„Kartenspieler“

Autor

Paul Cezanne

Land Frankreich
Lebensjahre 1839–1906
Stil Nachimpressionismus

Der Künstler wurde im Süden Frankreichs in der Kleinstadt Aix-en-Provence geboren, begann aber in Paris zu malen. Echter Erfolg gelang ihm nach einer persönlichen Ausstellung, die vom Sammler Ambroise Vollard organisiert wurde. 1886, 20 Jahre vor seiner Abreise, zog er an den Rand seiner Heimatstadt. Junge Künstler nannten Reisen zu ihm „eine Pilgerreise nach Aix“.

130x97 cm
1895
Preis
250 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2012
bei Privatauktion

Cezannes Arbeit ist leicht zu verstehen. Die einzige Regel des Künstlers bestand darin, das Thema oder die Handlung direkt auf die Leinwand zu übertragen, damit seine Bilder den Betrachter nicht verwirren. Cézanne vereinte in seiner Kunst zwei wichtige französische Traditionen: Klassizismus und Romantik. Mit Hilfe bunter Texturen verlieh er den Formen von Objekten eine erstaunliche Plastizität.

Die Serie von fünf Gemälden „Kartenspieler“ entstand in den Jahren 1890–1895. Ihre Handlung ist die gleiche – mehrere Leute spielen begeistert Poker. Die Werke unterscheiden sich lediglich in der Anzahl der Spieler und der Größe der Leinwand.

Vier Gemälde werden in Museen in Europa und Amerika aufbewahrt (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation und Courtauld Institute of Art), und das fünfte war bis vor kurzem eine Zierde der Privatsammlung des griechischen Milliardärsreeders Georg Embirikos. Kurz vor seinem Tod, im Winter 2011, beschloss er, es zum Verkauf anzubieten. Potenzielle Käufer von Cezannes „kostenlosem“ Werk waren der Kunsthändler William Acquavella und der weltberühmte Galerist Larry Gagosian, der dafür etwa 220 Millionen US-Dollar bot. Infolgedessen ging das Gemälde für 250 Millionen an die königliche Familie des arabischen Staates Katar. Der größte Kunstdeal in der Geschichte der Malerei wurde im Februar 2012 abgeschlossen. Dies berichtete die Journalistin Alexandra Pierce in Vanity Fair. Sie erfuhr den Preis des Gemäldes und den Namen des neuen Besitzers, und dann gelangten die Informationen in die Medien auf der ganzen Welt.

Das Arabische Museum wurde 2010 in Katar eröffnet. zeitgenössische Kunst und das Nationalmuseum von Katar. Jetzt wachsen ihre Sammlungen. Vielleicht hat der Scheich zu diesem Zweck die fünfte Version von „Die Kartenspieler“ erworben.

Am meistenteures Gemäldein der Welt

Eigentümer
Scheich Hamad
bin Khalifa al-Thani

Die al-Thani-Dynastie regiert Katar seit mehr als 130 Jahren. Vor etwa einem halben Jahrhundert wurden hier riesige Öl- und Gasvorkommen entdeckt, die Katar schlagartig zu einer der reichsten Regionen der Welt machten. Dank des Exports von Kohlenwasserstoffen verfügt dieses kleine Land über das größte Pro-Kopf-BIP. Scheich Hamad bin Khalifa al-Thani übernahm 1995 mit Unterstützung von Familienmitgliedern die Macht, während sein Vater in der Schweiz war. Das Verdienst des derzeitigen Machthabers liegt Experten zufolge in einer klaren Strategie für die Entwicklung des Landes und in der Schaffung eines erfolgreichen Staatsbildes. Katar hat jetzt eine Verfassung und einen Premierminister, und Frauen haben das Recht, bei Parlamentswahlen zu wählen. Übrigens war es der Emir von Katar, der den Nachrichtensender Al-Jazeera gründete. Die Behörden des arabischen Staates legen großen Wert auf die Kultur.

2

„Nummer 5“

Autor

Jackson Pollock

Land USA
Lebensjahre 1912–1956
Stil abstrakter Expressionismus

Jack the Sprinkler – so wurde Pollock von der amerikanischen Öffentlichkeit wegen seiner besonderen Maltechnik genannt. Der Künstler verzichtete auf Pinsel und Staffelei und goss Farbe über die Oberfläche der Leinwand oder Faserplatte, während er sich ständig um sie herum und in ihnen bewegte. Schon in jungen Jahren interessierte er sich für die Philosophie von Jiddu Krishnamurti, deren Hauptbotschaft darin besteht, dass die Wahrheit während einer freien „Ausgießung“ offenbart wird.

122x244cm
1948
Preis
140 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2006
bei einer Auktion Sotheby's

Der Wert von Pollocks Arbeit liegt nicht im Ergebnis, sondern im Prozess. Es ist kein Zufall, dass der Autor seine Kunst „Action Painting“ nannte. Mit ihm leichte Hand es wurde Amerikas größtes Kapital. Jackson Pollock mischte Farbe mit Sand, zerbrochenes Glas, sondern schrieb mit einem Stück Pappe, einem Spachtel, einem Messer, einer Schaufel. Der Künstler war so beliebt, dass es in den 1950er Jahren sogar in der UdSSR Nachahmer gab. Das Gemälde „Nummer 5“ gilt als eines der seltsamsten und teuersten der Welt. Einer der Gründer von DreamWorks, David Geffen, kaufte es für eine Privatsammlung und verkaufte es 2006 bei Sotheby's für 140 Millionen US-Dollar an den mexikanischen Sammler David Martinez. Allerdings bald Anwaltskanzlei gab im Namen ihres Kunden eine Pressemitteilung heraus, in der sie erklärte, dass David Martinez nicht der Eigentümer des Gemäldes sei. Nur eines ist sicher: Der mexikanische Finanzier hat in der Tat in letzter Zeit Werke moderner Kunst gesammelt. Es ist unwahrscheinlich, dass ihm ein so „großer Fisch“ wie Pollocks „Nummer 5“ entgangen wäre.

3

„Frau III“

Autor

Willem de Kooning

Land USA
Lebensjahre 1904–1997
Stil abstrakter Expressionismus

Der gebürtige Niederländer wanderte 1926 in die Vereinigten Staaten aus. 1948 fand die persönliche Ausstellung des Künstlers statt. Kunstkritiker schätzten die komplexen, nervösen Schwarz-Weiß-Kompositionen und erkannten ihren Autor als großen Künstler der Moderne an. Die meiste Zeit seines Lebens litt er unter Alkoholismus, doch die Freude am Schaffen neuer Kunst ist in jedem Werk spürbar. De Kooning zeichnet sich durch die Impulsivität seiner Malerei und die breiten Striche aus, weshalb das Bild manchmal nicht in die Grenzen der Leinwand passt.

121x171 cm
1953
Preis
137 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2006
bei Privatauktion

In den 1950er Jahren tauchten auf de Koonings Gemälden Frauen mit leeren Augen, riesigen Brüsten und hässlichen Gesichtszügen auf. „Frau III“ wurde letzter Job aus dieser Serie nehmen an der Auktion teil.

Seit den 1970er Jahren wurde das Gemälde im Teheraner Museum für Moderne Kunst aufbewahrt, aber nach der Einführung strenger moralischer Regeln im Land versuchte man, es loszuwerden. 1994 wurde das Werk aus dem Iran exportiert und 12 Jahre später verkaufte sein Besitzer David Geffen (derselbe Produzent, der Jackson Pollocks „Nummer 5“ verkaufte) das Gemälde für 137,5 Millionen US-Dollar an den Millionär Steven Cohen. Es ist interessant, dass Geffen ein Jahr später begann, seine Gemäldesammlung zu verkaufen. Dies führte zu vielen Gerüchten: Beispielsweise beschloss der Produzent, die Zeitung „Los Angeles Times“ zu kaufen.

In einem der Kunstforen wurde eine Meinung über die Ähnlichkeit von „Frau III“ mit dem Gemälde „Dame mit Hermelin“ von Leonardo da Vinci geäußert. Hinter dem strahlenden Lächeln und der formlosen Figur der Heldin sah der Kenner der Malerei die Anmut einer Person königlichen Blutes. Davon zeugt auch die schlecht gezeichnete Krone, die den Kopf der Frau krönt.

4

„Porträt von AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

Land Österreich
Lebensjahre 1862–1918
Stil modern

Gustav Klimt wurde als zweites von sieben Kindern in die Familie eines Graveurs hineingeboren. Drei Söhne von Ernest Klimt wurden Künstler, doch nur Gustav erlangte weltweite Berühmtheit. Die meiste Zeit seiner Kindheit verbrachte er in Armut. Nach dem Tod seines Vaters übernahm er die Verantwortung für die gesamte Familie. Zu dieser Zeit entwickelte Klimt seinen Stil. Jeder Betrachter erstarrt vor seinen Gemälden: Unter den dünnen Goldstrichen ist die offene Erotik deutlich zu erkennen.

138 x 136 cm
1907
Preis
135 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2006
bei einer Auktion Sotheby's

Das Schicksal des Gemäldes, das als „Österreichische Mona Lisa“ bezeichnet wird, könnte leicht zur Grundlage eines Bestsellers werden. Die Arbeit des Künstlers löste einen Konflikt zwischen einem ganzen Staat und einer älteren Dame aus.

So zeigt „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ eine Aristokratin, die Frau von Ferdinand Bloch. Ihr letzter Wunsch war die Schenkung des Gemäldes an die Österreichische Staatsgalerie. Bloch hob die Schenkung jedoch in seinem Testament auf und die Nazis enteigneten das Gemälde. Später kaufte die Galerie mit Mühe die Goldene Adele, doch dann erschien eine Erbin – Maria Altman, die Nichte von Ferdinand Bloch.

Im Jahr 2005 begann der vielbeachtete Prozess „Maria Altmann gegen die Republik Österreich“, in dessen Folge der Film mit ihr nach Los Angeles „abreiste“. Österreich ergriff beispiellose Maßnahmen: Es wurden Kreditverhandlungen geführt, die Bevölkerung spendete Geld für den Kauf des Porträts. Das Gute hat das Böse nie besiegt: Altman erhöhte den Preis auf 300 Millionen Dollar. Sie war zum Zeitpunkt des Verfahrens 79 Jahre alt und ging als die Person in die Geschichte ein, die Bloch-Bauers Testament zugunsten persönlicher Interessen änderte. Das Gemälde wurde von Ronald Lauder, dem Besitzer der New Gallery in New York, gekauft, wo es bis heute verbleibt. Nicht für Österreich, für ihn reduzierte Altman den Preis auf 135 Millionen Dollar.

5

"Schreien"

Autor

Edvard Münch

Land Norwegen
Lebensjahre 1863–1944
Stil Expressionismus

Munchs erstes, weltberühmtes Gemälde „Das kranke Mädchen“ (es existieren fünf Exemplare) ist der Schwester des Künstlers gewidmet, die im Alter von 15 Jahren an Tuberkulose starb. Munch interessierte sich schon immer für das Thema Tod und Einsamkeit. In Deutschland löste seine schwere, manische Malerei sogar einen Skandal aus. Doch trotz der depressiven Motive haben seine Bilder eine besondere Anziehungskraft. Nehmen wir zum Beispiel „Scream“.

73,5 x 91 cm
1895
Preis
119,992 Millionen US-Dollar
verkauft 2012
bei einer Auktion Sotheby's

Der vollständige Titel des Gemäldes lautet „Der Schrei der Natur“. Das Gesicht eines Menschen oder eines Außerirdischen drückt Verzweiflung und Panik aus – dieselben Emotionen, die der Betrachter beim Betrachten des Bildes empfindet. Einer von Schlüssel funktioniert Der Expressionismus warnt vor Themen, die in der Kunst des 20. Jahrhunderts aktuell geworden sind. Einer Version zufolge schuf der Künstler es unter dem Einfluss einer psychischen Störung, unter der er sein ganzes Leben lang litt.

Das Gemälde wurde zweimal aus verschiedenen Museen gestohlen, aber zurückgegeben. Nach dem Diebstahl leicht beschädigt, wurde „The Scream“ restauriert und konnte 2008 wieder im Munch-Museum ausgestellt werden. Für Vertreter der Popkultur wurde das Werk zu einer Inspirationsquelle: Andy Warhol erstellte eine Reihe gedruckter Kopien davon, und die Maske aus dem Film „Scream“ wurde nach dem Vorbild und Abbild des Helden des Bildes angefertigt.

Für ein Thema schrieb Munch vier Versionen des Werks: Diejenige, die sich in einer Privatsammlung befindet, ist in Pastellfarben gehalten. Der norwegische Milliardär Petter Olsen hat es am 2. Mai 2012 versteigert. Käufer war Leon Black, der für „Scream“ keinen Rekordbetrag gespart hat. Gründer von Apollo Advisors, L.P. und Lion Advisors, L.P. bekannt für seine Liebe zur Kunst. Black ist Schirmherr des Dartmouth College, des Museum of Modern Art, des Lincoln Art Center und des Metropolitan Museum of Art. Es verfügt über die größte Sammlung von Gemälden zeitgenössischer Künstler und klassischer Meister vergangener Jahrhunderte.

6

„Akt vor dem Hintergrund einer Büste und grünen Blättern“

Autor

Pablo Picasso

Land Spanien, Frankreich
Lebensjahre 1881–1973
Stil Kubismus

Er ist spanischer Herkunft, aber seinem Geist und seinem Wohnort nach ist er ein echter Franzose. Picasso eröffnete bereits im Alter von 16 Jahren sein eigenes Kunstatelier in Barcelona. Dann ging er nach Paris und verbrachte dort den größten Teil seines Lebens. Deshalb hat sein Nachname einen doppelten Akzent. Der von Picasso erfundene Stil basiert auf der Ablehnung der Idee, dass ein auf Leinwand dargestelltes Objekt nur aus einem Blickwinkel betrachtet werden kann.

130x162cm
1932
Preis
106,482 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2010
bei einer Auktion Christie's

Während seiner Arbeit in Rom lernte der Künstler die Tänzerin Olga Khokhlova kennen, die bald seine Frau wurde. Er beendete die Landstreicherei und zog mit ihr in eine luxuriöse Wohnung. Zu diesem Zeitpunkt hatte der Held bereits Anerkennung gefunden, aber die Ehe war zerstört. Einer der meisten teure Gemälde Die Welt entstand fast durch Zufall – aus großer Liebe, die, wie immer bei Picasso, nur von kurzer Dauer war. 1927 begann er sich für die junge Marie-Therese Walter zu interessieren (sie war 17 Jahre alt, er war 45). Heimlich vor seiner Frau reiste er mit seiner Geliebten in eine Stadt in der Nähe von Paris, wo er ein Porträt malte, das Marie-Therese im Bild von Daphne darstellte. Die Leinwand wurde vom New Yorker Händler Paul Rosenberg gekauft und 1951 an Sidney F. Brody verkauft. Die Brodys zeigten das Gemälde der Welt nur einmal und nur, weil der Künstler 80 Jahre alt wurde. Nach dem Tod ihres Mannes ließ Mrs. Brody das Werk im März 2010 bei Christie’s versteigern. In sechs Jahrzehnten ist der Preis um mehr als das 5.000-fache gestiegen! Ein unbekannter Sammler kaufte es für 106,5 Millionen Dollar. Im Jahr 2011 fand in Großbritannien eine „Ausstellung eines Gemäldes“ statt, wo es zum zweiten Mal ausgestellt wurde, der Name des Besitzers ist jedoch noch unbekannt.

7

„Acht Elvis“

Autor

Andy Warhol

Land USA
Lebensjahre 1928-1987
Stil
Pop-Art

„Sex und Partys sind die einzigen Orte wo man persönlich erscheinen muss“, sagte der Kult-Pop-Art-Künstler, Regisseur, einer der Gründer des Interview-Magazins und Designer Andy Warhol. Er arbeitete mit Vogue und Harper's Bazaar zusammen, entwarf Plattencover und entwarf Schuhe für die Firma I.Miller. In den 1960er Jahren erschienen Gemälde mit Symbolen Amerikas: Campbells Suppe und Coca-Cola, Presley und Monroe – was ihn zur Legende machte.

358 x 208 cm
1963
Preis
100 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2008
bei Privatauktion

Die Warhol 60er Jahre waren die Bezeichnung für die Ära der Pop-Art in Amerika. 1962 arbeitete er in Manhattan im Factory-Studio, wo sich alle Bohemiens von New York versammelten. Seine prominenten Vertreter: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote und andere berühmte Persönlichkeiten der Welt. Gleichzeitig testete Warhol die Technik des Siebdrucks – die wiederholte Wiederholung eines Bildes. Diese Methode nutzte er auch bei der Entstehung von „The Eight Elvises“: Der Betrachter scheint Filmmaterial aus einem Film zu sehen, in dem der Star zum Leben erwacht. Hier gibt es alles, was der Künstler so sehr liebte: ein Win-Win-Bild in der Öffentlichkeit, silberne Farbe und eine Vorahnung des Todes als Hauptbotschaft.

Es gibt heute zwei Kunsthändler, die Warhols Werk auf dem Weltmarkt bewerben: Larry Gagosian und Alberto Mugrabi. Ersterer gab 2008 200 Millionen Dollar aus, um mehr als 15 Werke von Warhol zu erwerben. Der zweite kauft und verkauft seine Bilder wie Weihnachtskarten, nur zu einem höheren Preis. Aber es waren nicht sie, sondern der bescheidene französische Kunstberater Philippe Segalot, der dem römischen Kunstkenner Annibale Berlinghieri half, „Acht Elvis“ für einen für Warhol rekordverdächtigen Betrag von 100 Millionen Dollar an einen unbekannten Käufer zu verkaufen.

8

"Orange,rot, gelb“

Autor

Mark Rothko

Land USA
Lebensjahre 1903–1970
Stil abstrakter Expressionismus

Einer der Schöpfer der Farbfeldmalerei wurde in Dvinsk, Russland (heute Daugavpils, Lettland) geboren große Familie Jüdischer Apotheker. 1911 wanderten sie in die USA aus. Rothko studierte an der Kunstfakultät der Yale University und gewann ein Stipendium, doch antisemitische Gefühle zwangen ihn, sein Studium abzubrechen. Trotz allem vergötterten Kunstkritiker den Künstler und Museen verfolgten ihn sein ganzes Leben lang.

206 x 236 cm
1961
Preis
86,882 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2012
bei einer Auktion Christie's

Rothkos erste künstlerische Experimente waren surrealistisch orientiert, doch im Laufe der Zeit vereinfachte er die Handlung zu Farbflecken und beraubte sie dadurch jeglicher Objektivität. Anfangs hatten sie helle Farbtöne, in den 1960er-Jahren wurden sie braun und violett und verdichteten sich bis zum Tod des Künstlers zu Schwarz. Mark Rothko warnte davor, in seinen Bildern nach einer Bedeutung zu suchen. Der Autor wollte genau das sagen, was er sagte: nur die Farbe, die sich in der Luft auflöst, und nichts weiter. Er empfahl, die Werke aus einem Abstand von 45 cm zu betrachten, damit der Betrachter wie in einen Trichter in die Farbe „gezogen“ werde. Seien Sie vorsichtig: Das Betrachten nach allen Regeln kann zur Wirkung der Meditation führen, das heißt, das Bewusstsein der Unendlichkeit, das völlige Eintauchen in sich selbst, Entspannung und Reinigung stellen sich allmählich ein. Die Farbe in seinen Gemälden lebt, atmet und hat eine starke emotionale Wirkung (man sagt, manchmal heilend). Der Künstler erklärte: „Der Betrachter sollte beim Betrachten weinen“, und solche Fälle kamen tatsächlich vor. Nach Rothkos Theorie erleben die Menschen in diesem Moment die gleiche spirituelle Erfahrung wie er, als er an dem Gemälde arbeitete. Wenn Sie es auf einer so subtilen Ebene verstehen konnten, werden Sie nicht überrascht sein, dass diese Werke der abstrakten Kunst von Kritikern oft mit Ikonen verglichen werden.

Das Werk „Orange, Rot, Gelb“ bringt die Essenz der Malerei von Mark Rothko zum Ausdruck. Der Erstpreis bei der Christie’s-Auktion in New York liegt bei 35–45 Millionen US-Dollar. Ein unbekannter Käufer bot einen Preis an, der doppelt so hoch war wie der Schätzwert. Der Name des glücklichen Besitzers des Gemäldes wird, wie so oft, nicht bekannt gegeben.

9

"Triptychon"

Autor

Francis Bacon

Land
Vereinigtes Königreich
Lebensjahre 1909–1992
Stil Expressionismus

Die Abenteuer von Francis Bacon, einem vollständigen Namensvetter und entfernten Nachkommen des großen Philosophen, begannen, als sein Vater ihn verstieß, da er die homosexuellen Neigungen seines Sohnes nicht akzeptieren konnte. Bacon ging zunächst nach Berlin, dann nach Paris, und dann verwirrten sich seine Spuren in ganz Europa. Zu seinen Lebzeiten wurden seine Werke in führenden Kulturzentren der Welt ausgestellt, darunter im Guggenheim-Museum und in der Tretjakow-Galerie.

147,5x198 cm (jeweils)
1976
Preis
86,2 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2008
bei einer Auktion Sotheby's

Renommierte Museen versuchten, Bacons Gemälde zu besitzen, aber das kultivierte englische Publikum hatte es nicht eilig, für solche Kunstwerke Geld auszugeben. Die legendäre britische Premierministerin Margaret Thatcher sagte über ihn: „Der Mann, der diese schrecklichen Bilder malt.“

Der Künstler selbst betrachtete die Nachkriegszeit als Ausgangspunkt seines Schaffens. Nach seiner Rückkehr aus dem Dienst widmete er sich wieder der Malerei und schuf bedeutende Meisterwerke. Vor der Teilnahme an „Triptychon, 1976“ war Bacons teuerstes Werk „Studie für ein Porträt von Papst Innozenz X.“ (52,7 Millionen US-Dollar). In „Triptychon, 1976“ schilderte der Künstler die mythische Handlung der Verfolgung des Orestes durch die Furien. Natürlich ist Orestes Bacon selbst und die Furien sind seine Qual. Das Gemälde befand sich mehr als 30 Jahre lang in einer Privatsammlung und nahm nicht an Ausstellungen teil. Diese Tatsache verleiht ihm einen besonderen Wert und erhöht dementsprechend die Kosten. Aber was sind schon ein paar Millionen für einen Kunstkenner, und noch dazu eine großzügige? Roman Abramovich begann in den 1990er Jahren mit dem Aufbau seiner Sammlung, wobei er maßgeblich von seiner Freundin Dasha Zhukova beeinflusst wurde, die im modernen Russland zu einer modischen Galeristin wurde. Inoffiziellen Angaben zufolge besitzt der Geschäftsmann persönlich Werke von Alberto Giacometti und Pablo Picasso, die für einen Betrag von über 100 Millionen US-Dollar erworben wurden. Im Jahr 2008 wurde er Eigentümer des Triptychons. Im Jahr 2011 wurde übrigens ein weiteres wertvolles Werk von Bacon erworben – „Drei Skizzen für ein Porträt von Lucian Freud“. Versteckte Quellen besagen, dass Roman Arkadjewitsch erneut der Käufer wurde.

10

„Teich mit Seerosen“

Autor

Claude Monet

Land Frankreich
Lebensjahre 1840–1926
Stil Impressionismus

Der Künstler gilt als Begründer des Impressionismus, der diese Methode in seinen Leinwänden „patentierte“. Das erste bedeutende Werk war das Gemälde „Mittagessen im Gras“ (die Originalversion des Werks von Edouard Manet). In seiner Jugend zeichnete er Karikaturen und echte Malerei nahm während seiner Reisen entlang der Küste und im Freien auf. In Paris führte er einen böhmischen Lebensstil und gab ihn auch nach seinem Militärdienst nicht auf.

210x100 cm
1919
Preis
80,5 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2008
bei einer Auktion Christie's

Monet war nicht nur ein großartiger Künstler, sondern auch ein begeisterter Gärtner und liebte Wildtiere und Blumen. In seinen Landschaften ist der Zustand der Natur augenblicklich, Objekte scheinen durch die Bewegung der Luft verschwommen zu sein. Der Eindruck wird durch große Striche verstärkt; ab einer gewissen Entfernung werden sie unsichtbar und verschmelzen zu einem strukturierten, dreidimensionalen Bild. In den Gemälden des späten Monet nimmt das Thema Wasser und das Leben darin einen besonderen Platz ein. In der Stadt Giverny besaß der Künstler einen eigenen Teich, in dem er Seerosen aus Samen züchtete, die er eigens aus Japan mitgebracht hatte. Als ihre Blumen blühten, begann er zu zeichnen. Die Serie „Seerosen“ besteht aus 60 Werken, die der Künstler in fast 30 Jahren, bis zu seinem Tod, gemalt hat. Mit zunehmendem Alter verschlechterte sich sein Sehvermögen, aber er hörte damit nicht auf. Je nach Wind, Jahreszeit und Wetter veränderte sich das Erscheinungsbild des Teiches ständig und Monet wollte diese Veränderungen einfangen. Durch sorgfältige Arbeit gelangte er zum Verständnis des Wesens der Natur. Einige der Gemälde der Serie werden in führenden Galerien der Welt aufbewahrt: dem Nationalmuseum für westliche Kunst (Tokio) und der Orangerie (Paris). Eine Version des nächsten „Teichs mit Seerosen“ ging für einen Rekordpreis in die Hände eines unbekannten Käufers.

11

Falscher Stern T

Autor

Jasper Johns

Land USA
Geburtsjahr 1930
Stil Pop-Art

Im Jahr 1949 besuchte Jones die Designschule in New York. Zusammen mit Jackson Pollock, Willem de Kooning und anderen gilt er als einer der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts. 2012 erhielt er die Presidential Medal of Freedom, die höchste zivile Auszeichnung in den Vereinigten Staaten.

137,2 x 170,8 cm
1959
Preis
80 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2006
bei Privatauktion

Wie Marcel Duchamp arbeitete Jones mit realen Objekten und stellte sie in voller Übereinstimmung mit dem Original auf Leinwand und in Skulpturen dar. Für seine Werke verwendete er einfache und verständliche Gegenstände: eine Bierflasche, eine Fahne oder Karten. Im Film False Start gibt es keine klare Komposition. Der Künstler scheint mit dem Betrachter zu spielen, indem er die Farben im Gemälde oft „falsch“ benennt und damit den eigentlichen Farbbegriff umkehrt: „Ich wollte einen Weg finden, Farbe so darzustellen, dass sie mit einer anderen Methode bestimmt werden kann.“ Sein laut Kritikern explosivstes und „unsicherstes“ Gemälde wurde von einem unbekannten Käufer erworben.

12

„Sitzendnacktauf dem Sofa“

Autor

Amedeo Modigliani

Land Italien, Frankreich
Lebensjahre 1884–1920
Stil Expressionismus

Modigliani war seit seiner Kindheit oft krank; während eines fieberhaften Deliriums erkannte er seine Bestimmung als Künstler. Er studierte Zeichnen in Livorno, Florenz und Venedig und ging 1906 nach Paris, wo seine Kunst aufblühte.

65x100 cm
1917
Preis
68,962 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2010
bei einer Auktion Sotheby's

Im Jahr 1917 lernte Modigliani die 19-jährige Jeanne Hébuterne kennen, die sein Vorbild und dann seine Frau wurde. Im Jahr 2004 wurde eines ihrer Porträts für 31,3 Millionen US-Dollar verkauft, der letzte Rekord vor dem Verkauf von Nude Seated on a Sofa im Jahr 2010. Das Gemälde wurde von einem unbekannten Käufer zum für Modigliani derzeit höchsten Preis erworben. Der aktive Verkauf von Werken begann erst nach dem Tod des Künstlers. Er starb in Armut, erkrankte an Tuberkulose, und am nächsten Tag beging auch Jeanne Hébuterne, die im neunten Monat schwanger war, Selbstmord.

13

„Adler auf einer Kiefer“

Autor

Qi Baishi

Land China
Lebensjahre 1864–1957
Stil Guohua

Das Interesse an der Kalligraphie führte Qi Baishi zur Malerei. Im Alter von 28 Jahren wurde er Schüler des Künstlers Hu Qingyuan. Das chinesische Kulturministerium verlieh ihm den Titel „Großer Künstler des chinesischen Volkes“ und 1956 erhielt er den Internationalen Friedenspreis.

10x26 cm
1946
Preis
65,4 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2011
bei einer Auktion China Guardian

Qi Baishi interessierte sich für jene Erscheinungsformen der umgebenden Welt, denen viele keine Bedeutung beimessen, und das ist seine Größe. Ein Mann ohne Bildung wurde Professor und ein herausragender Schöpfer der Geschichte. Pablo Picasso sagte über ihn: „Ich habe Angst, in Ihr Land zu gehen, weil es in China Qi Baishi gibt.“ Die Komposition „Adler auf einer Kiefer“ gilt als das größte Werk des Künstlers. Zusätzlich zur Leinwand enthält es zwei Hieroglyphenrollen. Für China stellt der Kaufpreis des Werkes einen Rekordwert dar – 425,5 Millionen Yuan. Allein die Schriftrolle des antiken Kalligraphen Huang Tingjian wurde für 436,8 Millionen verkauft.

14

„1949-A-Nr. 1“

Autor

Clyfford Still

Land USA
Lebensjahre 1904–1980
Stil abstrakter Expressionismus

Im Alter von 20 Jahren besuchte ich das Metropolitan Museum of Art in New York und war enttäuscht. Später meldete er sich für einen Kurs bei der Student Arts League an, verließ ihn aber 45 Minuten nach Kursbeginn – es stellte sich heraus, dass der Kurs „nichts für ihn“ war. Die erste Einzelausstellung löste Resonanz aus, der Künstler fand sich selbst und damit Anerkennung

79x93 cm
1949
Preis
61,7 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2011
bei einer Auktion Sotheby's

Still vermachte alle seine Werke, mehr als 800 Leinwände und 1.600 Arbeiten auf Papier, einer amerikanischen Stadt, wo ein nach ihm benanntes Museum eröffnet werden soll. Denver wurde zu einer solchen Stadt, aber allein der Bau war für die Behörden teuer, und um ihn fertigzustellen, wurden vier Werke versteigert. Es ist unwahrscheinlich, dass Stills Werke noch einmal versteigert werden, was ihren Preis bereits im Vorfeld erhöht hat. Das Gemälde „1949-A-No.1“ wurde für den Künstler für einen Rekordpreis verkauft, obwohl Experten den Verkauf auf maximal 25–35 Millionen Dollar prognostizierten.

15

„Suprematistische Komposition“

Autor

Kasimir Malewitsch

Land Russland
Lebensjahre 1878–1935
Stil Suprematismus

Malewitsch studierte Malerei an der Kiewer Kunstschule und anschließend an der Moskauer Akademie der Künste. Im Jahr 1913 begann er, abstrakte geometrische Gemälde in einem Stil zu malen, den er Suprematismus (aus dem Lateinischen für „Dominanz“) nannte.

71x 88,5 cm
1916
Preis
60 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2008
bei einer Auktion Sotheby's

Das Gemälde wurde etwa 50 Jahre lang im Amsterdamer Stadtmuseum aufbewahrt, doch nach einem 17-jährigen Streit mit Malewitschs Verwandten verschenkte das Museum es. Der Künstler malte dieses Werk im selben Jahr wie das „Manifest des Suprematismus“, weshalb Sotheby’s bereits vor der Auktion bekannt gab, dass es nicht für weniger als 60 Millionen US-Dollar in eine Privatsammlung gelangen würde. Und so geschah es. Besser ist es, es von oben zu betrachten: Die Figuren auf der Leinwand ähneln einer Luftaufnahme der Erde. Übrigens haben dieselben Verwandten einige Jahre zuvor eine weitere „Suprematistische Komposition“ aus dem MoMA Museum enteignet, um sie bei der Phillips-Auktion für 17 Millionen Dollar zu verkaufen.

16

„Badende“

Autor

Paul Gauguin

Land Frankreich
Lebensjahre 1848–1903
Stil Nachimpressionismus

Bis zu seinem siebten Lebensjahr lebte der Künstler in Peru, kehrte dann mit seiner Familie nach Frankreich zurück, doch Kindheitserinnerungen trieben ihn ständig zum Reisen. In Frankreich begann er zu malen und freundete sich mit Van Gogh an. Er verbrachte sogar mehrere Monate mit ihm in Arles, bis Van Gogh ihm während eines Streits das Ohr abschnitt.

93,4 x 60,4 cm
1902
Preis
55 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2005
bei einer Auktion Sotheby's

Im Jahr 1891 organisierte Gauguin einen Verkauf seiner Gemälde, um mit dem Erlös eine Reise tief in die Insel Tahiti unternehmen zu können. Dort schuf er Werke, in denen die subtile Verbindung zwischen Natur und Mensch spürbar wird. Gauguin lebte in einer strohgedeckten Hütte und auf seinen Leinwänden erblühte ein tropisches Paradies. Seine Frau war die 13-jährige Tahitianerin Tehura, was den Künstler jedoch nicht davon abhielt, promiskuitive Beziehungen einzugehen. Er erkrankte an Syphilis und reiste nach Frankreich. Allerdings war es dort für Gauguin überfüllt und er kehrte nach Tahiti zurück. Diese Zeit wird als „zweiter Tahitianer“ bezeichnet – damals entstand das Gemälde „Badende“, eines der luxuriösesten seiner Werke.

17

„Narzissen und Tischdecke in Blau- und Rosatönen“

Autor

Henri Matisse

Land Frankreich
Lebensjahre 1869–1954
Stil Fauvismus

Im Jahr 1889 erlitt Henri Matisse einen Anfall einer Blinddarmentzündung. Als er sich von der Operation erholte, kaufte ihm seine Mutter Farben. Zunächst kopierte Matisse aus Langeweile Farbpostkarten, dann kopierte er Werke großer Maler, die er im Louvre sah, und entwickelte zu Beginn des 20. Jahrhunderts einen Stil – den Fauvismus.

65,2 x 81 cm
1911
Preis
46,4 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2009
bei einer Auktion Christie's

Gemälde „Narzissen und Tischdecke in Blau und Rosatöne» gehörte lange Zeit Yves Saint Laurent. Nach dem Tod des Couturiers gelangte seine gesamte Kunstsammlung in die Hände seines Freundes und Liebhabers Pierre Berger, der beschloss, sie bei Christie’s zur Versteigerung zu bringen. Die Perle der verkauften Sammlung war das Gemälde „Narzissen und eine Tischdecke in Blau- und Rosatönen“, gemalt auf einer gewöhnlichen Tischdecke statt auf Leinwand. Als Beispiel des Fauvismus ist es von der Energie der Farbe erfüllt, die Farben scheinen zu explodieren und zu schreien. Aus der berühmten Serie von Gemälden auf Tischdecken ist dieses Werk heute das einzige, das sich in einer Privatsammlung befindet.

18

„Schlafendes Mädchen“

Autor

RoyLee

Htenstein

Land USA
Lebensjahre 1923–1997
Stil Pop-Art

Der in New York geborene Künstler ging nach seinem Schulabschluss nach Ohio, wo er Kunstkurse belegte. 1949 erlangte Liechtenstein seinen Magistertitel Schöne Künste. Sein Interesse für Comics und seine Fähigkeit zur Ironie machten ihn zum Kultkünstler des letzten Jahrhunderts.

91x91cm
1964
Preis
44,882 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2012
bei einer Auktion Sotheby's

Eines Tages fiel Lichtenstein Kaugummi in die Hände. Er zeichnete das Bild aus der Einlage neu auf Leinwand und wurde berühmt. Diese Geschichte aus seiner Biografie enthält die gesamte Botschaft der Pop-Art: Konsum ist der neue Gott, und in einer Kaugummiverpackung steckt nicht weniger Schönheit als in der Mona Lisa. Seine Gemälde erinnern an Comics und Cartoons: Lichtenstein vergrößerte einfach das fertige Bild, zeichnete Raster, verwendete Siebdruck und Siebdruck. Das Gemälde „Schlafendes Mädchen“ gehörte fast 50 Jahre lang den Sammlern Beatrice und Philip Gersh, deren Erben es versteigerten.

19

"Sieg. Boogie-Woogie“

Autor

Piet Mondrian

Land Niederlande
Lebensjahre 1872–1944
Stil Neoplastizismus

Als der Künstler 1912 nach Paris zog, änderte er seinen richtigen Namen Cornelis in Mondrian. Zusammen mit dem Künstler Theo van Doesburg gründete er die Neoplastizismus-Bewegung. Die Programmiersprache Piet ist nach Mondrian benannt.

27x127 cm
1944
Preis
40 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 1998
bei einer Auktion Sotheby's

Der „musikalischste“ Künstler des 20. Jahrhunderts lebte von Aquarellstillleben, obwohl er als neoplastischer Künstler berühmt wurde. In den 1940er Jahren zog er in die USA und verbrachte dort den Rest seines Lebens. Jazz und New York haben ihn am meisten inspiriert! Gemälde „Sieg. „Boogie-Woogie“ ist das beste Beispiel dafür. Die charakteristischen sauberen Quadrate wurden mit Klebeband, Mondrians Lieblingsmaterial, erzielt. In Amerika wurde er als „der berühmteste Einwanderer“ bezeichnet. In den sechziger Jahren brachte Yves Saint Laurent weltberühmte „Mondrian“-Kleider mit großen Karomustern heraus.

20

„Komposition Nr. 5“

Autor

WassiliKandinsky

Land Russland
Lebensjahre 1866–1944
Stil Avantgarde

Der Künstler wurde in Moskau geboren und sein Vater stammte aus Sibirien. Nach der Revolution versuchte er, mit ihm zusammenzuarbeiten Sowjetmacht, erkannte aber bald, dass die Gesetze des Proletariats nicht für ihn geschaffen waren, und emigrierte nicht ohne Schwierigkeiten nach Deutschland.

275 x 190 cm
1911
Preis
40 Millionen Dollar
verkauft im Jahr 2007
bei einer Auktion Sotheby's

Kandinsky war einer der ersten, der die Objektmalerei völlig aufgab, wofür er den Titel eines Genies erhielt. Während des Nationalsozialismus galten seine Bilder in Deutschland als „entartete Kunst“ und wurden nirgendwo ausgestellt. 1939 nahm Kandinsky die französische Staatsbürgerschaft an und nahm in Paris ungehindert daran teil künstlerischer Prozess. Seine Bilder „klingen“ wie Fugen, weshalb viele als „Kompositionen“ bezeichnet werden (die erste entstand 1910, die letzte 1939). „Komposition Nr. 5“ ist eines der Schlüsselwerke dieses Genres: „Das Wort „Komposition“ klang für mich wie ein Gebet“, sagte der Künstler. Im Gegensatz zu vielen seiner Anhänger plante er, was er auf einer riesigen Leinwand darstellen würde, als würde er Notizen schreiben.

21

„Studie einer Frau in Blau“

Autor

Fernand Léger

Land Frankreich
Lebensjahre 1881–1955
Stil Kubismus-Postimpressionismus

Leger erhielt Architekturausbildung, und war dann Student an der Schule der Schönen Künste in Paris. Der Künstler verstand sich als Anhänger Cezannes, war ein Apologet des Kubismus und war im 20. Jahrhundert auch als Bildhauer erfolgreich.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
Preis
39,2 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2008
bei einer Auktion Sotheby's

David Norman, Präsident der internationalen Abteilung für Impressionismus und Moderne bei Sotheby's, hält den hohen Betrag, der für „Die Dame in Blau“ gezahlt wurde, für völlig gerechtfertigt. Das Bild gehört dazu berühmte Sammlung Leger (der Künstler malte drei Gemälde zu einem Thema, das letzte davon befindet sich heute in Privatbesitz. - Ed.), und die Oberfläche der Leinwand ist in ihrer ursprünglichen Form erhalten geblieben. Der Autor selbst schenkte dieses Werk der Galerie Der Sturm, dann gelangte es in die Sammlung von Hermann Lang, einem deutschen Sammler der Moderne, und gehört nun einem unbekannten Käufer.

22

„Straßenszene. Berlin"

Autor

Ernst LudwigKirchner

Land Deutschland
Lebensjahre 1880–1938
Stil Expressionismus

Für den deutschen Expressionismus wurde Kirchner zu einer Ikone. Allerdings warfen ihm die örtlichen Behörden einen Anhänger der „entarteten Kunst“ vor, was sich auf tragische Weise auf das Schicksal seiner Gemälde und das Leben des Künstlers auswirkte, der 1938 Selbstmord beging.

95x121 cm
1913
Preis
38,096 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2006
bei einer Auktion Christie's

Nach seinem Umzug nach Berlin fertigte Kirchner 11 Skizzen von Straßenszenen an. Er wurde von Aufruhr und Nervosität inspiriert große Stadt. Auf dem 2006 in New York verkauften Gemälde ist die Angst des Künstlers besonders deutlich zu spüren: Menschen auf einer Berliner Straße ähneln Vögeln – anmutig und gefährlich. Es war das letzte Werk der berühmten Serie, das auf einer Auktion verkauft wurde; der Rest wird in Museen aufbewahrt. 1937 wurde Kirchner von den Nazis hart behandelt: 639 seiner Werke wurden aus deutschen Galerien entfernt, zerstört oder ins Ausland verkauft. Der Künstler konnte dies nicht überleben.

23

„Urlauber“Tänzer"

Autor

Edgar Degas

Land Frankreich
Lebensjahre 1834–1917
Stil Impressionismus

Die Geschichte von Degas als Künstler begann mit seiner Arbeit als Kopist im Louvre. Er träumte davon, „berühmt und unbekannt“ zu werden, und am Ende gelang es ihm. Am Ende seines Lebens besuchte der 80-jährige Degas, taub und blind, weiterhin Ausstellungen und Auktionen.

64x59cm
1879
Preis
37,043 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2008
bei einer Auktion Sotheby's

„Ballerinas waren für mich immer nur ein Vorwand, um Stoffe darzustellen und Bewegung einzufangen“, sagte Degas. Szenen aus dem Leben der Tänzer scheinen ausspioniert worden zu sein: Die Mädchen posieren nicht für den Künstler, sondern werden einfach Teil der Atmosphäre, die Degas‘ Blick einfängt. „Resting Dancer“ wurde 1999 für 28 Millionen US-Dollar verkauft und weniger als zehn Jahre später für 37 Millionen US-Dollar gekauft – heute ist es das teuerste Werk des Künstlers, das jemals versteigert wurde. Degas legte großen Wert auf Rahmen, entwarf sie selbst und verbot deren Veränderung. Ich frage mich, welcher Rahmen auf dem verkauften Gemälde installiert ist?

24

"Malerei"

Autor

Joan Miro

Land Spanien
Lebensjahre 1893–1983
Stil abstrakte Kunst

Während des Spanischen Bürgerkriegs stand der Künstler auf der Seite der Republikaner. 1937 floh er vor dem faschistischen Regime nach Paris, wo er mit seiner Familie in Armut lebte. In dieser Zeit malte Miro das Gemälde „Helfen Sie Spanien!“ und machte damit die ganze Welt auf die Dominanz des Faschismus aufmerksam.

89x115 cm
1927
Preis
36,824 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2012
bei einer Auktion Sotheby's

Der zweite Titel des Gemäldes lautet „Blue Star“. Der Künstler malte es im selben Jahr, als er verkündete: „Ich will die Malerei töten“ und die Leinwände gnadenlos verspottete, die Farbe mit Nägeln zerkratzte, Federn auf die Leinwand klebte und die Werke mit Müll bedeckte. Sein Ziel war es, die Mythen über das Geheimnis der Malerei zu entlarven, doch nachdem er damit fertig geworden war, schuf Miro seinen eigenen Mythos – die surreale Abstraktion. Sein „Gemälde“ gehört zum Zyklus der „Traumbilder“. Bei der Auktion kämpften vier Käufer darum, doch ein Inkognito-Anruf löste den Streit und „Gemälde“ wurde zum teuersten Gemälde des Künstlers.

25

„Blaue Rose“

Autor

Yves Klein

Land Frankreich
Lebensjahre 1928–1962
Stil monochrome Malerei

Der Künstler wurde in eine Malerfamilie hineingeboren, studierte aber orientalische Sprachen, Navigation, das Handwerk eines Rahmenvergolders, Zen-Buddhismus und vieles mehr. Seine Persönlichkeit und seine frechen Possen waren um ein Vielfaches interessanter als monochrome Gemälde.

153x199x16 cm
1960
Preis
36,779 Millionen US-Dollar
2012 verkauft
bei Christie's Auktion

Die erste Ausstellung monochromatischer Werke in Gelb, Orange und Rosa erregte kein öffentliches Interesse. Klein war beleidigt und präsentierte das nächste Mal 11 identische Leinwände, bemalt mit Ultramarin, gemischt mit einem speziellen Kunstharz. Er hat diese Methode sogar patentieren lassen. Die Farbe ging als „internationales Kleinblau“ in die Geschichte ein. Der Künstler verkaufte auch Leere, schuf Gemälde, indem er Papier dem Regen aussetzte, Karton in Brand setzte und Abdrücke des Körpers einer Person auf Leinwand anfertigte. Kurz gesagt, ich habe so gut ich konnte experimentiert. Um „Blue Rose“ zu kreieren, habe ich trockene Pigmente, Harze, Kieselsteine ​​und einen Naturschwamm verwendet.

26

„Auf der Suche nach Moses“

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Land Vereinigtes Königreich
Lebensjahre 1836–1912
Stil Neoklassizismus

Sir Lawrence selbst fügte seinem Nachnamen das Präfix „alma“ hinzu, damit er in Kunstkatalogen an erster Stelle aufgeführt werden konnte. Im viktorianischen England waren seine Gemälde so gefragt, dass der Künstler zum Ritter geschlagen wurde.

213,4 x 136,7 cm
1902
Preis
35,922 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2011
bei einer Auktion Sotheby's

Das Hauptthema von Alma-Tademas Werk war die Antike. In seinen Gemälden versuchte er, die Ära des Römischen Reiches bis ins kleinste Detail darzustellen, dafür arbeitete er sogar archäologische Ausgrabungen auf der Apenninenhalbinsel, und in seinem Londoner Haus reproduzierte er die historische Innenausstattung jener Jahre. Mythologische Themen wurden für ihn zu einer weiteren Inspirationsquelle. Der zu Lebzeiten äußerst gefragte Künstler geriet nach seinem Tod schnell in Vergessenheit. Jetzt erwacht das Interesse wieder, wie der Preis des Gemäldes „Auf der Suche nach Moses“ zeigt, der siebenmal höher ist als der Vorverkaufspreis.

27

„Porträt eines schlafenden nackten Beamten“

Autor

Lucian Freud

Land Deutschland,
Vereinigtes Königreich
Lebensjahre 1922–2011
Stil figurative Malerei

Der Künstler ist der Enkel von Sigmund Freud, dem Vater der Psychoanalyse. Nach der Etablierung des Faschismus in Deutschland wanderte seine Familie nach Großbritannien aus. Freuds Werke befinden sich im Wallace Collection Museum in London, wo bisher kein zeitgenössischer Künstler ausgestellt hat.

219,1 x 151,4 cm
1995
Preis
33,6 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2008
bei einer Auktion Christie's

Während Modekünstler des 20. Jahrhunderts positive „Farbflecken an der Wand“ schufen und sie für Millionen verkauften, malte Freud äußerst naturalistische Gemälde und verkaufte sie für noch mehr. „Ich fange die Schreie der Seele und das Leiden des verblassenden Fleisches ein“, sagte er. Kritiker glauben, dass dies alles das „Erbe“ von Sigmund Freud ist. Die Gemälde wurden so aktiv ausgestellt und erfolgreich verkauft, dass Experten zu zweifeln begannen: Haben sie hypnotische Eigenschaften? Das auf einer Auktion verkaufte Porträt eines nackten schlafenden Beamten wurde laut Sun von einem Schönheitskenner und Milliardär Roman Abramovich gekauft.

28

„Violine und Gitarre“

Autor

Xein Gris

Land Spanien
Lebensjahre 1887–1927
Stil Kubismus

Geboren in Madrid, wo er die Schule für Kunst und Handwerk abschloss. 1906 zog er nach Paris und schloss sich dem Kreis der einflussreichsten Künstler seiner Zeit an: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, und arbeitete auch mit Sergej Diaghilew und seiner Truppe zusammen.

5x100 cm
1913
Preis
28,642 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2010
bei einer Auktion Christie's

Gris beschäftigte sich nach seinen eigenen Worten mit „planarer, farbiger Architektur“. Seine Bilder sind präzise durchdacht: Er hat keinen einzigen zufälligen Strich hinterlassen, was Kreativität der Geometrie ähnelt. Der Künstler schuf seine eigene Version des Kubismus, obwohl er Pablo Picasso, den Gründervater der Bewegung, großen Respekt zollte. Der Nachfolger widmete ihm sogar sein erstes Werk im kubistischen Stil, „Tribute to Picasso“. Das Gemälde „Violine und Gitarre“ gilt als herausragend im Schaffen des Künstlers. Zu seinen Lebzeiten war Gris berühmt und beliebt bei Kritikern und Kunstkritikern. Seine Werke werden in den größten Museen der Welt ausgestellt und in Privatsammlungen aufbewahrt.

29

"PorträtFelder von Eluard"

Autor

Salvador Dalí

Land Spanien
Lebensjahre 1904–1989
Stil Surrealismus

„Der Surrealismus bin ich“, sagte Dali, als er aus der Surrealistengruppe ausgeschlossen wurde. Mit der Zeit wurde er zum berühmtesten surrealistischen Künstler. Dalis Arbeiten sind überall, nicht nur in Galerien. Er war es zum Beispiel, der sich die Verpackung für Chupa Chups ausgedacht hat.

25x33 cm
1929
Preis
20,6 Millionen US-Dollar
verkauft im Jahr 2011
bei einer Auktion Sotheby's

Im Jahr 1929 besuchten der Dichter Paul Eluard und seine russische Frau Gala den großen Provokateur und Schläger Dali. Das Treffen war der Beginn einer Liebesgeschichte, die mehr als ein halbes Jahrhundert dauerte. Das Gemälde „Porträt von Paul Eluard“ entstand während dieses historischen Besuchs. „Ich hatte das Gefühl, dass mir die Verantwortung anvertraut wurde, das Gesicht des Dichters einzufangen, aus dessen Olymp ich eine der Musen gestohlen hatte“, sagte der Künstler. Bevor er Gala traf, war er Jungfrau und empfand Ekel bei dem Gedanken an Sex mit einer Frau. Die Dreiecksbeziehung existierte bis zu Eluards Tod, danach wurde daraus das Dali-Gala-Duett.

30

"Jubiläum"

Autor

Marc Chagall

Land Russland, Frankreich
Lebensjahre 1887–1985
Stil Avantgarde

Moishe Segal wurde in Witebsk geboren, emigrierte jedoch 1910 nach Paris, änderte seinen Namen und kam den führenden Avantgarde-Künstlern seiner Zeit nahe. In den 1930er Jahren, während der Machtergreifung der Nazis, reiste er mit Hilfe des amerikanischen Konsuls in die USA. Erst 1948 kehrte er nach Frankreich zurück.

80x103cm
1923
Preis
14,85 Millionen US-Dollar
1990 verkauft
bei Sotheby's Auktion

Das Gemälde „Jubiläum“ gilt als eines der besten Werke des Künstlers. Es enthält alle Merkmale seines Werkes: Die physikalischen Gesetze der Welt werden ausgelöscht, das Gefühl eines Märchens bleibt in der Szenerie des bürgerlichen Lebens erhalten und die Liebe steht im Mittelpunkt der Handlung. Chagall hat die Menschen nicht aus dem Leben gezeichnet, sondern nur aus der Erinnerung oder Fantasie. Das Gemälde „Jubiläum“ zeigt den Künstler selbst und seine Frau Bela. Das Gemälde wurde 1990 verkauft und seitdem nicht mehr versteigert. Interessanterweise beherbergt das New Yorker Museum of Modern Art MoMA genau dasselbe, nur unter dem Namen „Birthday“. Es wurde übrigens schon früher geschrieben – im Jahr 1915.

hat das Projekt vorbereitet
Tatiana Palasova
Die Bewertung wurde erstellt
gemäß der Liste www.art-spb.ru
tmn-Magazin Nr. 13 (Mai-Juni 2013)

17.3 Europäische Malerei 19. Jahrhundert

17.3.1 Französische Malerei . Die ersten beiden Jahrzehnte des 19. Jahrhunderts. in der Geschichte der französischen Malerei werden als revolutionärer Klassizismus bezeichnet. Ihr herausragender Vertreter war J.L. David (1748– 1825), dessen Hauptwerke im 18. Jahrhundert von ihm geschaffen wurden. Werke des 19. Jahrhunderts. - Das ist Arbeit mit Hofmaler Napoleons– „Napoleon am Bernhardinerpass“, „Krönung“, „Leonidas an den Thermopylen“. David ist auch Autor wunderschöner Porträts, wie zum Beispiel des Porträts von Madame Recamier. Er gründete eine große Schule von Schülern und bestimmte die Merkmale künstlerisch aus dem Empire-Stil.

Davids Schüler war J. O. Ingres (1780).– 1867), der den Klassizismus für viele Jahre in akademische Kunst verwandelte dagegen für Romantiker. Ingres – Autor von Truthful akut Porträts („L. F. Bertin“, „Madame Rivière“ usw.) und Gemälde im Stil von akademischer Klassizismus („Apotheose von Homer“, „Jupiter und Themis“).

Romantik der französischen Malerei der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts– es handelt sich um Gemälde von T. Gericault (1791 – 1824) („Das Floß der Medusa“ und „Epsom Derby usw.“) und E. Delacroix (1798 – 1863), Autor des berühmten Gemäldes „Die Freiheit führt das Volk“.

Die realistische Richtung in der Malerei der ersten Hälfte des Jahrhunderts wird durch die Werke von G. Courbet (1819) repräsentiert– 1877), Autor des Begriffs „Realismus“ und der Gemälde „Steinbrecher“ und „Begräbnis in Ornans“ sowie der Werke von J. F. Millet (1814 – 1875), Autor des Alltagslebens der Bauern und („Die Sammler“, „Der Mann mit der Hacke“, „Der Sämann“).

Ein wichtiges Phänomen der europäischen Kultur in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. war der künstlerische Stil des Impressionismus, der sich nicht nur in der Malerei, sondern auch in der Musik und anderen Bereichen verbreitete Fiktion. Und doch ist es in der Malerei entstanden.

In temporären Künsten entfaltet sich die Aktion in der Zeit. Die Malerei scheint nur einen einzigen Moment festhalten zu können. Im Gegensatz zum Kino gibt es immer einen „Rahmen“. Wie kann es Bewegung vermitteln? Einer dieser Versuche, die reale Welt in ihrer Beweglichkeit und Variabilität einzufangen, war der Versuch der Schöpfer einer Malereirichtung namens Impressionismus (vom französischen Impressionismus). Diese Bewegung brachte verschiedene Künstler zusammen, die sich wie folgt charakterisieren lassen. Impressionist ist ein Künstler, der seine Kunst vermittelt direkt Eindruck der Natur, sieht darin die Schönheit der Variabilität und Unbeständigkeit, in erzeugt ein visuelles Gefühl von hellem Sonnenlicht und einem Spiel farbiger Schatten und verwendet eine Palette reiner, ungemischter Farben, aus denen Schwarz und Grau verbannt sind.

In den Gemälden von Impressionisten wie C. Monet (1840-1926) und O. Renoir (1841-1919) in den frühen 70er Jahren des 19. Jahrhunderts. Es entsteht luftige Materie, die nicht nur eine gewisse raumfüllende Dichte, sondern auch Beweglichkeit besitzt. Sonnenlichtströme und Dampf steigen aus der feuchten Erde auf. Wasser, schmelzender Schnee, gepflügte Erde, wogendes Gras auf den Wiesen haben keine klaren, gefrorenen Umrisse. Bewegung, die früher als Bild bewegter Figuren in die Landschaft eingebracht wurde, als Folge von Handlung Naturkräfte – Der Wind, der die Wolken treibt und die Bäume wiegt, wird jetzt durch Frieden ersetzt. Aber dieser Frieden der unbelebten Materie ist eine der Formen ihrer Bewegung, die durch die Textur der Malerei selbst vermittelt wird – dynamische Striche in verschiedenen Farben, die nicht durch die starren Linien der Zeichnung eingeschränkt werden.

Der neue Malstil wurde von der Öffentlichkeit nicht sofort akzeptiert, sie warf den Künstlern vor, nicht zu malen und die von der Palette abgekratzten Farben auf die Leinwand zu werfen. Daher schienen Monets rosafarbene Kathedralen von Rouen sowohl für Betrachter als auch für Künstlerkollegen unglaubwürdig.– das Beste aus der Gemäldeserie des Künstlers („Morgen“, „Mit den ersten Sonnenstrahlen“, „Mittag“). Der Künstler ist es nicht wollte die Kathedrale in auf Leinwand darstellen verschiedene Zeiten Tag– konkurrierte er mit den Meistern der Gotik darum, den Betrachter in die Betrachtung magischer Licht- und Farbeffekte zu verwickeln. Die Fassade der Kathedrale von Rouen verbirgt, wie die meisten gotischen Kathedralen, das mystische Schauspiel der lebendigen Menschen. x vom Sonnenlicht der bunten Buntglasfenster im Innenraum. Die Beleuchtung in den Kathedralen ändert sich je nachdem, von welcher Seite die Sonne scheint, ob es bewölkt oder klar ist. Die Sonnenstrahlen, die durch die intensive blaue und rote Farbe des Buntglasglases dringen, werden gefärbt und fallen in farbigen Glanzlichtern auf den Boden.

Das Wort „Impressionismus“ verdankt seine Entstehung einem Gemälde von Monet. Dieses Gemälde war wirklich ein extremer Ausdruck der Innovation der aufkommenden Malmethode und wurde „Sonnenaufgang in Le Havre“ genannt. Der Verfasser des Gemäldekatalogs für eine der Ausstellungen schlug dem Künstler vor, es anders zu nennen, und Monet fügte „in Le Havre“ durch und fügte „Eindruck“ hinzu. Und mehrere Jahre nach dem Erscheinen seiner Werke schrieben sie, dass Monet „ein Leben offenbart, das niemand vor ihm begreifen konnte, von dem niemand etwas wusste.“ In Monets Gemälden begannen sie den beunruhigenden Geist der Geburt einer neuen Ära zu bemerken. So tauchte in seinem Werk der „Serialismus“ auf neues Phänomen Malerei. Und sie konzentrierte sich auf das Problem der Zeit. Wie bereits erwähnt, entreißt das Gemälde des Künstlers dem Leben einen „Rahmen“ mit all seiner Unvollständigkeit und Unvollständigkeit. Und dies gab der Entwicklung der Serie, die sich nacheinander ablöste, den Anstoß. Neben den Kathedralen von Rouen schafft Monet die Serie Gare Saint-Lazare, in der die Gemälde miteinander verbunden sind und sich gegenseitig ergänzen. Es war jedoch unmöglich, die „Rahmen“ des Lebens in einem einzigen Band von Eindrücken in der Malerei zusammenzufassen. Dies wurde zur Aufgabe des Kinos. Filmhistoriker glauben, dass der Grund für seine Entstehung und weite Verbreitung nicht nur technische Entdeckungen waren, sondern auch das dringende künstlerische Bedürfnis nach einem bewegten Bild. Und die Gemälde der Impressionisten, insbesondere Monet, wurden zum Symptom dieses Bedürfnisses. Es ist bekannt, dass einer der Handlungsstränge der ersten Kinovorstellung der Geschichte, die 1895 von den Brüdern Lumière organisiert wurde, „Die Ankunft eines Zuges“ war. Dampflokomotiven, ein Bahnhof und Schienen waren das Thema einer Serie von sieben Gemälden, „Gare Saint-Lazare“ von Monet, die 1877 ausgestellt wurde.

Ein herausragender impressionistischer Künstler war O. Renoir. Zu seinen Werken („Blumen“, „Junger Mann geht mit Hunden im Wald von Fontainebleau spazieren“, „Blumenvase“, „Baden in der Seine“, „Lisa mit Regenschirm“, „Dame im Boot“, „Reiter im Bois de Boulogne“, „Der Ball in Le Moulin de la Galette“, „Porträt von Jeanne Samary“ und vielen anderen) treffen die Worte des französischen Künstlers E. Delacroix „Die erste Tugend jedes Bildes“ durchaus zu- festlich sein „M für die Augen.“ Renoirs Name- ein Synonym für Schönheit und Jugend, jene Zeit im menschlichen Leben, in der geistige Frische und das Aufblühen körperlicher Stärke in völliger Harmonie sind. Er lebte in einer Zeit akuter sozialer Konflikte und ließ diese außerhalb seiner Leinwände und konzentrierte sich darauf Erwachen zu den schönen und hellen Seiten der menschlichen Existenz. Und in dieser Position war er unter den Künstlern nicht allein. Zweihundert Jahre vor ihm malte der große flämische Künstler Peter Paul Rubens Bilder eines riesigen lebensbejahenden Prinzips („Perseus und Andromeda“). Solche Bilder geben einem Menschen Hoffnung. Jeder Mensch hat das Recht auf Glück, und die Hauptbedeutung von Renoirs Kunst besteht darin, dass jedes seiner Bilder die Unantastbarkeit dieses Rechts bekräftigt.

Am Ende 19. Jahrhundert Der Postimpressionismus entstand in der europäischen Malerei. Seine Vertreter- P. Cezanne (1839 – 1906), V. Van Gogh (1853 – 1890), P. Gauguin (1848 - 1903), entnommen aus Impressionisten Reinheit der Farbe, wir suchten konstante Existenzprinzipien, verallgemeinernde Malmethoden, philosophische und symbolische Aspekte der Kreativität. Cezannes Gemälde– das sind Porträts („Raucher“), Landschaften („Ufer der Marne“), Stillleben („Stillleben mit Obstkorb“).

Van-Gogh-Gemälde- „The Huts“, „Over After the Rain“, „Prisoners‘ Walk“.

Gauguin weist Züge der weltanschaulichen Romantik auf. In den letzten Jahren seines Lebens reiste er, fasziniert vom Leben der polynesischen Stämme, die seiner Meinung nach ihre ursprüngliche Reinheit und Integrität bewahrten, auf die Inseln Polynesiens, wo er mehrere Gemälde schuf, deren Grundlage das war Primitivierung der Form, der Wunsch, sich den künstlerischen Traditionen der Eingeborenen anzunähern („Frau mit einer Frucht“, „Tahitian Pastoral“, „Wonderful Spring“).

Ein bemerkenswerter Bildhauer des 19. Jahrhunderts. war O. Rodin (1840– 1917), der in seinem Werk verband impressionistisch Romantik und Expressionismus mit realistisch sucht. Die Lebendigkeit der Bilder, das Drama, der Ausdruck eines intensiven Innenlebens, Gesten, die sich in Zeit und Raum fortsetzen (was sind). Es ist nicht möglich, diese Skulptur mit Musik und Ballett zu verknüpfen und so die Instabilität des Augenblicks einzufangen- all dies zusammen ergibt ein im Wesentlichen romantisches Bild und zwar vollständig impressionistisch Vision . Der Wunsch nach tiefen philosophischen Verallgemeinerungen („Bronzezeit“, „ „Bürger von Calais“, eine Skulptur, die dem Helden des Hundertjährigen Krieges gewidmet ist, der sich opferte, um die belagerte Stadt zu retten, Werke für die „Tore der Hölle“, darunter „Der Denker“) und den Wunsch, Momente des Absoluten zu zeigen Schönheit und Glück („Ewiger Frühling“, „Pas de -de“)– die Hauptmerkmale der Arbeit dieses Künstlers.

17.3.2 Englische Malerei. Bildende Kunst Englands in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.- das ist Landschaftsmalerei, hell Vertreter welche waren J. Constable (1776 – 1837), englischer Vorgänger Impressionisten(„Heuwagen überquert eine Furt“ und „Roggenfeld“) und U. Turner (1775 – 1851), dessen Gemälde wie „Regen, Dampf und Geschwindigkeit“ "Schiffbruch", zeichnet sich durch eine Leidenschaft für farbenfrohe Phantasmen aus.

In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts schuf F. M. Brown seine Werke (1821).– 1893), der zu Recht als „Holbein des 19. Jahrhunderts“ galt. Brown ist bekannt für seine historischen Werke (Chaucer am Hofe Eduards III. und Lear und Cordelia) sowie für seine Aktgemälde traditionelle Alltagsthemen („Last Look at England“, „Labour“).

Der kreative Verein „Präraffaeliten-Bruderschaft“ („Präraffaeliten“) entstand 1848. Obwohl der verbindende Kern die Leidenschaft für die Werke von Künstlern der Frührenaissance (vor Raffael) war, hatte jedes Mitglied dieser Bruderschaft sein eigenes Thema und ein eigenes künstlerisches Credo. Der Theoretiker der Brüderlichkeit war der englische Kulturwissenschaftler und Ästhetiker J. Ruskin, der das Konzept der Romantik in Bezug auf die Bedingungen im England der Mitte des Jahrhunderts skizzierte.

Ruskin, der in seinen Werken die Kunst mit dem allgemeinen Kulturniveau des Landes verband und in der Kunst den Ausdruck moralischer, wirtschaftlicher und sozialer Faktoren sah, versuchte die Briten davon zu überzeugen, dass die Voraussetzungen für Schönheit Bescheidenheit, Gerechtigkeit, Ehrlichkeit, Reinheit und Schlichtheit sind .

Die Präraffaeliten schufen Gemälde zu religiösen und literarischen Themen, gestalteten Bücher künstlerisch, entwickelten dekorative Kunst und versuchten, die Prinzipien des mittelalterlichen Handwerks wiederzubeleben. Den gefährlichen Trend zur dekorativen Kunst verstehen- seine Entpersonalisierung durch maschinelle Produktion, englischer Künstler, Dichter und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens W. Morris (1834 – 1896) organisierte künstlerische und industrielle Werkstätten zur Herstellung von Wandteppichen, Stoffen, Glasmalereien und anderen Haushaltsgegenständen, deren Zeichnungen verwendet wurden von ihm selbst und den präraffaelitischen Künstlern fertiggestellt.

17.3.3 Spanische Malerei. Goya . Werke von Francisco Goya (1746– 1828) gehört zu zwei Jahrhunderten – XVIII und XIX. Es war von großer Bedeutung für die Entstehung der europäischen Romantik. Kreativ uns Das Leben des Künstlers ist reich und vielfältig: Gemälde, Porträts, Grafiken, Fresken, Stiche, Radierungen.

Goya verwendet die demokratischsten Themen (Räuber, Schmuggler, Bettler, Teilnehmer an Straßenkämpfen und Spielen).- Charaktere in seinen Gemälden). Nach Erhalt im Jahr 1789 Titel von Pridv Der mündliche Künstler Goya führt eine Vielzahl von Porträts auf: den König, die Königin, Höflinge („Familie von König Karl IV.“). Der sich verschlechternde Gesundheitszustand des Künstlers führte zu einer Änderung der Thematik seiner Werke. So werden Gemälde, die von Spaß und skurriler Fantasie geprägt sind („Carnival“, „The Game of Blind Man’s Buff“), durch ersetzt voller Tragödien Leinwände („Inquisitionstribunal“, „Irrenhaus“). Und es folgen 80 Radierungen „Capriccios“, an denen der Künstler über fünf Jahre lang gearbeitet hat. Die Bedeutung vieler von ihnen ist bis heute unklar, andere wurden entsprechend den ideologischen Anforderungen ihrer Zeit interpretiert.

Mit symbolischer, allegorischer Sprache zeichnet Goya ein erschreckendes Bild des Landes um die Jahrhundertwende: Unwissenheit, Aberglaube, Engstirnigkeit der Menschen, Gewalt, Obskurantismus, Böses. Radierung „Der Schlaf der Vernunft gebiert Monster“– Schreckliche Monster umgeben eine schlafende Person, Fledermäuse, Eulen und andere böse Geister. Der Künstler selbst gibt zu seinen Werken folgende Erklärung: „Überzeugt, dass die Kritik menschlichLasterUndMissverständnisse, ObwohlUndscheintBereich der Redekunst und Poesie, auch Gegenstand einer lebendigen Beschreibung sein kann, wählte der Künstler für sein Werk aus den vielen Extravaganzen und Absurditäten, die jeder Zivilgesellschaft innewohnen, sowie aus verbreiteten Vorurteilen und Aberglauben, legitimiert durch Sitte, Unwissenheit oder Selbstbewusstsein -Interesse, diejenigen, die er für besonders geeignet hielt, sich lächerlich zu machen und gleichzeitig die eigene Fantasie anzuregen.“

17.3.4 Modern – Finale Stil europäisch Malerei XIX V . Am meisten berühmte Werke entstanden in der europäischen Malerei des 19. Jahrhunderts. Im Jugendstil gab es Werke des englischen Künstlers O. Beardsley (1872).– 1898). ErillustriertarbeitenUM. Wilde („Salome“), erstelltelegantGrafikFantasie, verzaubertganzGenerationEuropäer. NurSchwarzUndWeißwarWerkzeugez.Büber Arbeit: ein Blatt weißes Papier und eine Flasche schwarze Tinte und eine Technik, die der feinsten Spitze ähnelt („The Secret Rose Garden“, 1895). Beardsleys Illustrationen sind von japanischen Drucken und dem französischen Rokoko sowie dem dekorativen Manierismus des Jugendstils beeinflusst.

Jugendstilstil, der um 1890 entstand– 1910 jj., gekennzeichnetVerfügbarkeitWicklungLinien, erinnertLockenHaar, stilisiertBlumenUndPflanzen, SprachenFlamme. StilDasWarbreitgemeinsamUndVMalereiUndVArchitektur. DasIllustrationenEngländerByordsley, Plakate und Theaterzettel des Tschechen A. Mucha, Gemälde des Österreichers G. Klimt, Lampen und Metallprodukte von Tiffany, Architektur des Spaniers A. Gaudi.

Ein weiteres herausragendes Phänomen der Fin-de-Siècle-Moderne– norwegischKünstlerE. Münch (1863 – 1944). BerühmtMalereiMünch« Schrei (1893)– zusammengesetztTeilseingrundlegendZyklus"FriesLeben", überwelcheKünstlerhat funktioniertlangJahre. Anschließendarbeiten"Schreien"MünchwiederholtVLithographien. Malerei"Schreien"überträgtZustandextrememotionalStromspannungPerson, sieOlitserzeugt die Verzweiflung eines einsamen Menschen und seinen Schrei nach Hilfe, die ihm niemand geben kann.

Der größte Künstler Finnlands A. Galen-Kallela (1865).– 1931) VStilmodernillustriertEpos„Kalevala“. AnSpracheempirischWirklichkeites ist verbotenerzählenüber den legendären alten Mann– SchmiedIlmarinen, welchegeschmiedetHimmel, zusammengestelltFirmament, gefesseltausFeuerAdler; OMütterLemminkäinen, auferstandenseingetötetSohn; OSängerVäinämöinene, welche„summeteGoldWeihnachtsbaum", Gallel- Kallelaverwaltetaushändigennareine Kraft der alten karelischen Runen in der Sprache der Moderne.

Kunst Westeuropas erste Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Geschichte des 19. Jahrhunderts eröffnet nicht das Kalenderjahr 1801, sondern das Jahr 1789. Die Große Französische Revolution (1789-99), die die Monarchie zerstörte und eine Republik begründete, bestimmte lange Zeit die Entwicklung der europäischen Kultur. Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit. Es vergingen jedoch weniger als fünf Jahre, bis aus Freiheit Despotismus wurde, der Gleichheitsgedanke zu Massenhinrichtungen führte und im Namen der Brüderlichkeit aller Menschen Eroberungskriege geführt wurden. Und doch war die wichtigste Entdeckung des Jahrhunderts das Bewusstsein für den einzigartigen Wert des Menschen.

In der Kunst der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. zwei Richtungen konkurrierten - Neoklassizismus und Romantik. Der Aufstieg des Neoklassizismus fiel in die Jahre der Großen Französischen Revolution und der Regierungszeit Napoleons I. Dieser Stil dominierte in den ersten drei Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts die Architektur sowie die bildende und dekorative Kunst. Für die Menschen dieser Zeit war das Leben der alten Griechen und Römer nicht nur ein Schönheitsideal, sondern auch ein Modell der Welt, die sie aufzubauen versuchten. Eine neue Richtung in der europäischen Kultur - Romantik(französische Romantik) – drückte die Ansichten der jüngeren Generation aus Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert, erlebte Enttäuschung über die Binsenweisheiten der Aufklärung. Die Welt der Romantiker ist geheimnisvoll, widersprüchlich und grenzenlos; Der Künstler musste ihre Vielfalt in seinem Werk verkörpern. Haupteingang romantisches Werk- Gefühle und Vorstellungskraft des Autors. Für den romantischen Künstler gab und konnte es in der Kunst keine Gesetze geben: Schließlich wurde alles, was er schuf, in den Tiefen seiner Seele geboren.

Die einzige Regel, die er respektierte, war die Loyalität zu sich selbst und die Aufrichtigkeit der künstlerischen Sprache. Oftmals schockierten die Schöpfungen der Romantiker die Gesellschaft durch ihre völlige Ablehnung vorherrschender Geschmäcker, Nachlässigkeit und Unvollständigkeit.

Architektur In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts vollzog sich in Europa eine Stadtentwicklung in beispiellosem Ausmaß. Die meisten europäischen Hauptstädte – Paris, St. Petersburg, Berlin – haben ihr charakteristisches Aussehen erhalten; Die Rolle öffentlicher Gebäude in ihren architektonischen Ensembles nahm zu. Neoklassizismus in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. erlebte eine späte Blüte . Mitte des Jahrhunderts war die Suche nach Stil das Hauptproblem der europäischen Architektur. Aufgrund der romantischen Faszination für die Antike versuchten viele Meister, die Traditionen der Architektur der Vergangenheit wiederzubeleben – so ging es Neugotik, Neorenaissance, Neobarock . Die Bemühungen von Architekten führten oft dazu Eklektizismus

- mechanische Verbindung von Elementen unterschiedlicher Stilrichtungen, alt mit neu.

Architektur Frankreichs

Während der Großen Französischen Revolution wurde in Frankreich kein einziges dauerhaftes Bauwerk errichtet. Dies war die Ära der temporären Bauten. In der Kunst des napoleonischen Frankreichs blieb der Neoklassizismus die dominierende Rolle. Gleichzeitig erlangten die architektonischen Formen besonderen Prunk und Feierlichkeit, und der Umfang der Bauarbeiten wurde grandios. Der Neoklassizismus aus der Zeit Napoleons I. wurde Empire (französisches Empire – „Empire“) genannt. Es sollte die Größe und Macht der von General Bonaparte geschaffenen Macht symbolisieren. Napoleons wichtigstes architektonisches Unterfangen war der Wiederaufbau von Paris. (1698-1782) Gabriel Jacques Ange

- der größte Architekt Frankreichs im 18. Jahrhundert. Einer der Begründer des Neoklassizismus.

Place Louis XV (Place de la Concorde) in Paris. 1753-75

Petit Trianon in Versailles. 1762-64

Schloss Compiègne. 1751-88

Militärschule in Paris. 1751-75 Soufflo Jacques Germain (1713-1780)

Französischer Architekt.

Vertreter des Neoklassizismus. – Jean Leper, Jacques Gondoin

Französische Architekten. Die Triumphsäule auf dem Place Vendôme wurde auf Befehl Napoleons zu Ehren des Sieges errichtet Französische Truppen

in der Nähe von Austerlitz. Zuerst hieß sie „Austerlitz“, dann wurde sie in „Siegessäule“ und noch später in „Säule der Großen Armee“ umbenannt.

Triumphsäule auf dem Place Vendôme in Paris.

1806-10 Höhe 44 m; Grundbreite 3,67 m

Architektur Englands

In der Architektur Englands in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Der neugotische Stil etablierte sich. Eines seiner beeindruckendsten Beispiele war das Ensemble des Parlaments in London (von 1840-1868), Architekt Sir Charles Barry (1795-1860)

Parlament.1840-68.

Architekt Jean Francois Chalgrin .

Arc de Triomphe am Place Carousel in Paris.

1806-07 (17,6 x 10 x 14,6 m (Länge, Tiefe, Höhe)).

Architekten C. Percier, P.F.L. Fontaine.

Arc de Triomphe am Place Charles de Gaulle in Paris.

1806-37 Höhe 50 m, Breite 45 m

Der Arc de Triomphe am Place de la Carousel, auch als Eingangstor des Tuilerienpalastes bekannt, wurde auf Befehl Napoleons zum Gedenken an die großen Siege der französischen Streitkräfte errichtet. Die den Bogen schmückenden Reliefs zeigen Szenen der Siege der napoleonischen Armee bei Ulm und Austerlitz. Bis 1815 wurde der Bogen vom bronzenen Siegeswagen gekrönt, der zuvor die Fassade der Kathedrale San Marco in Venedig schmückte, dann wurde er durch eine Quadriga des Bildhauers F.J. ersetzt. Bosio.

Der Triumphbogen der Großen Armee wurde auf Befehl Napoleons im Zentrum des künftigen Place des Stars (heute Place Charles de Gaulle) zu Ehren des Sieges des französischen Kaisers in der Schlacht von Austerlitz (1805) über die vereinten Streitkräfte errichtet von Österreich und Russland. Seine Pylone in den 30er Jahren. 19. Jahrhundert waren mit skulpturalen Reliefs verziert; einschließlich der berühmten Komposition François Ruda (1784–1855) „Auftritt der Freiwilligen im Jahr 1792 (Marseillaise)“ (1833-36). Unter dem Bogen befindet sich seit 1921 das Grab des Unbekannten Soldaten, eines Teilnehmers des Ersten Weltkriegs.

Architektur Deutschlands Das größte Architekturzentrum Deutschlands in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. war Berlin. Die Entwicklung der deutschen Architekturschule dieser Zeit bestimmte maßgeblich die Arbeit zweier Meister – Karl Friedrich Schinkel (1781–1841) und Leo von Klenze (1784–1864).

Altes Museum. 1824-28 Bogen. K. F. Schinkel.

Berliner Schauspielhaus, 1819. Arch. K.F.

Neues Wachhaus.1816-18. Bogen. K. F. Schinkel.

Wender-Kirche. 1824 In Berlin. Arch. K.F. Schinkel.

Europäische Skulptur zu Beginn des 19. Jahrhunderts.

Europäische Skulptur zu Beginn des 19. Jahrhunderts erlebt kurzer Zeitraum Blütezeit Aber schon in den 20er Jahren. es mündete in Niedergang und Stagnation. Die dominanteste und fruchtbarste Der Neoklassizismus blieb der Stil. Das Interesse an der Kunst des antiken Griechenlands und des antiken Roms war weit verbreitet und der Besitz berühmter antiker Meisterwerke wurde zu einem wichtigen Thema in der internationalen Politik dieser Zeit.

Die Romantik führte ein Interesse an der Persönlichkeit in die Bildhauerei ein; Sein Einfluss wird durch zahlreiche Denkmäler für große Persönlichkeiten der Vergangenheit belegt, die in den 20er und 30er Jahren in verschiedenen europäischen Städten errichtet wurden. 19. Jahrhundert Im Allgemeinen ist Skulptur mit ihrer Verallgemeinerung künstlerische Sprache konnte die Vielfalt der Eindrücke des Lebens, das sich buchstäblich vor unseren Augen veränderte, nicht unterbringen. Die Malerei wurde zur Hauptkunst des 19. Jahrhunderts, und die Bildhauerei hatte bis in die 80er Jahre noch einen langen Weg auf dem Weg des kleinlichen und langweiligen Naturalismus vor sich. Der französische Meister Auguste Rodin erwiderte sein hohes Ziel nicht.

Canova Antonio (1757-1822) -Italienischer Bildhauer und Maler.

Thorvaldsen Bertel (1768/1770-1844)- Dänischer Bildhauer.

Schadow Johann Gottfried (1754-1850) Deutscher Bildhauer, Vertreter des Neoklassizismus.

Daedalus und Ikarus. 1777-79

Quadriga mit Siegesfigur auf dem Brandenburger Tor in Berlin. 1793

Denkmal für Nikolaus Kopernikus in Warschau. 1829-30

Theseus und der Minotaurus. 1781-83

Ganymed füttert den Adler des Zeus. 1817

Prinzessin Frederica. 1795

Malerei von Spanien Nach ihrer Blütezeit im 17. Jahrhundert erlebte die spanische Malerei einen Niedergang. Die Künstler arbeiteten unter dem Einfluss italienischer und französischer Traditionen und ihre Leinwände waren schwach und nachahmend. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. In Spanien haben Veränderungen stattgefunden. König Karl III. (1759-88) aus der französischen Bourbonen-Dynastie vertrat für seine Zeit fortschrittliche Ansichten. Seine Berater, die versuchten, das Land im Geiste der Ideen der Aufklärung zu verändern, führten Reformen durch, die die Macht der Kirche einschränkten. Zu dieser Zeit wurde Talent gebildet Francisco Goya (1746-1828) -Spanische Maler

Porträt der Herzogin von Alba. 1797

Verkäufer von Gerichten. 1778

Familie von König Karl IV. 1800

Malerei von Frankreich

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die französische Malschule festigte ihren Vorrang in der Kunst Westeuropas. Theodore Gericault und Eugene Delacroix übernahmen kreativ ihre freie Art und Farbe und bereiteten damit die Geburt des Impressionismus und damit des Ganzen vor moderne Malerei. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Der allgemein anerkannte Anführer unter den französischen Künstlern war Jacques Louis David (1748-1825) – der konsequenteste Vertreter des Neoklassizismus in der Malerei und ein sensibler Chronist seiner turbulenten Zeit. Davids Arbeit hat eine ausgeprägte journalistische Ausrichtung; der Künstler ist bestrebt, heroische Ideale durch Bilder der Antike auszudrücken

Gericault Theodore (1791-1824) - Französischer Maler und Grafiker.

Der Begründer der romantischen Bewegung in der bildenden Kunst.

Offizier der berittenen Ranger der kaiserlichen Garde,

zum Angriff gehen. 1812

Floß „Medusa“. 1818-19

Delacroix Eugene (1798-1863) - Französischer Maler und Grafiker. Leiter der romantischen Bewegung in der bildenden Kunst.

Tanger-Fanatiker. 1837-38

Freiheit führt das Volk (Freiheit auf den Barrikaden). 1830

David Jacques Louis (1746-1825) - Französischer Maler. In der vorrevolutionären Ära in Frankreich größter Vertreter sogenannten „revolutionären“ Klassizismus.

Eid der Horatier. 1784

Napoleon überquert den Bernhardiner. 1800

Ingres Dominique (1780-1867) - Französischer Maler, Zeichner und Musiker. Vertreter des französischen Neoklassizismus. Ingres ist ein brillanter Meister des Porträtgenres. Neben Porträts schuf er Gemälde zu biblischen, mythologischen, allegorischen und literarischen Themen.

Gros Jean Antoine (1771-1835) - Französischer Maler und Grafiker. Der offizielle Maler Napoleons I., der Chronist des napoleonischen Epos, der seine wichtigsten Meilensteine ​​festhielt. Er schuf Porträts und Schlachtengemälde, inspiriert vom Geist des Heldentums.

Napoleon auf dem Schlachtfeld von Eylau. 1808

Gräfin d'Haussonville 1845.

Prinzessin de Broglie. 1851-53

Malerei von Deutschland

Deutschland zu Beginn des 19. Jahrhunderts. erlebte einen gesellschaftspolitischen Aufschwung. Widerstand gegen Napoleons Eroberungen und Befreiungskrieg Das Jahr 1813 machte den deutschen Patriotismus universell und die Untertanen von dreihundert deutschen Zwergstaaten verwirklichten sich vereintes Volk. In diesen Jahren herrschte in Deutschland eine starke Faszination für das Mittelalter und das Interesse an nationaler Geschichte und Kultur nahm zu. Deutschland spielte eine herausragende Rolle in der Geschichte der Romantik – einer Bewegung in der europäischen Kultur spätes XVI II – erste Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Runge Philipp Otto (1777-1810) - Deutscher Maler, Grafiker und Kunsttheoretiker. Einer der Begründer und größten Meister der Romantik in der deutschen Malerei.

Ruhen Sie sich auf dem Weg nach Ägypten aus. 1805-06

Porträt der Frau des Künstlers. 1807

Porträt der Eltern des Künstlers mit ihren Enkelkindern. 1806

Friedrich Caspar David (1774-1840) - Deutscher Maler, Zeichner und Kupferstecher. Vertreter der Romantik. Landschaftsmaler.

Gigantische Berge. 1835

Der Tod von „Nadezhda“ im Eis. 1824

Schwebende Wolken. Um 1820

Biedermeier-Malerei Biedermeier (deutsch: Biedermeier) ist ein Stil in der Kunst Deutschlands und Österreichs, der sich in den 10-40er Jahren entwickelte. 19. Jahrhundert Seinen Namen erhielten die parodistischen humorvollen Gedichte von L. Eichrodt und A. Kussmaul, die 1855–57 veröffentlicht wurden. in einem der Münchner Magazine. Ihr fiktiver Autor, der Lehrer Gottlieb Biedermeier, ist ein bescheidener Jedermann: selbstgefällig, sentimental, glücklos, Amateur friedliches Leben und Komfort. Die Biedermeier-Malerei zeichnet sich durch ein kleines Format der Leinwände, eine sorgfältige und subtile Malweise in der Regel, einen Mangel an Handlung in den dargestellten Szenen und eine Vorliebe für kleine Details aus. Das Biedermeier meisterte die künstlerische Erfahrung der Romantik mit seiner poetischen, manchmal von Ironie geprägten Sicht auf die Welt, glättete aber gleichzeitig die Extreme dieses Stils, „domestizierte“ ihn entsprechend der Konfliktfreiheit des Durchschnittsmenschen. Biedermeier-Meister versuchten sich an Porträts, Landschaften und anderen Genres, aber der deutlichste Ausdruck des Stils war die Haushaltsmalerei.

Waldmüller Ferdinand Georg (1793-1865) Österreichischer Maler. Einer der größten Meister der europäischen Malerei der Mitte des 19. Jahrhunderts. Ein typischer Vertreter des Biedermeier.

Blumenstrauß in einem antiken Krater. Um 1840

Berglandschaft bei Mödling. 1859

Nazarener ( Deutsch Nazarener), offiziell „Die Union des heiligen Lukas“ (deutsch) Lukasbund)

- Gruppierung Deutsche und österreichische romantische Künstler des 19. Jahrhunderts, der versuchte, den Stil der Meister des Mittelalters und der Frührenaissance wiederzubeleben und sich dabei auf die Kunst des 15. Jahrhunderts zu konzentrieren. Die meisten ihrer Gemälde sind Gemälde zu christlichen, historischen oder allegorischen Themen; ihr Stil ist ein Erbe des Klassizismus und eine Reaktion darauf unter dem Einfluss der Ideologie der Romantik. Die führenden Persönlichkeiten der Bewegung waren Friedrich Overbeck und Peter Cornelius.

Johann Friedrich Overbeck ( 1789 - 1869 ) - Deutscher Künstler, Grafiker und Illustrator.

Freskenzyklus für das Bartholdi-Haus in Rom

Peter Joseph von Cornelius ( 1783 - 1867 ) - Deutscher Künstler.

Weise und törichte Jungfrauen. OK. 1813

Wirtshaus, um 1820

Malerei von England

In der englischen Malerei die akademische Schule, deren Grundlagen gelegt wurden XVIII Jahrhundert Der erste Präsident der Royal Academy of Arts, Joshua Reynolds, behielt in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts eine beherrschende Stellung. Das auffälligste Phänomen dieser Jahre war jedoch die Landschaft, die im akademischen Umfeld als zweitrangiges, unbedeutendes Genre wahrgenommen wurde. Einerseits der Wunsch nach einem realen Abbild der Welt, die Bestätigung des Eigenwerts einfacher ländlicher Landschaften und andererseits die Natur als Welt der Leidenschaften und Gewalterlebnisse – all dies fand im Werk von Englische Künstler. Die Kunst Englands trat in die Ära der Romantik ein.

William Blake (1757-1827) -Englischer Dichter, Künstler, Illustrator. Als komplexe und vieldeutige Persönlichkeit war Blake eine Ikone seiner Zeit, die Verkörperung des Geistes der Romantik.

Schöpfer des Universums.

Frontispiz zum Gedicht „Europa“. 1794

Mitleid. Um 1795

Constable John (1776-1837) - Englischer Maler. Constable stellte die gewöhnliche Landschaft in all ihrer Frische und Spontaneität dar und erweckte so die Ehrfurcht Leichtluftumgebung.

Heuwagen. 1821

Schimmel. 1819

William Turner (1775-1851) - Der englische Maler wandte sich biblischen, mythologischen und historischen Themen zu und zeigte eine Vorliebe für romantische Fantasie, für die Verkörperung des dramatischen Kampfes der Naturkräfte und für die Vermittlung ungewöhnlicher Lichteffekte.

Mol in Calais. Die Franzosen bereiten sich auf die Seefahrt vor: Ein englisches Passagierschiff kommt an. 1803

Sklavenschiff. 1840

Die letzte Reise des Schiffes „Brave“. 1838

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Großartig ausländische Künstler

XIV (14. Jahrhundert) XV (15. Jahrhundert) XVI (16. Jahrhundert) XVII (17. Jahrhundert) XVIII (18. Jahrhundert) XIX (19. Jahrhundert) XX (20. Jahrhundert)

Ausländische Künstler

Lorenzetti Ambrogio
(1319-1348)
Land: Italien

Lorenzettis Gemälde verbanden auf harmonische Weise die Traditionen der Sienaer Malerei mit ihrer Lyrik, der Allgemeingültigkeit der Formen und der vielversprechenden Raumkonstruktion, die für Giottos Kunst charakteristisch sind. Obwohl der Künstler religiöse und allegorische Themen verwendet, kommen in seinen Gemälden deutlich die Merkmale des zeitgenössischen Lebens zum Ausdruck. Die konventionelle Landschaft, die für die Gemälde der Meister des 14. Jahrhunderts charakteristisch ist, wird von Lorenzetti durch erkennbare toskanische Landschaften ersetzt. Er malt sehr realistisch Weinberge, Felder, Seen, Seehäfen, umgeben von unzugänglichen Klippen.

Eyck Van
Land: Niederlande

Die Stadt Maaseik gilt als Heimat der Gebrüder Van Eyck. Über seinen älteren Bruder Hubert sind nur wenige Informationen erhalten. Es ist bekannt, dass er es war, der mit der Arbeit am berühmten Genter Altar in der St.-Bavo-Kirche in Gent begann. Wahrscheinlich gehörte ihm auch die kompositorische Gestaltung des Altars. Den erhaltenen archaischen Teilen des Altars nach zu urteilen - „Anbetung des Lammes“, Figuren von Gottvater, Maria und Johannes dem Täufer,- Hubert kann als Meister der Übergangszeit bezeichnet werden. Seine Werke hatten viele Ähnlichkeiten mit den Traditionen der Spätgotik (abstrakte und mystische Interpretation des Themas, Konventionalität in der Raumübertragung, wenig ausgeprägtes Interesse am Menschenbild).

Ausländische Künstler

Albrecht Dürer
(1471-1528)
Land: Deutschland

Albrecht Dürer, der große deutsche Künstler, der größte Vertreter der Renaissancekultur in Deutschland. Geboren in Nürnberg in der Familie eines aus Ungarn stammenden Goldschmieds. Er studierte zunächst bei seinem Vater, dann bei dem Nürnberger Maler M. Wolgemut (1486-89). Während seiner Studienjahre und während seiner Wanderungen in Süddeutschland (1490-94), während einer Reise nach Venedig (1494-95), nahm er das Erbe des 15. Jahrhunderts auf, doch die Natur wurde zu seinem Hauptlehrer.

Bosch Hieronymus
(1450-1516)
Land: Deutschland

Bosch Hieronymus, der große niederländische Maler. Geboren in Herzogenbosch. Sein Großvater, der Bruder des Großvaters und alle fünf Onkel waren Künstler. Im Jahr 1478 heiratete Bosch den wohlhabenden Patrizier Aleid van Merwerme, dessen Familie zur höchsten Aristokratie gehörte. Aus dieser Ehe gingen keine Kinder hervor und sie verlief nicht besonders glücklich. Dennoch brachte er dem Künstler materiellen Wohlstand, und da Bosch noch nicht ganz berühmt geworden war, konnte er es sich leisten, so zu malen, wie er es wollte.

Botticelli Sandro
(1445-1510)
Land: Italien

Echter Name - Alessandro da Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, großer italienischer Maler der Renaissance. Geboren in Florenz in einer Gerberfamilie. Zunächst ging er bei einem gewissen Botticelli, einem Goldschmied, in die Lehre, von dem Alessandro Filipepi seinen Nachnamen erhielt. Doch die Leidenschaft für die Malerei zwang ihn 1459-65 dazu, bei dem berühmten Florentiner Künstler Fra Philippe Lippi zu studieren. Frühe Werke von Botticelli ( „Anbetung der Könige“, „Judith und Holofernes“ und besonders die Madonna - „Madonna Corsini“, „Madonna mit Rose“, „Madonna mit zwei Engeln“) wurden unter dessen Einfluss geschrieben.

Verrocchio Andrea
(1435-1488)
Land: Italien

Echter Name - Andrea di Michele di Francesco Cioni, ein herausragender italienischer Bildhauer. Geboren in Florenz. Er war ein berühmter Bildhauer, Maler, Zeichner, Architekt, Juwelier und Musiker. In jedem Genre etablierte er sich als Meisterinnovator und wiederholte nicht das, was seine Vorgänger taten.

Carpaccio Vittore
(ca. 1455 / 1465 - ca. 1526)
Land: Italien

Carpaccio Vittore (ca. 1455/1465 – ca. 1526) – italienischer Maler. Geboren in Venedig. Er studierte bei Gentile Bellini und wurde stark von Giovanni Bellini und teilweise von Giorgione beeinflusst. Dieser Künstler beobachtete aufmerksam die Ereignisse des modernen Lebens und verstand es, seinen religiösen Kompositionen eine lebendige Erzählung und viele Genredetails zu verleihen. Tatsächlich erstellte er eine Enzyklopädie über das Leben und die Bräuche Venedigs im 15. Jahrhundert. Über Carpaccio sagt man, dass dieser Meister „immer noch in Venedig zu Hause“ sei. Und selbst die Idee von Venedig ist untrennbar mit der Erinnerung an die grünlichen Gemälde des brillanten Zeichners und Koloristen verbunden, als wären sie durch das Meerwasser sichtbar.

Leonardo da Vinci
(1452 - 1519)
Land: Italien

Einer der Größten Italienische Künstler Während der Renaissance war Leonardo da Vinci auch ein herausragender Wissenschaftler, Denker und Ingenieur. Sein ganzes Leben lang beobachtete und studierte er die Natur – die Himmelskörper und die Gesetze ihrer Bewegung, Berge und die Geheimnisse ihres Ursprungs, Wasser und Winde, das Licht der Sonne und das Leben der Pflanzen. Auch Leonardo betrachtete den Menschen als Teil der Natur, dessen Körper physikalischen Gesetzen unterliegt und gleichzeitig als „Spiegel der Seele“ dient. Er zeigte in allem seine neugierige, aktive, rastlose Liebe zur Natur. Sie war es, die ihm half, die Gesetze der Natur zu entdecken, ihre Kräfte in den Dienst des Menschen zu stellen, sie war es, die Leonardo zum größten Künstler machte, der mit gleicher Aufmerksamkeit eine blühende Blume, eine ausdrucksstarke Geste eines Menschen und einen Nebel einfing Dunst bedeckt ferne Berge.

Michelangelo Buonarroti
(1475 - 1564)
Land: Italien

„Es wurde noch kein Mensch geboren, der wie ich so geneigt wäre, Menschen zu lieben“, schrieb der große italienische Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter Michelangelo über sich. Er schuf brillante, gigantische Werke und träumte davon, noch bedeutendere zu schaffen. Als der Künstler einmal im Marmorabbau in Carrara war, beschloss er, eine Statue aus einem ganzen Berg zu schnitzen.

Rafael Santi
(1483 - 1520)
Land: Italien

Raphael Santi, der große italienische Maler und Architekt der Hochrenaissance. Geboren in Urbino in der Familie von G. Santi, dem Hofkünstler und Dichter des Herzogs von Urbino. Den ersten Malunterricht erhielt er von seinem Vater. Nach seinem Tod zog Raphael in das Atelier von T. Viti. Im Jahr 1500 zog er nach Perugio und trat in die Werkstatt Peruginos ein, zunächst als Lehrling und dann als Gehilfe. Hier lernte er die besten Merkmale des Stils der umbrischen Malschule kennen: den Wunsch nach einer ausdrucksstarken Interpretation des Themas und die Noblesse der Formen. Bald brachte er sein Können so weit, dass es unmöglich wurde, eine Kopie vom Original zu unterscheiden.

Tizian Vecellio
(1488- 1576)
Land: Italien

Geboren in Pieve di Cadoro - kleine Stadt an der Grenze der venezianischen Besitzungen in den Alpen. Er stammte aus der Familie Vecelli, die in der Stadt sehr einflussreich war. Während des Krieges zwischen Venedig und Kaiser Maximilian leistete der Vater des Künstlers große Verdienste um die Republik St. Markus.

Ausländische Künstler

Rubens Peter Paul
(1577 - 1640)
Land: Deutschland

Rubens Peter Paul, der große flämische Maler. „Der König der Maler und der Maler der Könige“ nannten die Zeitgenossen des Flamen Rubens. In einer der schönsten Ecken Antwerpens steht noch immer „Rubens-Hughes“ – das nach eigenem Entwurf erbaute Haus und die Werkstatt des Künstlers. Von hier stammen etwa dreitausend Gemälde und viele wunderbare Zeichnungen.

Goyen Jan van
(1596-1656)
Land: Holland

Goyen Jan van ist ein niederländischer Maler. Seine Leidenschaft für die Malerei zeigte sich schon sehr früh. Im Alter von zehn Jahren begann Goyen bei den Leidener Künstlern I. Swanenburg und K. Schilperort Zeichnen zu studieren. Der Vater wollte, dass sein Sohn Glasmaler wird, aber Goyen selbst träumte davon, Landschaftsmaler zu werden, und erhielt den Auftrag, bei dem mittelmäßigen Landschaftskünstler Willem Gerrits in der Stadt Goorn zu studieren.

Segers Herkules
(1589/1590 - ca. 1638)
Land: Holland

Segers Hercules – niederländischer Landschaftsmaler und Grafiker. Er studierte in Amsterdam bei G. van Koninksloo. Von 1612 bis 1629 lebte er in Amsterdam, wo er in die Künstlerzunft aufgenommen wurde. Besuchte Flandern (ca. 1629–1630). Ab 1631 lebte und arbeitete er in Utrecht und ab 1633 in Den Haag.

Frans Hals
(ca. 1580-1666)
Land: Holland

Die entscheidende Rolle bei der Entstehung der nationalen Kunst in der frühen Entwicklungsphase der niederländischen Kunstschule spielte das Werk von Frans Hals, ihrem ersten großen Meister. Er war fast ausschließlich Porträtmaler, doch seine Kunst hatte nicht nur für die niederländische Porträtmalerei, sondern auch für die Entstehung anderer Genres eine große Bedeutung. Im Werk von Hals lassen sich drei Arten von Porträtkompositionen unterscheiden: ein Gruppenporträt, ein in Auftrag gegebenes Einzelporträt und ein Sondertypus Porträtbilder, der Genremalerei nahe, von ihm hauptsächlich in den 20er - frühen 30er Jahren gepflegt.

Velazquez Diego de Silva
(1559-1660)
Land: Spanien

Geboren in Sevilla, einem der größten Kunstzentren Spaniens Ende des 16. und Anfang des 17. Jahrhunderts. Der Vater des Künstlers stammte aus einer portugiesischen Familie, die nach Andalusien zog. Er wollte, dass sein Sohn Anwalt oder Schriftsteller wird, hielt Velazquez jedoch nicht davon ab, zu malen. Sein erster Lehrer war Pater. Herrera Sr. und dann F. Pacheco. Pachecos Tochter wurde Velazquez' Frau. In Pachecos Werkstatt war Velazquez damit beschäftigt, Köpfe nach dem Vorbild zu malen. Im Alter von siebzehn Jahren erhielt Velazquez den Meistertitel. Die Karriere des jungen Malers war erfolgreich.

Land: Spanien

El Greco
(1541-1614)
Land: Spanien

El Greco, richtiger Name - Domenico Theotokopouli, großer spanischer Maler. Geboren in einer armen, aber aufgeklärten Familie in Candia auf Kreta. Kreta war zu dieser Zeit im Besitz von Venedig. Er studierte aller Wahrscheinlichkeit nach bei lokalen Ikonenmalern, die noch immer die Traditionen des Mittelalters bewahrten Byzantinische Kunst. Um 1566 zog er nach Venedig, wo er in die Werkstatt Tizians eintrat.

Caravaggio Michelangelo Merisi
(1573-1610)
Land: Italien

Caravaggio Michelangelo Merisi, ein herausragender italienischer Maler. Der Name Caravaggio ist mit der Entstehung und Blüte der realistischen Bewegung verbunden Italienische Malerei Ende des 16. – Anfang des 17. Jahrhunderts. Das Werk dieses bemerkenswerten Meisters spielte eine große Rolle im künstlerischen Leben nicht nur Italiens, sondern auch anderer europäischer Länder. Caravaggios Kunst besticht durch ihre große künstlerische Ausdruckskraft, tiefe Wahrhaftigkeit und Humanität.

Carracci
Land: Italien

Carracci, eine Familie italienischer Maler aus Bologna im frühen 17. Jahrhundert, die Begründer des Akademismus in der europäischen Malerei. An der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert nahm in Italien als Reaktion auf den Manierismus eine akademische Bewegung in der Malerei Gestalt an. Seine Grundprinzipien wurden von den Carracci-Brüdern Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) und Annibale (1560-1609) festgelegt.

Bruegel Pieter der Ältere
(zwischen 1525 und 1530-1569)
Land: Niederlande

Wer Charles de Costers wunderbaren Roman „Die Legende vom Till Eulenspiegel“ gelesen hat, weiß, dass das gesamte Volk an der niederländischen Revolution teilnahm, am Kampf gegen die Spanier um ihre Unabhängigkeit, einem grausamen und gnadenlosen Kampf. Genau wie Eulenspiegel, der größte niederländische Künstler, Zeichner und Graveur, war einer der Begründer der realistischen niederländischen und flämischen Kunst, Pieter Bruegel der Ältere, Zeuge und Teilnehmer dieser Ereignisse.

Van Dyck Anthonys
(1599- 1641)
Land: Niederlande

Van Dyck Antonis, ein herausragender flämischer Maler. Geboren in Antwerpen in der Familie eines wohlhabenden Geschäftsmannes. Zunächst studierte er bei dem Antwerpener Maler Hendrik van Balen. 1618 trat er in die Werkstatt von Rubens ein. Ich begann meine Arbeit mit dem Kopieren seiner Gemälde. Und bald wurde er Rubens‘ wichtigster Assistent bei der Ausführung großer Aufträge. Erhielt den Titel eines Meisters der Lukasgilde in Antwerpen (1618).

Poussin Nicolas
(1594-1665)
Land: Frankreich

Poussin Nicolas (1594-1665), ein herausragender französischer Maler, ein führender Vertreter des Klassizismus. Geboren im Dorf Andely in der Normandie in der Familie eines Kleingrundbesitzers. Zunächst studierte er in seiner Heimat bei dem wenig bekannten, aber recht talentierten und kompetenten Wanderkünstler K. Varen. 1612 ging Poussin nach Paris und dort wurde J. Aallemant sein Lehrer. In Paris freundete er sich mit der italienischen Dichterin Marine an.

XVII (17. Jahrhundert)

Ausländische Künstler

Kap Albert Gerrits
(1620-1691)
Land: Holland

Cape Albert Gerrits ist ein niederländischer Maler und Radierer.

Er studierte bei seinem Vater, dem Künstler J. Cuyp. Sein künstlerischer Stil wurde unter dem Einfluss der Gemälde von J. van Goyen und S. van Ruisdael geformt. Arbeitete in Dordrecht. Cuyps frühe Werke, die den Gemälden von J. van Goyen nahe stehen, sind monochrom. Er malt hügelige Landschaften, in die Ferne verlaufende Landstraßen, arme Bauernhütten. Die Gemälde sind meist in einem einzigen gelblichen Farbton gehalten.

Ruisdael Jacob van
(1628/1629-1682)
Land: Holland

Ruisdael Jacob van (1628/1629–1682) – niederländischer Landschaftsmaler, Zeichner und Radierer. Er studierte wahrscheinlich bei seinem Onkel, dem Künstler Salomon van Ruisdael. Besuchte Deutschland (1640-1650er Jahre). Er lebte und arbeitete in Haarlem und wurde 1648 Mitglied der Malergilde. Ab 1656 lebte er in Amsterdam, 1676 erhielt er in der Schatzkammer den Grad eines Doktors der Medizin und wurde in die Liste der Amsterdamer Ärzte aufgenommen.

Rembrandt Harmens van Rijn
(1606-1669)
Land: Holland

Geboren in Leiden in einer Müllerfamilie. Die Angelegenheiten des Vaters liefen in dieser Zeit gut und er konnte seinem Sohn eine bessere Ausbildung als anderen Kindern ermöglichen. Rembrandt besuchte die Lateinschule. Ich lernte schlecht und wollte mit der Malerei beginnen. Dennoch schloss er die Schule ab und schrieb sich an der Universität Leiden ein. Ein Jahr später begann ich, Malunterricht zu nehmen. Sein erster Lehrer war J. van Swanenburg. Nachdem Rembrandt mehr als drei Jahre in seiner Werkstatt verbracht hatte, ging er nach Amsterdam Historienmaler P. Lastman. Er hatte einen starken Einfluss auf Rembrandt und brachte ihm die Kunst des Gravierens bei. Sechs Monate später (1623) kehrte Rembrandt nach Leiden zurück und eröffnete seine eigene Werkstatt.

Terborch Gerard
(1617-1681)
Land: Holland

Terborch Gerard (1617–1681), berühmter niederländischer Maler. Geboren in Zwolle in eine wohlhabende Bürgerfamilie. Sein Vater, sein Bruder und seine Schwester waren Künstler. Terborchs erste Lehrer waren sein Vater und Hendrik Averkamp. Sein Vater zwang ihn, viel zu kopieren. Sein erstes Werk schuf er im Alter von neun Jahren. Im Alter von fünfzehn Jahren ging Terborch nach Amsterdam, dann nach Haarlem, wo er unter den starken Einfluss von Pater Dr. Khalsa. Schon zu dieser Zeit war er als Meister berühmt alltägliches Genre, am liebsten gemalte Szenen aus dem Leben des Militärs – die sogenannten „Wachhäuser“.

Canalletto (Canale) Giovanni Antonio
(1697-1768)
Land: Italien

Canalettos erster Lehrer war sein Vater, der Theaterdekorateur B. Canale, dem er bei der Gestaltung von Aufführungen in den Theatern von Venedig half. Er arbeitete in Rom (1717–1720, Anfang der 1740er Jahre), Venedig (ab 1723) und London (1746–1750, 1751–1756), wo er Werke aufführte, die die Grundlage seines Schaffens bildeten. Er malte Vedotas – Stadtlandschaften, dargestellte Straßen, Gebäude, Kanäle, Boote, die auf den Meereswellen gleiten.

Magnasco Alessandro
(1667-1749)
Land: Italien

Magnasco Alessandro (1667–1749) – italienischer Maler, Genremaler und Landschaftsmaler. Er studierte bei seinem Vater, dem Künstler S. Magnasco, dann beim Mailänder Maler F. Abbiati. Sein Stil entstand unter dem Einfluss der Meister der genuesischen Malerschule, S. Rosa und J. Callot. Lebte und arbeitete in Mailand, Florenz, Genua.

Watteau Antoine
(1684-1721)
Land: Frankreich

Watteau Antoine, ein herausragender französischer Maler, mit dessen Werk eine der bedeutenden Etappen in der Entwicklung der Haushaltsmalerei in Frankreich verbunden ist. Watteaus Schicksal ist ungewöhnlich. In den Jahren, in denen er seine besten Werke schrieb, gab es weder in Frankreich noch in den Nachbarländern einen einzigen Künstler, der mit ihm konkurrieren konnte. Die Titanen des 17. Jahrhunderts erlebten Watteaus Ära nicht mehr; Diejenigen, die ihm in der Verherrlichung des 18. Jahrhunderts folgten, wurden der Welt erst nach seinem Tod bekannt. Tatsächlich sind Fragonard, Quentin de La Tour, Perronneau, Chardin, David in Frankreich, Tiepolo und Longhi in Italien, Hogarth, Reynolds, Gainsborough in England, Goya in Spanien – all dies ist die Mitte oder sogar das Ende des 18. Jahrhunderts .

Lorraine Claude
(1600-1682)
Land: Frankreich

Lorraine Claude (1600–1682) – französische Malerin. frühes Alter arbeitete in Rom als Diener von A. Tassi und wurde dann dessen Schüler. Der Künstler erhielt ab den 1630er Jahren große Aufträge; seine Kunden waren Papst Urban VIII. und Kardinal Bentivoglio. Von dieser Zeit an wurde Lorrain in römischen und französischen Kunstkennerkreisen beliebt.

XVIII (18. Jahrhundert)

Ausländische Künstler

Gainsborough Thomas
(1727- 1788)
Land: England

Gainsborough Thomas, ein herausragender englischer Maler, Schöpfer des nationalen Porträttyps. Geboren in Sudbury, Suffolk, in der Familie eines Tuchhändlers. Die malerische Umgebung der am Fluss Stour gelegenen Stadt zog Gainsborough schon seit seiner Kindheit an, der sie in seinen Kindheitsskizzen endlos darstellte. Die Leidenschaft des Jungen für das Zeichnen war so groß, dass sein Vater seinen dreizehnjährigen Sohn ohne langes Zögern zum Studium nach London schickte, das zu dieser Zeit bereits zum Zentrum des künstlerischen Lebens geworden war.

Turner Joseph Mallord William
(1775-1851)
Land: England

Turner Joseph Mallord William war ein englischer Landschaftskünstler, Maler, Zeichner und Graveur. Von 1789 bis 1793 nahm er Malunterricht bei T. Moulton (ca. 1789). studierte an der Royal Academy in London. Im Jahr 1802 wurde Turner Akademiker und 1809 Professor für akademische Kurse. Der Künstler reiste ausgiebig durch England und Wales, besuchte Frankreich und die Schweiz (1802), Holland, Belgien und Deutschland (1817) sowie Italien (1819, 1828). Sein künstlerischer Stil wurde unter dem Einfluss von C. Lorrain, R. Wilson und niederländischen Marinemalern geformt.

Johannes Vermeer aus Delft
(1632-1675)
Land: Holland

Jan Vermeer aus Delft ist ein großartiger niederländischer Künstler. Über den Künstler sind fast keine Informationen erhalten. Geboren in Delft in der Familie eines Bürgers, der ein Hotel besaß. Er stellte auch Seide her und verkaufte Gemälde. Vielleicht interessierte sich der Junge deshalb schon früh für die Malerei. Meister Karel Fabritius wurde sein Mentor. Vermeer heiratete bald Katherine Bolney, die Tochter eines wohlhabenden Bürgers, und bereits 1653 wurde er in die Lukasgilde aufgenommen.

Goya und Lucientes Francisco Josse
(1746-1828)
Land: Spanien

Eines Tages malte der kleine Francisco, der Sohn eines armen Altarvergolders aus einem Dorf in der Nähe der spanischen Stadt Saragossa, ein Schwein an die Wand seines Hauses. Ein Fremder, der vorbeikam, sah echtes Talent in der Zeichnung des Kindes und riet dem Jungen, es zu lernen. Diese Legende über Goya ähnelt denen, die über andere Meister der Renaissance erzählt werden, deren wahre Fakten über ihre Biografie unbekannt sind.

Guardi Francesco Lazzaro
(1712-1793)
Land: Italien

Guardi Francesco Lazzaro – italienischer Maler und Zeichner, Vertreter Venezianische Schule Malerei. Er studierte bei seinem älteren Bruder, dem Künstler Giovanni Antonio, in dessen Werkstatt er zusammen mit seinem jüngeren Bruder Niccolo arbeitete. Er malte Landschaften, Gemälde mit religiösen und mythologischen Themen sowie historische Kompositionen. Er arbeitete an der Schaffung dekorativer Dekorationen für die Innenräume der Theater Manin und Fenice in Venedig (1780-1790).

Vernet Claude Joseph
(1714-1789)
Land: Frankreich

Vernet Claude Joseph - Französischer Künstler. Er studierte zunächst bei seinem Vater A. Vernet, dann bei L. R. Viali in Aix und bei B. Fergioni, ab 1731 in Avignon bei F. Sovan und später in Italien bei Manglars, Pannini und Locatelli. 1734-1753. arbeitete in Rom. Während der Römerzeit widmete er viel Zeit der Arbeit in Tivoli, Neapel und an den Ufern des Tiber. Er malte Landschaften und Meerblicke („Die Küste bei Anzio“, 1743; „Blick auf die Brücke und das Schloss des Heiligen Engels“, „Ponte Rotto in Rom“, 1745 – beide im Louvre, Paris; „Wasserfall bei Tivoli“. “, 1747; „Morgen in Castellamare“, 1747, „Villa Pamphilj“, 1749, „Italienischer Hafen“, „Felsen am Meeresufer“ , 1753 – alle in der Eremitage, Sankt Petersburg). Diese Werke verblüffen durch ihre Virtuosität bei der Vermittlung der Licht-Luft-Umgebung und Beleuchtung, Authentizität und subtile Beobachtung.

Vernet Horace
(1789-1863)
Land: Frankreich

Verne Horace ist ein französischer Maler und Grafiker. Er studierte bei seinem Vater Karl Vernet. Der Künstler schreibt in der Blütezeit der Kunst der Romantik und nutzt in seinen Werken die den Romantikern innewohnenden Mittel. Er interessiert sich für eine Person mit Macht natürliche Elemente, in Extremsituationen. Vernet zeigt Krieger, die erbittert in Schlachten, Hurrikanen und Schiffbrüchen kämpfen („Seeschlacht“, 1825, Eremitage, St. Petersburg).

Delacroix Eugene
(1798 - 186)
Land: Frankreich

Geboren in Charenton in der Familie eines Präfekten. Erhielt eine hervorragende Ausbildung. Er studierte Malerei zunächst an der Schule der Schönen Künste in Paris, dann in der Werkstatt von P. Guerin (1816-22), dessen kaltes Können ihn weniger beeinflusste als die leidenschaftliche Kunst des Romantikers T. Géricault, mit dem er zusammenarbeitete in der Nähe der Schule. Eine entscheidende Rolle bei der Gestaltung des Malstils von Delacroix spielte das Kopieren der Werke alter Meister, insbesondere Rubens, Veronese und D. Velazquez. 1822 debütierte er in Talon mit einem Gemälde „Dantes Turm“(„Dante und Virgil“) basierend auf der Handlung aus dem ersten Lied von „Hölle“ („Die Göttliche Komödie“).

Gericault Theodore
(1791-1824)
Land: Frankreich

Geboren in Rouen in eine wohlhabende Familie. Er studierte in Paris am Imperial Lyceum (1806–1808). Seine Lehrer waren K.J. Berne und P.N. Guerin. Sie hatten jedoch keinen Einfluss auf die Gestaltung seines künstlerischen Stils – in der Malerei von Gericault lassen sich die Tendenzen der Kunst von A. J. Gros und J. L. David nachweisen. Der Künstler besuchte den Louvre, wo er Kopien von Werken alter Meister anfertigte; besonders die Gemälde von Rubens bewunderten ihn.

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Hiroshige Ando
(1797-1858)
Land: Japan

Geboren in Edo (heute Tokio) in der Familie eines kleinen Samurai, Ando Genemon. Sein Vater hatte die Position des Vorarbeiters der städtischen Feuerwehr inne und das Leben der Familie war recht erfolgreich. Dank einer frühen Ausbildung lernte er schnell, die Eigenschaften von Papier, Pinsel und Tinte zu verstehen. Allgemeines Niveau Das Bildungsniveau war damals recht hoch. Theater, Drucke und Ikeba-Fas gehörten zum Alltag.

Hokusai Katsushika
(1760-1849)
Land: Japan

Hokusai Katsushika ist ein japanischer Maler und Zeichner, Meister des Farbholzschnitts, Schriftsteller und Dichter. Er studierte beim Graveur Nakayama Tetsuson. Er wurde vom Künstler Shunsho beeinflusst, in dessen Werkstatt er arbeitete. Er malte Landschaften, in denen das Leben der Natur und ihre Schönheit eng mit dem Leben und Wirken des Menschen verbunden sind. Auf der Suche nach neuen Erfahrungen reiste Hokusai viel durch das Land und fertigte von allem, was er sah, Skizzen an. Der Künstler versuchte in seiner Arbeit das Problem der Beziehung zwischen dem Menschen und der ihn umgebenden Natur zu reflektieren. Seine Kunst ist durchdrungen vom Pathos der Schönheit der Welt und dem Bewusstsein für den spirituellen Anfang, den der Mensch in alles einbringt, mit dem er in Berührung kommt.

Ausländische Künstler

Bonington Richard Parkes
(1802-1828)
Land: England

Bonington Richard Parkes ist ein englischer Maler und Grafiker. Ab 1817 lebte er in Frankreich. Er studierte Malerei in Calais bei L. Francia und besuchte ab 1820 die Schule der Schönen Künste in Paris, wo sein Lehrer A. J. Gros war. 1822 begann er, seine Gemälde in den Pariser Salons auszustellen, ab 1827 nahm er an Ausstellungen der Society of Artists of Great Britain und der Royal Academy of Arts in London teil.

Ensor James
(1860-1949)
Land: Belgien

Ensor James (1860–1949) – belgischer Maler und Grafiker. Der Künstler wurde in der Hafenstadt Ostende geboren und wuchs dort auf, wo er fast sein gesamtes Leben verbrachte. Das Bild dieser Küstenstadt mit ihren engen Gassen, die von Fischern und Seeleuten bewohnt werden, mit dem jährlichen Maslenitsa-Karneval und der einzigartigen Atmosphäre des Meeres taucht oft in vielen seiner Gemälde auf.

Van Gogh Vincent
(1853- 1890)
Land: Holland

Van Gogh Vincent, der große niederländische Maler, Vertreter des Postimpressionismus. Geboren im Brabanter Dorf Groot Zundert in der Familie eines Pfarrers. Ab seinem sechzehnten Lebensjahr arbeitete er in einer Firma, die Gemälde verkaufte, und dann als Hilfslehrer an einer Privatschule in England. 1878 bekam er eine Anstellung als Prediger in einem Bergbaubezirk im Süden Belgiens.

Anker Mikael
(1849-1927)
Land: Dänemark

Anker Mikael ist ein dänischer Künstler. Er studierte an der Akademie der Künste in Kopenhagen (1871-1875) sowie in der Werkstatt des dänischen Künstlers P. Kreyer. Später studierte er in Paris in der Werkstatt von Puvis de Chavannes, aber diese Zeit spiegelte sich nicht in seiner Arbeit wider. Zusammen mit seiner Frau Anna arbeitete er in Skagen, in kleinen Fischerdörfern. In seinen Werken ist das Meer untrennbar mit Bildern von jütländischen Fischern verbunden. Der Künstler schildert Menschen in Momenten ihrer schwierigen und gefährlichen Arbeit.

Modigliani Amedeo
(1884-1920)
Land: Italien

Wie subtil und elegant Anna Achmatowa über Amedeo Modigliani sprach! Natürlich war sie eine Dichterin! Amedeo hatte Glück: Sie lernten sich 1911 in Paris kennen, verliebten sich und diese Gefühle wurden zum Eigentum der Kunstwelt und drückten sich in seinen Zeichnungen und Gedichten aus.

Eakins Thomas
(1844-1916)
Land: USA

Er studierte an der Academy of Fine Arts in Philadelphia (Pennsylvania) und an der Ecole des Beaux-Arts in Paris (1866–1869). Zur Entstehung seines künstlerischen Stils großen Einfluss beeinflusst von der Arbeit der alten spanischen Meister, die er in Madrid studierte. Seit 1870 lebte der Maler in seiner Heimat Philadelphia, wo er Lehrtätigkeiten ausübte. Schon im ersten selbständiges Arbeiten Eakins erwies sich als Realist („Max Schmit in a Boat“, 1871, Metropolitan Museum of Art, New York; „On a Sailboat“, 1874; „Sailing Boats on the Delaware“, 1874).

Kent Rockwell
(1882-1971)
Land: USA

Kent Rockwell ist ein amerikanischer Landschaftsmaler, Zeichner, Grafiker und Schriftsteller. Er studierte bei einem Vertreter der Plein-Air-Schule des Künstlers William Merritt Chace in Shinnecock auf Long Island, dann bei Robert Henry an der School of Art in New York, wo er auch die Kurse von Kenneth Miller besuchte.

Homer Winslow
(1836-1910)
Land: USA

Homer Winslow ist ein amerikanischer Maler und Zeichner. Er erhielt keine systematische Ausbildung, da er erst in seiner Jugend das Handwerk des Lithografen beherrschte. 1859-1861 besuchte die Abendzeichenschule bei Nationale Akademie Kunst in New York. Ab 1857 fertigte er Zeichnungen für Zeitschriften an Bürgerkrieg(1861-1865) arbeitete an der illustrierten Wochenzeitschrift Harpers Weekly mit, für die er realistische Zeichnungen von Kampfszenen anfertigte, die sich durch ausdrucksstarke und strenge Formen auszeichneten. 1865 wurde er Mitglied der National Academy of Arts.

Bonnard Pierre
(1867-1947)
Land: Frankreich

Bonnard Pierre – französischer Maler, Zeichner, Lithograf. Geboren in der Nähe von Paris. In seiner Jugend studierte er Jura und studierte gleichzeitig Zeichnen und Malerei an der Ecole des Beaux-Arts und der Académie Julian. Er interessierte sich für japanische Drucke. Zusammen mit den Künstlern E. Vuillard, M. Denis, P. Sérusier bildeten sie den Kern einer Gruppe, die sich „Nabi“ nannte – vom hebräischen Wort für „Prophet“. Die Mitglieder der Gruppe waren Anhänger einer Symbolik, die weniger komplex und literarisch war als die Symbolik Gauguins und seiner Anhänger.

Hochzeit Georges
(1882-1963)
Land: Frankreich

Braque Georges – französischer Maler, Kupferstecher, Bildhauer. 1897-1899 studierte an der École des Beaux-Arts in Le Havre, dann an der Ambert Academy und an der École des Beaux-Arts in Paris (1902-1903). Sein Frühwerk war vom Einfluss der Fauves, insbesondere A. Derain und A. Matisse, geprägt. In dieser Zeit wandte sich der Künstler am häufigsten dem Landschaftsgenre zu: Er malte Häfen, Meeresbuchten mit Booten und Küstengebäude.

Gauguin Paul
(1848-1903)
Land: Frankreich

Gauguin Paul (1848-1903), herausragender französischer Künstler. Vertreter des Impressionismus. Geboren in Paris. Sein Vater war Angestellter der gemäßigt-republikanischen Zeitung Nacional. Ein politischer Kurswechsel zwang ihn 1849, seine Heimat zu verlassen. Auf einem Schiff nach Südamerika starb er plötzlich. Gauguin verbrachte die ersten vier Jahre seines Lebens in Lima (Peru) bei den Verwandten seiner Mutter. Im Alter von 17 bis 23 Jahren diente er als Seemann, Feuerwehrmann und Steuermann bei der Handels- und Marine und segelte nach Rio de Janeiro und in andere entfernte Städte.

Degas Edgar
(1834-1917)
Land: Frankreich

Edgar Degas war auf den ersten Blick ein widersprüchlicher und seltsamer Mensch. Geboren in einer Pariser Bankiersfamilie. Spross einer aristokratischen Familie (seine richtiger Name war de Ha), lehnte er schon in jungen Jahren die Adelspräfixierung ab. Schon als Kind zeigte er Interesse am Zeichnen. Habe eine gute Ausbildung erhalten. 1853 bestand er die Bachelorprüfung und begann ein Jurastudium. Doch schon damals studierte er beim Maler Barrias, dann bei Louis Lamothe. Wie Edouard Manet war er auf eine glänzende Karriere vorbereitet, brach sein Jurastudium jedoch für die École des Beaux-Arts ab.

Derain Andre
(1880-1954)
Land: Frankreich

Derain Andre – französischer Maler, Buchillustrator, Graveur, Bildhauer, einer der Begründer des Fauvismus. Er begann 1895 in Shatou zu malen, sein Lehrer war ein lokaler Künstler. 1898-1900 studierte in Paris an der Career Academy, wo er A. Matisse, J. Puy und A. Marquet kennenlernte. Sehr bald verließ Deren die Akademie und begann, selbstständig zu studieren.

Daubigny Charles Francois
(1817-1878)
Land: Frankreich

Daubigny Charles Francois – französischer Landschaftsmaler, Grafiker, Vertreter der Barbizon-Schule. Er studierte bei seinem Vater, dem Künstler E. F. Daubigny, dann bei P. Delaroche. Wurde von Rembrandt beeinflusst. Im Louvre kopierte er die Gemälde niederländischer Meister; er fühlte sich besonders von den Werken von J. Ruisdael und Hobbema angezogen. 1835-1836 Daubigny besuchte Italien und reiste 1866 nach Holland, Großbritannien und Spanien. Diese Reisen spiegelten sich jedoch praktisch nicht im Werk des Künstlers wider; fast alle seiner Werke sind französischen Landschaften gewidmet.

Dufy Raoul
(1877-1953)
Land: Frankreich

Dufy Raoul – französischer Maler und Grafiker. Er studierte in Le Havre in Abendkursen an der Städtischen Kunstschule, wo Luyer unterrichtete (1892-1897). Hier traf Dufy auf O. J. Braque und O. Fries. In dieser Zeit malte er Porträts seiner Familienmitglieder sowie Landschaften, die den Gemälden von E. Boudin ähnelten.

Isabey Louis Gabriel Jean
(1803-1886)
Land: Frankreich

Isabey Louis Gabriel Jean (1803-1886) – französischer Maler der Romantik, Aquarellist, Lithograf. Er studierte bei seinem Vater, dem Miniaturisten J.-B. Izabe. Er wurde von der Malerei englischer Marinemaler und der kleinen Holländer des 17. Jahrhunderts beeinflusst. Arbeitete in Paris. Auf der Suche nach neuen Eindrücken besuchte Isabey die Normandie, die Auvergne, die Bretagne, Südfrankreich, Holland, England und begleitete als Künstler eine Expedition nach Algerien.

Courbet Gustave
(1819-1877)
Land: Frankreich

Gustave Courbet ist ein herausragender französischer Maler, ein wunderbarer Meister der realistischen Porträtmalerei. „… gehörte nie einer Schule, einer Kirche … irgendeinem Regime an, außer dem Regime der Freiheit.“

Manet Edouard
(1832-1883)
Land: Frankreich

Edouard MANET (1832-1883), ein herausragender französischer Künstler, der die Traditionen der erzählerisch-realistischen Malerei neu überdachte. „Kürze in der Kunst ist sowohl Notwendigkeit als auch Eleganz. Wer sich prägnant ausdrückt, regt zum Nachdenken an; Eine wortreiche Person ist langweilig.“

Marken Albert
(1875-1947)
Land: Frankreich

Marche Albert (1875–1947) – französischer Maler und Grafiker. 1890-1895 studierte in Paris an der School of Decorative Arts und von 1895 bis 1898 an der School of Fine Arts in der Werkstatt von G. Moreau. Er malte Porträts, Innenräume, Stillleben, Landschaften, darunter auch Meeresansichten, Bilder von Häfen und Häfen. In den vom Künstler zwischen Ende der 1890er und Anfang des 20. Jahrhunderts geschaffenen Landschaften. Auffällig ist der starke Einfluss der Impressionisten, insbesondere von A. Sisley („Bäume in Billancourt“, ca. 1898, Kunstmuseum, Bordeaux).

Monet Claude
(1840-1926)
Land: Frankreich

Claude Monet, französischer Maler, Begründer des Impressionismus. „Was ich schreibe, ist ein Moment.“ Geboren in Paris in der Familie eines Lebensmittelhändlers. Seine Kindheit verbrachte er in Le Havre. In Le Havre begann er, Karikaturen anzufertigen und verkaufte sie in einem Schreibwarenladen. E. Boudin machte auf sie aufmerksam und gab Monet seinen ersten Unterricht in der Freilichtmalerei. Im Jahr 1859 trat Monet in die Pariser Schule der Schönen Künste und anschließend in das Atelier Gleyer ein. Nach einem zweijährigen Aufenthalt zum Militärdienst in Algerien (1860–61) kehrte er nach Le Havre zurück und lernte Ionkind kennen. Ionkinds Landschaften voller Licht und Luft hinterließen einen tiefen Eindruck auf ihn.

Pierre Auguste Renoir
(1841-1919)
Land: Frankreich

Pierre Auguste Renoir wurde von Anfang an in die Familie eines armen, kinderreichen Schneiders hineingeboren frühe Kindheit Ich habe gelernt, „glücklich zu leben“, auch wenn es kein Stück Brot im Haus gab. Bereits mit dreizehn Jahren beherrschte er das Handwerk – er bemalte Tassen und Untertassen in einer Porzellanfabrik. Als er an der School of Fine Arts ankam, trug er seine mit Farbe befleckte Arbeitsbluse. In Gleyres Atelier sammelte er leere Farbtuben ein, die von anderen Schülern weggeworfen worden waren. Er drückte sie bis zum letzten Tropfen aus und summte etwas Unbeschwertes und Fröhliches vor sich hin.

Redon Odilon
(1840-1916)
Land: Frankreich

Redon Odilon ist ein französischer Maler, Zeichner und Dekorateur. Er studierte Architektur in Paris, schloss das Studium jedoch nicht ab. Er besuchte einige Zeit die Schule für Bildhauerei in Bordeaux und studierte dann in Paris im Atelier von Hieronymus. Als Maler wurde er unter dem Einfluss der Kunst von Leonardo da Vinci, J. F. Corot, E. Delacroix und F. Goya ausgebildet. Der Botaniker Armand Clavo spielte in seinem Leben eine große Rolle. Er verfügte über eine reichhaltige Bibliothek, stellte er vor junger Künstler mit den Werken von Baudelaire, Flaubert, Edgar Allan Poe sowie indischer Poesie und deutscher Philosophie. Zusammen mit Clavo erforschte Redon die Welt der Pflanzen und Mikroorganismen, was sich später in seinen Stichen widerspiegelte.

Cezanne Paul
(1839-1906)
Land: Frankreich

Bisher blieb einer der Teilnehmer der ersten Ausstellung auf dem Boulevard des Capucines, der schweigsamste Besucher des Cafés Guerbois, Paul Cézanne, im Schatten. Es ist Zeit, seinen Gemälden näher zu kommen. Beginnen wir mit Selbstporträts. Schauen wir uns das Gesicht dieses hochwangigen, bärtigen Mannes genauer an, der entweder wie ein Bauer (wenn er eine Mütze trägt) oder wie ein Schreiber-Weisen (wenn seine steile, kräftige Stirn sichtbar ist) aussieht. Cézanne war beides zugleich und vereinte die harte Arbeit eines Bauern mit dem forschenden Geist eines wissenschaftlichen Forschers.

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de
(1864-1901)
Land: Frankreich

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de, ein herausragender französischer Künstler. Geboren in Albi im Süden Frankreichs in eine Familie, die zur größten Adelsfamilie gehörte, die einst die Kreuzzüge anführte. Seit seiner Kindheit zeigte sich sein Talent als Künstler. Nach einem Sturz vom Pferd (im Alter von vierzehn Jahren), der zu einer Behinderung führte, begann er jedoch mit der Malerei. Kurz nachdem sein Vater ihn mit Princeto bekannt gemacht hatte, begann Henri regelmäßig in die Werkstatt in der Rue Faubourg Saint-Honoré zu kommen. Stundenlang konnte er dem Künstler beim Zeichnen oder Schreiben zusehen.

Ausländische Künstler

Dali Salvador
(1904-1989)
Land: Spanien

Dali Salvador, der große spanische Künstler, der größte Vertreter des Surrealismus. Geboren in Figueres (Katalonien) in der Familie eines berühmten Anwalts. Im Alter von sechzehn Jahren wurde Dali auf ein katholisches College in Figueres geschickt. Die Entwicklung seiner Persönlichkeit wurde stark von der Familie Pichot beeinflusst. Alle Familienmitglieder besaßen Musikinstrumente, organisierte Konzerte. Ramon Pichot ist ein Maler, der in Paris arbeitete und P. Picasso gut kannte. Im Haus der Pichots beschäftigte sich Dali mit dem Zeichnen. 1918 fand seine erste Ausstellung in Fegeras statt, die von Kritikern positiv aufgenommen wurde.

Kalnins Eduardas
(1904-1988)
Land: Lettland

Kalnins Eduardas ist ein lettischer Marinemaler. Er wurde in Riga in die Familie eines einfachen Handwerkers hineingeboren und begann schon früh mit dem Zeichnen. Kalnins erster Lehrer war der Künstler Jewgeni Moshkewitsch, der in Tomsk, wohin die Familie des Jungen zu Beginn des Ersten Weltkriegs zog, ein Atelier für angehende Maler eröffnete. Nach 1920 kehrte Kalnins mit seinen Eltern nach Riga zurück und trat 1922 in die Lettische Akademie der Künste ein. Sein Lehrer war Vilhelme Purvitis, ein Schüler von A.I. Kuindzhi.

Klassizismus, ein künstlerischer Stil in der europäischen Kunst des 17.–frühen 19. Jahrhunderts, dessen wichtigstes Merkmal die Anziehungskraft auf Formen war antike Kunst, als idealer ästhetischer und ethischer Standard. Der Klassizismus, der sich in intensiver polemischer Auseinandersetzung mit dem Barock entwickelte, formierte sich zu einem integralen Stilsystem der französischen Kunstkultur des 17. Jahrhunderts.

Auch der Klassizismus des 18. – frühen 19. Jahrhunderts (in der ausländischen Kunstgeschichte wird er oft als Neoklassizismus bezeichnet), der zu einem gesamteuropäischen Stil wurde, entstand hauptsächlich im Schoß von Französische Kultur, unter dem starken Einfluss der Ideen der Aufklärung. In der Architektur wurden neue Typen eines eleganten Herrenhauses, eines feierlichen öffentlichen Gebäudes, eines offenen Stadtplatzes definiert (Gabriel Jacques Ange und Soufflot Jacques Germain), die Suche nach neuen, geordneten Formen der Architektur, der Wunsch nach strenger Einfachheit in der Arbeit von Ledoux Claude Nicolas nahm die Architektur der Spätphase des Klassizismus vorweg – das Empire. Bürgerliches Pathos und Lyrik wurden in plastischer Kunst (Pigal Jean Baptiste und Houdon Jean Antoine) und dekorativen Landschaften (Robert Hubert) vereint. Die mutige Dramatik historischer und Porträtbilder ist den Werken des Kopfes des französischen Klassizismus, des Malers Jacques Louis David, eigen. Im 19. Jahrhundert degenerierte die Malerei des Klassizismus trotz der Aktivitäten einzelner großer Meister wie Jean Auguste Dominique Ingres zur offiziellen apologetischen oder prätentiösen erotischen Salonkunst. Das internationale Zentrum des europäischen Klassizismus des 18. und frühen 19. Jahrhunderts war Rom, wo die Traditionen des Akademismus mit ihrer charakteristischen Kombination aus Noblesse der Formen und kalter Idealisierung (deutscher Maler Anton Raphael Mengs, Bildhauer: Italiener Antonio Canova und Däne Thorvaldsen Bertel) weitgehend erhalten blieben dominiert. Die Architektur des deutschen Klassizismus ist geprägt von der strengen Monumentalität der Bauten Karl Friedrich Schinkels, während die kontemplative und elegische Malerei und Skulptur durch die Porträts von August und Wilhelm Tischbein sowie die Skulptur Johann Gottfried Schadows geprägt ist. Im englischen Klassizismus stechen die antiken Bauten von Robert Adam, die Parkanlagen im palladianischen Stil von William Chambers, die äußerst strengen Zeichnungen von J. Flaxman und die Keramik von J. Wedgwood hervor. Eigene Versionen des Klassizismus entwickelten sich in der künstlerischen Kultur Italiens, Spaniens, Belgiens, skandinavischer Länder und der USA; Der russische Klassizismus der 1760er–1840er Jahre nimmt in der Geschichte der Weltkunst einen herausragenden Platz ein.

Bis zum Ende des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts verschwand die führende Rolle des Klassizismus fast überall; an seine Stelle traten verschiedene Formen des architektonischen Eklektizismus. Erwacht zum Leben künstlerische Tradition Klassizismus im Neoklassizismus des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts.

Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) – französischer Künstler, allgemein anerkannter Führer des europäischen Akademismus des 19. Jahrhunderts.
In Ingres' Werk ist die Suche nach reiner Harmonie anzutreffen.
Er studierte an der Akademie der Schönen Künste in Toulouse. Nach seinem Abschluss an der Akademie zog er nach Paris, wo er 1797 Schüler von Jacques-Louis David wurde. Von 1806 bis 1820 studierte und arbeitete er in Rom und zog dann nach Florenz, wo er weitere vier Jahre verbrachte. 1824 kehrte er nach Paris zurück und eröffnete eine Malschule. 1835 kehrte er als Direktor der Französischen Akademie erneut nach Rom zurück. Von 1841 bis zu seinem Lebensende lebte er in Paris.

Der Akademismus (französisch academisme) ist eine Richtung in der europäischen Malerei des 17.-19. Jahrhunderts. Die akademische Malerei entstand in der Zeit der Entwicklung der Kunstakademien in Europa. Die stilistische Grundlage der akademischen Malerei war zu Beginn des 19. Jahrhunderts der Klassizismus und in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts der Eklektizismus.
Der Akademismus wuchs, indem er den äußeren Formen der klassischen Kunst folgte. Anhänger charakterisierten diesen Stil als eine Reflexion der Kunstform der antiken Antike und der Renaissance.

Ing. Porträts der Familie Riviere. 1804-05

Romantik

Romantik- ein vom bürgerlichen System erzeugtes Phänomen. Als Weltanschauung und Stil künstlerischen Schaffens spiegelt es dessen Widersprüche wider: die Kluft zwischen dem, was sein sollte, und dem, was ist, zwischen Ideal und Realität. Aus dem Bewusstsein der Unrealisierbarkeit humanistischer Ideale und Werte der Aufklärung entstanden zwei alternative ideologische Positionen. Der Kern des ersten Prinzips besteht darin, die grundlegende Realität zu verachten und sich in die Hülle reiner Ideale zurückzuziehen. Der Kern der zweiten besteht darin, die empirische Realität anzuerkennen und alle Diskussionen über das Ideal zu verwerfen. Ausgangspunkt der romantischen Weltanschauung ist die offene Ablehnung der Realität, die Anerkennung der unüberwindbaren Kluft zwischen Idealen und realer Existenz, der Unvernünftigkeit der Dingwelt.

Sie zeichnet sich durch eine negative Einstellung zur Realität, Pessimismus, Interpretation historischer Kräfte als außerhalb der realen Alltagsrealität stehend, Mystifizierung und Mythologisierung aus. All dies veranlasste die Suche nach einer Lösung der Widersprüche nicht in der realen Welt, sondern in der Welt der Fantasie.

Die romantische Weltanschauung umfasste alle Bereiche des spirituellen Lebens – Wissenschaft, Philosophie, Kunst, Religion. Es wurde auf zwei Arten ausgedrückt:

Das erste – darin erschien die Welt als endlose, gesichtslose, kosmische Subjektivität. Die schöpferische Energie des Geistes fungiert hier als Anfang, der Weltharmonie schafft. Diese Version der romantischen Weltanschauung zeichnet sich durch ein pantheistisches Weltbild, Optimismus und erhabene Gefühle aus.

Zweitens wird die menschliche Subjektivität individuell und persönlich betrachtet und als die innere, in sich selbst versunkene Welt eines Menschen im Konflikt mit der Außenwelt verstanden. Diese Haltung ist geprägt von Pessimismus, einer lyrisch traurigen Haltung gegenüber der Welt.

Das ursprüngliche Prinzip der Romantik waren „zwei Welten“: Vergleich und Kontrast der realen und imaginären Welt. Der Weg, diese Doppelwelt auszudrücken, war Symbolik.

Der romantische Symbolismus stellte eine organische Kombination der illusorischen und realen Welt dar, die sich im Auftreten von Metaphern, Übertreibungen und poetischen Vergleichen manifestierte. Die Romantik war trotz ihrer engen Verbindung zur Religion von Humor, Ironie und Verträumtheit geprägt. Die Romantik erklärte die Musik zum Vorbild und zur Norm für alle Bereiche der Kunst, in denen nach Ansicht der Romantiker das eigentliche Element des Lebens, das Element der Freiheit und der Triumph der Gefühle erklang.

Die Entstehung der Romantik war auf eine Reihe von Faktoren zurückzuführen. Erstens gesellschaftspolitisch: die Französische Revolution von 1769-1793, die Napoleonischen Kriege, der Unabhängigkeitskrieg Lateinamerikas. Zweitens wirtschaftlich: die industrielle Revolution, die Entwicklung des Kapitalismus. Drittens entstand es unter dem Einfluss der klassischen deutschen Philosophie. Viertens entwickelte es sich auf der Grundlage und im Rahmen bestehender literarischer Stile: Aufklärung, Sentimentalismus.

Zwischen 1795 und 1830 erlebte die Romantik ihre Blütezeit. - die Zeit der europäischen Revolutionen und nationalen Befreiungsbewegungen, und die Romantik manifestierte sich besonders deutlich in der Kultur Deutschlands, Englands, Russlands, Italiens, Frankreichs und Spaniens.

Die romantische Tendenz hatte großen Einfluss auf die Geisteswissenschaften, die positivistische Tendenz auf die Naturwissenschaften, Technik und Praxis.

Jean Louis André Theodore Gericault (1791-1824).
Er war für kurze Zeit Schüler von C. Vernet (1808–1810) und dann von P. Guerin (1810–1811), der sich darüber ärgerte, dass seine Methoden der Naturdarstellung nicht den Prinzipien der Schule von Jacques-Louis David entsprachen und seine Leidenschaft für Rubens, erkannte jedoch später die Rationalitätsbestrebungen von Gericault an.
Während seines Dienstes bei den königlichen Musketieren malte Gericault hauptsächlich Kampfszenen, nachdem er jedoch 1817–1819 nach Italien gereist war. Er schuf ein großes und komplexes Gemälde „Das Floß der Medusa“ (befindet sich im Louvre in Paris), das zu einer völligen Ablehnung der davidischen Richtung und zu einer beredten Verkündigung des Realismus wurde. Die Neuheit der Handlung, die tiefe Dramatik der Komposition und Lebenswahrheit Dieses meisterhaft geschriebene Werk wurde nicht sofort geschätzt, fand aber bald Anerkennung auch bei Anhängern des akademischen Stils und brachte dem Künstler den Ruhm eines talentierten und mutigen Erneuerers ein.

Tragische Spannung und Dramatik Im Jahr 1818 arbeitete Géricault an dem Gemälde „Das Floß der Medusa“, das den Beginn der französischen Romantik markierte. Delacroix, der für seinen Freund posierte, wurde Zeuge der Entstehung einer Komposition, die alle üblichen Vorstellungen von Malerei durchbricht. Delacroix erinnerte sich später, dass er, als er das fertige Gemälde sah, „vor Freude wie verrückt rannte und nicht auf dem ganzen Weg nach Hause anhalten konnte“.
Die Handlung des Films basiert auf einem wahren Vorfall, der sich am 2. Juli 1816 vor der Küste Senegals ereignete. Dann stürzte die Fregatte Medusa auf der Argen Shoal, 40 Meilen von der afrikanischen Küste entfernt. 140 Passagiere und Besatzungsmitglieder versuchten zu fliehen, indem sie das Floß bestiegen. Nur 15 von ihnen überlebten und am zwölften Tag ihrer Wanderung wurden sie von der Brigg Argus abgeholt. Die Einzelheiten der Reise der Überlebenden haben die moderne Geschichte schockiert. öffentliche Meinung, und der Absturz selbst wurde aufgrund der Inkompetenz des Schiffskapitäns und unzureichender Versuche, die Opfer zu retten, zu einem Skandal in der französischen Regierung.

Bildliche Lösung
Die gigantische Leinwand beeindruckt durch ihre Ausdruckskraft. Gericault gelang es, ein lebendiges Bild zu schaffen, das Tote und Lebende, Hoffnung und Verzweiflung in einem Bild vereint. Dem Film ging eine enorme Vorarbeit voraus. Gericault fertigte zahlreiche Skizzen von Sterbenden in Krankenhäusern und den Leichen Hingerichteter an. „Das Floß der Medusa“ war das letzte vollendete Werk Gericaults.
Als Géricault 1818 an dem Gemälde „Das Floß der Medusa“ arbeitete, das den Beginn der französischen Romantik markierte, wurde Eugène Delacroix, der für seinen Freund posierte, Zeuge der Entstehung einer Komposition, die alle üblichen Vorstellungen von Malerei durchbrach. Delacroix erinnerte sich später, als er das fertige Gemälde sah, „begann er vor Freude wie verrückt zu rennen und konnte nicht auf dem ganzen Weg nach Hause anhalten.“

Öffentliche Reaktion
Als Géricault 1819 „Das Floß der Medusa“ im Salon ausstellte, erregte das Gemälde öffentliche Empörung, da der Künstler entgegen den akademischen Normen der Zeit kein so großes Format verwendete, um ein heroisches, moralisierendes oder klassisches Bild darzustellen Thema.
Das Gemälde wurde 1824 erworben und befindet sich derzeit in Raum 77 im 1. Stock der Denon Gallery im Louvre.

Eugene Delacroix(1798 - 1863) – Französischer Maler und Grafiker, Leiter der romantischen Bewegung in der europäischen Malerei.
Aber die wahren Universitäten für Delacroix waren der Louvre und die Kommunikation mit dem jungen Maler Theodore Gericault. Im Louvre wurde er von den Werken der alten Meister fasziniert. Damals waren dort viele Gemälde zu sehen, die während der Napoleonischen Kriege erbeutet und noch nicht an ihre Besitzer zurückgegeben worden waren. Der aufstrebende Künstler fühlte sich am meisten zu den großen Koloristen Rubens, Veronese und Tizian hingezogen. Den größten Einfluss auf Delacroix hatte jedoch Theodore Gericault.

Im Juli 1830 rebellierte Paris gegen die Bourbonenmonarchie. Delacroix sympathisierte mit den Rebellen, und dies spiegelte sich in seinem Werk „Liberty Leading the People“ wider (in unserem Land ist dieses Werk auch als „Liberty on the Barricades“ bekannt). Das im Salon von 1831 ausgestellte Gemälde stieß beim Publikum auf große Zustimmung. Die neue Regierung kaufte das Gemälde, ordnete jedoch sofort seine Entfernung an; sein Pathos schien zu gefährlich.