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Barnett Newman é o representante mais proeminente da divisão americana de arte abstrata. Ele nasceu em 1905 em Nova York. Outra grafia comum de seu sobrenome é Newman. Nas fontes de língua inglesa ele é conhecido como Barnett Newman.

Quantas pinturas sobreviveram

Aliás, o artista Barnett Newman destruiu absolutamente todas as suas primeiras pinturas, cerca de quarenta anos de trabalho foram riscados e, infelizmente, nem um pouco com uma pincelada. Portanto, hoje, ao falar da obra de Newman, os pesquisadores analisam exclusivamente pinturas “sobreviventes” período tardio no valor de 120 peças, num prazo de quase vinte e cinco anos.

Estágios de formação

Seus pais eram imigrantes da Polônia, judeus de origem. O jovem Barnett Newman estudou pintura na Art Students League, também conhecida como Art Student League. Este período de criatividade é caracterizado por experimentos no estilo de automatismo de Jackson Pollock, então Barnett Newman é fascinado por gráficos e mergulha de cabeça no plano do desenho com tendências surrealistas. Vale ressaltar que ao mesmo tempo ele criou escola de Artes juntamente com figuras da pintura americana do século XX como Rothko, Motherwell e Baziotis.

É hora de abrir

A primeira exposição individual, que apresentava exclusivamente pinturas de Barnett Newman, foi literalmente destruída pelos críticos de arte em artigos de revisão. O resultado foi uma depressão prolongada e uma relutância em mostrar as suas obras ao público, que o artista só conseguiu enfrentar oito anos depois, quando decidiu expor uma retrospectiva das suas obras existentes. Além disso, foi durante este período que Newman destruiu todos os seus trabalhos iniciais, por isso podemos dizer com segurança que ele não era apenas um mestre exigente do pincel, mas também vulnerável.

Maioria trabalho famoso Barnett Newman - pinturas pintadas entre 1947 e 1970. São telas programáticas, nomeadas de forma patética, que falam do mundo sem objeto apenas com o movimento do pincel. “Mandment”, “Unity”, “The Chasm of Euclid”, “Midnight Blue” e outras obras do artista abstrato formam hoje coleções particulares, incluindo o acervo da família do artista, e também estão expostas em diversos museus do Estados Unidos. O Museu de Arte Moderna de Nova York possui talvez o acervo mais completo, abrangendo diversos períodos da vida do artista.

Maneira de Newman

Os críticos o classificam entre os representantes do americano. Um teórico tão proeminente como Clement Greenberg deu a esta pintura a definição de pintura de campo que literalmente aderiu a ela, o que mostra claramente a diferença entre aquelas criadas de forma linear de automatismo e cintilantes cores brilhantes grandes aviões Rothko e Newman. “Pintura de Campo” não sugere de forma alguma paisagens pastorais, mas caracteriza o amor dos dois mestres pelos grandes planos horizontais monocromáticos em suas obras. Os pesquisadores consideraram que esse estilo tem um tom filosófico pronunciado, e os limites dos tons apresentados na tela não separam nada, o que significa que se trata de uma pintura que proclama um dos principais princípios americanos - a liberdade.

Inspiração

Barnett Newman (o artista) inspirou-se em valores filosóficos. Em 1947, ele proclamou o objetivo elevado de qualquer arte - não ser momentâneo, mas voltar-se para conceitos que marcaram época: vida, morte, homem e natureza. Os nomes complexos dados às telas enfatizavam a paleta de sentimentos e emoções que o artista tentava transmitir apenas com a cor em um mundo não objetivo. Infelizmente, críticos de arte Pudemos apreciar essa abordagem muito mais tarde.

Como olhar as pinturas de Newman

Existe uma regra tácita entre artistas e amantes da arte: para ter uma impressão geral da tela, é preciso afastar-se dela a uma distância igual à sua altura. Um princípio semelhante funcionou desde a Idade Média até ao Renascimento e muito depois, mas Barnett Newman insistiu que as suas pinturas deviam ser vistas exclusivamente de perto. O que essa abordagem oferece? O efeito de mergulhar o espectador no mundo dos campos coloridos. Mais tarde, o mestre nova-iorquino começou a postar instruções sobre como ver suas pinturas diretamente nas exposições.

Compra cara

O que não foi aceito por seus contemporâneos até o período tardio de sua obra foi apreciado mais tarde e principalmente em nossa época. Telas do mestre americano da arte abstrata surgem periodicamente em leilões importantes, incluindo leilão famoso Sotheby's. Um deles, que foi criticado em Ultimamente, foi avaliado em US$ 30 milhões.

E ao mesmo tempo, a criatividade do artista não entusiasma a todos. Emoções positivas. O Onement VI de Barnett Newman foi considerado por algumas das peças de arte mais inúteis e nojentas já leiloadas. O preço da pintura na última venda em 2013 na Sotheby’s foi de mais de US$ 43 milhões, e a obra era uma tela em grande escala preenchida com tinta azul com uma faixa vertical bastante uniforme.

A criação é atribuída aos chamados raios, em oposição aos “campos” horizontais. As dimensões gerais da obra são 2,6 x 3 m.

Barnett Newman dedicou "Anna's Light" à sua falecida mãe. A rigor, essa coisa é uma tela horizontal de tamanho impressionante, preenchida com tinta vermelho carmim. Em 2013, a “obra-prima” também foi leiloada e foi à venda por 106 (!) milhões de dólares.

COM lado técnico A tela é digna de nota porque Newman teve que lutar com o poder luminoso da cor vermelha, que tira brilho adicional da tela translúcida com primer branco. Várias camadas de tinta vermelha privaram a cor desta qualidade e tornaram-na “opaca” e “de luto”, como, na opinião do artista, deveria ser nesta situação.

Barnett Newman, também Newman (eng. Barnett Newman; 29 de janeiro de 1905, Nova York - 4 de julho de 1970, Nova York) - Artista americano, um proeminente representante do expressionismo abstrato.

BIOGRAFIA DO ARTISTA

Newman nasceu em uma família de imigrantes judeus da Polônia. Depois de estudar pintura na Art Students League com Duncan Smith, ele só conseguiu se dedicar inteiramente à arte em 1937.

No início trabalhou de forma automática, criando uma série de desenhos caligráficos-surrealistas em 1944-1945 e fundando uma escola de arte 3 anos depois junto com William Baziotis e Robert Motherwell. Nesta época, o artista pintou suas pinturas expressionistas abstratas.

Somente em 1950 Barnett Newman organizou sua primeira exposição individual, que foi recebida com críticas contundentes. Depois disso, o artista faz uma pausa de 8 anos, que dedica ao desenvolvimento de suas habilidades. O resultado foi uma retrospectiva de sua obra em 1958, que apresentou ao público. Suas pinturas são em sua maioria superfícies monocromáticas, como que “costuradas” com linhas coloridas contrastando com o tom principal.

Em 1966, Lawrence Alloway organizou uma exposição no Museu Solomon Guggenheim, em Nova York, intitulada “Via Sacra”. Ela dissipou as últimas dúvidas mesmo entre os artistas que valorizavam as qualidades técnicas de Newman (brilho das cores, grande formato) em vez do verdadeiro significado metafísico de sua obra.

“A oficina é um santuário”, declarou o artista.

Os últimos trabalhos de Newman são composições em forma de triângulo isósceles. Exposições retrospectivas do trabalho de Newman foram realizadas em 1972 em Nova York e depois em Londres, Amsterdã e Paris. Suas pinturas estão representadas em diversas coleções privadas e públicas em Nova York (Museum of Modern Art), Los Angeles (“Onement VI”, 1953, coleção Weisman), Basileia (“Day before one”, 1951), Londres (“Adam” , 1951-1952, Gal. Tate), Estocolmo (“Terzia”, 1964, Museu Nacional) e Houston (coleção Mennil). No Nacional Museu de Arte Moderna. O Centro Pompidou de Paris abriga a pintura “Shining Forth” (1961) e uma coleção de gravuras.

CRIAÇÃO

Clement Greenberg escreveu: “Os limites das grandes telas de Newman desempenham o mesmo papel que as linhas interiores das formas. Dividem, mas não separam, fecham ou isolam nada. Eles estabelecem limites, mas não limitam nada.”

Newman foi considerado um exemplo do alto modernismo, um precursor do minimalismo, um existencialista e um artista espiritual que se inspirou no misticismo judaico. O próprio Newman afirmou em 1947, quando veio para estilo maduro, que qualquer arte digna desse nome deve abordar “vida”, “homem”, “natureza”, “morte” e “tragédia”. Newman sempre insistiu no rico conteúdo emocional de seu trabalho, embora durante sua vida seu trabalho tenha causado mal-entendidos e acusações de “vazio”.

Newman é um dos principais representantes da arte americana do pós-guerra. Junto com Rothko e Still, ele representa uma parte da escola de Nova York que era hostil à action painting. Até 1960 ele desempenhou um papel bastante modesto. No entanto, as formas rígidas e as superfícies amplas de Newman tiveram uma influência particularmente notável e, especialmente, para a qual problema principal havia campos verticais de cores e sua localização no espaço.

Em seguida, o artista começou a trabalhar em grande formato e em cores vivas, para que os campos coloridos verticais adquirissem relevo e sua extensão no espaço absorvesse completamente a atenção do público (“Abraham”, 1949, Nova York, Museu de Arte Moderna) . Foi assim que se rompeu o retângulo primitivo da pintura. A divisão vertical inscrita no retângulo tornou-se o próximo fator entre as partes; confirma o esquema original dentro do plano: cada parte do quadro está em outra numa relação de analogia formal, assim como todo o quadro se relaciona com a parede (“Quem tem medo de vermelho, amarelo, azul?”, 1966- 1967, Amsterdã, Museu da Cidade).

Mas esta direcção não pode ser considerada de um ponto de vista puramente formal. O próprio artista considera suas obras quase simbólicas. Tal como outros mestres daquela geração, os títulos das suas pinturas são muitas vezes metafóricos e polissemânticos, ao mesmo tempo intelectuais e poéticos.

SÉRIE “ONEMENTO”

“Onement” (seis pinturas levam este título) reflete harmonia, totalidade, completude. O biógrafo do artista Thomas Hess observa que em língua Inglesa Não existe a palavra “onement”, ela vem de “atonement”, que significa “redenção”.

A série “Onement” é um dos projetos fundamentais da obra de Newman. As telas desta série, sem entrar em detalhes, demonstram a característica do artista método criativo funciona: fundo multicolorido ou texturizado uniforme com listras verticais. O próprio artista os chamou de relâmpago (zip). Ele disse que esse termo era mais apropriado – associado a movimento e incompletude. Newman considerou a frase “trabalho concluído” charlatânica. “Onement1” (1948) - primeiro trabalho de pintura, que expressava claramente a direção da busca: uma grande fita laranja saindo do centro da imagem cria o efeito de dinamismo constante.

Além disso, o artista também trabalhou com escultura, principalmente em aço (“Aqui 1”, 1962; “Aqui II”, 1965; “Aqui III”, ibid.; “Obelisco Quebrado”, 1963-1967; “ZimZum”, 1962), acima da maquete da sinagoga (1963) e litografias (“Cantos”, 1963-1964, Paris, Museu Nacional de Arte Moderna. Centro Pompidou). A obra deste artista original, que por vezes atingiu a verdadeira profundidade e raramente caiu na superficialidade e na pomposidade, ficará na memória por muito tempo.

Artista, escultor, filósofo e ensaísta americano Barnett Newman (1905-1970) Eu pensei que “a criatividade não é apenas o estado mais elevado, mas também o primário da consciência humana”.

Mas para provar isso ao mundo, o representante do expressionismo abstrato teve que suportar uma enxurrada de descontentamento e mal-entendidos por parte dos críticos, destruir suas obras criadas ao longo de 40 anos, fazer uma pausa de oito anos, e só depois de tudo o que viveu, tornou-se um exemplo de alto modernismo.

Agora vamos conversar sobre tudo em ordem.

Nova York, EUA. 29 de janeiro de 1905 Nasceu em uma família de emigrantes judeus da Polônia futuro artista Barnett Newman. O menino desenvolveu interesse pela pintura ainda na escola. Gradualmente, tornou-se a obra de toda a sua vida, e o diploma filosófico recebido apenas intensificou o desejo de provar ao mundo que “O primeiro homem foi um artista!”, porque “Adão, tendo comido da Árvore do Conhecimento, procurou obter vida criativa, para sermos como Deus - “criador de mundos”.

As primeiras obras do pintor são associações livres, sonhos ou, em outras palavras, uma forma de automatismo. No estilo de Jackson Pollock, Newman em 1944-1945 criou uma série de desenhos caligráficos-surreais intitulados Untitled, The Blessing.

As pinturas, apresentadas numa exposição pessoal em 1950, distinguem-se pelo uso de alusões e uma combinação paradoxal de formas. Significar muito ou não significar nada é o princípio do surrealismo, e é por isso que cada um entende o primeiro Newman à sua maneira. O próprio artista afirmou que suas obras são ricas em conteúdo emocional. Ele estabeleceu um objetivo elevado para si mesmo - recorrer a conceitos que marcaram época: homem, natureza, vida, morte.

Os títulos das pinturas de Newman são projetados para evocar os sentimentos e emoções que o autor transmite apenas com cores em um mundo não objetivo. Infelizmente, os críticos acusaram seu trabalho de vazio. Por sua vez, críticas pouco lisonjeiras forçaram Newman a deixar a arena artística por algum tempo, mas, como se viu, não a sair, mas a se esconder. Uma pausa de oito anos levou o artista ao expressionismo abstrato.

O ponto de partida para uma nova rodada de criatividade expressionista foi uma retrospectiva de suas obras. As obras de Barnett Newman, apresentadas ao público em 1858, foram executadas de uma forma completamente nova. Suas telas tornaram-se formato maior e foram feitos em cores brilhantes. Um chamado “zíper” ou faixa vertical apareceu neles - cartão de visitas Novo homem.

A série Onement (“Redenção”), composta por seis pinturas, reflete a harmonia e a plenitude da vida. O artista inspirou-se em valores filosóficos, pelo que todas as obras podem ser consideradas simbólicas e os seus nomes são metafóricos. Os limites tonais sobre eles na verdade não separam nada, mas proclamam um dos principais princípios americanos - a liberdade. O crítico de arte americano Clement Greenberg escreveu:

“Os limites das grandes telas de Newman desempenham o mesmo papel que as linhas internas das formas. Dividem, mas não separam, fecham ou isolam nada. Eles estabelecem limites, mas não limitam nada."

Além da pintura, Newman também trabalhou com escultura. O Obelisco Quebrado impressiona pela sua monumentalidade. Este é um obelisco invertido que parece flutuar no ar. Pirâmides e obeliscos há muito são considerados símbolos da morte, mas o artista reinterpreta esse conceito, transformando a morte em vida sem fim.

Ao criar pinturas abstratas, Barnett Newman criou suas próprias instruções para compreender seu trabalho. Insistiu que as suas telas, contrariamente ao princípio vigente, devem ser vistas não a uma distância igual à altura da tela, mas sim situadas exclusivamente perto dela. Isso cria o efeito de imersão no mundo dos campos coloridos.

Um pouquinho mais tarde grande representante O expressionista abstrato passou a colocar cartazes com instruções diretamente nas exposições, acreditando que próximos ao seu trabalho poderiam apelar à autoconsciência da pessoa.

1.Pablo Picasso. Sonho – US$ 155 milhões

O mestre pintou esta obra em 1932 em seu castelo de Boisgeloup, localizado a 63 km de Paris. Maria-Therese Walter, que na época era sua única modelo, heroína e musa, posou para ele. “O Sonho” foi criado durante o chamado “período do surrealismo”, um dos períodos mais difíceis e desiguais da obra de Picasso. A tela de tamanho médio (130x97 cm) foi colocada à venda pela primeira vez no leilão da Christie's em 11 de setembro de 1997 e foi leiloada por US$ 48,4 milhões. Nove anos depois, a pintura reapareceu no mercado de arte, mas com um valor de US$ 139. milhão Porém, antes da venda propriamente dita, ocorreu um imprevisto: na véspera da troca pelo valor já combinado, de costas para o quadro, ele contava aos convidados a vida do artista e estava muito emocionado. que gesticulava o tempo todo em outro impulso, Steve Wynn bateu inesperadamente na pintura com o cotovelo direito e a rasgou. Naturalmente, o negócio foi cancelado e a pintura foi enviada para restauração. No final de março de 2013, ficou conhecido. que o candidato anterior à pintura era Steven Cohen, o mesmo que estava “danificado”. “A pintura recusou-se a comprá-la, declarou novamente seu desejo de comprar a obra-prima restaurada. Desta vez tudo correu bem, e o “Sonho” de Picasso foi. vendido por um recorde de US$ 155 milhões para este pintor (Stephen Cohen expressou a opinião de que após a restauração a pintura ficou melhor, e ele próprio acrescentou US$ 16 milhões). Ninguém jamais comprou algo mais caro que Picasso.

2. Francisco Bacon. Três estudos de um retrato de Lucian Freud – US$ 142,4 milhões

Esta obra foi pintada pelo artista em 1969 no Royal College of Art de Londres. Retrata outro pintor britânico e amigo próximo de Bacon na época, Lucian Freud. Cada parte do tríptico tem o mesmo tamanho 198x147,5 cm. Foi exibido pela primeira vez em uma exposição em Torino, na Galleria d'Arte Galatea. Em meados da década de 70 do século passado, três partes do tríptico, após exposição no Grand Palais, seguiram em direções diferentes - Roma, Paris e Japão, e somente no final dos anos 80, através dos esforços de um colecionador italiano de Roma, Francesco de Simone Niques, foram novamente reunidos e exibidos em 1999 no American Yale Center for British Art. Em 12 de novembro de 2013, em 6 minutos, o tríptico foi vendido no leilão da Christie's por um preço recorde licitação aberta preço - US$ 142,4 milhões. Inicialmente, o nome do comprador não foi informado, mas depois de algum tempo tornou-se conhecido. Ao contrário de alegados rumores segundo os quais a obra do artista inglês foi comprada pela irmã do emir do Qatar Al-Mayassa-bint-Hamad-bin-Khalifa-al-Tan e, de facto, pela feliz proprietária do tríptico de Francis Bacon “Três estudos para um retrato de Lucian Freud” foi Elaine Winn, de 70 anos, ex-mulher O magnata americano Steve Wynn, o mesmo que deu uma cotovelada em Picasso.

3. Barnett Newman. Luz de Anna – US$ 106 milhões

Barnett Newman tem apenas nove vendas públicas (ao contrário de Picasso, que já tinha 359), o que não impede que este americano esteja na divisão de elite dos mais queridos artistas. Na verdade, Barnett Newman não tem muitas obras à venda – apenas 120, já que destruiu pessoalmente todas as suas primeiras obras em 1940. A Luz de Anna, pintada por Newman em 1968 e batizada em memória de sua mãe, falecida em 1965, é a maior de todas herança criativa artista. As suas dimensões são verdadeiramente impressionantes - 610,5 x 275 cm Para Newman isto foi muito importante, ele atribuiu especial importância ao tamanho como componente principal da experiência visual. E claro, não podemos esquecer a matriz de cor vermelha, que o artista rolou em várias camadas para atingir a saturação desejada e torná-la fisicamente tangível para o espectador, dominando-o. O artista encontrou um homem com uma onda de cor indivisível, que, em sua opinião, deveria ter se tornado o início construtivo de um novo mundo, pois, nas palavras do próprio Newman, “o homem é uma criatura trágica, e a essência deste a tragédia reside no problema metafísico da parte e do todo.”

4. Andy Warhol. Silver Car Crash (Double Wreck) – US$ 105,4 milhões

Esta obra do rei da pop art, datada de 1963, é uma tela de 250x400 cm para a qual foi transferida e reproduzida em serigrafia (técnica preferida de Warhol) uma fotografia tirada de um jornal de um carro batendo em uma árvore. Para este trabalho, Warhol usou tinta reflexiva prateada. Esta é uma das quatro obras de Warhol de 1963 em duas partes que retratam acidentes de carro, onde uma metade retrata um acidente de viação e a outra é uma superfície prateada monocromática. As três obras restantes da série, sob o título geral “Morte e Desastres”, estão armazenadas em coleções de museus EUA, Suíça e Áustria. Na minha opinião, Warhol criou uma excelente metáfora para a vida e a morte, quando a tragédia é adjacente a um vazio abrangente. A pintura já passou pelas coleções de Gunter Sachs, Charles Saatchi e Thomas Ammann, o que só aumenta o peso do colecionador e aumenta o seu preço.

5. Jeff Koons. Cachorro de balão de ar quente– US$ 58,4 milhões

Herdeiro de Duchamp e representante brilhante simulacionismo em arte contemporânea, Jeff Koons criou toda uma série de esculturas na década de 1990 que imitavam brinquedos de formas oblongas balões. Cinco exemplos de cães foram lançados. Todos eles são feitos de aço brilhante polido espelhado e diferem entre si apenas na cor. Além do “Balloon Dog” laranja que foi vendido por US$ 58,4 milhões, há também os roxos, vermelhos, amarelos e azuis. A altura dos cães gigantes chega a três metros e cada um pesa uma tonelada. Esculturas desta série estão incluídas na coleção colecionadores famosos Steven Cohen, Eli Broad e François Pinault. Após a venda em 2013, Jeff Koons adquiriu o status de artista vivo mais caro.

6.Jackson Pollock. Número 19 – US$ 58,4 milhões

Jackson Pollock, que trabalhou usando a técnica de gotejamento que inventou, criou o “Número 19” em 1948, quando o expressionismo abstrato estava surgindo na América. Ao mesmo tempo, é preciso compreender que o expressionismo abstrato não foi um movimento único com características próprias. características estilísticas, mas sim um ponto de vista geral sobre a própria natureza da arte - uma expressão espontânea mundo interior, associações subjetivas do subconsciente em desorganizado pensamento lógico formas abstratas. E neste sentido, Pollock é o pregador mais influente deste movimento e um clássico absoluto. Sua “action painting” deu um impulso poderoso à nova arte emergente. De tamanho pequeno (78,4 x 57,4 cm), o quadro "Número 19" de Jackson Pollock foi pintado no período mais produtivo da vida do mestre, pouco antes de sua primeira exposição individual na Galeria Betty Parsons, que se tornou uma sensação e foi um sucesso financeiro. sucesso. Como pode ser visto agora, esse sucesso acompanha o trabalho de Pollock até hoje.

7. Andy Warhol. Coca-Cola (3) – US$ 57,3 milhões

Mais uma vez na lista está o homem que inventou a bola de espelhos da discoteca: Andy Warhol. Desta vez com a imagem original em preto e branco de uma garrafa de Coca-Cola em tamanho real (176,2 x 137,2 cm), criada em 1962. Acredita-se que foi com esse trabalho que começou a marcha da pop art pelo planeta. Muitos dizem que Warhol criou um “retrato de uma geração” ao optar por retratá-lo na tela símbolo universal. O próprio mestre explica a sua escolha da seguinte forma: “O que torna a América grande é que as pessoas mais ricas compram exactamente os mesmos bens que os mais pobres. Você sabe que o Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor fica encantada com Coca-Cola e você, imagine só, pode beber Coca-Cola também! A Coca-Cola é sempre a mesma Coca-Cola, não importa quanto dinheiro você pague." Para ser justo, Andy Warhol não foi o primeiro artista a se inspirar em uma garrafa de Coca-Cola. É sabido que Salvador Dali e Marisol Escobar também tinham sentimentos ternos por ela, mas foi Warhol quem conseguiu criar a partir dela a obra-prima final.

8.Roy Lichtenstein. Mulher com chapéu com flores – US$ 56,1 milhões

Esta famosa pequena obra de arte pop (127x101,6 cm) é baseada na pintura homônima de 1940 de Pablo Picasso. Segundo Lichtenstein, o mestre espanhol tornou-se objeto da cultura pop durante sua vida e, portanto, deveria agora pertencer a todos. Picasso, aliás, não foi o único artista que Lichtenstein “traduziu” desta forma para a linguagem simplificada da cultura pop. Havia também Monet, Matisse, Léger, Mondrian. Mas se a ideia principal da pop art era a transformação de bens em arte, então toda a ironia aqui estava no movimento oposto. Assim Roy Lichtenstein, que recebeu uma educação clássica na área belas-Artes, “livrou-se” da influência de seus veneráveis ​​​​predecessores, sob os quais caiu na juventude, transferindo ironicamente suas obras para o registro da consciência de massa estereotipada com a ajuda de cores chamativas, imitação da impressão industrial e da estética dos quadrinhos. Mas, como se viu, as obras-primas transformadas em “falsas” pelas mãos de Lichtenstein estão agora a regressar para nós como novas obras-primas.

9. Alberto Giacometti. Big Thin Head (Big Head Diego) – US$ 50 milhões

A escultura de Alberto Giacometti, criada em 1955, é um busto de 65 centímetros de altura do irmão mais novo do escultor, que foi seu modelo preferido ao longo de sua vida. Fundido em bronze, foi planejado para ser instalado em uma praça de rua de Nova York, mas nunca chegou lá. Junto com seu lendário Walking Man, esta escultura também é considerada um ícone do trabalho de Giacometti. “Diego’s Big Head” é uma das obras mais radicais e emocionantes do autor. Sua técnica única cria a impressão de incompletude e simboliza a imperfeição do mundo, e a vulnerabilidade, fragilidade e indefesa do homem nas imagens do mestre incorporam as ideias do existencialismo - ambiente como o ácido, corrói e deforma a superfície do corpo, obrigando a pessoa a viver corajosamente sua vida em movimento perpétuo e em eterna busca por um destino melhor. Infelizmente, o trabalho em Big Head de Diego foi suspenso devido à morte do autor. Então, na verdade, este é um dos últimos trabalhos Giacometti.

10. Jean-Michel Basquiat. Cabeças Nevoentas – US$ 48,8 milhões

Goste ou não, o neo-expressionista Jean-Michel Basquiat, cantor do underground nova-iorquino da primeira metade dos anos 80, que nos abriu o mundo do graffiti e morreu aos 27 anos de overdose de heroína, trabalha com seu brilhante e história curta vida. O artista foi finalmente “testado” e agora é equiparado a Warhol e Pollock, dois colossos da arte americana do século XX. Isto é eloquentemente confirmado pelas vendas em leilão. O anterior máximo de venda de pinturas deste artista foi registado em 28,97 milhões de dólares. Agora foi aprovado e, a julgar pelos especialistas, esse não é o limite - o preço só vai subir. Pintura “Cabeças Nevascadas” (182,8x213,3 cm) — trabalho cedo artista, pintado por ele em 1982, justamente no momento em que era fascinado por máscaras rituais, esqueletos e temas haitianos, e quando aconteceu o evento que o definiu vida adulta conhecer Andy Warhol, com quem, aliás, posteriormente criou vários trabalhos conjuntos.