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Arte Modernaé difícil julgar ou avaliar, uma vez que inicialmente se afasta do escopo de tal possibilidade. É bom que haja Alexey Lifanov , que, embora não seja um especialista em japonês, entende de arte melhor do que eu. Quem, se não Alexei, me ajudaria a entender o que vi?
Sim, os japoneses são pessoas estranhas. Impressões da exposição no Gogol Boulevard.

As exposições da exposição "Dupla Perspectiva" podem ser condicionalmente divididas em três partes (de acordo com os temas levantados pelos autores). A primeira é dedicada ao indivíduo e ao Estado, o papel da ideologia na privacidade, o ditame da sociedade sobre o indivíduo. O segundo tema está relacionado: o homem e sua influência na natureza (e mesmo no âmbito de uma exposição Vários artistas expressaram opiniões diametralmente opostas. O terceiro tópico é puramente japonês e é dedicado à ideologia de "loli" e outras coisas efebofílicas que florescem na sociedade japonesa.

1. As obras de Kenji Yanobe estão implicadas na estética pós-apocalíptica, embora, note-se, sem qualquer "stalkerismo". Seu trabalho é muito ingênuo ao nível do método. "Child of the Sun" é uma escultura em grande escala e tocante. Que tipo de pessoa deve ser para resistir ao mundo tecnogênico - ousado, resoluto ou direto e ingênuo?

3. Continuação do tema num estilo ainda mais exageradamente ingênuo.

4. Motohiko Odani fala sobre puberdade, sexualidade e sua psicologia. Em frente a esta escultura está uma instalação de vídeo muito mais expressiva, mas você precisa vê-la com seus próprios olhos.

5. Makoto Aida desenvolve o tema. Um bonsai com cabeças femininas é um símbolo hiperbólico de amor pervertido. O simbolismo é transparente e dificilmente precisa de explicação.

6. Outra de suas obras "Alunos da escola hara-kiri". Graficamente, é simplesmente incrível.

7. Continuação do tema "infantil" de Yoshimoto Naro. Rostos infantis e emoções não infantis.

8. Takahiro Iwasaki criou um diorama muito condicional de uma certa cidade a partir de todo tipo de lixo. A estética da cidade, que na verdade é um depósito de lixo, não é uma ideia nova, mas implementada de forma interessante.

10. Pinturas de Tadanori Yokoo - uma colagem de alusões, citações e arquétipos. Ao mesmo tempo, a coloração é simplesmente incrível.

11. Yayoi Kusama voltou-se para a estética existencial do ser e do não-ser, criando uma sala onde o espaço se rompe e se desfaz.

12. Yasumasa Morimura fez uma paródia de uma paródia. Ele não retrata Adolf Hitler, como pode parecer, mas a Adenoide de Ginkel - um personagem do filme de Chaplin "O Grande Ditador". O resto de suas obras já é dedicada aos governantes e ditadores imediatos, mas a essência é clara - a ameaça de uma ideologia total.

13. Há poucos espectadores, mas os que estão estão discutindo com muito entusiasmo o que viram. Em geral, parece que os visitantes gostam muito do que está acontecendo.

14. Este é o chefe de George Bush. George Bush canta o hino dos EUA. A ideia é simples de entender - sobre a invasão da ideologia e do Estado, mesmo no espaço pessoal de uma pessoa.

15. Ratos-Pokémon. Minha parte favorita.

16. Parte da exposição - fotografias. Às vezes interessante, às vezes íntimo demais para entender.

18. Fotografias de Toshio Shibata. Aqui a ideia da coexistência harmoniosa do homem e da natureza é resolvida na forma de fotografias, esteticamente muito mais próximas da abstração do que do realismo - uma geometria e composição tão bem ajustadas.

19. Uma das saudações a Lenin.

De qualquer forma, as exposições foram criadas para assisti-las ao vivo, e não para ver reportagens fotográficas em blogs. Muitos trabalhos são completamente impossíveis de avaliar em estática e no tamanho de uma foto de tela. Portanto, é melhor ir à exposição "Dupla Perspectiva" você mesmo.

A parceira do projeto, a Sony, está realizando um concurso e sorteando um laptop e outros prêmios! Se você for à exposição, certifique-se de tirar fotos das exposições e escrever sua breves impressões. Compartilhe para entrar na competição

Que abrange muitas técnicas e estilos. Ao longo de sua história, passou por um grande número de mudanças. Novas tradições e gêneros foram adicionados, e os princípios japoneses originais permaneceram. Juntamente com excelente história A pintura do Japão também está pronta para apresentar muitos fatos únicos e interessantes.

Japão antigo

Os primeiros estilos aparecem no período histórico mais antigo do país, antes mesmo de Cristo. e. Naquela época, a arte era bastante primitiva. Primeiro, em 300 a.C. e., havia vários figuras geométricas que foram feitos em cerâmica com varas. Tal descoberta por arqueólogos como um ornamento em sinos de bronze pertence a uma época posterior.

Um pouco mais tarde, já em 300 dC. e., aparecem pinturas rupestres, que são muito mais diversas ornamento geométrico. Estas já são imagens de pleno direito com imagens. Eles foram encontrados dentro das criptas, e provavelmente as pessoas que estão pintadas neles foram enterradas nesses cemitérios.

No século VII d.C. e. O Japão adota o roteiro que vem da China. Na mesma época, as primeiras pinturas vêm de lá. Então a pintura aparece como uma esfera separada da arte.

edo

Edo está longe de ser a primeira e não a última pintura, mas foi ela quem trouxe muitas novidades para a cultura. Em primeiro lugar, é o brilho e o brilho que foram adicionados à técnica usual, realizada em tons de preto e cinza. A maioria excelente artista Este estilo é considerado Sotasu. Ele criou pinturas clássicas, mas seus personagens eram muito coloridos. Mais tarde, ele mudou para a natureza, e a maioria das paisagens foi feita em um fundo de dourado.

Em segundo lugar, durante o período Edo, surgiu o exótico, o gênero namban. Usava técnicas modernas europeias e chinesas, que se entrelaçavam com os estilos tradicionais japoneses.

E em terceiro lugar, a escola Nang aparece. Nele, os artistas primeiro imitam completamente ou até copiam as obras de mestres chineses. Em seguida, um novo ramo aparece, chamado bunjing.

Período de modernização

O período Edo substitui o Meiji, e agora pintura japonesa obrigado a ir para novo palco desenvolvimento. Nessa época, gêneros como o western e similares estavam se tornando populares em todo o mundo, de modo que a modernização da arte tornou-se um estado de coisas comum. No entanto, no Japão, um país onde todas as pessoas reverenciam as tradições, em Tempo dado as coisas eram muito diferentes do que acontecia em outros países. Aqui, a concorrência entre técnicos europeus e locais aumenta acentuadamente.

O governo nesta fase dá preferência a jovens artistas que servem Grandes Expectativas para melhorar as habilidades em estilos ocidentais. Portanto, eles os enviam para escolas na Europa e na América.

Mas isso foi apenas no início do período. O fato é que críticos conhecidos criticaram a arte ocidental com bastante força. Para evitar muito hype em torno desse assunto, estilos europeus e técnicas começaram a ser proibidas em exposições, sua exibição cessou, assim como sua popularidade.

O surgimento de estilos europeus

Então vem o período Taisho. Nessa época, jovens artistas que partiram para estudar em escolas estrangeiras voltam à sua terra natal. Naturalmente, trazem consigo novos estilos de pintura japonesa, muito semelhantes aos europeus. Surgem o impressionismo e o pós-impressionismo.

Nesta fase, muitas escolas estão sendo formadas nas quais os antigos estilos japoneses. Mas não é possível livrar-se completamente das tendências ocidentais. Portanto, é necessário combinar várias técnicas para agradar tanto os amantes dos clássicos quanto os fãs da pintura europeia moderna.

Algumas escolas são financiadas pelo estado, graças ao qual muitas das tradições nacionais são preservadas. Os comerciantes privados, por outro lado, são obrigados a seguir o exemplo dos consumidores que querem algo novo, estão cansados ​​dos clássicos.

pintura da segunda guerra mundial

Após o início da guerra, a pintura japonesa permaneceu distante dos eventos por algum tempo. Desenvolveu-se separadamente e de forma independente. Mas não poderia continuar assim para sempre.

Com o tempo quando Situação politica o país está piorando, figuras altas e respeitadas atraem muitos artistas. Alguns deles, mesmo no início da guerra, começam a criar em estilos patrióticos. Os restantes iniciam este processo apenas por ordem das autoridades.

Assim, as belas artes japonesas durante a Segunda Guerra Mundial foram incapazes de se desenvolver especialmente. Portanto, para a pintura, pode ser chamado de estagnado.

Eterno Suibokuga

A pintura japonesa sumi-e, ou suibokuga, significa "desenho a tinta". Isso define o estilo e a técnica esta arte. Veio da China, mas os japoneses decidiram dar-lhe um nome próprio. E inicialmente a técnica não tinha nenhum lado estético. Foi usado pelos monges para auto-aperfeiçoamento enquanto estudavam o Zen. Além disso, a princípio eles desenhavam e depois treinavam sua concentração enquanto os visualizavam. Os monges acreditavam que linhas rígidas, tons vagos e sombras ajudam a melhorar - tudo isso é chamado de monocromático.

A pintura a tinta japonesa, apesar da grande variedade de pinturas e técnicas, não é tão complicada quanto parece à primeira vista. Baseia-se em apenas 4 parcelas:

1. Crisântemo.
2. Orquídea.
3. Ramo de ameixa.
4. Bambu.

Um pequeno número de parcelas não agiliza o desenvolvimento da tecnologia. Alguns mestres acreditam que o aprendizado dura a vida inteira.

Apesar do fato de que sumi-e apareceu há muito tempo, está sempre em demanda. Além disso, hoje você pode conhecer os mestres desta escola não apenas no Japão, mas também muito além de suas fronteiras.

Período moderno

Após o fim da Segunda Guerra Mundial, a arte no Japão floresceu apenas em principais cidades, aldeões e aldeões tinham preocupações suficientes. Em sua maioria, os artistas tentaram dar as costas às perdas da guerra e retratar a vida urbana moderna com todos os seus enfeites e características na tela. As ideias europeias e americanas foram adotadas com sucesso, mas esse estado de coisas não durou muito. Muitos mestres começaram a se afastar gradualmente deles em direção às escolas japonesas.

Sempre permaneceu na moda. Portanto, a pintura japonesa moderna pode diferir apenas na técnica de execução ou nos materiais utilizados no processo. Mas a maioria dos artistas não percebe bem várias inovações.

Sem falar na moda subculturas modernas como anime e estilos semelhantes. Muitos artistas estão tentando borrar a linha entre os clássicos e o que está em demanda hoje. Na maior parte, este estado de coisas é devido ao comércio. Clássicos e gêneros tradicionais na verdade, eles não compram, portanto, não é lucrativo trabalhar como artista em seu gênero favorito, você precisa se adaptar à moda.

Conclusão

Sem dúvida, a pintura japonesa é um tesouro Artes visuais. Talvez o país em questão tenha sido o único que não seguiu as tendências ocidentais, não se adaptou à moda. Apesar de muitos golpes na época da chegada de novas técnicas, os artistas do Japão ainda conseguiram defender tradições nacionais em muitos gêneros. Provavelmente é por isso que, nos tempos modernos, as pinturas feitas em estilos clássicos são muito valorizadas nas exposições.

Tadasu Takamine. "God Save America", 2002. Vídeo (8 min. 18 seg.)

Perspectiva Dupla: Arte Contemporânea Japonesa
Curadores Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka

Parte um: "Realidade/Mundo Comum". Museu de Arte Moderna de Moscou, montanhas. Moscou, rua Ermolaevsky, 17
Parte dois: "Mundo Imaginário/Fantasia". Museu de Arte Moderna de Moscou, montanhas. Moscou, Avenida Gogolevsky, 10

O Museu de Arte Moderna de Moscou, juntamente com a Fundação Japão, apresenta a exposição "Dupla Perspectiva: Arte Contemporânea Japonesa", destinada a apresentar ao público em geral artistas japoneses contemporâneos.
Dupla perspectiva é dois curadores de países diferentes, dois sítios do museu e uma estrutura de duas partes do projeto. Com curadoria de Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka, a exposição reúne as obras de mais de 30 artistas de diversos estilos que trabalharam desde a década de 1970 até os dias atuais. O projeto consiste em duas partes - "O Mundo Real / Vida Cotidiana" e "Mundo Imaginário / Fantasias" - que estão localizadas no terreno do museu em 17 Ermolaevsky Lane e 10 Gogolevsky Boulevard.

Parte Um: "Realidade/Mundo Comum"

A primeira parte da exposição "The Real World/Everyday Life" apresenta a visão dos artistas japoneses sobre o mundo que nos rodeia através de um apelo à história mundial do século XX (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa e Yuken Teruya), reflexões sobre a dispositivo sociedade moderna(Dumb Type e Tadasu Takamine), a interação com o espaço urbano (entre em contato com Gonzo e ChimPom) e a busca da poesia no cotidiano (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi e Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura na série de obras de vídeo "Requiem" reencarna em vários personagens históricos: Chaplin, o escritor Yukio Mishima e até Lenin - e recria episódios de suas vidas. Outro participante do projeto, Tetsuya Umeda, cria instalações a partir de meios improvisados, coisas comuns - assim, o cotidiano mais banal torna-se arte. A exposição contará com obras de Yoko Ono - o famoso "Cut Piece" na versão de 1965 e 2003 e a instalação sonora "Cough Piece" (1961). A exposição apresentará as obras de Kishio Suga, um dos representantes centrais do movimento Mono-Ha (Mono-Ha, traduzido como "Escola das coisas"), que ofereceu uma alternativa japonesa ao modernismo ocidental. A seção de fotos apresentará o trabalho de Toshio Shibata, Takashi Homma e Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. "Estou aqui, mas em lugar nenhum", 2000. Mídia mista. Instalação na Maison de la culture du Japon, Paris.
coleção do autor

As obras que compõem a segunda parte do projeto apresentarão ao público um mundo livre e imaginário em que existe tudo o que não conseguimos ver em Vida real, tudo o que está fora dele. As obras dos artistas desta parte da exposição remetem à cultura pop japonesa, o mundo da fantasia, ingenuidade, mitos e reflexões sobre a estrutura cosmogônica do mundo. Cada participante da exposição dá seu próprio significado ao conceito de "imaginação". Assim, o artista Tadanori Yokoo, em sua relação com o mundo imaginário, faz tema principal do desaparecimento de suas obras, ou melhor, "auto-desaparecimento". Um motivo semelhante pode ser encontrado na obra de Yayoi Kusama: ao projetar suas fantasias na realidade, ela cria um mundo cheio de padrões bizarros. A escultura gigante "Child of the Sun" (2011) de Kenji Yanobe foi criada em um momento terrível quando houve uma explosão no Usina nuclear"Fukushima-1". Seu objeto monumental torna-se um ponto de intersecção de imaginações. A artista entende que a experiência vivida na fronteira do real se tornará um impulso para a criação de um novo mundo. A parte Imaginary World/Fantasy também apresenta obras de Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa e muitos outros.
Algumas das obras foram criadas especificamente para a exposição. O artista Yoshinori Niva veio a Moscou para seu projeto “Vladimir Lenin é procurado nos apartamentos de Moscou” (2012) a fim de encontrar artefatos relacionados à personalidade do revolucionário nos apartamentos dos moscovitas. Seu trabalho é uma documentação em vídeo de suas buscas e viagens por Moscou. O artista Tetsuya Umeda, cujo trabalho será apresentado simultaneamente em dois locais, virá a Moscou para realizar suas instalações no local.
Estas duas partes, à primeira vista, incomparáveis ​​da exposição, destinam-se a mostrar os dois pólos da arte japonesa, que na realidade se revelam inseparáveis ​​um do outro.
No âmbito da exposição, está também prevista a realização de master classes abertas e encontros criativos com os participantes do projeto. Haverá palestras do curador japonês Kenjiro Hosaka e do artista Kenji Yanobe. Para a Rússia, esta exposição pela primeira vez em tal escala representa arte japonesa.

Yoshitomo Nara. "Noite azul-doce", 2001. 1166,5 x 100 cm. Acrílico sobre tela
Foto: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Espaço de Separação", 1975. Ramos e blocos de concreto. 184 x 240 x 460 cm
Foto: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. "Filho do Sol", 2011. Fibra de vidro, aço, neon, etc. 620 x 444 x 263 cm. Instalação no parque memorial Ezpo"70
Foto: Thomas Swab

Arte e Design

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01.02.18 09:02

A cena artística de hoje no Japão é muito diversificada e provocativa: olhando para o trabalho de mestres do país sol Nascente Você vai pensar que pousou em outro planeta! É o lar de inovadores que mudaram o cenário da indústria em escala global. Aqui está uma lista de 10 artistas japoneses contemporâneos e suas criações, desde as incríveis criaturas de Takashi Murakami (que está comemorando seu aniversário hoje) até o universo colorido de Kusama.

De mundos futuristas a constelações pontilhadas: artistas japoneses contemporâneos

Takashi Murakami: tradicionalista e clássico

Vamos começar com o herói da ocasião! Takashi Murakami é um dos artistas contemporâneos mais emblemáticos do Japão, trabalhando em pinturas, esculturas em grande escala e moda. O estilo de Murakami é influenciado por mangá e anime. Ele é o fundador do movimento Superflat, que apoia os japoneses tradições artísticas e cultura do pós-guerra. Murakami promoveu muitos de seus colegas contemporâneos, também conheceremos alguns deles hoje. Obras "subculturais" de Takashi Murakami são apresentadas nos mercados de moda e arte. Seu provocativo My Lonesome Cowboy (1998) foi vendido em Nova York na Sotheby's em 2008 por um recorde de US$ 15,2 milhões. Murakami colaborou com marcas famosas Marc Jacobs, Louis Vuitton e Issey Miyake.

Tycho Asima e seu universo surreal

Membro da produtora de arte Kaikai Kiki e do movimento Superflat (ambos fundados por Takashi Murakami), Chiho Ashima é conhecida por suas paisagens de fantasia e criaturas pop estranhas. O artista cria sonhos surrealistas habitados por demônios, fantasmas, jovens beldades retratados contra o pano de fundo da natureza estranha. Suas obras costumam ser em grande escala e impressas em papel, couro, plástico. Em 2006, este artista japonês contemporâneo participou no Art on the Underground em Londres. Ela criou 17 arcos sucessivos para a plataforma - a paisagem mágica gradualmente passou do dia para a noite, do urbano para o rural. Este milagre floresceu na estação de metrô Gloucester Road.

Chiharu Shima e os fios infinitos

Outro artista, Chiharu Shiota, está trabalhando em instalações visuais de grande escala para pontos de referência específicos. Ela nasceu em Osaka, mas agora vive na Alemanha - em Berlim. Temas centrais sua obra é esquecimento e memória, sonhos e realidade, passado e presente, e também um confronto de angústias. As obras mais famosas de Chiharu Shiota são as teias impenetráveis ​​de fio preto que envolvem muitos objetos domésticos e pessoais, como cadeiras velhas, Vestido de casamento, piano queimado. No verão de 2014, Shiota conectou mais de 300 sapatos e botas doados a ela com fios de lã vermelha e os pendurou em ganchos. A primeira exposição de Chiharu na capital alemã foi realizada durante a Semana de Arte de Berlim em 2016 e causou sensação.

Hey Arakawa: em todos os lugares, não em qualquer lugar

Ei Arakawa é inspirado por estados de mudança, períodos de instabilidade, elementos de risco, e suas instalações muitas vezes simbolizam os temas de amizade e trabalho coletivo. Credo do moderno artista japonêsé definido pelo indefinido performativo "em todos os lugares, mas em nenhum lugar". Suas criações surgem em lugares inesperados. Em 2013, o trabalho de Arakawa foi exibido na Bienal de Veneza e na exposição de arte contemporânea japonesa no Mori Art Museum (Tóquio). A instalação Hawaiian Presence (2014) foi uma colaboração com a artista nova-iorquina Carissa Rodriguez e apresentada na Whitney Biennale. Também em 2014, Arakawa e seu irmão Tomu, realizando um dueto chamado United Brothers, ofereceram aos visitantes da Frieze London seu "trabalho" "The This Soup Taste Ambivalent" com raízes "radioativas" do Fukushima daikon.

Koki Tanaka: Relacionamento e Repetição

Em 2015, Koki Tanaka foi nomeado Artista do Ano. Tanaka explora experiência geral criatividade e imaginação, incentiva o intercâmbio entre os participantes do projeto e defende novas regras de cooperação. Sua instalação no pavilhão japonês da Bienal de Veneza de 2013 consistiu em vídeos de objetos transformando o espaço em uma plataforma de troca de arte. As instalações de Koki Tanaka (não confundir com seu ator homônimo completo) ilustram a relação entre objetos e ações, por exemplo, o vídeo contém uma gravação de gestos simples realizados com objetos comuns(faca cortando legumes, cerveja sendo despejada em um copo, abrindo um guarda-chuva). Nada de significativo acontece, mas a repetição obsessiva e a atenção os menores detalhes fazer o espectador apreciar o mundano.

Mariko Mori e formas simplificadas

Outra artista japonesa contemporânea, Mariko Mori, "conjura" objetos multimídia, combinando vídeos, fotos, objetos. Ela tem uma visão futurista minimalista e formas surreais e elegantes. Um tema recorrente na obra de Mori é a justaposição da lenda ocidental com cultura ocidental. Em 2010, Mariko fundou a Fundação Fau, uma instituição cultural educacional organização sem fins lucrativos, para o qual produziu uma série de suas instalações artísticas em homenagem aos seis continentes habitados. Mais recentemente, a instalação permanente da Fundação, O Anel: Um com a Natureza, foi içada sobre uma pitoresca cachoeira em Resende, próximo ao Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: síntese de som e vídeo

Ryoji Ikeda é um artista e compositor de novas mídias cujo trabalho está relacionado principalmente ao som em diferentes estados "brutos", de sons senoidais a ruídos usando frequências no limite da audição humana. Suas instalações de tirar o fôlego incluem sons gerados por computador que são visualmente transformados em projeções de vídeo ou modelos digitais. Os objetos de arte audiovisual de Ikeda usam escala, luz, sombra, volume, sons eletrônicos e ritmo. O famoso objeto de teste do artista consiste em cinco projetores que iluminam uma área de 28 metros de comprimento e 8 metros de largura. A unidade converte dados (texto, sons, fotos e filmes) em um código de barras e padrões binários de zeros e uns.

Tatsuo Miyajima e contadores de LED

O escultor e montador japonês moderno Tatsuo Miyajima usa circuitos elétricos, vídeos, computadores e outros gadgets em sua arte. Os principais conceitos de Miyajima são inspirados em ideias humanistas e ensinamentos budistas. Os contadores de LED em sua configuração piscam continuamente em uma repetição de 1 a 9, simbolizando a jornada da vida à morte, mas evitando a finalidade que é representada pelo 0 (zero nunca aparece no trabalho de Tatsuo). Os números onipresentes em grades, torres e diagramas expressam o interesse de Miyajima nas ideias de continuidade, eternidade, conexão e fluxo de tempo e espaço. Não muito tempo atrás, o objeto Arrow of Time de Miyajima foi exibido na exposição inaugural "Incomplete Thoughts Visible in New York".

Nara Yoshimoto e as crianças más

Nara Yoshimoto cria pinturas, esculturas e desenhos de crianças e cães, temas que refletem a sensação infantil de tédio e frustração e a independência feroz que vem naturalmente para crianças pequenas. A estética do trabalho de Yoshimoto lembra o tradicional ilustrações de livros, é uma mistura de tensão inquieta e amor do artista pelo punk rock. Em 2011, o Asian Society Museum em Nova York sediou a primeira exposição individual de Yoshitomo intitulada "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", cobrindo a carreira de 20 anos de um artista japonês contemporâneo. As exposições estavam intimamente ligadas às subculturas juvenis do mundo, sua alienação e protesto .

Yayoi Kusama e o espaço que cresce com formas estranhas

Impressionante biografia criativa Yayoi Kusama dura sete décadas. Durante esse tempo, uma incrível japonesa conseguiu estudar as áreas de pintura, grafismo, colagem, escultura, cinema, gravura, arte ambiental, instalação, além de literatura, moda e design de roupas. Kusama desenvolveu um estilo altamente distinto de arte de pontos que se tornou sua marca registrada. As visões ilusórias apresentadas nas obras de Kusama, de 88 anos - quando o mundo parece coberto de formas bizarras proliferantes - são fruto de alucinações que ela vive desde a infância. Salas com pontos coloridos e espelhos "infinitos" refletindo suas acumulações são reconhecíveis, não podem ser confundidas com mais nada.

O que é anime e mangá? A definição mais simples é assim:
Mangá são quadrinhos japoneses.
Anime é uma animação japonesa.

Muitas vezes se acredita que os termos "mangá" e "anime" são limitados a certos gêneros (fantasia, fantasia) e estilos gráficos (realista, " olhos grandes"). Isso não é verdade. Os termos "mangá" e "anime" apenas definem a cultura básica com base na qual as obras correspondentes são criadas.
Não há outro país no mundo que dê tanta atenção aos quadrinhos e à animação. Os criadores de quadrinhos japoneses populares são pessoas muito ricas (Takahashi Rumikom é uma das mulheres mais ricas do Japão), os mais famosos deles são celebridades nacionais, o mangá compõe cerca de um quarto de todo o material impresso produzido no Japão e é lido independentemente de idade e sexo. A posição do anime é um pouco mais modesta, mas também bastante invejável. Por exemplo, não há nenhum país no mundo em que os atores que dublam a animação (seiyu) tenham tanto reconhecimento, respeito e amor. Japão - o único país do mundo, indicado ao Oscar de "Melhor Filme Estrangeiro" em desenho animado.

Entre outras coisas, anime e mangá - maneira adorável avaliar não apenas como os japoneses modernos refletem e vivenciam suas tradições originais, mas também como os motivos e enredos de outros povos se refletem nas obras japonesas. E não é de forma alguma o fato de que o primeiro é sempre mais interessante que o segundo. Você precisa conhecer muito bem a língua japonesa e a teoria literária para realmente entender como a versificação japonesa (e a mentalidade japonesa) difere da europeia. E para entender como os elfos japoneses diferem dos elfos de Tolkien, basta assistir uma ou duas séries.
Assim, anime e mangá são uma espécie de "porta dos fundos" para o mundo da consciência japonesa. E passando por esta passagem, você pode não apenas encurtar o caminho sem romper todas as cercas e baluartes erguidos pela "alta cultura" de mil e quinhentos anos do Japão (a arte do anime e mangá é muito mais jovem, e há menos tradições nele), mas também obtém um prazer considerável. Combinando negócios com prazer - o que poderia ser melhor?

Agora algumas notas específicas sobre mangá e anime separadamente.

Mangá

"Stories in Pictures" é conhecido no Japão desde o seu início. História cultural. Mesmo em montes de kofun (as tumbas dos antigos governantes), os arqueólogos encontram desenhos que lembram um pouco os quadrinhos em ideologia e estrutura.
A difusão de "histórias em imagens" sempre foi facilitada pela complexidade e ambiguidade da escrita japonesa. Mesmo agora, as crianças japonesas podem ler livros e jornais "adultos" somente após a formatura. escola primária(aos 12 anos!). Quase imediatamente após o surgimento da prosa japonesa, surgiram suas releituras ilustradas, nas quais havia pouco texto, e as ilustrações desempenhavam o papel principal.

Os primeiros quadrinhos japoneses são considerados "Imagens Engraçadas da Vida dos Animais", criadas no século 12 pelo padre e artista budista Kakuyu (outro nome é Toba, anos de vida - 1053-1140). São quatro rolos de papel, que retratam uma sequência de fotos em preto e branco desenhadas a tinta com legendas. As fotos falavam sobre animais representando pessoas e sobre monges budistas violando a carta. Agora, esses pergaminhos são considerados uma relíquia sagrada e são mantidos no mosteiro onde viveu o asceta Kakuyu.
Por quase mil anos de sua história, "histórias em imagens" pareciam e eram chamadas de forma diferente. A palavra "mangá" (literalmente - "imagens estranhas (ou engraçadas), grotescas") foi cunhada pelo famoso artista gráfico Katsushika Hokusai em 1814, e embora o próprio artista a usasse para uma série de desenhos "da vida", o termo preso para se referir a quadrinhos.
O desenvolvimento do mangá foi muito influenciado pelos desenhos animados europeus e pelos quadrinhos americanos, que se tornaram famosos no Japão na segunda metade do século XIX. A primeira metade do século XX - o tempo da busca por um lugar para os quadrinhos no sistema cultura japonesa novo tempo. O governo militarista, que usou cultura popular influenciar a população. Os militares financiaram mangás "adequados" (até brevemente começaram a aparecer em cores) e baniram mangás com críticas políticas, forçando ex-cartunistas a dominar enredos de aventura e fantasia (por exemplo, a ideia de um "robô gigante" apareceu pela primeira vez em um mangá revanchista de 1943 em que tal robô esmagou os odiados EUA). Finalmente, em período pós-guerra o grande Tezuka Osamu, com suas obras, fez uma verdadeira revolução no mundo do mangá e, junto com seus alunos e seguidores, fez do mangá o mainstream da cultura de massa.

O mangá é quase sempre preto e branco, apenas capas e ilustrações individuais são desenhadas em cores. A maioria dos mangás são séries "sequências" impressas em jornais ou (mais frequentemente) em revistas semanais ou mensais. O volume usual de uma porção de série em uma revista semanal é de 15 a 20 páginas. O mangá popular entre os leitores é reimpresso na forma de volumes separados - tankōbon. Existem, é claro, histórias curtas de mangá e mangás imediatamente publicados como tankōbon.
Existem muitas revistas de mangá no Japão. Cada um deles é destinado a um público específico, digamos, meninos adolescentes mais jovens interessados ​​em ficção científica ou meninas adolescentes mais velhas interessadas em balé. As diferenças mais fortes são entre mulheres e revistas masculinas. O público-alvo dessas revistas varia de crianças pequenas (o mangá é impresso para elas sem assinaturas) a homens e mulheres de meia-idade. Já existem experimentos na área de mangá para idosos. É claro que essa diversidade de públicos deu origem a toda uma série de estilos e gêneros, do simbolismo ao fotorrealismo e dos contos de fadas ao obras filosóficas e livros escolares.

O criador de um mangá é chamado de "mangaka". Normalmente uma pessoa (muitas vezes com assistentes aprendizes) desenha quadrinhos e escreve textos, mas também há criatividade em grupo. No entanto, mais de três ou quatro pessoas geralmente não trabalham em um único mangá. A integridade artística disso aumenta e a renda pessoal - cresce. Além do mangá profissional, há também um amador - "doujinshi". Muitos mangakas começaram como criadores de doujinshi (“doujinshika”). Nas grandes cidades, existem mercados especiais onde os dōjinshiki vendem seus produtos e às vezes encontram editores sérios para seu trabalho.

Anime

O termo "anime" surgiu apenas em meados da década de 1970, antes disso era comumente referido como "manga-eiga" ("quadrinhos de filmes"). Os japoneses começaram a experimentar a animação em meados da década de 1910, e o primeiro anime apareceu em 1917. Por muito tempo, o anime ficou no quintal do cinema, mas aqui também os militaristas, que apoiavam qualquer arte "correta", tiveram um papel benéfico. Assim, os dois primeiros grandes filmes de anime foram lançados em 1943 e 1945, respectivamente, e eram propaganda de "jogo" que glorificava o poder do exército japonês. Como no caso do mangá, Tezuka Osamu teve um papel decisivo na história do anime, que propôs abandonar a competição sem sentido com os longas-metragens de Walt Disney e passar para a criação de séries de TV que superam as americanas não em qualidade de imagem, mas em apelo ao público japonês.

A maioria dos animes são séries de TV e séries feitas para venda em vídeo (séries OAV). No entanto, também existem muitos filmes de TV e animes completos. Em termos de variedade de estilos, gêneros e públicos, o mangá é significativamente superior ao anime, mas este último está alcançando seu rival a cada ano. Por outro lado, muitos animes são adaptações de mangás populares e não competem, mas se apoiam comercialmente. No entanto, a maior parte do anime é para crianças e adolescentes, embora também existam animes para jovens adultos. O público de meia-idade está sendo conquistado pelo "anime da família" que as crianças assistem com os pais. A serialidade dita suas próprias leis - os criadores de anime são menos inclinados a experimentos técnicos, mas preste muita atenção à criação de atrativos e imagens interessantes personagens (daí a importância da dublagem de alta qualidade) e desenvolvimento do enredo. Designers de anime são mais importantes que animadores.
O anime é produzido por estúdios de anime, geralmente relativamente pequenos e financiados por patrocinadores externos (canais de TV, empresas de brinquedos, editores de mangá). Normalmente, esses estúdios surgem em torno de vários criadores de destaque e, portanto, o estúdio geralmente tem um certo "estilo de estúdio" definido pelos principais designers.