No Principado de Mônaco, o ano da cultura russa terminou com uma série de “Quebra-Nozes” de Ano Novo no palco do Fórum Grimaldi: no balé do diretor artístico e coreógrafo do Balé de Monte Carlo Jean-Christophe Maillot, os papéis principais foram interpretadas pelos solistas do Teatro Bolshoi Olga Smirnova e Artem Ovcharenko. De Monte Carlo - TATYANA KUZNETSOVA.

Retomada do balé

Durante a produção em Moscou de “A Megera Domada” ao som de Shostakovich (o balé de sucesso, junto com os atores principais, ganhou várias “Máscaras de Ouro” e em algumas semanas será exibido online em cinemas de todo o mundo ), o coreógrafo Jean-Christophe Maillot Ele foi cativado pelos artistas de Moscou e pela segunda vez convidou seus favoritos para Monte Carlo. Desta vez, Olga Smirnova e Artem Ovcharenko dançaram no segundo ato do balé "A Trupe do Quebra-Nozes", que - pela primeira vez na história da companhia - chegou às telonas: a apresentação de Ano Novo foi transmitida para toda a Europa. Este é um sucesso não só para o Balé de Monte Carlo, mas também para o público. “A Trupe do Quebra-Nozes” é o único balé que esta cobiçada companhia não leva em turnê: o artista Alain Lagarde elaborou uma cenografia avassaladora, simulando no primeiro ato um backstage teatral em tamanho real (aula de balé, camarins, salas de fantasias), e no segundo ato transportando os personagens da floresta nevada no cenário de vários balés.

A cenografia segue exatamente o enredo: “A Trupe do Quebra-Nozes”, composta por Jean-Christophe Maillot no final de 2013 para o 20º aniversário de sua gestão como diretor artístico da trupe, é uma história alegre e espirituosa de história moderna Ballet de Monte Carlo (ver "Kommersant" de 11 de janeiro de 2014). O primeiro ato conta a história de uma pequena revolução realizada pela Fada Drosselmeyer, que deu aos seus animais de balé o Quebra-Nozes, um coreógrafo selvagem. Sob personagem de conto de fadas esconde-se a verdadeira princesa Caroline, que confiou a trupe, criada nas tradições clássicas, ao jovem Maillot, cuja invenção temerária encontrou considerável resistência por parte dos solistas mais acadêmicos. O segundo ato é um resumo dos melhores Balés de maionese: "Cinderela", "La Belle" ("Bela Adormecida"), "Le Songe" ("Durma em noite de Verão"), "Romeu e Julieta". Os temas do sono e do amor compartilhado dominam aqui: a menina de óculos Clara, a filha desajeitada dos coreógrafos do primeiro ato (o casal de balé de coreógrafos acadêmicos significa o famoso conjunto Pierre Lacotte - Ghislain Thesmar ), se vê como a heroína de todas as histórias e ao mesmo tempo a estrela da trupe.

Foi o que aconteceu há dois anos, mas durante a retomada o conceito – e o próprio desempenho – sofreram mudanças perceptíveis. O convite das estrelas do Bolshoi reduziu significativamente o papel de Anhara Ballesteros: sua Clara continua sendo uma nanica de óculos que não progrediu além do papel da intimidada Cinderela - Olga Smirnova e seu namorado Artem Ovcharenko atuam em papéis de estrelas. O primeiro-ministro do Teatro Bolshoi permaneceu fiel a si mesmo: impecavelmente prestativo, gentil e acadêmico, nada áspero, nada vulgar - a personificação da inteligência do balé; mesmo no final de circo descontrolado, onde os passos clássicos degeneram em truques, seu jete en tournant de formato soberbo parece delicado e bem comportado. Mas Olga Smirnova, uma petersburguense de origem no balé, famosa por seu rigor e pureza particulares de dança casta, revelou-se diferente de si mesma na coreografia de Mayo. Não, a atuação suculenta com expressões faciais ativas, quase alegres, necessárias e apropriadas nesta performance, ainda lhe é estranha: só os olhos vivem no rosto transparente da bailarina. Porém, seu corpo se livrou completamente da geometria acadêmica: timidez e felicidade, nojo e dor, medo e esperança, langor e desejo - todas as sutilezas dos sentimentos de seus três personagens podem ser lidas nas curvas do corpo, na liberdade movimento dos braços, em mudanças repentinas de poses, no modo sincopado de movimento ocidental. Para os solistas de Moscou, Jean-Christophe Maillot reformulou a coreografia, dando-lhes um adágio romântico completo: nele, o exemplar primeiro-ministro russo apoiou uma prima universal de classe internacional.

Tendo introduzido estrelas estrangeiras na performance, o coreógrafo não se esqueceu das necessidades locais - de reabastecer sua própria trupe. Um fragmento significativo do primeiro ato - aquele em que os intérpretes praticam uma paródia bem-humorada de Balanchine ao som da Serenata de Tchaikovsky - Maillot o reelaborou e deu às crianças da escola de Ballet de Monte Carlo. Os jovens lidaram com sucesso com o texto e a coordenação bastante complexos, embora as meninas, como é típico dos adolescentes, fossem quase uma cabeça mais altas que os seus pares.

Mas duas perdas sofridas pela trupe desde a estreia, há dois anos, revelaram-se irreparáveis. Bernice Coppieters, prima e musa da coreógrafa Mayo, uma bailarina com plasticidade inimitável e carisma cativante, aposentou-se. Marianne Barabas, que a substituiu no papel da fada Drosselmeyer, uma mulher alta, loira, com pernas fortes e bonitas e mãos afiadas, imita o melhor que pode os gestos de sua antecessora, mas não tem nem a aristocracia sedutora e imperiosa, nem a onipotência corporal, nem a perfeição transcendental, nem o humor humano do protótipo. A segunda perda é o próprio Quebra-Nozes. O primeiro intérprete do papel, o pequenino Jeroen Verbruggen, expelindo uma energia frenética, tornou-se coreógrafo e deixou a trupe. O papel foi dado ao primeiro-ministro Stéphane Burgon, um dançarino otimista que, em qualquer papel - de Fausto a Siegfried - demonstra apenas uma auto-satisfação ingénua. Como resultado personagem principal A execução da performance de um neurastênico inspirado, cujos ataques de inspiração autoconfiante são substituídos por cólicas de descrença em si mesmo, transformou-se em um palhaço alegre e despreocupado, provocando quem está ao seu redor sem nenhum prejuízo à saúde mental.

Mas essas mudanças angustiantes são perceptíveis apenas para aqueles que se apaixonaram pela Trupe do Quebra-Nozes nas apresentações há dois anos. A atual retomada, transmitida para toda a Europa, claramente não decepcionou o público: a atuação ainda é brilhante, espirituosa e comovente. Só que a ênfase mudou: em vez da princesa e do coreógrafo, a trupe ganhou destaque. Porém, em plena conformidade com o nome do balé.

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Jean-Christophe Maillot

Biografia:

Jean-Christophe Maillot é um notável coreógrafo e dançarino, vencedor de altos títulos e prêmios: Cavaleiro da Ordem das Artes (França, 1992), Cavaleiro da Ordem do Mérito nas Artes (Mônaco, 1999), Cavaleiro da Legião de Honra, concedida pelo presidente francês Jacques Chirac no ano 2002.

Foi o dançarino principal Balé de Hamburgo sob a direção de John Neumeier. Em 1983, Jean-Christophe Maillot foi nomeado coreógrafo e diretor do Teatro de Tours, que mais tarde se tornou um dos Centros Coreográficos Nacionais da França. Em 1993, Sua Alteza Real a Princesa de Hanôver convidou Jean-Christophe Maillot para o cargo de diretor do Balé de Monte Carlo. Como coreógrafo-chefe da companhia, criou balés que viraram sensação: Romeu e Julieta, Cinderela, Bela, Casa, Recto Verso. JC Maillot retomou uma série de obras-primas dos “Balés Russos” na coreografia de M. Fokine, L. Massine, V. Nijinsky, mas o mais importante, ele expandiu e fortaleceu significativamente o legado de J. Balanchine, que foi importante para o trupe, que considera o maior coreógrafo russo do século XX (hoje já existem dez de suas obras-primas no repertório dos Balés de Monte Carlo).
O jovem diretor abriu ampla liberdade criativa para a trupe, criando mais de 40 produções de estreia, 23 delas em coreografia própria. Além disso, Jean-Christophe Maillot convidou os mais coreógrafos famosos modernidade para trabalhar em sua trupe. Os coreógrafos mais destacados do século XX encenaram apresentações para o Balé de Monte Carlo: Maurice Bejart, John Neumeier, Jiri Kylian, William Forsythe. O "Ballet de Monte Carlo" percorre os palcos dos mais teatros famosos EUA, Europa e Ásia.

Os balés encenados por Jean-Christophe Maillot tornaram-se icónicos e foram apresentados triunfalmente nos palcos dos teatros mais famosos do mundo em Londres, Roma, Madrid, Paris, Bruxelas, Lisboa, Cairo, Nova Iorque, Cidade do México, Rio de Janeiro, São Paulo, Hong Kong, Seul, Tóquio.

Filmes de Jean-Christophe Maillot:

Um enredo de conto de fadas, absoluta liberdade de busca e experimentação com os clássicos. O Ballet Monte Carlo, que veio para o festival Dance Inversion, trouxe uma de suas apresentações mais famosas, La Belle. O famoso coreógrafo Jean-Christophe Maillot repensou a trama de Charles Perot ao som da música de Tchaikovsky e apresentou ao público sua “Beleza”, enfatizando: esta trabalho independente. E a julgar pelas críticas, ele conseguiu surpreender o público. Os críticos declaram unanimemente: “Esta é uma obra-prima!”

O balé ainda não começou, mas já existe um clima mágico no salão. Jean-Christophe Maillot, como um contador de histórias, reuniu ao seu redor sua trupe internacional e conta como criar magia em movimento.

Últimas instruções antes da estreia no palco do Bolshoi. Jean-Christophe Maillot se interessa não apenas pelas sutilezas da coreografia, mas também pelos personagens. Todos os seus balés são verdadeiras performances dramáticas.

E este não é exceção. “A Bela Adormecida” como nunca antes vista. Não é uma história infantil - análise psicológica fonte primária - conto de fadas antigo Charles Perrault, onde o beijo salvador não é um final feliz, mas apenas o começo.

“Existem dois mundos aqui - o Príncipe e a Bela. Seus pais a amavam e a protegiam demais. Ela não está pronta para a realidade. Mas a mãe, ao contrário, não amava nada o Príncipe, e ele também é vulnerável e indefeso diante da vida. O excesso de amor é tão perigoso para uma pessoa quanto a falta dele”, afirma o coreógrafo e diretor do Balé de Monte Carlo, Jean-Christophe Maillot.

A tão esperada filha real vive em uma bola transparente de ilusões, fechada ao mundo exterior. E se no conto de fadas a Bela adormece depois de se espetar num fuso, aqui ela sofre um trauma mental, saindo do casulo e enfrentando a cruel realidade.

O beijo de dois minutos e meio não é nada balé – é um artifício dramático: uma mulher nasce numa menina. A coreógrafa convidou a prima do Bolshoi Olga Smirnova, uma bailarina clássica formada em São Petersburgo, para interpretar esta jornada de crescimento duramente conquistada. E mais uma vez mostrou com que maestria sabe combinar tradição e vanguarda; o dueto da Bela e do Príncipe foi considerado pela crítica uma obra-prima do mestre;

“Ele me dá uma sensação do meu corpo, para encontrar a plasticidade; esse sentimento de veracidade no palco, quando você não está limitado por limites dança clássica"- diz a primeira bailarina do Teatro Bolshoi da Rússia Olga Smirnova.

As apresentações de Mayo são uma mistura de estilos e gêneros: “O Quebra-Nozes” - na arena do circo, “ Lago de cisnes"- um drama nas melhores tradições do filme noir e "A Megera Domada" do nosso tempo. 80 obras, e cada uma delas é sobre nós hoje. Por isso, a produção atual tem até um nome diferente: La Belle – “A Bela”. Não deve ser confundido com balé clássico. Tudo o que restou dele foi a música de Tchaikovsky.

“Para aumentar a tensão e o drama da performance, para mostrar os lados mais sombrios e profundos deste conto de fadas, usei fragmentos da música de Tchaikovsky da abertura Romeu e Julieta”, diz Jean-Christophe Maillot.

Esta “Bela Adormecida” não clássica é apresentada pelo Monte Carlo Ballet no âmbito do festival Dance Inversion, que mostra todas as conquistas da coreografia moderna. Síntese de formas de balé, música e dramaturgia.

“Esses dois espaços de dança clássica e contemporânea discutiam muito há 25 anos, eram muito ativos, às vezes discutindo agressivamente, mas hoje esses dois espaços estão convergindo”, explica diretor artistico Festival de Inversão de Dança Irina Chernomura.

Os fãs de balé verão o Lago dos Cisnes da Irlanda com música folclórica em vez de Tchaikovsky. O inesperado "Quebra-Nozes" da Suíça. Toda a beleza de “O Corpo do Ballet” - este é o nome da produção da trupe de Marselha. Nos próximos dois meses, coreógrafos de oito países mostrarão quão diversa e poderosa a linguagem da dança pode ser.

Tudo o que acontece no Ballet Theatre de Monte Carlo parece-nos importante e próximo - afinal, é dirigido por Jean-Christophe Maillot, coreógrafo por quem nos apaixonamos à primeira vista, tendo visto o seu ballet Daphnis e Chloe em 2012 . Em seguida, ele encenou “A Megera Domada” no Teatro Bolshoi, e nesta temporada nos mostrou “Cinderela” (em São Petersburgo) e “Beleza” (em Moscou). Jean-Christophe é uma personalidade interessante e encantadora. Em entrevista a Olga Rusanova, ele falou sobre seu interesse pelos balés sem enredo, Marius Petipa e como é ser coreógrafo na pequena Mônaco.

Abstração é vida?

O público conhece bem a minha história de balé, e esta é realmente uma parte importante do meu trabalho. Mas também tenho grande prazer em criar movimentos em forma pura que estão relacionados à música. Sim, essa arte parece abstrata, mas não acredito que exista algo completamente abstrato, pois tudo que uma pessoa faz carrega algum tipo de emoção, sentimento. Além disso, adoro explorar esta ligação muito específica entre movimento e música. E quando não tenho que me ater a uma história, posso ser mais ousado, até arriscar na exploração da coreografia. Esta é uma espécie de laboratório que me fascina. E esta é também uma parte importante do meu trabalho, talvez menos conhecida, mas, se quiserem, contém a essência do ballet, do movimento como tal.

Meu o último balé“Abstraction/Life” foi criada com música completamente nova – concerto para violoncelo Compositor francês Bruno Mantovani intitulado “Abstração”. É uma partitura muito grande – quase 50 minutos, e me inspira a ideia de trabalhar junto com o compositor.

Claro, também gostei de trabalhar com a música de Shostakovich - quero dizer o balé “A Megera Domada”, quando a partir de suas obras parecia criar uma nova partitura para um balé que não existia na realidade. Mas ainda assim, quando um compositor compõe especificamente para mim, a questão é completamente diferente. Além disso, a atual noite de balé consiste em duas partes - na primeira parte há um balé de George Balanchine ao som do Concerto para Violino de Stravinsky. Deixe-me lembrá-lo da frase de Balanchine: “Tento ouvir a dança e ver a música”. Então, seguindo Balanchine, quero fazer com que a música pareça visível. Muitas vezes Música contemporânea difícil de entender por si só. E a dança e o movimento permitem “revivê-lo”, torná-lo mais natural para a percepção. Tia. Neste momento, algo realmente acontece milagre... Em geral, como coreógrafo, sempre componho uma dança junto com a música, não consigo imaginar um único passo, um único movimento sem ela, porque, na minha opinião, a música é uma arte ordem superior, sempre dirigido às emoções, mesmo que seja complexo e incompreensível. E é a dança, o movimento do corpo que consegue transmitir essa emoção, como se fosse contá-la, e isso, você vê, é comovente.

E mais longe. O artista deve ser testemunha da época em que vive, dar informações sobre mundo real. Falei sobre isso com o autor do Concerto, Bruno Mantovani. Sua música às vezes é muito complexa e áspera, como você já ouviu falar. Ele disse: “No século 20, e ainda mais hoje, a crueldade está em toda parte. O mundo está crescendo, há cada vez mais pessoas. São muitos medos, questionamentos, confusões... Não posso escrever músicas ternas, suaves, tenho que refletir a realidade.”

Petipa, Diaghilev e Instagram

Petipa é algo excepcional, especial, único. Não havia outros coreógrafos como ele naquela época. Acho que ele foi um dos primeiros a ter o conceito de dança como uma linguagem autossuficiente à qual nada precisa ser inventado ou acrescentado. No caso dele, o balé em si é suficiente para construir uma performance.

Por que ainda falamos sobre Petipa até hoje? – Porque está no centro de tudo o que o balé é. Ninguém estaria onde está hoje se não fosse pelo que Petipa fez. Ele é o ponto de partida, o início do conhecimento sobre o balé que temos hoje. E como ele atravessou anos, séculos, gerações, significa que foi algo muito importante, e isso é óbvio.

E hoje, ao criar um balé de grande história, ainda pensamos no Lago dos Cisnes, porque esta é a base balé clássico, em que todo coreógrafo confia. Esta foi a primeira base sobre a qual se poderia construir mais novo conceito, um novo estilo pensando, novas ideias. Naquela época não existia vídeo, não existia cinema, só tínhamos essa capacidade muito específica da dança de transferir esse conhecimento através do tempo, através das gerações.

Pois bem, o fenómeno de Petipa também é interessante como exemplo de interpenetração de culturas. Os seus ballets mostram há muitos anos que a dança é uma excelente base de comunicação à escala internacional, porque é o nosso linguagem mútua. Quando eu cheguei Grande Teatro e trabalhei com os solistas da trupe, não pude deixar de pensar em Petipa, em como esse francês veio de Marselha para a Rússia e, tendo conhecido a cultura russa, os dançarinos russos, tentou combinar as duas culturas.

É muito importante lembrar isto, especialmente hoje, porque as diferenças entre culturas estão gradualmente desaparecendo. Estamos nos fundindo cada vez mais, nos misturando. Parece que recentemente, se não víssemos os nossos colegas durante 5-6 anos, não sabíamos o que estavam a fazer, mas agora – graças às redes sociais, ao Instagram – a informação flui continuamente. Tudo parece estar acontecendo em todos os lugares ao mesmo tempo. Isso é bom e ruim.

Estou pensando: o que teria acontecido com Grigorovich se o Facebook e tudo o que existia naquela época, se ele soubesse o que Trisha Brown estava fazendo em Nova York na mesma época? Tudo em seus balés seria igual? É improvável e provavelmente só poderíamos nos arrepender.

O estilo dos dançarinos russos era inicialmente completamente diferente daquele dos dançarinos franceses e americanos, mas o tempo passa e você entende que o que era diferente há 20 anos está agora cada vez mais apagado, dissolvido e aproximado. E vejo isso na minha companhia, onde dançam representantes de diversas nacionalidades.

Universalidade de pensamento, estilo, estética - sim, em alguns aspectos isso é ótimo, mas aos poucos perderemos nossa identidade. Nós, sem querer, estamos nos copiando cada vez mais. E talvez tenha sido Petipa um dos primeiros a provocar esse processo. Foi ele quem, tendo saído da França, trouxe a sua cultura para outro país, para a Rússia. E talvez seja por isso que ela se tornou tão extraordinária...

Em geral, penso que a tarefa de cada artista é voltar-se para o que foi feito antes de si, conhecer o património, tratá-lo com respeito e curiosidade. Conhecer a história é muito importante, mas ao mesmo tempo, em algum momento é preciso “esquecer” esse conhecimento para seguir em frente. Muitas vezes me perguntam sobre a trupe Russian Seasons de Sergei Diaghilev, que trabalhou em Monte Carlo - onde funciona nosso teatro. Claro, foi um fenômeno interessante quando a companhia reuniu compositores, artistas, coreógrafos e apresentou dois ou três balés por noite. Muitas pessoas fazem isso hoje, mas naquela época foram as primeiras. Para mim, as temporadas russas de Diaghilev não são menos importantes que as de Petipa.

Dançarina Bejarovsky

Eu cresci em uma família de teatro. Meu pai era cenógrafo no Opera and Ballet Theatre. Em casa, no Tour, reuniam-se cantores, bailarinos, encenadores, pode-se dizer que nasci e cresci no teatro. Fiquei lá por horas. É por isso que não gosto de ópera primeiros anos a via demais. Ao mesmo tempo, não diria que cresci no mundo da dança, mas sim num ambiente artístico. Durante muito tempo não pude realmente me considerar um especialista na área da dança – até os 32 anos.

Fui dançarina - estudei no conservatório de Tours, depois em Cannes. Não entendi muito de dança, sempre me interessei mais pelas questões da vida do que pelas questões da história da coreografia. Lembro-me de como, quando criança, fiquei impressionado com Maurice Bejart, especialmente com sua peça “Nijinsky, o palhaço de Deus”. E quando estava no quintal (e eu não cresci na área mais respeitável da minha cidade natal, Tours) os meninos perguntaram: “Que tipo de dançarina é você? Clássico ou Bezharovsky?”, respondi: “Bezharovsky”. Caso contrário, eles provavelmente não teriam me compreendido e talvez tivessem me batido. Crescemos com uma cultura de dança popular e não clássica.

Aí comecei a aprender algo importante sobre balé, principalmente através dos bailarinos: estou falando de Baryshnikov em Giselle, de Makarova em O Lago dos Cisnes. Eu descobri Balanchine - e encenamos dezenove de seus balés em nossa companhia.

O principal são os dançarinos

Eu realmente descobri Yuri Grigorovich em 2012, depois de ver seu balé “Ivan, o Terrível”. Fiquei maravilhado, cativado. O que mais me impressionou não foi a coreografia - que por si só é muito interessante - mas sim os bailarinos, o seu envolvimento, a sua crença no que estão a fazer. Isso me tocou. E percebi novamente que os bailarinos são o principal no balé. Sim, claro, eles precisam de um coreógrafo, mas um coreógrafo não é nada sem dançarinos. Não devemos esquecer isso. Esta é minha obsessão, se você quiser. Meu trabalho é estar em estúdio com pessoas – pessoas especiais: frágeis, vulneráveis ​​e muito honestas, mesmo quando mentem. Sempre me interesso pelos artistas com quem compartilho a música, pela linguagem da dança através da qual podem expressar o que sentimos juntos. E sempre esperamos que essa onda de emoções seja transmitida do palco para o público e nos una a todos.

Feliz no isolamento

Não me sinto muito ligada ao mundo do balé: aqui em Mônaco estou de certa forma “isolada”. Mas gosto deste lugar porque se parece comigo. Este país é especial - muito pequeno, apenas dois quilômetros quadrados, mas todo mundo sabe disso. O Mónaco é um lugar muito sedutor: não há greves, não há problemas sociais e económicos, não há conflitos, não há pobres, não há desempregados. A Princesa Caroline de Mônaco criou uma oportunidade maravilhosa para eu trabalhar aqui por 25 anos. Não faço parte de instituições poderosas como o Royal Ballet, o Teatro Bolshoi, Ópera de Paris, parte de empresas internacionais. Estou sozinho, mas posso trazer o mundo inteiro aqui.

E estando aqui “isolado”, estou feliz. E se amanhã o mundo do balé me ​​boicotar, tudo bem, vou trabalhar aqui. Nem o príncipe nem a princesa me disseram: “Você deve fazer isto ou aquilo”. Tenho uma oportunidade maravilhosa de ser honesto, independente e livre. Posso fazer o que quiser: encenar peças, realizar festivais.

Não há outro teatro em Mônaco. E procuro dar o máximo possível ao público local, não limitando-o ao repertório do Ballet Theatre de Monte Carlo. Se tivessem visto apenas os nossos balés todos estes anos, isso significaria que estou enganando o público sobre o que está acontecendo em mundo do balé. Minha tarefa é trazer aqui companhias clássicas e modernas e outros coreógrafos. Quero que as pessoas que vivem aqui tenham as mesmas oportunidades que os parisienses e os moscovitas. Então tenho que fazer tudo de uma vez: encenar balés, além de turnês, festivais e também a Academia de Balé. Mas a minha tarefa era encontrar um diretor profissional, não para fazer o trabalho por ele, mas para apoiá-lo.

Em geral, quanto mais pessoas talentosas ao seu redor, mais interessante e fácil será para você fazer o seu trabalho. Eu gosto pessoas pequenas por perto - eles tornam você mais inteligente.

Odeio a ideia de que um diretor tem que ser um monstro, ser forte, fazer com que as pessoas tenham medo dele. Não é difícil exercer poder sobre pessoas que aparecem praticamente nuas na sua frente todos os dias. Mas estas são pessoas muito vulneráveis ​​e inseguras. E você não pode abusar do seu poder. E adoro dançarinos, até simpatizo com os fracos, porque eles têm um trabalho especial. Você pede a um artista que mostre maturidade aos vinte anos, mas pessoas comuns chega apenas aos quarenta, e acontece que quando a verdadeira maturidade chega ao dançarino, o corpo “vai embora”.

A nossa empresa – não direi “família”, porque os artistas não são meus filhos – é uma empresa de pessoas que pensam como eu. Nunca tive um relacionamento com uma trupe cheia de medo, raiva e conflito. Isso não é meu.

Ser coreógrafo significa conectar pessoas com escola diferente, mentalidades diferentes, para que criem uma performance, e ao mesmo tempo, no processo de criação, nunca se sabe exatamente quem exatamente acabará sendo o elo mais importante. É sempre um esforço de equipe.

Tudo o que acontece no Ballet Theatre de Monte Carlo parece-nos importante e próximo - afinal, é dirigido por Jean-Christophe Maillot, coreógrafo por quem nos apaixonamos à primeira vista, tendo visto o seu ballet Daphnis e Chloe em 2012 . Em seguida, ele encenou “A Megera Domada” no Teatro Bolshoi, e nesta temporada nos mostrou “Cinderela” (em São Petersburgo) e “Beleza” (em Moscou). Jean-Christophe é uma personalidade interessante e encantadora. Em entrevista a Olga Rusanova, ele falou sobre seu interesse pelos balés sem enredo, Marius Petipa e como é ser coreógrafo na pequena Mônaco.

Abstração é vida?

O público conhece bem a minha história de balé, e esta é realmente uma parte importante do meu trabalho. Mas também tenho grande prazer em criar movimentos puros que se relacionam com a música. Sim, essa arte parece abstrata, mas não acredito que exista algo completamente abstrato, pois tudo que uma pessoa faz carrega algum tipo de emoção, sentimento. Além disso, adoro explorar esta ligação muito específica entre movimento e música. E quando não tenho que me ater a uma história, posso ser mais ousado, até arriscar na exploração da coreografia. Esta é uma espécie de laboratório que me fascina. E esta é também uma parte importante do meu trabalho, talvez menos conhecida, mas, se quiserem, contém a essência do ballet, do movimento como tal.

Meu último balé “Abstração/Vida” foi criado com uma música completamente nova – um concerto para violoncelo do compositor francês Bruno Mantovani chamado “Abstração”. É uma partitura muito grande – quase 50 minutos, e me inspira a ideia de trabalhar junto com o compositor.

Claro, também gostei de trabalhar com a música de Shostakovich - quero dizer o balé “A Megera Domada”, quando a partir de suas obras parecia criar uma nova partitura para um balé que não existia na realidade. Mas ainda assim, quando um compositor compõe especificamente para mim, a questão é completamente diferente. Além disso, a atual noite de balé consiste em duas partes - na primeira parte há um balé de George Balanchine ao som do Concerto para Violino de Stravinsky. Deixe-me lembrá-lo da frase de Balanchine: “Tento ouvir a dança e ver a música”. Então, seguindo Balanchine, quero fazer com que a música pareça visível. Freqüentemente, a música moderna é difícil de perceber por si só. E a dança e o movimento permitem “revivê-lo”, torná-lo mais natural para a percepção. Tia. Neste momento, algo realmente acontece milagre... Em geral, como coreógrafo, sempre componho uma dança junto com a música, não consigo imaginar um único passo, um único movimento sem ela, porque, na minha opinião, a música é uma arte da mais alta ordem, sempre dirigido às emoções, mesmo que seja complexo e incompreensível . E é a dança, o movimento do corpo que consegue transmitir essa emoção, como contá-la, e isso, você vê, é comovente.

E mais longe. O artista deve ser testemunha da época em que vive, fornecer informações sobre o mundo real. Falei sobre isso com o autor do Concerto, Bruno Mantovani. Sua música às vezes é muito complexa e áspera, como você já ouviu falar. Ele disse: “No século 20, e ainda mais hoje, a crueldade está em toda parte. O mundo está crescendo, há cada vez mais pessoas. São muitos medos, questionamentos, confusões... Não posso escrever músicas ternas, suaves, tenho que refletir a realidade.”

Petipa, Diaghilev e Instagram

Petipa é algo excepcional, especial, único. Não havia outros coreógrafos como ele naquela época. Acho que ele foi um dos primeiros a ter o conceito de dança como uma linguagem autossuficiente à qual nada precisa ser inventado ou acrescentado. No caso dele, o balé em si é suficiente para construir uma performance.

Por que ainda falamos sobre Petipa até hoje? – Porque está no centro de tudo o que o balé é. Ninguém estaria onde está hoje se não fosse pelo que Petipa fez. Ele é o ponto de partida, o início do conhecimento sobre o balé que temos hoje. E como ele atravessou anos, séculos, gerações, significa que foi algo muito importante, e isso é óbvio.

E hoje, ao criar um balé de grande história, ainda pensamos no Lago dos Cisnes, porque essa é a base do balé clássico, na qual todo coreógrafo confia. Esta foi a primeira base sobre a qual foi possível construir ainda mais um novo conceito, um novo estilo de pensamento, novas ideias. Naquela época não havia vídeo, não havia cinema, só tínhamos essa capacidade muito específica da dança de transferir esse conhecimento através do tempo, através das gerações.

Pois bem, o fenómeno de Petipa também é interessante como exemplo de interpenetração de culturas. Os seus balés mostram há muitos anos que a dança é uma excelente base para a comunicação à escala internacional, porque é a nossa língua comum. Quando vim para o Teatro Bolshoi e trabalhei com os solistas da trupe, não pude deixar de pensar em Petipa, em como esse francês veio de Marselha para a Rússia e, tendo conhecido a cultura russa, os dançarinos russos, tentou combinar ambos culturas.

É muito importante lembrar isto, especialmente hoje, porque as diferenças entre culturas estão gradualmente desaparecendo. Estamos nos fundindo cada vez mais, nos misturando. Parece que recentemente, se não víssemos os nossos colegas durante 5-6 anos, não sabíamos o que estavam a fazer, mas agora – graças às redes sociais, ao Instagram – a informação flui continuamente. Tudo parece estar acontecendo em todos os lugares ao mesmo tempo. Isso é bom e ruim.

Estou pensando: o que teria acontecido com Grigorovich se o Facebook e tudo o que existia naquela época, se ele soubesse o que Trisha Brown estava fazendo em Nova York na mesma época? Tudo em seus balés seria igual? É improvável e provavelmente só poderíamos nos arrepender.

O estilo dos dançarinos russos era inicialmente completamente diferente daquele dos dançarinos franceses e americanos, mas o tempo passa e você entende que o que era diferente há 20 anos está agora cada vez mais apagado, dissolvido e aproximado. E vejo isso na minha companhia, onde dançam representantes de diversas nacionalidades.

Universalidade de pensamento, estilo, estética - sim, em alguns aspectos isso é ótimo, mas aos poucos perderemos nossa identidade. Nós, sem querer, estamos nos copiando cada vez mais. E talvez tenha sido Petipa um dos primeiros a provocar esse processo. Foi ele quem, tendo saído da França, trouxe a sua cultura para outro país, para a Rússia. E talvez seja por isso que ela se tornou tão extraordinária...

Em geral, penso que a tarefa de cada artista é voltar-se para o que foi feito antes de si, conhecer o património, tratá-lo com respeito e curiosidade. Conhecer a história é muito importante, mas ao mesmo tempo, em algum momento é preciso “esquecer” esse conhecimento para seguir em frente. Muitas vezes me perguntam sobre a trupe Russian Seasons de Sergei Diaghilev, que trabalhou em Monte Carlo - onde funciona nosso teatro. Claro, foi um fenômeno interessante quando a companhia reuniu compositores, artistas, coreógrafos e apresentou dois ou três balés por noite. Muitas pessoas fazem isso hoje, mas naquela época foram as primeiras. Para mim, as temporadas russas de Diaghilev não são menos importantes que as de Petipa.

Dançarina Bejarovsky

Eu cresci em uma família de teatro. Meu pai era cenógrafo no Opera and Ballet Theatre. Em casa, no Tour, reuniam-se cantores, bailarinos, encenadores, pode-se dizer que nasci e cresci no teatro. Fiquei lá por horas. É por isso que não gosto de ópera - vi muito desde muito cedo. Ao mesmo tempo, não diria que cresci no mundo da dança, mas sim num ambiente artístico. Durante muito tempo não pude realmente me considerar um especialista na área da dança – até os 32 anos.

Fui dançarina - estudei no conservatório de Tours, depois em Cannes. Não entendi muito de dança, sempre me interessei mais pelas questões da vida do que pelas questões da história da coreografia. Lembro-me de como, quando criança, fiquei impressionado com Maurice Bejart, especialmente com sua peça “Nijinsky, o palhaço de Deus”. E quando estava no quintal (e eu não cresci na área mais respeitável da minha cidade natal, Tours) os meninos perguntaram: “Que tipo de dançarina é você? Clássico ou Bezharovsky?”, respondi: “Bezharovsky”. Caso contrário, eles provavelmente não teriam me compreendido e talvez tivessem me batido. Crescemos com uma cultura de dança popular e não clássica.

Aí comecei a aprender algo importante sobre balé, principalmente através dos bailarinos: estou falando de Baryshnikov em Giselle, de Makarova em O Lago dos Cisnes. Eu descobri Balanchine - e encenamos dezenove de seus balés em nossa companhia.

O principal são os dançarinos

Eu realmente descobri Yuri Grigorovich em 2012, depois de ver seu balé “Ivan, o Terrível”. Fiquei maravilhado, cativado. O que mais me impressionou não foi a coreografia - que por si só é muito interessante - mas sim os bailarinos, o seu envolvimento, a sua crença no que estão a fazer. Isso me tocou. E percebi novamente que os bailarinos são o principal no balé. Sim, claro, eles precisam de um coreógrafo, mas um coreógrafo não é nada sem dançarinos. Não devemos esquecer isso. Esta é minha obsessão, se você quiser. Meu trabalho é estar em estúdio com pessoas – pessoas especiais: frágeis, vulneráveis ​​e muito honestas, mesmo quando mentem. Sempre me interesso pelos artistas com quem compartilho a música, pela linguagem da dança através da qual podem expressar o que sentimos juntos. E sempre esperamos que essa onda de emoções seja transmitida do palco para o público e nos una a todos.

Feliz no isolamento

Não me sinto muito ligada ao mundo do balé: aqui em Mônaco estou de certa forma “isolada”. Mas gosto deste lugar porque se parece comigo. Este país é especial - muito pequeno, apenas dois quilômetros quadrados, mas todo mundo sabe disso. O Mónaco é um lugar muito sedutor: não há greves, não há problemas sociais e económicos, não há conflitos, não há pobres, não há desempregados. A Princesa Caroline de Mônaco criou uma oportunidade maravilhosa para eu trabalhar aqui por 25 anos. Não faço parte de instituições poderosas como o Royal Ballet, o Teatro Bolshoi, a Ópera de Paris, nem faço parte de companhias internacionais. Estou sozinho, mas posso trazer o mundo inteiro aqui.

E estando aqui “isolado”, estou feliz. E se amanhã o mundo do balé me ​​boicotar, tudo bem, vou trabalhar aqui. Nem o príncipe nem a princesa me disseram: “Você deve fazer isto ou aquilo”. Tenho uma oportunidade maravilhosa de ser honesto, independente e livre. Posso fazer o que quiser: encenar peças, realizar festivais.

Não há outro teatro em Mônaco. E procuro dar o máximo possível ao público local, não limitando-o ao repertório do Ballet Theatre de Monte Carlo. Se eles tivessem visto nossos balés durante todos esses anos, isso significaria que eu estava enganando o público sobre o que estava acontecendo no mundo do balé. Minha tarefa é trazer aqui companhias clássicas e modernas e outros coreógrafos. Quero que as pessoas que vivem aqui tenham as mesmas oportunidades que os parisienses e os moscovitas. Então tenho que fazer tudo de uma vez: encenar balés, além de turnês, festivais e também a Academia de Balé. Mas a minha tarefa era encontrar um diretor profissional, não para fazer o trabalho por ele, mas para apoiá-lo.

Em geral, quanto mais pessoas talentosas ao seu redor, mais interessante e fácil será para você fazer o seu trabalho. Gosto de pessoas inteligentes por perto - elas tornam você mais inteligente.

Odeio a ideia de que um diretor tem que ser um monstro, ser forte, fazer com que as pessoas tenham medo dele. Não é difícil exercer poder sobre pessoas que aparecem praticamente nuas na sua frente todos os dias. Mas estas são pessoas muito vulneráveis ​​e inseguras. E você não pode abusar do seu poder. E adoro dançarinos, até simpatizo com os fracos, porque eles têm um trabalho especial. Você pede a um artista que mostre maturidade aos vinte anos, mas para as pessoas comuns isso só acontece aos quarenta, e acontece que quando a verdadeira maturidade chega ao dançarino, o corpo “vai embora”.

A nossa empresa – não direi “família”, porque os artistas não são meus filhos – é uma empresa de pessoas que pensam como eu. Nunca tive um relacionamento com uma trupe cheia de medo, raiva e conflito. Isso não é meu.

Ser coreógrafo é conectar pessoas com escolas diferentes, mentalidades diferentes, para que criem uma performance, e ao mesmo tempo, no processo de criação, nunca se sabe exatamente quem acabará sendo o elo mais importante. É sempre um esforço de equipe.