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Apesar de o Japão ser geralmente considerado um país de tecnologias emergentes em todo o mundo, a arte contemporânea contemporânea não tem pressa em romper os laços com a tradição. A exposição “Mono não consciente. The Charm of Things" é uma triste história sobre a condição humana na era do plástico.

Mono no consciente - princípio estético característico da cultura japonesa, que deu nome à exposição, significa o encanto triste das coisas, um sentimento de fascínio pela beleza óbvia e implícita das coisas e dos fenômenos, com o tom obrigatório de tristeza sem causa causada pela sensação de ilusória e fragilidade de tudo o que é visível. Está integralmente associado à religião tradicional japonesa do Xintoísmo. Os xintoístas acreditam que todas as coisas são dotadas de uma essência espiritual "kami". Existe em qualquer objeto: na madeira e na pedra. Os “Kami” são imortais e estão incluídos no ciclo de vida e morte, através do qual tudo no mundo se renova constantemente.

E embora a arte contemporânea fale uma língua internacional, é melhor olhar para a arte contemporânea japonesa apresentada nesta exposição a partir da perspectiva das suas tradições.

A instalação introdutória do artista Hiraki Sawa ocupa uma sala inteira e é um teatro de sombras de atores com utensílios domésticos. É construído com base no princípio de uma ferrovia infantil. Um trem com uma lanterna passa pela paisagem criada pelo artista, um raio de luz cria um macro mundo a partir do micro mundo das coisas. E agora este é um bosque de bétulas, e não lápis verticais; e estas são linhas de energia nos campos, não prendedores de roupa pendurados; e uma bacia de plástico invertida com alças é um túnel. A obra se chama “Inside”, foi exibida anteriormente na Bienal de Veneza.

A pintura de Shinishiro Kano pode ser chamada de surrealismo primitivo. Na natureza morta de Kano, há uma bola de basquete, o planeta Terra e frutas em um prato.

A pintura não contém a pintura em si, mas apenas a moldura pintada a óleo. Em uma tela, a figura de uma divindade em um quimono vermelho é combinada com uma toalha vermelha pendurada em um gancho em outra. Esta série de pinturas é sobre a natureza ilusória do mundo? Ou talvez que tudo tenha um “kami”.

Na pintura de Masaya Chiba, tendo como pano de fundo uma bela selva, há duas figuras: criaturas antropomórficas, em decomposição de matéria branca, que mal se assemelham a um homem e a uma mulher. Eles estão presos a varas como fantoches teatrais orientais. A matéria é perecível, é apenas uma casca - como se o autor quisesse nos contar. Seu outro trabalho de pintura“The Sleeping Man” é quase a mesma coisa. Não há ninguém na foto, há apenas um punhado de coisas na poltrona: fotos e cartões postais antigos, cactos cultivados, luvas, fitas cassete favoritas, um pote de temperos e um conjunto de ferramentas.

O artista Teppei Kanueji usa o mesmo princípio para “esculpir” (objeto construído) seu homem: ele cola lixo doméstico na forma de uma criatura antropomórfica e cobre-o com tinta branca.

Uma enorme mandola está forrada com sal no chão; este é um ritual tradicional do templo japonês, aparentemente vindo do Budismo. Esse trabalho de joalheria é de tirar o fôlego, seja um labirinto ou um mapa de uma terra misteriosa, e que sorte não haver vento no museu. Esta instalação é única; o artista a criou durante vários dias dentro das paredes do museu. Há também uma tradição japonesa interessante: antes de uma luta, os lutadores de sumô borrifam sal no chão.

A instalação "From Evian to Volvik" de Hiroaki Morita revela bastante tópico interessante moderno para o Japão - processamento de plástico. Há uma garrafa de água Evian na prateleira de vidro; sua sombra cai exatamente no gargalo de outra garrafa Volvik que está no chão. Cria-se a ilusão de que a água está fluindo de garrafa em garrafa. Absurdo à primeira vista. Para os japoneses, esta obra conceitual não simboliza apenas o ciclo do “kami”, ou seja, a essência espiritual, mas também no sentido literal o princípio da reciclagem - processamento de materiais recicláveis. Sendo uma nação insular, o Japão foi um dos primeiros a aprender como recolher, separar e reciclar resíduos plásticos. A partir do material resultante, não apenas novas garrafas e tênis são reproduzidos, mas até ilhas artificiais são criadas.

A instalação de Teppei Kuneuji à primeira vista lembra uma estação de triagem de resíduos. Os objetos de plástico são dispostos aqui em diferentes sequências: conchas, moldes, brinquedos diversos, cabides, escovas de dente coloridas, mangueiras, copos e outros. Polvilhados com pó branco, parece que estão ali desde sempre. Ao caminhar entre esses objetos familiares, mas que não são mais usados, contemplando-os à distância, você tem uma sensação semelhante à meditação em um jardim de pedras. Em suas colagens de fotos, Teppei Kuneuji constrói “mentalmente” torres a partir de resíduos de construção. Mas estas não são correntes cinéticas como as da dupla artística Fischli e Weiss, mas como uma estrutura sagrada budista na qual a pedra é presa à pedra sem material de fixação.

A artista Suda Yoshihiro colocou uma madeira habilmente feita rosa rosa com uma pétala caída. Olhando para esta intervenção tão sutil e poética no museu, quero começar falando em poesia japonesa do gênero haicai, como: “Inverno. Até uma rosa num museu floresce para sempre.”

Outra obra igualmente poética, “O Oposto do Volume” de Onishi Yasuaki, refere-se à obra do pintor medieval e monge Zen Toyo Sesshu. Este clássico japonês é famoso por trazer ao país sol Nascente desenho chinês rímel monocromático.

A instalação de Yasuaki representa a silhueta volumétrica de uma montanha em polietileno cinza, com correntes (como chuva) de plástico líquido congelado caindo do teto sobre ela. Fala-se em fazer uma montanha “vazia” sob uma chuva torrencial, como se fosse um monocromático pinturas de Toyo Sessus, o artista teve que construir uma montanha de caixas, cobri-la com polietileno fino e depois pingar plástico quente do teto.

Por fim, a instalação de Kengo Kito: guirlandas de aros esportivos de plástico colorido pendurados, como se “saudações japonesas” fossem trazidas à Rússia para jogos Olímpicos. É interessante que na exposição “O Encanto das Coisas” o plástico seja utilizado como material com o qual os artistas japoneses tocam não só questões ambientais, mas também espirituais.

A cena artística japonesa contemporânea parece estar completamente globalizada. Os artistas se deslocam entre Tóquio e Nova York, quase todos receberam educação europeia ou americana e falam sobre seu trabalho em inglês artístico internacional. No entanto, este quadro está longe de estar completo.

Os formatos e tendências nacionais estão se mostrando um dos produtos mais procurados que o Japão tem a oferecer ao mercado mundial. ideias artísticas e funciona.

Operação de avião. Como o movimento superflat combina a cultura geek americana e a pintura tradicional japonesa

Se no mundo ocidental para quase todos (exceto talvez os mais fervorosos teóricos pós-modernos) a fronteira entre o alto e o cultura popular ainda permanece relevante, embora problemático, então no Japão esses mundos estão completamente misturados.

Exemplo disso é Takashi Murakami, que combina com sucesso exposições nas melhores galerias do mundo e produção em streaming.

Gravação de tour pela exposição Murakami “There Will Be Gentle Rain”

No entanto, a relação de Murakami com a cultura popular - e para o Japão esta é principalmente a cultura dos fãs de mangá e anime (otaku) - é mais complicada. O filósofo Hiroki Azuma critica a compreensão do otaku como um autêntico fenômeno japonês. Os Otaku consideram-se diretamente ligados às tradições do período Edo dos séculos XVII a XIX - uma era de isolacionismo e recusa à modernização. Azuma argumenta que o movimento otaku – ligado a mangás, animações, histórias em quadrinhos, jogos de computador – só poderia surgir no contexto da ocupação americana do pós-guerra, como resultado da importação da cultura americana. A arte de Murakami e seus seguidores reinventa o otaku usando métodos da pop art e desmascara o mito nacionalista sobre a autenticidade desta tradição. Representa a “reamericanização da cultura americana japonesa”.

Do ponto de vista da história da arte, superflat está mais próximo da pintura ukiyo-e japonesa. A maioria trabalho famoso nesta tradição - gravura " Uma grande onda em Kanagawa" por Katsushika Hokusai (1823–1831).

Para o modernismo ocidental, a descoberta da pintura japonesa foi um avanço. Permitiu-nos ver a imagem como um plano e se esforçou não para superar essa característica, mas para trabalhar com ela.

Pioneiros da arte performática. O que a arte japonesa da década de 1950 significa hoje

Documentando o processo criativo de Akira Kanayama e Kazuo Shiraga

O Superflat só tomou forma na década de 2000. Mas os eventos artísticos que foram significativos para a arte mundial começaram no Japão muito antes - e ainda mais cedo do que no Ocidente.

A virada performática na arte ocorreu na virada das décadas de 60 e 70 do século passado. No Japão, a arte performática surgiu na década de cinquenta.

Pela primeira vez, o Grupo Gutai mudou o seu foco da criação de objetos autossuficientes para o processo de produção dos mesmos. A partir daqui estamos a um passo de abandonar o objeto de arte em favor de um acontecimento efêmero.

Embora artistas individuais de Gutai (eram 59 no total ao longo de vinte anos) existissem ativamente no contexto internacional, entendendo como eles atividade coletiva A arte japonesa do pós-guerra geralmente começou no Ocidente muito recentemente. O boom veio em 2013: diversas exposições em pequenas galerias em Nova York e Los Angeles, “Tokyo 1955–1970: The New Avant-Garde” no MoMA e uma retrospectiva histórica em grande escala “Gutai: Splendid Playground” no Museu Guggenheim. A importação de arte japonesa por Moscovo parece ser uma continuação quase tardia desta tendência.

É incrível como essas exposições retrospectivas parecem contemporâneas. Por exemplo, o objeto central da exposição no Museu Guggenheim é uma reconstrução da Obra (Água) de Sadamasa Motonaga, na qual os níveis da rotunda do museu são conectados por tubos de polietileno com água colorida. Eles se assemelham a pinceladas que foram arrancadas da tela e exemplificam o foco central de Gutai na "concretude" (como traduzido do Nome japonês grupos), a materialidade dos objetos com os quais o artista trabalha.

Muitos participantes do Gutai receberam uma educação relacionada à pintura clássica nihonga, muitos estão biograficamente ligados ao contexto religioso do Zen Budismo, às suas características caligrafia japonesa. Todos eles encontraram uma abordagem nova, processual ou participativa das tradições antigas. Kazuo Shiraga gravou vídeos de si mesmo pintando seus monocromos, antecipando Rauschenberg, com os pés, e até criou pinturas em público.

Minoru Yoshida transformou flores de estampas japonesas em objetos psicodélicos – exemplo disso é a Flor Bissexual, uma das primeiras esculturas cinéticas (em movimento) do mundo.

Os curadores da exposição do Museu Guggenheim falam sobre o significado político destas obras:

“Gutai demonstrou a importância da ação individual livre, da subversão das expectativas do espectador e até da estupidez como formas de combater a passividade social e a conformidade que, ao longo de várias décadas, permitiram a um governo militarista ganhar uma massa crítica de influência, invadir a China e então junte-se à Segunda Guerra Mundial.

Bom e sábio. Por que os artistas trocaram o Japão pela América na década de 1960?

Gutai foi a exceção à regra no Japão do pós-guerra. Os grupos de vanguarda permaneceram marginais, o mundo da arte era estritamente hierárquico. O principal caminho para o reconhecimento foi a participação em concursos realizados por associações reconhecidas de artistas clássicos. Portanto, muitos preferiram ir para o Ocidente e integrar-se ao sistema artístico de língua inglesa.

Foi especialmente difícil para as mulheres. Mesmo no progressista Gutai, a participação deles não chegava nem a um quinto. O que podemos dizer das instituições tradicionais, para as quais foi necessário ter acesso Educação especial. Na década de 60, as meninas já tinham adquirido o direito, mas a formação em arte (se não se tratasse de arte decorativa, que fazia parte do conjunto de habilidades) Ryosai Kenbo- uma boa esposa e mãe sábia) era uma atividade socialmente reprovada.

Yoko Ono. Peça cortada

A história da emigração de cinco poderosos artistas japoneses de Tóquio para os Estados Unidos tornou-se o tema do estudo de Midori Yoshimoto “Into Performance: Japanese Women Artists in New York”. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi e Shigeko Kubota decidiram se mudar para Nova York no início de suas carreiras e lá trabalharam, inclusive na modernização das tradições da arte japonesa. Apenas Yoko Ono cresceu nos Estados Unidos - mas ela também se recusou deliberadamente a regressar ao Japão, tendo ficado desiludida com a hierarquia artística de Tóquio durante uma curta estadia em 1962-1964.

Ono tornou-se a mais famosa dessas cinco - não apenas como esposa de John Lennon, mas também como autora de performances protofeministas dedicadas à objetificação do corpo feminino. Existem paralelos óbvios entre Cut Piece de Ono, em que os espectadores podiam cortar pedaços da roupa do artista, e “Rhythm 0” da “avó da performance” Marina Abramović.

Em pernas curtas. Como fazer o treinamento de atuação original de Tadashi Suzuki

No caso de Ono e Gutai, os métodos e temas de seu trabalho, separados dos autores, tornaram-se internacionalmente significativos. Existem outras formas de exportação – quando a obra do artista é recebida com interesse no cenário internacional, mas o método em si não é emprestado devido à sua especificidade. O caso mais marcante é o sistema de treinamento de atuação de Tadashi Suzuki.

O Teatro Suzuki é amado até na Rússia - e isso não é surpreendente. Última vez visitou-nos em 2016 com a peça “As Troianas” baseada nos textos de Eurípides, e nos anos 2000 veio diversas vezes com produções de Shakespeare e Tchekhov. Suzuki transferiu a ação das peças para o contexto japonês atual e ofereceu interpretações não óbvias dos textos: descobriu o antissemitismo em Ivanov e comparou-o com atitude desdenhosa Do japonês para o chinês, transferiu a ação do “Rei Lear” para um hospício japonês.

Suzuki construiu seu sistema em oposição à escola de teatro russa. EM final do século XIX século, durante o chamado período Meiji, um Japão imperial em modernização experimentou um aumento nos movimentos de oposição. O resultado foi uma ocidentalização em grande escala de uma cultura anteriormente extremamente fechada. Entre as formas importadas estava o sistema Stanislávski, que ainda continua sendo um dos principais métodos de direção no Japão (e na Rússia).

Exercícios Suzuki

Na década de 60, quando Suzuki iniciou sua carreira, difundia-se cada vez mais a tese de que, devido às suas características físicas, os atores japoneses não conseguiam se acostumar com os papéis dos textos ocidentais que preenchiam o repertório da época. O jovem diretor conseguiu oferecer a alternativa mais convincente.

O sistema de exercícios de Suzuki, chamado de gramática das pernas, inclui dezenas de maneiras de sentar e ainda mais de ficar em pé e andar.

Seus atores costumam atuar descalços e, devido ao rebaixamento do centro de gravidade, aparecem o mais pesados ​​possível, amarrados ao chão. Suzuki ensina sua técnica a eles e a artistas estrangeiros na vila de Toga, em antigas casas japonesas repletas de equipamentos modernos. Sua trupe faz apenas cerca de 70 apresentações por ano, e o resto do tempo vive, quase nunca saindo da aldeia e não tendo tempo para assuntos pessoais - apenas trabalho.

O centro de Toga surgiu na década de setenta, foi desenhado a pedido do diretor do mundo arquiteto famoso Arata Isozaka. O sistema de Suzuki pode parecer patriarcal e conservador, mas ele próprio fala de Toga em termos modernos de descentralização. Já em meados dos anos 2000, Suzuki entendeu a importância de exportar arte da capital para as regiões e organizar pontos de produção locais. Segundo o diretor, o mapa teatral do Japão é em muitos aspectos semelhante ao da Rússia – as artes estão concentradas em Tóquio e em vários centros menores. Teatro russo Também seria bom ter uma empresa que saísse regularmente em turnê Pequenas cidades e está baseado longe da capital.

Caminhos de flores. Que recursos o teatro moderno descobriu nos sistemas noh e kabuki?

O método Suzuki surge de duas antigas tradições japonesas - Kabuki. Não é apenas que estes tipos de teatro são frequentemente caracterizados como arte ambulante, mas também os detalhes mais óbvios. Suzuki muitas vezes segue a regra de que todos os papéis são desempenhados por homens, usando soluções espaciais características, por exemplo, hanamichi (“caminho de flores”) do padrão kabuki - uma plataforma que se estende do palco até os fundos. auditório. Ele também usa símbolos muito reconhecíveis, como flores e pergaminhos.

Claro, em mundo global Não há conversa sobre o privilégio dos japoneses de usarem suas formas nacionais.

O teatro de um dos diretores mais importantes do nosso tempo, o americano Robert Wilson, foi construído a partir dele.

Ele não apenas usa máscaras e maquiagem que lembram o Japão ao grande público, mas também empresta métodos de atuação baseados na máxima câmera lenta e na expressividade autossuficiente dos gestos. Combinando formas tradicionais e ritualísticas com partituras de iluminação de última geração e música minimalista (uma das... trabalho famoso Wilson de Einstein on the Beach, de Philip Glass), Wilson produz essencialmente aquela síntese de origens e relevância que grande parte da arte contemporânea busca.

Roberto Wilson. "Einstein na Praia"

Do noh e do kabuki cresceu um dos pilares dança moderna- butoh, traduzido literalmente - dança das trevas. Criado em 1959 pelos coreógrafos Kazuo Ono e Tatsumi Hijikata, que também contavam com um centro de gravidade baixo e concentração nas pernas, o butoh representou a tradução de reflexões sobre experiências traumáticas de guerra para a dimensão física.

“Eles mostraram um corpo doente, em decomposição, até monstruoso, monstruoso.<…>Os movimentos são ora lentos, ora deliberadamente bruscos, explosivos. Para isso, utiliza-se uma técnica especial, quando o movimento é realizado como se não utilizasse os músculos principais, devido às alavancas ósseas do esqueleto”, escreve a historiadora da dança Irina Sirotkina butoh na história da liberação do corpo, conectando isso com o afastamento da normatividade do balé. Ela compara o butô com as práticas de dançarinos e coreógrafos do início do século 20 - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, e fala sobre a influência na dança “pós-moderna” posterior.

Um fragmento de uma dança de Katsura Kan, um sucessor moderno da tradição butoh

Hoje, o butô em sua forma original não é mais uma prática de vanguarda, mas uma reconstrução histórica.

Contudo, o vocabulário dos movimentos desenvolvidos por Ono, Hijikata e seus seguidores permanece recurso significativo Para coreógrafos modernos. No Ocidente, é usado por Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky e até no vídeo de “Belong To The World” do The Weekend. No Japão, o continuador da tradição do butô é, por exemplo, Saburo Teshigawara, que chegará à Rússia em outubro. Embora ele próprio negue qualquer paralelo com a dança das trevas, os críticos encontram sinais bastante reconhecíveis: um corpo aparentemente desossado, fragilidade e passos silenciosos. É verdade que eles já estão inseridos no contexto da coreografia pós-moderna - com seu ritmo acelerado, corrida, trabalho com música barulhenta pós-industrial.

Saburo Teshigawara. Metamorfose

Localmente global. Como a arte japonesa contemporânea é semelhante à arte ocidental?

As obras de Teshigawara e de muitos dos seus colegas enquadram-se perfeitamente nos programas dos melhores festivais de dança contemporânea ocidental. Se você olhar rapidamente as descrições das performances e performances que foram exibidas no Festival/Tóquio - o maior espetáculo anual de teatro japonês, será difícil notar diferenças fundamentais em relação às tendências europeias.

Um dos temas centrais é a especificidade do local - artistas japoneses exploram os espaços de Tóquio, desde aglomerados de capitalismo na forma de arranha-céus até áreas marginais de concentração de otakus.

Outro tema é a elaboração do mal-entendido intergeracional, o teatro como lugar de encontro vivo e comunicação organizada de pessoas Diferentes idades. Os projetos dedicados a ela por Toshiki Okada e Akira Tanayama foram trazidos a Viena por vários anos consecutivos para um dos principais festivais europeus de artes performativas. No final dos anos 2000, não havia nada de novo em trazer ao palco materiais documentais e histórias pessoais, mas o curador do Festival de Viena apresentou estes projetos ao público como uma oportunidade de contacto vivo e direcionado com outra cultura.

Outra linha principal é trabalhar experiências traumáticas. Para os japoneses, não está associado ao Gulag ou ao Holocausto, mas ao bombardeamento de Hiroshima e Nagasaki. O teatro refere-se a isso constantemente, mas a afirmação mais poderosa sobre as explosões atômicas como o momento de gênese de toda a cultura japonesa moderna ainda pertence a Takashi Murakami.

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” é o título de seu projeto curatorial, exibido em Nova York em 2005. “Little Boy” – “baby” em russo – é o nome de uma das bombas lançadas sobre o Japão em 1945. Colecionando centenas de quadrinhos de mangá de ilustradores renomados, brinquedos vintage distintos e souvenirs baseados em animes famosos - de Godzilla a Hello Kitty, Murakami inflou ao limite a concentração do fofo - kawaii - no espaço do museu. Ao mesmo tempo, lançou uma seleção de animações nas quais imagens centrais Havia fotos de explosões, terra descoberta, cidades destruídas.

Esse contraste tornou-se a primeira declaração em grande escala sobre a infantilização da cultura japonesa como forma de lidar com o transtorno de estresse pós-traumático.

Agora esta conclusão parece óbvia. A pesquisa acadêmica de Inuhiko Yomota sobre o kawaii é baseada nele.

Existem também gatilhos traumáticos posteriores. Os mais importantes são os acontecimentos de 11 de Março de 2011, o terramoto e o tsunami que provocaram um grave acidente na central nuclear de Fukushima. No Festival/Tóquio-2018 programa inteiro das seis apresentações foi dedicada à compreensão das consequências de um desastre natural e tecnológico; também se tornaram tema de um dos trabalhos apresentados em Solyanka. Este exemplo mostra claramente que o arsenal de métodos críticos na arte ocidental e japonesa não é fundamentalmente diferente. Haruyuki Ishii cria uma instalação de três televisões que reproduzem imagens em loop de programas de televisão sobre o terremoto.

“A obra é composta por 111 vídeos que o artista assistia diariamente nos noticiários até o momento em que tudo o que via passou a ser percebido como ficção”, explicam os curadores. "Novo Japão" é um exemplo marcante de como a arte não resiste à interpretação baseada em mitos nacionais, mas ao mesmo tempo visão crítica revela que a mesma interpretação pode ser relevante para arte de qualquer origem. Curadores falam da contemplação como base Tradição japonesa, extraindo citações de Lao Tzu. Ao mesmo tempo, como que deixando parênteses, quase toda a arte contemporânea está focada no “efeito observador” (é o nome da exposição) - seja na forma de criar novos contextos para a percepção de fenómenos familiares ou na elevação a questão da possibilidade de percepção adequada como tal.

Comunidades Imaginadas é outro trabalho do videoartista Haruyuki Ishii

Jogo

Contudo, não se deve pensar que o Japão da década de 2010 representa uma concentração de progressismo.

Os hábitos do bom e velho tradicionalismo e do amor pelo exotismo orientalista ainda não foram superados. “Teatro das Virgens” é o título de um artigo bastante admirável sobre o Teatro Takarazuka japonês na revista conservadora russa PTZh. Takarazuka surgiu no final do século XIX como um projeto empresarial para atrair turistas para a remota cidade de mesmo nome, que acidentalmente se tornou o terminal de uma ferrovia privada. Eles só tocam no teatro meninas solteiras, que, segundo o plano do dono da ferrovia, deveriam atrair espectadores do sexo masculino para a cidade. Hoje Takarazuka opera como uma indústria - com seu próprio canal de TV, denso programa de concerto, até mesmo o parque de diversões local. Mas apenas as meninas solteiras ainda têm o direito de fazer parte da trupe - esperemos que pelo menos não verifiquem a virgindade.

No entanto, Takarazuka é insignificante em comparação com o clube Toji Deluxe em Kyoto, que os japoneses também chamam de teatro. Eles mostram coisas absolutamente selvagens, a julgar por descrição Colunista nova-iorquino Ian Buruma, show de strip-tease: várias garotas nuas no palco transformam a exibição dos órgãos genitais em um ritual público.

Como muitas práticas artísticas, este espetáculo é baseado em lendas antigas (com a ajuda de uma vela e uma lupa, os homens da plateia poderiam se revezar na exploração dos “segredos da Deusa Mãe Amaterasu”), e o próprio autor foi lembrado de a tradição Nô.

Deixaremos a busca por análogos ocidentais de “Takarazuki” e Toji para o leitor - não é difícil encontrá-los. Observemos apenas que uma parte significativa da arte contemporânea visa combater tais práticas de opressão - tanto ocidentais quanto japonesas, que vão do superflat à dança butoh.

Desde 16 de novembro de 2013, l'Hermitage inaugura a exposição “Mono no consciente O encanto das coisas. Arte Moderna Japão." A exposição, localizada no prédio da Ala Leste do Estado-Maior General, foi preparada pelo State Hermitage com o apoio da Embaixada do Japão na Rússia, apresenta instalações, esculturas, videoarte, fotografias criadas ao longo dos últimos anos de artistas japoneses e concebidos para preencher uma nova página na história secular da arte Terra do Sol Nascente. Seus nomes, conhecidos em sua terra natal, ainda são praticamente desconhecidos do público russo e europeu: Kanauji Teppei, Kengo Kito, Kuvakubo. Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita, Hiraki Sawa e outros.

Existente desde o século X, o termo “mono no consciente” pode ser traduzido como “o encanto de uma coisa” ou “deleite por uma coisa”, e está associado à ideia budista da efemeridade e futilidade de existência. Os objetos materiais e espirituais que cercam uma pessoa são repletos de um encanto (avare) único e fugaz, característico apenas dela. Uma pessoa - e sobretudo um artista - deve ter um coração receptivo para encontrar e sentir esse encanto, para responder a ele internamente. Artistas contemporâneos Eles têm um senso aguçado de materiais nos quais brilha a simplicidade interior do significado. Limitando-se deliberadamente a certos temas e motivos, eles usam antigas técnicas artísticas japonesas de uma nova maneira.

No Japão, como na Rússia, a arte contemporânea é um fenômeno trazido de fora, do Ocidente, que nem sempre é compreensível e causa rejeição. Ambas as culturas aceitaram o termo anglo-americano arte contemporânea como um símbolo de novos empréstimos culturais. No Japão da década de 1970, tal como na Rússia da década de 1990, os artistas sentiam-se como estranhos. Eles foram trabalhar no Ocidente, mas ainda no Japão, na década de 1970, as palavras “arte contemporânea” soavam positivas, permitindo para a geração mais jovem esqueça a definição de "arte do pós-guerra", associada à tragédia e ao declínio.

O verdadeiro florescimento da arte moderna no sentido ocidental ocorreu apenas no final da década de 1980, quando galerias abriram não apenas em Ginza, mas também em outras áreas de Tóquio. Em 1989, o primeiro museu de arte moderna foi estabelecido em Hiroshima, e os museus de Tóquio logo o seguiram na década de 1990. A partir daí iniciou-se um reconhecimento gradual do fenômeno da arte contemporânea. nível naçional e sua entrada na vida cotidiana cultural. O passo seguinte foi a realização de bienais e trienais nacionais.

Na era do domínio total das tecnologias mediáticas, os artistas japoneses concentram a sua atenção nos materiais nativos, no seu toque, em ouvi-los. De grande interesse na exposição são as instalações, incluindo a obra de Ryota Kuwakubo (n. 1971), simples no design, mas complexa na ação, onde o papel principal é desempenhado pela sombra. O artista delineia objetos e cria um incrível caleidoscópio em movimento. Kaneuji Teppei (n. 1978) apresenta designs inesperados a partir de materiais domésticos do dia a dia. Os objetos que colecionou, com diferentes cores e finalidades, formam formas bizarras que se transformam em esculturas modernistas ou em paisagens cobertas de neve com Pinturas japonesas em seda.

As “seleções de materiais” em obras de vídeo e no gênero “objeto encontrado” são feitas por Hiroaki Morita (n. 1973), e na pintura por Shinishiro Kano (n. 1982) e Masaya Chiba (n. 1980). O potencial das muito prosaicas “seleções materiais” compiladas pelos artistas remonta à espiritualização de tudo e de todos, tradicional do Budismo com a ideia de que em cada criatura e em cada objeto - de uma pessoa a uma minúscula folha de grama - reside a natureza do Buda. Também prestam atenção à essência interior das coisas, percebida como beleza e encanto.

A instalação de Kengo Kito (n. 1977), composta por aros, é ao mesmo tempo escultura e quadro geral com planos desconectados, cores elementares e perspectiva. O espaço nele se transforma em planos diante dos nossos olhos, o que permite copiar indefinidamente todos esses signos e símbolos da arte que perderam a ligação com a realidade.

Yasuaki Onishi (n. 1979) e Motoi Yamamoto (n. 1966) trabalham com o espaço de forma um pouco diferente em suas instalações. Como que para unir todas estas diferentes abordagens com uma simplicidade cativante, Yoshihiro Suda (n. 1969) inicia uma intrusão mínima no espaço expositivo, colocando discretamente plantas de madeira que parecem reais.

A exposição "Mono no consciente. O encanto das coisas. Arte Contemporânea do Japão" foi preparada pelo Departamento de Arte Contemporânea no âmbito do projeto Hermitage 20/21. Segundo M. B. Piotrovsky, Diretor Geral do State Hermitage: “Os objetivos do projeto são coletar, expor, estudar a arte dos séculos XX-XXI. “Hermitage 20/21” é dirigido a quem deseja acompanhar. os tempos - para amadores e profissionais, conhecedores sofisticados e os telespectadores mais jovens."

Os curadores da exposição são Dmitry Yurievich Ozerkov, chefe do Departamento de Arte Contemporânea do State Hermitage, Candidato de Filosofia e Ekaterina Vladimirovna Lopatkina, vice-chefe do Departamento de Arte Contemporânea. A consultora científica da exposição é Anna Vasilievna Savelyeva, pesquisadora do Departamento Estadual do Hermitage do Oriente. Para a exposição foi preparada uma brochura ilustrada, o autor do texto é D.Yu. Ozerkov.

A arte japonesa ocupa lugar importante no acervo da Ermida do Estado e conta com cerca de 10 mil obras: o museu guarda 1.500 folhas de xilogravuras coloridas, incluindo obras mestres famosos Gravuras japonesas de meados do século XVIII ao século XX; coleção de porcelanas e cerâmicas (mais de 2.000 peças expostas); vernizes dos séculos XVI-XX; amostras de tecidos e fantasias. A parte mais valiosa da coleção de arte japonesa do Hermitage é a coleção de netsuke - escultura em miniatura dos séculos XVII a XIX, com mais de 1.000 obras.

Tadasu Takamine. "God Bless America", 2002. Vídeo (8 min. 18 seg.)

Perspectiva Dupla: Arte Contemporânea do Japão
Curadores Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka

Parte um: "Realidade/Mundo Comum." Museu de Arte Moderna de Moscou, MT. Moscou, pista Ermolaevsky, 17
Parte dois: “Mundo Imaginário/Fantasias.” Museu de Arte Moderna de Moscou, MT. Moscou, Avenida Gogolevsky, 10

O Museu de Arte Moderna de Moscou em conjunto com a Fundação Japão apresenta a exposição “Double Perspective: Contemporary Art of Japan”, destinada a apresentar ao público em geral os artistas japoneses contemporâneos.
Perspectiva dupla são dois curadores de países diferentes, dois locais de museu e uma estrutura de projeto em duas partes. Com curadoria de Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka, a exposição reúne obras de mais de 30 artistas de diversas direções, atuando desde a década de 70 do século XX até a atualidade. O projeto consiste em duas partes - “Mundo Real/Vida Cotidiana” e “Mundo Imaginário/Fantasia” - que estão localizadas nas dependências do museu em 17 Ermolaevsky Lane e 10 Gogolevsky Boulevard.

Parte Um: “Realidade/Mundo Comum”

A primeira parte da exposição “Mundo Real/Cotidiano” apresenta a visão dos artistas japoneses sobre o mundo que nos rodeia através de um apelo à história mundial do século XX (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa e Yuken Teruya), reflexões sobre a estrutura sociedade moderna(Dumb Type e Tadasu Takamine), a interação com o espaço urbano (contato Gonzo e ChimPom) e a busca pela poesia no cotidiano (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi e Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura na série de vídeos “Requiem” se transforma em vários personagens históricos: Chaplin, o escritor Yukio Mishima e até Lenin - e recria episódios de suas vidas. Outro participante do projeto, Tetsuya Umeda, cria instalações a partir de meios improvisados, coisas cotidianas - assim, o cotidiano mais banal vira arte. A exposição contará com obras de Yoko Ono – o famoso “Cut Piece” nas versões de 1965 e 2003 e a instalação sonora “Cough Piece” (1961). A exposição contará com obras de Kishio Suga, um dos representantes centrais do movimento Mono-Ha (traduzido como “Escola das Coisas”), que ofereceu uma alternativa japonesa ao modernismo ocidental. A seção de fotos apresentará trabalhos de Toshio Shibata, Takashi Homma e Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. “Estou aqui, mas em lugar nenhum”, 2000. Mídia mista. Instalação na Maison de la culture du Japon, Paris.
Coleção do autor

As obras que compõem a segunda parte do projeto apresentarão ao público um mundo livre e imaginário no qual tudo o que não podemos ver no Vida real, tudo o que está fora dele. As obras dos artistas desta parte da exposição remetem à cultura pop japonesa, ao mundo da fantasia, da ingenuidade, dos mitos e das reflexões sobre a estrutura cosmogônica do mundo. Cada expositor dá seu próprio significado ao conceito de “imaginação”. É isso que o artista Tadanori Yokoo faz em sua relação com o mundo imaginário tema principal suas obras desaparecem, ou melhor, “desaparecem por si mesmas”. Um motivo semelhante pode ser visto no trabalho de Yayoi Kusama: ao projetar suas fantasias na realidade, ela cria um mundo cheio de padrões bizarros. A escultura gigante “Child of the Sun” (2011) de Kenji Yanobe foi criada durante um momento terrível, quando houve uma explosão em Usina nuclear"Fukushima-1". Seu objeto monumental torna-se um ponto de intersecção de imaginações. A artista entende que a experiência vivida na fronteira do real se tornará o impulso para a criação de um novo mundo. A seção Mundo Imaginário/Fantasia também apresenta obras de Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa e muitos outros.
Algumas obras foram criadas especificamente para a exposição. O artista Yoshinori Niwa para seu projeto “Vladimir Lenin é procurado nos apartamentos de Moscou” (2012) veio a Moscou para encontrar artefatos associados à personalidade do revolucionário nos apartamentos dos moscovitas. Seu trabalho é uma documentação em vídeo de suas pesquisas e viagens por Moscou. O artista Tetsuya Umeda, cujas obras serão apresentadas simultaneamente em dois espaços, virá a Moscou para implementar suas instalações no local.
Estas duas partes da exposição, à primeira vista díspares, pretendem mostrar os dois pólos da arte japonesa, que na realidade se revelam inseparáveis ​​um do outro.
Como parte da exposição, também está prevista a realização de master classes abertas e reuniões criativas com os participantes do projeto. Haverá palestras do curador japonês Kenjiro Hosaka e do artista Kenji Yanobe. Para a Rússia, esta exposição representa pela primeira vez a arte contemporânea japonesa em tal escala.

Yoshitomo Nara. "Noite azul-doce", 2001. 1166,5 x 100 cm Acrílico sobre tela.
Foto de : Yoshitaka Uchida

Kishio Suga “Espaço de Separação”, 1975. Ramos e blocos de concreto. 184 x 240 x 460 centímetros
Foto de : Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. “Filho do Sol”, 2011. Fibra de vidro, aço, néon, etc. 620 x 444 x 263 cm. Instalação no Parque Memorial Ezpo"70
Foto de : Thomas Swab

O Hermitage acolhe uma interessante exposição - Arte Contemporânea do Japão "MONO-NO AWARE. O Charme das Coisas."

Não posso dizer que sou fã de arte contemporânea. Gosto mais quando há algo para ver (gráficos movimentados, ou artes decorativas, etnia - isso é tudo para mim). Admirar a beleza de um conceito puro nem sempre é divertido para mim. (Malevich, desculpe! Não gosto do quadrado preto!)

Mas hoje cheguei a esta exposição!

Queridos, se vocês estão em São Petersburgo, se interessam por arte e ainda não estiveram lá, a exposição ficará no ar até o dia 9 de fevereiro! Vá, é interessante!

Não estou muito convencido pelos conceitos, como escrevi acima. De alguma forma, pensei que em um ano visitando exposições contemporâneas, no máximo um ou dois objetos me parecessem engraçados. E muitas coisas não me tocam tanto a ponto de sentir pena do tempo que passei. Mas isso existe em qualquer gênero, em qualquer arte, o percentual de talento e de mediocridade, bom, se for de um em dez! Mas gostei desta exposição.

As criações japonesas foram expostas nas salas de exposição do Edifício do Estado-Maior. A primeira instalação que recebe os visitantes é um labirinto incrivelmente grande salpicado de sal no chão. Chão cinza, sal branco, espaço incrivelmente bem marcado, entrelaçado em um único campo. Um grande salão de exposições e um ornamento branco espalhando-se pelo chão como uma botia incrível. Além disso, você entende o quão temporária é essa arte. A exposição será encerrada, o labirinto será varrido com uma vassoura. Certa vez assisti a um filme, “Pequeno Buda”. E ali, no início, um monge budista expôs um ornamento complexo de areia colorida. E no final do filme, o monge fez um movimento brusco com o pincel e a obra titânica se espalhou ao vento. Estava lá, depois foi um pulo e depois não estava. E isto diz, aprecie a beleza aqui e agora, tudo é passageiro. Então esse labirinto de sal entra em diálogo com você, você começa a responder as perguntas que ele te faz. Artista - Motoi Yamamoto.

Sim Sim! Este é um labirinto tão grande, você consegue sentir a escala?

O segundo objeto que cativa é a enorme cúpula feita de polietileno e resina preta de Yasuaki Onishi. O espaço foi projetado de uma forma incomum. Pendurada em fios pretos, finos e irregulares de resina, ligeiramente móvel, está uma cúpula... ou uma montanha com terreno complexo. Ao entrar, você vê um padrão heterogêneo de pontos - locais onde a resina gruda. É engraçado, como se a chuva negra caísse silenciosamente e você estivesse sob a cobertura.

Como você criou essa técnica? Engraçado, certo? Mas na vida real parece “mais vivo”, a cúpula balança ligeiramente com a brisa criada pelos visitantes que passam. E há uma sensação de sua interação com o objeto. Você pode entrar “na caverna” e ver como é por dentro!

Mas para evitar a impressão de que tudo era preto e branco, vou postar aqui mais algumas fotos da composição feita com argolas conectadas entre si. Cachos de plástico coloridos e engraçados! E também, você pode caminhar por esta sala, dentro dos aros, ou pode olhar tudo de fora.

Eu gostei mais desses objetos. É claro que em breve a arte conceitual contemporânea se tornará diferente, em sintonia com os novos tempos. Não voltará ao antigo modo e não permanecerá como é agora. Vai mudar. Mas para entender o que aconteceu, para onde o fluxo estava fluindo e de onde veio e de onde veio, você precisa saber o que está acontecendo agora. E não se intimide com o fato de que não, o conceito não é para mim, mas tente ver e apreciar. São poucos talentos, como sempre, mas eles existem. E se as exposições ressoam, nem tudo está perdido!!!