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Os japoneses descobriram a beleza escondida nas coisas nos séculos IX-XII, durante a era Heian (794 -1185) e até a designaram com o conceito especial de “mono no consciente” (japonês 物の哀れ (もののあわれ)), que significa “triste o encanto das coisas.” “O encanto das coisas” é uma das primeiras definições de beleza na literatura japonesa; está associada à crença xintoísta de que cada coisa contém a sua própria divindade – kami – e o seu charme único. Avaré é a essência interior das coisas, aquilo que causa deleite e excitação.

- Washi (wasi) ou wagami (wagami).
Fabricação de papel artesanal. Os japoneses medievais valorizavam o washi não apenas por suas qualidades práticas, mas também por sua beleza. Era famoso pela sua magreza, quase transparência, o que, no entanto, não o privou da sua força. Washi é feito da casca da árvore kozo (amoreira) e de algumas outras árvores.
O papel Washi foi preservado durante séculos, como evidenciado pelos álbuns e volumes de antigos caligrafia japonesa, pinturas, telas, gravuras que sobreviveram ao longo dos séculos até os dias atuais.
O papel Washi é fibroso; se você olhar através de um microscópio, verá lacunas através das quais o ar e a luz solar penetram. Essa qualidade é utilizada na fabricação de biombos e lanternas tradicionais japonesas.
As lembranças Washi são muito populares entre os europeus. Muitos itens pequenos e úteis são feitos com este papel: carteiras, envelopes, leques. Eles são bastante duráveis ​​e ainda assim leves.

- Gohei.
Talismã feito de tiras de papel. Gohei é um cajado ritual de um sacerdote xintoísta, ao qual são fixadas tiras de papel em zigue-zague. As mesmas tiras de papel estão penduradas na entrada de um santuário xintoísta. O papel do papel no xintoísmo tem sido tradicionalmente muito grande, e os produtos feitos com ele sempre tiveram um significado esotérico. E a crença de que cada coisa, cada fenômeno, até mesmo palavras, contém um kami - uma divindade - também explica o surgimento de um tipo de arte aplicada como o gohei. O xintoísmo é, em alguns aspectos, muito semelhante ao nosso paganismo. Para os xintoístas, os kami se instalam de boa vontade em tudo o que é incomum. Por exemplo, em papel. E mais ainda no gohei enrolado em zigue-zague sofisticado, que hoje fica pendurado em frente à entrada dos santuários xintoístas e indica a presença de uma divindade no templo. Existem 20 opções de dobramento para o gohei, e aquelas dobradas atraem os kami de maneira especialmente incomum. Principalmente o gohei é branco, mas também há dourado, prata e muitos outros tons. Desde o século 9, existe um costume no Japão de prender gohei aos cintos dos lutadores de sumô antes do início de uma luta.

-Anesama.
Isso é fazer bonecos de papel. No século 19, as esposas dos samurais faziam bonecos de papel com os quais as crianças brincavam, vestindo-as com roupas diferentes. Em tempos em que não existiam brinquedos, anesama era a única interlocutora das crianças, “desempenhando” o papel de mãe, irmã mais velha, filha e amiga.
A boneca é enrolada em papel washi japonês, o cabelo é feito de papel amassado, pintado com tinta e coberto com cola, o que lhe confere um acabamento brilhante. Característica distintivaé um narizinho fofo em um rosto comprido. Hoje, este brinquedo simples, que não exige nada mais do que mãos habilidosas, de formato tradicional, continua a ser feito da mesma forma que antes.

- Origami.
A antiga arte de dobrar papel (折り紙, lit.: “papel dobrado”). A arte do origami tem raízes na China antiga, onde o papel foi inventado. Origami foi originalmente usado em rituais religiosos. Por muito tempo esse tipo de arte estava disponível apenas para representantes das classes altas, onde uma placa boas maneiras tinha domínio das técnicas de dobradura de papel. Somente após a Segunda Guerra Mundial o origami foi além do Oriente e chegou à América e à Europa, onde imediatamente encontrou seus adeptos. O origami clássico é feito de uma folha quadrada de papel.
Existe um certo conjunto de símbolos necessários para esboçar o diagrama de dobramento até mesmo do produto mais complexo. A maioria dos sinais convencionais foram introduzidos na prática em meados do século XX pelo famoso mestre japonês Akira Yoshizawa.
O origami clássico requer o uso de uma folha de papel quadrada e de cor uniforme, sem cola ou tesoura. As formas de arte contemporânea por vezes afastam-se deste cânone.

- Kirigami.
Kirigami é a arte de recortar várias formas de uma folha de papel dobrada várias vezes com uma tesoura. Uma espécie de origami que permite o uso de tesoura e corte de papel durante o processo de confecção do modelo. Esta é a principal diferença entre o kirigami e outras técnicas de dobradura de papel, que é enfatizada no nome: 切る (kiru) - corte, 紙 (gami) - papel. Quando crianças, todos nós gostávamos de recortar flocos de neve - uma versão do kirigami, usando esta técnica você pode recortar não apenas flocos de neve, mas também várias figuras, flores, guirlandas e outras coisas fofas do papel. Esses produtos podem ser usados ​​​​como estênceis para estampas, decoração de álbuns, cartões, molduras para fotos, design de roupas, design de interiores e outras decorações diversas.

-Ikebana.
Ikebana, (japonês 生け花 ou いけばな) traduzido do japonês - ike” - vida, “bana” - flores, ou “flores que vivem”. A arte japonesa dos arranjos florais é uma das mais belas tradições do povo japonês. Na composição do ikebana, juntamente com as flores, utilizam-se ramos cortados, folhas e rebentos.O princípio fundamental é o princípio da simplicidade requintada, para o qual procuram realçar a beleza natural das plantas. Ikebana é a criação de uma nova forma natural em que a beleza de uma flor e a beleza da alma do mestre que cria a composição se combinam harmoniosamente.
Hoje no Japão existem 4 maiores escolas de ikebana: Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu. Além deles, existem cerca de mil direções e tendências diferentes que aderem a uma dessas escolas.

-Oribana.
Em meados do século XVII, surgiram duas escolas de Ikenobo: ohara (a forma principal de ikebana é o oribana) e koryu (a forma principal é sseka). Aliás, a escola ohara ainda estuda apenas oribana. Como dizem os japoneses, é muito importante que o origami não vire origami. Gomi significa lixo em japonês. Afinal, você dobrou um pedaço de papel e o que fazer com ele? Oribana oferece muitas ideias de buquês para decoração de interiores. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Errado.
Um tipo de arte nascida da floricultura. A floricultura surgiu em nosso país há oito anos, embora já exista no Japão há mais de seiscentos anos. Era uma vez, na Idade Média, um samurai que aprendeu o caminho do guerreiro. E oshibana fazia parte desse caminho, assim como escrever hieróglifos e empunhar uma espada. O significado do erro foi que em estado de presença total no momento (satori), o mestre criou um quadro a partir de flores secas (flores prensadas). Então essa imagem poderia servir de chave, de guia para aqueles que estavam prontos para entrar no silêncio e vivenciar esse mesmo satori.
A essência da arte do “oshibana” é que ao coletar e secar flores, ervas, folhas, cascas sob pressão e colá-las sobre uma base, o autor cria um verdadeiro trabalho de “pintura” com a ajuda de plantas. Em outras palavras, oshibana é pintar com plantas.
Criatividade artística floristas baseia-se na preservação da forma, cor e textura do material vegetal seco. Os japoneses desenvolveram uma técnica para proteger as pinturas de oshibana do desbotamento e do escurecimento. A sua essência é que o ar seja bombeado entre o vidro e a imagem e seja criado um vácuo que evita a deterioração das plantas.
O que atrai as pessoas não é apenas o pouco convencionalidade desta arte, mas também a oportunidade de mostrar imaginação, gosto e conhecimento das propriedades das plantas. Os floristas criam ornamentos, paisagens, naturezas mortas, retratos e pinturas de temas.

- Bonsai.
O bonsai, como fenômeno, surgiu há mais de mil anos na China, mas essa cultura atingiu o auge de seu desenvolvimento apenas no Japão. (bonsai - japonês 盆栽 lit. "planta em vaso") - a arte de cultivar uma cópia exata de uma árvore real em miniatura. Estas plantas foram cultivadas por monges budistas vários séculos aC e posteriormente tornaram-se uma das ocupações da nobreza local.
Bonsai decorava casas e jardins japoneses. Durante a era Tokugawa, o projeto do parque recebeu um novo impulso: o cultivo de azaléias e bordos tornou-se um passatempo para pessoas ricas. O cultivo de plantas anãs (hachi-no-ki - “árvore em vaso”) também se desenvolveu, mas os bonsai daquela época eram muito grandes.
Hoje em dia, as árvores comuns são utilizadas para o bonsai, tornam-se pequenas graças à poda constante e a vários outros métodos. Ao mesmo tempo, a proporção entre os tamanhos do sistema radicular, limitado pelo volume da tigela, e a parte do solo do bonsai corresponde às proporções de uma árvore adulta na natureza.

-Mizuhiki.
Semelhante ao macramê. Esta é uma antiga arte aplicada japonesa de dar vários nós de cabos especiais e criando padrões a partir deles. Essas obras de arte tinham uma gama extremamente ampla de aplicações - desde cartões-presente e cartas até penteados e bolsas. Hoje em dia, o mizuhiki é extremamente utilizado na indústria de presentes - cada acontecimento da vida vem acompanhado de um presente, embrulhado e amarrado perfeitamente. de certa forma. Há um número extremamente grande de nós e composições na arte do mizuhiki, e nem todo japonês os conhece todos de cor. Claro, existem os nós mais comuns e simples que são usados ​​​​com mais frequência: para parabéns pelo nascimento de um filho, para um casamento ou funeral, aniversário ou admissão na universidade.

- Kumihimo.
Kumihimo é uma técnica de trança japonesa. Quando os fios são entrelaçados, obtêm-se fitas e rendas. Esses cadarços são tecidos em máquinas especiais - Marudai e Takadai. O tear Marudai é usado para tecer rendas redondas, enquanto o tear Takadai é usado para rendas planas. Kumihimo traduzido do japonês significa “tecer cordas” (kumi - tecer, dobrar, himo - corda, renda). Apesar de os historiadores insistirem teimosamente que tecelagens semelhantes podem ser encontradas entre os escandinavos e os habitantes andinos, arte japonesa Kumihimo é verdadeiramente um dos tipos de tecelagem mais antigos. A primeira menção remonta a 550, quando o budismo se espalhou pelo Japão e cerimônias especiais exigiam decorações especiais. Posteriormente, os cadarços kumihimo passaram a ser usados ​​​​como prendedor do cinto obi do quimono feminino, como cordas para “embalar” todo o arsenal de armas do samurai (os samurais usavam o kumihimo para fins decorativos e funcionais, para amarrar sua armadura e a armadura de seus cavalos) e também para amarrar objetos pesados.
Vários padrões de kumihimo modernos são tecidos com muita facilidade em teares de papelão caseiros.

-Komono.
O que resta de um quimono depois de ter cumprido o seu propósito? Você acha que está sendo jogado fora? Nada como isso! Os japoneses nunca farão isso. Quimono é uma coisa cara. É impensável e impossível simplesmente jogá-lo fora... Junto com outros tipos de reaproveitamento de quimonos, as artesãs confeccionavam pequenos souvenirs a partir de pequenos retalhos. Isso inclui pequenos brinquedos para crianças, bonecas, broches, guirlandas, joias femininas e outros produtos; quimonos velhos são usados ​​para fazer pequenas coisas fofas, que são chamadas coletivamente de “komono”. Pequenas coisas que ganharão vida própria, dando continuidade ao caminho do quimono. Isto é o que a palavra “komono” significa.

-Kanzashi.
A arte de decorar grampos de cabelo (geralmente decorados com flores (borboletas, etc.) feitos de tecido (principalmente seda). O kanzashi japonês é um grampo longo para um penteado tradicional feminino japonês. Eles eram feitos de madeira, laca, prata, tartaruga , usado em penteados tradicionais chineses e japoneses. Há cerca de 400 anos, no Japão, o estilo do penteado feminino mudou: as mulheres pararam de pentear os cabelos da forma tradicional - taregami (cabelos longos e lisos) e começaram a modelá-los de maneira complexa e formas extravagantes- nihongami. Vários objetos foram usados ​​​​para pentear o cabelo - grampos, palitos, pentes. É então que até um simples pente kushi se transforma num acessório elegante e de extraordinária beleza, que se torna uma verdadeira obra de arte. O traje tradicional das mulheres japonesas não permitia joias e colares no pulso, então os enfeites de cabelo eram a principal beleza e campo de expressão - além de demonstrar o gosto e a espessura da carteira do dono. Nas gravuras você pode ver - se olhar de perto - como as mulheres japonesas facilmente penduravam até vinte kanzashi caros em seus penteados.
Atualmente, há um renascimento da tradição do uso de kanzashi entre as jovens japonesas que desejam adicionar sofisticação e elegância aos seus penteados: os grampos modernos podem ser decorados com apenas uma ou duas elegantes flores feitas à mão.

-Kinusayga.
Um incrível tipo de artesanato japonês. Kinusaiga (絹彩画) é um cruzamento entre batik e patchwork. A ideia principal é que novas pinturas sejam montadas peça por peça a partir de velhos quimonos de seda - obras verdadeiras arte.
Primeiro, o artista faz um esboço no papel. Em seguida, esse desenho é transferido para uma placa de madeira. O contorno do desenho é cortado com ranhuras, ou ranhuras, e então pequenos pedaços de cor e tom correspondentes são cortados de um velho quimono de seda, e as bordas dessas peças preenchem as ranhuras. Ao olhar para uma foto dessas, você tem a sensação de que está olhando uma fotografia, ou mesmo apenas observando a paisagem pela janela, de tão realistas.

-Temari.
São bolas bordadas geométricas tradicionais japonesas feitas com pontos simples que já foram um brinquedo infantil e agora se tornaram uma forma de arte aplicada com muitos fãs não só no Japão, mas em todo o mundo. Acredita-se que há muito tempo esses produtos eram feitos pelas esposas dos samurais para entretenimento. No início serviam como bola para jogar bola, mas aos poucos foram adquirindo elementos artísticos, transformando-se posteriormente em enfeites decorativos. A delicada beleza dessas bolas é conhecida em todo o Japão. E hoje, produtos coloridos e cuidadosamente elaborados são um dos tipos de artesanato popular no Japão.

- Yubinuki.
Dedais japoneses, ao costurar ou bordar à mão, são colocados na falange média do dedo médio da mão ativa, com a ajuda das pontas dos dedos a agulha recebe a direção desejada e o anel no dedo médio empurra a agulha através do trabalho. Inicialmente, os dedais yubinuki japoneses eram feitos de forma bastante simples - uma tira de tecido grosso ou couro com cerca de 1 cm de largura em várias camadas era firmemente enrolada no dedo e presa com alguns pontos decorativos simples. Como os yubinuks eram um item necessário em todas as casas, eles passaram a ser decorados com bordados geométricos com fios de seda. Pontos interligados criaram padrões coloridos e complexos. Yubinuki de um simples item doméstico também se transformou em objeto de “admiração” e decoração. Vida cotidiana.
Os Yubinuki ainda são usados ​​para costura e bordado, mas além disso também podem ser encontrados simplesmente usados ​​nas mãos de qualquer dedo, como anéis decorativos. Eles decoram com bordados no estilo yubinuki. vários itens em forma de anel - argolas para guardanapos, pulseiras, suportes para temari, decorados com bordados yubinuki; há também estojos de agulhas bordados no mesmo estilo. Os padrões Yubinuki podem ser uma grande fonte de inspiração para bordados temari obi.

-Suibokuga ou sumie.
Pintura a tinta japonesa. Este estilo chinês de pintura foi emprestado por artistas japoneses no século XIV e no final do século XV. tornou-se a principal direção da pintura no Japão. Suibokuga é monocromático. É caracterizada pelo uso de tinta preta (sumi), uma forma dura de carvão ou tinta chinesa derivada de fuligem, que é moída em tinteiro, diluída em água e pincelada sobre papel ou seda. O monocromático oferece ao mestre uma escolha infinita de opções tonais, que os chineses há muito reconhecem como as “cores” da tinta. Suibokuga às vezes permite o uso de cores reais, mas limita-o a traços finos e transparentes, que ficam sempre subordinados ao traço executado a tinta. A pintura a tinta partilha com a arte da caligrafia características essenciais como a expressão rigorosamente controlada e o domínio técnico da forma. A qualidade da pintura a nanquim se resume, como na caligrafia, à integridade e resistência ao rasgo da linha traçada com tinta, que parece segurar a obra de arte sobre si mesma, assim como os ossos seguram o tecido sobre si mesmos.

- Etagami.
Cartões postais desenhados (e - imagem, tags - carta). Fazer cartões com as próprias mãos é geralmente uma atividade muito popular no Japão e antes do feriado sua popularidade aumenta ainda mais. Os japoneses adoram enviar cartões postais aos amigos e também adoram recebê-los. É uma espécie de carta rápida em formulários especiais em branco, que pode ser enviada pelo correio sem envelope. Não existem regras ou técnicas especiais no etegami; qualquer pessoa pode fazê-lo sem treinamento especial. Os estágios ajudam a expressar com precisão o humor, as impressões, este é um cartão postal feito à mão composto por uma imagem e carta curta, transmitindo as emoções do remetente, como calor, paixão, cuidado, amor, etc. Esses cartões são enviados nos feriados e assim mesmo, retratando estações, ações, vegetais e frutas, pessoas e animais. Quanto mais simples essa imagem for desenhada, mais interessante ela parecerá.

-Furoshiki.
Técnica japonesa de embalagem ou arte de dobrar tecidos. Os Furoshiki fazem parte da vida japonesa há muito tempo. Foram preservados pergaminhos antigos dos períodos Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) com imagens de mulheres carregando trouxas de roupas embrulhadas em pano na cabeça. Esta técnica interessante originou-se em 710-794 DC no Japão. A palavra "furoshiki" se traduz literalmente como "tapete de banho" e é um pedaço quadrado de pano usado para embrulhar e transportar objetos de todos os formatos e tamanhos.
Antigamente, nos banhos japoneses (furo), era costume usar quimonos leves de algodão, que os visitantes traziam de casa. O banhista também trazia um tapete especial (shiki) sobre o qual ficava de pé enquanto se despia. Vestindo um quimono de “banho”, o visitante embrulhava suas roupas em um tapete e, após o banho, enrolava o quimono molhado no tapete para levá-lo para casa. Assim, o tapete de banho virou uma bolsa multifuncional.
O Furoshiki é muito fácil de usar: o tecido assume o formato da peça que você está embrulhando e as alças facilitam o transporte da carga. Além disso, um presente embrulhado não em papel duro, mas em tecido macio e multicamadas, adquire uma expressividade especial. Existem muitos padrões para dobrar furoshiki para qualquer ocasião, todos os dias ou feriados.

- Amigurumi.
A arte japonesa de tricotar ou fazer crochê pequenos animais macios e criaturas humanóides. Amigurumi (japonês 編み包み, lit.: “embrulhado em malha”) são na maioria das vezes animais fofos (como ursos, coelhinhos, gatos, cachorros, etc.), pessoas, mas também podem ser objetos inanimados dotados de propriedades humanas. Por exemplo, cupcakes, chapéus, bolsas e outros. Amigurumi é tricotado ou tricotado. Recentemente, os amigurumi de crochê tornaram-se mais populares e comuns.
tricotado de fio de uma forma simples tricô - em espiral e, ao contrário do método europeu de tricô, os círculos geralmente não estão conectados. Eles também são tricotados em um tamanho menor em relação à espessura do fio para criar um tecido muito justo, sem lacunas por onde o material de enchimento possa escapar. Os amigurumi geralmente são feitos de partes e depois montados, com exceção de alguns amigurumi que não possuem membros, mas apenas cabeça e tronco que formam um todo. Os membros às vezes são recheados com pedaços de plástico para lhes dar peso vivo, enquanto o resto do corpo é preenchido com enchimento de fibra.
A difusão da estética do amigurumi é facilitada pela sua fofura (“kawaiiness”).

Que abrange muitas técnicas e estilos. Ao longo da história de sua existência, passou por um grande número de mudanças. Novas tradições e gêneros foram adicionados e os princípios originais japoneses permaneceram. Junto com a incrível história do Japão, a pintura também está pronta para apresentar muitos fatos únicos e interessantes.

Japão Antigo

Os primeiros estilos surgem no período histórico mais antigo do país, ainda AC. e. Então a arte era bastante primitiva. Primeiro, em 300 AC. AC surgiram várias formas geométricas, que eram feitas em cerâmica com paus. Uma descoberta dos arqueólogos como a ornamentação em sinos de bronze remonta a uma época posterior.

Um pouco mais tarde, já em 300 DC. e., aparecem pinturas rupestres, que são muito mais diversas ornamento geométrico. Estas já são imagens completas com imagens. Eles foram encontrados dentro de criptas e, provavelmente, as pessoas pintadas neles foram enterradas nesses cemitérios.

No século 7 DC e. O Japão adota uma escrita que vem da China. Na mesma época, surgiram de lá as primeiras pinturas. Então a pintura aparece como uma esfera separada da arte.

Edo

Edo está longe de ser a primeira e nem a última pintura, mas trouxe muitas novidades para a cultura. Em primeiro lugar, é o brilho e o colorido que foram agregados à técnica usual, realizada nos tons preto e cinza. Sotasu é considerado o artista mais destacado deste estilo. Ele criou pinturas clássicas, mas seus personagens eram muito coloridos. Mais tarde, ele mudou para a natureza, e a maioria de suas paisagens foram pintadas contra fundos dourados.

Em segundo lugar, durante o período Edo, surgiu o exotismo, o gênero namban. Utilizou técnicas modernas europeias e chinesas que estavam entrelaçadas com os estilos tradicionais japoneses.

E em terceiro lugar, surge a escola Nanga. Nele, os artistas primeiro imitam completamente ou até copiam as obras dos mestres chineses. Então aparece um novo ramo, chamado bunjing.

Período de modernização

O período Edo dá lugar ao Meiji, e agora a pintura japonesa é forçada a entrar numa nova fase de desenvolvimento. Nessa época, gêneros como o faroeste e similares estavam se tornando populares em todo o mundo, de modo que a modernização da arte tornou-se uma situação comum. No entanto, no Japão, um país onde todas as pessoas reverenciam as tradições, Tempo dado a situação era significativamente diferente do que estava acontecendo em outros países. A concorrência entre técnicos europeus e locais é feroz aqui.

O governo nesta fase dá preferência aos jovens artistas que submetam grandes esperanças para melhorar as habilidades nos estilos ocidentais. Então eles os enviam para escolas na Europa e na América.

Mas isso foi apenas no início do período. O fato é que críticos famosos criticaram fortemente a arte ocidental. Para evitar uma grande agitação em torno desta questão, os estilos e técnicas europeus começaram a ser proibidos em exposições, a sua exibição cessou, assim como a sua popularidade.

O surgimento de estilos europeus

Em seguida vem o período Taisho. Nessa época, jovens artistas que saíram para estudar em escolas estrangeiras voltam para sua terra natal. Naturalmente, trazem consigo novos estilos de pintura japonesa, muito semelhantes aos europeus. Surgem o impressionismo e o pós-impressionismo.

Nesta fase, muitas escolas estão sendo formadas nas quais os antigos Estilos japoneses. Mas é impossível livrar-se completamente das tendências ocidentais. Por isso, temos que combinar diversas técnicas para agradar tanto aos amantes dos clássicos como aos fãs da pintura europeia moderna.

Algumas escolas são financiadas pelo Estado, graças ao qual é possível preservar muitas das tradições nacionais. Os proprietários privados são obrigados a seguir o exemplo dos consumidores que queriam algo novo; estavam cansados ​​dos clássicos.

Pintura da Segunda Guerra Mundial

Após o início do tempo de guerra, a pintura japonesa permaneceu distante dos acontecimentos por algum tempo. Desenvolveu-se separada e independentemente. Mas isso não poderia durar para sempre.

Com o tempo, quando Situação politicaÀ medida que as coisas pioram no país, figuras importantes e respeitadas atraem muitos artistas. Alguns deles começaram a criar em estilos patrióticos ainda no início da guerra. Os demais iniciam esse processo apenas por ordem das autoridades.

Conseqüentemente, as belas-artes japonesas não conseguiram se desenvolver particularmente durante a Segunda Guerra Mundial. Portanto, para pintura pode ser chamado de estagnado.

Suibokuga Eterno

A pintura japonesa sumi-e, ou suibokuga, significa literalmente “pintura a tinta”. Isso determina o estilo e a técnica desta arte. Veio da China, mas os japoneses decidiram chamá-lo de seu. E inicialmente a técnica não tinha nenhum lado estético. Foi usado por monges para autoaperfeiçoamento enquanto estudavam Zen. Além disso, eles primeiro fizeram desenhos e posteriormente treinaram sua concentração enquanto os visualizavam. Os monges acreditavam que linhas rígidas, tons borrados e sombras - tudo o que é chamado de monocromático - ajudam a melhorar.

A pintura a tinta japonesa, apesar da grande variedade de pinturas e técnicas, não é tão complexa como pode parecer à primeira vista. É baseado em apenas 4 parcelas:

1. Crisântemo.
2. Orquídea.
3. Ramo de ameixa.
4. Bambu.

Um pequeno número de parcelas não torna rápido o domínio da técnica. Alguns mestres acreditam que o aprendizado dura a vida toda.

Apesar de o sumi-e ter surgido há muito tempo, ele está sempre em demanda. Além disso, hoje você pode conhecer os mestres desta escola não apenas no Japão, ela está muito difundida além de suas fronteiras.

Período moderno

Após o fim da Segunda Guerra Mundial, a arte no Japão floresceu apenas em principais cidades, os aldeões e aldeões já tinham o suficiente com que se preocupar. Na maior parte, os artistas tentaram se afastar das perdas dos tempos de guerra e retratar na tela a vida urbana moderna com todos os seus enfeites e características. As ideias europeias e americanas foram adoptadas com sucesso, mas este estado de coisas não durou muito. Muitos mestres começaram gradualmente a se afastar deles em direção às escolas japonesas.

Sempre permaneceu na moda. Portanto, a pintura japonesa moderna pode diferir apenas na técnica de execução ou nos materiais utilizados no processo. Mas a maioria dos artistas não percebe bem as diversas inovações.

É impossível não falar da moda subculturas modernas, como anime e estilos semelhantes. Muitos artistas tentam confundir a linha entre os clássicos e o que é procurado hoje. Na maior parte, este estado de coisas se deve ao comércio. Clássicos e gêneros tradicionais na verdade, eles não compram, portanto, não dá lucro trabalhar como artista no seu gênero preferido, é preciso se adaptar à moda.

Conclusão

Sem dúvida, a pintura japonesa é um tesouro de belas artes. Talvez o país em questão tenha sido o único que não seguiu as tendências ocidentais e não se adaptou à moda. Apesar de muitos golpes durante o advento de novas técnicas, os artistas japoneses ainda conseguiram defender tradições nacionais em muitos gêneros. É provavelmente por isso que as pinturas feitas em estilos clássicos são hoje altamente valorizadas nas exposições.

Arte e Design

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01.02.18 09:02

O cenário artístico atual no Japão é muito diversificado e provocante: olhando as obras dos mestres da Terra do Sol Nascente, você vai pensar que chegou a outro planeta! Lar de inovadores que mudaram o cenário da indústria em escala global. Aqui está uma lista de 10 artistas japoneses contemporâneos e suas criações, desde as incríveis criaturas de Takashi Murakami (que hoje comemora seu aniversário) até o colorido universo de Kusama.

De mundos futuristas a constelações pontilhadas: artistas japoneses contemporâneos

Takashi Murakami: tradicionalista e clássico

Vamos começar com o herói da ocasião! Takashi Murakami é um dos artistas contemporâneos mais emblemáticos do Japão, trabalhando em pinturas, esculturas em grande escala e roupas da moda. O estilo de Murakami é influenciado por mangá e anime. Ele é o fundador do movimento Superflat, apoiando os japoneses tradições artísticas e a cultura pós-guerra do país. Murakami promoveu muitos de seus colegas contemporâneos, e também conheceremos alguns deles hoje. As obras “subculturais” de Takashi Murakami são apresentadas nos mercados de arte da moda e da arte. Seu provocativo My Lonesome Cowboy (1998) foi vendido em Nova York, na Sotheby's, em 2008, por um valor recorde de US$ 15,2 milhões. Murakami colaborou com o mundo marcas famosas Marc Jacobs, Louis Vuitton e Issey Miyake.

Silenciosamente Ashima e seu universo surreal

Membro da produtora de arte Kaikai Kiki e do movimento Superflat (ambos fundados por Takashi Murakami), Chicho Ashima é conhecida por suas paisagens urbanas fantásticas e estranhas criaturas pop. O artista cria sonhos surreais habitados por demônios, fantasmas, jovens belezas, retratados tendo como pano de fundo uma natureza bizarra. Seus trabalhos são geralmente em grande escala e impressos em papel, couro e plástico. Em 2006, este artista japonês contemporâneo participou do Art on the Underground em Londres. Ela criou 17 arcos consecutivos para a plataforma - a paisagem mágica mudou gradualmente do dia para a noite, do urbano para o rural. Este milagre floresceu na estação de metrô Gloucester Road.

Chiharu Shima e os fios sem fim

Outro artista, Chiharu Shiota, trabalha em instalações visuais de grande escala para pontos de referência específicos. Ela nasceu em Osaka, mas agora mora na Alemanha - em Berlim. Temas centrais seu trabalho é o esquecimento e a memória, os sonhos e a realidade, o passado e o presente, e também o enfrentamento da ansiedade. As obras mais famosas de Chiharu Shiota são redes impenetráveis ​​de fio preto que cobrem uma variedade de objetos domésticos e pessoais, como cadeiras velhas, Vestido de casamento, piano queimado. No verão de 2014, Shiota amarrou sapatos e botas doados (que eram mais de 300) com fios de lã vermelha e os pendurou em ganchos. A primeira exposição de Chiharu na capital alemã aconteceu durante a Semana de Arte de Berlim em 2016 e causou sensação.

Ei Arakawa: em todo lugar, em lugar nenhum

Hei Arakawa é inspirado por estados de mudança, períodos de instabilidade, elementos de risco, e suas instalações muitas vezes simbolizam temas de amizade e trabalho coletivo. O credo do artista japonês contemporâneo é definido pelo performativo e indefinido “em todo lugar, mas em lugar nenhum”. Suas criações surgem em lugares inesperados. Em 2013, as obras de Arakawa foram expostas na Bienal de Veneza e na exposição de arte contemporânea japonesa no Mori Museum of Art (Tóquio). A instalação Hawaiian Presence (2014) foi uma colaboração com a artista nova-iorquina Carissa Rodriguez e foi incluída na Bienal de Whitney. Também em 2014, Arakawa e seu irmão Tomu, atuando como uma dupla chamada United Brothers, ofereceram aos visitantes da Frieze London seu “trabalho” “The This Soup Taste Ambivalent” com raízes “radioativas” de Fukushima daikon.

Koki Tanaka: relacionamentos e repetições

Em 2015, Koki Tanaka foi reconhecido como “Artista do Ano”. Tanaka explora Experiência geral criatividade e imaginação, incentiva o intercâmbio entre os participantes do projeto e defende novas regras de cooperação. Sua instalação no pavilhão japonês da Bienal de Veneza 2013 consistiu em vídeos de objetos que transformaram o espaço em plataforma de intercâmbio artístico. As instalações de Koki Tanaka (não confundir com seu ator homônimo) ilustram a relação entre objetos e ações, por exemplo, o vídeo contém uma gravação de gestos simples executados com objetos comuns(uma faca cortando legumes, cerveja sendo servida em um copo, abrindo um guarda-chuva). Nada de significativo acontece, mas a repetição obsessiva e a atenção aos mínimos detalhes fazem o espectador apreciar o mundano.

Mariko Mori e formas simplificadas

Outra artista japonesa contemporânea, Mariko Mori, “evoca” objetos multimídia, combinando vídeos, fotografias e objetos. Ela é caracterizada por uma visão futurista minimalista e formas surreais elegantes. Um tema recorrente na obra de Mori é a justaposição da lenda ocidental com a cultura ocidental. Em 2010, Mariko fundou a Fundação Fau, uma organização educacional e cultural sem fins lucrativos, para a qual criou uma série de instalações artísticas em homenagem aos seis continentes habitados. Mais recentemente, a instalação permanente da Fundação “Anel: Um com a Natureza” foi erguida sobre uma pitoresca cachoeira em Resende, perto do Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: síntese de som e vídeo

Ryoji Ikeda é um artista e compositor de novas mídias cujo trabalho lida principalmente com o som em vários estados “brutos”, desde ondas senoidais até ruído usando frequências no limite da audição humana. Suas instalações imersivas incluem sons gerados por computador que são visualmente transformados em projeções de vídeo ou padrões digitais. A arte audiovisual de Ikeda utiliza escala, luz, sombra, volume, sons eletrônicos e ritmo. A famosa instalação de testes do artista consiste em cinco projetores que iluminam uma área de 28 metros de comprimento e 8 metros de largura. A configuração converte dados (texto, sons, fotos e filmes) em códigos de barras e padrões binários de uns e zeros.

Tatsuo Miyajima e contadores LED

O escultor e artista de instalações japonês contemporâneo Tatsuo Miyajima usa circuitos elétricos, vídeos, computadores e outros dispositivos em sua arte. Os conceitos centrais de Miyajima são inspirados em ideias humanísticas e ensinamentos budistas. Os contadores de LED em suas instalações piscam continuamente em repetição de 1 a 9, simbolizando a jornada da vida à morte, mas evitando a finalidade que é representada pelo 0 (o zero nunca aparece na obra de Tatsuo). Os números onipresentes em grades, torres e diagramas expressam o interesse de Miyajima nas ideias de continuidade, eternidade, conexão e fluxo de tempo e espaço. Recentemente, "Arrow of Time" de Miyajima foi exibida na exposição inaugural "Unfinished Thoughts Visible in New York".

Nara Yoshimoto e as crianças más

Nara Yoshimoto cria pinturas, esculturas e desenhos de crianças e cães – temas que refletem os sentimentos infantis de tédio e frustração e a independência feroz que surge naturalmente nas crianças pequenas. A estética do trabalho de Yoshimoto lembra o tradicional ilustrações de livros, é uma mistura de tensão inquieta e o amor do artista pelo punk rock. Em 2011, o Asia Society Museum em Nova York sediou a primeira exposição individual de Yoshimoto, intitulada "Yoshitomo Nara: Ninguém é tolo", cobrindo a carreira de 20 anos do artista japonês contemporâneo. As exposições estavam intimamente relacionadas às subculturas juvenis globais e sua alienação e protesto.

Yayoi Kusama e o espaço crescendo em formas estranhas

Incrível biografia criativa O Yayoi de Kusama abrange sete décadas. Nessa época, a incrível japonesa conseguiu estudar as áreas de pintura, grafismo, colagem, escultura, cinema, gravura, arte ambiental, instalação, além de literatura, moda e design de vestuário. Kusama desenvolveu um estilo muito distinto de arte pontilhada que se tornou sua marca registrada. As visões ilusórias retratadas no trabalho de Kusama, de 88 anos – onde o mundo parece estar coberto de formas estranhas e extensas – são o resultado de alucinações que ela experimenta desde a infância. Salas com pontos coloridos e espelhos “infinitos” refletindo seus aglomerados são reconhecíveis e não podem ser confundidas com mais nada.

Tadasu Takamine. "God Bless America", 2002. Vídeo (8 min. 18 seg.)

Perspectiva Dupla: Arte Contemporânea do Japão
Curadores Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka

Parte um: "Realidade/Mundo Comum." Museu de Arte Moderna de Moscou, MT. Moscou, rua Ermolaevsky, 17
Parte dois: “Mundo Imaginário/Fantasias.” Museu de Arte Moderna de Moscou, MT. Moscou, Avenida Gogolevsky, 10

O Museu de Arte Moderna de Moscou em conjunto com a Fundação Japão apresenta a exposição “Double Perspective: Contemporary Art of Japan”, destinada a apresentar ao público em geral os artistas japoneses contemporâneos.
Perspectiva dupla são dois curadores de países diferentes, dois locais de museu e uma estrutura de projeto em duas partes. Com curadoria de Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka, a exposição reúne obras de mais de 30 artistas de diversas direções, atuando desde a década de 70 do século XX até a atualidade. O projeto consiste em duas partes - “O Mundo Real/Vida Cotidiana” e “Mundo Imaginário/Fantasia” - que estão localizadas no terreno do museu, na 17 Ermolaevsky Lane e 10 Gogolevsky Boulevard.

Parte Um: “Realidade/Mundo Comum”

A primeira parte da exposição “Mundo Real/Cotidiano” apresenta a visão dos artistas japoneses sobre o mundo que nos rodeia através de um apelo à história mundial do século XX (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa e Yuken Teruya), reflexões sobre a estrutura do mundo moderno sociedade (Dumb Type e Tadasu Takamine), interação com o espaço urbano (contato Gonzo e ChimPom) e busca pela poesia no cotidiano (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi e Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura na série de vídeos “Requiem” se transforma em vários personagens históricos: Chaplin, o escritor Yukio Mishima e até Lenin - e recria episódios de suas vidas. Outro participante do projeto, Tetsuya Umeda, cria instalações a partir de meios improvisados, coisas cotidianas - assim, o cotidiano mais banal vira arte. A exposição contará com obras de Yoko Ono – o famoso “Cut Piece” nas versões de 1965 e 2003 e a instalação sonora “Cough Piece” (1961). A exposição contará com obras de Kishio Suga, um dos representantes centrais do movimento Mono-Ha (traduzido como “Escola das Coisas”), que ofereceu uma alternativa japonesa ao modernismo ocidental. A seção de fotos apresentará trabalhos de Toshio Shibata, Takashi Homma e Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. “Estou aqui, mas em lugar nenhum”, 2000. Mídia mista. Instalação na Maison de la culture du Japon, Paris.
Coleção do autor

As obras que compõem a segunda parte do projeto apresentarão ao público um mundo livre e imaginário no qual tudo o que não podemos ver no Vida real, tudo o que está fora dele. As obras dos artistas desta parte da exposição remetem à cultura pop japonesa, ao mundo da fantasia, da ingenuidade, dos mitos e das reflexões sobre a estrutura cosmogônica do mundo. Cada expositor dá seu próprio significado ao conceito de “imaginação”. É isso que o artista Tadanori Yokoo faz na sua relação com o mundo imaginário. tema principal suas obras desaparecem, ou melhor, “desaparecem por si mesmas”. Um motivo semelhante pode ser visto no trabalho de Yayoi Kusama: ao projetar suas fantasias na realidade, ela cria um mundo cheio de padrões bizarros. A escultura gigante “Criança do Sol” (2011) de Kenji Yanobe foi criada durante um momento terrível, quando houve uma explosão na usina nuclear de Fukushima-1. Seu objeto monumental torna-se um ponto de intersecção de imaginações. A artista entende que a experiência vivida na fronteira do real se tornará o impulso para a criação de um novo mundo. A seção Mundo Imaginário/Fantasia também apresenta obras de Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa e muitos outros.
Algumas obras foram criadas especificamente para a exposição. O artista Yoshinori Niwa para seu projeto “Vladimir Lenin é procurado nos apartamentos de Moscou” (2012) veio a Moscou para encontrar artefatos associados à personalidade do revolucionário nos apartamentos dos moscovitas. Seu trabalho é uma documentação em vídeo de suas pesquisas e viagens por Moscou. O artista Tetsuya Umeda, cujas obras serão apresentadas simultaneamente em dois espaços, virá a Moscou para implementar suas instalações no local.
Estas duas partes da exposição, à primeira vista díspares, pretendem mostrar os dois pólos da arte japonesa, que na realidade se revelam inseparáveis ​​um do outro.
Como parte da exposição, também está prevista a realização de master classes abertas e reuniões criativas com os participantes do projeto. Haverá palestras do curador japonês Kenjiro Hosaka e do artista Kenji Yanobe. Para a Rússia, esta exposição representa pela primeira vez a arte contemporânea japonesa em tal escala.

Yoshitomo Nara. "Noite azul-doce", 2001. 1166,5 x 100 cm Acrílico sobre tela
Foto de : Yoshitaka Uchida

Kishio Suga “Espaço de Separação”, 1975. Ramos e blocos de concreto. 184 x 240 x 460 centímetros
Foto de : Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. “Filho do Sol”, 2011. Fibra de vidro, aço, néon, etc. 620 x 444 x 263 cm. Instalação no Parque Memorial Ezpo"70
Foto de : Thomas Swab

Apesar de o Japão ser geralmente considerado um país de tecnologias emergentes em todo o mundo, a arte contemporânea contemporânea não tem pressa em romper os laços com a tradição. A exposição “Mono não consciente. The Charm of Things" é uma triste história sobre a condição humana na era do plástico.

Mono não sabe - princípio estético característica da cultura japonesa, que deu nome à exposição, significa o triste encanto das coisas, um sentimento de fascínio pela beleza óbvia e implícita das coisas e dos fenômenos, com o tom obrigatório de tristeza sem causa causada pelo sentimento de ilusória e fragilidade de tudo o que é visível. Está integralmente associado à religião tradicional japonesa do Xintoísmo. Os xintoístas acreditam que todas as coisas são dotadas de uma essência espiritual "kami". Existe em qualquer objeto: na madeira e na pedra. Os “Kami” são imortais e estão incluídos no ciclo de vida e morte, através do qual tudo no mundo se renova constantemente.

E embora a arte contemporânea fale uma língua internacional, é melhor olhar para a arte contemporânea japonesa apresentada nesta exposição a partir da perspectiva das suas tradições.

A instalação introdutória do artista Hiraki Sawa ocupa uma sala inteira e é um teatro de sombras de atores com utensílios domésticos. É construído com base no princípio de uma criança estrada de ferro. Um trem com uma lanterna passa pela paisagem criada pelo artista, um raio de luz cria um macro mundo a partir do micro mundo das coisas. E agora este é um bosque de bétulas, e não lápis verticais; e estas são linhas de energia nos campos, não prendedores de roupa pendurados; e uma bacia de plástico invertida com alças é um túnel. A obra se chama “Inside”, foi exibida anteriormente na Bienal de Veneza.

A pintura de Shinishiro Kano pode ser chamada de surrealismo primitivo. Na natureza morta de Kano, há uma bola de basquete, o planeta Terra e frutas em um prato.

A pintura não contém a pintura em si, mas apenas a moldura pintada a óleo. Em uma tela, a figura de uma divindade em um quimono vermelho é combinada com uma toalha vermelha pendurada em um gancho em outra. Esta série de pinturas é sobre a natureza ilusória do mundo? Ou talvez que tudo tenha um “kami”.

Na pintura de Masaya Chiba, tendo como pano de fundo uma bela selva, há duas figuras: criaturas antropomórficas, em decomposição de matéria branca, que mal se assemelham a um homem e a uma mulher. Eles são fixados em palitos como os orientais fantoches de teatro. A matéria é perecível, é apenas uma casca - como se o autor quisesse nos contar. Seu outro trabalho de pintura“The Sleeping Man” é quase a mesma coisa. Não há ninguém na foto, há apenas um punhado de coisas na poltrona: fotos e cartões postais antigos, cactos cultivados, luvas, fitas cassete favoritas, um pote de temperos e um conjunto de ferramentas.

O artista Teppei Kanueji usa o mesmo princípio para “esculpir” (objeto construído) seu homem: ele cola lixo doméstico na forma de uma criatura antropomórfica e cobre-o com tinta branca.

Uma enorme mandola está forrada com sal no chão; este é um ritual tradicional do templo japonês, aparentemente vindo do Budismo. Esse trabalho de joalheria é de tirar o fôlego, seja um labirinto ou um mapa de uma terra misteriosa, e que sorte não haver vento no museu. Esta instalação é única: o artista a criou durante vários dias dentro das paredes do museu. Há também um interessante Tradição japonesa: Antes de uma luta, os lutadores de sumô polvilham sal no chão.

A instalação de Hiroaki Morita “From Evian to Volvik” abre um tema bastante interessante contemporâneo para o Japão - a reciclagem de plástico. Há uma garrafa de água Evian na prateleira de vidro; sua sombra cai exatamente no gargalo de outra garrafa Volvik que está no chão. Cria-se a ilusão de que a água está fluindo de garrafa em garrafa. Absurdo à primeira vista. Para os japoneses, esta obra conceitual não simboliza apenas o ciclo do “kami”, ou seja, a essência espiritual, mas também no sentido literal o princípio da reciclagem - processamento de materiais recicláveis. Sendo uma nação insular, o Japão foi um dos primeiros a aprender como recolher, separar e reciclar resíduos plásticos. A partir do material resultante, não apenas novas garrafas e tênis são reproduzidos, mas até ilhas artificiais são criadas.

A instalação de Teppei Kuneuji à primeira vista lembra uma estação de triagem de resíduos. Aqui os objetos de plástico são dispostos em sequências diferentes: conchas, moldes, vários brinquedos, cabides, escovas de dente coloridas, mangueiras, copos e outros. Polvilhados com pó branco, parece que estão ali desde sempre. Ao caminhar entre esses objetos familiares, mas que não são mais usados, contemplando-os à distância, você tem uma sensação semelhante à meditação em um jardim de pedras. Em suas colagens de fotos, Teppei Kuneuji constrói “mentalmente” torres a partir de resíduos de construção. Mas estas não são correntes cinéticas como as da dupla artística Fischli e Weiss, mas sim uma estrutura sagrada budista na qual a pedra é presa à pedra sem material de fixação.

A artista Suda Yoshihiro colocou uma madeira habilmente feita rosa rosa com uma pétala caída. Olhando para esta intervenção tão subtil e poética no museu, quero começar a falar de poesia japonesa no género haicai, como: “Inverno. Até uma rosa num museu floresce para sempre.”

Outra obra igualmente poética, “O Oposto do Volume” de Onishi Yasuaki, refere-se à obra do pintor medieval e monge Zen Toyo Sesshu. Este clássico japonês é famoso por trazer ao país sol Nascente Desenho de tinta monocromática chinesa.

A instalação de Yasuaki representa a silhueta volumétrica de uma montanha em polietileno cinza, com correntes (como chuva) de plástico líquido congelado caindo do teto sobre ela. Fala-se em fazer uma montanha “vazia” sob uma chuva torrencial, como se fosse um monocromático pinturas de Toyo Sessus, o artista teve que construir uma montanha de caixas, cobri-la com polietileno fino e depois pingar plástico quente do teto.

Por fim, uma instalação de Kengo Kito: guirlandas de aros esportivos de plástico colorido pendurados, como se “saudações japonesas” fossem trazidas à Rússia para os Jogos Olímpicos. É curioso que na exposição “O Charme das Coisas” o plástico seja utilizado como material com o qual Artistas japoneses preocupam não apenas questões ambientais, mas também espirituais.