Famosas pinturas em guache. Pinturas em guache de artistas famosos
Os rostos das pessoas na maioria das pinturas do artista estão escurecidos ou virados para o lado. Isso é feito para expressar emoções e permitir que o corpo “fale”. “Sempre tentei mostrar ao mundo apenas os momentos positivos da vida. Espero que meu trabalho traga alegria, paz e conforto à vida do espectador”, afirma Hanks.
Aquarela chuvosa de Lin Ching Che
O talentoso artista Lin Ching-Che tem 27 anos. Ele é inspirado na chuva de outono. As ruas nubladas da cidade não deixam o cara melancólico e desanimado, mas sim com vontade de pegar uma escova. Lin Ching Che pinta em aquarela. Com água colorida glorifica a beleza chuvosa das megacidades.
A fantasia fervente de Arush Votsmush
Escondido sob o pseudônimo de Arush Votsmush artista talentoso de Sebastopol Alexander Shumtsov. O artista diz sobre suas pinturas: “Não estou tentando provar nada a ninguém com minhas obras. Em primeiro lugar, estou gostando. Esta é uma droga de pura criatividade. Ou uma vida limpa – sem doping. Apenas um milagre."
O encanto de Paris nas obras de Thierry Duval
O artista parisiense Thierry Duval viajou muito. Daí a presença de séries inteiras de pinturas baseadas em “características geográficas”. No entanto, Paris foi e continua a ser o lugar preferido do autor. A maior parte das obras é dedicada especificamente à cidade dos amantes. Ele possui uma técnica própria de sobreposição de aquarelas, o que lhe permite criar pinturas com detalhes quase hiper-realistas.
Noite calma por Joseph Zbukvic
Hoje, o australiano Joseph Zbukvic, nascido na Croácia, é considerado um dos pilares desenho aquarela em todo o mundo. O artista apaixonou-se pela aquarela literalmente desde o primeiro traço; ficou impressionado com a natureza indomável e a individualidade desta técnica.
Segredos do Oriente através dos olhos de Myo Vin Ong
O artista Myoe Win Aung dedicou todo o seu trabalho à sua Birmânia natal, à sua vida quotidiana e feriados, aos leigos e monges, vilas e cidades. Este mundo é calmo, vestido com cores suaves, misterioso e levemente pensativo, como o sorriso de Buda.
Aquarela incrível de Joe Francis Dowden
O artista inglês Joe Francis Dowden pinta aquarelas hiper-realistas. E ele acredita que todos podem fazer isso, basta conhecer os segredos da técnica. O segredo de sua inspiração é extremamente simples: “Jogue fora seus livros de aquarela e se perca em uma floresta de verdade”.
A magia do balé de Liu Yi
As aquarelas deste artista chinês podem facilmente ser chamadas de arte sobre arte. Afinal, seu tema preferido são imagens de pessoas que têm relação direta com ele - por exemplo, bailarinas ou músicos clássicos. A forma como são apresentadas nas pinturas é peculiar: as pessoas parecem emergir de uma névoa tênue, emocional e muito característica. Até certo ponto, eles ecoam as imagens das bailarinas Artista francês Edgar Degas.
Pintura solar de Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki recebeu educação artística e dedicou 20 anos ao ensino, nunca desistindo do sonho de se tornar artista. Em 2008, abandonou finalmente a profissão docente e dedicou-se inteiramente à autorrealização criativa.
Manhã campestre de Christian Granju
SÃO PETERSBURGO. “Gouache dois O” - com este nome o Museu Erarta apresentou no dia 20 de maio uma exposição coletiva de artistas cujas obras foram feitas em guache. Os organizadores da exposição notaram que hoje não existem muitos artistas que usam guache e papel para criar suas obras.
A maioria dos pintores prefere criar pinturas em óleo, acrílico e têmpera. As técnicas artísticas tradicionais estão sendo gradualmente substituídas computação gráfica. O guache sobre papel tornou-se uma técnica muito distante dos interesses comerciais. Porém, esta atitude perante os trabalhos feitos em guache levou ao surgimento de artistas que escolheram esta técnica pela alma, transformando-a em arte pura, independente dos interesses do mercado.
O guache, assim como a aquarela, exige do artista domínio do pincel, habilidade e coragem. Em trabalhos feitos com tintas à base de água é impossível corrigir erros cometidos, portanto, eles não deveriam existir.
EM países diferentes trabalhos em guache são classificados como tipos diferentes técnico de arte. No exterior, são consideradas obras escritas em guache pinturas. Especialistas russos classificam a técnica do guache como gráficos originais.
É sabido que os artistas usavam guache desde a antiguidade. Grandes artistas que viveram no século XX também realizaram trabalhos em guache. Seus nomes são conhecidos por todos, mesmo por aqueles que não se consideram conhecedores de arte - Picasso, Matisse, Chagall.
A exposição da exposição “Gouache dois O” é composta por obras de artistas que sabem desfrutar da criatividade, por isso as suas pinturas são repletas de otimismo e romance. Obras pertencentes a Aron Zinshtein, Alexander Kosenkov, Igor Kamyanov, Evgenia Golant e outros artistas guache podem ser vistas no Museu Erarta até 7 de julho.
Lyudmila Trautmane© site
- “O ABC do Luar” de Boris Grebenshchikov no Museu Erarta
- Museu Erarta apresentou a exposição “Vida Privada” na Galeria Surgut de Arte Contemporânea “Sterkh”
A pintura russa se distingue legitimamente do mundo artes artísticas. O facto é que até ao século XVII a pintura doméstica estava associada exclusivamente à tema religioso. A situação mudou com a chegada ao poder do czar reformador, Pedro, o Grande. Graças às suas reformas, os mestres russos começaram a se dedicar à pintura secular, e a pintura de ícones se separou como uma direção separada. O século XVII é a época de artistas como Simon Ushakov e Joseph Vladimirov. Então, em russo mundo da arte o retrato nasceu e rapidamente se tornou popular. No século XVIII surgiram os primeiros artistas, passando de pintura de retrato para paisagem. É notável a simpatia pronunciada dos artistas pelos panoramas de inverno. O século XVIII também foi lembrado pelo surgimento da pintura cotidiana. No século XIX, três movimentos ganharam popularidade na Rússia: romantismo, realismo e classicismo. Como antes, os artistas russos continuaram a recorrer gênero retrato. Foi então que surgiram os mundialmente famosos retratos e autorretratos de O. Kiprensky e V. Tropinin. Na segunda metade do século XIX, os artistas representavam cada vez mais o povo russo comum no seu estado oprimido. O realismo torna-se o movimento central da pintura deste período. Foi então que surgiram os artistas Itinerantes, retratando apenas a vida real, real. Bem, o século XX é, obviamente, a vanguarda. Os artistas da época influenciaram significativamente seus seguidores na Rússia e em todo o mundo. Suas pinturas se tornaram as precursoras da arte abstrata. A pintura russa é um enorme mundo incrível artistas talentosos que glorificaram a Rússia com suas criações
A artista de Voronezh, Olga Brazhnikova, é conhecida por seus trabalhos brilhantes e ensolarados feitos em guache. O caminho para a arte não foi fácil para ela; abandonando o trabalho como designer, ingressou na Escola de Arte de Voronezh e este ano formou-se na Universidade Pedagógica com uma licenciatura em " artes plásticas" Olga trabalha principalmente com guache e destrói estereótipos associados a esse material. Para a Umbra Media, a artista mostrou seu home studio e contou como a criatividade mudou sua vida.
Sobre estudar
“Fuja do trabalho na fábrica”
— Quando você percebeu que queria ser artista?
— Sempre gostei de desenhar, mas na cabeça dos meus pais (minha mãe trabalhava como contadora, meu pai ainda trabalha em uma fábrica de aviões), ser artista não é uma profissão séria. Então eu tive que me inscrever faculdade de aviação. Não entendo como consegui terminar. Minha habilidade de desenhar bem ajudou, fiz jornais de parede para testes. Quando meus estudos terminaram, percebi que nunca iria para a fábrica. E foi à noite escola de arte para que eu tenha pelo menos algo para minha alma. A professora sugeriu que eu entrasse na Escola de Arte de Voronezh.
— Como seus pais perceberam que você queria ser artista?
“Eles não acreditaram que eu faria isso.” Era história engraçada. Papai disse que conhecia um homem que conseguia desenhar um retrato de Lênin com um pedaço de pau na areia! E se não posso fazer isso, então não sou um artista. Apesar de tudo, me preparei para o ingresso, fiz cursos de 2 a 3 meses e estudei desenho separadamente com um professor. E quando entrei, meus pais me apoiaram e ficaram felizes. E só mais tarde, quando meus trabalhos começaram a ser expostos, é que acreditaram em mim. Depois da faculdade, fui parar em uma empresa de defesa, onde ainda trabalho como designer. Tive uma pausa bastante longa - sete anos, mas depois decidi voltar à pintura e à criatividade. Em 2013, ingressou na Universidade Pedagógica do Estado de Voronezh, onde se formou este ano.
Sobre materiais
“Poucas pessoas acreditam que minhas pinturas são pintadas em guache”
— Por que você escolheu o guache, o que lhe interessa neste material?
— Me interessei por guache no instituto pedagógico. Anteriormente, eu percebia isso mais como uma fase de transição para o petróleo. Mas agora este é meu material favorito. Seca rapidamente, é inodoro, dá pinceladas texturizadas e cores vivas. Pinto impasto, não diluo o guache com água. Geralmente desenho em papel grosso. O petróleo, claro, não é tão conveniente para trabalhar em um apartamento. Principalmente considerando que meu gato tenta constantemente entrar em algum tipo de jarro. Uma vez que eu estava pintando a óleo, me distraí um pouco e ela já entrou tinta azul e deixou pegadas por todo o apartamento. Depois passamos a noite inteira limpando essas marcas.
— O que você acha do fato de o guache ser frequentemente chamado de material “infantil”?
— Parece-me que isso é um estereótipo e um preconceito. Foi no guache, segundo meus colegas, que desenvolvi meu estilo. Quando posto meus trabalhos na Internet, muitas pessoas escrevem o quanto ficam surpresas com o fato de as pinturas serem pintadas em guache e não em óleo. Guache - não criatividade infantil, mas material decente. Parece-me que obras-primas podem ser criadas com qualquer material; o material não desempenha aqui um papel primordial.
— O que te inspira?
— Adoro paisagens urbanas. Casas que viveram e têm história própria fascinam-me. Costumo andar pela cidade, fotografar histórias e depois escrever em casa. Eu amo a profusão de cores e traços texturizados. E de artistas contemporâneos Me inspiro muito nas aquarelas de Arush Votsmush.
— Em que ambiente você gosta de trabalhar – em silêncio ou com música?
— Quando escrevo, na maioria das vezes ouço o bom e velho rock. Algumas das minhas bandas favoritas são Aquarium e The Doors
— Existe uma opinião generalizada de que a formação académica “mata” a individualidade do artista. O que você pensa sobre isso?
— Parece-me que a educação no campo artístico é mais importante do que nunca. Ao assistir às mesmas videoaulas pela Internet, você não participa do processo, mas isso é necessário. Acho que a formação acadêmica ajuda a adquirir habilidades de desenho. Estudei com Alexander Starilov, ele era um artista versátil, arquiteto e inovador. Ele acreditava que é preciso ter uma educação clássica e depois buscar o seu próprio estilo; o mesmo primitivismo não nasce do nada; E eu concordo com ele.
Sobre implementação
“Um artista é mais que uma profissão”
— Como você consegue conciliar trabalho de designer, criatividade e família?
— É difícil, escrevo principalmente nos finais de semana. E a filha já é adulta, não precisa ficar o tempo todo com ela, ela já tem muitos interesses próprios. Durante o período em que não desenhei, senti constantemente que estava sentindo falta. Agora não vou desistir de pintar, gosto de ser criativa e pesquisar. Ser artista é para mim o sentido da vida e mais que uma profissão. Criar uma pintura é uma espécie de mistério para mim, embora, claro, do ponto de vista técnico não haja mistério. Mas o processo é sempre intrigante - eu me pergunto o que vai acontecer no final.
— Quais são seus planos para um futuro próximo? Você gostaria de ter sua própria oficina?
— Quero muito participar de exposições e não ficar confinado ao meu próprio espaço. Espero que em breve possa fazer uma exposição pessoal em escola de arte. E o workshop talvez seja apenas uma questão de um futuro distante. Por enquanto, todos os meus trabalhos cabem no apartamento. Concluímos recentemente reformas. As paredes foram especialmente pintadas de branco para que as pinturas pudessem ser penduradas. Organizei o espaço de trabalho para que houvesse ar e muita luz. Até agora não está repleto de todos os tipos de objetos e detalhes interessantes, mas acho que isso não vai durar muito.
Eu ainda blogo artistas diferentes e dou uma olhada mais de perto no guache que as pessoas usam. (Eu também tenho a minha, mas você tem que ver o que as pessoas estão fazendo.) Percebi que, para mim, pessoalmente, aquarela não é adequada para plein air. Preciso de algo com mais cobertura e secagem mais rápida. E ao mesmo tempo menos caprichoso. É por isso que o guache parece mais a melhor opção para trabalho plein air, quando a luz muda muito rapidamente, condições meteorológicas e não há realmente nenhuma comodidade.
Ainda não estou pronto para o óleo, preciso carregar muitas coisas pesadas comigo, inclusive telas ou tábuas para trabalhar, além de uma caixa especial para esboços para que não manchem durante o transporte. E agora, quando equipado para trabalhar com aquarela, pastel e lápis de cor, meus ombros simplesmente caem. Tanto que depois das últimas viagens do mês passado estou morando com Voltaren. Este não é algum tipo de cara, se é que existe alguma coisa. Esta é uma pomada para dores musculares e articulares.
Meus artistas plein air favoritos no momento são James Gurney e Nathan Fowkes. Acontece que ambos são ilustradores, como eu, que vão ao ar livre ou se inspiram na vida e fortalecem seus músculos artísticos. Eu não os escolhi especificamente com base neste princípio - simplesmente aconteceu assim. James é famoso por sua “Dinotopia” (aliás, seu livro sobre desenho em russo “Color and Light” foi publicado recentemente, em inglês aqui: Color and Light: A Guide para o Realist Painter (James Gurney Art)) e Nathan é animador (você pode aprender com ele em www.schoolism.com). E gosto muito da imprudência e da rapidez com que esses dois camaradas trabalham ao ar livre com guache, que até a ponta dos dedos picam - quero me apressar e esculpir com guache ou caseína.
Obras de James Gurney daqui
Obras de Nathan Fawkes daqui
Esses são meus heróis agora, basicamente. Eu gostaria de passar em meus trabalhos da vida, de uma tubulação detalhada para um traço mais livre. Mas não porque deixei de amar os detalhes - isso não vai acontecer, eu os adoro. Mas porque gostaria de ver depois do plein air pronto ou quase obras concluídas, que poderia ser usado para pinturas mais sérias. Porque agora, enquanto estou trazendo à mente os esboços da vida e completando os desenhos - de memória e de fotos - não tenho mais forças para uma repetição maior.
Procurando variedades de guache, me deparei com outro ilustrador talentoso, ao qual não vou vincular aqui, pois me causa algumas contradições internas. Além disso, muitas vezes me deparei com o fato de que é inútil perguntar aos ilustradores ocidentais sobre materiais ou quaisquer sutilezas de trabalho. Em 90% dos casos, eles simplesmente não respondem e não estão particularmente focados no tópico de como exatamente funcionam. Eu entendo perfeitamente a posição deles, mas acho que é ugh. Mas então descobriu-se que existe um grau ainda mais superlativo. O talentoso ilustrador, a quem NÃO estou vinculando, responde com muita clareza a todas as perguntas sobre a técnica e os materiais utilizados: “Por favor, envie-me um e-mail para adquirir as informações”. A princípio pensei que estava simplesmente escrito errado quando vi a assinatura em uma das obras após a lista de materiais utilizados. Porque informações de compra são informações sobre uma compra, mas comprar informações é comprar informações. Mas não. Uma pessoa realmente só compartilha informações por dinheiro. E ainda não entendo como me sinto sobre isso.
Por um lado, ele está certo. Esta informação também não caiu do céu para ele. Ele investiu tempo e dinheiro em sua técnica de trabalho. É assustador pensar quanto dinheiro já gastei para encontrar os materiais que melhor se adequam a mim. Assim é com ele. Por que ele deveria agora compartilhar com alguém de graça? Eu próprio deparei-me muitas vezes com o facto de o meu histórias detalhadas ou tópicos e lições bem pensadas que as pessoas recebiam de graça, eram utilizadas em master classes inteiras, ou seja, monetizadas e tudo passava para o cofrinho de outra pessoa, inclusive o cofrinho do reconhecimento. Mas também existe o intercâmbio criativo. Sem ele não há desenvolvimento normal. Existe apenas estagnação. E se fossem minhas informações, que compartilhei de coração, que ajudaram algum artista muito legal a se reerguer?! Afinal, sem ele o mundo seria um lugar muito mais pobre.
Outro ponto. Pessoalmente, não estou pronto para pagar a uma pessoa por informações das quais posso facilmente prescindir (bem, vou procurar mais para ver o que há lá). Para uma master class - sim. E para uma frase, com que tipo de rolo ele aplica a tinta ou em que proporções ele a dilui - provavelmente não. Porém, este também é um pagamento pelo tempo gasto em explicações! E se esse detalhe específico me ajudasse mais do que qualquer master class? Um tema muito complexo.
O que você pensa sobre isso? Os artistas estão fazendo a coisa certa ao monetizar todo o seu conhecimento? Eles são ótimos ou é nojento? Só por favor não me fale sobre o meio-termo, que você pode compartilhá-lo gratuitamente e ao mesmo tempo convertê-lo em notas várias master classes e vendas. Não há conversa sobre isso. Já está claro que você pode fazer isso de maneira inteligente, tipo. E o intransigente: “Para comprar essa informação, me escreva um email”?
Os rostos das pessoas na maioria das pinturas do artista estão escurecidos ou virados para o lado. Isso é feito para expressar emoções e permitir que o corpo “fale”. “Sempre tentei mostrar ao mundo apenas os momentos positivos da vida. Espero que meu trabalho traga alegria, paz e conforto à vida do espectador”, afirma Hanks.
Aquarela chuvosa de Lin Ching Che
O talentoso artista Lin Ching-Che tem 27 anos. Ele é inspirado na chuva de outono. As ruas nubladas da cidade não deixam o cara melancólico e desanimado, mas sim com vontade de pegar uma escova. Lin Ching Che pinta em aquarela. Com água colorida glorifica a beleza chuvosa das megacidades.
A fantasia fervente de Arush Votsmush
Sob o pseudônimo de Arush Votsmush esconde-se um talentoso artista de Sebastopol, Alexander Shumtsov. O artista diz sobre suas pinturas: “Não estou tentando provar nada a ninguém com minhas obras. Em primeiro lugar, estou gostando. Esta é uma droga de pura criatividade. Ou uma vida limpa – sem doping. Apenas um milagre."
O encanto de Paris nas obras de Thierry Duval
O artista parisiense Thierry Duval viajou muito. Daí a presença de séries inteiras de pinturas baseadas em “características geográficas”. No entanto, Paris foi e continua a ser o lugar preferido do autor. A maior parte das obras é dedicada especificamente à cidade dos amantes. Ele possui uma técnica própria de sobreposição de aquarelas, o que lhe permite criar pinturas com detalhes quase hiper-realistas.
Noite calma por Joseph Zbukvic
Hoje, o australiano Joseph Zbukvic, nascido na Croácia, é considerado um dos pilares da pintura em aquarela em todo o mundo. O artista apaixonou-se pela aquarela literalmente desde o primeiro traço; ficou impressionado com a natureza indomável e a individualidade desta técnica.
Segredos do Oriente através dos olhos de Myo Vin Ong
O artista Myoe Win Aung dedicou todo o seu trabalho à sua Birmânia natal, à sua vida quotidiana e feriados, aos leigos e monges, vilas e cidades. Este mundo é calmo, vestido com cores suaves, misterioso e levemente pensativo, como o sorriso de Buda.
Aquarela incrível de Joe Francis Dowden
O artista inglês Joe Francis Dowden pinta aquarelas hiper-realistas. E ele acredita que todos podem fazer isso, basta conhecer os segredos da técnica. O segredo de sua inspiração é extremamente simples: “Jogue fora seus livros de aquarela e se perca em uma floresta de verdade”.
A magia do balé de Liu Yi
As aquarelas deste artista chinês podem facilmente ser chamadas de arte sobre arte. Afinal, seu tema preferido são imagens de pessoas que têm relação direta com ele - por exemplo, bailarinas ou músicos clássicos. A forma como são apresentadas nas pinturas é peculiar: as pessoas parecem emergir de uma névoa tênue, emocional e muito característica. Até certo ponto, ecoam as imagens de bailarinas do artista francês Edgar Degas.
Pintura solar de Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki formou-se em arte e dedicou 20 anos ao ensino, nunca desistindo do sonho de se tornar um artista. Em 2008, abandonou finalmente a profissão docente e dedicou-se inteiramente à autorrealização criativa.
Manhã campestre de Christian Granju
O francês Christian Granu (
A artista de Voronezh, Olga Brazhnikova, é conhecida por seus trabalhos brilhantes e ensolarados feitos em guache. O caminho para a arte não foi fácil para ela; abandonando o trabalho como designer, ingressou na Escola de Arte de Voronezh e este ano formou-se na Universidade Pedagógica em Belas Artes. Olga trabalha principalmente com guache e destrói estereótipos associados a esse material. Para a Umbra Media, a artista mostrou seu home studio e contou como a criatividade mudou sua vida.
Sobre estudar
“Fuja do trabalho na fábrica”
- Quando você percebeu que queria ser artista?
Sempre gostei de desenhar, mas na cabeça dos meus pais (minha mãe trabalhava como contadora, meu pai ainda trabalha em uma fábrica de aviões), ser artista não é uma profissão séria. Então eu tive que ir para a faculdade de aviação. Não entendo como consegui terminar. Minha habilidade de desenhar bem ajudou, fiz jornais de parede para testes. Quando meus estudos terminaram, percebi que nunca iria para a fábrica. E fui para a escola noturna de artes para ter pelo menos algo para minha alma. A professora sugeriu que eu entrasse na Escola de Arte de Voronezh.
- Como seus pais perceberam que você queria ser artista?
Eles não acreditaram que eu faria isso. Foi uma história engraçada. Papai disse que conhecia um homem que conseguia desenhar um retrato de Lênin com um pedaço de pau na areia! E se não posso fazer isso, então não sou um artista. Apesar de tudo, me preparei para o ingresso, fiz cursos de 2 a 3 meses e estudei desenho separadamente com um professor. E quando entrei, meus pais me apoiaram e ficaram felizes. E só mais tarde, quando meus trabalhos começaram a ser expostos, é que acreditaram em mim. Depois da faculdade, fui parar em uma empresa de defesa, onde ainda trabalho como designer. Tive uma pausa bastante longa - sete anos, mas depois decidi voltar à pintura e à criatividade. Em 2013, ingressou na Universidade Pedagógica do Estado de Voronezh, onde se formou este ano.
Sobre materiais
“Poucas pessoas acreditam que minhas pinturas são pintadas em guache”
- Por que você escolheu o guache, o que te interessa nesse material?
Me interessei por guache no instituto pedagógico. Anteriormente, eu percebia isso mais como uma fase de transição para o petróleo. Mas agora este é meu material favorito. Seca rapidamente, é inodoro, dá pinceladas texturizadas e cores vivas. Pinto impasto, não diluo o guache com água. Geralmente desenho em papel grosso. O petróleo, claro, não é tão conveniente para trabalhar em um apartamento. Principalmente considerando que meu gato tenta constantemente entrar em algum tipo de jarro. Uma vez que eu estava pintando a óleo, me distraí um pouco, e ela já havia metido na tinta azul e deixado pegadas por todo o apartamento. Depois passamos a noite inteira limpando essas marcas.
- O que você acha do fato de o guache ser frequentemente chamado de material “infantil”?
Acho que isso é um estereótipo e um preconceito. Foi no guache, segundo meus colegas, que desenvolvi meu estilo. Quando posto meus trabalhos na Internet, muitas pessoas escrevem o quanto ficam surpresas com o fato de as pinturas serem pintadas em guache e não em óleo. Guache não é criatividade infantil, mas um material valioso. Parece-me que obras-primas podem ser criadas com qualquer material; o material não desempenha aqui um papel primordial.
- O que te inspira?
Eu amo paisagens urbanas. Casas que viveram e têm história própria fascinam-me. Costumo andar pela cidade, fotografar histórias e depois escrever em casa. Eu amo a profusão de cores e traços texturizados. E entre os artistas contemporâneos, me inspiro muito nas aquarelas de Arush Votsmush.
- Em que ambiente você gosta de trabalhar - em silêncio ou com música?
Quando escrevo, ouço principalmente o bom e velho rock. Algumas das minhas bandas favoritas são Aquarium e The Doors
Existe uma crença generalizada de que a formação acadêmica “mata” a individualidade do artista. O que você pensa sobre isso?
Acho que a educação artística é mais importante do que nunca. Ao assistir às mesmas videoaulas pela Internet, você não participa do processo, mas isso é necessário. Acho que a formação acadêmica ajuda a adquirir habilidades de desenho. Estudei com Alexander Starilov, ele era um artista versátil, arquiteto e inovador. Ele acreditava que é preciso ter uma educação clássica e depois buscar o seu próprio estilo; o mesmo primitivismo não nasce do nada; E eu concordo com ele.
Sobre implementação
“Um artista é mais que uma profissão”
- Como você consegue conciliar trabalho de designer, criatividade e família?
É difícil, escrevo principalmente nos finais de semana. E a filha já é adulta, não precisa ficar o tempo todo com ela, ela já tem muitos interesses próprios. Durante o período em que não desenhei, senti constantemente que estava sentindo falta. Agora não vou desistir de pintar, gosto de ser criativa e pesquisar. Ser artista é para mim o sentido da vida e mais que uma profissão. Criar uma pintura é uma espécie de mistério para mim, embora, claro, do ponto de vista técnico não haja mistério. Mas o processo é sempre intrigante - eu me pergunto o que vai acontecer no final.
- Quais são seus planos para um futuro próximo? Você gostaria de ter sua própria oficina?
Quero muito participar de exposições, e não me isolar no meu próprio espaço. Espero que em breve possa fazer uma exposição pessoal na escola de artes. E o workshop talvez seja apenas uma questão de um futuro distante. Por enquanto, todos os meus trabalhos cabem no apartamento. Concluímos recentemente reformas. As paredes foram especialmente pintadas de branco para que as pinturas pudessem ser penduradas. Organizei o espaço de trabalho para que houvesse ar e muita luz. Até agora não está repleto de todos os tipos de objetos e detalhes interessantes, mas acho que isso não vai durar muito.
Em um verão rural sufocante ou em uma nevasca prolongada. Sem sair de casa, você pode encontrar inspiração em frutas comuns ou flores inusitadas. O sujeito não tenta virar a cabeça, como num retrato, e não transforma sombras em luz a cada segundo, como numa paisagem. Isso é o que há de bom no gênero de natureza morta. E “natureza morta” traduzida do francês, ou “ vida tranquila coisas" na versão holandesa, realmente anima o interior. Natalya Letnikova apresenta as 7 melhores naturezas mortas de artistas russos.
"Violetas da floresta e miosótis"
Violetas da floresta e miosótis
A pintura de Isaac Levitan é como um céu azul e uma nuvem branca - do cantor da natureza russa. Somente na tela não há espaços abertos nativos, mas um buquê de flores silvestres. Dentes-de-leão, lilases, centáureas, imortais, samambaias e azáleas... Depois da floresta, o ateliê do artista se transformou em “uma estufa ou uma floricultura”. Levitan adorava naturezas mortas de flores e ensinou seus alunos a ver tanto as cores quanto as inflorescências: “Elas não deveriam cheirar a tinta, mas a flores”.
"maçãs e folhas"
Maçãs e folhas
As obras de Ilya Repin realçam organicamente o cenário brilhante do Museu Russo. O artista itinerante compôs uma composição para seu aluno Valentin Serov. Ficou tão pitoresco que o próprio professor pegou o pincel. Seis maçãs de um jardim comum - machucadas e com “barris”, e um monte de folhas esfarrapadas cores do outono, como fonte de inspiração.
“Buquê de flores. Floxes"
Buquê de flores. Floxes
Pintura de Ivan Kramskoy. “Uma pessoa talentosa não perderá tempo retratando, digamos, bacias, peixes, etc. É bom fazer isso para pessoas que já têm tudo, mas temos muito o que fazer”, escreveu Kramskoy a Vasnetsov. E, no entanto, no final da vida, o famoso retratista não ignorou o gênero da natureza morta. Buquê de floxes em vaso de vidro foi apresentado na XII exposição itinerante. A pintura foi comprada antes do dia da inauguração.
"Natureza morta"
Natureza morta
Kazimir Malevich a caminho do “Quadrado Negro” através do impressionismo e do cubismo, contornando o realismo. Uma tigela de frutas é fruto de buscas criativas, mesmo dentro de uma mesma imagem: linhas pretas grossas da técnica cloisonné francesa, pratos planos e frutas volumosas. Todos os componentes da imagem são unidos apenas pela cor. A característica de um artista é brilhante e rica. Como um desafio às cores pastel vida real.
"Arenque e Limão"
Arenque e limão
Quatro filhos e pintura. Essa combinação na vida de um artista dita inequivocamente o gênero. Foi o que aconteceu com Zinaida Serebryakova. Numerosos retratos de família e naturezas mortas a partir das quais você pode criar um menu: “Cesta de Frutas”, “Espargos e Morangos”, “Uvas”, “Peixe com Verduras”... Nas mãos de um verdadeiro mestre, “arenque e limão” se tornará um obra de arte. Poesia e simplicidade: casca de limão em espiral e peixe sem frescuras.
"Natureza morta com samovar"
Natureza morta com samovar
Aluno de Serov, Korovin e Vasnetsov, “Valete de Ouros” - Ilya Mashkov adorava retratar o mundo ao seu redor e de forma mais vívida. Estatuetas de porcelana e begônias, abóboras... Carne, caça - no espírito dos antigos mestres, e pão de Moscou - esboços do mercado de Smolensk, na capital. E de acordo com a tradição russa, onde estaríamos sem um samovar? Uma natureza morta da área da vida festiva com frutas e pratos coloridos é complementada por uma caveira - uma lembrança da fragilidade da vida.
"Estude com medalhas"
Estude com medalhas
Natureza morta em estilo soviético. O artista do século 20, Anatoly Nikich-Krilichevsky, mostrou em uma pintura toda a vida da primeira campeã mundial soviética de patinação de velocidade, Maria Isakova. Com xícaras, atrás de cada uma delas estão anos de treinamento; medalhas conquistadas em uma luta acirrada; cartas e buquês enormes. Linda foto para o artista e uma crônica artística de sucessos esportivos. Ainda história de vida.
GUACHE
Traduzido de palavra francesa"guache" significa "tinta à base de água". As tintas guache têm grande poder de cobertura e são opacas, embora possam ser diluídas em água (ver Tintas).
Usando a técnica do guache, os artistas pintam em papel, papelão, compensado e seda grossa. As obras têm superfície fosca e aveludada. Mas ao usar o guache surgem suas próprias dificuldades - as tintas clareiam rapidamente após a secagem. É necessária uma experiência considerável para prever o grau de mudança no tom e na cor.
O guache já era amplamente conhecido na Idade Média, quando era usado para criar miniaturas de livros (geralmente em combinação com aquarelas) em muitos países da Ásia e da Europa, e na Renascença - esboços, cartolinas e miniaturas de retratos. Na Rússia, a técnica do guache atingiu alto desenvolvimento na arte final do século XIX- início do século 20 Os artistas V. A. Serov, A. Ya. Golovin, S. V. Ivanov pintaram grandes obras de cavalete em guache, usando com maestria sua cor densa para obter efeitos decorativos impressionantes.
Artistas famosos usam a técnica do guache de diferentes maneiras. Assim, a pintura “Feira” de B. M. Kustodiev foi pintada emoldurada, de forma decorativa. O pintor mostrou as roupas coloridas das pessoas e dos edifícios em geral, especialmente as fileiras de tendas, os telhados e atrás deles uma faixa escura de floresta.
B. M. Kustodiev. Justo.
1908. Papel, guache.
B. M. Kustodiev. Justo.
1908. Papel, guache.
Um notável mestre do guache foi A. S. Stepanov, conhecido por seus trabalhos dedicados a paisagens e animais. Uma de suas melhores obras é “Lobos”. Os predadores, famintos e cautelosos, são escritos de forma surpreendentemente vívida. Sangramento luar, o céu está misteriosamente iluminado. O esquema de cores azul prateado cria uma sensação de frio noturno.
Artistas da associação World of Art frequentemente recorriam à técnica do guache. Muitas vezes combinavam guache com outros materiais. Por exemplo, na obra “A Caminhada do Rei” A. N. Benois usou aquarela, ouro e prata além de guache. A utilização dos dois últimos materiais conferiu à pintura uma pompa tão característica dos então habitantes de Versalhes.
AN Benois. Caminhada do Rei
AN Benois. Caminhada do Rei
1906. Papel sobre papelão, guache, aquarela,
tinta bronze, tinta prateada,
lápis de grafite, caneta, pincel
Galeria Estatal Tretyakov
Muitas vezes, pôsteres e esboços são feitos em guache. cenário teatral, trabalhos de design decorativo.
Como trabalhar com guache
Para trabalhar com guache, o melhor é usar uma paleta de porcelana ou plástico com furos para tintas nas bordas ou apenas um pequeno quadro branco plano (30x40 cm). Os pincéis são redondos e planos (veja Pincéis). Você pode usar pincéis de cerdas ao trabalhar em painéis decorativos, pôsteres e slogans. Mas aqui você também precisará de penas ou paus de pôster, afiados em forma de espátula. E ao trabalhar em uma superfície grande, use uma escova plana - uma escova de cerdas planas. Cubra várias vezes a superfície com guache sem esperar que a tinta seque. Se houver algum desnível, nivele todo o plano com uma flauta úmida. Primeiro, desenhe as listras sequencialmente da esquerda para a direita horizontalmente e depois sobre o revestimento. Não aplique uma camada de tinta muito espessa: ela irá rachar e desmoronar facilmente. O guache seca quando temperatura ambiente dentro de uma hora.
É melhor trabalhar em um tablet, mas você também pode usar uma borracha - um tablet de compensado com uma moldura externa que prende as bordas do papel ou com duas molduras inseridas uma na outra.
Pinte com guache sobre papel de desenho branco, papel de embrulho ou cartolina cinza. Para esticar o papel uniformemente sobre o tablet, coloque-o de forma que as bordas de cada lado sejam 2 a 4 cm maiores que o tablet. Em seguida, molhe os dois lados do papel com uma esponja até que fique liso. Depois disso, seque o papel com algodão e unte as bordas do comprimido com pasta de farinha ou dextrina. Comece a colar pelo meio do tablet, puxando uniformemente em todas as direções. Prenda os cantos com botões. Para secar, coloque o comprimido acabado horizontalmente em um local nivelado, com o papel voltado para cima. Seu material para trabalhar com tintas guache está pronto.
