Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Takashi Murakami é um dos mais representantes proeminentes arte pop psicodélica moderna. As obras de Murakami surpreendem com sua alegria, brilho e imediatismo infantil. O artista atua em nas redes sociais, ele se comunica com os fãs, constantemente publica fotos em Instagram.

Takashi Murakami consegue até combinar o talento de um artista, escultor, designer e empresário. Ele mesmo supervisiona suas exposições, estuda o mercado e seus mecanismos, colabora com marcas de moda. Murakami tem seu próprio estúdio, Kaikai Kiki, onde trabalha em desenhos animados.

Takashi Murakami nasceu em 1962 em Tóquio. Aqui ele recebeu seu doutorado da Tokyo Universidade Nacional artes plásticas e música, onde estudou a pintura tradicional japonesa do século XIX conhecida como Nihonga. A popularidade do anime direcionou o interesse de Murakami pela animação, dizendo que "representa a vida moderna no Japão". O trabalho de Murakami também foi influenciado pela cultura pop americana - animação, quadrinhos, moda. O artista sempre nomeia suas obras de forma misteriosa, estranha e às vezes difícil de traduzir.

“Quem tem medo do vermelho, do amarelo, do azul e da morte”, 2010, Gagosian Gallery.

Homenagem a Mono Pink, 1960 G, 2013, Galeria Perrotin.

Em 2000, Murakami foi curador da exposição Superflat sobre a influência da indústria do entretenimento na estética contemporânea e na percepção da arte contemporânea. Em suas obras, Murakami equilibra o Oriente e o Ocidente e brinca com os opostos. Em 2007, foi realizada uma exposição retrospectiva "© Murakami", exibida no Museu de Arte Moderna de Los Angeles, no Museu do Brooklyn em Nova York, no Museu fur Moderne Kunst em Frankfurt, no Museu Guggenheim em Bilbao. Em 2010, as obras do artista foram expostas no Palácio de Versalhes, na França.

“Tan Tan Bo - comunica”, 2014, Gagosian Gallery.

"E então, quando tudo acabar ... mudei o que eu era ontem, como um inseto rastejando na pele", 2009.

"Cry of the Newborn Universe", 2014, Gagosian Gallery.

Tadasu Takamine. "God Save America", 2002. Vídeo (8 min. 18 seg.)

Perspectiva Dupla: Arte Moderna Japão
Curadores Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka

Parte um: "Realidade/Mundo Comum". Museu de Arte Moderna de Moscou, montanhas. Moscou, rua Ermolaevsky, 17
Parte dois: "Mundo Imaginário/Fantasia". Museu de Arte Moderna de Moscou, montanhas. Moscou, Avenida Gogolevsky, 10

O Museu de Arte Moderna de Moscou, juntamente com a Fundação Japão, apresenta a exposição "Dupla Perspectiva: Arte Contemporânea Japonesa", destinada a dar a conhecer ao público em geral a arte contemporânea artistas japoneses.
Uma dupla perspectiva são dois curadores de diferentes países, dois sítios de museus e uma estrutura de projeto em duas partes. Com curadoria de Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka, a exposição reúne as obras de mais de 30 artistas de diversos estilos que trabalharam desde a década de 1970 até os dias atuais. O projeto consiste em duas partes - "O Mundo Real / Vida Cotidiana" e "Mundo Imaginário / Fantasias" - que estão localizadas no terreno do museu em 17 Ermolaevsky Lane e 10 Gogolevsky Boulevard.

Parte Um: "Realidade/Mundo Comum"

A primeira parte da exposição "The Real World/Everyday Life" apresenta a visão dos artistas japoneses sobre o mundo que nos rodeia através de um apelo à história mundial do século XX (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa e Yuken Teruya), reflexões sobre a dispositivo sociedade moderna(Dumb Type e Tadasu Takamine), a interação com o espaço urbano (entre em contato com Gonzo e ChimPom) e a busca da poesia no cotidiano (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi e Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura na série de obras de vídeo "Requiem" reencarna em vários personagens históricos: Chaplin, o escritor Yukio Mishima e até Lenin - e recria episódios de suas vidas. Outro participante do projeto, Tetsuya Umeda, cria instalações a partir de meios improvisados, coisas comuns - assim, o cotidiano mais banal torna-se arte. A exposição contará com obras de Yoko Ono - o famoso "Cut Piece" na versão de 1965 e 2003 e a instalação sonora "Cough Piece" (1961). A exposição apresentará as obras de Kishio Suga, um dos representantes centrais do movimento Mono-Ha (Mono-Ha, traduzido como "Escola das coisas"), que ofereceu uma alternativa japonesa ao modernismo ocidental. A seção de fotos apresentará o trabalho de Toshio Shibata, Takashi Homma e Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. "Estou aqui, mas em lugar nenhum", 2000. Mídia mista. Instalação na Maison de la culture du Japon, Paris.
coleção do autor

As obras que compõem a segunda parte do projeto apresentarão ao público um mundo livre e imaginário em que existe tudo o que não conseguimos ver em Vida real, tudo o que está fora dele. As obras dos artistas desta parte da exposição remetem à cultura pop japonesa, o mundo da fantasia, ingenuidade, mitos e reflexões sobre a estrutura cosmogônica do mundo. Cada participante da exposição dá seu próprio significado ao conceito de "imaginação". Assim, o artista Tadanori Yokoo, em sua relação com o mundo imaginário, faz do desaparecimento, ou melhor, do “auto-desaparecimento”, o tema principal de suas obras. Um motivo semelhante pode ser encontrado na obra de Yayoi Kusama: ao projetar suas fantasias na realidade, ela cria um mundo cheio de padrões bizarros. A escultura gigante "Child of the Sun" (2011) de Kenji Yanobe foi criada em um momento terrível quando houve uma explosão no Usina nuclear"Fukushima-1". Seu objeto monumental torna-se um ponto de intersecção de imaginações. A artista entende que a experiência vivida na fronteira do real se tornará um impulso para a criação de um novo mundo. A parte Imaginary World/Fantasy também apresenta obras de Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa e muitos outros.
Algumas das obras foram criadas especificamente para a exposição. O artista Yoshinori Niva veio a Moscou para seu projeto “Vladimir Lenin é procurado nos apartamentos de Moscou” (2012) a fim de encontrar artefatos relacionados à personalidade do revolucionário nos apartamentos dos moscovitas. Seu trabalho é uma documentação em vídeo de suas buscas e viagens por Moscou. O artista Tetsuya Umeda, cujo trabalho será apresentado simultaneamente em dois locais, virá a Moscou para realizar suas instalações no local.
Estas duas partes, à primeira vista, incomparáveis ​​da exposição, destinam-se a mostrar os dois pólos da arte japonesa, que na realidade se revelam inseparáveis ​​um do outro.
No âmbito da exposição, está também prevista a realização de master classes abertas e reuniões criativas com os participantes do projeto. Haverá palestras do curador japonês Kenjiro Hosaka e do artista Kenji Yanobe. Para a Rússia, esta exposição pela primeira vez em tal escala representa arte japonesa.

Yoshitomo Nara. "Noite azul-doce", 2001. 1166,5 x 100 cm. Acrílico sobre tela
Foto: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Espaço de Separação", 1975. Ramos e blocos de concreto. 184 x 240 x 460 cm
Foto: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. "Filho do Sol", 2011. Fibra de vidro, aço, neon, etc. 620 x 444 x 263 cm. Instalação no parque memorial Ezpo"70
Foto: Thomas Swab

O que é anime e mangá? A definição mais simples é assim:
Mangá são quadrinhos japoneses.
Anime é uma animação japonesa.

Muitas vezes acredita-se que os termos "mangá" e "anime" são limitados a certos gêneros (fantasia, fantasia) e estilos gráficos (realista, " olhos grandes"). Isso não é verdade. Os termos "mangá" e "anime" apenas definem a cultura básica com base na qual as obras correspondentes são criadas.
Não há outro país no mundo que dê tanta atenção aos quadrinhos e à animação. Os criadores de quadrinhos japoneses populares são pessoas muito ricas (Takahashi Rumikom é uma das mulheres mais ricas do Japão), os mais famosos deles são celebridades nacionais, o mangá compõe cerca de um quarto de todo o material impresso produzido no Japão e é lido independentemente de idade e sexo. A posição do anime é um pouco mais modesta, mas também bastante invejável. Por exemplo, não há país no mundo em que os atores que dublam a animação (seiyu) gozariam de tanto reconhecimento, respeito e amor. Japão - o único país do mundo, indicado ao Oscar de "Melhor Filme Estrangeiro" em desenho animado.

Entre outras coisas, anime e mangá - maneira adorável avaliar não apenas como os japoneses modernos refletem e vivenciam suas tradições originais, mas também como os motivos e enredos de outros povos se refletem nas obras japonesas. E não é de forma alguma o fato de que o primeiro é sempre mais interessante que o segundo. Você precisa conhecer muito bem a língua japonesa e a teoria literária para realmente entender como a versificação japonesa (e a mentalidade japonesa) difere da europeia. E para entender como os elfos japoneses diferem dos elfos de Tolkien, basta assistir uma ou duas séries.
Assim, anime e mangá são uma espécie de "porta dos fundos" para o mundo da consciência japonesa. E passando por esta passagem, você não pode apenas encurtar o caminho sem romper todas as cercas e baluartes erguidos por mil e quinhentos anos " Alta cultura"O Japão (a arte do anime e do mangá é muito mais jovem, e há menos tradições nela), mas também se diverte muito. Combinando negócios com prazer - o que poderia ser melhor?

Agora algumas notas específicas sobre mangá e anime separadamente.

Mangá

"Stories in Pictures" é conhecido no Japão desde o seu início. História cultural. Mesmo em montes de kofun (as tumbas dos antigos governantes), os arqueólogos encontram desenhos que lembram um pouco os quadrinhos em ideologia e estrutura.
A difusão de "histórias em imagens" sempre foi facilitada pela complexidade e ambiguidade da escrita japonesa. Mesmo agora, as crianças japonesas podem ler livros e jornais "adultos" somente depois de se formarem na escola primária (aos 12 anos!). Quase imediatamente após o surgimento da prosa japonesa, surgiram suas releituras ilustradas, nas quais havia pouco texto, e as ilustrações desempenhavam o papel principal.

Os primeiros quadrinhos japoneses são considerados "Imagens Engraçadas da Vida dos Animais", criadas no século 12 pelo padre e artista budista Kakuyu (outro nome é Toba, anos de vida - 1053-1140). São quatro rolos de papel, que retratam uma sequência de fotos em preto e branco desenhadas a tinta com legendas. As fotos falavam sobre animais representando pessoas e sobre monges budistas violando a carta. Agora, esses pergaminhos são considerados uma relíquia sagrada e são mantidos no mosteiro onde viveu o asceta Kakuyu.
Por quase mil anos de sua história, "histórias em imagens" pareciam e eram chamadas de forma diferente. A palavra "mangá" (literalmente - "imagens estranhas (ou engraçadas), grotescas") foi cunhada pelo famoso artista gráfico Katsushika Hokusai em 1814, e embora o próprio artista a usasse para uma série de desenhos "da vida", o termo preso para se referir a quadrinhos.
O desenvolvimento do mangá foi muito influenciado pelos desenhos animados europeus e pelos quadrinhos americanos, que se tornaram famosos no Japão na segunda metade do século XIX. A primeira metade do século XX - o tempo da busca por um lugar para os quadrinhos no sistema cultura japonesa novo tempo. O governo militarista, que usou cultura popular influenciar a população. Os militares financiaram mangás "adequados" (até brevemente começaram a aparecer em cores) e baniram mangás com críticas políticas, forçando ex-cartunistas a dominar enredos de aventura e fantasia (por exemplo, a ideia de um "robô gigante" apareceu pela primeira vez em um mangá revanchista de 1943 em que tal robô esmagou os odiados EUA). Finalmente, em período pós-guerra o grande Tezuka Osamu, com suas obras, fez uma verdadeira revolução no mundo do mangá e, junto com seus alunos e seguidores, fez do mangá o mainstream da cultura de massa.

O mangá é quase sempre preto e branco, apenas capas e ilustrações individuais são desenhadas em cores. A maioria dos mangás são séries "sequências" impressas em jornais ou (mais frequentemente) em revistas semanais ou mensais. O volume usual de uma porção de série em uma revista semanal é de 15 a 20 páginas. O mangá popular entre os leitores é reimpresso na forma de volumes separados - tankōbon. Existem, é claro, histórias curtas de mangá e mangás imediatamente publicados como tankōbon.
Existem muitas revistas de mangá no Japão. Cada um deles é destinado a um público específico, digamos, meninos adolescentes mais jovens interessados ​​em ficção científica ou meninas adolescentes mais velhas interessadas em balé. As diferenças mais fortes são entre mulheres e revistas masculinas. O público-alvo dessas revistas varia de crianças pequenas (o mangá é impresso para elas sem assinaturas) a homens e mulheres de meia-idade. Já existem experimentos na área de mangá para idosos. É claro que essa diversidade de públicos deu origem a toda uma série de estilos e gêneros, do simbolismo ao fotorrealismo e dos contos de fadas ao obras filosóficas e livros escolares.

O criador de um mangá é chamado de "mangaka". Normalmente uma pessoa (muitas vezes com assistentes aprendizes) desenha quadrinhos e escreve textos, mas também há criatividade em grupo. No entanto, mais de três ou quatro pessoas geralmente não trabalham em um único mangá. A integridade artística disso aumenta e a renda pessoal - cresce. Além do mangá profissional, há também um amador - "doujinshi". Muitos mangakas começaram como criadores de doujinshi (“doujinshika”). NO principais cidades existem mercados especiais onde os dōjinshiki vendem seus produtos e às vezes encontram editores sérios para seu trabalho.

Anime

O termo "anime" surgiu apenas em meados da década de 1970, antes disso era comumente referido como "manga-eiga" ("quadrinhos de filmes"). Os japoneses começaram a experimentar a animação em meados da década de 1910, e o primeiro anime apareceu em 1917. Por muito tempo, o anime ficou no quintal do cinema, mas aqui também os militaristas, que apoiavam qualquer arte "correta", tiveram um papel benéfico. Assim, os dois primeiros grandes filmes de anime foram lançados em 1943 e 1945, respectivamente, e eram propaganda de "jogo" que glorificava o poder do exército japonês. Como no caso do mangá, Tezuka Osamu teve um papel decisivo na história do anime, que propôs abandonar a competição sem sentido com os longas-metragens de Walt Disney e passar para a criação de séries de TV que superam as americanas não em qualidade de imagem, mas em apelo ao público japonês.

A maioria dos animes são séries de TV e séries feitas para venda em vídeo (séries OAV). No entanto, também existem muitos filmes de TV e animes completos. Em termos de variedade de estilos, gêneros e públicos, o mangá é significativamente superior ao anime, mas este último está alcançando seu rival a cada ano. Por outro lado, muitos animes são adaptações de mangás populares e não competem, mas se apoiam comercialmente. No entanto, a maior parte do anime é para crianças e adolescentes, embora também existam animes para jovens adultos. O público de meia-idade está sendo conquistado pelo "anime da família" que as crianças assistem com os pais. A serialidade dita suas próprias leis - os criadores de anime são menos inclinados a experimentos técnicos, mas eles prestam muita atenção na criação de personagens atraentes e interessantes (daí a importância da dublagem de alta qualidade) e no desenvolvimento do enredo. Designers de anime são mais importantes que animadores.
O anime é produzido por estúdios de anime, geralmente relativamente pequenos e financiados por patrocinadores externos (canais de TV, empresas de brinquedos, editores de mangá). Normalmente, esses estúdios surgem em torno de vários criadores de destaque e, portanto, o estúdio geralmente tem um certo "estilo de estúdio" definido pelos principais designers.

O mundo de hoje é frequentemente culpado por crise espiritual, na destruição dos laços com as tradições, na globalização, inevitavelmente absorvendo fundações nacionais. Tudo é personalizado e despersonalizado ao mesmo tempo. Se o chamado arte clássica poderíamos dividir em escolas nacionais e imaginar o que é arte italiana, o que é arte alemã e o que é francês; então podemos dividir a arte contemporânea nas mesmas “escolas”?

Em resposta a esta pergunta, gostaria de apresentar a arte contemporânea japonesa à sua atenção. Em uma conferência em Museu de Arte Mori sobre o tema do internacionalismo na arte contemporânea no ano passado, o professor da Universidade de Tóquio, Michio Hayashi, sugeriu que a percepção popular de “japonesidade” no Ocidente foi cimentada na década de 1980 pela trindade de “kitsch”, “naturalidade” e “complexidade tecnológica” ”. Hoje, a arte contemporânea popular, e especialmente a comercialmente popular do Japão, ainda pode ser colocada nesse triângulo. Para o espectador ocidental, permanece misterioso e original devido à características específicas, inerente apenas à arte do país do Sol Nascente. Em agosto, Ocidente e Oriente se reuniram em três espaços de arte ao mesmo tempo: até 8 de agosto, a exposição “Dualidade de Existência – Pós-Fukushima” foi realizada em Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), a exposição “teamLab: Ultra O Espaço Subjetivo” durou até 15 de agosto e está praticamente próximo (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); e o “Ciclo Arhat” de Takashi Murakami no Palazzo Reale, em Milão, ainda continua a conquistar e surpreender os visitantes.

Todas as obras de arte mostradas foram criadas após 11 de março de 2011, quando o tsunami atingiu o Japão. O desastre nuclear na usina nuclear de Fukushima reanimou a nação, tornou necessário reconsiderar prioridades e valores e, novamente, recorrer a um antigo tradições esquecidas. A arte não poderia ficar de lado e presenteou o mundo com um novo tipo de artista, focado nas necessidades do público moderno, e ao mesmo tempo honrando os fundamentos e valores históricos.

Takashi Murakami é um artista de sucesso comercial que popularizou o techno kitsch e criou uma nova linguagem visual baseada na tradição, superflat pintura japonesa nihonga e as especificidades do anime e mangá. A ideologia de suas esculturas replicadas e instalações ultrajantes era demonstrar a mudança no Japão após a guerra, quando o consumismo se tornou predominante. Mas 11 de março de 2011 dividiu a vida do Japão em "antes" e "depois", como dois dias terríveis em agosto de 1945, quando eles foram abandonados bombas nucleares para Hiroshima e Nagasaki. Após aquele forte terremoto, que teve consequências terríveis, Murakami embarcou no caminho de repensar o budismo e a estética japonesa, deu um passo para o retorno às origens e à espiritualidade. A primeira obra que deu início ao ciclo Arhats é 500 Arhats, apresentada na exposição individual de Takashi Murakami em Doha, Qatar, em 2012. A volta aos temas budistas é explicada pelo autor como uma tentativa de perceber que neste mundo não existem apenas nós, que existem forças que são independentes de nós, e que devemos melhorar a cada vez para deixarmos de ser dependentes de nós mesmos. próprios desejos e afeta. Uma densa parede de arhats, como se protegesse o público dos elementos em fúria ao longo de todos os 100 metros da tela, instilou paz e tranquilidade na alma de todos. Mas Murakami não se limitou a apenas um trabalho e continuou o ciclo de pinturas, complementando e ampliando a narrativa, como se utilizasse uma técnica de mangá e contando uma história em design visual. A segunda parte do ciclo foi apresentada na Blum & Poe Gallery (Los Angeles) em 2013. Hoje, em Milão, os arhats viajam pela terceira vez pelo mundo, espalhando a ideia de retorno à espiritualidade e renúncia às paixões. Apesar da edificação e profundidade de significado, as pinturas são facilmente percebidas pela decisão de cores ousadas e brilhantes, pela própria linguagem artística. Os elementos do mangá trouxeram a eles aquela necessária parcela de popularização para que as idéias difundidas do budismo fossem facilmente lidas e aceitas até mesmo pelo público não iniciado.

O próximo representante da pintura japonesa moderna pode ser chamado Kazuki Umezawa, aluno de Murakami, o que nos traz de volta à questão da escola e da continuidade. Ele cria renderizações digitais de personagens de anime desenhando-os em cima de adesivos para criar profundidade extra e caos visual. A partir de imagens aleatórias e espalhadas pela internet, ele constrói colagens, quebra fundos, cria mandalas que refletem a estrutura e o conteúdo do imaginário dos otakus (fãs de animes e mangás). O apelo ao símbolo budista aumenta o valor semântico das obras jovem artista, conectando, por um lado, o sagrado e estabelecido na cultura, por outro, questões modernas, mas novamente com a inclusão de um fenômeno japonês específico - anime.

Takashi Murakami e Kazuki Umezawa equilibram habilmente relevância e tradição, kitsch e estilo.

Surpreendentemente, após o terremoto de 11 de março de 2011 no Japão, um garoto de 16 anos que ficou preso sob os escombros de sua casa por nove dias e foi resgatado, quando questionado por um jornalista sobre seus sonhos futuros, respondeu: “Eu quer se tornar um artista.”

Os japoneses descobriram a beleza escondida nas coisas nos séculos 9-12, na era Heian (794-1185) e até a designaram com um conceito especial " mono não avare"(japonês: 物の哀れ (もののあわれ)), que significa "o triste encanto das coisas". “O charme das coisas” é uma das primeiras definições de beleza na literatura japonesa, está associada à crença xintoísta de que cada coisa tem sua própria divindade - kami - e seu próprio charme único. Avare é a essência interior das coisas, aquilo que causa deleite, excitação.

- Washi (wasi) ou wagami (wagami).
Confecção de papel manual. Os japoneses medievais valorizavam o washi não apenas por suas qualidades práticas, mas também por sua beleza. Ela era famosa por sua sutileza, quase transparência, que, no entanto, não a privava de força. Washi é feito da casca da árvore kozo (amoreira) e algumas outras árvores.
O papel Washi foi preservado por séculos, evidência disso são os álbuns e volumes da antiga caligrafia japonesa, pinturas, telas, gravuras que vieram através dos séculos até os dias atuais.
O papel de Vasya é fibroso, se você olhar através de um microscópio, verá rachaduras pelas quais o ar e a luz solar penetram. Esta qualidade é utilizada na fabricação de biombos e lanternas tradicionais japonesas.
As lembranças de Washi são muito populares entre os europeus. Muitos itens pequenos e úteis são feitos deste papel: carteiras, envelopes, leques. Eles são bastante duráveis, mas leves.

- Goh.
Talismã de tiras de papel. Gohei - um cajado ritual de um sacerdote xintoísta, ao qual são anexadas tiras de papel em ziguezague. As mesmas tiras de papel estão penduradas na entrada de um santuário xintoísta. O papel do papel no xintoísmo tem sido tradicionalmente muito grande, e o significado esotérico sempre foi atribuído aos produtos feitos a partir dele. E a crença de que cada coisa, cada fenômeno, até mesmo palavras, contém um kami - uma divindade - explica o surgimento de um tipo de arte aplicada como o gohei. O xintoísmo é um pouco semelhante ao nosso paganismo. Para os xintoístas, o kami está especialmente disposto a residir em qualquer coisa que seja fora do comum. Por exemplo, no papel. E ainda mais em um gohei torcido em um intrincado ziguezague, que hoje está pendurado em frente à entrada dos santuários xintoístas e indica a presença de uma divindade no templo. Existem 20 maneiras de dobrar o gohei, e aquelas que são dobradas de forma incomum atraem os kami. Gohei é predominantemente de cor branca, mas ouro, prata e muitos outros tons também são encontrados. Desde o século IX, existe um costume no Japão de fortalecer o gohei nos cinturões dos lutadores de sumô antes do início da luta.

- Anesama.
Esta é a fabricação de bonecas de papel. No século 19, esposas de samurais faziam bonecas de papel com as quais as crianças brincavam, vestindo-as com roupas diferentes. Em tempos em que não havia brinquedos, a anesama era a única interlocutora das crianças, "desempenhando" o papel de mãe, irmã mais velha, filho e amigo.
A boneca é dobrada em papel washi japonês, o cabelo é feito de papel amassado, tingido com tinta e coberto com cola, o que lhe confere um brilho. Recurso distintivoé um nariz pequeno bonito em um rosto alongado. Hoje, este brinquedo simples, que requer apenas mãos hábeis, de forma tradicional, continua a ser feito da mesma forma que antes.

- Origami.
A antiga arte de dobrar papel (折り紙, lit.: "papel dobrado"). A arte do origami tem suas raízes na China antiga, onde o papel foi inventado. Inicialmente, o origami era usado em cerimônias religiosas. Por muito tempo, esse tipo de arte esteve disponível apenas para representantes das classes altas, onde um sinal boas maneiras era o domínio da técnica de dobra de papel. Somente após a Segunda Guerra Mundial, o origami foi além do Oriente e chegou à América e à Europa, onde imediatamente encontrou seus fãs. O origami clássico é dobrado de uma folha quadrada de papel.
Existe um certo conjunto de símbolos convencionais necessários para esboçar o esquema de dobragem até mesmo do produto mais complexo. A maioria dos sinais convencionais foi colocada em prática em meados do século 20 pelo famoso mestre japonês Akira Yoshizawa.
O origami clássico prescreve o uso de uma folha de papel quadrada uniformemente colorida sem cola e tesoura. As formas de arte contemporânea às vezes se desviam desse cânone.

- Kirigami.
Kirigami é a arte de cortar várias formas de uma folha de papel dobrada várias vezes com a ajuda de uma tesoura. Um tipo de origami que permite o uso de tesoura e corte de papel no processo de confecção do modelo. Esta é a principal diferença entre o kirigami e outras técnicas de dobra de papel, que é enfatizada no nome: 切る (kiru) - corte, 紙 (gami) - papel. Todos nós adorávamos cortar flocos de neve na infância - uma variante de kirigami, você pode cortar não apenas flocos de neve, mas também várias figuras, flores, guirlandas e outras coisas fofas de papel usando essa técnica. Esses produtos podem ser usados ​​como estênceis para estampas, decorações de álbuns, cartões postais, molduras, design de moda, design de interiores e outras decorações diversas.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 ou いけばな) traduzido do japonês - "ike" - vida, "bana" - flores ou "flores que vivem". A arte japonesa de arranjos florais é uma das mais belas tradições do povo japonês. Ao compilar ikebana, juntamente com flores, ramos cortados, folhas e brotos são usados.O princípio fundamental é a simplicidade requintada, para conseguir o que eles tentam enfatizar a beleza natural das plantas. Ikebana é a criação de uma nova forma natural, na qual a beleza de uma flor e a beleza da alma do mestre que cria a composição se combinam harmoniosamente.
Hoje no Japão existem 4 grandes escolas de ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Além deles, existem cerca de mil direções e tendências diferentes que aderem a uma dessas escolas.

- Oribana.
Em meados do século XVII, duas escolas de ohara (a forma principal de ikebana - oribana) e koryu (a forma principal - sek) partiram de ikenobo. A propósito, a escola ohara ainda estuda apenas oribanu. Como dizem os japoneses, é muito importante que o origami não se transforme em origami. Gomi significa lixo em japonês. Afinal, como acontece, você dobrou um pedaço de papel e, em seguida, o que fazer com ele? Oribana oferece muitas idéias de buquês para decorar o interior. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Erro.
Um tipo de arte nascida da floricultura. A floricultura surgiu em nosso país há oito anos, embora exista no Japão há mais de seiscentos anos. Em algum momento da Idade Média, o samurai compreendeu o caminho de um guerreiro. E oshibana fazia parte desse caminho, assim como escrever hieróglifos e empunhar uma espada. O significado do erro foi que no estado de presença total no momento (satori), o mestre criou uma imagem de flores secas (flores prensadas). Então esta imagem poderia servir como chave, um guia para aqueles que estavam prontos para entrar em silêncio e vivenciar aquele mesmo satori.
A essência da arte da "oshibana" é que, ao recolher e secar flores, ervas, folhas, cascas sob pressão e colá-las na base, o autor cria com a ajuda de plantas uma verdadeira obra de "pintura". Em outras palavras, errado é pintar com plantas.
Criatividade artística florists baseia-se na preservação da forma, cor e textura do material vegetal seco. Os japoneses desenvolveram uma técnica para proteger as pinturas "oshibana" do desbotamento e do escurecimento. Sua essência é que o ar é bombeado entre o vidro e a imagem e é criado um vácuo que impede que as plantas estraguem.
Atrai não apenas a não convencionalidade desta arte, mas também a oportunidade de mostrar imaginação, gosto, conhecimento das propriedades das plantas. Os floristas criam ornamentos, paisagens, naturezas-mortas, retratos e pinturas de histórias.

- Bonsai.
O Bonsai, como fenômeno, surgiu há mais de mil anos na China, mas essa cultura atingiu seu auge de desenvolvimento apenas no Japão. (bonsai - japonês 盆栽 lit. "plantar em um vaso") - a arte de cultivar uma cópia exata de uma árvore real em miniatura. Essas plantas foram cultivadas por monges budistas vários séculos antes de nossa era e posteriormente se tornaram uma das atividades da nobreza local.
Bonsai adornava casas e jardins japoneses. Na era Tokugawa, o design do parque recebeu um novo impulso: o cultivo de azaléias e bordos tornou-se um passatempo para os ricos. A produção de culturas anãs (hachi-no-ki - "árvore em um vaso") também se desenvolveu, mas os bonsai daquela época eram muito grandes.
Agora as árvores comuns são usadas para bonsai, elas se tornam pequenas devido à poda constante e vários outros métodos. Ao mesmo tempo, a proporção dos tamanhos do sistema radicular, limitado pelo volume da tigela, e a parte do solo do bonsai corresponde às proporções de uma árvore adulta na natureza.

- Mizuhiki.
Analógico de macramê. Esta é uma antiga arte japonesa de dar nós. cabos especiais e criando padrões a partir deles. Essas obras de arte tinham um escopo extremamente amplo - de cartões de presente e cartas a penteados e bolsas. Atualmente, o mizuhiki é extremamente usado na indústria de presentes - para cada evento da vida, um presente deve ser embrulhado e amarrado de uma maneira muito específica. Existem muitos nós e composições na arte do mizuhiki, e nem todos os japoneses sabem todos de cor. Claro, existem os nós mais comuns e simples que são usados ​​com mais frequência: para parabéns pelo nascimento de um filho, para um casamento ou comemoração, um aniversário ou admissão na universidade.

- Kumihimo.
Kumihimo é um cordão trançado japonês. Ao tecer fios, fitas e rendas são obtidas. Esses laços são tecidos em máquinas especiais - Marudai e Takadai. A máquina Marudai é usada para tecer laços redondos e Takadai para os planos. Kumihimo em japonês significa "tecer cordas" (kumi - tecer, dobrar, himo - corda, renda). Apesar do fato de os historiadores insistirem teimosamente que tecelagem semelhante pode ser encontrada entre os escandinavos e os habitantes dos Andes, a arte japonesa de kumihimo é de fato um dos tipos mais antigos de tecelagem. A primeira menção a ele remonta a 550, quando o budismo se espalhou pelo Japão e cerimônias especiais exigiam decorações especiais. Mais tarde, os cadarços do kumihimo começaram a ser usados ​​como fixador do cinto obi no quimono feminino, como cordas para "embalar" todo o arsenal de armas dos samurais (os samurais usavam o kumihimo para fins decorativos e funcionais para amarrar suas armaduras e armaduras de cavalo) e também para amarrar objetos pesados.
Uma variedade de padrões de kumihimo modernos são tecidos com muita facilidade em teares de papelão caseiros.

- Komono.
O que resta de um quimono depois de cumprir sua pena? Você acha que está sendo jogado fora? Nada como isto! Os japoneses nunca farão isso. Quimonos são caros. É impensável e impossível jogá-lo fora assim... Junto com outros tipos de reciclagem de kimono, as artesãs faziam pequenas lembrancinhas com pequenos pedaços. São pequenos brinquedos para crianças, bonecas, broches, guirlandas, bijuterias femininas e outros produtos, o velho quimono é usado na fabricação de pequenas coisas fofas, que são chamadas coletivamente de “komono”. Pequenas coisas que vão viver própria vida, continuando o caminho do quimono. Isto é o que a palavra "komono" significa.

- Kanzashi.
A arte de decorar grampos de cabelo (na maioria das vezes decorados com flores (borboletas, etc.) feitos de tecido (principalmente seda). Kanzashi japonês (kanzashi) é um grampo de cabelo longo para um penteado feminino japonês tradicional. prata, carapaça de tartaruga usada em penteados tradicionais chineses e japoneses. Há cerca de 400 anos, no Japão, o estilo dos penteados das mulheres mudou: as mulheres pararam de pentear os cabelos forma tradicional- taregami (cabelo longo e liso) e começou a estilizá-los em intrincados e formas bizarras- nihongami. Usado para penteados vários itens- grampos de cabelo, varas, pentes. Foi então que até um simples pente-pente kushi se transforma em um elegante acessório de extraordinária beleza, que se torna uma verdadeira obra de arte. O traje tradicional das mulheres japonesas não permitia jóias de pulso e colares, então os enfeites de cabelo eram beleza principal e um campo de autoexpressão - além de demonstrar o sabor e a espessura da carteira do dono. Nas gravuras você pode ver - se você olhar de perto - como as mulheres japonesas facilmente penduravam até vinte kanzashi caros em seus penteados.
Há agora um ressurgimento da tradição de usar kanzashi entre as jovens japonesas que desejam adicionar sofisticação e elegância aos seus penteados, as presilhas modernas podem ser adornadas com apenas uma ou duas delicadas flores artesanais.

- Kinusaiga.
Um tipo incrível de bordado do Japão. Kinusaiga (絹彩画) é um cruzamento entre batik e patchwork. A ideia principal é que novas pinturas sejam coletadas de velhos quimonos de seda peça por peça - obras verdadeiras arte.
Primeiro, o artista faz um esboço no papel. Em seguida, este desenho é transferido para uma placa de madeira. O contorno do padrão é cortado com sulcos, ou sulcos, e então pequenos pedaços, combinando em cor e tom, são cortados do velho quimono de seda, e as bordas desses pedaços preenchem os sulcos. Quando você olha para uma foto dessas, você tem a sensação de estar olhando para uma fotografia, ou mesmo apenas observando a paisagem do lado de fora da janela, elas são tão realistas.

- Temari.
São bolas bordadas geométricas japonesas tradicionais feitas com pontos simples que já foram um brinquedo infantil e agora se tornaram uma forma de arte com muitos fãs não apenas no Japão, mas em todo o mundo. Acredita-se que há muito tempo esses produtos eram feitos por esposas de samurais para entretenimento. No início, eles eram realmente usados ​​como bola para um jogo de bola, mas aos poucos foram adquirindo elementos artísticos, transformando-se posteriormente em ornamentos decorativos. A delicada beleza dessas bolas é conhecida em todo o Japão. E hoje, produtos coloridos e cuidadosamente elaborados são um dos tipos de artesanato popular no Japão.

- Yubinuki.
Os dedais japoneses, ao costurar ou bordar à mão, são colocados na falange média do dedo médio da mão de trabalho, com a ajuda das pontas dos dedos, a agulha recebe a direção desejada e a agulha é empurrada pelo anel no meio dedo no trabalho. Inicialmente, os dedais yubinuki japoneses eram feitos de forma bastante simples - uma tira de tecido ou couro denso com cerca de 1 cm de largura em várias camadas era firmemente enrolada no dedo e presa com alguns pontos decorativos simples. Como o yubinuki era um item necessário em todas as casas, eles começaram a ser decorados com bordados geométricos com fios de seda. Do entrelaçamento de pontos foram criados padrões coloridos e complexos. Yubinuki de objeto simples cotidiano também se transformou em objeto de "admiração", decoração Vida cotidiana.
Yubinuki ainda são usados ​​em costura e bordado, mas também podem ser encontrados simplesmente usados ​​nas mãos em qualquer dedo, como anéis decorativos. Bordado no estilo de decoração yubinuki Itens variados na forma de um anel - anéis de guardanapo, pulseiras, porta-copos para temari, decorados com bordados yubinuki, também há camas de agulhas bordadas no mesmo estilo. Os padrões Yubinuki podem ser uma ótima inspiração para o bordado temari obi.

- Suibokuga ou sumie.
Pintura a tinta japonesa. Este estilo chinês de pintura foi adotado por artistas japoneses no século XIV e no final do século XV. tornou-se o mainstream da pintura no Japão. Suibokuga é monocromático. Caracteriza-se pelo uso de tinta preta (sumi), uma forma dura de carvão ou tinta chinesa produzida a partir de fuligem, que é moída em um tinteiro, diluída com água e pincelada sobre papel ou seda. O monocromático oferece ao mestre uma infinita variedade de opções de tons, que os chineses há muito reconheciam como as “cores” da tinta. Suibokuga às vezes permite o uso de cores reais, mas limita-o a traços finos e transparentes que sempre permanecem subordinados à linha de tinta. A pintura a tinta compartilha com a arte da caligrafia características essenciais como a expressão rigidamente controlada e o domínio técnico da forma. A qualidade da pintura a tinta se resume, como na caligrafia, à integridade e resistência ao rasgo da linha desenhada a tinta, que, por assim dizer, segura a obra de arte sobre si mesma, assim como os ossos seguram os tecidos.

- Etegami.
Cartões postais desenhados (e - imagem, marcado - carta). Fazer cartões postais do tipo faça você mesmo é geralmente uma atividade muito popular no Japão, e antes do feriado sua popularidade aumenta ainda mais. Os japoneses adoram enviar cartões postais para seus amigos e também adoram recebê-los. Este é um tipo de carta rápida em espaços em branco especiais, pode ser enviada pelo correio sem envelope. Não há regras ou técnicas especiais no etegami, qualquer um pode fazê-lo sem treinamento especial. Etagami ajuda a expressar com precisão o humor, as impressões, este é um cartão postal feito à mão composto por uma foto e carta curta, transmitindo as emoções do remetente, como calor, paixão, carinho, amor, etc. Eles enviam esses cartões postais para as férias e assim mesmo, retratando as estações do ano, atividades, legumes e frutas, pessoas e animais. Quanto mais simples esta imagem é desenhada, mais interessante ela parece.

- Furoshiki.
Técnica japonesa de embrulho ou a arte de dobrar tecidos. Furoshiki entrou na vida dos japoneses por um longo tempo. Pergaminhos antigos do período Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) foram preservados com imagens de mulheres carregando trouxas de roupas enroladas em panos na cabeça. Esta técnica interessante se originou já em 710 - 794 dC no Japão. A palavra "furoshiki" se traduz literalmente como "tapete de banho" e é um pedaço quadrado de pano que era usado para embrulhar e transportar objetos de todas as formas e tamanhos.
Antigamente, era costume andar nos banhos japoneses (furo) em quimonos leves de algodão, que os visitantes traziam de casa. O banhista também trouxe um tapete especial (shiki) sobre o qual ficou de pé enquanto se despia. Tendo se trocado por um quimono de "banho", o visitante enrolou suas roupas em um tapete, e depois do banho enrolou um quimono molhado em um tapete para trazê-lo para casa. Assim, o tapete de banho tornou-se uma bolsa multifuncional.
Furoshiki é muito fácil de usar: o tecido toma a forma do objeto que você envolve e as alças facilitam o transporte da carga. Além disso, um presente embrulhado não em papel duro, mas em um tecido macio e multicamadas, adquire uma expressividade especial. Existem muitos esquemas para dobrar furoshiki para qualquer ocasião, cotidiana ou festiva.

- Amigurumis.
arte japonesa de tricô ou crochê pequenos animais macios e criaturas humanóides. Amigurumi (編み包み, lit.: “embrulhado em malha”) são na maioria das vezes animais fofos (como ursos, coelhos, gatos, cachorros, etc.), homenzinhos, mas também podem ser objetos inanimados dotados de propriedades humanas. Por exemplo, cupcakes, chapéus, bolsas e outros. Amigurumi é tricotado ou tricotado ou feito crochê. NO recentemente O amigurumi de crochê tornou-se mais popular e mais comum.
tricotado a partir de fios em um método de tricô simples - em espiral e, ao contrário do método de tricô europeu, os círculos geralmente não estão conectados. Eles também são tricotados em um tamanho menor em relação à espessura do fio para criar um tecido muito denso, sem lacunas para que o enchimento saia. Os amigurumi são muitas vezes feitos de partes e depois montados, com exceção de alguns amigurumi, que não têm membros, mas apenas cabeça e tronco, que são um todo. Os membros às vezes são preenchidos com pedaços de plástico para lhes dar peso vivo, enquanto o resto do corpo é preenchido com fibra.
A difusão da estética amigurumi é facilitada por sua fofura (“kawaii”).