Um dem Gott des Goldes zu gefallen
Kante an Kante erhebt sich zum Krieg;
Und menschliches Blut fließt wie ein Fluss

Damaststahl fließt über die Klinge!
Menschen sterben für Metall
Die Leute brennen für Metal!
(Paare des Mephistopheles aus der Oper „Faust“)

Die Menschen waren schon immer fasziniert von Gold, das vor allem zur Herstellung wertvoller Schmuckstücke und Gegenstände verwendet wurde. Viele Museen auf der ganzen Welt verfügen über sogenannte „Goldene Räume“, die wahre Schatzkammern sind. Als ich zum Beispiel in der Eremitage war, sah ich dort den berühmten Kamm vom Solokh-Hügel und goldene Widder aus sibirischen Funden ... Und dort gab es viel verschiedenes Gold. Eine Menge... Im Schwedischen Historischen Museum in Stockholm gibt es einen „Goldenen Raum“. Ihre Sammlung umfasst insgesamt 52 Kilogramm Gold und mehr als 200 Kilogramm Silber. Aber es ist klar, dass es nicht das Gewicht des Metalls ist, das die Aufmerksamkeit auf sich zieht. Sowohl Wissenschaftler als auch Besucher interessieren sich dafür, was aus diesem Metall hergestellt wurde und wie und wo diese Produkte daraus gefunden wurden.

„Goldener Raum“ im Historischen Museum in Stockholm.

Aus irgendeinem Grund glauben einige Leute, dass das Territorium Schwedens eine rückständige Region war, dass erst in der Ära der Wikinger, also der Händler und Piraten, arabisches Silber dorthin floss und Gold auftauchte, aber das stimmt überhaupt nicht. Die Ära unmittelbar „vor den Wikingern“ war sehr reich.

Darüber hinaus der Zeitraum zwischen 400 und 550 wird in Schweden als „Goldenes Zeitalter“ bezeichnet, und die Jahre von 800 bis 1050 (Wikingerzeit) werden manchmal als „Silberzeitalter“ bezeichnet. Darüber hinaus kam das Edelmetall natürlich sowohl in Form von Barren als auch in Form von Produkten nach Skandinavien und wurde oft in örtlichen Schmelzwerkstätten geschmolzen und in neue Dinge verwandelt und so weiter und so fort. Obwohl etwas in Bestattungen und Schätzen landete und so zu uns kam.

Eingang zum Wikingermuseum in Stockholm.

Zu den ältesten Goldobjekten gehören Spiralmuster, die beispielsweise skandinavische Frauen bereits um 1500 v. Chr. um ihre Ellenbogen wickelten. Und daneben sind zwei goldene Schalen aus Blekinge und Halland ausgestellt, die mehrere Jahrhunderte später aus dünnem Goldblech hergestellt wurden. Sie weisen praktisch keine Gebrauchsspuren auf. Beide wurden wahrscheinlich als Opfergaben für die Götter dargebracht.

Von Anfang an waren Gold und Silber mit Macht, Reichtum und Luxus verbunden. Auch mit Spiralmotiven, später dann mit Schlangen und Drachen verzierte Ringe zieren seit langem die Hände ihrer Besitzer. Seit Beginn des ersten Jahrhunderts n. Chr. waren sie mehrere Jahrhunderte lang der Hauptindikator für den Status der Frau; Heute findet man sie in den Gräbern erwachsener Frauen. Auch Männer trugen Ringe und Ringe an den Fingern. Zum Beispiel so eins goldener Ring aus Alt-Uppsala gehörte eindeutig einem Mann. Es wurde irgendwo in den römischen Provinzen hergestellt und war möglicherweise eine Belohnung für Tapferkeit im Kampf. Ein weiterer mit Granaten und Almandinen verzierter Ring aus der Zeit der Völkerwanderung trägt die griechische Inschrift: „Younes, sei gütig.“ Dieser Ring wurde im Södermanland gefunden.

Das Römische Reich hinterließ auch Originalschmuck oder Goldanhänger, sogenannte „Brakteaten“. Sie wurden in Skandinavien gefunden und waren eindeutig römischen Originalen nachempfunden, die den Kaiser darstellten, jedoch mit Motiven aus lokalen Folkloretraditionen. Zur Sammlung des Museums gehören auch Ringe mit Schlangenköpfen, die eindeutig von der römischen Mode inspiriert sind. Sowohl Männer als auch Frauen trugen solchen Schmuck.

Zu den einzigartigen Meisterwerken, die im „Goldenen Saal“ des Museums in Stockholm zu sehen sind, gehören drei goldene Halsbänder, zwei aus Gotland und eines aus Öland. Sie wurden im 5. Jahrhundert hergestellt und im 19. Jahrhundert separat entdeckt, jedoch ohne Begleitfunde. Diese Halsbänder gelten manchmal als die ältesten Insignien Schwedens, aber wir wissen nicht, wer sie trug oder welche Funktion sie hatten. Eine Theorie besagt, dass sie von Götterstatuen „getragen“ wurden, während eine andere besagt, dass sie von Frauen oder Männern getragen wurden, die politische oder religiöse Führer waren. Wir können definitiv sagen, dass diese Halsbänder verwendet wurden, da sie Gebrauchsspuren aufweisen und sich die Verzierung teilweise vollständig gelöst hat. Die Halsbänder bestehen aus ringförmig gebogenen Rohren und lassen sich mit einem einfachen Verschluss öffnen. Ihr Dekor ist voll von Miniaturfiguren von Menschen und Tieren, deren Bedeutung uns verloren geht. Zu sehen sind stilisierte Gesichter, Frauen mit Zöpfen in Lendenschurzen, nackte Schildträger, Schlangen und Drachen, Wildschweine, Vögel, Eidechsen, Pferde und Märchentiere, alles so klein, dass man es mit bloßem Auge kaum erkennen kann.

Goldenes Halsband aus dem 5. Jahrhundert. aus Gotland.

Einige Gegenstände, darunter Helme von Wendel und Uppland, sind auch mit ziselierten Bronzeplatten verziert, die Szenen aus der skandinavischen Mythologie darstellen. Darüber hinaus handelt es sich eindeutig um ein lokales Werk, da in Öland auch Bronzestempel für die Herstellung der Bronzebleche gefunden wurden, mit denen diese Helme verziert sind. Das heißt, im Norden von Uppland herrschten bereits in der Zeit vor den Wikingern mächtige Führer, die die Möglichkeit hatten, solche Helme für sich zu bestellen.

Im 9. oder 10. Jahrhundert wurden in Gräbern und Schätzen schwere Silberketten und prächtige vergoldete Broschen gefunden. Damenanzug. Sie stellen den Höhepunkt der dekorativen Kunst jener Zeit dar. Elegant verzierte Armbänder und gedrehte Handringe sind bei Damenhorts weit verbreitet, ebenso wie viele Perlen, deren Glas aus Europa importiert wurde.

Werkzeuge für die Stoffbearbeitung: Ausstellungen im Wikingerschiffmuseum in Oslo.

Doch auch während der Wikingerzeit versteckten die Menschen weiterhin Silber- und Goldschätze im Boden. Einer der größten mittelalterlichen Schätze Europas ist der Gotland-Dünenschatz. Dazu gehörten feine Gürtelschnallen, orientalische Brillen und einheimische Anhänger. Zu den anderen Verstecken gehörten auch Schmuck, Perlen und Trinkbecher, die russischen oder byzantinischen Einfluss zeigten. Viele der Schätze Gotlands wurden 1361 vergraben, als die Dänen die Insel eroberten. Eines Tages entdeckten Forscher bei der Ausgrabung eines Feldes einen riesigen Cache, der als der am meisten präsentierte wurde großer Schatz Wikinger auf der Welt. Der Schatz enthielt Tausende Silbermünzen, Dutzende Silberbarren, Hunderte Armbänder, Ringe, Halsketten und mehr als 20 kg Bronzegegenstände. Insgesamt hatte der Schatz einen Wert von mehr als 500.000 US-Dollar.

In den nördlichen Regionen Skandinaviens gibt es viele Schätze. Sie bestehen aus kleinen Gegenständen aus Silber, Zinn und Kupferlegierung sowie Tierknochen und Hirschgeweihen. Der „Goldene Raum“ enthält die größte samische Schatzkammer Schwedens aus Gratrask am Tjautersee in Norrbotten.

Modell des Hafens von Birka aus dem Historischen Museum in Stockholm.

Aber es ist klar, dass einige der prächtigsten Artefakte im Goldenen Raum Kriegsbeute sind. Die Abendmahlsbecher, der Altar und die Bischofskruzifixe kamen während des Dreißigjährigen Krieges aus verschiedenen Teilen Deutschlands nach Schweden.

Es wird angenommen, dass das berühmte Reliquiar der Heiligen Elisabeth den Schädel dieser Heiligen enthielt. Dies ist ein atemberaubend exquisites Beispiel europäischen Schmucks. Das Reliquiar fiel 1632 in die Hände der schwedischen Armee, als diese die Festung Marienberg in Würzburg eroberte. Nun, es ist klar, dass er es nie zurück in seine Heimat geschafft hat.

Ein Fischer bei der Arbeit und im Gespräch. Diorama aus dem Viking Museum in York.

Allein die Untersuchung der Schätze des „Goldenen Raums“ des Historischen Museums in Stockholm zeigt deutlich, dass erstens das Vorhandensein entwickelter Fähigkeiten im Umgang mit Gold und Silber unmittelbar vor der sogenannten Wikingerzeit mit der Dominanz von Goldprodukten vorhanden war . Während der Wikingerzeit nahm die Zahl der vergrabenen kostbaren Gegenstände und arabischen Silberdirham deutlich zu, doch Silber als Metall dominierte.

Ausstellung aus der Königlichen Schatzkammer in Stockholm. Das sind natürlich keine Wikinger, aber das Können der Schöpfer dieser Rüstung ist beeindruckend.

In Schweden gibt es eine Gesetzgebung, nach der alle Bodenfunde aus dem 17. Jahrhundert aus Gold-, Silber- oder Kupferlegierungen, wenn sie älter als 100 Jahre sind, vom Staat von denen zurückgekauft werden, die sie gefunden haben. Es gibt Außergewöhnliches große Menge Gold- und Silbergegenstände, die sich in Schweden in staatlicher Hand befinden.

Zusammenfassend können wir sagen, dass die Meister des V. – VII. und VIII. – XI. Jahrhunderts. beherrschten die Technologien des Zeichnens und Gießens, Prägens, Körnens, Filigranierens und Kerbens auf Metall und konnten die „Methode“ anwenden Form verloren„, sie waren auch mit der Verarbeitungstechnik vertraut Edelsteine und Herstellung mehrfarbiger Glasperlen. Die Griffe der Schwerter der Wikinger selbst waren sehr lakonisch, aber mit großem Geschick verziert, aber auf die Schwerter und ihre Verzierung wird ein anderes Mal eingegangen...

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Ministerium für Bildung und Wissenschaft der Russischen Föderation

NVV der staatlichen Bildungseinrichtung St. Petersburg

Abteilung für Philosophie und Kulturgeschichte

Zusammenfassung zum Thema:

„Goldene“ und „Silberne“ Jahrhunderte in der Entwicklung der russischen Kultur

Einführung

„Modern“ in der russischen Architektur

Skulptur

Künstler des Silbernen Zeitalters

Beiträge zur Literatur des „Goldenen Zeitalters“

Literarische Bewegungen des „Silbernen Zeitalters“

Theater und Musik

Referenzliste

INdirigieren

Die Zeit des 19. Jahrhunderts – der Beginn des 20. Jahrhunderts – absorbierte, überdachte und entwickelte viele Trends, die sich in der russischen Kultur in der petrinischen und nachpetrinischen Ära entwickelt hatten, aber die Hauptprobleme des letzten Jahrhunderts blieben immer noch ungelöst – die staatliche Neuordnung der Gesellschaft, die Wahl zwischen westlichen und slawischen Wegen weitere Entwicklung, die Lage der Bauernschaft.

Dies ist wahrscheinlich der Grund, warum kein einziges Jahrhundert der russischen Geschichte so viele Theorien, Lehren und Optionen für die Erneuerung und „Rettung“ Russlands kannte. Der Staat wurde noch nie von so vielen sozialen Bewegungen erschüttert: Revolutionären, Raznochintsy, Nihilisten, Anarchisten. Populisten, Marxisten... Dies ist eine komplexe und kontroverse Phase in der Entwicklung der russischen Gesellschaft. Die Kultur der Jahrhundertwende enthält immer Elemente einer Übergangszeit, einschließlich der Traditionen der Kultur der Vergangenheit und der innovativen Trends der neu entstehenden Kultur. Es gibt einen Transfer von Traditionen und nicht nur einen Transfer, sondern die Entstehung neuer Traditionen, all dies ist mit dem schnellen Prozess der Suche nach neuen Wegen der Kulturentwicklung verbunden und wird an die gesellschaftliche Entwicklung einer bestimmten Zeit angepasst.

Im Mittelpunkt der russischen Kultur dieser Zeit stand ein Mensch, der einerseits zu einer Art Bindeglied in der bunten Vielfalt der Schulen und Strömungen in Wissenschaft und Kunst und andererseits zu einer Art Ausgangspunkt für die Analyse aller unterschiedlichsten wurde kulturelle Artefakte andererseits. Daher die starke philosophische Grundlage, die der russischen Kultur um die Jahrhundertwende zugrunde liegt. Das heißt, in der Kunst und im öffentlichen Leben versuchten sie, das Individuum oder das spirituelle Prinzip zu bekräftigen, das jeder Mensch offenbaren muss.

Ich denke, dieser Wunsch und dieses Verlangen rührten von einem solchen Widerspruch im russischen Leben wie Isolation und Unzugänglichkeit her hohe Leistungen Kultur für die Masse der Menschen. Daher wurde den Menschen Kunst in ihrer ganzen Vielfalt als innovative Weiterentwicklung traditioneller christlicher ästhetischer Werte im Hinblick auf ihre Annäherung an die Realität präsentiert modernes Leben und mit einem Fokus auf die spirituellen, wissenschaftlichen, künstlerischen Suchen und Bestrebungen des Menschen im 20. Jahrhundert. Um die Rolle der Kreativität von Künstlern verschiedener Richtungen und ihren Beitrag zur Bildung einer neuen Ästhetik zu bewerten, möchte ich zumindest verstehen, wie sich ihre Ansichten unterschieden und welche Rolle einer Person zugewiesen wurde Gegenstand ihrer kreativen Forschung.

Die Jahrhundertwende ist eine relative Grenze. Aber sie ermöglichen es den Menschen, den Lauf der Zeit, die Bewegung des Lebens deutlicher zu spüren. In solchen Zeiten haben Zeitgenossen manchmal ein verstärktes Gefühl für die Katastrophe der Existenz. Alt edles Russland hoffnungslos heruntergekommen. Altes Gebäude hätte zusammenbrechen sollen. Wer Pech hat, wird unter den Trümmern sterben, wer Glück hat, bleibt obdachlos. Viele Menschen haben das gespürt. Und dieses Gefühl durchdrang damals alle Aspekte des spirituellen Lebens Russlands – von der Wissenschaft bis zur Religion.

Menschen, die eine einfache und klare Weltanschauung bewahrten (hauptsächlich Sozialisten, aber auch extreme Konservative), verstanden diese Katastrophenstimmung nicht und brandmarkten sie als „dekadent“ (dekadent). Aber seltsamerweise war es genau diese Stimmung, die zu Beginn des Jahrhunderts einen neuen Aufstieg der russischen Kultur auslöste. Und noch ein Paradox: bei der Verwirklichung der Kultur des frühen 20. Jahrhunderts. Den geringsten Beitrag leisteten jene „Optimisten“, die fröhlich die „Dekadenten“ entlarvten.

Im kulturellen Bereich wurden das Silberne und Goldene Zeitalter für Russland zu einer Zeit beispiellosen Aufstiegs und Wohlstands. Was den Reichtum an Literatur, bildender Kunst und Musik angeht, ist dieses Jahrhundert mit keiner anderen Epoche in der Geschichte nicht nur der russischen, sondern auch der Weltkultur zu vergleichen. Wenn im 18. Jahrhundert Russland erklärte der ganzen Welt lautstark seine Existenz, damals im 19. Jahrhundert. Sie brach buchstäblich in die Weltkultur ein und nahm dort einen der ehrenvollsten Plätze ein. Dies geschah aufgrund der Tatsache, dass Russland der Welt Genies in Literatur, Malerei, Musik, Architektur und Philosophie schenkte und damit einen großen Beitrag zum Schatz der universellen menschlichen Kultur leistete. Es war in dieser Zeit, Russische Kultur Als Klassiker schuf er perfekte Bilder und Werke, von denen sich viele Generationen von Menschen und Künstlern in ihrem Leben und Werk leiten ließen.

"Modern"VRussischdie Architektur

Architektur, Kultur, Akmeismus, Wissenschaft

An Wende des 19. Jahrhunderts und XIX Jahrhunderte in der Kunst einer Reihe europäische Länder eine neue Bewegung war geboren. In Russland wurde es „modern“ genannt. Die „Krise der Wissenschaft“ zu Beginn des Jahrhunderts, die Ablehnung mechanistischer Weltvorstellungen, ließ bei Künstlern eine Anziehungskraft auf die Natur entstehen, den Wunsch, von ihrem Geist durchdrungen zu werden und ihre veränderlichen Elemente in der Kunst widerzuspiegeln. Dem „natürlichen Prinzip“ folgend, lehnten die Architekten den „Fanatismus der Symmetrie“ ab und stellten ihm das Prinzip des „Gleichgewichts der Massen“ gegenüber. Die Architektur der „Moderne“ zeichnete sich durch Asymmetrie und Beweglichkeit der Formen, den freien Fluss einer „kontinuierlichen Oberfläche“ und den Fluss der Innenräume aus. Das Ornament wurde dominiert Pflanzenmotive und fließende Linien. Der Wunsch, Wachstum, Entwicklung und Bewegung zu vermitteln, war charakteristisch für alle Arten von Kunst im „modernen“ Stil – in der Architektur, Malerei, Grafik, Hausmalerei, Gitterguss, auf Bucheinbänden.

„Modern“ war sehr heterogen und widersprüchlich. Einerseits versuchte er, volkstümliche Prinzipien zu assimilieren und kreativ zu überarbeiten, um eine Architektur zu schaffen, die für die Menschen nicht protzig war, wie in der eklektischen Zeit, sondern authentisch. Die Meister des Jugendstils stellten die Aufgabe noch umfassender und sorgten dafür, dass Alltagsgegenstände den Eindruck volkstümlicher Traditionen trugen. In dieser Hinsicht hat der Künstlerkreis in Abramtsevo, dem Anwesen des Philanthropen S. I. Mamontov, viel getan. Hier arbeiteten V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov. Das in Abramtsevo begonnene Geschäft wurde in Talashkino bei Smolensk, dem Anwesen der Prinzessin M. A. Tenisheva, fortgeführt. Unter den Talashin-Meistern glänzten M. A. Vrubel und N. K. Roerich. Sowohl in Abramtsevo als auch in Talashkino gab es Werkstätten, die Möbel und Haushaltsgeräte nach Mustern von Künstlern herstellten. Die Theoretiker der „Moderne“ stellten das Lebendige gegenüber Volkshandwerk gesichtslose Industrieproduktion.

Andererseits nutzte die „moderne“ Architektur in großem Umfang die Errungenschaften der modernen Bautechnik. Eine sorgfältige Untersuchung der Leistungsfähigkeit von Materialien wie Stahlbeton, Glas und Stahl führte zu unerwarteten Entdeckungen. Konvexes Glas, geschwungene Fensterflügel, fließende Formen von Metallgittern – all das kam mit dem Jugendstil in die Architektur.

Von Anfang an zeichneten sich in der heimischen „Moderne“ zwei Richtungen ab – die gesamteuropäische und die nationalrussische. Letzteres war vielleicht vorherrschend. An ihrem Ursprung steht die Kirche in Abramtsevo – eine originelle und poetische Schöpfung zweier Künstler, die als Architekten fungierten – Wasnezow und Polenow. Sie nahmen sich die antike Nowgorod-Pskower Architektur mit ihrer malerischen Asymmetrie zum Vorbild und kopierten nicht einzelne Details, sondern verkörperten sie in modernes Material der Geist der russischen Architektur.

Die märchenhaft-poetischen Motive der Abramtsevo-Kirche wurden von Alexey Viktorovich Shchusev (1873 - 1941) in der Kathedrale des Marfo-Mariinsky-Klosters in Moskau wiederholt und weiterentwickelt. Ihm gehört auch das grandiose Projekt des Moskauer Kasaner Bahnhofs. Es sieht etwas chaotisch aus, wie eine Reihe aneinandergrenzender Steinkammern, ist klar organisiert und einfach zu bedienen. Der Hauptturm ist eine genaue Reproduktion des Syuyumbeki-Turms im Kasaner Kreml. So verschränken sich im Bahnhofsgebäude die Motive der altrussischen und orientalischen Kultur.

Der Jaroslawski-Bahnhof gegenüber von Kasanski wurde nach dem Entwurf von Fjodor Ossipowitsch Schechtel (1859–1926), einem herausragenden russischen Architekten der Jugendstil-Ära, erbaut. Shekhtel folgte dem Weg von Wasnezow und Polenow und schuf ein sagenhaft episches Bild des russischen Nordens.

Shekhtel, ein sehr vielseitiger Künstler, hinterließ Werke nicht nur im nationalen russischen Stil. Zahlreiche, nach seinen Entwürfen erbaute, über die Gassen Moskaus verstreute, äußerst elegante und ungleiche Villen sind zu einem integralen Bestandteil der Architektur der Hauptstadt geworden.

Die frühe „Moderne“ zeichnete sich durch einen „dionysischen“ Anfang aus, d. h. der Wunsch nach Spontaneität, Eintauchen in den Fluss der Bildung und Entwicklung. In der späten „Moderne“ (am Vorabend des Weltkrieges) begann ein ruhiger und klarer „apollonistischer“ Beginn vorherrschend zu sein. Elemente des Klassizismus kehrten in die Architektur zurück. In Moskau wurden das Museum der Schönen Künste und die Borodino-Brücke nach dem Entwurf des Architekten R. I. Klein gebaut. Zur gleichen Zeit entstanden in St. Petersburg die Gebäude der Asow-Don- und der Russischen Handels- und Industriebank. Die St. Petersburger Banken wurden im monumentalen Stil mit Granitverkleidungen und „zerlumpten“ Mauerwerksoberflächen erbaut. Dies schien ihren Konservatismus, ihre Zuverlässigkeit und Stabilität zu verkörpern.

Das Jahrhundert der „Moderne“ war sehr kurz – ab dem Ende des 19. Jahrhunderts. vor Beginn des Weltkrieges. Aber dies war eine sehr helle Zeit in der Geschichte der Architektur. Zu Beginn des Jahrhunderts stieß sein Erscheinen auf heftige Kritik. Manche hielten es für einen „dekadenten“ Stil, andere für bürgerlich. Aber „modern“ bewies seine Vitalität und Demokratie. Es hatte volkstümliche Wurzeln, stützte sich auf eine fortschrittliche industrielle Basis und absorbierte die Errungenschaften der Weltarchitektur. „Modern“ hatte nicht die Strenge des Klassizismus. Es gliederte sich in viele Richtungen und Schulen, die am Vorabend der großen Umbrüche des 20. Jahrhunderts eine bunte Palette der letzten Blüte der Architektur bildeten.

Im Laufe von anderthalb Jahrzehnten breitete sich der „Modernismus“ zeitgleich mit dem Bauboom in ganz Russland aus. Es ist noch heute in jeder alten Stadt zu finden. Man muss sich nur die abgerundeten Fenster, die exquisiten Stuckarbeiten und die geschwungenen Balkongitter eines Herrenhauses, Hotels oder Geschäfts genau ansehen.

Ein architektonisches Meisterwerk ist das Herrenhaus von Z. Morozova in Moskau (1893-1896), dessen „gotischer Saal“ mit dem Gefühl der Authentizität des Mittelalters verblüfft. Die Tafeln im „Gotischen Saal“ wurden nach Zeichnungen von M. A. Vrubel erstellt. Andere Innenräume sind im Empire-Stil und im „vierten Rokoko“-Stil dekoriert. Im Namen der Liebe eine ungewöhnliche Frau Zinaida Morozova und Savva Morozov errichteten 1893 ein Schloss, was es in Moskau noch nie gegeben hatte. Gotische Türmchen, Spitzbogenfenster, Zinnen an den Wänden – das Haus strahlte Geheimnis, den Geist des Mittelalters aus. Damals konnte sich niemand vorstellen, dass dieses Herrenhaus der erste Vorbote des Aufkommens war architektonischer Stil. Der Kunde des Herrenhauses war der berühmte Industrielle und Philanthrop Savva Morozov. Das Herrenhaus wurde jedoch ausschließlich nach Lust und Laune seiner Frau Zinaida gebaut, die das Geld ihres Mannes nicht mitzählte, und Gerüchte über den Luxus des Herrenhauses verbreiteten sich schnell in ganz Moskau (alle Innenräume wurden von Shekhtel unter Beteiligung von Vrubel sorgfältig entworfen). ). Später, nach dem Tod ihres Mannes, verkaufte Zinaida das Herrenhaus an die Rjabuschinskis und sagte, Savvas Geist würde ihr nicht erlauben, in diesem Haus zu leben, und angeblich bewegten sich nachts in Morozovs Büro Gegenstände auf dem Tisch, er hustete und schlurfte Gang war zu hören.

Skulptur

Wie die Architektur wurde auch die Bildhauerei um die Jahrhundertwende vom Eklektizismus befreit. Mit dem Einfluss ist die Erneuerung des künstlerischen und figurativen Systems verbunden Impressionismus. Der erste konsequente Vertreter dieses Trends war P.P. Trubetskoy (1866-1938), der sich in Italien zum Meister entwickelte, wo er seine Kindheit und Jugend verbrachte. Bereits in den ersten russischen Werken des Bildhauers (Porträt von I. I. Levitan und Büste von L. N. Tolstoi, beide 1899, Bronze) zeigten sich die Merkmale der neuen Methode – „Lockerheit“, klumpige Textur, dynamische Formen, durchdrungen von Luft und Licht.

Trubetskoys bemerkenswertestes Werk ist das Denkmal für Alexander III. in St. Petersburg (1909, Bronze). Das groteske, fast satirische Bild des reaktionären Kaisers ist als Antithese zum berühmten Falcone-Denkmal („Der eherne Reiter“) konzipiert: Anstelle eines stolzen Reiters, der mühelos ein sich aufbäumendes Pferd zäumt, gibt es einen „dickärschigen Martinet“ (Repin). auf einem schweren, rückwärtigen Pferd. Durch den Verzicht auf die impressionistische Modellierung der Oberfläche verstärkte Trubetskoy den Gesamteindruck bedrückender roher Gewalt.

Auch das wunderbare Gogol-Denkmal in Moskau (1909) des Bildhauers N.A. ist dem monumentalen Pathos fremd. Andreeva (1873–1932) vermittelt auf subtile Weise die Tragödie des großen Schriftstellers „Müdigkeit des Herzens“, also im Einklang mit der Zeit. Gogol ist in einem Moment der Konzentration, tiefer Gedanken mit einem Hauch melancholischer Düsterkeit eingefangen.

Eine originelle Interpretation des Impressionismus ist dem Werk von A.S. inhärent. Golubkina (1864-1927), der das Prinzip der Darstellung sich bewegender Phänomene in die Idee des Erwachens des menschlichen Geistes umwandelte („Walking“, 1903; „Sitting Man“, 1912, Russisches Russisches Museum). Frauenbilder, geschaffen vom Bildhauer, sind geprägt von einem Gefühl des Mitgefühls für Menschen, die müde, aber nicht gebrochen sind durch die Prüfungen des Lebens („Izergil“, 1904; „Alt“, 1911 usw.).

Der Impressionismus hatte wenig Einfluss auf das Werk von S. T. Konenkov (1874-1971), das sich durch seinen Stil und seine Besonderheiten auszeichnete Genrevielfalt(allegorisch „Samson bricht die Bindungen“, 1902; psychologisches Porträt „Militanter Arbeiter 1905 Ivan Churkin“, 1906, Marmor; Galerie verallgemeinerter symbolischer Bilder zu Themen der griechischen Mythologie und russischen Folklore – „Nike“, 1906, Marmor; „Stribog “, 1910; die Figuren elender Wanderer sind fantastisch und zugleich erschreckend real – „Die Bettlerbrüder“, 1917, Holz, Tretjakow-Galerie).

Künstler"SilberJahrhundert"

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert kam es in der russischen Malerei zu bedeutenden Veränderungen. Genreszenen traten in den Hintergrund. Die Landschaft verlor ihre fotografische Qualität und lineare Perspektive und wurde durch die Kombination und das Spiel von Farbflecken demokratischer. Porträts kombinierten oft die ornamentale Konventionalität des Hintergrunds und die skulpturale Klarheit des Gesichts.

Der Beginn einer neuen Etappe in der russischen Malerei ist mit dem Kreativverein „World of Art“ verbunden. Ende der 80er Jahre des 19. Jahrhunderts. In St. Petersburg entstand ein Kreis von Gymnasiasten und Kunstliebhabern. Sie versammelten sich in der Wohnung eines der Teilnehmer, Alexander Benois. Charmant und in der Lage, eine kreative Atmosphäre um sich herum zu schaffen, wurde er von Anfang an zur Seele des Kreises. Seine ständigen Mitglieder waren Konstantin Somov und Lev Bakst. Später kamen Eugene Lanceray, Benoits Neffe, und Sergej Diaghilew, der aus der Provinz stammte, hinzu.

Die Treffen des Kreises hatten etwas albernen Charakter. Die von den Mitgliedern vorgelegten Berichte wurden jedoch sorgfältig und seriös erstellt. Freunde waren fasziniert von der Idee, alle Arten von Kunst zu vereinen und Kulturen einander näher zu bringen verschiedene Nationen. Sie äußerten alarmiert und verbittert, dass die russische Kunst im Westen wenig bekannt sei und dass einheimische Künstler mit den Errungenschaften moderner europäischer Künstler nicht ausreichend vertraut seien.

Die Freunde wurden erwachsen, widmeten sich der Kreativität und schufen ihre ersten ernsthaften Werke. Und sie bemerkten nicht, wie Diaghilew an der Spitze des Kreises landete. Aus dem ehemaligen Provinzial entwickelte sich ein hochgebildeter junger Mann mit ausgeprägtem künstlerischem Geschmack und Geschäftssinn. Er selbst beschäftigte sich beruflich nicht mit irgendeiner Art von Kunst, sondern wurde zum Hauptorganisator einer neuen kreativen Vereinigung. In Diaghilews Charakter existierten Effizienz und nüchternes Kalkül mit einem gewissen Abenteurertum, und seine kühnen Unternehmungen brachten meistens Erfolg.

Im Jahr 1898 organisierte Diaghilew eine Ausstellung russischer und Finnische Künstler. Im Wesentlichen war dies die erste Ausstellung von Künstlern einer neuen Richtung. Es folgten weitere Vernissagen und schließlich 1906 eine Ausstellung in Paris „Zwei Jahrhunderte russischer Malerei und Skulptur“. „Kultureller Durchbruch“ Russlands in Westeuropa geschah dank der Bemühungen und des Enthusiasmus von Diaghilew und seinen Freunden.

Im Jahr 1898 begann der Benois-Diaghilev-Kreis mit der Herausgabe der Zeitschrift „World of Art“. In Diaghilews programmatischem Artikel heißt es, dass der Zweck der Kunst der Selbstausdruck des Schöpfers sei. Kunst, schrieb Diaghilew, dürfe nicht zur Veranschaulichung sozialer Lehren verwendet werden. Wenn es echt ist, ist es an sich die Wahrheit des Lebens, eine künstlerische Verallgemeinerung und manchmal eine Offenbarung.

Der Name „World of Art“ wurde von der Zeitschrift auf eine kreative Künstlervereinigung übertragen, deren Rückgrat aus demselben Kreis bestand. Meister wie V. A. Serov, M. A. Vrubel, M. V. Nesterov, I. I. Levitan und N. K. Roerich traten dem Verein bei. Sie alle hatten wenig Ähnlichkeit miteinander und arbeiteten in unterschiedlichen kreativen Stilen. Und doch gab es in ihrer Kreativität, ihren Stimmungen und Ansichten viele Gemeinsamkeiten.

„The World of Artisans“ war alarmiert über den Beginn des Industriezeitalters, als riesige Städte wuchsen, die aus gesichtslosen Fabrikgebäuden bestanden und von einsamen Menschen bewohnt wurden. Sie befürchteten, dass die Kunst, die Harmonie und Frieden ins Leben bringen soll, zunehmend verdrängt und Eigentum eines kleinen Kreises von „Auserwählten“ werde. Sie hofften, dass die Kunst nach ihrer Rückkehr zum Leben die Menschen allmählich erweichen, vergeistigen und vereinen würde.

Die Welt der Kunsthandwerker glaubte, dass die Menschen in vorindustrieller Zeit in engeren Kontakt mit Kunst und Natur kamen. Das 18. Jahrhundert erschien ihnen besonders reizvoll. Aber sie verstanden immer noch, dass das Zeitalter von Voltaire und Katharina nicht so harmonisch war, wie es ihnen scheint, und deshalb sind die wenigen Landschaften von Versailles und Zarskoje Selo mit Königen, Kaiserinnen, Herren und Damen in einen leichten Dunst der Traurigkeit und Selbstironie gehüllt . Jede dieser Landschaften von A. N. Benois, K. A. Somov oder E. E. Lanceray ist wie mit einem Seufzer zu Ende: Schade, dass sie für immer verschwunden ist! Schade, dass es eigentlich nicht so schön war!

Die Ölmalerei, die den Künstlern der Kunstwelt etwas schwer erschien, geriet in ihrem Schaffen in den Hintergrund. Wesentlich häufiger kamen Aquarell, Pastell und Gouache zum Einsatz, wodurch Arbeiten in hellen, luftigen Farben möglich wurden. Die Zeichnung spielte im Schaffen der neuen Künstlergeneration eine besondere Rolle. Die Kunst des Gravierens wurde wiederbelebt. Großes Verdienst dafür gebührt A.P. Ostroumova-Lebedeva. Als Meisterin der Stadtlandschaft hat sie viele europäische Städte (Rom, Paris, Amsterdam, Brügge) in ihren Stichen festgehalten. Im Zentrum ihrer Arbeit standen jedoch St. Petersburg und seine Palastvororte – Zarskoje Selo, Pawlowsk, Gatschina. Strenges und zurückhaltendes Auftreten nördliche Hauptstadt in ihren Stichen spiegelte sich im intensiven Rhythmus der Silhouetten und Linien, in den Kontrasten der Farben Weiß, Schwarz und Grau wider.

Die Wiederbelebung der Buchgrafik und der Buchkunst ist mit der Kreativität der „Welt der Künstler“ verbunden. Die Künstler beschränkten sich nicht nur auf Illustrationen, sondern führten auch Splash-Seiten, komplizierte Vignetten und Endungen im Jugendstil in ihre Bücher ein. Es wurde deutlich, dass die Gestaltung eines Buches eng mit seinem Inhalt verknüpft sein sollte. Der Grafikdesigner begann, auf Details wie Buchformat, Papierfarbe, Schriftart und Beschnitt zu achten. An der Gestaltung der Bücher waren viele Menschen beteiligt. herausragende Meister diese Zeit. Puschkinski“ Bronzener Reiter“ war eng mit den Zeichnungen von Benois und Tolstois „Hadschi Murat“ – mit den Illustrationen von Lanceray verbunden. Anfang des 20. Jahrhunderts zusammen mit vielen hochwertigen Beispielen der Buchkunst in den Regalen der Bibliotheken abgelegt.

Die Künstler der Welt der Kunst würdigten die Kunst, insbesondere die Musik, großzügig. Die Dekorationen der damaligen Künstler – mal exquisit raffiniert, mal lodernd wie ein Feuer – sorgten in Verbindung mit Musik, Tanz und Gesang für ein umwerfend luxuriöses Spektakel. L. S. Bakst trug maßgeblich zum Erfolg des Balletts „Scheherazade“ (zur Musik von Rimsky-Korsakov) bei. A. Ya. Golovin gestaltete das Ballett „Der Feuervogel“ (zur Musik von I. F. Strawinsky) gleichermaßen fröhlich und festlich. N.K. Roerichs Bühnenbild für die Oper „Prinz Igor“ ist dagegen sehr zurückhaltend und streng.

Im Bereich der Theatermalerei kamen die „Künstler der Welt“ ihrem gehegten Traum, verschiedene Kunstgattungen in einem Werk zu vereinen, am nächsten.

Das Schicksal des Vereins World of Art erwies sich als schwierig. Das Erscheinen der Zeitschrift wurde nach 1904 eingestellt. Zu diesem Zeitpunkt hatten viele Künstler den Verein verlassen und er war auf die Größe des ursprünglichen Kreises geschrumpft. Die kreativen und persönlichen Verbindungen seiner Mitglieder hielten über viele Jahre hinweg an. „Die Welt der Kunst“ ist zum künstlerischen Symbol der Grenze zweier Jahrhunderte geworden. Damit ist eine ganze Etappe in der Entwicklung der russischen Malerei verbunden. Spezieller Ort Der Verein wurde von M. A. Vrubel, M. V. Nesterov und N. K. Roerich besetzt.

Michail Alexandrowitsch Wrubel (1856 – 1910) war ein vielseitiger Meister. Er arbeitete erfolgreich an monumentalen Gemälden, Gemälden, Dekorationen, Buchillustrationen, Zeichnungen für Glasmalerei. Und er blieb immer er selbst, leidenschaftlich, leidenschaftlich, verletzlich. Drei Hauptthemen, drei Motive ziehen sich durch sein Werk.

Das erste, geistig Erhabene manifestierte sich vor allem im Bild der jungen Gottesmutter mit Kind, das für die Ikonostase der St.-Cyrill-Kirche in Kiew gemalt wurde.

Vrubels dämonische Motive wurden von Lermontovs Gedichten inspiriert. Aber Vrubels Dämon wurde zu einem eigenständigen künstlerischen Bild. Für Vrubel erwies sich der Dämon, ein gefallener und sündiger Engel, als ein zweites „Ich“ – eine Art lyrischer Held. Dieses Thema wurde im Film „The Seated Demon“ besonders deutlich zum Ausdruck gebracht. Die mächtige Gestalt des Dämons bedeckt fast die gesamte Leinwand. Es sieht so aus, als ob er aufstehen und sich aufrichten sollte. Aber deine Hände sind gesenkt, deine Finger sind schmerzhaft ineinander verschränkt und in deinen Augen liegt tiefe Melancholie. Das ist Vrubels Dämon: Im Gegensatz zu Lermontovs Dämon ist er weniger ein gnadenloser Zerstörer als vielmehr eine leidende Persönlichkeit.

Im Jahr 1896 malte Vrubel für die Allrussische Ausstellung in Nischni Nowgorod die Tafel „Mikula Selyaninovich“, auf der er dem Volkshelden-Pflüger eine solche Kraft verlieh, als ob er die Urkraft der Erde selbst in sich berge. So entstand in Vrubels Werk die dritte Richtung – die episch-volkstümliche Richtung. In diesem Sinne ist sein übertrieben kraftvoller „Bogatyr“ geschrieben, der auf einem riesigen Pferd sitzt. Das Gemälde „Pan“ grenzt an diese Serie. Die Waldgottheit wird als runzliger alter Mann mit blauen Augen und starken Händen dargestellt.

Die letzten Jahre von Vrubels Leben waren durch eine schwere psychische Erkrankung zum Scheitern verurteilt. In Momenten der Erleuchtung wurden ihm neue Ideen geboren – „Die Vision des Propheten Hesekiel“, „Der sechsflügelige Seraphim“. Vielleicht wollte er die drei Hauptrichtungen seiner Kreativität kombinieren, verschmelzen. Aber eine solche Synthese überstieg selbst die Macht Vrubels. Am Tag seiner Beerdigung sagte Benoit, dass künftige Generationen „auf die letzten Jahrzehnte des 19. Jahrhunderts zurückblicken werden.“ wie in der „Ära von Vrubel“... In ihm drückte sich unsere Zeit auf die schönste und traurigste Weise aus, zu der sie fähig war.“

Michail Wassiljewitsch Nesterow (1862-1942) schrieb seine frühen Werke im Geiste der Wanderer. Doch dann tauchten in seinem Werk religiöse Motive auf. Nesterov schrieb eine Reihe von Gemälden, die Sergej von Radonesch gewidmet waren. Das früheste davon war das Gemälde „Vision für den jungen Bartholomäus“ (1889-1890). Ein weißhaariger Junge, dem die Aufgabe zugeteilt wurde, ein spiritueller Mentor zu werden Altes Russland Ehrfürchtig lauscht er den prophetischen Worten, und die ganze Natur, die einfache russische Landschaft am Ende des Sommers, schien von diesem Gefühl der Ehrfurcht erfüllt zu sein.

Die Natur spielt in Nesterovs Malerei eine besondere Rolle. In seinen Gemälden fungiert sie als „Charakter“ und verstärkt die Gesamtstimmung. Besonders erfolgreich war der Künstler mit den subtilen und transparenten Landschaften des nördlichen Sommers. Er liebte es, die Natur Zentralrusslands an der Schwelle zum Herbst zu malen, wenn die stillen Felder und Wälder darauf warteten. Nesterov hat fast keine „verlassenen“ Landschaften und Gemälde ohne Landschaften sind selten.

Religiöse Motive in Nesterovs Werk kamen in seiner Kirchenmalerei am deutlichsten zum Ausdruck. Basierend auf seinen Skizzen wurden einige Mosaikarbeiten an den Fassaden der Auferstehungskirche Christi ausgeführt, die in St. Petersburg am Ort der Ermordung Alexanders II. errichtet wurde.

Der Künstler schuf eine ganze Galerie mit Porträts prominenter Persönlichkeiten Russlands. Am häufigsten stellte er seine Helden im Freien dar und führte damit sein Lieblingsthema des „Dialogs“ zwischen Mensch und Natur fort. L. N. Tolstoi wurde in einer abgelegenen Ecke des Jasnaja-Poljana-Parks gefangen genommen, die Religionsphilosophen S. N. Bulgakov und P. A. Florensky – während eines Spaziergangs (das Gemälde „Philosophen“).

Die Porträtmalerei wurde in den Jahren der Sowjetmacht zur Hauptrichtung von Nesterows Schaffen. Er schrieb hauptsächlich an Menschen, die ihm im Geiste nahe standen, russische Intellektuelle. Seine besondere Leistung war das ausdrucksstarke Porträt des Akademiemitglieds I. P. Pawlow.

Nicholas Konstantinovich Roerich (1874 - 1947) schuf im Laufe seines Lebens mehr als siebentausend Gemälde. Sie schmückten die Museen vieler Städte in unserem Land und im Ausland. Der Künstler wurde weltweit zu einer Persönlichkeit des öffentlichen Lebens. Aber frühen Zeitpunkt sein Werk gehört Russland.

Roerich kam über die Archäologie zur Malerei. Schon während seiner Schulzeit beteiligte er sich an Ausgrabungen antiker Grabhügel. Die Fantasie des jungen Mannes malte lebendige Bilder ferner Epochen. Nach dem Abitur besuchte Roerich gleichzeitig die Universität und die Akademie der Künste. Der junge Künstler begann mit der Umsetzung seines ersten großen Plans – einer Gemäldeserie „Der Anfang Russlands“. Slawen“.

Das erste Bild dieser Serie, „Messenger. Generation um Generation erhob sich“, hieß es in der Manier der Wanderers. Anschließend begann die Farbe in Roerichs Malerei eine immer aktivere Rolle zu spielen – rein, intensiv, ungewöhnlich ausdrucksstark. So entstand das Gemälde „Gäste aus Übersee“. Mit der intensiven blaugrünen Farbe gelang es dem Künstler, die Reinheit und Kälte des Flusswassers zu vermitteln. Das gelb-purpurrote Segel eines Überseebootes plätschert im Wind. Sein Spiegelbild wird von den Wellen zerschmettert. Das Spiel dieser Farben wird von einer weißen gepunkteten Linie fliegender Möwen umgeben.

Bei all seinem Interesse an der Antike verließ Roerich das moderne Leben nicht, hörte auf seine Stimmen und konnte erfassen, was andere nicht hörten. Er war zutiefst besorgt über die Lage in Russland und in der Welt. Ab 1912 schuf Roerich eine Reihe seltsamer Gemälde, in denen es scheinbar keinen bestimmten Handlungsort gibt und Epochen gemischt sind. Dabei handelt es sich um eine Art „prophetische Träume“. Eines dieser Gemälde trägt den Titel „Der letzte Engel“. Ein Engel steigt in wirbelnden roten Wolken auf und hinterlässt das Land in Feuer gehüllt.

In während des Krieges gemalten Gemälden versucht Roerich, die Werte von Religion und friedlicher Arbeit wiederherzustellen. Er wendet sich den Motiven der Volksorthodoxie zu. Auf seinen Leinwänden steigen Heilige auf die Erde herab, nehmen den Menschen Ärger und beschützen sie vor Gefahren. Roerich fertigte die letzten Gemälde dieser Serie in einem fremden Land an. In einem von ihnen („Zvenigorod“) kommen Heilige in weißen Gewändern und mit goldenen Heiligenscheinen aus dem alten Tempel und segnen die Erde. In Sowjetrussland kam es zu dieser Zeit zu Kirchenverfolgungen, Kirchen wurden zerstört und geschändet. Die Heiligen gingen zu den Menschen.

BeitragVLiteratur"GoldenJahrhundert"

Das 19. Jahrhundert wird als „Goldenes Zeitalter“ der russischen Poesie und weltweit als Jahrhundert der russischen Literatur bezeichnet. Zu Beginn des Jahrhunderts wurde die Kunst endgültig von der Hofpoesie und den „Album“-Gedichten getrennt; die Merkmale eines professionellen Dichters traten natürlicher, einfacher und menschlicher hervor; Dieses Jahrhundert hat uns solche Meister beschert. Wir sollten nicht vergessen, dass der literarische Sprung, der im 19. Jahrhundert stattfand, in vollem Gange war Literarischer Prozess 17.-18. Jahrhundert. Das 19. Jahrhundert ist die Zeit der Entstehung der russischen Literatursprache.

Das 19. Jahrhundert begann mit der Blütezeit des Sentimentalismus und dem Aufkommen der Romantik. Diese literarischen Tendenzen fanden vor allem in der Poesie ihren Ausdruck.

Sentimentalismus: Der Sentimentalismus erklärte das Gefühl und nicht die Vernunft zur Dominante der „menschlichen Natur“, was ihn vom Klassizismus unterschied. Der Sentimentalismus glaubte, dass das Ideal menschlichen Handelns nicht die „vernünftige“ Neuordnung der Welt sei, sondern die Freisetzung und Verbesserung „natürlicher“ Gefühle. Sein Held ist individualisierter, seine innere Welt wird durch die Fähigkeit bereichert, sich in das einzufühlen, was um ihn herum geschieht, und sensibel darauf zu reagieren. Der sentimentalistische Held ist seiner Herkunft und Überzeugung nach ein Demokrat; Die reiche spirituelle Welt des einfachen Volkes ist eine der wichtigsten Entdeckungen und Errungenschaften des Sentimentalismus.

Karamzin: Die Ära des Sentimentalismus in Russland wurde durch Karamzins Veröffentlichung von „Briefe eines russischen Reisenden“ und der Geschichte „ Arme Lisa" (damals Ende des 18. Jahrhunderts)

Karamzins Poesie, die sich im Mainstream des europäischen Sentimentalismus entwickelte, unterschied sich radikal von der traditionellen Poesie seiner Zeit, die auf den Oden von Lomonossow und Derzhavin beruhte. Die bedeutendsten Unterschiede waren die folgenden: 1) Karamzin interessiert sich nicht für die äußere, physische Welt, sondern für die innere, spirituelle Welt des Menschen. Seine Gedichte sprechen „die Sprache des Herzens“, nicht des Geistes. 2) Der Gegenstand von Karamzins Gedichten ist das „einfache Leben“, und um es zu beschreiben, verwendet er einfache poetische Formen -- dürftige Reime, vermeidet die Fülle an Metaphern und anderen Tropen, die in den Gedichten seiner Vorgänger beliebt waren. 3) Ein weiterer Unterschied zwischen Karamzins Poetik besteht darin, dass die Welt für ihn grundsätzlich unerkennbar ist. Der Dichter erkennt die Existenz verschiedener Standpunkte zum gleichen Thema an.

Reform Karamzins Sprache: Karamzins Prosa und Poesie hatten entscheidenden Einfluss auf die Entwicklung der russischen Literatursprache. 1) Karamzin verzichtete bewusst auf die Verwendung des kirchenslawischen Vokabulars und der Grammatik, indem er die Sprache seiner Werke in die Alltagssprache seiner Zeit überführte und Grammatik und Syntax als Vorbild verwendete Französisch. 2) Karamzin führte viele neue Wörter in die russische Sprache ein -- sowohl Neologismen („Nächstenliebe“, „sich verlieben“, „Freidenken“, „Anziehung“, „erstklassig“, „human“) als auch Barbarei („Bürgersteig“, „Kutscher“). 3). Er war auch einer der ersten, der den Buchstaben E verwendete. Der literarische Sieg von „Arzamas“ über „Beseda“ stärkte den Sieg Sprache ändert sich, die Karamzin vorstellte.

Sentimentalismus Karamzin hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Literatur: Auf ihm basierten unter anderem die Romantik Schukowskis und das Werk Puschkins.

Romantik: ideologische und künstlerische Richtung in der Kultur des späten 18. Jahrhunderts – der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Es zeichnet sich durch eine Bestätigung des inneren Wertes des spirituellen und kreativen Lebens des Einzelnen, die Darstellung starker (oft rebellischer) Leidenschaften und Charaktere sowie einer vergeistigten und heilenden Natur aus. Als romantisch bezeichnete man im 18. Jahrhundert alles Seltsame, Fantastische, Malerische und in Büchern Vorhandene, das nicht in der Realität existierte. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wurde die Romantik zur Bezeichnung einer neuen Richtung im Gegensatz zum Klassizismus und der Aufklärung. Die Romantik bekräftigt den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. Das Bild eines „edlen Wilden“, bewaffnet mit „Volksweisheit“ und nicht von der Zivilisation verdorben, ist gefragt.

In der russischen Romantik zeigt sich die Freiheit von klassischen Konventionen, es entstehen eine Ballade und ein romantisches Drama. Es entsteht eine neue Vorstellung über das Wesen und die Bedeutung der Poesie, die als eigenständiger Lebensbereich, als Ausdruck der höchsten, idealen Bestrebungen des Menschen anerkannt wird; die alte Ansicht, wonach Poesie als leerer Spaß, als etwas völlig Brauchbares erschien, erweist sich als nicht mehr möglich.

Der Begründer der russischen Romantik ist Schukowski: russischer Dichter, Übersetzer, Kritiker. Zunächst schrieb er Sentimentalismus aufgrund seiner engen Bekanntschaft mit Karamzin, doch 1808 betrat die russische Literatur zusammen mit der Ballade „Lyudmila“ (eine Adaption von „Lenora“ von G. A. Burger), die aus seiner Feder stammte, eine neue, ganz besondere Inhalt - Romantik. Teilnahme an der Miliz. 1816 wurde er Lektor unter der Kaiserinwitwe Maria Fjodorowna. Im Jahr 1817 wurde er Russischlehrer von Prinzessin Charlotte, der späteren Kaiserin Alexandra Fjodorowna, und im Herbst 1826 wurde er zum „Mentor“ des Thronfolgers, des späteren Kaisers Alexander II., ernannt.

Die Poesie von Michail Jurjewitsch kann als Höhepunkt der russischen Romantik angesehen werden Lermontow. Nach Ansicht des progressiven Teils Russische Gesellschaft 30er Jahre 19. Jahrhundert Es traten Merkmale einer romantischen Weltanschauung auf, die durch die Unzufriedenheit mit der modernen Realität verursacht wurden. Diese Weltanschauung war geprägt von tiefer Enttäuschung, Ablehnung der Realität und Unglauben an die Möglichkeit des Fortschritts. Andererseits zeichneten sich die Romantiker durch den Wunsch nach hohen Idealen, den Wunsch nach einer vollständigen Auflösung der Widersprüche des Daseins und das Verständnis der Unmöglichkeit davon (der Kluft zwischen Ideal und Realität) aus.

Lermontovs Werk spiegelt am besten die romantische Weltanschauung wider, die in der Nikolaus-Ära entstand. In seiner Poesie erreicht der Hauptkonflikt der Romantik – der Widerspruch zwischen Ideal und Wirklichkeit – eine extreme Spannung, die ihn deutlich von den romantischen Dichtern des frühen 19. Jahrhunderts unterscheidet. Das Hauptthema von Lermontovs Texten ist die innere Welt des Menschen – tiefgründig und widersprüchlich, unserer Zeit.“ Kernthema in Lermontovs Werk - das Thema der tragischen Einsamkeit des Einzelnen in einer feindseligen und ungerechten Welt. Die ganze Fülle poetischer Bilder, Motive, künstlerischer Mittel, die ganze Vielfalt der Gedanken, Erfahrungen und Gefühle des lyrischen Helden sind der Erschließung dieses Themas untergeordnet.

Ein wichtiges Motiv in Lermontovs Werken ist einerseits das Gefühl „immenser Kräfte“ menschliche Seele, und andererseits - Nutzlosigkeit, Sinnlosigkeit aktive Arbeit, Hingabe.

In seinen verschiedenen Werken sind Themen wie Heimat, Liebe, Dichter und Poesie sichtbar, die die Merkmale der hellen Individualität und Weltanschauung des Dichters widerspiegeln.

Tjutschew: Die philosophischen Texte von F. I. Tyutchev sind sowohl die Vollendung als auch die Überwindung der Romantik in Russland. Ausgehend von odischen Werken fand er nach und nach seinen eigenen Stil. Es war so etwas wie eine Fusion russischer Odik Poesie XVIII Jahrhunderte und Traditionen Europäische Romantik. Darüber hinaus wollte er sich nie in der Rolle eines professionellen Schriftstellers sehen und vernachlässigte sogar die Ergebnisse seiner eigenen Kreativität.

Zusammen mit der Poesie begann sich zu entwickeln Prosa. Die Prosaautoren des frühen Jahrhunderts wurden vom Englischen beeinflusst historische Romane V. Scott, dessen Übersetzungen äußerst beliebt waren. Die Entwicklung der russischen Prosa des 19. Jahrhunderts begann mit den Prosawerken von A.S. Puschkin und N.V. Gogol.

Frühe Poesie von A.S. Puschkin auch im Rahmen der Romantik entwickelt. Seine Südverbindung fiel mit einer nahegelegenen zusammen historische Ereignisse und in Puschkin war die Hoffnung reif für die Erreichbarkeit der Ideale von Freiheit und Freiheit (die Heldentaten der modernen Geschichte der 1820er Jahre spiegelten sich in Puschkins Texten wider), doch nach mehreren Jahren der kalten Rezeption seiner Werke erkannte er bald, dass die Welt wurde nicht von Meinungen, sondern von Autoritäten bestimmt. In den Werken von Puschkin romantische Zeit Es ist die Überzeugung gereift, dass in der Welt objektive Gesetze gelten, die der Mensch nicht erschüttern kann, egal wie mutig und schön seine Gedanken sind. Dies bestimmte den tragischen Ton von Puschkins Muse.

Allmählich, in den 30er Jahren, zeigten sich bei Puschkin die ersten „Anzeichen“ des Realismus.

Seit der Mitte des 19. Jahrhunderts begann die Entstehung des Russischen realistische Literatur, das vor dem Hintergrund der angespannten gesellschaftspolitischen Situation entsteht, die sich in Russland während der Herrschaft von Nikolaus I. entwickelte. Eine Krise des Leibeigenschaftssystems braut sich zusammen, es gibt starke Widersprüche zwischen den Behörden und einfache Leute. Es besteht ein dringender Bedarf, realistische Literatur zu schaffen, die genau auf die gesellschaftspolitische Situation im Land eingeht. Schriftsteller wenden sich gesellschaftspolitischen Problemen der russischen Realität zu. Die gesellschaftspolitische, philosophische Fragen. Literatur zeichnet sich durch einen besonderen Psychologismus aus.

Realismus in der Kunst 1) die Wahrheit des Lebens, verkörpert durch spezifische Mittel der Kunst. 2) Eine historisch spezifische Form des künstlerischen Bewusstseins der Neuzeit, deren Beginn entweder in der Renaissance („Renaissance-Realismus“) oder in der Aufklärung („ pädagogischer Realismus") oder aus den 30er Jahren des 19. Jahrhunderts ("Realismus selbst"). Die Leitprinzipien des Realismus des 19. - 20. Jahrhunderts: objektive Reflexion der wesentlichen Aspekte des Lebens in Kombination mit der Höhe des Ideals des Autors; Reproduktion von typische Charaktere, Konflikte, Situationen in ihrer Vollständigkeit und ihrer künstlerischen Individualisierung (d. h. Konkretisierung sowohl nationaler, historischer, sozialer Zeichen als auch physischer, intellektueller und spiritueller Merkmale); , insbesondere im 20. Jahrhundert, vorherrschendes Interesse am Problem „Persönlichkeit und Gesellschaft“.

Gogol war kein Denker, aber er war ein großer Künstler. Er selbst sagte über die Eigenschaften seines Talents: „Ich habe nur das gut gemacht, was ich aus der Realität, aus den mir bekannten Daten entnommen habe.“ Es hätte nicht einfacher und stärker sein können, die tiefe Grundlage des Realismus zu verdeutlichen, die in seinem Talent lag.

Kritischer Realismus- eine künstlerische Methode und literarische Bewegung, die sich im 19. Jahrhundert entwickelte. Sein Hauptmerkmal ist die Darstellung des menschlichen Charakters in organischer Verbindung mit sozialen Umständen sowie eine tiefgreifende soziale Analyse der inneren Welt des Menschen.

ALS. Puschkin und N.V. Gogol skizzierte die wichtigsten künstlerischen Typen, die im Laufe des 19. Jahrhunderts von Schriftstellern entwickelt wurden. Dies ist der künstlerische Typus des „überflüssigen Menschen“, ein Beispiel dafür ist Eugen Onegin im Roman von A.S. Puschkin und der sogenannte „kleine Mann“-Typ, der von N.V. dargestellt wird. Gogol in seiner Geschichte „Der Mantel“ sowie A.S. Puschkin in der Geschichte „The Station Agent“.

Die Literatur hat ihren journalistischen und satirischen Charakter aus dem 18. Jahrhundert geerbt. Im Prosagedicht von N.V. Gogols „Tote Seelen“ zeigt der Autor auf scharf satirische Weise einen Betrüger, der tote Seelen aufkauft, verschiedene Arten von Grundbesitzern, die die Verkörperung verschiedener menschlicher Laster sind. Die Komödie „Der Generalinspekteur“ basiert auf dem gleichen Plan. Voll satirische Bilder und Werke von A.S. Puschkin. Die Literatur stellt die russische Realität weiterhin satirisch dar. TrendBilderLasterUndMängelRussischGesellschaft-charakteristischEigenschaftalleRussischklassischLiteratur. Es lässt sich in den Werken fast aller Schriftsteller des 19. Jahrhunderts nachweisen. Gleichzeitig setzen viele Schriftsteller die satirische Tendenz in grotesker (skurriler, komischer, tragikomischer) Form um.

Das Genre entwickelt sich realistischer Roman. Seine Werke wurden von I.S. geschaffen. Turgenev, F.M. Dostojewski, L. N. Tolstoi, I.A. Goncharov. Die Entwicklung der Poesie lässt etwas nach.

Erwähnenswert sind die poetischen Werke von Nekrasov, der als erster in die Poesie einführte soziale Fragen. Sein Gedicht „Wer lebt gut in Russland?“ ist bekannt, ebenso wie viele Gedichte, die über das schwierige und hoffnungslose Leben der Menschen reflektieren.

Der literarische Prozess des späten 19. Jahrhunderts enthüllte die Namen von N.S. Leskov, A.N. Ostrovsky A.P. Tschechow. Letzterer erwies sich als Meister des kleinen literarischen Genres – der Erzählung – sowie als hervorragender Dramatiker. Konkurrent A.P. Tschechow war Maxim Gorki.

Das Ende des 19. Jahrhunderts war geprägt vom Aufkommen vorrevolutionärer Gefühle. Die realistische Tradition begann zu verschwinden. Sie wurde durch die sogenannte dekadente Literatur ersetzt, deren charakteristische Merkmale Mystik, Religiosität sowie eine Vorahnung von Veränderungen im gesellschaftspolitischen Leben des Landes waren. Anschließend entwickelte sich die Dekadenz zur Symbolik. Dies eröffnet eine neue Seite in der Geschichte der russischen Literatur.

Literarische Bewegungen des Silbernen Zeitalters

Russische Symbolik

Der Symbolismus war die erste Bewegung der Moderne, die auf russischem Boden entstand. Die Symbolisten stellten dem traditionellen Wissen über die Welt die Idee gegenüber, die Welt im Prozess der Kreativität zu konstruieren. Kreativität im Verständnis der Symbolisten ist eine unbewusst-intuitive Betrachtung geheimer Bedeutungen, die nur dem Künstler – dem Schöpfer – zugänglich sind. „Understatement“, „Bedeutungsgeheimnis“ – ein Symbol ist das wichtigste Mittel, um das Gedachte zu vermitteln geheime Bedeutung. Das Symbol ist die zentrale ästhetische Kategorie der neuen Bewegung. „Ein Symbol ist nur dann ein wahres Symbol, wenn seine Bedeutung unerschöpflich ist“, meinte der Theoretiker des Symbolismus Wjatscheslaw Iwanow. „Das Symbol ist ein Fenster zur Unendlichkeit“, wiederholte Fjodor Sologub.

Einer der Begründer der russischen Poesie des 20. Jahrhunderts war Innokenty Annensky. Zu Lebzeiten wenig bekannt, in einem relativ kleinen Kreis von Dichtern hochgeschätzt, geriet er dann in Vergessenheit. Sogar die weit verbreiteten Zeilen „Unter den Welten, im Funkeln der Sterne ...“ wurden öffentlich für anonym erklärt. Doch seine Poesie, seine Klangsymbolik erwies sich als unerschöpflicher Schatz.

Die Welt der Poesie von Innokenty Annensky bescherte Literatur Nikolai Gumilyov, Anna Achmatowa, Ossip Mandelstam, Boris Pasternak, Welimir Chlebnikow und Wladimir Majakowski. Nicht weil Annensky nachgeahmt wurde, sondern weil sie in ihm enthalten waren. Sein Wort war unmittelbar – scharf, aber vorsätzlich und abgewogen; es offenbarte nicht den Denkprozess, sondern das bildliche Ergebnis des Denkens. Sein Gedanke klang wie gute Musik. Innokenty Annensky, der in seiner spirituellen Erscheinung den Neunzigerjahren angehört, eröffnet das 20. Jahrhundert – wo die Sterne der Poesie aufflammen, sich verschieben, verschwinden, den Himmel wieder erhellen …

Zu den meistgelesenen Dichtern zählen Konstantin Balmont – „das Genie eines melodiösen Traums“; Ivan Bunin, dessen Talent mit mattem Silber verglichen wurde – sein brillantes Können schien kalt, aber zu seinen Lebzeiten wurde er „der letzte Klassiker der russischen Literatur“ genannt; Valery Bryusov, der als Meister galt; Dmitry Merezhkovsky – der erste europäische Schriftsteller in Russland; der philosophischste Dichter des Silbernen Zeitalters – Wjatscheslaw Iwanow...

Die Dichter des Silbernen Zeitalters waren bedeutende Persönlichkeiten, auch wenn sie nicht den ersten Rang einnahmen. Um die modisch-bohemische Frage zu beantworten: Genie oder verrückt? - In der Regel wurde die Antwort gegeben: sowohl ein Genie als auch ein Verrückter.

Andrei Bely beeindruckte seine Umgebung als Prophet... Sie alle wurden, von der Symbolik mitgerissen, zu prominenten Vertretern dieser einflussreichsten Schule. Um die Jahrhundertwende verstärkte sich insbesondere das nationale Denken. Das Interesse an Geschichte, Mythologie und Folklore wurde von Philosophen (V. Solovyov, N. Berdyaev, P. Florensky usw.), Musikern (S. Rachmaninov, V. Kalinnikov, A. Skrjabin), Malern (M. Nesterov, V. M. Vasnetsov) erfasst , A.M. Vasnetsov, N.K. Roerich), Schriftsteller und Dichter. „Zurück zu den nationalen Ursprüngen!“ - war der Schrei dieser Jahre.

Seit jeher ist das Heimatland, seine Nöte und Siege, Ängste und Freuden Hauptthema Nationalkultur. Künstler widmeten ihre Kreativität der Rus und Russland. Die erste Pflicht für uns ist die Pflicht zur Selbsterkenntnis – harte Arbeit, um unsere Vergangenheit zu studieren und zu verstehen. Die Vergangenheit, die Geschichte Russlands, seine Moral und Bräuche – das sind die wahren Schlüssel, um den Durst nach Kreativität zu stillen. Reflexionen über die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des Landes werden zum Hauptmotiv der Aktivitäten von Dichtern, Schriftstellern, Musikern und Künstlern. „Vor mir steht mein Thema, das Thema Russland. Ich widme mein Leben bewusst und unwiderruflich diesem Thema“, schrieb Alexander Blok.

„Kunst außerhalb der Symbolik gibt es heutzutage nicht mehr. „Symbolik ist gleichbedeutend mit dem Künstler“, sagte damals Alexander Blok, der zu seinen Lebzeiten für viele in Russland bereits mehr als ein Dichter war.

LiterarischfließenAkmeismus(entstandenVRusslandVAnfang1910er JahreJahre)

Eine Gruppe junger Dichter, die sich den Symbolisten widersetzten, versuchte, den Utopismus der Symboltheorie zu überwinden. Der Anführer dieser Gruppe war Sergei Gorodetsky, ihm schlossen sich Nikolai Gumilyov und Alexander Tolstoi an. Der Literaturunterricht wurde von Vyacheslav Ivanov, Innokenty Annensky und Maximilian Voloshin geleitet. Dichter, die sich mit der Verskunst beschäftigten, begannen, sich „Akademie der Poesie“ zu nennen. Im Oktober 1911 wurde die „Akademie der Poesie“ nach dem Vorbild mittelalterlicher Handwerksvereinsnamen in die „Werkstatt der Dichter“ umgewandelt. Die Leiter der „Werkstatt“ waren Dichter der nächsten Generation – Nikolai Gumilyov und Sergei Gorodetsky. Es wurde die Frage nach der Schaffung einer neuen poetischen Bewegung aufgeworfen und gelöst – dem Akmeismus (aus dem Griechischen – der höchste Grad von etwas, blühende Kraft). Anna Achmatowa, Ossip Mandelstam, Michail Kusmin und andere wurden Akmeisten.

Das erste Zeichen des Akmeismus, sein ästhetische Grundlage wurde M. Kuzmins Artikel „Über schöne Klarheit“. Der Artikel diktierte die Prinzipien „hervorragender Klarheit“: logisches Design, harmonische Komposition; „Klarismus“ wurde im Wesentlichen zu einem Aufruf zur Wiederherstellung der Ästhetik von Vernunft und Harmonie und widersetzte sich dem Globalismus der Symbolisten.

Die maßgeblichsten Lehrer der Akmeisten waren Dichter, die einst eine bedeutende Rolle in der Symbolik spielten – M. Kuzmin, I. Annensky, A. Blok. Mit dem Namen Gumilyov erinnern wir uns jetzt daran, dass er der Begründer des Akmeismus war. Und er war vor allem ein seltenes Beispiel für die Einheit von Poesie und Leben. Alle seine Jahre wurden in seinen Gedichten verkörpert. Sein Leben – das Leben eines romantischen russischen Dichters – wird in seinen Werken wiedergegeben. Gumilyov hat uns eine mutige Vorhersage hinterlassen:

Die Erde wird die Beschwerden vergessen

Alle Krieger, alle Händler,

Und es wird wie immer Druiden geben

Lehren Sie von den grünen Hügeln aus.

Und es wird wie früher Dichter geben

Führe Herzen in die Höhe.

Wie ein Engel Kometen leitet

Zu einem ihnen unbekannten Traum.

Seine Rhythmen haben Gewicht. Seine Linien leuchten und duften duftend. Seine Intonation führte die Armee der Dichter an, die sich als unbesiegbare Armee herausstellte. Talent, pure Inspiration müssen seiner Meinung nach perfekt sein, und er brachte jungen Dichtern beharrlich und streng das Handwerk bei. Die Ergebnisse übertrafen alle Erwartungen: Fünf Jahre später entstanden in Russland in Großstädten Dichterwerkstätten nach dem Vorbild von St. Petersburg – von nun an war es nicht mehr möglich, schlechte Gedichte zu schreiben, das Niveau der Meister stieg ungewöhnlich an und Wer Talent hatte, konnte es in perfekter Form zeigen.

Er war streng und unversöhnlich gegenüber jungen Dichtern und sich selbst; er war der erste, der das Versieren zu einer Wissenschaft und einem Handwerk erklärte, das erlernt werden muss, so wie man Musik und Malerei lernt. Er war mutig und stur, er war verträumt und mutig. Er verband die Knabenhaftigkeit und die guten Manieren eines jungen Absolventen des Zarskoje-Selo-Gymnasiums mit einer Medaille, einem Wandergeist und dem unnachgiebigen Fanatismus eines Dichters. Er schrieb Gedichte voller herbem Charme, erfüllt vom Duft hoher Berge, heißer Wüsten und ferner Meere. Als fahrender Ritter, einem aristokratischen Orden, war er in alle Zeiten, Länder und Epochen verliebt.

Als der Weltkrieg begann, ging Gumilyov an die Front. Seine Abenteuer waren legendär. Er erhielt drei St. Georges, wurde schwer verwundet, aber seine Seele erblühte in kühner, heroischer Schönheit.

Wie ein wahres russisches Genie hatte er die Gabe der Weitsicht und sagte sich in dem atemberaubenden Gedicht „Arbeiter“ Folgendes voraus:

Er steht über einer glühenden Schmiede,

Ein kleiner alter Mann

Ein ruhiger Blick wirkt unterwürfig

Vom Blinzeln rötlicher Augenlider

Alle seine Kameraden schliefen ein

Er ist der Einzige, der noch wach ist,

Er ist ganz damit beschäftigt, eine Kugel abzuwerfen,

Was wird mich von der Erde trennen?

Ich werde fallen, ich werde mich zu Tode langweilen,

Ich werde die Vergangenheit in der Realität sehen,

Das Blut wird wie eine Quelle ins Trockene fließen,

Staubiges und zerknittertes Gras.

Und der Herr wird es mir in vollem Umfang vergelten

Für mein kurzes und bitteres Leben ...

Wir kennen die Einzelheiten seines Mordes nicht (das Land tötete, erschoss seinen Helden!), aber wir wissen, dass er, als er an der Mauer stand, dem Henker nicht einmal einen verwirrten und ängstlichen Blick zuwarf.

Ein Träumer, ein Romantiker, ein Patriot, ein strenger Lehrer, ein Dichter ... Sein düsterer Schatten flog empört aus dem entstellten, blutigen, leidenschaftlich geliebten Mutterland ...

Er schrieb Gedichtbände: „Der Weg des Eroberers“, „Romantische Blumen“, „Perlen“, „Alien Sky“, „Köcher“, „Bonfire“, „Zelt“, Theaterstücke in Versen; ein Buch mit chinesischen Gedichten „Porzellanpavillon“, Gedichtbände „Feuersäule“, „Mitten auf der irdischen Reise“ und „Drachengedicht“ wurden zur Veröffentlichung vorbereitet ...

Imagismus. In den ersten nachrevolutionären Jahren entstand in Russland eine neue literarische und künstlerische Bewegung, der Imagismus (aus dem französischen Bild). - Bild), basierend auf den Recherchen der russischen Avantgarde, insbesondere des Futurismus.

Poetisch Die Gruppe der Imagisten wurde 1918 von Sergei Aleksandrovich Yesenin, Vadim Gabrielevich Shershenevich und Anatoly Borisovich Mariengof gegründet. Zur Gruppe gehörten auch Ivan Gruzinov, Alexander Kusikov (Kusikyan) und Rurik Ivnev (Mikhail Kovalev). Organisatorisch schlossen sie sich einst um den Verlag „Imaginists“ und das bekannte Literaturcafé „Stable of Pegasus“ zusammen. Die Imagisten gaben die Zeitschrift „Hotel for Travelers in Beauty“ heraus, deren vierte Ausgabe 1924 endete.

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Und wieder schlief er tief und fest ein.

Puschkin. Schatten von Von-Visin.

Wie lässt sich die Tatsache erklären, dass eine Epoche die Manifestation poetischen Genies fördert, während eine andere Epoche nur unbedeutende Dichter hervorbringt? Warum erschien in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts kein einziger großer russischer Dichter in Russland? Und das nach dem Goldenen Zeitalter der russischen Poesie mit ihren Genies: Tjutschew, Lermontow, Puschkin, Fet! Tyutchev, Lermontov, Puschkin, Fet und Yazykov wurden vor 1820 geboren. Bis etwa 1880 wurden in Russland keine großen Dichter geboren. Weder Fofanov, noch Balmont, noch Apukhtin, noch Bryusov, noch Nadson konnten die Erfahrungen der Genies des Goldenen Zeitalters der Poesie nutzen. Tyutchev und Fet schufen weiter, wurden aber in einer völlig anderen Zeit geboren...

Im Jahr 1910 wurde das grundlegende Werk von General V. A. Moshkov, „Eine neue Theorie über den Ursprung des Menschen und seine Degeneration, zusammengestellt auf der Grundlage von Daten aus Zoologie und Statistik“, veröffentlicht. Diese Arbeit verkörperte die von diesem Wissenschaftler entwickelte Theorie der Zyklizität in der historischen Entwicklung von Zivilisationen und Kulturen der Welt. Jeder Zyklus dauert laut V. Moshkov 400 Jahre. Der Vierhundertjahreszyklus wurde von ihm in vier Jahrhunderte eingeteilt, denen er Namen gab: „Golden“, „Silber“, „Kupfer“ und „Eisen“. Die erste Hälfte des Entwicklungszyklus einer Zivilisation oder eines Staates – das „goldene“ und das „silberne“ Jahrhundert, also die ersten zweihundert Jahre – ist durch ihre Entwicklung und ihr Wachstum gekennzeichnet und endet mit einer Ära politischer und wirtschaftlicher Stabilität. Doch mit Beginn der zweiten Hälfte des Zyklus – dem „Kupferzeitalter“ oder dem dritten Jahrhundert im Zyklus – treten die Länder in eine Phase des Niedergangs ein. " Eisenzeit„Die letzten 100 Jahre, die den Zyklus abschließen, sind für jedes Land eine Ära des Verlusts und Verlusts, ein Jahrhundert des kulturellen Verfalls.“ Moschkow nutzte offenbar die Lehren eines Menschen, der zu Beginn des 7. Jahrhunderts lebte. Chr. Hesiods Rhapsode, wie er sie in seinem Gedicht „Werke und Tage“ dargelegt hat (Siehe: Hesiod. Interlineare Übersetzung von Gedichten aus dem Griechischen und Anmerkung von G. Vlastov. – St. Petersburg, 1885. Siehe auch: Hesiod. Werke und Tage. Landwirtschaft Gedicht / Übersetzt von V. Veresaev. - M.: Nedra, 1927). Beispielsweise begann im Jahr 1212 die Vereinigung der russischen Fürstentümer unter der Herrschaft von Jaroslawl und dann Moskau, d. h. ein 400-jähriger Zyklus begann in der Geschichte Russlands. Dieser Zyklus endete in Anfang des XVII Jahrhundert durch die Unruhen und die Invasion der Lateiner.
Nach 1612 beobachten wir eine selbstbewusste Stärkung der Souveränität Russlands! Das „Goldene Zeitalter Katharinas“ entspricht dem „Silbernen Zeitalter“ des Vierhundert-Jahres-Zyklus. Dies ist eine Ära der politischen und wirtschaftlichen Stabilität in Russland.
Basierend auf Moschkows Theorie wurden Tjutschew, Lermontow, Puschkin, Gribojedow und Jazykow also im „Silbernen Zeitalter“ des Vierhundert-Jahres-Zyklus geboren! Darüber hinaus wurden sie um die Zeitenwende geboren – in der Hochphase kulturelle Entwicklung Russland. Im Jahr 1812 besiegte Russland die vereinten Streitkräfte des Westens. Im Jahr 1815 wurde Alexander der Selige als Kaiser Europas und damit der ganzen Welt anerkannt! Die Energie dieser Zeit konnte nur einen Einfluss auf diejenigen haben, die zu dieser Zeit in Russland lebten.
Was ist mit denen, die nach 1820 geboren wurden?
Das „Kupferzeitalter“ begann die damals Geborenen zu beeinflussen ... Die Ära des „Smerdjakowismus“ nahte. Da erschienen die Zeilen des Russophoben Petscherin:

Wie süß ist es, deine Heimat zu hassen,
Und warte sehnsüchtig auf seine Zerstörung!
Und sieh in der Zerstörung des Vaterlandes
Welthand der Renaissance!

Nach 1920 „trat“ Russland die HÄLFTE NORDAMERIKAs an Großbritannien und die USA ab. Das russische Volk weiß nichts davon...
Die russischen Dichter der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts schienen ihre schöpferische Kraft verloren zu haben.

Hier ist ein Beispiel der Arbeit von V. Solovyov:

Lieber Michal Matveich,
Ich schreibe dir aus der Höhle,
Von der Krankheit in einem Bogen gebeugt
Und voller allerlei Dreck.
Süße Mühen vergessen
Und Bacchus und Cypris;
Sie haben es mir schon lange erzählt
Nur Hämorrhoiden.

Als Kind spielte V. Solovyov Feuerwehrleute und wollte eine Leistung vollbringen, deshalb konnte er in seinen reifen Jahren nicht anders, als dieses Werk zu schreiben:

Feuerwehrmann
Wehe wird über Asche erhoben
Und wie ein Adler, ein Bewohner des Äthers,
Ausgestattet mit einem allsehenden Auge.
Er ist allein auf diesem Gipfel,
Er steht über allen, er ist ein Gott, er ist ein König ...
Und da unten, im stinkenden Schlamm,
Wie ein Wurm schleppt sich der Goldschmied dahin,-
Schrecklich für ein zartes Herz
Kontrast von Kloake und DepA...
Sich demütigen! Das Naturgesetz ist klar
Auch wenn unsere Weisheit blind ist.
Die Sonne geht unter, die Sonne geht auf,
Jahrhunderte vergehen, aber alles ist wie zuvor,
Ein stolzer Ritter geht auf dem Turm
Und der Goldschmied reinigt die Grube.

Mitte April 1889
[Soloviev V.S. „Nur die Sonne der Liebe ist bewegungslos...“ Gedichte. S. 55-56]

Aber in diesen Zeilen steckt, wie V. Solovyov glaubte, auch ein bedeutungsvoller Gedanke... Zweifellos kann Solovyov nicht als großer Dichter bezeichnet werden.

V. Solovyov konnte das Thema Osten in seinem Werk nicht ignorieren:

JUNGER TÜRKE

Am zehnten Tag von Mogaremma
In Papas Garten
Ich habe eine Haremsblume getroffen
Und seitdem warte ich
Ich warte ungeduldig im Garten
Ich wasche meine Gazelle...
Aber Papa schaut eifersüchtig zu
Alle deine Mamzels.
Kein Wunder, dass der Name alter Eunuch ist
Mit einer Ahle gepflückt
Und zum Sack voller Dampf
Mit Steinen festgebunden.
Ich muss vorsichtig sein...
Ich gehe besser.
Du kannst so bleiben
Papas Teich!
Ja! Papa ist sehr hartnäckig
Alter Rückschritt,
Und der flinke Eunuch schaut zu
Papas Hubschrauberstadt.

Mitte April 1889
[Soloviev V.S. „Nur die Sonne der Liebe ist bewegungslos...“ Gedichte., S. 56)]

Nekrasov verwendet in fast allen seiner Gedichte exzessiv ambivalentes Lachen. Wir können sagen, dass er es einfach missbraucht:

Bedecken der Haut mit Kleidung
Für Lachen und Schönheit,
Mazurochka mit Affen
Die Hunde tanzen.
Und in einem Moment der Trunkenheit,
Aus Leidenschaft oder Bedürfnis,
Drehorgelspieler mit Affe
Sie tanzen Padede.
Alles springt, alles ist besorgt,
Es ist wie eine Maskerade.
Und das russische Volk bewundert:
„Wie schlau die Deutschen sind!“
Ja, ihr Wissen ist stark,
Ihre Geschicklichkeit ist schwierig...
Wirklich,
Deutschland ist ein Wissenschaftsland!
(Möchten Sie eine Fortsetzung?
Beschriebene Wunder -
Gehen Sie zu den Shows
Berühmte Theaterstücke.)

Aber Folgendes sollte eine Person laut Nekrasov haben, um nicht komisch auszusehen:

Die Abendlichter waren angezündet,
Der Wind heulte und der Regen strömte herab,
Wenn aus der Provinz Poltawa
Ich betrat die Hauptstadt.
In seinen Händen war ein sehr langer Stock,
Der Rucksack ist leer bei ihr,
Auf den Schultern liegt ein Schaffellmantel,
In meiner Tasche sind 15 Groschen.
Kein Geld, kein Titel, kein Stamm,
Klein von Statur und lustig im Aussehen,
Ja, vierzig Jahre sind vergangen, -
Ich habe eine Million in der Tasche.

Nekrasov beschrieb erfolgreich nur Chaos und Verwirrung:

Schauen Sie – sie haben es bereits ergriffen!
Roman drängt Pakhomushka,
Demyan schubst Luka.
Und die beiden Gubina-Brüder
Sie bügeln den kräftigen Prov, -
Und jeder schreit sein eigenes!

Sieben Uhus flogen zusammen,
Das Gemetzel bewundern
Von sieben großen Bäumen,
Sie lachen, Nachtschwärmer!
Und ihre Augen sind gelb
Sie brennen wie brennendes Wachs
Vierzehn Kerzen!
Und der Rabe, ein kluger Vogel,
Angekommen, auf einem Baum sitzend
Direkt am Feuer,
Sitzt und betet zum Teufel,
Zu Tode geprügelt werden
Welcher!
Kuh mit Glocke
Dass ich seit dem Abend weg war
Von der Herde hörte ich ein wenig
Menschliche Stimmen -
Sie kam zum Feuer und starrte
Augen auf die Männer
Ich habe verrückte Reden gehört
Und begann, mein Herz,
Muh, muh, muh!
[Nekrasov N.A. Der in Russland gut lebt. Favorit cit., S. 312]

1990 gilt als Beginn des Silbernen Zeitalters der russischen Poesie. Die überwiegende Mehrheit der Dichter der Wende vom 19. zum frühen 20. Jahrhundert. erreichte in Bezug auf kreative Fähigkeiten nicht das Niveau von Fofanov... Das Silberne Zeitalter warf zunächst keine drängenden gesellschaftlichen Probleme auf. Mitglieder der St. Petersburger Dichtergruppe „Gilea“ wurden zu den Begründern des russischen Futurismus. Einer der Trends dieser Ära war auch der Kubofuturismus. In Russland nannten sich die „Budetlyaner“, die Teil der Dichtergruppe „Gilea“ waren, Kubo-Futuristen. Sie gaben die ästhetischen Ideale der Vergangenheit auf und nutzten aktiv Gelegenheitalismen. Im Rahmen des Kubofuturismus entwickelte sich die „abstruse Poesie“. „Zaumya“ wurde von Velimir Khlebnikov, Elena Guro, Davyd und Nikolai Burliuk geschrieben. Hier ist ein Beispiel des „Zaumi“:

Deine klappernde Lampe
Die Stille des Waldes erleuchtet mich.
Oh Reiter der Nacht, tanze
Vor einem unnachgiebigen Zaun.
Frau mit goldenen Brüsten
Am kaum verschlossenen Eingang.
Die kalte Natur wärmt,
Ihre eigene Bedeutung des Schreibens.
Blinde, fleißige Blicke.
Wir werden die Kuppeln dem Regen aussetzen.
Ich habe meine Brust bis auf die Grundmauern niedergebrannt,
Um die Zweige des Bösen auszureißen,
Im Namen der Wahrheit und Belohnung.
Die Umarmung der weiß brennenden Wabe.
Dezente Melodien sind erwünscht,
Aber immer noch genauer als die Black Maiden
Unweigerlich auffälliger Honig.
[Burliuk D. D.: Aus der Sammlung „The Fishing Tank of Judges“ (1910)]

„Gilea“ war die einflussreichste, aber nicht die einzige Vereinigung von Futuristen. Es gab auch Ego-Futuristen unter der Leitung von Igor Severyanin, der in St. Petersburg lebte.

Narzissmus ist eine häufige Beschäftigung von Dichtern dieser Zeit:

Millionen Frauenküsse -
Nichts vor der Ehre der Götter:
Und Klyuev küsste meine Hände,
Und Fofanov fiel ihm zu Füßen!

Valery schrieb mir zuerst:
Fragen, wie ich ihn mag;
Und Gumilyov stand an der Tür,
In Apollo locken.

Dreizehn Bücher mit dreihundert Seiten
Zeitungsausschnitte sind mein Weg.
Ich nahm an und sah strahlend aus.
Lob und Schelte sind ein Abschaum der Menschen.

Korrekt und arrogant
Immer verliebt in Unclear,
Ich bin von meiner Berufung überzeugt
Ich sah das Leben wie einen wunderbaren Traum.

Ich kenne den donnernden Applaus
Dutzende russische Städte,
Und die Begeisterung der Suche,
Und der Triumph meiner Gedichte!

Januar 1918
Petrograd
[Severyanin I.V.: Nachtigall. Gedichte und Gedichte, S. 9]

Vor Beginn der Eisenzeit wurden A. Blok, S. Yesenin, S. Bekhteev und I. Bunin geboren. Ihr Leben, ihr Werk – das ist das wahre Silberne Zeitalter der russischen Poesie.

Sende uns, Herr, Geduld,
In einer Zeit gewalttätiger, dunkler Tage,
Um die Verfolgung durch die Bevölkerung zu ertragen
Und die Folter unserer Henker.

Gib uns Kraft, o gerechter Gott,
Dem Nächsten seine Verbrechen vergeben
Und das Kreuz ist schwer und blutig
Um Deiner Sanftmut zu begegnen.

Und in den Tagen rebellischer Aufregung,
Wenn unsere Feinde uns ausrauben,
Scham und Demütigung ertragen
Christus, Erlöser, hilf!

Herr der Welt, Gott des Universums!
Segne uns mit deinem Gebet
Und gib der demütigen Seele Ruhe,
In der unerträglichen Stunde des Todes ...

Und an der Schwelle des Grabes,
Atme in den Mund Deiner Diener
Übermenschliche Kräfte
Bete sanftmütig für deine Feinde!

S. S. Bekhteev

Ist es ihm wirklich möglich, im Land aufzutreten? großer Dichter, ist eine Ära des Wandels notwendig?

...
(1) Manngefiedert – offenbar mit einer Narbe in Form eines Blitzes auf der Stirn. Möglicherweise trägt er eine Brille.

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Golden und mit e Rippenzeitalter der russischen Kultur

Die rasante Entwicklung der russischen Kultur im 19. Jahrhundert ermöglichte es ihr, einen der führenden und ehrenvollsten Plätze der Weltkultur einzunehmen. Russische Wissenschaftler und Künstler haben einen großen Beitrag zum Schatz der Weltwissenschaft und des künstlerischen Schaffens geleistet. Im 19. Jahrhundert wurde die russische Kunstkultur zum Klassiker und schuf perfekte Beispiele und Werke, an denen sich viele Generationen orientierten. Der Aufstieg der Kultur in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts war so gewaltig, dass man diese Zeit als „goldenes Zeitalter“ der russischen Kultur bezeichnen konnte.

Das „Goldene Zeitalter“ wurde durch die gesamte bisherige Entwicklung der russischen Kultur vorbereitet.

Ein kulturelles Ereignis von enormer Bedeutung, das zur Steigerung des nationalen Selbstbewusstseins beitrug, war das Erscheinen von „Die Geschichte des russischen Staates“ von N.M. Karamzin. Karamzin war der erste, der an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert tätig war. war der Ansicht, dass dies das wichtigste Problem der russischen Kultur des kommenden 19. Jahrhunderts sei. wird die Definition seiner nationalen Identität sein.

Auf Karamzin folgte Puschkin, der das Problem der Korrelation seiner nationalen Kultur mit anderen Kulturen löste. Dann erschien der „philosophische Brief“ von P.Ya. Chaadaev – Philosophie der russischen Geschichte, die eine Diskussion zwischen Slawophilen und Westlern auslöste. Einer von ihnen ist kulturell originell und konzentriert sich auf die Identifizierung der tiefgreifenden Mechanismen der nationalen Kultur und die Konsolidierung der stabilsten, unveränderlichen Werte. Und die andere Meinung ist die Modernisierung, die darauf abzielt, den Inhalt der nationalen Kultur zu verändern und sie in den globalen Kulturprozess einzubeziehen.

Die Literatur nahm in der Kultur des „Goldenen Zeitalters“ einen besonderen Platz ein. Literatur ist zu einem synthetischen kulturellen Phänomen geworden und hat sich als universelle Form des sozialen Bewusstseins erwiesen, die die Mission der Sozialwissenschaften erfüllt.

Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts. Die russische Kultur wird im Westen immer bekannter. N.I. Lobatschewski, der den Grundstein für moderne Vorstellungen über die Struktur des Universums legte, wurde der erste Wissenschaftler, der im Ausland berühmt wurde. P. Merimee entdeckte Puschkin in Europa. Gogols Wirtschaftsprüfer wurde in Paris ernannt. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Der europäische und weltweite Ruhm der russischen Kultur wird vor allem durch die Werke von Turgenjew, Leo Tolstoi und F. M. gestärkt. Dostojewski.

Darüber hinaus im 19. Jahrhundert. Malerei, Architektur und Musik entwickeln sich.

Malerei: Repin, Savrasov, Polenov, Vrubel, Surikov, Levitan, Serov, Vasnetsov.

Architektur: Rossi, Beauvais, Gilardi, Ton.

Musik: Mussorgski, Rimski-Korsakow, Tschaikowsky.

Es ist unmöglich, die Periode des „Silbernen Zeitalters“ nicht zu übersehen, die auch den Beginn des 20. Jahrhunderts erfasste. Dies ist eine historische Zeit seit den 90er Jahren. 19. Jahrhundert bis 1922 das „philosophische Schiff“ mit den prominentesten Vertretern der kreativen Intelligenz Russlands nach Europa aufbrach. Die Kultur des „Silbernen Zeitalters“ wurde von der westlichen Kultur, Shakespeare und Goethe, der antiken und orthodoxen Mythologie, der französischen Symbolik sowie der christlichen und asiatischen Religion beeinflusst. Gleichzeitig ist die Kultur des „Silbernen Zeitalters“ eine einzigartige russische Kultur, die sich in der Kreativität ihrer talentierten Vertreter manifestiert. Die Ära der Jahrhundertwende wurde nach ihrer Vollendung als „Silberzeitalter“ bezeichnet.

Was hat diese Zeit der russischen Weltkultur Neues gebracht?

Erstens ist dies die Mentalität eines soziokulturellen Menschen, der sich vom Denken befreit, das von Politik und Sozialität als Klischeekanon durchdrungen ist, der ihn daran hindert, frei und individuell zu denken und zu fühlen. Das Konzept des Philosophen V. Solovyov, der die Notwendigkeit einer aktiven Zusammenarbeit zwischen Mensch und Gott fordert, wird zur Grundlage einer neuen Weltanschauung eines Teils der Intelligenz. Dies ist ein Streben nach dem Gottmenschen, der sucht innere Integrität, Einheit, Güte, Schönheit, Wahrheit.

Zweitens ist das „Silberne Zeitalter“ der russischen Philosophie eine Zeit der Ablehnung des „sozialen Menschen“, eine Ära des Individualismus, des Interesses an den Geheimnissen der Psyche und der Dominanz des mystischen Prinzips in der Kultur.

Drittens zeichnet sich das „Silberne Zeitalter“ durch den Kult der Kreativität als einzige Möglichkeit für einen Durchbruch zu neuen transzendentalen Realitäten aus und überwindet die ewige russische „Binärgruppe“ von Heiligem und Tier, Christus und Antichrist.

Viertens wurde das „Silberne Zeitalter“ zur fruchtbarsten Bühne für Philosophie und Kulturwissenschaften. Dies ist eine buchstäblich funkelnde Kaskade von Namen, Ideen, Charakteren: N. Berdyaev, V. Rozanov, S. Bulgakov, L. Karsavin, A. Losev und andere.

Fünftens ist das „Silberne Zeitalter“ eine Ära herausragender künstlerischer Entdeckungen, neuer Richtungen, die eine beispiellose Vielfalt an Namen von Dichtern, Prosaautoren, Malern, Komponisten und Schauspielern hervorbrachte: A. Blok, A. Bely, V. Mayakovsky, M. Zwetajewa, A. Achmatowa, I. Strawinsky, A. Skrjabin, M. Chagall und viele weitere Namen.

Die russische Intelligenz spielte in der Kultur des „Silbernen Zeitalters“ eine besondere Rolle, denn sie war deren Mittelpunkt, Verkörperung und Bedeutung. In den bekannten Sammlungen „Milestones“, „Change of Milestones“, „From the Depths“ und anderen wurde die Frage nach ihrem tragischen Schicksal als soziokulturelles Problem Russlands aufgeworfen. „Wir beschäftigen uns mit einem der fatalen Themen, das den Schlüssel zum Verständnis Russlands und seiner Zukunft darstellt“, schrieb G. Fedotov aufschlussreich in seiner Abhandlung „Die Tragödie der Intelligenz“.

Das künstlerische Niveau, die Entdeckungen und Entdeckungen im russischen philosophischen Denken, in der Literatur und in der Kunst des „Silbernen Zeitalters“ gaben der Entwicklung der heimischen und Weltkultur kreative Impulse. Laut D.S. Likhachev: „Wir haben dem Westen den Beginn unseres Jahrhunderts gegeben“... Das Verständnis der Rolle des Menschen in der ihn umgebenden Welt als „göttliche“ Mission legte den Grundstein für einen grundlegend neuen Humanismus, in dem die Tragödie der Existenz im Wesentlichen durch überwunden wird der Erwerb eines neuen Sinns im Leben, eine neue Zielsetzung. Der Kulturschatz des „Silbernen Zeitalters“ birgt ein unschätzbares Potenzial für den Weg Russlands heute und morgen.

Das „Goldene Zeitalter“ wurde durch die gesamte bisherige Entwicklung der russischen Kultur vorbereitet. Seit Beginn des 19. Jahrhunderts ist in der russischen Gesellschaft ein beispiellos hoher patriotischer Aufschwung zu beobachten, der sich mit dem Ausbruch des Vaterländischen Krieges von 1812 noch verstärkte. Es trug zu einem tieferen Verständnis bei nationale Besonderheiten, Staatsbürgerschaftsentwicklung. Die Kunst interagierte aktiv mit dem öffentlichen Bewusstsein und formte es zu einem nationalen. Die Entwicklung realistischer Tendenzen und nationaler Kulturmerkmale verstärkte sich.

Ein kulturelles Ereignis von enormer Bedeutung, das zur Steigerung des nationalen Selbstbewusstseins beitrug, war das Erscheinen von „Die Geschichte des russischen Staates“ von N.M. Karamzin. Karamzin war der erste, der dies an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert am meisten spürte Hauptproblem In der russischen Kultur des kommenden 19. Jahrhunderts wird es eine Definition ihrer nationalen Selbstidentität geben.

Auf Karamzin folgte Puschkin, der das Problem der Korrelation seiner nationalen Kultur mit anderen Kulturen löste. Es folgte der „philosophische Brief“ von P.Ya. Chaadaev – Philosophie der russischen Geschichte, der die Diskussion zwischen Slawophilen und Westlern initiierte. Einer von ihnen ist kulturell originell und konzentriert sich auf die Identifizierung der tiefgreifenden Mechanismen der nationalen Kultur und die Konsolidierung der stabilsten, unveränderlichen Werte. Und die andere Meinung ist die Modernisierung, die darauf abzielt, den Inhalt der nationalen Kultur zu verändern und sie in den globalen Kulturprozess einzubeziehen.

Die Literatur nahm in der Kultur des „Goldenen Zeitalters“ einen besonderen Platz ein. Literatur ist zu einem synthetischen kulturellen Phänomen geworden und hat sich als universelle Form des sozialen Bewusstseins erwiesen, die die Mission der Sozialwissenschaften erfüllt.

Mitte des 19. Jahrhunderts wurde die russische Kultur im Westen immer bekannter. N.I. Lobatschewski, der den Grundstein für moderne Vorstellungen über die Struktur des Universums legte, wurde der erste Wissenschaftler, der im Ausland berühmt wurde. P. Merimee entdeckte Puschkin in Europa. Gogols Wirtschaftsprüfer wurde in Paris ernannt. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wuchs der europäische und weltweite Ruhm der russischen Kultur, vor allem dank der Werke von Turgenjew, Leo Tolstoi und F.M. Dostojewski.

Darüber hinaus entwickelten sich im 19. Jahrhundert Malerei, Architektur und Musik.

Malerei: Repin, Savrasov, Polenov, Vrubel, Surikov, Levitan, Serov.

Architektur: Rossi, Beauvais, Gilardi, Ton, Vasnetsov.

Musik: Mussorgski, Rimski – Korsakow, Tschaikowsky.

Es ist unmöglich, die Periode des „Silbernen Zeitalters“ nicht zu übersehen, die auch den Beginn des 20. Jahrhunderts erfasste. Dies ist eine historische Zeit seit den 90er Jahren. XIX Jahrhundert bis 1922, als das „philosophische Schiff“ mit den prominentesten Vertretern der kreativen Intelligenz Russlands nach Europa aufbrach. Die Kultur des „Silbernen Zeitalters“ wurde von der westlichen Kultur, Shakespeare und Goethe, der antiken und orthodoxen Mythologie, der französischen Symbolik sowie der christlichen und asiatischen Religion beeinflusst. Gleichzeitig ist die Kultur des „Silbernen Zeitalters“ eine einzigartige russische Kultur, die sich in der Kreativität ihrer talentierten Vertreter manifestiert.

Was hat diese Zeit der russischen Weltkultur Neues gebracht?

Erstens ist dies die Mentalität eines soziokulturellen Menschen, die sich vom Denken befreit, das von Politik und Sozialität als Klischeekanon durchdrungen ist, der einen daran hindert, frei und individuell zu denken und zu fühlen. Das Konzept des Philosophen V. Solovyov, der die Notwendigkeit einer aktiven Zusammenarbeit zwischen Mensch und Gott fordert, wird zur Grundlage einer neuen Weltanschauung eines Teils der Intelligenz. Dieses Streben richtet sich an den Gottmenschen und strebt nach innerer Integrität, Einheit, Gutem, Schönheit und Wahrheit.

Zweitens ist das „Silberne Zeitalter“ der russischen Philosophie eine Zeit der Ablehnung von „ soziale Person", die Ära des Individualismus, das Interesse an den Geheimnissen der Psyche, die Dominanz des mystischen Prinzips in der Kultur.

Drittens zeichnet sich das „Silberne Zeitalter“ durch den Kult der Kreativität als einzige Möglichkeit eines Durchbruchs zu neuen transzendentalen Realitäten aus und überwindet das ewige russische „Binär“ – das Heilige und das Bestialische, Christus und Antichrist.

Viertens ist Renaissance ein nicht zufälliger Begriff für diese soziokulturelle Ära. Die Geschichte hat ihre „zentrale“ Bedeutung für die Mentalität der Zeit, ihre Erkenntnisse und Vorhersagen hervorgehoben. Das „Silberne Zeitalter“ wurde zur fruchtbarsten Etappe für Philosophie und Kulturwissenschaften.

Dies ist eine buchstäblich funkelnde Kaskade von Namen, Ideen, Charakteren: N. Berdyaev, V. Rozanov, S. Bulgakov, L. Karsavin, A. Losev und andere.

Fünftens ist das „Silberne Zeitalter“ eine Ära herausragender künstlerischer Entdeckungen, neuer Richtungen, die eine beispiellose Vielfalt an Namen von Dichtern, Prosaautoren, Malern, Komponisten und Schauspielern hervorbrachten. A. Blok, A. Bely, V. Mayakovsky, M. Tsvetaeva, A. Akhmatova, I. Strawinsky, A. Skrjabin, M. Chagall und viele weitere Namen.

Die russische Intelligenz spielte in der Kultur des „Silbernen Zeitalters“ eine besondere Rolle, denn sie war deren Mittelpunkt, Verkörperung und Bedeutung. In den bekannten Sammlungen „Milestones“, „Change of Milestones“, „From the Depths“ und anderen wurde die Frage nach ihrem tragischen Schicksal als soziokulturelles Problem Russlands aufgeworfen. „Wir beschäftigen uns mit einem der fatalen Themen, das den Schlüssel zum Verständnis Russlands und seiner Zukunft darstellt“, schrieb G. Fedotov aufschlussreich in seiner Abhandlung „Die Tragödie der Intelligenz“.

Das künstlerische Niveau, die Entdeckungen und Entdeckungen im russischen philosophischen Denken, in der Literatur und in der Kunst des „Silbernen Zeitalters“ gaben der Entwicklung der heimischen und Weltkultur kreative Impulse. Laut D.S. Likhachev: „Wir haben dem Westen den Beginn unseres Jahrhunderts gegeben“...

Das Verständnis der Rolle des Menschen in der ihn umgebenden Welt als „göttliche“ Mission legte den Grundstein für einen grundlegend neuen Humanismus, in dem die Tragödie der Existenz im Wesentlichen durch die Erlangung eines neuen Sinns im Leben, eine neue Zielsetzung überwunden wird. Der Kulturschatz des „Silbernen Zeitalters“ birgt ein unschätzbares Potenzial für den Weg Russlands heute und morgen.

Glossar:

Weltlichkeit– die Abkehr der Kultur von kirchlichen Traditionen und die Verleihung eines säkularen, bürgerlichen Charakters.

Fragen zur Kontrolle:

1. Was und wie äußerten sich die Säkularisierungstendenzen im Russischen? Kultur XVII Jahrhundert?

2. Welche positiven und negativen Folgen hatten die Reformen Peters I. für die russische Kultur?

3. Welche kulturellen Ereignisse von enormer Bedeutung trugen im 19. Jahrhundert zum Wachstum des Nationalbewusstseins bei?

4. Listen Sie die Hauptvertreter der Kunst des „Goldenen Zeitalters“ auf.

5. Was hat das „Silberne Zeitalter“ der russischen und der Weltkultur Neues gebracht?