagitan, na nakakita ng mga pahiwatig ng pulitika sa libretto, at ang teksto ay kailangang agarang gawing muli at muling aprubahan.

Samantala, sumiklab ang digmaan, ang korte ay inilikas mula sa Vienna, at ang mga Pranses, pagkatapos ng mapaminsalang pagsuko ng hukbong Austrian, ay nagmartsa sa Vienna nang walang harang. Ang premiere noong Nobyembre 20, 1805 ay naganap isang linggo pagkatapos ng pagsakop sa Vienna ng mga tropang Pranses - at, sa pamamagitan ng paraan, mga dalawang linggo bago ang Labanan ng Austerlitz. Ang Theater an der Wien ay matatagpuan sa mga suburb, ang mga pintuan kung saan sarado pagkatapos ng dilim. Dahil dito, ang maharlika at artistikong madla, na kung saan ang atensyon ay binibilang ni Beethoven, ay wala. Marahil ay hindi sila natutong mabuti ng opera; Si Beethoven ay tiyak na hindi nasisiyahan sa mang-aawit na si Fritz Demmer (Florestan). Isinulat ng mga kritiko na ang prima donna Milder ay pinipigilan din na naglaro. Sa pangkalahatan, ang lahat ng hindi kanais-nais na mga salik na maaaring nagtagpo sa isang makasaysayang punto ay nag-tutugma.

MO|  Bakit si Beethoven, na kilala sa kanyang kalayaan, ay biglang sumuko sa impluwensya ng mga may mabuting hangarin at binago ang kanyang marka? Mayroon bang iba pang mga ganitong kaso na kilala sa kanyang creative heritage?

LK|  Ang listahan ng mga "well-wishers" ay ibinibigay sa mga memoir ng mang-aawit na si Joseph August Reckel - Florestan sa 1806 na bersyon (sa pamamagitan ng paraan, siya ay naging direktor, at sa kanyang produksyon na pinakinggan ni M.I. Glinka ang "Fidelio" sa Aachen noong 1828 at lubos na natuwa). Ang mapagpasyang papel sa panghihikayat ni Beethoven ay ginampanan ni Prinsesa Maria Kristina Likhnovskaya, na hinarap siya ng isang kalunos-lunos na apela, na humihiling sa kanya na huwag sirain siya. pinakamahusay na trabaho at sumang-ayon sa mga pagbabago para sa kapakanan ng alaala ng kanyang ina at para sa kanya, ang prinsesa, sa kanya matalik na kaibigan. Laking gulat ni Beethoven kaya nangako siyang gagawin ang lahat. Halos walang katulad na mga kaso sa kanyang buhay. Marahil noong 1826, nang pumayag siya, sa kahilingan ng publisher na si Matthias Artaria, na tanggalin ang op. 130 malaking huling fugue at magsulat ng isa pang pagtatapos, mas simple. Ngunit, dahil ipinangako ng publisher na i-publish ang Great Fugue nang hiwalay, na nagbabayad ng isang espesyal na bayad para dito (pati na rin para sa apat na kamay na transkripsyon nito), sinang-ayunan ito ni Beethoven. Kailangan niya ng pera.

MO|  Ano ang pangkalahatang sitwasyon sa opera repertoire sa Germany noong panahong iyon?

LK|  Mayroong mga opera ng Aleman, ngunit ang kanilang kalidad ay mas mababa kaysa sa mga opera ni Mozart. Nangibabaw ang mga singspiel sa araw-araw at fairy-tale na mga paksa. “Little Red Riding Hood” ni Dittersdorf, “The Danube Mermaid” ni Kauer, “Oberon” ni Pavel Vranitsky, “The Swiss Family” ni Weigl, “Sisters from Prague” ni Wenzel Müller, “Three Sultanas” at “Mirror of Arcadia ” ni Süssmayr - lahat ng ito ay "mga hit" ng kanilang panahon, ginanap sila sa iba't ibang yugto ng wikang Aleman. Bukod dito, sa entablado ng korte ng Viennese maraming mga dayuhang opera, Pranses at Italyano, ang isinagawa gamit ang mga tekstong Aleman. Nalalapat din ito sa mga opera ni Mozart (“Ito ang ginagawa ng lahat ng kababaihan” ay tinawag na “Maiden Fidelity”, noong Aleman, "Don Juan" at "Idomeneo" ay isinalin din). Ang problema ay ang kakulangan ng seryosong German opera sa heroic, historical o trahedya na kwento. Talagang kakaunti ang mga sample na ito. Ang "The Magic Flute" ni Mozart ay ikinatuwa ng lahat, ngunit ito ay isang fairy tale pa rin na may mga pilosopiko na mga tono at napaka-conventional na mga karakter. Ang bersyon ng Viennese ng Iphigenie en Tauris ni Gluck ay batay sa orihinal na Pranses at bihirang gumanap. Iyon ay, ang "mga dakilang heroic opera" na lumitaw sa panahon ni Beethoven ay malayo sa antas ng mga obra maestra at sa halip ay nakatuon sa libangan ng produksyon ("Alexander" ni Taiber, "Cyrus the Great" ni Seyfried, "Orpheus" ng Cannet ). Ang "Leonora"/"Fidelio" ay nilayon upang punan ang puwang na ito. Mula dito ang direktang landas ay nakalagay sa mga opera nina Weber at Wagner.

MO|  Sino ang reference point ni Beethoven sa operatic genre?

LK|  Mayroong dalawang pangunahing sanggunian: Mozart at Cherubini. Ngunit ang "walang halaga" na mga plano ng ilan sa mga opera ni Mozart ay nagdulot ng pagkalito sa Beethoven, at higit sa lahat ay inilagay niya ang " Ang magic flute" Iginagalang niya si Cherubini bilang ang pinakanamumukod-tanging mga modernong kompositor. Sa pamamagitan ng paraan, si Cherubini ay nasa Vienna noong 1805 na may kaugnayan sa paparating na premiere ng kanyang opera na "Faniska". Kilala niya si Beethoven at naroroon sa premiere ng "Leonora", pagkatapos nito, tulad ng sinasabi nila, binigyan niya si Beethoven ... "School of Singing", na inilathala ng Paris Conservatory (na may malinaw na pahiwatig sa "non-vocality" ng kanyang opera). Hindi alam kung ano ang eksaktong reaksyon ni Beethoven, ngunit kalaunan ay tinawag siya ni Cherubini na isang "oso" sa Paris. Napanatili ni Beethoven ang malaking paggalang sa kanya bilang isang musikero. Sa Fidelio mas kapansin-pansin ang impluwensya ni Cherubini kaysa kay Leonora.

Marahil ay dapat din nating pangalanan si Ferdinando Paera. Pinahahalagahan ni Beethoven ang kanyang Achilles, tiyak na kilala si Tamerlane, at ang Leonora ni Paera, na itinanghal sa Dresden isang taon bago ang opera ni Beethoven, ay naging isang uri ng hamon para sa kanya. Gayunpaman, sa pagbuo ng kanyang "Leonora," hindi pa alam ni Beethoven ang Paer (makikita ito mula sa musika). At nang i-compose ko ang "Fidelio," alam ko na at may napansin ako.

MO|  Sa "Leonora" mayroong isang halo ng mga modelo ng genre; symphonic music. Nangangahulugan ba ito na ang genre ng opera ay medyo "misteryoso" para kay Beethoven?

LK|  Ang pagkahilig sa isang synthesis ng mga genre ay umunlad sa pagtatapos ng ika-18 siglo sa lahat ng mga pangunahing kompositor, at higit sa lahat sa Mozart. Ang mga Italyano ay hindi rin tumabi, na nagsilang ng magkahalong genre ng "semiseria" - isang seryosong opera na may masayang pagtatapos at ang pagpapakilala ng mga eksena sa komiks. Ang Pranses na "salvation opera" ay nakikilala din sa pagkahilig nito sa paghahalo iba't ibang istilo at mga genre, mula sa mga kabayanihan ni Gluck hanggang sa mga verse songs, sayaw at symphonic episodes. Samakatuwid, ang "Leonora" ay nasa tuktok ng "trend". Mayroong, siyempre, mas maraming symphony sa loob nito kaysa sa marami sa mga kontemporaryo nito. Sa kabilang banda, ang Leonora ni Paera ay mayroon ding pinalawig na pagpupursige at napakalaking pagpapakilala sa mga aria at ensemble.

MO|  Bakit napakahalaga para kay Beethoven na magsulat ng isang matagumpay na opera?

LK|  Ang Opera noong panahong iyon ay nasa tuktok ng "pyramid" ng mga genre. Ang may-akda ng isang matagumpay na opera (o mas mabuti pa, ilang mga opera) ay na-rate na mas mataas kaysa sa may-akda ng mga sonata o kahit na mga symphony. Ito ang landas sa parehong katanyagan at materyal na tagumpay. Ngunit, bukod sa iba pang mga bagay, mahal ni Beethoven ang teatro mula pagkabata. Siyempre, gusto niyang itatag ang kanyang sarili sa genre ng opera, tulad ni Mozart kanina.

MO|  Tama ba ang popular na paniniwala na hindi na muling bumaling si Beethoven sa opera dahil walang mga karapat-dapat na libretto?

LK|  Ang mga dahilan ay iba. Minsan ang kanyang mga panukala ay tinanggihan ng pamamahala ng mga sinehan sa korte (nais niyang makatanggap ng permanenteng pakikipag-ugnayan, at hindi isang beses na utos). Minsan may nangyaring kalunos-lunos sa mga librettist. Wala talaga siyang nakitang librettist para sa matagal na niyang plano para kay Faust. Ang mga may-akda ng teatro ng Viennese ay bihasa sa pagsulat ng mga magaan na singspiel, at ang muling paggawa ng trahedya ni Goethe ay lampas sa kanilang kakayahan. At si Goethe mismo, tila, ay hindi rin nais na gumawa ng isang bagay na tulad nito.

«  Lazarus"

MO|  Kilala ba ni Schubert ang Leonora o Fidelio ni Beethoven?

LK|  Syempre ginawa ko! Upang makarating sa premiere ng Fidelio noong 1814, ibinenta ni Schubert, gaya ng sinasabi nila, ang kanyang mga aklat-aralin sa isang segunda-manong nagbebenta ng libro (siya noon, sa pagpilit ng kanyang ama, ay nagpatala sa isang seminaryo para sa mga guro sa paaralan). Dahil tumakbo ang opera sa ilang panahon - hanggang sa pag-alis ni prima donna Anna Milder sa Berlin noong 1816 - malamang na dumalo si Schubert sa iba pang mga pagtatanghal. Kilala niya mismo si Milder ang kanyang sulat sa kanya sa Berlin ay napanatili. At ang tagapalabas ng bahagi ng Pizarro sa premiere noong 1814, si Johann Michael Vogl, ay naging isang mang-aawit na "Schubert", na nagpo-promote ng kanyang trabaho sa magkasanib na pribado at pampublikong konsiyerto.

Marahil, si Schubert ay mayroon ding clavier na "Fidelio", na inilathala sa parehong 1814 (ito ay ginanap sa ilalim ng pangangasiwa ng Beethoven ng batang si Ignaz Moscheles). Hindi maaaring kilala ni Schubert si Leonora.

MO|  Ang pangunahing intriga ng opera ay kung bakit hindi natapos ni Schubert si Lazarus? Hanggang saan ang karaniwang katangian ng ganitong "kawalan ng kumpleto" sa musikal na pag-iisip ni Schubert?

LK|  Sa tingin ko oo, Ang "hindi natapos" ay isang tampok ng trabaho ni Schubert. Pagkatapos ng lahat, mayroon siyang hindi lamang isa, ang Ikawalo, "hindi natapos" na symphony. Mayroong hindi bababa sa ilang mga naturang symphony - ang Seventh, E major, o ang Tenth, D major. Mayroong ilang iba pang mga symphonic sketch na may iba't ibang antas ng pag-unlad. Marahil ito ay dahil din sa kawalang-kabuluhan ng paggawa sa mga pangunahing komposisyon na walang sinumang nagsagawa ng pagtatanghal. Malinaw na hindi makamit ni Schubert ang pagganap ni Lazarus, lalo pang itanghal ito sa entablado.

MO|  Anong lugar ang inuukupahan ni Lazarus sa kaniyang gawaing opera?

LK|  Ang "Lazarus" ay kabilang sa isang intermediate na genre; Samakatuwid, mahirap makahanap ng lugar para sa ganoong gawain sa operatic work ni Schubert. Oo, ang libretto ay batay sa relihiyosong drama ni August Hermann Niemeyer, ngunit ang may-akda nito ay isang Protestante. Sa Vienna noong 1820s, ang mga ganitong eksena sa entablado ay ganap na imposible. Laganap din ang censorship kaugnay ng mas hindi nakakapinsalang mga bagay.

Sa katunayan, ang gawain ni Schubert ay nauugnay sa isang napakahabang tradisyon ng Austrian ng mga theatrical oratorio - sepolcri, na ginanap noong ika-18 siglo sa kasuutan laban sa background ng tanawin ng Kalbaryo at ang Banal na Sepulcher. Ang kuwento ni Lazar ay akma nang husto sa tradisyong ito, bagama't pagkamatay ni Emperador Joseph I noong 1705, ang sepolkri sa korte ng Viennese ay hindi na itinanghal sa isang hayagang teatro na paraan. Gayunpaman, ang estilo ng opera ay naroroon sa maraming Viennese oratorio na ginanap sa Semana Santa at sa Pasko ng Pagkabuhay, kasama ang oratorio ni Beethoven na "Christ on the Mount of Olives" (ito ay madalas na nilalaro sa Schubert's Vienna).

Sa kabilang banda, sa maagang XIX siglo, ang mga dramatikong oratorio ni Handel, gaya ni Samson (Samson, partikular, ay ginanap noong 1814 sa panahon ng Kongreso ng Vienna) at si Judas Maccabee, ay nagsimulang itanghal sa Vienna. Kahit na sila ay ginanap lamang sa konsyerto, ang ideya ng "sagradong kasulatan sa mga mukha" ay maaaring magbigay ng inspirasyon sa maraming mga kompositor.

Sa pamamagitan ng paraan, kabilang sa mga hindi natupad na plano ni Beethoven ay ang oratorio "Saul" (sa parehong balangkas ng Handel's). Sa istilo, ang "Lazarus", marahil, ay nagsisimula sa melodic songfulness at ariosity na likas sa mga opera ni Schubert, at sumugod sa globo ng melodic na musika ng simbahan - na umunlad sa mga huling misa ni Haydn, gayundin sa masa ni Schubert mismo. Ang organikong kumbinasyon ng sekular at espirituwal na mga prinsipyo ay isang espesyal na katangian ng gawaing ito.

MO|  Ano ang konteksto ng opera sa panahong ito sa Vienna? Si Schubert ba ay nakatuon sa kanya o sinasalungat niya ang kanyang sarili sa kanya?

LK|  Ang konteksto ay napaka-iba-iba. Sa isang banda, mayroong isang unibersal na pagkahilig para sa mga opera ni Rossini. Dumating ang maestro sa Vienna noong 1822 at ginayuma ang lahat sa kanyang kagandahang-loob, katatawanan, kabaitan at pakikisalamuha. Sa kabilang banda, ang malaking tagumpay ng bagong produksyon ng "Fidelio" noong 1822, ang hindi gaanong tagumpay ng "The Magic Shooter" ni Weber at ... ang makabuluhang kabiguan ng kanyang "Euryanthe", na isinulat noong 1823 lalo na para sa Vienna.

Kasabay nito, ang lahat ng uri ng singspiel at farces ay patuloy na ginanap sa lahat ng mga sinehan sa Viennese. Mahal na mahal sila ng mga Viennese, at karaniwang maluwag ang pagtrato sa kanila ng censorship (gayunpaman, ang pamagat ng Singspiel ni Schubert na "The Conspirators" ay tila seditious, at napilitan silang palitan ito ng "Home War").

Masaya sana si Schubert na magkasya sa kontekstong ito at sinubukang gawin ito sa lahat ng oras. Ngunit hindi siya nagtagumpay. Para sa Singspiels, ang kanyang musika ay masyadong banayad at pino, at halos hindi siya inalok ng mga seryosong libretto. Ang "Lazarus" ay isang hindi pangkaraniwang gawain, ngunit ang kapalaran nito ay nagpapahiwatig. Walang mga prospect para sa produksyon sa Vienna.

MO|  Ano ang estado ng operatic legacy ni Schubert? At bakit, sa iyong opinyon, ang opera Schubert ay hindi kilala sa Russia?

LK|  Sa Russia, ang opera Schubert ay kilala sa mga connoisseurs, ngunit, sa kasamaang-palad, higit sa lahat mula sa mga pag-record. SA Malaking bulwagan Conservatory sa ilalim ng direksyon ni G.N. Ginawa ni Rozhdestvensky ang singspiel na "Conspirators, o Home War." Ang ibang mga opera ay minsang itinatanghal sa Kanluran - halimbawa, Fierrabras.

Mahirap humanap ng stage key para sa mga opera ni Schubert. Kadalasan, ang kanilang mga balangkas ay tila malayo at masyadong karaniwan sa mga modernong tao, at ang mga karakter ay hindi nagpapahiram sa kanilang sarili sa isang malinaw na emosyonal na interpretasyon. Ang mga librettist o playwright ay karaniwang may kasalanan para dito (mahirap isipin ang isang mas magulong gawain kaysa sa Rosamund ni Helmina von Chezy, bagaman hindi ito isang opera, ngunit isang dula na may musika ni Schubert). Ngunit sa Russia bihira silang gumanap at ang ilan kahanga-hangang mga gawa mga domestic kompositor, kabilang ang mga klasiko (halimbawa, wala kaming isang pag-record ng "Servilia" ni Rimsky-Korsakov).

Kaya Schubert ay walang exception dito. Ang isa ay dapat na magalak mula sa puso sa walang kapagurang pang-edukasyon na asetisismo ni G.N. Rozhdestvensky, na nagpapakilala ng mga nakalimutang obra maestra at mahalagang pambihira sa repertoire ng Chamber Theater.