Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

(mga pagtatantya: 3 , karaniwan: 3,67 sa 5)

Pamagat: Musical literature ibang bansa

Tungkol sa aklat na "Musical Literature of Foreign Countries" ni I. A. Prokhorov

Ang aklat-aralin na pinamagatang “Musical Literature of Foreign Countries,” na tinipon ni I. Prokhorova, ay nilayon para sa sariling pag-aaral. Ipinapaliwanag nito ang pagiging maikli at pagiging naa-access ng presentasyon ng materyal.

Ang aklat na “Musical Literature of Foreign Countries” ay magpapakilala sa mga mag-aaral ng maikling talambuhay at ang pinakamahusay na mga gawa ng mga sikat na kompositor. Matututo ang mga bata tungkol sa buhay at gawain ng mga henyo gaya ng I.S. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert at F. Chopin. Hindi inilarawan ni I. Prokhorov ang mga kuwento nang masyadong detalyado mga mahuhusay na kompositor, sa aklat-aralin makikita mo ang mga pangunahing petsa ng buhay, pinagmulan, ranggo at pamagat, lugar ng aktibidad, mga kondisyon na nakaimpluwensya sa pagpili ng propesyon. Sasabihin sa libro ang tungkol sa mga pangunahing yugto ng buhay at gawain ng mga musikero, ang kanilang mga pananaw sa sosyo-politikal.

Ang publikasyong "Musical Literature of Foreign Countries" ay inilaan para sa mga mag-aaral ng mga paaralan ng musika, gayunpaman, ang lahat na bahagyang mga gawang klasikal, ay makakahanap ng isang bagay na kawili-wili para sa kanilang sarili sa aklat na ito. Ang teksto ni I. Prokhorov ay pinayaman ng mga paliwanag ng ilang mga musikal at extra-musical na konsepto, na ginagawang hindi gaanong akademiko. Ang bahaging naglalarawan sa buhay ng mga musikero ay ipinakita sa konteksto ng historikal at kultural na buhay mga bansang Europeo ang panahong iyon. Nagbibigay ito ng pagkakataon sa mga mag-aaral na magkaroon ng mas malalim at mas malawak na pag-unawa sa mga kondisyon kung saan namuhay at nagtrabaho ang mga maalamat na kompositor.

Dahil ang aklat na "Musical Literature of Foreign Countries" ay inilaan para sa pagbabasa sa bahay, lahat mga gawang simponiko, na nasa loob nito, ay inaalok sa isang apat na kamay na kaayusan. Kapansin-pansin na ang kuwento tungkol sa gawain ni Bach, na, ayon sa programa, ay pinag-aralan sa pinakadulo ng taon, ay inilagay sa simula. Ginawa ng may-akda ang hakbang na ito upang mapanatili ang kronolohiya ng presentasyon.

Ang tagatala ng aklat na ito ay tiwala na ang regular na paggamit ng aklat-aralin ay magigising sa mga mag-aaral ng isang panlasa para sa independiyenteng kakilala sa sikat at siyentipikong panitikan sa musika. Bilang karagdagan, ang mga bata ay mapapaunlad at mapapalakas ang mga kasanayan sa pagbabasa ng mga musikal na gawa mula sa paningin, at masasanay din sa paglalaro ng apat na kamay.
Ang independiyenteng pag-aaral ng mga sikat na gawa ay magbibigay-daan sa iyo upang maisagawa ang mga ito sa panahon ng mga aralin, sa presensya ng ibang mga bata, na gagawing mas aktibo ang mga kolektibong klase at makabuluhang mapabuti ang pang-unawa ng klasikal na musika.

Sa aming website tungkol sa mga libro lifeinbooks.net maaari kang mag-download nang libre nang walang pagrehistro o pagbabasa online na libro"Musical literature ng mga dayuhang bansa" ni I. A. Prokhorov sa epub, fb2, txt, rtf, pdf na mga format para sa iPad, iPhone, Android at Kindle. Ang libro ay magbibigay sa iyo ng maraming magagandang sandali at tunay na kasiyahan mula sa pagbabasa. Maaari mong bilhin ang buong bersyon mula sa aming kasosyo. Gayundin, dito mo mahahanap huling balita mula sa mundo ng panitikan, alamin ang talambuhay ng iyong mga paboritong may-akda. Para sa mga nagsisimulang manunulat, mayroong isang hiwalay na seksyon na may mga kapaki-pakinabang na tip at trick, mga kagiliw-giliw na artikulo, salamat sa kung saan maaari mong subukan ang iyong kamay sa mga literary crafts.

Music Library Natutuwa kaming natagpuan at na-download mo ang mga materyal na interesado ka sa aming library ng musika. Ang library ay patuloy na ina-update sa mga bagong gawa at materyales, at sa susunod ay tiyak na makakahanap ka ng bago at kawili-wili para sa iyo. Ang library ng proyekto ay pinagsama-sama sa batayan ng kurikulum, pati na rin ang mga materyales na inirerekomenda para sa pagsasanay at pagpapalawak ng abot-tanaw ng mga mag-aaral. Ang mga mag-aaral at guro ay makakahanap ng kapaki-pakinabang na impormasyon dito, dahil... Naglalaman din ang aklatan ng metodolohikal na panitikan. Ang aming mga alagang hayop Mga kompositor at performer Mga kontemporaryong artista Dito makikita mo rin ang mga talambuhay ng mga natatanging artista, kompositor, sikat na musikero, pati na rin ang kanilang mga gawa. Sa seksyon ng trabaho ay nagpo-post kami ng mga pag-record ng mga pagtatanghal na makakatulong sa iyo sa pag-aaral; maririnig mo kung ano ang tunog ng gawaing ito, ang mga accent at nuances ng trabaho. Hinihintay ka namin sa classON.ru. V.N. Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 – 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 – 1791 Franz Schubert 1797 – 1828 www.classon.ru Joseph Haydn 1732 – 1809 Ludwig van Beethoven 17270 – 17277 Chopin Fryder – 184 ng mga bata larangan ng sining sa Russia Impormasyon tungkol dito ay lalong dumarami mula noong mga ika-10 siglo BC. Ang pinong sining ay umuunlad - at inilalarawan ng mga artista ang mga musikero na sumasama sa mga ritwal ng relihiyon, mga kampanyang militar, pangangaso, mga seremonyal na prusisyon, at mga sayaw na may pag-awit at pagtugtog ng mga instrumento. Ang ganitong mga imahe ay napanatili, lalo na, sa mga dingding ng mga templo at mga ceramic vase na natagpuan sa panahon ng mga paghuhukay. Lumilitaw ang pagsulat - at ang mga may-akda ng mga manuskrito ay nagdaragdag ng mga patula na teksto ng mga kanta at mga himno sa kanila, iniulat nila Nakamamangha na impormasyon O buhay musikal. Sa paglipas ng panahon, binibigyang pansin ng mga manunulat ang mga pilosopikal na talakayan tungkol sa musika, tungkol sa mahalagang panlipunan nito, kasama na papel na pang-edukasyon, gayundin ang teoretikal na pag-aaral ng mga elemento ng wika nito. Karamihan sa impormasyong ito ay napanatili tungkol sa musika sa ilang mga bansa ng Sinaunang Mundo, halimbawa sa Sinaunang Tsina, Sinaunang India, Sinaunang Ehipto, at lalo na sa mga tinatawag na sinaunang bansa - Sinaunang Greece at Sinaunang Roma, kung saan ang mga pundasyon ng Inilatag ang kulturang Europeo2. Panimula Musika mula sa sinaunang panahon hanggang kay J. S. Bach Mahal na mga lalaki! Noong nakaraang taon mayroon ka nang mga aralin sa panitikan sa musika. Tinalakay nila ang mga pangunahing elemento ng musikal na lenggwahe, ilang mga anyo at genre ng musika, ang nagpapahayag at visual na mga posibilidad ng musika, at ang orkestra. Kasabay nito, ang pag-uusap ay malayang isinagawa tungkol sa iba't ibang mga panahon - minsan tungkol sa sinaunang panahon, minsan tungkol sa modernidad, minsan ay bumabalik sa mga siglo na mas mababa o mas malayo sa atin. At ngayon ay dumating na ang oras upang maging pamilyar sa musikal na panitikan sa sunud-sunod na pagkakasunod-sunod - historikal - ayos1. Tungkol sa musika sa Sinaunang Greece Sa anong mga paraan dumating sa atin ang impormasyon tungkol sa musika ng Sinaunang mundo? Ang nakakumbinsi na patunay ng mahusay na kultural at makasaysayang papel ng sinaunang panahon ay na sa Sinaunang Greece noong ika-8 siglo BC ipinanganak ang mga pampublikong kumpetisyon sa palakasan - Mga Larong Olimpiko. At pagkaraan ng dalawang siglo, nagsimulang gaganapin doon ang mga kumpetisyon sa musika - ang Pythian Games, na maaaring ituring na malayong mga ninuno ng mga modernong kumpetisyon. Ang mga larong Pythian ay naganap sa isang templong itinayo bilang parangal sa patron ng sining, ang diyos ng araw at liwanag, si Apollo. Ayon sa mga alamat, siya, na natalo ang napakapangit na ahas na Python, siya mismo ang nagpasimula ng mga larong ito. Nabatid na ang Sakkad mula sa Argos ay minsang nanalo sa kanila, tumugtog sa aulos, isang instrumento ng hangin na malapit sa oboe, isang piraso ng programa tungkol sa pakikibaka sa pagitan ng Apollo at Python. Ang sinaunang musikang Griyego ay may katangiang koneksyon sa tula, sayaw, at teatro . Ang mga bayaning epikong tula na "Iliad" at "Odyssey", na iniuugnay sa maalamat na makata na si Homer, ay inaawit. Ang mga mang-aawit ay karaniwang, tulad ng mythological Orpheus, ang mga may-akda ng parehong patula na teksto at musika, at sila mismo ay sinasabayan ang kanilang sarili sa lira. Sa mga kasiyahan, ginanap ang mga choral dance songs na may pantomimic gestures. SA sinaunang mga trahedya ng Greek at sa mga komedya, malaking papel ang pag-aari ng koro: nagkomento ito sa aksyon, nagpahayag ng saloobin. Sa pagsasagawa ng mga paghuhukay, natagpuan ng mga arkeologo na siyentipiko ang pinakasimpleng mga instrumentong pangmusika (halimbawa, mga instrumento ng hangin - mga buto ng hayop na may mga drilled hole) at natukoy na sila ay ginawa mga apatnapung libong taon na ang nakalilipas. Dahil dito, umiral na noon ang sining ng musika. Matapos ang ponograpo, ang unang kasangkapan para sa mekanikal na pag-record at pagpaparami ng tunog, ay naimbento noong 1877, nagsimulang maglakbay ang mga musikero-mananaliksik sa mga sulok ng mundo kung saan pinanatili pa rin ng ilang tribo ang kanilang primitive na paraan ng pamumuhay. Mula sa mga kinatawan ng gayong mga tribo, gamit ang ponograpo, nagtala sila ng mga sample ng pag-awit at mga instrumental na himig. Ngunit ang gayong mga pag-record, siyempre, ay nagbibigay lamang ng isang tinatayang ideya kung ano ang musika noong sinaunang panahon. Ang salitang "chronology" (ito ay nangangahulugang "ang pagkakasunod-sunod ng mga makasaysayang kaganapan sa panahon") ay nagmula sa dalawang salitang Griyego - "chronos" ("oras") at "logos" ("pagtuturo"). 1 Ang salitang Latin na "antiguus" ay nangangahulugang "sinaunang". Ang kahulugang "antigo" na hango rito ay tumutukoy sa kasaysayan at kultura ng Sinaunang Greece at Sinaunang Roma. 2 2 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia sa mga aksyon ng mga bayani. Ang mga modernong musicologist ay may ilang impormasyon tungkol sa musika sa sinaunang mundo at naiinggit pa sa mga mananalaysay ng iba pang sining. Para sa isang malaking bilang ng mga kahanga-hangang monumento ng sinaunang arkitektura, ang sinaunang pinong sining, lalo na ang iskultura, ay napanatili; maraming mga manuskrito na may mga teksto ng mga trahedya at komedya ng mga dakilang sinaunang manunulat ng dula ay natuklasan. Ngunit ang mga musikal na gawa na nilikha sa parehong mga panahon at kahit na sa ibang pagkakataon ay nananatiling mahalagang hindi alam sa amin. Bakit nangyari ito? Ang katotohanan ay ang pag-imbento ng isang sapat na tumpak at maginhawang sistema ng musikal na notasyon (notation), ang isa na pinagkadalubhasaan ng bawat isa sa inyo noong nagsisimula pa lang matuto ng musika, ay naging isang napakahirap na gawain. Kinailangan ito ng maraming siglo upang malutas ito. Totoo, ang mga sinaunang Griyego ay nag-imbento ng notasyon ng titik. Itinalaga nila ang mga antas ng mga musical mode na may ilang mga titik ng alpabeto. Ngunit ang mga ritmikong simbolo (mula sa mga gitling) ay hindi palaging idinagdag. Sa kalagitnaan lamang ng ika-19 na siglo AD sa wakas ay nabuksan ng mga siyentipiko ang mga lihim ng notasyong ito. Gayunpaman, kung natukoy nila nang tumpak ang ratio ng mga tunog sa taas sa sinaunang mga manuskrito ng musikal na Greek, kung gayon ang ratio sa tagal ay humigit-kumulang lamang. At napakakaunting tulad ng mga manuskrito ang natagpuan, at naglalaman ang mga ito ng mga pag-record ng iilan lamang na mga gawa ng solong boses (halimbawa, mga himno) at mas madalas - ang kanilang mga sipi. sapat na visibility. Samakatuwid, ang mga musikero ay gumagamit ng mga pantulong na icon ng pahiwatig sa loob ng mahabang panahon. Ang mga icon na ito ay inilagay sa itaas ng mga salita ng mga awit at itinalaga ang alinman sa mga indibidwal na tunog o maliliit na grupo ng mga ito. Hindi nila ipinahiwatig ang eksaktong kaugnayan ng mga tunog alinman sa taas o sa tagal. Ngunit sa kanilang balangkas, ipinaalala nila sa mga gumaganap ang direksyon ng paggalaw ng himig, na alam ito sa puso at ipinasa ito mula sa isang henerasyon hanggang sa isa pa. Sa mga bansa ng Kanluran at Gitnang Europa, ang musika kung saan tatalakayin mamaya sa aklat-aralin na ito, ang mga naturang icon ay tinawag na neumas. Ginamit ang Neumas kapag nagre-record ng mga sinaunang Catholic liturgical chants - Gregorian chant. Ang karaniwang pangalan na ito ay nagmula sa pangalan ni Pope Gregory I3. Ayon sa alamat, sa pagtatapos ng ika-6 na siglo ay pinagsama niya ang pangunahing koleksyon ng mga monophonic chants na ito. Inilaan na kantahin sa panahon ng mga serbisyo sa simbahan ng mga lalaki at lalaki lamang - solo at koro nang sabay-sabay, ang mga ito ay isinulat sa mga teksto ng panalangin sa Latin 4. Ang mga maagang hindi nababagong pag-record ng Gregorian na awit ay hindi matukoy. Ngunit noong ika-11 siglo, ang Italyano na monghe na si Guido d'Arezzo (“mula sa Arezzo”) ay nag-imbento ng bagong paraan ng notasyon. Tinuruan niya ang mga batang mang-aawit sa monasteryo at nais na mas madali para sa kanila ang pagsasaulo ng mga espirituwal na awit. Sa panahong iyon, nagsimulang ilagay ang mga neumes pahalang na linya, sa itaas at sa ibaba nito. Ang linyang ito ay tumutugma sa isang partikular na tunog at sa gayon ay itinatag ang tinatayang antas ng pitch ng pag-record. At nagkaroon ng ideya si Guido na gumuhit ng apat na magkatulad na linya ("mga pinuno") sa parehong distansya mula sa bawat isa at maglagay ng mga neuma sa kanila at sa pagitan nila. Ito ay kung paano lumitaw ang ninuno ng modernong mga tauhan ng musikal - na parang isang mahigpit na iginuhit na balangkas, na naging posible upang tumpak na ipahiwatig ang ugnayan ng pitch ng mga tunog sa mga tono at semitone. At kasabay nito, ang musikal na notasyon ay naging mas visual - tulad ng isang guhit na naglalarawan sa paggalaw ng melody, ang mga liko nito. Itinalaga ni Guido ang mga tunog na naaayon sa mga pinuno na may mga titik ng alpabetong Latin. Ang kanilang mga balangkas ay nagsimulang magbago at kalaunan ay naging mga palatandaan na tinatawag na mga susi. At ang mga neumas, "nakaupo" sa mga pinuno at sa pagitan nila, sa kalaunan ay naging mga indibidwal na tala, ang mga ulo na sa una ay may hugis ng mga parisukat. Mga tanong at gawain 1. Kailan, ayon sa mga siyentipiko, ginawa ang mga pinakalumang instrumentong pangmusika? Ano ang ibig sabihin nito? 2. Ano ang ponograpo, kailan ito naimbento, at paano ito sinimulang gamitin ng mga mananaliksik? 3. Tungkol sa musika kung aling mga bansa sa Sinaunang Daigdig ang may pinakamaraming impormasyon na napanatili? Tukuyin mula sa mapa kung saang dagat matatagpuan ang tatlong bansang ito sa paligid. 4. Kailan at saan nagsimula ang mga sinaunang paligsahan sa musika - ang Pythian Games -? 5. Anong mga sining ang malapit na nauugnay sa musika sa Sinaunang Greece? 6. Anong notasyon ang naimbento ng mga sinaunang Griyego? Paano ito hindi tumpak? Ang titulong "Pope" ay pinasan ng klero na namumuno sa Simbahang Katoliko bilang isang internasyonal na espirituwal na organisasyon. Ang Katolisismo ay isa sa mga pananampalatayang Kristiyano kasama ng Orthodoxy at Protestantismo. 4 Ang sinaunang mga Romano ay nagsasalita ng Latin. Matapos ang pagbagsak ng Imperyo ng Roma noong 476 wikang Latin unti-unting tumigil sa pagiging kolokyal. Mula dito nagmula ang tinatawag na mga wikang Romansa - Italyano, Pranses, Espanyol, Portuges. 3 Paano nilikha ang isang maginhawang notasyon Noong Middle Ages (ang simula ng makasaysayang panahon na ito ay itinuturing na ika-6 na siglo AD), ang notasyon ng titik ay halos nakalimutan. Hindi ito naglalaman ng 3 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Ang mga alingawngaw tungkol sa isang bagong paraan ng notasyon - tulad ng ilang uri ng himala - ay nakarating kay Pope John XIX. Ipinatawag niya si Guido at kinanta ang isang himig na hindi niya alam mula sa isang naimbentong recording. Kasunod nito, ang bilang ng mga parallel na linya ay binago ng maraming beses, kung minsan ay tumaas pa hanggang labing-walo. Sa pagtatapos lamang ng ika-17 siglo na ang kasalukuyang limang-linya na kawani ay "nanalo". Gumamit kami ng maraming iba't ibang mga susi. Noong ika-19 na siglo lamang na ang treble at bass clefs ay naging pinakakaraniwang ginagamit. Matapos ang pag-imbento ng Guido d'Arezzo, gumugol sila ng mahabang panahon sa paglutas ng isa pang mahirap na problema - kung paano pagbutihin ang notasyon upang maipahiwatig nito ang eksaktong relasyon ng mga tunog hindi lamang sa taas, kundi pati na rin sa tagal. Pagkaraan ng ilang oras, dumating sila hanggang sa ideya ng paggamit ng mga simbolo ng tala para dito, naiiba sa hugis. ang mas maginhawang notasyon ay unti-unting nabuo - eksakto ang isa na patuloy nating ginagamit ngayon. Pagkatapos ng pagsisimula ng ika-17 siglo, ito ay pinahusay lamang nang detalyado. At ang ritmikong prinsipyo nito, na matagal na nating hinahanap, ngayon ay tila maging ang pinakasimpleng bagay na umiiral: ito ay binubuo sa katotohanan na ang isang buong tala sa tagal ay palaging katumbas ng dalawang halves - iba sa istilo, isang kalahati - dalawang quarter, isang quarter - dalawang eighth, at iba pa. na nagsimula ang bar line upang paghiwalayin ang mga bar noong ika-16 na siglo, at ang laki sa simula ng notasyon ng musika ay nagsimulang ipahiwatig nang walang kabiguan mula sa ika-17 siglo. Gayunpaman, sa oras na iyon ay hindi lamang mga manuskrito ng musika, kundi pati na rin ang naka-print na musika. Para sa pag-print ng musika ay nagsimula sa lalong madaling panahon pagkatapos ng pag-imbento ng pag-print - sa pagtatapos ng ika-15 siglo. Sa Sinaunang Mundo at higit pa sa mahabang panahon Sa Middle Ages, ang musika ay, bilang panuntunan, monophonic. Mayroong ilang mga simpleng pagbubukod lamang. Halimbawa, ang isang mang-aawit ay nagtanghal ng isang kanta at kinopya ito (iyon ay, sabay-sabay na muling ginawa) habang tumutugtog ng ilang instrumento. Sa kasong ito, ang boses at ang instrumento ay minsan ay maaaring maghiwalay ng kaunti, lumihis sa isa't isa at sa lalong madaling panahon ay magtagpo muli. Kaya, sa isang monophonic sound stream, ang "mga isla" ng dalawang boses ay lumitaw at nawala. Ngunit sa pagliko ng una at ikalawang millennia AD, ang polyphonic style ay nagsimulang patuloy na umunlad at pagkatapos ay naging nangingibabaw sa propesyonal na musikal na sining. Ang masalimuot at pangmatagalang pormasyon na ito ay pangunahing nakatuon sa larangan ng musika ng simbahang Katoliko. Nagsimula ang bagay sa pag-imbento (kanino - hindi kilala) ng sumusunod na pamamaraan. Isang mang-aawit (o ilang mang-aawit) ang kumanta ng pangunahing boses - isang mabagal, umaagos na himig ng Gregorian chant. At ang pangalawang boses ay mahigpit na gumagalaw nang magkatulad - eksakto sa parehong ritmo, sa lahat ng oras lamang sa layo ng isang oktaba, o isang ikaapat, o isang ikalimang. Ngayon sa aming mga tainga ito ay napakahirap, "walang laman." Ngunit isang libong taon na ang nakalilipas, ang gayong pag-awit, umaalingawngaw sa ilalim ng mga arko ng isang simbahan o katedral, ay namangha at natuwa, na nagbukas ng mga bagong nagpapahayag na posibilidad para sa musika. Pagkaraan ng ilang panahon, nagsimulang maghanap ang mga musikero ng simbahan ng mas nababaluktot at iba't ibang paraan ng pagsasagawa ng pangalawang boses. At pagkatapos ay nagsimula silang higit at mas mahusay na pagsamahin ang tatlo, apat na tinig, at kalaunan kung minsan ay higit pang mga tinig. Mga tanong at gawain 1. Bakit hindi maginhawa ang notasyon ng titik sa pagsasanay? 2. Ano ang sinabi ng mga neuma sa mga mang-aawit sa medieval? 3. Ano ang Gregorian chant at bakit ito tinawag? 4. Ipaliwanag ang kakanyahan ng imbensyon ni Guido d'Arezzo 5. Ano ang susunod na suliranin na kailangang lutasin pagkatapos ng imbensyon ni Guido? 6. Kailan pa hindi na nagbago nang malaki ang notasyon? Mahabang awit na may tatlo at apat na tinig na malinaw na naiiba sa isa't isa ay nilikha sa simula ng ika-13 siglo na musikero ng simbahan na si Perotin. Siya ay isang natatanging kinatawan ng sining ng pag-awit - ang Parisian "School of Notre Dame" ("School of Our Lady"). sa isang gusaling may kahanga-hangang kagandahan. Ito ay isang sikat na monumento ng medieval na arkitektura ng Gothic, na inilarawan ng mga Pranses manunulat XIX siglo ni Victor Hugo sa sikat na nobelang “Notre Dame de Paris”. Paano nagsimulang umunlad ang polyphony sa musika. Ganito nagsimulang umunlad ang polyphony. Isinalin mula sa Griyego, ang salitang ito ay nangangahulugang “polyphony.” Ngunit ang polyphony ay isang uri lamang ng polyphony kung saan ang dalawa o higit pang pantay na boses ay tumunog nang sabay-sabay, bawat isa sa kanila ay may sariling independiyenteng melodic line. Kung ang isang tinig ay nangunguna sa pangunahing himig, at ang iba ay nasa ilalim nito (samahan ito, samahan ito), kung gayon ito ay homophony - ang isa. ma-decipher nang higit pa at mas tumpak. Ginawa nitong posible na maging pamilyar hindi lamang sa impormasyon tungkol sa kultura ng musika, kundi pati na rin sa musika ng mga nakaraang panahon mismo. Hindi sinasadya na ang mga tagumpay ng notasyon ay kasabay ng simula ng pag-unlad ng polyphony - isang mahalagang yugto sa kasaysayan ng musikal na sining. 4 www.classon.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia, ang masa ay naging isang pangunahing genre ng musika. Kasama sa Regular Mass 5 ang anim na pangunahing awit batay sa mga teksto ng panalangin sa Latin. Ito ay ang "Kyriyo eleizon" ("Panginoon, maawa ka"), "Gloria" ("Kaluwalhatian"), "Credo" ("Naniniwala Ako"), "Sanctus" ("Banal"), "Benedictus" ("Pinagpala" ) at " Agnus Dei" ("Kordero ng Diyos"). Sa una, ang Gregorian chant ay tunog monophonic sa masa. Ngunit sa paligid ng ika-15 siglo, ang masa ay naging isang ikot ng mga kumplikadong polyphonic na bahagi 6. Kasabay nito, ang mga imitasyon ay nagsimulang gamitin nang napakahusay. Isinalin mula sa Latin, "imitatio" ay nangangahulugang "imitasyon." Sa musika, minsan ay maaaring gayahin ng isang tao ang mga extra-musical na tunog, halimbawa, ang mga kilig ng isang nightingale, ang cuckooing ng isang cuckoo, o ang tunog ng mga alon ng dagat. Ito ay tinatawag na onomatopoeia o sound-imagery. At ang imitasyon sa musika ay isang pamamaraan kapag, kasunod ng isang himig na nagtatapos sa isang boses, isa pang boses ang tumpak (o hindi masyadong tumpak) na inuulit ito mula sa isa pang tunog. Ang ibang mga boses ay maaaring pumasok sa parehong paraan. Sa homophonic na musika, ang mga imitasyon ay maaaring lumitaw sa madaling sabi. At sa polyphonic music ito ay isa sa mga pangunahing diskarte sa pag-unlad. Nakakatulong ito na gawing halos tuluy-tuloy ang melodic na paggalaw: ang mga paghinto at pag-indayog nang sabay-sabay sa lahat ng boses ay nangyayari sa polyphonic music bilang mga bihirang eksepsiyon lamang7. Pinagsasama ang mga imitasyon sa iba pang mga polyphonic technique, ang mga kompositor ay gumawa ng kanilang mga masa ng malalaking choral works kung saan apat o limang boses ang magkakaugnay sa isang kumplikadong texture ng tunog. Sa loob nito, ang himig ng Gregorian chant ay mahirap nang makilala at mahirap ding marinig ang mga salita ng panalangin. Nagkaroon pa nga ng mga misa kung saan ang mga himig ng mga sikat na sekular na kanta ang ginamit bilang pangunahin. Ang sitwasyong ito ay nag-aalala sa pinakamataas na awtoridad ng simbahang Katoliko. Sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo, ganap nitong ipagbabawal ang polyphonic na pag-awit sa panahon ng mga serbisyo sa simbahan. Ngunit ang gayong pagbabawal ay hindi naganap salamat sa kahanga-hangang kompositor ng Italyano na si Palestrina, na gumugol ng halos buong buhay niya sa Roma at malapit sa korte ng papa (ang kanyang buong pangalan ay Giovanni Pierluigi da Palestrina, iyon ay, "mula sa Palestrina" - a maliit na bayan na hindi kalayuan sa Roma). Si Palestrina, kasama ang kanyang mga masa (at sumulat siya ng higit sa isang daan sa kanila), ay nakamit ang isang uri ng polyphony. Dahil ang saliw ay may chord-harmonic na batayan, ang homophonic na istraktura ng musical presentation ay tinatawag ding homophonic-harmonic. Mga tanong at gawain 1. Kailan nagsimulang matukoy nang mas tumpak ang mga manuskrito ng musika? 2. Anong mahalagang bagong yugto sa kasaysayan ng musikal na sining ang kasabay ng mga tagumpay ng notasyon? 3. Kailan, sa anong musika at sa batayan ng anong melodies nagsimulang patuloy na nabuo ang polyphony? 4. Ano ang parallel two-voice? Sabay-sabay na kumanta ng ilang magkatulad na fourths, fifths at octaves. 5. Ano ang pagkakaiba ng polyphony at homophony? Paano patuloy na nabuo ang polyphony Habang nasa pag-awit sa simbahan Ang polyphony ay nagsimulang umunlad; ang monoponya ay patuloy na nangingibabaw sa sekular na musika. Halimbawa, maraming mga pag-record ng mga kanta na may isang boses na binubuo at ginanap ng mga medieval na makata at mang-aawit noong ika-12-14 na siglo ang na-decipher. Sa timog ng France, sa Provence, tinawag silang troubadours, sa hilaga ng France - trouvères, sa Germany - minnesingers. Marami sa kanila ay mga sikat na kabalyero at sa kanilang mga kanta ay madalas nilang kantahin ang kagandahan at kabutihan ng "fair lady" na kanilang sinasamba. Ang mga himig ng mga kanta ng mga makata-mang-aawit na ito ay madalas na malapit sa mga katutubong himig, kabilang ang mga himig ng sayaw, at ang ritmo ay napapailalim sa ritmo ng tekstong patula. Nang maglaon, noong ika-14-16 na siglo, ang mga Aleman na makata-mang-aawit mula sa mga artisan ay nagkaisa sa mga guild, na tinawag ang kanilang mga sarili na Meistersingers (“mga master na mang-aawit”). ang mga tinig na idinagdag sa Gregorian chant sa espirituwal na mga awit, ang impluwensya ng mga sekular na kanta (halimbawa, mga kanta ng troubadours at trouvères) ay naging kapansin-pansin. France, kung saan ang mga bahagi ng lahat ng boses ay nakabatay sa mga melodies ng isang kanta, at ang mga teksto ay binubuo hindi sa Latin, ngunit sa French. Sa paglipas ng panahon, sa Katolikong musika ng simbahan mayroon ding mga espesyal na misa na nakatuon sa mga holiday ng simbahan. Alalahanin natin na ang isang cycle ay isang gawain ng ilang magkakahiwalay na bahagi (o mga dula), na pinagsama ng isang karaniwang konsepto. edukasyon sa larangan ng sining sa Russia upang patunayan na ang mga polyphonic compositions, habang nananatiling napakahusay, ay maaaring tunog transparent at liturgical na mga teksto ay malinaw na maririnig. Ang musika ng Palestrina ay isa sa mga taluktok ng sinaunang choral polyphony ng tinatawag na istriktong istilo. Dadalhin tayo nito sa mundo ng naliwanagan, kahanga-hangang pagmumuni-muni - na parang naglalabas ng pantay, mapayapang ningning. makata, musikero, siyentipiko at mahilig sa sining. Naakit sila sa ideya ng paglikha ng isang bagong uri ng nagpapahayag na solo na pag-awit na may saliw at pinagsama ito sa teatro na aksyon. Kaya't ipinanganak ang mga unang opera, kung saan kinuha ang mga plot sinaunang mitolohiya. Ang pinakauna ay ang "Daphne", na binubuo ng kompositor na si Jacopo Peri (kasama ang J. Korea) at makata na si O. Rinuccini. Ginawa ito noong 1597 sa Florence (ang gawain sa kabuuan ay hindi nakaligtas). SA sinaunang mitolohiyang Griyego Si Daphne ay anak ng diyos ng ilog na si Ladon at ang diyosa ng lupa na si Gaia. Tumakas mula sa pagtugis kay Apollo, nanalangin siya para sa tulong sa mga diyos at naging isang laurel (sa Greek "daphne" - "laurel") - ang sagradong puno ng Apollo. Dahil si Apollo ay itinuturing na patron na diyos ng sining, ang mga nagwagi sa Pythian Games, kung saan si Apollo ay itinuturing na tagapagtatag, ay nagsimulang makoronahan ng isang laurel wreath. Ang isang laurel wreath at isang hiwalay na sanga ng laurel ay naging mga simbolo ng tagumpay, kaluwalhatian, at gantimpala. Dalawang iba pang mga opera, na binuo noong 1600 (isa ni J. Peri, ang isa ni G. Caccini), ay parehong tinatawag na "Euridice" dahil pareho silang gumagamit ng parehong patula na teksto, batay sa sinaunang Greek myth ng maalamat na mang-aawit na si Orpheus. Ang mga unang Italyano na opera ay ginanap sa mga palasyo at bahay ng mga marangal na tao. Ang orkestra ay binubuo ng ilang mga sinaunang instrumento. Ito ay pinamunuan ng isang musikero na tumugtog ng cymbal (ang Italyano na pangalan para sa harpsichord). Wala pang overture, at ang pagsisimula ng pagtatanghal ay inihayag sa pamamagitan ng trumpet fanfare. At sa mga bahaging tinig, namayani ang recitative, kung saan ang pag-unlad ng musika ay nasasakop sa tekstong patula. Sa lalong madaling panahon, gayunpaman, ang musika ay nagsimulang makakuha ng lalong independyente at mahalagang kahulugan sa mga opera. Ang dakilang merito nito ay ang unang natatanging kompositor ng opera - si Claudio Monteverdi. Ang kanyang unang opera, Orpheus, ay itinanghal noong 1607 sa Mantua. Ang bayani nito ay muli ang parehong maalamat na mang-aawit na, sa kanyang sining, pinayapa si Hades, ang diyos ng underworld ng mga patay, at pinalaya niya si Eurydice, ang minamahal na asawa ni Orpheus, sa lupa. Ngunit ang kondisyon ni Hades - na hindi tumingin kay Eurydice kahit isang beses bago umalis sa kanyang kaharian - nilabag ni Orpheus at muli, magpakailanman, nawala siya. Ang musika ni Monteverdi ay nagbigay ng walang uliran na liriko at dramatikong pagpapahayag sa malungkot na kuwentong ito. Mga bahagi ng boses, mga koro, at mga yugto ng orkestra ay naging mas magkakaibang sa karakter sa Orpheus ng Monteverdi. Sa gawaing ito, nagsimulang magkaroon ng isang melodic ariatic style - ang pinakamahalagang natatanging kalidad ng Italian operatic music. Kasunod ng halimbawa ng Florence, ang mga opera ay nagsimulang bumuo at gumanap hindi lamang sa Mantua, kundi pati na rin sa mga lungsod ng Italya tulad ng Roma, Venice, at Naples. Ang interes sa bagong genre ay nagsimulang lumitaw sa ibang mga bansa sa Europa, at ang kanilang mga Tanong at gawain 1. Sino ang troubadours, trouvères, minnesingers at meistersingers? 2. Mayroon bang koneksyon sa pagitan ng polyphony ng sinaunang simbahan at mga melodies ng sekular na kanta? 3. Pangalanan ang mga pangunahing bahagi ng regular na Misa. 4. Magbigay ng mga halimbawa ng onomatopoeia sa musika. 5. Ano ang tinatawag na imitasyon sa musika? 6. Ano ang nakamit ni Palestrina sa kanyang mga masa? Ang kapanganakan ng opera. Oratorio at Cantata Bago pa lamang ang simula ng ika-17 siglo - ang unang siglo ng makasaysayang panahon na tinatawag na Modern Age - isang kaganapan ng matinding kahalagahan ay naganap sa sining ng musika: ang opera ay ipinanganak sa Italya. Ang musika ay narinig sa iba't ibang mga palabas sa teatro mula pa noong unang panahon. Sa kanila, kasama ang mga instrumental at choral na numero, ang mga indibidwal na vocal solo, halimbawa mga kanta, ay maaaring gumanap. At sa opera, ang mga mang-aawit at mang-aawit ay naging mga artista at artista. Ang kanilang pag-awit, na sinamahan ng isang orkestra, kasama ang aksyon sa entablado, ay nagsimulang ihatid ang pangunahing nilalaman ng pagtatanghal. Ito ay kinukumpleto ng mga tanawin, mga kasuotan, at madalas ding mga sayaw - ballet. Kaya, sa opera, pinangunahan ng musika ang malapit na pakikipagtulungan ng iba't ibang sining. Nagbukas ito ng mga bagong magagandang artistikong posibilidad para sa kanya. Sinimulang ihatid ng mga mang-aawit ng opera na may walang katulad na kapangyarihan ang mga personal na emosyonal na karanasan ng mga tao - parehong masaya at nalulungkot. Kasabay nito, ang pinakamahalagang paraan ng pagpapahayag sa opera ay ang homophonic na kumbinasyon ng solong boses ng pag-awit na may kasamang orkestra. At kung hanggang sa ika-17 siglo ang propesyonal na musika sa Kanlurang Europa ay umunlad pangunahin sa simbahan, at karamihan pangunahing genre Nagkaroon ng misa, pagkatapos ay ang musikal na teatro ang naging pangunahing sentro, at ang opera ang naging pinakamalaking genre. Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, sa lungsod ng Florence ng Italya, isang bilog ang nagtipon 6 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia, ginawa ng mga pinuno na isang kaugalian na mag-imbita ng mga musikero ng Italyano sa kanilang serbisyo sa korte. Nag-ambag ito sa katotohanan na ang musikang Italyano ay naging pinaka-maimpluwensyang sa Europa sa mahabang panahon. Sa France, noong ika-17 siglo, lumitaw ang sariling pambansang opera, na iba sa Italyano. Ang tagapagtatag nito, si Jean-Baptiste Lyulli, ay Italyano sa kapanganakan. Gayunpaman, tama niyang naramdaman ang mga kakaiba ng kulturang Pranses at lumikha ng isang natatanging istilo ng opera ng Pransya. Sa mga opera ni Lully, isang malaking lugar ang inookupahan, sa isang banda, ng mga recitative at maliliit na aria na may likas na recitative, at sa kabilang banda, ng mga sayaw ng ballet, mga solemne na martsa at mga monumental na koro. Kasama ang mga mitolohiyang plot, luntiang kasuotan, at ang paglalarawan ng mga mahiwagang himala sa tulong ng mga makinang pandulaan, ang lahat ng ito ay tumutugma sa karilagan at karilagan ng buhay sa korte noong panahon ng paghahari ng haring Pranses na si Louis XIV. Ang unang opera sa Alemanya, "Daphne" (1627), ay nilikha ng pinakamalaking Aleman na kompositor ng panahon ng pre-Bach, si Heinrich Schütz. Ngunit ang kanyang musika ay hindi napanatili. Ngunit ang mga kondisyon para sa pag-unlad ng genre ng opera sa bansa ay hindi pa umiiral: talagang lumitaw lamang sila sa pagdating ng ika-19 na siglo. At sa gawain ni Schutz, ang pangunahing lugar ay inookupahan ng mga nagpapahayag na mga komposisyon ng vocal-instrumental batay sa mga espirituwal na teksto. Noong 1689, ang unang English opera na "Dido at Aeneas" ng isang kompositor ng kahanga-hangang talento, si Henry Purcell, ay ginanap sa London. Ang musika ng opera na ito ay nakakabighani sa kanyang taos-pusong liriko, patula na pantasya at makukulay na katutubong imahe. Gayunpaman, pagkatapos ng kamatayan ni Purcell, sa loob ng halos dalawang siglo ay walang mga namumukod-tanging musical creator sa mga English composers. Sa pagliko ng ika-16-17 siglo, kasabay ng opera at gayundin sa Italya, ang pagsilang ng isang cantata. Ang mga ito ay katulad ng opera dahil ang mga ito ay ginagampanan din ng mga soloista, isang koro at isang orkestra, at dahil dito ay nagtatampok din sila ng mga arias, recitatives, vocal ensembles, choirs, at orchestral episodes. Ngunit sa opera natutunan natin ang tungkol sa pag-unlad ng mga kaganapan (ang balangkas) hindi lamang mula sa kung ano ang kinakanta ng mga soloista, kundi pati na rin sa kung ano ang kanilang ginagawa at kung ano ang karaniwang nangyayari sa entablado. Pero sa oratorio at cantata walang stage action. Ang mga ito ay ginaganap sa isang setting ng konsiyerto, nang walang mga costume o dekorasyon. Ngunit mayroon ding pagkakaiba sa pagitan ng oratorio at cantata, bagaman hindi palaging malinaw. Karaniwan ang oratorio ay isang mas malaking akda na may mas maunlad na balangkas ng relihiyon. Madalas itong may epic-dramatic na karakter. Sa bagay na ito, ang oratorio ay kadalasang may kasamang salaysay na bahagi ng pagsasalaysay ng mang-aawit-kuwento. Ang isang espesyal na uri ng espiritwal na oratorio ay "passion" o "passive" (isinalin mula sa Latin bilang "pagdurusa"). Ang Pasyon ay nagsasabi tungkol sa pagdurusa at kamatayan ni Hesukristo na ipinako sa krus. 7 www.classon.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Ang Cantatas, depende sa nilalaman ng tekstong pandiwang, ay nahahati sa espirituwal at sekular. Noong ika-17 siglo at maagang XVIII siglo, maraming maliliit, chamber cantatas ang lumitaw sa Italya. Binubuo sila ng paghalili ng dalawa o tatlong recitative na may dalawa o tatlong aria. Kasunod nito, naging laganap ang mga cantata na higit sa lahat ay seremonyal. Ang mga espirituwal na cantata at "mga hilig" ng iba't ibang mga konstruksyon ay nakatanggap ng pinakamalaking pag-unlad sa Alemanya. arias, at ito ay kaakit-akit na mag-deploy ng virtuosic passage movement. Sa pamana ng Corelli at Vivaldi, isang malaking lugar ang nabibilang sa trio sonata genre. Sa karamihan ng trio sonata, ang dalawang pangunahing bahagi ay ginagampanan ng mga biyolin, at ang ikatlong bahagi, ang kasamang bahagi, ay ginagampanan ng isang harpsichord o organ, na ang boses ng bass ay dinoble ng isang cello o bassoon. Kasunod ng trio sonata, lumitaw ang isang sonata para sa violin o iba pang instrument na sinasabayan ng harpsichord. pati na rin ang concerto grosso - concerto para sa orkestra (unang string). Maraming mga gawa ng mga genre na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng anyo ng isang sinaunang sonata. Kadalasan ito ay isang cycle ng apat na bahagi na may tempo ratio ng "mabagal-mabilis-mabagal-mabilis". Maya-maya, noong ika-18 siglo, nagsimulang gumawa si Vivaldi ng mga solong konsiyerto para sa biyolin at ilang iba pang mga instrumento na may saliw ng orkestra. Isang tatlong bahaging cycle ang itinatag doon: “mabilis-mabagal-mabilis.” Mga tanong at gawain 1. Saan at kailan ipinanganak ang opera? Ipaliwanag kung paano naiiba ang opera sa isang pagtatanghal sa teatro na may musika. 2. Ano ang pinakamahalagang paraan ng pagpapahayag sa musika ng opera? 3. Ano ang pangalan ng unang opera ni Claudio Monteverdi, at anong mga katangian ang makikita sa musika nito? 4. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga tampok ng sinaunang French opera. 5. Pangalanan ang unang opera na isinulat sa Germany at ang unang opera na isinulat sa England. 6. Ano ang pangunahing pagkakaiba ng oratorio at cantata sa opera? 7. Ano ang "mga hilig" ("passive")? Sinimulan ng organ ang mahabang siglo nitong kasaysayan pabalik sa Sinaunang Ehipto. Pagsapit ng ika-17 siglo, ito ay naging isang napakakomplikadong instrumento na may malawak na artistikong mga posibilidad. Matatagpuan ang maliliit na organo kahit sa mga pribadong bahay. Ginamit ang mga ito para sa mga aktibidad na pang-edukasyon, at ang mga pagkakaiba-iba sa mga himig ng mga katutubong awit at sayaw ay ginanap sa kanila. At ang malalaking organo na may kumikinang na hanay ng mga tubo, na may mga kahoy na katawan na pinalamutian ng mga ukit, ay tumutunog, tulad ng ginagawa nila ngayon, sa mga simbahan at katedral. Sa ngayon, ang mga organo ay matatagpuan din sa marami mga bulwagan ng konsiyerto . Ang mga modernong organo ay may ilang libong tubo at hanggang pitong keyboard (manual), na matatagpuan sa itaas ng isa - tulad ng mga hakbang ng isang hagdanan. Napakaraming tubo dahil nahahati sila sa mga grupo - mga rehistro. Ang mga rehistro ay binubuksan at pinapatay gamit ang mga espesyal na lever upang makakuha ng ibang kulay (timbre) ng tunog. Ang mga organo ay nilagyan din ng pedal. Ito ay isang buong paa na keyboard na may maraming malalaking key. Sa pamamagitan ng pagpindot sa mga ito gamit ang kanyang mga paa, ang organist ay makakagawa at makakapagpapanatili din ng mga tunog ng bass sa mahabang panahon (ang mga naturang sustained sound ay tinatawag ding pedal o organ point). Sa mga tuntunin ng kayamanan ng mga timbre, ang kakayahang ihambing ang pinakamagaan na pianissimo sa isang dumadagundong na fortissimo, ang organ ay walang katumbas sa mga instrumentong pangmusika. Noong ika-17 siglo, ang sining ng organ ay umabot sa isang partikular na mataas na tugatog sa Alemanya. Tulad ng sa ibang mga bansa, ang mga organista ng simbahang Aleman ay parehong kompositor at performer. Hindi lamang nila sinamahan ang mga espirituwal na pag-awit, ngunit nagsagawa rin ng mga solo. Kabilang sa kanila ang maraming mahuhusay na birtuoso at improviser na umakit ng buong pulutong ng mga tao sa kanilang paglalaro. Isa sa mga pinaka-kapansin-pansin sa kanila ay si Dietrich Buxtehude. Ang batang Johann Sebastian Bach ay naglalakad mula sa ibang lungsod upang makinig sa kanyang paglalaro. Ang iba't-ibang at malawak na oeuvre ng Buxtehude ay kumakatawan sa mga pangunahing uri ng organ music ng panahong iyon. Sa isang banda, ito ay mga pasimula, pantasya at Tungkol sa instrumental na musika ng ika-17 siglo, ang mga genre at anyo nito Sa loob ng mahabang panahon, ang pagtugtog ng mga instrumento ay kadalasang nagdodoble ng mga bahagi ng boses sa mga vocal na gawa o sinamahan ng mga sayaw. Ang mga instrumental na transkripsyon ng mga komposisyong tinig ay karaniwan din. Ang independiyenteng pag-unlad ng instrumental na musika ay tumindi lamang noong ika-17 siglo. Kasabay nito, nagpatuloy itong bumuo ng mga masining na pamamaraan na binuo sa vocal polyphony. Sila ay pinayaman ng homophonic elements batay sa kanta at sayaw. Kasabay nito, ang mga instrumental na komposisyon ay nagsimulang maimpluwensyahan ng nagpapahayag na mga tagumpay ng operatic music. Ang biyolin, kasama ang makikinang na mga kakayahan ng birtuoso, ay may napaka malambing na tinig. At sa tinubuang-bayan ng opera, Italya, ang musika ng violin ay nagsimulang umunlad lalo na sa matagumpay. Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, umunlad ang gawain ni Arcangelo Corelli at nagsimula ang malikhaing aktibidad ni Antonio Vivaldi. Ang mga namumukod-tanging Italyano na kompositor ay lumikha ng maraming instrumental na gawa na may partisipasyon at nangungunang papel ng biyolin. Sa kanila, ang biyolin ay maaaring kumanta nang kasingkahulugan ng boses ng tao sa isang operatic toccata. Sa mga ito, ang mga polyphonic episode ay malayang humalili sa mga improvisational - mga sipi at chord. Sa kabilang banda, ang mga ito ay mas mahigpit na itinayo na mga piraso na humantong sa paglitaw ng fugue, ang pinaka kumplikadong anyo ng imitative polyphony. Gumawa rin si Buxtehude ng maraming organ arrangement ng mga Protestant chants sa anyo ng choral preludes. Hindi tulad ng Gregorian chant, ito ang pangkalahatang pangalan para sa spiritual chants hindi sa Latin, ngunit sa German. Sila ay lumitaw noong ika-16 na siglo, nang ang isang bagong uri ng doktrinang Kristiyano, ang Protestantismo, ay humiwalay sa Katolisismo. Ang melodic na batayan ng Protestant chorale ay German folk songs. Noong ika-17 siglo, ang Protestant chorale ay nagsimulang itanghal sa koro ng lahat ng mga parokyano sa suporta ng isang organ. Para sa mga naturang choral arrangement, ang isang four-voice chord structure na may melody sa upper voice ay tipikal. Kasunod nito, ang gayong istraktura ay nagsimulang tawaging chorale, kahit na ito ay nangyayari sa isang instrumental na gawain. Ang mga organista ay tumugtog din ng mga instrumentong may kuwerdas na keyboard at nag-compose para sa kanila. Ang pangkalahatang pangalan ng mga gawa para sa mga instrumentong ito ay keyboard music8. Ang unang impormasyon tungkol sa mga instrumentong may kuwerdas na keyboard ay nagsimula noong ika-14-15 siglo. SA siglo XVII ang pinakakaraniwan sa kanila ay ang harpsichord. Ito ang tawag nila sa France, sa Italy ito ay tinatawag na harpsichord, sa Germany ito ay tinatawag na keelflugel, sa England ito ay tinatawag na harpsichord. Ang pangalan ng mas maliliit na instrumento sa France ay epinet, sa Italy - spinets ng England - virginel. Ang harpsichord ay ang ninuno ng piano, na nagsimulang gamitin noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. Kapag pinindot mo ang mga susi ng harpsichord, ang mga balahibo o leather na mga dila na nakakabit sa mga pamalo ay tila kurutin ang mga string. Ang resulta ay biglang, nagri-ring at sa parehong oras ay bahagyang kaluskos na tunog. Sa isang harpsichord, ang lakas ng tunog ay hindi nakasalalay sa lakas ng paghampas sa mga susi. Samakatuwid, imposibleng gumawa ng mga crescendos at diminuendo dito - hindi katulad ng piano, kung saan posible ito dahil sa isang mas nababaluktot na koneksyon ng mga susi na may mga martilyo na tumatama sa mga string. Ang harpsichord ay maaaring may dalawa o tatlong keyboard at isang device na nagbibigay-daan sa iyong baguhin ang kulay ng tunog. Ang tunog ng isa pang maliit na instrumento sa keyboard - ang clavichord - ay mas mahina kaysa sa tunog ng harpsichord. Ngunit sa clavichord, ang mas malambing na paglalaro ay posible, dahil ang mga string nito ay hindi pinuputol, ngunit ang mga metal na plato ay pinindot sa kanila. Ang isa sa mga pangunahing genre ng sinaunang harpsichord na musika ay isang suite ng ilang kumpletong paggalaw na nakasulat sa parehong key. Ang bawat bahagi ay karaniwang gumagamit ng ilang uri ng sayaw na galaw. Ang batayan ng sinaunang suite ay binubuo ng apat na sayaw ng iba't ibang, hindi palaging malinaw na natukoy, pambansang pinagmulan. Ito ang mabagal na allemande (maaaring orihinal na mula sa Alemanya), ang mas aktibong courante (orihinal mula sa France), ang mabagal na sarabande (orihinal mula sa Espanya) at ang mabilis na gigue (orihinal mula sa Ireland o England). Mula sa pagtatapos ng ika-17 siglo, kasunod ng halimbawa ng mga harpsichordist ng Paris, ang mga suite ay nagsimulang dagdagan ng mga sayaw na Pranses gaya ng minuet, gavotte, bourrée, at passier. Ang mga ito ay ipinasok sa pagitan ng mga pangunahing sayaw, na bumubuo ng mga interlude na seksyon ("integ" na isinalin mula sa Latin ay nangangahulugang "sa pagitan"). Ang sinaunang Pranses na harpsichord na musika ay nakikilala sa pamamagitan ng kagandahan, kagandahan, at kasaganaan ng maliliit na melodic na burloloy, tulad ng mordents at trills. Ang estilo ng French harpsichord ay umunlad sa gawain ni François Couperin (16 68 - 1733), na tinawag na Dakila. Gumawa siya ng humigit-kumulang dalawa at kalahating daang dula at pinagsama ang mga ito sa dalawampu't pitong suite. Ang mga piraso na may iba't ibang mga pamagat ng programa ay unti-unting nagsimulang mangibabaw sa kanila. Kadalasan ang mga ito ay tulad ng mga miniature harpsichord portrait ng mga kababaihan - apt sound sketches ng ilang katangian ng character, hitsura, kilos. Ganito, halimbawa, ang mga dulang "Gloomy", "Touching", "Nimble", "Abstract", "Mischievous". Ang kanyang mahusay na kontemporaryong si Johann Sebastian Bach ay nagpakita ng malaking interes sa musikang French harpsichord, kabilang ang mga dula ni François Couperin. Mga tanong at gawain 1. Kailan tumindi ang malayang pag-unlad ng mga instrumental na genre? 2. Pangalanan ang paboritong instrumento nina Arcangelo Corelli at Antonio Vivaldi. 3. Sabihin sa amin ang tungkol sa istraktura ng organ. 4. Saang bansa nakarating ang organ art sa partikular na mataas na tugatog? Ano ang Protestant chorale? 5. Sabihin sa amin ang tungkol sa istraktura ng harpsichord. Anong mga paggalaw ng sayaw ang ginagamit sa mga pangunahing bahagi ng sinaunang harpsichord suite? Kaya, ang panimulang seksyon ng aklat-aralin ay maikling ipinakilala ang ilang mahahalagang kaganapan sa mundo ng musika mula noong sinaunang panahon. Ito ay isang makasaysayang "iskursiyon" na may layuning tumulong na mas maging pamilyar sa pamana ng mga mahuhusay na musikero sa Kanlurang Europa na nagtrabaho noong ika-18 at ika-19 na siglo. Sa loob ng ilang panahon, keyboard music ang tawag sa musika para sa lahat ng instrumento sa keyboard, kabilang ang keyboard-wind instrument - ang organ. 8 9 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Landas ng buhay Johann Rod, pamilya, pagkabata. Si Johann Sebastian Bach ay ipinanganak noong 1685 sa Thuringia, isa sa mga rehiyon ng Central Germany, sa maliit na lungsod ng Eisenach, na napapalibutan ng mga kagubatan. Sa Thuringia, naramdaman pa rin ang matinding kahihinatnan ng Tatlumpung Taong Digmaan (1618-1648), kung saan dalawang malalaking grupo ng mga kapangyarihang Europeo ang nagsalubong. Ang mga ninuno ni Johann Sebastian, na malapit na nauugnay sa kapaligiran ng artisan at magsasaka ng Aleman, ay kailangang makaligtas sa mapangwasak na digmaang ito. Ang kanyang lolo sa tuhod na nagngangalang Veit ay isang panadero, ngunit gustung-gusto niya ang musika kaya hindi siya humiwalay sa isang siter, isang instrumento na katulad ng isang mandolin, kahit na tumutugtog habang ang harina ay giniling habang naglalakbay sa gilingan. At sa kanyang mga inapo, na nanirahan sa buong Thuringia at mga kalapit na rehiyon, napakaraming musikero na ang lahat na nagsasanay sa propesyon na ito ay nagsimulang tawaging "Bach." Ito ay mga organista ng simbahan, mga biyolinista, mga flutista, mga trumpeta, ang ilan ay nagpakita ng talento bilang mga kompositor. Sila ay nasa serbisyo ng mga munisipyo ng lungsod at sa mga korte ng mga pinuno ng maliliit na pamunuan at duchies kung saan ang Alemanya ay nahati. Sebastian Bach 1685-1750 Ang kapalaran ng musika ng mahusay na kompositor ng Aleman, higit sa tatlong daang taon mula noong siya ay ipinanganak, ay kamangha-mangha. Sa panahon ng kanyang buhay siya ay nakakuha ng pagkilala pangunahin bilang isang organista at eksperto sa mga instrumentong pangmusika, at pagkatapos ng kanyang kamatayan ay halos nakalimutan siya sa loob ng ilang dekada. Ngunit pagkatapos ay unti-unti nilang sinimulan na muling matuklasan ang kanyang gawa at hinahangaan ito bilang isang mahalagang artistikong kayamanan, walang kapantay sa kasanayan, hindi mauubos sa lalim at sangkatauhan ng nilalaman nito. “Hindi batis! "Dapat ang dagat ang pangalan niya." Ito ang sinabi ng isa pang musical genius tungkol kay Bach - Beethoven9. Nagawa ni Bach na mag-publish lamang ng napakaliit na bahagi ng kanyang mga gawa mismo. Ngayon ay may higit sa isang libo sa kanila ang nai-publish (marami pa ang nawala). Ang unang kumpletong koleksyon ng mga gawa ni Bach ay nagsimulang mailimbag sa Alemanya isang daang taon pagkatapos ng kanyang kamatayan, at sinakop nito ang apatnapu't anim na malalaking volume. At least halos bilangin kung gaano karami ang na-print at kung magkano ang patuloy na nai-print iba't-ibang bansa Imposible ang magkahiwalay na edisyon ng musika ni Bach. Napakalaki ng walang humpay na pangangailangan para dito. Sapagkat sinasakop nito ang isang malawak at marangal na lugar hindi lamang sa repertoire ng konsiyerto sa mundo, kundi pati na rin sa pang-edukasyon. Si Johann Sebastian Bach ay patuloy na naging guro ng literal na lahat ng kasangkot sa musika. Siya ay isang seryoso at mahigpit na guro, na nangangailangan ng kakayahang mag-concentrate upang makabisado ang sining ng pagsasagawa ng polyphonic works. Ngunit ang mga hindi natatakot sa mga paghihirap at matulungin sa kanyang mga hinihingi ay madarama sa likod ng kanyang kalubhaan ang matalino at taos-pusong kabaitan na itinuturo niya sa kanyang magagandang walang kamatayang mga nilikha. Ang bahay sa Eisenach kung saan ipinanganak si J. S. Bach 9 "Bach" ay nangangahulugang "stream" sa German. 10 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Ang ama ni Johann Sebastian ay isang violinist, musikero ng lungsod at hukuman sa Eisenach. Nagsimula siyang magturo ng musika sa kanyang bunsong anak at ipinadala siya sa isang paaralan ng simbahan. Taglay ang magandang mataas na boses, kumanta ang bata sa choir ng paaralan. Noong siya ay sampung taong gulang, namatay ang kanyang mga magulang. Ang nakatatandang kapatid na lalaki, isang organista ng simbahan sa kalapit na bayan ng Ohrdruf, ang nag-aalaga sa ulila. Ipinadala niya ang kanyang nakababatang kapatid sa lokal na lyceum at siya mismo ang nagbigay sa kanya ng mga aralin sa pagtugtog ng organ. Nang maglaon, naging harpsichordist, violinist, at violist din si Johann Sebastian. At mula pagkabata ay pinagkadalubhasaan niya ang komposisyon ng musika sa kanyang sarili, muling isinulat ang mga gawa ng iba't ibang mga may-akda. Kinailangan niyang kopyahin ang isang kuwaderno na partikular na interesado sa kanya sa mga gabing maliwanag sa buwan, lihim mula sa kanyang nakatatandang kapatid. Ngunit nang matapos ang mahaba, mahirap na gawain, natuklasan niya ito, nagalit kay Johann Sebastian dahil sa kanyang hindi awtorisadong pagkilos, at walang awa na kinuha ang manuskrito mula sa kanya. Ang simula ng malayang buhay. Luneburg. Sa edad na labinlimang, gumawa si Johann Sebastian ng isang mapagpasyang hakbang - lumipat siya sa malayong hilagang Aleman na lungsod ng Luneburg, kung saan pumasok siya sa paaralan sa simbahan ng monasteryo bilang isang mag-aaral ng koro. Sa silid-aklatan ng paaralan, naging pamilyar siya sa isang malaking bilang ng mga manuskrito ng mga gawa ng mga musikero ng Aleman. Sa Lüneburg at Hamburg, kung saan siya naglakad sa mga kalsada ng bansa, maaaring makinig ang mga mahuhusay na organista sa paglalaro. Posible na sa Hamburg ay bumisita si Johann Sebastian sa opera house - sa oras na iyon ang isa lamang sa Alemanya na nagbigay ng mga pagtatanghal hindi sa Italyano, ngunit sa Aleman. Matagumpay niyang natapos ang pag-aaral pagkaraan ng tatlong taon at nagsimulang maghanap ng trabahong mas malapit sa kanyang tinubuang lupa. Weimar. Ang pagkakaroon ng panandaliang nagsilbi bilang isang biyolinista at organista sa tatlong lungsod, si Bach noong 1708, na kasal na, ay nanirahan sa Weimar (Thuringia) sa loob ng siyam na taon. Doon siya ay isang organista sa korte ng Duke, at pagkatapos ay isang vice-kapellmeister (katulong sa pinuno ng kapilya - isang pangkat ng mga mang-aawit at instrumentalista). Noong tinedyer pa, sa Ohrdruf, nagsimulang gumawa si Bach ng musika, lalo na sa pag-aayos ng isang Protestant chorale para sa organ, ang kanyang paboritong instrumento. At sa Weimar ay lumitaw ang isang bilang ng kanyang mga kahanga-hangang mature organ works, tulad ng Toccata at Fugue sa D minor, Passacaglia10 sa C minor, at chorale preludes. Sa oras na iyon, si Bach ay naging isang hindi maunahang performer at improviser sa organ at harpsichord. Ito ay kinumpirma ng sumusunod na kaso. Isang araw pumunta si Bach sa kabisera ng Saxony, Dresden, kung saan nagpasya silang ayusin ang isang kompetisyon sa pagitan niya at ni Louis Marchand, ang sikat na French organist at harpsichordist. Ngunit siya, nang una niyang narinig kung paano nag-improvised si Bach sa harpsichord na may kamangha-manghang malikhaing talino sa paglikha, nagmadaling lihim na umalis sa Dresden. Hindi naganap ang kompetisyon. Sa korte ng Weimar nagkaroon ng pagkakataon na makilala ang mga gawa ng Italyano at Mga kompositor ng Pranses. Nag-react si Bach sa kanilang mga nagawa nang may malaking interes at masining na inisyatiba. Halimbawa, gumawa siya ng ilang libreng pag-aayos para sa harpsichord at organ ng mga violin concerto ni Antonio Vivaldi. Kaya't ipinanganak ang unang mga konsyerto sa keyboard sa kasaysayan ng sining ng musika. Sa loob ng tatlong taon sa Weimar, kinailangan ni Bach na gumawa ng bagong spiritual cantata tuwing ikaapat na Linggo. Sa kabuuan, higit sa tatlumpung mga gawa ang lumitaw sa ganitong paraan. Gayunpaman, nang ang matandang konduktor ng korte, na ang mga tungkulin ay talagang ginampanan ni Bach, ay namatay, ang nabakanteng posisyon ay ibinigay hindi sa kanya, ngunit sa pangkaraniwang anak ng namatay. Sa sobrang galit sa gayong kawalang-katarungan, nagsumite si Bach ng kanyang pagbibitiw. Para sa kanyang "walang galang na kahilingan" siya ay isinailalim sa pag-aresto sa bahay. Ngunit nagpakita siya ng matapang, mapagmataas na pagtitiyaga, iginigiit ang kanyang sarili. At pagkaraan ng isang buwan, ang Duke ay nag-aatubili na magbigay ng "walang awa na utos" upang palayain ang rebeldeng musikero. Köthen. Sa pagtatapos ng 1717, lumipat si Bach at ang kanyang pamilya sa Köthen. Ang posisyon ng court bandmaster ay inaalok sa kanya ni Prince Leopold ng Anhalt ng Köthen, ang pinuno ng isang maliit na estado na kalapit ng Thuringia. Siya ay isang mahusay na musikero - siya ay kumanta, tumugtog ng harpsichord at viola da gamba 11. Ang prinsipe ay nagbigay sa kanyang bagong bandmaster ng mahusay na pinansiyal na suporta at pinakitunguhan siya nang may malaking paggalang. Ang mga tungkulin ni Bach, na medyo kaunti lang sa kanyang oras, ay kasama ang pamumuno sa isang kapilya ng labing-walong vocalist at instrumentalist, samahan ang prinsipe at tumugtog ng harpsichord mismo. Maraming Bach ang gumagana para sa iba't ibang instrumento na nagmula sa Köthen. Kabilang sa mga ito, ang musika sa keyboard ay kinakatawan ng napaka-diverse. Sa isang banda, ito ay mga dula para sa mga nagsisimula - Ang Passacaglia ay isang mabagal na sayaw na may tatlong paa na may pinagmulang Espanyol. Sa batayan nito, ang mga instrumental na piraso ay lumitaw sa anyo ng mga pagkakaiba-iba na may melody na paulit-ulit nang maraming beses sa bass. 10 11 Viola da gamba – antigong instrumento , katulad ng hitsura sa isang cello. 11 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia maliit na pasimula, dalawang boses at tatlong boses na imbensyon. Ang mga ito ay isinulat ni Bach para sa mga aralin kasama ang kanyang panganay na anak na lalaki, si Wilhelm Friedemann. Sa kabilang banda, ito ang una sa dalawang volume ng isang monumental na gawa - "The Well-Tempered Clavier", na sa kabuuan ay may kasamang 48 preludes at fugues, at isang malaking konsiyerto na gawa - "Chromatic Fantasy and Fugue". Kasama rin sa panahon ng Köthen ang paglikha ng dalawang koleksyon ng mga keyboard suite, na kilala bilang "French" at "English". Sinama ni Prinsipe Leopold si Bach sa mga paglalakbay sa mga kalapit na estado. Nang bumalik si Johann Sebastian mula sa naturang paglalakbay noong 1720, siya ay dinaig ng matinding kalungkutan - ang kanyang asawang si Maria Barbara ay kamamatay lamang, nag-iwan ng apat na anak (tatlo pa ang namatay nang maaga). Makalipas ang isang taon at kalahati, muling nagpakasal si Bach. Ang kanyang pangalawang asawa, si Anna Magdalena, ay may magandang boses at napaka-musika. Habang nag-aaral sa kanya, pinagsama-sama ni Bach ang dalawang keyboard na "Note Books" mula sa kanyang sariling mga dula at bahagyang mula sa mga dula ng ibang mga may-akda. Si Anna Magdalena ay isang mabait at mapagmalasakit na kasama sa buhay ni Johann Sebastian. Ipinanganak niya sa kanya ang labintatlong anak, kung saan anim ang nabuhay hanggang sa pagtanda. Leipzig. Noong 1723, lumipat si Bach sa Leipzig, isang pangunahing sentro ng kalakalan at kultura ng Saxony, kalapit na Thuringia. Napanatili niya ang mabuting relasyon kay Prinsipe Leopold. Ngunit sa Köthen ang mga posibilidad para sa aktibidad sa musika ay limitado - walang malaking organ o koro. Bilang karagdagan, si Bach ay may mga nakatatandang anak na lalaki na lumalaki, na nais niyang bigyan ng magandang edukasyon. Sa Leipzig, kinuha ni Bach ang posisyon ng cantor - direktor ng koro ng mga lalaki at guro ng paaralan ng pag-awit; sa Simbahan ni St. Thomas (Thomaskirche). Kinailangan niyang tanggapin ang ilang mahigpit na kundisyon, halimbawa, "huwag umalis sa lungsod nang walang pahintulot ng burgomaster." Marami pang ibang responsibilidad si Cantor Bach. Kinailangan niyang hatiin sa mga bahagi ang isang maliit na koro ng paaralan at isang napakaliit na orkestra (o sa halip, isang grupo) para marinig ang musika sa mga serbisyo sa dalawang simbahan, gayundin sa mga kasalan, libing, at iba't ibang pagdiriwang. At hindi lahat ng choir boys ay may magagandang kakayahan sa musika. Ang bahay ng paaralan ay marumi, napabayaan, ang mga mag-aaral ay hindi pinapakain at hindi maganda ang pananamit. Si Bach, na itinuring ding "direktor ng musika" ng Leipzig, higit sa isang beses ay nakakuha ng atensyon ng mga awtoridad ng simbahan at ng pamahalaang lungsod (mahistrado) sa lahat ng ito. Ngunit bilang kapalit ay nakatanggap siya ng kaunting tulong na materyal, ngunit maraming maliit na opisyal na pag-aalinlangan at pagsaway. Itinuro niya ang kanyang mga mag-aaral hindi lamang sa pag-awit, kundi pati na rin sa pagtugtog ng mga instrumento; bilang karagdagan, kumuha siya ng isang Latin na guro para sa kanila sa kanyang sariling gastos. Simbahan at paaralan ng St. Thomas (kaliwa) sa Leipzig. (Mula sa isang lumang ukit). Sa kabila ng mahihirap na kalagayan sa buhay, masigasig si Bach sa pagkamalikhain. Sa unang tatlong taon ng kanyang paglilingkod, nag-compose at nagpraktis siya ng bagong spiritual cantata kasama ang koro halos linggo-linggo. Sa kabuuan, humigit-kumulang dalawang daang gawa ni Bach sa genre na ito ang nakaligtas. At ilang dosena ng kanyang sekular na cantatas ang kilala rin. Sila ay, bilang isang patakaran, mga pagbati at pagbati, na hinarap sa iba't ibang marangal na tao. Ngunit sa kanila mayroong isang pagbubukod tulad ng komiks " Kape Cantata", katulad ng isang eksena mula sa isang comic opera. Sinasabi nito kung paano naging interesado ang bata at buhay na buhay na si Lizhen sa bagong paraan ng kape, laban sa kalooban at babala ng kanyang ama, ang matandang grumbler na si Shlendrian. Sa Leipzig, nilikha ni Bach ang kanyang pinakatanyag na monumental na vocal at instrumental na mga gawa - "The St. John Passion", "The St. Matthew Passion"12 at ang Mass in B minor, na katulad ng nilalaman, pati na rin ang isang malaking bilang ng iba't ibang mga instrumental na gawa, kabilang ang pangalawang tomo na "Well-Tempered Clavier," isang koleksyon nina Juan at Mateo (pati na rin sina Marcos at Lucas) - mga tagasunod ng mga turo ni Jesucristo na nagtipon ng mga Ebanghelyo - mga kuwento tungkol sa kanyang buhay sa lupa, pagdurusa ( “passion”) at kamatayan. "Ebanghelyo" isinalin mula sa wikang Griyego nangangahulugang "mabuting balita." 12 12 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia "The Art of Fugue". Naglakbay siya sa Dresden, Hamburg, Berlin at iba pang lungsod ng Aleman, tumugtog ng organ doon, at sumubok ng mga bagong instrumento. Sa loob ng higit sa sampung taon, pinamunuan ni Bach ang "Music College" sa Leipzig, isang lipunan na binubuo ng mga estudyante sa unibersidad at mga mahilig sa musika - mga instrumentalista at mang-aawit. Sa ilalim ng direksyon ni Bach, nagbigay sila ng mga pampublikong konsiyerto ng mga gawa ng isang sekular na kalikasan. Sa pakikipag-usap sa mga musikero, siya ay dayuhan sa anumang pagmamataas at nagsalita tungkol sa kanyang pambihirang kasanayan tulad nito: "Kinailangan kong mag-aral ng mabuti, kung sino ang kasing sipag ay makakamit niya rin." Ang kanyang malaking pamilya ay nagdala kay Bach ng maraming alalahanin, ngunit din ng maraming kagalakan. Sa kanyang bilog, maaari niyang ayusin ang buong mga konsyerto sa bahay. Apat sa kanyang mga anak ang naging sikat na kompositor. Ito ay sina Wilhelm Friedemann at Carl Philipp Emanuel (mga anak ni Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich at Johann Christian (mga anak ni Anna Magdalena). Sa paglipas ng mga taon, bumaba ang kalusugan ni Bach. Lumalabo nang husto ang kanyang paningin. Sa simula ng 1750, sumailalim siya sa dalawang hindi matagumpay na operasyon sa mata, nabulag, at namatay noong Hulyo 28. Si Johann Sebastian Bach ay namuhay sa isang mahirap at masipag na buhay, na pinaliwanagan ng napakatalino na malikhaing inspirasyon. Hindi siya nag-iwan ng malaking kayamanan, at namatay si Anna Magdalena makalipas ang sampung taon sa isang charity home para sa mahihirap. A bunsong anak na babae Si Regina Susanna Bach, na nabuhay hanggang ika-19 na siglo, ay nailigtas mula sa kahirapan sa pamamagitan ng mga pribadong donasyon, kung saan malaki ang naging bahagi ni Beethoven. Ang musika ni Bach ay konektado sa kultura ng kanyang sariling bansa. Hindi siya nagkaroon ng pagkakataong maglakbay sa labas ng Germany. Ngunit masigasig niyang pinag-aralan ang mga gawa ng German , And mga dayuhang kompositor . Sa kanyang trabaho, napakatalino niyang ginawang pangkalahatan at pinayaman ang mga nagawa ng European musical art. Karamihan sa mga cantata, "The St. John Passion," "The St. Matthew Passion," ang Misa sa B minor at maraming iba pang mga gawa sa espirituwal na mga teksto ay isinulat ni Bach hindi lamang dahil sa tungkulin o karaniwang kaugalian ng isang musikero ng simbahan , ngunit pinainit ng isang taos-pusong relihiyosong damdamin. Puno sila ng habag sa mga kalungkutan ng tao at puno ng pag-unawa sa kagalakan ng tao. Sa paglipas ng panahon, lumampas sila sa mga hangganan ng mga simbahan at hindi tumitigil sa labis na pagpapahanga sa mga tagapakinig ng iba't ibang nasyonalidad at relihiyon. Ang espirituwal at sekular na mga gawa ni Bach ay magkakaugnay sa kanilang tunay na pagkatao. Magkasama silang bumubuo ng isang buong mundo ng mga musikal na imahe. Ang hindi maunahang polyphonic mastery ni Bach ay pinayaman ng homophonic-harmonic na paraan. Ang kanyang mga vocal na tema ay organically permeated na may instrumental development techniques, at instrumental na mga tema ay madalas kaya emosyonal na mayaman, na parang isang bagay na mahalaga ay inaawit at binibigkas nang walang mga salita. Toccata at Fugue sa D minor para sa organ13 Ang gawaing ito, na napakapopular, ay nagsisimula sa isang nakababahala ngunit matapang na sigaw ng kalooban. Tunog ito ng tatlong beses, pababa mula sa isang oktaba patungo sa isa pa, at humahantong sa isang dumadagundong na chordal boom sa lower register. Kaya, sa simula ng toccata, nakabalangkas ang isang madilim na may kulay, engrande na espasyo ng tunog. 1 Adagio Mga tanong at gawain 1 . Bakit hindi pangkaraniwan ang kapalaran ng musika ni Bach? 2. Sabihin sa amin ang tungkol sa tinubuang-bayan ni Bach, ang kanyang mga ninuno at ang kanyang pagkabata. 3. Kailan at saan nagsimula si Bach sa kanyang malayang buhay? 4. Paano natuloy ang aktibidad ni Bach sa Weimar at paano ito natapos? 5. Sabihin sa amin ang tungkol sa buhay ni Bach sa Köthen at ang kanyang mga gawa sa mga taong ito. 6. Anong mga instrumento ang tinugtog ni Bach at ano ang paborito niyang instrumento? 7. Bakit nagpasiya si Bach na lumipat sa Leipzig, at anong mga paghihirap ang naranasan niya roon? 8. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga aktibidad ni Bach na kompositor at Bach na tagapalabas sa Leipzig. Pangalanan ang mga gawang nilikha niya doon. Ang Toccata (sa Italyano na "toccata" - "touch", "blow" mula sa verb na "toccare" "touch", "touch") ay isang birtuoso na piraso para sa mga instrumentong keyboard. 13 13 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Susunod, maririnig ang malalakas na “swirling” virtuosic passage at malawak na chordal “splashes”. Ang mga ito ay ilang beses na pinaghihiwalay sa pamamagitan ng mga paghinto at paghinto sa mga pinahabang chord. Ang paghahambing na ito ng mabilis at mabagal na paggalaw ay nagpapaalala ng maingat na pahinga sa pagitan ng mga pakikipaglaban sa mga marahas na elemento. At pagkatapos ng malayang, improvisationally constructed toccata, isang fugue tunog. Nakatuon ito sa imitative development ng isang tema, kung saan ang volitional na prinsipyo ay tila pinipigilan ang elemental forces: 2 Allegro moderato Ang pagkakaroon ng malawak na pagpapalawak, ang fugue ay bubuo sa isang coda - ang pangwakas, huling seksyon. Dito muling sumambulat ang improvisational na elemento ng toccata. Ngunit sa wakas siya ay napatahimik sa pamamagitan ng matinding imperative remarks. At ang mga huling hadlang ng buong gawain ay itinuturing bilang isang mahigpit at marilag na tagumpay ng hindi sumusukong kalooban ng tao. Ang isang espesyal na grupo ng mga organ works ni Bach ay binubuo ng chorale preludes. Kabilang sa mga ito, ang isang bilang ng mga medyo maliit na dula ng isang liriko na kalikasan ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na pagpapahayag. Sa kanila, ang tunog ng chorale melody ay pinayayaman ng malayang binuo na kasamang mga tinig. Ganito, halimbawa, ipinakita ang isa sa mga obra maestra ni Bach - ang chorale prelude sa F minor. Ang keyboard music ng Invention Bach ay nag-compile ng ilang koleksyon ng mga simpleng piraso mula sa mga nilikha niya habang tinuturuan ang kanyang panganay na anak na si Wilhelm Friedemann. Sa isa sa mga koleksyong ito ay naglagay siya ng labinlimang two-voice polyphonic na piraso sa labinlimang susi at tinawag itong "mga imbensyon." Isinalin mula sa Latin, ang salitang "imbensyon" ay nangangahulugang "imbensyon", "imbensyon". Ang dalawang boses na imbensyon ni Bach, na maaaring isagawa ng mga nagsisimulang musikero, ay talagang kapansin-pansin para sa kanilang polyphonic inventiveness at sa parehong oras para sa kanilang artistikong pagpapahayag. Kaya, ang unang dalawang-boses na imbensyon sa C major ay ipinanganak mula sa isang maikli, makinis at nakakalibang na tema ng isang kalmado, matalinong kalikasan. Inaawit ito ng mataas na boses at agad na ginagaya _ inuulit ito sa isa pang oktaba - ang mas mababang isa: 14 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia At sa mga tunog ng ikawalong dalawang boses na imbensyon sa F major, maaaring isipin ng isang tao ang isang masaya, taimtim na laro-kumpetisyon: tila na] sila ay tumatalon at nababanat na mga bola ay lumiligid. Sa panahon ng pag-uulit (imitasyon), ang mataas na boses ay nagpapatuloy sa melodic na paggalaw. Lumilikha ito ng counterposition sa tema na tumutunog sa bass. Dagdag pa, ang counterposition na ito - na may parehong melodic pattern - kung minsan ay tumutunog kapag ang tema ay lilitaw muli sa isang boses o iba pa (bar 2-3, 7-8, 8-9). Sa ganitong mga kaso, ang counteraddition ay tinatawag na retained (sa kaibahan sa mga hindi napanatili, na binubuo muli sa bawat oras na ang paksa ay isinasagawa). Tulad ng iba pang mga polyphonic na gawa, sa imbensyon na ito ay may mga seksyon kung saan ang tema ay hindi naririnig sa buong anyo nito, ngunit ilan lamang sa mga pagliko nito ang ginagamit. Ang mga nasabing seksyon ay inilalagay sa pagitan ng mga paksa at tinatawag na interludes. Ang pangkalahatang integridad ng imbensyon sa C major ay ibinibigay ng pagbuo batay sa isang tema, na karaniwan para sa polyphonic na musika . Sa gitna ng dula ay may pag-alis mula sa pangunahing susi, at sa pagtatapos ay babalik ito. Sa pakikinig sa pagpapakilalang ito, maiisip ng isang mag-aaral na masigasig na inuulit ng dalawang estudyante ang aralin, sinusubukang sabihin sa isa't isa nang mas mahusay, nang may mas malawak na pagpapahayag. Sa bahaging ito, katulad ng istraktura sa pangunahing imbensyon ng C, isang malaking papel ang ginagampanan ng isang espesyal na pamamaraan. Kasunod ng unang pagpapakilala ng tema sa mataas na boses, ang mababang boses ay ginagaya hindi lamang ito, kundi pati na rin ang pagpapatuloy nito (pagsalungat). Kaya, sa loob ng ilang panahon, isang tuluy-tuloy na kanonikal na imitasyon o lycanon ang lumitaw. Kasabay ng dalawang-boses na imbensyon, binubuo ni Bach ang labinlimang tatlong-boses na polyphonic na piraso sa parehong mga susi. Pinangalanan niya sila! "symphony" (isinalin mula sa Greek bilang "consonances"). Sapagkat noong unang panahon ito ang madalas na tawag sa polyphonic instrumental works. Ngunit nang maglaon ay naging kaugalian na ang tawag sa mga dulang ito na tatlong bahaging imbensyon. Gumagamit sila ng mas kumplikadong mga pamamaraan ng polyphonic development. Ang pinakakapansin-pansing halimbawa ay ang tatlong bahaging imbensyon sa F minor (ikasiyam). Nagsisimula ito sa pamamagitan ng paglalahad ng dalawang magkasalungat na paksa nang sabay-sabay. Ang batayan ng isa sa kanila, na tumutunog sa boses ng bass, ay isang sinusukat, matinding paglusong sa pamamagitan ng chromatic semitones. Ang mga katulad na galaw ay karaniwan sa mga trahedya na aria mula sa mga sinaunang opera. Ito ay tulad ng madilim na tinig ng masamang kapalaran, kapalaran. Ang pangalawang tema sa gitna, ang boses na alto ay nababalot ng malungkot na motibo-mga buntong-hininga: Kasunod nito, ang dalawang temang ito ay malapit na magkakaugnay sa ikatlong tema na may mas taos-pusong nagsusumamo na mga tandang. Hanggang sa pinakadulo ng dula, ang tinig ng masamang kapalaran ay nananatiling hindi maaalis. Ngunit ang mga tinig ng kalungkutan ng tao ay hindi tumitigil. Naglalaman ang mga ito ng hindi mapawi na kislap ng pag-asa ng tao. At saglit na tila sumiklab sa huling F major chord. Ang "symphony" ni Bach sa B minor Harpsichord sa bahay ni Bach sa Eisenach 15 www.classon.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia (tatlong bahagi na imbensyon No. 15) ay nakikilala rin sa pamamagitan ng liriko na pagtagos nito. Sa paunang salita sa manuskrito ng kanyang mga imbensyon at "symphony," ipinahiwatig ni Bach na dapat silang tumulong sa pagbuo ng isang "paraan ng pag-awit ng pagtugtog." Mahirap itong makamit sa harpsichord. Samakatuwid, ginusto ni Bach na gumamit ng isa pang instrumento na may kuwerdas na keyboard sa bahay, kasama ang mga klase sa mga mag-aaral, ang clavichord. Ang mahinang tunog nito ay hindi angkop para sa pagtatanghal ng konsiyerto. Ngunit, tulad ng nabanggit na, hindi katulad ng harpsichord, ang mga string ng clavichord ay hindi pinuputol, ngunit malumanay na naka-clamp sa mga metal plate. Nag-aambag ito sa melodiousness ng tunog at nagbibigay-daan para sa mga dynamic na shade. Kaya, parang nakita ni Bach ang mga posibilidad ng malamyos at magkakaugnay na pagganap ng boses sa piano - isang instrumento na sa kanyang panahon ay hindi pa perpekto sa disenyo. At ang hiling na ito ng mahusay na musikero ay dapat tandaan ng lahat ng mga modernong pianista. Ang Courant ay isang three-beat dance na nagmula sa French. Ngunit ang French harpsichord chimes ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang tiyak na maindayog na pagiging sopistikado at mannerism. Ang Courant sa Bach's Suite sa C Minor ay katulad ng Italyano na bersyon ng genre ng sayaw na ito - mas masigla at mobile. Ito ay pinadali ng flexible na kumbinasyon ng dalawang boses, na mukhang itlog sa isa't isa sa: "French Suite" sa C minor Tatlong koleksyon ng mga keyboard suite ni Bach ay may iba't ibang pangalan. Siya mismo ang tumawag sa anim na suite na kasama sa ikatlong koleksyon na "partitas" (ang pangalan ng suite na "partita" ay hindi lamang matatagpuan sa kanyang mga gawa14). At ang iba pang dalawang koleksyon - anim na piraso bawat isa - ay nagsimulang tawaging "French Suites" at "English Suites" pagkatapos ng kamatayan ni Bach para sa mga kadahilanang hindi eksakto. Ang pangalawa sa "French Suites" ay nakasulat sa susi ng C minor. Ayon sa tradisyong itinatag sa mga sinaunang suite, naglalaman ito ng apat na pangunahing bahagi - Allemande, Courante, Sarabande at Gigue, pati na rin ang dalawa pang interlude na bahagi - Aria at Minuet, na ipinasok sa pagitan ng Sarabande at Gigue. Ang Allemande ay isang sayaw na nabuo noong ika-16 hanggang ika-17 siglo sa ilang mga bansa sa Europa - England, Netherlands, Germany, France at Italy. Halimbawa, ang lumang German allemande ay isang medyo mabigat na sayaw ng grupo. Ngunit, sa pagpasok sa mga clavier suite, ang allemande ay halos nawala ang mga tampok na sayaw nito noong ika-18 siglo. Mula sa kanyang "mga ninuno" siya ay napanatili lamang ang isang maginhawang, tahimik na lakad na may apat o dalawang-kapat na laki. Sa kalaunan ito ay naging isang maluwag na nakabalangkas na foreplay. Ang Allemande mula sa C minor suite ni Bach ay katulad din ng maalalahanin na lyrical prelude. Tatlong boses ang kadalasang nangunguna sa kanilang mga linya rito. Ngunit kung minsan ay isang pang-apat na boses ang sumasali sa kanila. Kasabay nito, ang pinaka melodic na boses ay ang nangungunang: Sarabande - tatlong-beat sayaw ng espanyol . Dati itong mabilis at mainitin ang ulo, ngunit nang maglaon ay naging mabagal, solemne, madalas na malapit sa isang prusisyon ng libing. Ang sarabande mula sa suite ni Bach ay itinanghal mula simula hanggang wakas sa isang tatlong bahaging istraktura. Ang paggalaw ng gitna at mababang boses ay palaging mahigpit at puro (quarters at eighths ang nangingibabaw). At ang paggalaw ng mas mataas na boses ay mas libre at mobile, napaka nagpapahayag. Ang panlabing-anim na nota ay nangingibabaw dito; ang mga paggalaw sa malalawak na pagitan (ikalima, ikaanim, ikapito) ay madalas na matatagpuan. Lumilikha ito ng dalawang magkasalungat na layer ng musical presentation, na lumilikha ng isang liriko na matinding tunog15: "Nahati sa mga bahagi" - ang salitang "partita" ay isinalin mula sa Italyano (mula sa pandiwa na "partire" - "to divide"). Sa isang sarabande, ang nangunguna sa itaas na boses ay hindi gaanong kaibahan sa iba bilang papuri sa kanila. 14 15 16 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Prelude at Fugue sa C minor mula sa unang volume ng “The Well-Tempered Clavier” Prelude at Fugue sa C major, Prelude at Fugue sa C minor, Prelude at Fugue sa C sharp major, Prelude at Fugue C sharp minor - at iba pa sa lahat ng labindalawang semitone na kasama sa octave. Ang resulta ay isang kabuuang 24 na dalawang bahagi na cycle ng "prelude and fugue" sa lahat ng major at minor key. Ito ay kung paano ang parehong mga volume (sa kabuuan - 48 preludes at fugues) ng Bach's Well-Tempered Clavier ay nakabalangkas. Ang maringal na gawaing ito ay kinikilala bilang isa sa pinakadakila sa sining ng musikal sa mundo. Ang mga prelude at fugues mula sa dalawang volume na ito ay kasama sa parehong pang-edukasyon at concert repertoire ng lahat ng mga propesyonal na pianista. Sa panahon ni Bach, ang pantay na ugali ay unti-unting naitatag sa pag-tune ng mga instrumento sa keyboard - ang paghahati ng octave sa labindalawang pantay na semitone. Noong nakaraan, ang sistema ng pag-setup ay mas kumplikado. Sa pamamagitan nito, sa mga susi na may higit sa tatlo o apat na mga senyales, ang ilang mga agwat at chord ay parang mali. Samakatuwid, ang mga kompositor ay umiwas sa paggamit ng gayong mga tono. Si Bach ang unang nagpatunay sa The Well-Tempered Clavier na may pantay na ugali, lahat ng 24 na susi ay magagamit nang may pantay na tagumpay. Nagbukas ito ng mga bagong abot-tanaw para sa mga kompositor, na nagdaragdag, halimbawa, ang kakayahang gumawa ng mga modulasyon (transisyon) mula sa isang susi patungo sa isa pa. Sa The Well-Tempered Clavier, itinatag ni Bach ang uri ng two-part cycle na "prelude and fugue." Ang prelude ay malayang binuo. Sa loob nito, ang isang makabuluhang papel ay maaaring kabilang sa homophonic-harmonic na kalikasan at improvisasyon. Lumilikha ito ng kaibahan sa fugue bilang isang mahigpit na polyphonic na gawain. Kasabay nito, ang mga bahagi ng siklo ng "Prelude at Fugue" ay pinagsama hindi lamang ng isang karaniwang tonality. Sa pagitan nila, sa bawat kaso, ang mga banayad na panloob na koneksyon ay nagpapakita ng kanilang sarili sa kanilang sariling paraan. Ang mga pangkalahatang tipikal na tampok na ito ay maaaring masubaybayan sa Prelude at Fugue sa C minor mula sa unang volume ng The Well-Tempered Clavier. Ang prelude ay binubuo ng dalawang pangunahing seksyon. Ang mas maluwang na una ay ganap na napuno ng mabilis, pare-parehong paggalaw ng panlabing-anim na mga nota sa magkabilang kamay. Ito ay panloob na puspos ng nagpapahayag na melodic at harmonic na mga elemento. Tila, napipigilan ng mga bangko, ang isang hindi mapakali na batis ay umuusok: Ang Gigue ay isang mabilis, mapaglarong sayaw na nagmula sa Ireland at England16. Noong unang panahon, mahilig sumayaw ng jig ang mga English sailors. Sa mga suite, ang gigue ay karaniwang ang pangwakas, huling paggalaw. Sa kanyang C minor na Giguet, madalas na ginagamit ni Bach ang pamamaraan ng canonical imitation sa pagitan ng dalawang boses (tulad ng sa Invention sa F major). Ang pagtatanghal ng piyesa na ito ay lubusang natatakpan ng isang "bounce" na tuldok na ritmo: Kung ikukumpara sa kaibahan sa pagitan ng Allemande at Courant, ang kaibahan sa pagitan ng Sarabande at Gigue ay mas matalas. Ngunit ito ay pinalambot ng dalawang karagdagang bahagi na ipinasok sa pagitan nila. Ang piyesa, na tinatawag na "Aria," ay parang isang solong vocal number sa isang opera, at mas parang isang kalmado, simpleng pag-iisip na kanta. Ang sumusunod na Minuet ay isang sayaw na Pranses na pinagsasama ang kadaliang kumilos at biyaya. Kaya sa suite na ito, na may iisang pangkalahatang tonality, ang lahat ng bahagi ay inihahambing sa iba't ibang paraan sa isang makasagisag na kahulugan. Ang mga sukat ng jig ay higit sa lahat ay tatlong-haba. Noong ika-18 siglo ito ay higit sa lahat 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia sa katamtamang boses, isang malinaw, kilalang-kilala, natatandaang tema na may nababanat na ritmo ng sayaw: 11 Moderato Ang masiglang pagtitiyaga ay pinagsama sa tema na may biyaya, isang tusong kalokohan sumilip sa malakas na kalooban. Nagbibigay ito ng mga pagkakataon para sa higit pang magkakaibang at dinamikong pag-unlad. Sa simula ng pag-unlad, ang tema ay magaan - ang tanging oras na ito ay ginanap sa isang pangunahing key (E-flat major). Sa muling pagbabalik, sa tatlong pangunahing pagtatanghal ng tema sa pangunahing susi (C minor), ang pangalawa, sa bass, ay nakakakuha ng napakalakas na saklaw na nagpapaalala sa atin ng galit ng mga natural na puwersa sa pasimula. At isa pa, ang huling pagpapatupad ng tema ng fugue ay nagtatapos sa isang napaliwanagan na pangunahing chord. Ang pagkakatulad na ito sa pagitan ng mga pagtatapos ng prelude at fugue ay nagpapakita ng panloob na emosyonal na pagkakamag-anak ng magkakaibang bahagi ng cycle. Ang pagkakaroon ng naipon na malakas na enerhiya, ang daloy na ito sa dulo ng unang seksyon ay tila umaapaw at sa simula ng susunod na seksyon ay nagiging mas mabilis, na nagbabanta na tangayin ang lahat ng bagay sa landas nito. Ang kasukdulan ng prelude ay minarkahan ng pagbabago sa tempo sa pinakamabilis (Presto) at ang paggamit ng polyphonic technique - isang two-voice canon. Ngunit ang mga nagngangalit na elemento ay biglang napatigil ng mga imperative strike ng mga chord at makabuluhang mga parirala ng recitative. Dito nangyayari ang pangalawang pagbabago ng tempo - hanggang sa pinakamabagal (Adagio). At pagkatapos ng ikatlong pagbabago ng tempo sa isang moderately mabilis na A11ego sa mga huling bar ng prelude, ang tonic organ point sa bass ay unti-unting nagpapabagal sa paggalaw ng panlabing-anim na mga nota sa kanang kamay. Nagiging mahina itong kumakalat at nagyeyelo sa isang C major chord. Ang kalmado at kapayapaan ay pumasok. Pagkatapos ng tulad ng isang libre, improvisational na pagkumpleto ng prelude, ang atensyon ay lumipat sa ibang, contrasting plane. Magsisimula ang tatlong bahaging fugue. Ang salitang ito sa Latin at Italyano ay nangangahulugang "tumatakbo", "pagtakas", "mabilis na daloy". Sa musika, ang fugue ay isang kumplikadong polyphonic work kung saan ang mga boses ay tila umaalingawngaw sa isa't isa, nakakakuha sa isa't isa. Karamihan sa mga fugue ay batay sa isang tema. Ang mga fugue na may dalawang tema ay hindi gaanong karaniwan, at mas karaniwan sa tatlo at apat na tema. At ayon sa bilang ng mga boses, ang mga fugue ay dalawa, tatlo, apat at limang boses. Nagsisimula ang single-themed fugues sa pagtatanghal ng isang tema sa pangunahing key sa isang boses. Ang tema ay ginaya naman ng iba pang boses. Ito ay kung paano nabuo ang unang seksyon ng fugue - ang paglalahad. Sa pangalawang seksyon - pag-unlad - ang tema ay lilitaw lamang sa iba pang mga susi. At sa ikatlo at huling seksyon - reprise9 - muli itong isinasagawa sa pangunahing susi, ngunit hindi na ipinakita nang monophonic. Ang eksibisyon dito ay tiyak na hindi nauulit. Malawakang ginagamit ng mga Fugue ang mga napapanatiling counterposition at interlude. Bach's C minor fugue, tungkol sa kung alin pinag-uusapan natin, ay nagsisimula, na lumilitaw sa Fugue - ang pinakamataas na anyo ng polyphonic na musika - umabot sa ganap na kapanahunan at pinakamaliwanag na pamumulaklak sa gawa ni Bach. Ang sikat na kompositor at pianista ng Russia noong ika-19 na siglo, si Anton Grigorievich Rubinstein, sa kanyang aklat na "Music and Its Representatives," ay sumulat, na hinahangaan ang "Well-Tempered Clavier," na makikita doon ng "fugues ng relihiyoso, kabayanihan, mapanglaw. , marilag, malungkot, nakakatawa, pastoral, dramatikong katangian; sa isang bagay lamang silang lahat ay magkatulad - sa kagandahan...” Ang parehong edad ni Johann Sebastian Bach ay ang mahusay na kompositor ng Aleman na si Georg Friedrich Handel (1685-1759) - isang kahanga-hangang master ng polyphony, isang birtuoso na organista. Iba ang naging kapalaran niya. Ginugol niya ang halos lahat ng kanyang buhay sa labas ng Alemanya, lumipat mula sa isang bansa patungo sa isa pa (siya ay nanirahan sa England nang ilang dekada). 18 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Si Handel ang may-akda ng maraming opera, oratorio, at iba't ibang instrumental na gawa. TUNGKOL SA PAGBUO klasikong istilo sa musika Mga tanong at gawain 1 . Ano ang pagkakatulad ng espirituwal at espirituwal na mga bagay? mga gawaing sekular Bach? 2. Sabihin sa amin ang tungkol sa matalinghagang katangian ng Toccata at Fugue sa D minor para sa organ. 3. Awitin ang mga tema ng mga imbensyon ng Bach na alam mo. Ano ang counter addition kapag ito ay tinatawag na withheld? 4. Ano ang interlude sa isang polyphonic work? Aling imitasyon ang tinatawag na canonical o canon? 5. Pangalanan at tukuyin ang mga pangunahing bahagi ng "French Suite" sa C minor. 6. Paano binuo ang Well-Tempered Clavier ni Bach? 7. Ano ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng prelude at fugue? Ilarawan ito sa halimbawa ng Prelude at Fugue sa C minor mula sa unang tomo ng The Well-Tempered Clavier. Mayroon bang anumang pagkakatulad sa pagitan nila? Ang musikal na teatro noong ika-18 siglo, lalo na ang gitna at ikalawang kalahati nito, ay isang panahon ng malalaking pagbabago sa lahat ng larangan ng sining ng musikal sa Europa. Sa pagdating ng siglong ito, dalawang genre ang unti-unting umusbong sa Italian opera - opera seria (seryoso) at opera buffa (comic). Ang Opera seria ay patuloy na pinangungunahan ng mga mitolohiko at makasaysayang paksa, na nagtampok ng mga tinatawag na "matataas" na bayani - mga diyos na mitolohiya, mga hari ng sinaunang estado, at mga maalamat na heneral. At sa mga buffa opera, ang mga plot ay naging pangunahin nang moderno, araw-araw. Ang mga bayani dito ay mga ordinaryong tao na masigla at makatotohanang kumilos. Ang unang kapansin-pansing halimbawa ng opera buffa ay ang The Maid and Madam ni Giovanni Battista Pergolesi, na lumabas sa publiko noong 1733 sa Naples. Ang pangunahing tauhang babae, ang masigasig na tagapaglingkod na si Serpina, ay matalinong pinakasalan ang kanyang masungit na amo na si Uberto at naging mistress mismo. Tulad ng maraming sinaunang Italian buffa opera, ang “The Servant-Mistress” ay orihinal na ginanap bilang isang stage interlude sa pagitan ng mga agwat ng opera seria ni Pergolesi na “The Proud Captive” (tandaan na ang salitang “interlude” ay nagmula sa Latin at nangangahulugang “interaksyon ”). Di-nagtagal, ang "The Maid-Mistress" ay nakakuha ng mahusay na katanyagan sa maraming mga bansa bilang isang malayang gawain. Sa France, isinilang ang comic opera noong ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. Ito ay nagmula sa masayahin, nakakatawang pagtatanghal ng komedya na may musikang ibinibigay sa mga sinehan sa Parisian fairs. At ang halimbawa ng Italian opera buffa ay nakatulong sa French fair comedies na maging isang comic opera, kung saan ang pangunahing katangian ng mga character ay vocal number. Ang mga pagtatanghal sa Paris ng Italian "buffon" opera troupe ay napakahalaga para dito, nang ang kabisera ng France ay literal na nabighani ng "The Maid and Mistress" ni Pergolesi. Hindi tulad ng Italian opera buffas, sa French comic operas arias alternate not with recitatives, but with spoken dialogues. Ang Singspiel ay binuo din - isang German at Austrian na uri ng comic opera, na lumitaw sa pangalawa. Pangunahing mga gawa Vocal at instrumental na mga gawa "St. John Passion", "Matthew Passion" Mass sa B minor Sacred cantatas (mga 200 na napreserba) at sekular na cantatas (napanatili sa mahigit 20) Mga orkestra na gawa 4 na suite (“overtures”) 6 “Brandenburg Concertos” Concertos para sa mga solong instrumento na may chamber orchestra 7 harpsichord concerto 3 concerto para sa dalawa, 2 para sa tatlong harpsichord 2 violin concertos Concerto para sa dalawang violin Gumagana para sa nakayuko mga instrumento 3 sonata at 3 partita para sa solo violin 6 sonata para sa violin at harpsichord 6 suites (“sonatas”) para sa solo cello Organ works 70 chorale preludes Preludes and fugues Toccata at fugue sa D minor Passacaglia sa C minor Keyboard works Collection “Little Preludes and Fugues” 15 two-voice inventions at 15 three-voice inventions (“symphonies”) 48 preludes and fugues “The Well-Tempered Clavier” 6 “French” at 6 “English” suites 6 suites (partitas) “Italian Concerto” para sa solo harpsichord "Chromatic Fantasia and Fugue" "Art" fugues" 19 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia noong kalahati ng ika-18 siglo17. Ang musikal na wika ng lahat ng uri ng comic opera ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malapit na koneksyon sa katutubong kanta at sayaw melodies. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, seryoso mga genre ng opera radikal na binago ng mahusay na kompositor ng Aleman na si Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Isinulat niya ang kanyang unang repormang opera, "Orpheus and Eurydice" (1762), batay sa isang balangkas tungkol sa maalamat na sinaunang mang-aawit na Griyego, na paulit-ulit na ginamit sa mga opera mula sa pinakaunang mga (ito ay tinalakay sa Panimula). Ang landas ni Gluck sa reporma sa opera ay hindi madali. Nagkaroon siya ng pagkakataon na bisitahin ang maraming bansa sa Europa - Germany, Austria, Denmark, pati na rin ang Czech Republic na pinaninirahan ng mga Slav, kasama ang Italy - England. Bago manirahan nang matatag sa Vienna, itinanghal ni Gluck ang 17 ng kanyang opera seria sa mga yugto ng mga sinehan sa Milan, Venice, Naples, London, Copenhagen, Prague at iba pang mga lungsod. Ang mga opera ng genre na ito ay ginanap sa mga teatro ng korte ng maraming mga bansa sa Europa. Ang pagbubukod ay ang France. doon sa kalagitnaan ng ika-18 siglo ilang siglo ay nagpatuloy silang gumawa at nagtanghal ng mga seryosong opera lamang sa tradisyonal na istilong Pranses. Ngunit maingat na pinag-aralan ni Gluck ang mga marka ng opera ng mga sikat na kompositor na Pranses na sina Jean-Baptiste Lully at Jean-Philippe Rameau. Bilang karagdagan, sumulat si Gluck at matagumpay na nagtanghal ng walong mga gawa sa Vienna sa bagong genre ng French comic opera. Walang alinlangan na kilala niya ang mga Italian buffa opera at ang German at Austrian Singspiels. Ang lahat ng kaalamang ito ay nagbigay-daan kay Gluck na mapagpasyang i-update ang mga hindi napapanahong prinsipyo ng komposisyon para sa mga seryosong opera. Sa kanyang mga repormang opera, unang itinanghal sa Vienna at pagkatapos ay sa Paris, sinimulan ni Gluck na ihatid ang emosyonal na mga karanasan ng mga karakter na may higit na higit na katotohanan at dramatikong pag-igting at pagiging epektibo. Inabandona niya ang akumulasyon ng mga sipi ng birtuoso sa arias at pinalaki ang pagpapahayag ng mga recitatives. Ang kanyang mga opera ay naging mas may layunin sa musical at stage development, mas maayos sa komposisyon. Kaya, sa wikang musikal at sa pagtatayo ng bagong komiks at binagong mga seryosong opera, lumitaw ang mahahalagang natatanging katangian ng bago, klasikal na istilo - ang aktibong pagiging epektibo ng pag-unlad, ang pagiging simple at kalinawan ng mga paraan ng pagpapahayag, pagkakatugma ng komposisyon, pangkalahatang marangal at dakilang katangian ng musika. Ang istilong ito ay unti-unting nabuo sa musikang Europeo sa buong ika-18 siglo, na hinog noong 1770-1780 at nangibabaw hanggang sa kalagitnaan ng ikalawang dekada ng ika-19 na siglo. Kinakailangang isaalang-alang na ang kahulugan ng "klasikal" ay maaaring magkaroon ng isa pa, mas malawak na kahulugan. Ang "Classical" (o "classics") ay tinatawag ding musikal at iba pang masining na mga gawa na kinikilala bilang huwaran, perpekto, hindi maunahan - anuman ang oras ng kanilang paglikha. Sa ganitong diwa, ang masa ng ika-16 na siglo na Italyano na kompositor na si Palestrina, ang mga opera ng Prokofiev, at ang mga symphony ng Shostakovich - mga kompositor ng Russia noong ika-20 siglo - ay maaaring tawaging klasikal, o mga klasiko. Instrumental na musika Sa parehong malawak na internasyonal na batayan bilang operatikong reporma ni Gluck, ang ika-18 siglo ay nakakita ng masinsinang pag-unlad ng instrumental na musika. Ito ay isinagawa sa pamamagitan ng sama-samang pagsisikap ng mga kompositor mula sa maraming bansa sa Europa. Sa pag-asa sa kanta at sayaw, pagbuo ng klasikal na kalinawan at dynamism ng musikal na wika, unti-unti silang nakabuo ng mga bagong genre ng cyclic instrumental na gawa - tulad ng classical symphony, classical sonata, classical string quartet. Ang sonata form ay nakakuha ng malaking kahalagahan sa kanila. Samakatuwid, ang mga instrumental cycle ay tinatawag na sonata o sonata-symphonic. Ang anyo ng sonata. Alam mo na na ang pinakamataas na anyo ng polyphonic music ay isang fugue. At ang sonata form ay ang pinakamataas na anyo ng homophonic-harmonic na musika, kung saan ang polyphonic techniques ay minsan lang magagamit. Sa kanilang pagtatayo, ang dalawang anyo na ito ay magkatulad sa isa't isa. Tulad ng sa fugue, ang sonata form ay may tatlong pangunahing seksyon: exposition, development at reprise. Ngunit mayroon ding mga makabuluhang pagkakaiba sa pagitan nila. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng anyo ng sonata at ng fugue ay agad na lumilitaw sa eksibisyon 18. Ang karamihan sa mga fugue ay ganap na binuo sa isang tema, na sa eksibisyon ay isinasagawa nang halili sa bawat isa. Ang salitang Aleman na ito ay nagmula sa "singen" ("singen" ”) at “Spiel” (“laro”). . 18 Salita Latin na pinagmulan , ay nangangahulugang "pagtatanghal", "pagpapakita". 20 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa boses ng Russia. At sa paglalahad ng anyo ng sonata, bilang panuntunan, lumilitaw ang dalawang pangunahing tema, higit pa o hindi gaanong naiiba sa kalikasan. Ang tema ng pangunahing bahagi ay tumutunog muna, at kalaunan ay lilitaw ang tema ng gilid na bahagi. Sa anumang pagkakataon ay hindi dapat unawain ang kahulugan ng "panig" bilang "pangalawang". Sa katunayan, ang tema ng pangalawang bahagi ay gumaganap ng hindi gaanong mahalagang papel sa anyo ng sonata kaysa sa tema ng pangunahing bahagi. Ang salitang "pangalawang" ay ginagamit dito dahil, hindi katulad ng una, sa eksibisyon ay kinakailangang tunog ito hindi sa pangunahing susi, ngunit sa ibang isa, iyon ay, na parang nasa pangalawang isa. Sa istilong klasikal na musika, kung ang pangunahing bahagi sa eksposisyon ay major, ang pangalawang bahagi ay nakalagay sa susi ng nangingibabaw (halimbawa, kung ang susi ng pangunahing bahagi ay C major, kung gayon ang susi ng pangalawang bahagi ay G major). Kung ang pangunahing bahagi sa paglalahad ay menor de edad, kung gayon ang pangalawang bahagi ay ipinakita sa parallel major (halimbawa, kung ang susi ng pangunahing bahagi ay C minor, kung gayon ang susi ng pangalawang bahagi ay E-flat major). Ang alinman sa maliit na bundle o isang binding lot ay inilalagay sa pagitan ng main at side lot. Maaaring lumitaw dito ang isang independyente, melodikal na kilalang tema, ngunit ang mga intonasyon ng tema ng pangunahing bahagi ay mas madalas na ginagamit. Ang bahagi ng pagkonekta ay gumaganap bilang isang paglipat sa gilid na bahagi; ito ay nagmodulate sa susi ng gilid na bahagi. Kaya, ang katatagan ng tonal ay nilabag. Ang tainga ay nagsisimulang umasa sa pagsisimula ng ilang bagong "pangmusika na kaganapan." Ito pala ang hitsura ng tema ng side game. Minsan ang paglalahad ay maaaring unahan ng isang pagpapakilala. At pagkatapos ng gilid na bahagi mayroong alinman sa isang maikling konklusyon o isang buong huling bahagi, madalas na may isang malayang tema. Ito ay kung paano nagtatapos ang paglalahad, na nagtatatag ng tono ng gilid na bahagi. Sa direksyon ng kompositor, ang buong paglalahad ay maaaring ulitin. Ang pag-unlad ay ang pangalawang seksyon ng anyong sonata. Sa loob nito, lumilitaw ang mga temang pamilyar sa eksibisyon sa mga bagong bersyon, na kahalili at inihambing sa iba't ibang paraan. Ang ganitong pakikipag-ugnayan ay kadalasang nagsasangkot ng hindi buong tema, ngunit sa halip ay mga motif at parirala na nakahiwalay sa kanila. Iyon ay, ang mga tema sa pag-unlad ay tila nahahati sa magkakahiwalay na mga elemento, na nagpapakita ng enerhiya na nakapaloob sa kanila. Sa kasong ito, mayroong madalas na pagbabago ng mga susi (ang pangunahing susi ay bihirang maapektuhan dito at hindi nang matagal). Ang paglitaw sa iba't ibang mga susi, ang mga tema at ang mga elemento ng mga ito ay tila iluminado sa isang bagong paraan, na ipinapakita mula sa mga bagong punto ng view. Matapos ang pag-unlad sa pag-unlad ay umabot sa makabuluhang pag-igting sa kasukdulan, ang kurso nito ay nagbabago ng direksyon. Sa dulo ng seksyong ito, ang pagbabalik sa pangunahing susi ay inihanda at ang pagliko sa muling pagbabalik ay magaganap. Ang Reprise ay ang ikatlong seksyon ng sonata form. Nagsisimula ito sa pagbabalik ng pangunahing bahagi sa pangunahing susi. Ang bahagi ng pagkonekta ay hindi humahantong sa isang bagong susi. Sa kabaligtaran, inaayos nito ang pangunahing susi, kung saan ang pangalawang at panghuling bahagi ay paulit-ulit na ngayon. Kaya, ang reprise, kasama ang tonal stability nito, ay nagbabalanse sa hindi matatag na kalikasan ng pag-unlad at nagbibigay ng buong klasikal na pagkakaisa. Ang isang reprise ay minsan ay maaaring dagdagan ng isang pangwakas na konstruksyon - isang coda (nagmula sa salitang Latin, ibig sabihin ay "buntot"). Kaya, kapag tumunog ang isang fugue, ang ating atensyon ay nakatuon sa pakikinig, pag-iisip at pakiramdam sa isang musikal na kaisipan, na kinakatawan ng isang tema. Kapag ang isang akda ay tumunog sa anyong sonata, ang ating pandinig ay sumusunod sa paghahambing at pakikipag-ugnayan ng dalawang pangunahing (at komplementaryong) tema - na parang ang pagbuo ng iba't ibang mga kaganapang pangmusika, aksyong musikal. Ito ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng mga artistikong posibilidad ng dalawang musical form na ito. Classical sonata (sonata-symphonic) cycle. Sa paligid ng huling ikatlong bahagi ng ika-18 siglo, ang klasikal na sonata cycle sa wakas ay nabuo sa musika. Noong nakaraan, ang mga instrumental na gawa ay pinangungunahan ng anyo ng isang suite, kung saan ang mga mabagal at mabilis na paggalaw ay kahalili, at ang malapit na nauugnay na anyo ng isang sinaunang sonata. Ngayon, sa klasikal na sonata cycle, ang bilang ng mga bahagi (karaniwang tatlo o apat) ay tiyak na natukoy, ngunit ang kanilang nilalaman ay naging mas kumplikado. Ang unang bahagi ay karaniwang nakasulat sa sonata form, na tinalakay sa nakaraang talata. Naglalakad ito sa mabilis o katamtamang bilis. Kadalasan ito ay A11e§go. Samakatuwid, ang naturang paggalaw ay karaniwang tinatawag na sonata allegro. Ang musika sa loob nito ay kadalasang may masigla, mabisang karakter, kadalasang tense at dramatiko. Ang ikalawang bahagi ay palaging kaibahan sa una sa tempo at pangkalahatang karakter. Kadalasan ito ay mabagal, ang pinaka liriko at malambing. Ngunit maaari rin itong maging iba, halimbawa, katulad ng isang nakakalibang na pagsasalaysay o sayaw-kaaya-aya. Sa isang tatlong bahaging cycle, ang huli, ikatlong bahagi, ang katapusan ay muling mabilis, kadalasang mas mabilis, ngunit hindi gaanong panloob na intense sa pag-unlad sa paghahambing sa una. Ang mga finale ng classical sonata cycles (lalo na ang mga symphony) ay kadalasang nagpinta ng mga larawan ng masikip na kasiyahan sa kasiyahan, at ang kanilang mga tema ay magkatulad. mga awiting bayan at pagsasayaw. Sa kasong ito, ang hugis ng rondo ay kadalasang ginagamit (mula sa Pranses na "ronde" - "bilog"). Tulad ng alam mo, ang unang seksyon dito (refrain) ay paulit-ulit nang maraming beses, na kahalili ng mga bagong seksyon (episodes). 21 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ang iyong unang opera? 3. Sa anong oras nangibabaw ang istilong klasikal sa musika at hanggang anong oras ito nag-mature? Ipaliwanag ang pagkakaiba ng dalawang kahulugan ng "klasikal". 4. Ano ang pagkakatulad sa pangkalahatang konstruksyon sa pagitan ng fugue at sonata form? Ano ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan nila? 5. Pangalanan ang pangunahin at karagdagang mga seksyon ng anyong sonata. Iguhit ang diagram nito. 6. Paano magkaugnay ang pangunahin at pangalawang bahagi ng anyong sonata sa paglalahad nito at sa muling paglalahad nito? 7. Ano ang katangian ng pag-unlad sa anyong sonata? 8. Ilarawan ang mga bahagi ng classical sonata cycle. 9. Pangalanan ang mga pangunahing uri ng mga klasikal na sonata cycle depende sa komposisyon ng mga gumaganap. Ang lahat ng ito ay nakikilala ang maraming mga finale ng apat na bahagi na mga cycle. Ngunit sa kanila, sa pagitan ng mga panlabas na bahagi (una at ikaapat), dalawang gitnang bahagi ang inilalagay. Ang isa - mabagal - ay karaniwang ang pangalawa sa isang symphony, at ang pangatlo sa isang quartet. Ang ikatlong kilusan ng mga klasikal na symphony noong ika-18 siglo ay ang Minuet, na tumatagal ng pangalawang lugar sa quartet. Kaya, binanggit namin ang mga salitang "sonata", "quartet", "symphony". Ang pagkakaiba sa pagitan ng mga cycle na ito ay depende sa komposisyon ng mga gumaganap. Ang isang espesyal na lugar ay kabilang sa symphony - isang gawa para sa orkestra, na nilayon upang i-play sa isang malaking silid sa harap ng maraming mga tagapakinig. Sa ganitong diwa, ang symphony ay malapit sa konsiyerto - isang tatlong bahagi na komposisyon para sa isang solong instrumento na may saliw ng orkestra. Ang pinakakaraniwang chamber instrumental cycle ay sonata (para sa isa o dalawang instrumento), trio (para sa tatlong instrumento), quartet (para sa apat na instrumento), quintet (para sa limang instrumento)19. Ang sonata form at ang sonata-symphonic cycle, tulad ng buong klasikal na istilo sa musika, ay nabuo noong ika-18 siglo, na tinatawag na "Panahon ng Enlightenment" (o "Panahon ng Enlightenment"), gayundin ang "Panahon ng Enlightenment". ng Dahilan”. Sa siglong ito, lalo na sa ikalawang kalahati nito, ang mga kinatawan ng tinatawag na "third estate" ay lumitaw sa maraming bansa sa Europa. Ito ang mga taong walang marangal na titulo o espirituwal na titulo. Utang nila ang kanilang tagumpay sa kanilang sariling trabaho at inisyatiba. Ipinahayag nila ang perpekto ng isang "likas na tao", na pinagkalooban mismo ng kalikasan ng malikhaing enerhiya, isang maliwanag na isip at malalim na damdamin. Ang optimistikong demokratikong ideal na ito ay naipakita sa sarili nitong paraan ng musika, iba pang anyo ng sining, at panitikan. Halimbawa, ang tagumpay ng isip ng tao at walang kapagurang mga kamay sa simula ng Enlightenment ay niluwalhati ng sikat na nobela ng Ingles na manunulat na si Daniel Defoe, “The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe,” na inilathala noong 1719. Joseph Haydn 1732-1809 Ang klasikal na istilo sa musika ay umabot sa kapanahunan at mataas na pamumulaklak sa mga gawa nina Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart at Ludwig van Beethoven. Ang buhay at trabaho ng bawat isa sa kanila ay tumagal ng mahabang panahon sa kabisera ng Austria, Vienna. Kaya naman tinawag na Viennese classic ang Haydn, Mozart at Beethoven. Ang Austria ay isang multinasyunal na imperyo. Kasama ng mga Austrian, na ang katutubong wika ay Aleman, naninirahan ang mga Hungarian at iba't ibang Slavic na mga tao, kabilang ang mga Czech, Serbs, at Croats. Ang kanilang mga kanta at mga Tanong at gawain 1. Pangalanan ang mga pambansang uri ng comic opera noong ika-18 siglo. Paano naiiba ang istraktura ng Italian opera buffa sa istraktura ng French comic opera? 2. Sa aling mga bansa at lungsod konektado ang aktibidad ng dakilang opera reformer na si Christoph Willibald Gluck? Anong paksa ang kanyang isinulat? Pangalan ng iba pang mga grupo ng silid mga instrumental na siklo– sextet (6), septet (7), octet (8), nonet (9), decimet (10). Ang kahulugan ng "chamber music" ay mula sa salitang Italyano na "camera" - "kuwarto". Sapagkat hanggang sa ika-19 na siglo, ang mga gawa para sa ilang mga instrumento ay madalas na ginagawa sa tahanan, ibig sabihin, ang mga ito ay naiintindihan bilang "musika sa silid." 19 22 www.classon.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ay maririnig sa mga nayon at lungsod. Sa Vienna, ang katutubong musika ay tumunog sa lahat ng dako - sa gitna at sa labas, sa mga intersection ng kalye, sa mga pampublikong hardin at parke, sa mga restawran at tavern, sa mayaman at mahirap na mga pribadong bahay. Ang Vienna ay isa ring pangunahing sentro ng propesyonal na kultura ng musika, na nakasentro sa korte ng imperyal, mga kapilya ng maharlika 1 at mga maharlikang salon, katedral at simbahan. Ang Italian opera seria ay matagal nang nilinang sa kabisera ng Austrian, dito, tulad ng nabanggit na, nagsimula ito reporma sa opera Glitch. Sagana sa musika ang mga kasiyahan sa korte. Ngunit ang mga Viennese ay kusang dumalo sa masasayang pagtatanghal ng komedya na may musika, kung saan ipinanganak ang Singspiel, at mahilig silang sumayaw. Sa tatlong mahuhusay na musikal na klasiko ng Viennese, si Haydn ang pinakamatanda. Siya ay 24 taong gulang noong ipinanganak si Mozart at 38 taong gulang noong ipinanganak si Beethoven. Nabuhay ng mahabang buhay si Haydn. Nabuhayan niya si Mozart, na namatay nang maaga, ng halos dalawang dekada at nabubuhay pa noong nagawa na ni Beethoven ang karamihan sa kanyang mga mature na gawa. Para sa pribadong teatro ng prinsipe, sumulat siya ng higit sa dalawang dosenang mga opera sa mga genre ng seria, buffa, pati na rin ang ilang mga "papet" na opera para sa mga pagtatanghal na isinagawa ng mga papet. Ngunit ang lugar ng kanyang pangunahing malikhaing interes at mga tagumpay ay symphonic at chamber2 instrumental music. Sa kabuuan ito ay higit sa 800 sanaysay3. Kabilang sa mga ito, higit sa 100 symphony, higit sa 80 string quartets at higit sa 60 keyboard sonata ay lalong makabuluhan. Sa kanilang mga mature na halimbawa, ang optimistikong saloobin ng mahusay na kompositor ng Austrian ay ipinahayag na may pinakamalaking pagkakumpleto, ningning at pagka-orihinal. Minsan lang ang maliwanag na pananaw sa mundo na ito ay nililiman ng mas madilim na kalagayan. Palagi silang dinadaig ng hindi mauubos na pag-ibig sa buhay ni Haydn, matalas na pagmamasid, masayang katatawanan, simple, malusog at kasabay ng mala-tula na pang-unawa sa nakapaligid na katotohanan. Landas ng buhay Maagang pagkabata. Rohrau at Hainburg. Si Franz Joseph Haydn ay ipinanganak noong 1732 sa nayon ng Rohrau, na matatagpuan sa silangang Austria, malapit sa hangganan ng Hungarian at hindi kalayuan sa Vienna. Ang ama ni Hayd ay isang bihasang gumagawa ng karwahe, ang kanyang ina ay nagsilbi bilang isang kusinero sa ari-arian ng count, may-ari ng Rohrau. Maagang sinimulan ng kanyang mga magulang na turuan ang kanilang panganay na anak na si Joseph, na magiliw na tinatawag na Zepperlem sa pamilya, na maging masipag, malinis, at malinis. Walang alam sa musika ang ama ni Hayd, ngunit mahilig siyang kumanta, sinasabayan ang sarili sa alpa, lalo na kapag tumutugtog siya. ang mga bisita ay nagtitipon sa isang maliit na bahay. Sumasabay sa pag-awit si Zepperl sa isang malinaw na pilak na boses, na nagpapakita ng isang kahanga-hangang tainga para sa musika. At nang ang batang lalaki ay limang taong gulang lamang, siya ay ipinadala sa kalapit na bayan ng Hainburg upang manirahan kasama ang isang malayong kamag-anak na namamahala sa isang paaralan ng simbahan at koro. Sa Hainburg, natuto si Sepperl na magbasa, magsulat, magbilang, kumanta sa koro, at nagsimulang makabisado ang mga kasanayan sa pagtugtog ng clavichord at violin. Ngunit hindi naging madali ang buhay para sa kanya sa pamilya ng iba. Pagkalipas ng maraming taon, naalaala niya na nakatanggap siya ng “mas maraming palo kaysa pagkain.” Sa sandaling nakarating si Sepperl sa Hainburg, inutusan siyang matutunan kung paano talunin ang timpani upang makasali sa parehong prusisyon ng simbahan na may musika. Ang bata ay kumuha ng isang salaan, hinila ang isang piraso ng tela sa ibabaw nito at nagsimulang mag-ehersisyo nang masigasig. Matagumpay niyang natapos ang kanyang gawain. Tanging kapag nag-oorganisa ng prusisyon ay kinakailangang isabit ang instrumento sa likod ng isang napakaikling lalaki. At nakakuba siya na ikinatawa ng audience. Sa kapilya ng St. Stephen's Cathedral ng Vienna. Habang dumadaan sa Hainburg, ang Viennese cathedral conductor at court composer na si Georg Reuther ay binigyang pansin ang kanyang pambihirang kakayahan sa musika. Si Haydn ay isang taos-pusong relihiyosong tao. Siya ang may-akda ng isang bilang ng mga misa at iba pang mga vocal at instrumental na mga gawa batay sa espirituwal na mga teksto. 23 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng Russian art Zepperl. Kaya noong 1740, ang walong taong gulang na si Haydn ay natagpuan ang kanyang sarili sa kabisera ng Austria, kung saan siya ay tinanggap bilang isang mang-aawit sa kapilya ng katedral (pangunahing) St. Stephen's Cathedral. ginagawa ko mismo. Mahirap magsimula sa malayang buhay. Nang, sa edad na labing-walo, ang boses ng binata ay nagsimulang masira - ito ay pansamantalang namamaos at nawalan ng kakayahang umangkop, siya ay walang pakundangan at walang awa na itinapon palabas ng kapilya. Palibhasa'y walang tirahan at walang pondo, maaari sana siyang mamatay sa gutom at lamig kung hindi siya nakasilong ng isang kakilala niyang mang-aawit, na nakatira kasama ang kanyang asawa at anak sa isang maliit na silid sa ilalim ng bubong. Sinimulan ni Haydn na kunin ang anumang magagamit gawaing pangmusika : kinopya ang mga tala, nagbigay ng mga aralin sa pag-awit at pagtugtog ng clavier, lumahok bilang isang violinist sa Street instrumental ensembles na nagtanghal ng mga harana sa gabi bilang parangal sa isa sa mga taong-bayan. Sa wakas ay nakapagrenta siya ng isang maliit na silid sa ikaanim, huling palapag ng isang bahay sa gitna ng Vienna. Ang silid ay tinusok ng hangin, walang kalan, at sa taglamig ang tubig ay madalas na nagyelo. Nabuhay si Haydn sa napakahirap na sitwasyon sa loob ng sampung taon. Ngunit hindi siya nawalan ng loob at masigasig na nagpraktis ng kanyang paboritong sining. “Nang maupo ako sa aking matandang clavier na kinakain ng uod,” paggunita niya sa kanyang katandaan, “hindi ako nainggit sa kaligayahan ng sinumang hari.” Natulungan si Haydn na malampasan ang pang-araw-araw na mga paghihirap sa pamamagitan ng kanyang buhay na buhay, masayahin na karakter. Minsan, halimbawa, sa gabi ay inilagay niya ang kanyang mga kapwa musikero sa mga liblib na sulok sa isa sa mga lansangan ng Vienna, at sa kanyang senyales, lahat ay nagsimulang tumugtog ng anumang gusto nila. Ang resulta ay isang “cat concert” na nagdulot ng kaguluhan sa mga nakapaligid na residente. Dalawa sa mga musikero ang nauwi sa kustodiya ng pulisya, ngunit hindi na-extradited ang pasimuno ng iskandaloso na "serenada". Nakilala ang sikat na aktor ng komiks, si Haydn, sa pakikipagtulungan sa kanya, ay binubuo ang singspiel na "The Lame Demon" at kumita ng kaunting pera 20. At upang samantalahin ang mga propesyonal na tagubilin ng sikat na Italyano na kompositor at guro ng boses na si Nicola Antonio Porpora, sinamahan ni Haydn ang kanyang mga mag-aaral sa mga aralin sa pagkanta at, bilang karagdagan, si , ay nagsilbi sa kanya bilang isang footman. Unti-unti, nagsimulang sumikat si Haydn sa Vienna bilang isang guro at bilang isang kompositor. Nakilala niya ang mga sikat na tao; musikero at mahilig sa musika. Sa bahay ng isang kilalang opisyal, nagsimula siyang lumahok sa pagganap ng mga ensemble ng kamara at nilikha ang kanyang unang string quartets para sa mga konsyerto sa kanyang ari-arian ng bansa. At isinulat ni Haydn ang kanyang unang symphony noong 1759, nang makatanggap siya ng isang maliit na orkestra sa kanyang pagtatapon, na naging pinuno ng kapilya ni Count Morcin. Ang Count ay nag-iisang musikero lamang. Si Haydn, na pinakasalan ang anak ng isang taga-ayos ng buhok sa Vienna, ay napilitang ilihim ito. Ngunit ito ay tumagal lamang hanggang 1760, nang sa Vienna, isang malaking magandang lungsod na may magagandang gusali at mga arkitektural na grupo, isang alon ng mga bagong matingkad na impresyon ang nahuhugasan sa batang lalaki. Ang multinational folk music ay tumunog sa paligid. Ang mga solemne na vocal-instrumental na gawa ay isinagawa sa katedral at sa imperial court, kung saan nagtanghal din ang kapilya. Ngunit ang mga kondisyon ng pagkakaroon muli ay naging mahirap. Sa mga klase, ensayo at pagtatanghal, pagod na pagod ang mga choir boys. Sila ay pinakain nang kaunti; sila ay palaging kalahating gutom. Mahigpit silang pinarusahan dahil sa mga kalokohan. Ang maliit na Haydn ay nagpatuloy sa masigasig na pag-aaral ng sining ng pagkanta, pagtugtog ng clavier at violin, at talagang gusto niyang gumawa ng musika. Gayunpaman, hindi ito pinansin ni Reuther. Masyadong abala sa kanyang sariling mga gawain, sa buong siyam na taon ng pananatili ni Hayd sa kapilya, binigyan niya lamang siya ng dalawang aralin sa komposisyon. Ngunit patuloy na nakamit ni Joseph ang kanyang layunin, nang masigasig. Pagkalipas ng ilang taon ay sumulat siya ng isa pang singspiel na tinatawag na “The New Lame Demon.” 20 24 www.classon.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ay nayanig ang materyal na gawain ng count at binuwag niya ang kanyang kapilya. Hindi naging matagumpay ang kasal ni Haydn. Ang kanyang pinili ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mahirap, masungit na karakter. Hindi talaga siya interesado sa mga gawain ng kanyang asawa sa pagbubuo - hanggang sa punto na gumawa siya ng mga curler at lining para sa pate mula sa mga manuskrito ng kanyang mga gawa. Pagkalipas ng ilang taon, nagsimulang manirahan si Haydn nang hiwalay sa kanyang asawa. Wala silang anak. Sa Chapel ng mga Prinsipe ng Esterházy. Noong 1761, isang mayamang Hungarian; Inimbitahan ni Prinsipe Pal Antal Esterházy si Haydn sa Eisenstadt bilang vice-kapellmeister. Mula sa sandaling iyon, sinimulan ni Haydn ang kanyang paglilingkod sa pamilya Esterhazy, na tumagal ng tatlong buong dekada. Pagkalipas ng limang taon siya ay naging bandmaster - pagkatapos mamatay ang matandang musikero na humawak sa posisyon na ito. Ang tagapagmana ni Pal Antal, na namatay noong 1762, ay nakilala sa kanyang pangako sa luho at mamahaling libangan - ang kanyang kapatid na si Miklos 1, na tinawag na Magnificent. Pagkalipas ng ilang taon, inilipat niya ang kanyang tirahan mula sa Eisenstadt sa isang bagong palasyo ng bansa na may 126 na silid, pinalibutan ito ng isang malaking parke, nagtayo ng isang opera house na may 400 upuan at isang papet na teatro sa malapit, at makabuluhang nadagdagan ang bilang ng mga musikero sa kapilya. . Ang pagtatrabaho doon ay nagbigay kay Haydn ng mahusay na suporta sa pananalapi, at bilang karagdagan, ang pagkakataon na gumawa ng maraming at agad na subukan ang kanyang sarili sa pagsasanay, na nagdidirekta sa pagganap ng orkestra ng kanyang mga bagong gawa. Sa Eszterhaza (ang pangalan ng bagong paninirahan ng prinsipe), madalas na ginaganap ang mga masikip na pagtanggap, kadalasang may partisipasyon ng mga matataas na dayuhang bisita. Dahil dito, unti-unting nakilala ang gawain ni Haydn sa labas ng Austria. Ngunit mayroong, tulad ng sinasabi nila, isa pang bahagi ng barya sa lahat ng ito. Sa pagpasok sa serbisyo, pinirmahan ni Haydn ang isang kontrata, ayon sa kung saan siya ay naging isang uri ng tagapaglingkod sa musika. Kailangan niyang magpakita araw-araw, bago at pagkatapos ng tanghalian, sa harapan ng Palasyo na naka-pulbos na peluka at puting medyas upang makinig sa utos ng prinsipe. Ang kontrata ay nag-obligar kay Haydn na agarang magsulat ng "anumang musika na nais ng kanyang panginoon, hindi upang magpakita ng mga bagong komposisyon sa sinuman, lalo na hindi pinapayagan ang sinuman na kopyahin ang mga ito, ngunit panatilihin ang mga ito para lamang sa kanyang panginoon at hindi gumawa ng anuman para sa sinuman nang hindi niya nalalaman at mapagbigay na pahintulot.” . Bilang karagdagan, kinakailangang subaybayan ni Haydn ang kaayusan sa kapilya at ang pag-uugali ng mga musikero, magbigay ng mga aralin sa mga mang-aawit, at maging responsable para sa kaligtasan ng mga instrumento at mga nota. Hindi siya nakatira sa palasyo, ngunit sa isang karatig nayon, sa isang maliit na bahay. Mula sa Eisenstadt, ang korte ng prinsipe ay dating lumipat sa Vienna noong taglamig. At mula sa Eszterhazy Haydn maaari lamang makapunta sa kabisera paminsan-minsan kasama ang prinsipe o may espesyal na pahintulot. Sa maraming taon na ginugol sa Eisenstadt at Eszterhaza, nagpunta si Haydn mula sa isang baguhan na musikero sa isang mahusay na kompositor, na ang trabaho ay umabot sa mataas na artistikong pagiging perpekto at nakatanggap ng pagkilala hindi lamang sa Austria, kundi pati na rin sa malayo sa mga hangganan nito. Kaya naman, anim na “Paris Symphony” (Blg. 82-87) ang isinulat niya ayon sa pagkakasunud-sunod mula sa kabisera ng France, kung saan sila ay gumanap nang may tagumpay noong 1786. Ang mga pagpupulong ni Hayd kay Wolfgang Amadeus Mozart sa Vienna ay nagsimula noong 1780s. Ang magiliw na rapprochement ay may kapaki-pakinabang na epekto sa gawain ng parehong mahusay na musikero. Sa paglipas ng panahon, nagsimulang maramdaman ni Haydn ang kanyang umaasa na posisyon nang higit pa at mas matindi. Ang kanyang mga liham sa mga kaibigan mula sa Esterhazy sa Vienna, na isinulat noong unang kalahati ng 1790, ay naglalaman ng mga sumusunod na parirala: "Ngayon - nakaupo ako sa aking ilang - iniwan - tulad ng isang mahirap na ulila - halos walang kasama ng mga tao - malungkot... Ang Ang huling mga Prinsipe ng Esterhazy ay nagmamay-ari ng malalawak na lupain, nagkaroon ng maraming tagapaglingkod at namumuhay na katulad ng pagkahari sa kanilang mga palasyo. Espesyal 25 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia sa loob ng maraming araw Hindi ko alam kung bandmaster ba ako o konduktor... Nakakalungkot maging alipin sa lahat ng oras...” A new turn in kapalaran. Mga biyahe papuntang England. Noong taglagas ng 1790, namatay si Miklós Esterházy. Siya ay isang naliwanagang mahilig sa musika, tumugtog ng mga instrumentong pangkuwerdas at hindi maiwasang pahalagahan sa kanyang sariling paraan ang isang "tagapaglingkod sa musika" bilang Haydn. Ipinamana sa kanya ng prinsipe ang isang malaking habambuhay na pensiyon. Ang tagapagmana, si Miklos Antal, walang malasakit sa musika, ay binuwag ang kapilya. Ngunit sa pagnanais na ang sikat na kompositor ay patuloy na mailista bilang kanyang konduktor sa korte, pinalaki pa niya ang mga pagbabayad sa pera kay Haydn, na, sa gayon, ay naging malaya sa mga opisyal na tungkulin at ganap na nakontrol ang kanyang sarili. Lumipat si Haydn sa Vienna na may layuning gumawa ng musika, at sa una ay tumanggi sa mga alok na bisitahin ang ibang mga bansa. Ngunit pagkatapos ay sumang-ayon siya sa isang alok na gumawa ng mahabang paglalakbay sa England at dumating sa London sa simula ng 1791. Kaya, malapit sa kanyang ikaanimnapung kaarawan, nakita ni Haydn ang dagat sa unang pagkakataon gamit ang kanyang sariling mga mata at sa unang pagkakataon ay natagpuan ang kanyang sarili sa ibang estado. Hindi tulad ng Austria, na pyudal-aristocratic pa rin sa pagkakasunud-sunod nito, ang England ay matagal nang burges na bansa, at ang panlipunan, kabilang ang musikal, buhay ng London ay ibang-iba sa Vienna. Sa London, isang malaking lungsod na may maraming mga pang-industriya at komersyal na negosyo, ang mga konsyerto ay nanaig hindi para sa mga piling tao na inanyayahan sa mga palasyo at salon ng mga maharlika, ngunit nakaayos sa mga pampublikong bulwagan, kung saan ang lahat ay dumating para sa isang bayad. Ang pangalan ng Haydn sa England ay napapalibutan na ng isang aura ng katanyagan. Ang parehong mga sikat na musikero at dignitaryo ay tinatrato siya hindi lamang bilang isang pantay, kundi pati na rin sa espesyal na paggalang. Ang kanyang mga bagong gawa, kung saan siya ay kumilos bilang isang konduktor, ay masigasig na tinanggap at bukas-palad na binayaran. Isinagawa ni Haydn malaking orkestra 40-50 katao, ibig sabihin, dalawang beses ang bilang ng Esterházy chapel. Ginawaran siya ng Oxford University ng honorary Doctor of Music degree. Bumalik si Haydn sa Vienna makalipas ang isang taon at kalahati. Sa daan, binisita niya ang lungsod ng Bonn ng Aleman. Doon niya unang nakilala ang batang si Ludwig van Beethoven, na hindi nagtagal ay lumipat sa Vienna na may layuning mag-aral kasama si Haydn. Ngunit si Beethoven ay hindi kumuha ng mga aralin mula sa kanya nang matagal. Dalawang henyo sa musika, na ibang-iba sa edad at ugali, ay hindi nakahanap ng tunay na pagkakaunawaan noon. Gayunpaman, inialay ni Beethoven ang kanyang tatlong piano sonata (Blg. 1-3) kay Haydn sa panahon ng paglalathala. Ang ikalawang paglalakbay ni Hayd sa England ay nagsimula noong 1794 at tumagal pa ng higit sa isang taon at kalahati. Ang tagumpay ay muling nagwagi. Mula sa maraming gawang nilikha; Sa mga paglalakbay na ito at may kaugnayan sa kanila, ang labindalawang tinatawag na "London Symphony" ay lalong mahalaga. Ang mga huling taon ng buhay at pagkamalikhain. Ang susunod na prinsipe ng Esterházy, si Miklós II, ay mas interesado sa musika kaysa sa kanyang hinalinhan. Samakatuwid, si Haydn ay nagsimulang maglakbay minsan mula sa Vienna patungong Eisenstadt at nagsulat ng ilang mga misa na kinomisyon ng prinsipe. Ang mga pangunahing gawa ng kompositor ng mga nakaraang taon - dalawang monumental na oratorio na "The Creation of the World" at "The Seasons" - ay ginanap sa Vienna na may malaking tagumpay (isa noong 1799, ang isa pa noong 1801). Ang paglalarawan ng sinaunang kaguluhan, kung saan lumitaw ang mundo, ang paglikha ng Earth, ang pagsilang ng buhay sa Earth at ang paglikha ng tao - ito ang nilalaman ng una sa mga oratorio na ito. Ang apat na bahagi ng ikalawang oratorio (“Spring”, “Summer”, “Autumn”, “Winter”) ay binubuo ng mga angkop na musical sketch ng rural na kalikasan at buhay magsasaka. 26 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Pagkatapos ng 1803, wala nang iba pang ginawa si Haydn. Namuhay siya nang tahimik, napapaligiran ng katanyagan at karangalan. Namatay si Haydn noong tagsibol ng 1809, sa kasagsagan ng Napoleonic Wars, nang pumasok ang mga Pranses sa Vienna. cello at double bass. Ang grupo ng mga instrumentong woodwind ay binubuo ng mga plauta, oboe, clarinets at bassoon 21. Ang grupo ng mga instrumentong tanso ni Haydn ay binubuo ng mga sungay at trumpeta, at sa pagtambulin ay ginamit lamang niya ang timpani at tanging sa huling, ikalabindalawang "London Symphony" ay nagdagdag siya ng isang tatsulok. , mga simbalo at tambol. Mga tanong at gawain 1. Aling tatlong magagaling na kompositor ang tinatawag na mga klasikong musikal ng Vienna? Ano ang nagpapaliwanag sa kahulugang ito? 2. Sabihin sa amin ang tungkol sa buhay musikal ng Vienna noong ika-18 siglo. 3. Pangalanan ang mga pangunahing mga genre ng musika sa mga gawa ni Haydn. 4. Saan at paano ginugol ni Haydn ang kanyang pagkabata at kabataan? 5. Paano sinimulan ni Haydn ang kanyang malayang landas? 6..Paano natuloy ang buhay at trabaho ni Hayd sa kanyang paglilingkod sa Chapel of the Princes of Esterházy? 7. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga paglalakbay ni Haydn sa England at sa kanya mga nakaraang taon buhay. Symphonic na pagkamalikhain Nang isulat ni Haydn ang kanyang unang symphony noong 1759, maraming mga gawa sa genre na ito ang umiral na at ginagawa pa rin. Lumitaw sila sa Italya, Alemanya, Austria at iba pang mga bansa sa Europa. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, halimbawa, ang mga symphony na binubuo at ginanap sa German city ng Mannheim, na may pinakamahusay na orkestra noong panahong iyon, ay naging tanyag sa buong mundo. Kabilang sa mga kompositor ng tinatawag na "Mannheim school" mayroong maraming mga Czech. Ang isa sa mga ninuno ng symphony ay isang tatlong bahagi na Italian opera overture (na may ratio ng mga bahagi sa tempo: "mabilis-mabagal-mabilis."). Sa unang bahagi ng (“pre-classical”) symphony, ang landas ay inihanda pa rin para sa hinaharap na klasikal na symphony, ang mga natatanging tampok nito ay ang kahalagahan ng matalinghagang nilalaman at ang pagiging perpekto ng anyo. Sa landas na ito, dumating si Haydn upang lumikha ng kanyang mga mature symphony noong 1780s. At pagkatapos ay lumitaw ang mga mature symphony ng napakabata pa na Mozart, na kamangha-mangha na lumipat sa taas ng artistikong kasanayan. Nilikha ni Haydn ang kanyang London Symphonies, na nagbigay korona sa kanyang mga tagumpay sa genre na ito, pagkatapos ng hindi napapanahong pagkamatay ni Mozart, na labis na ikinagulat niya. Sa mga mature na symphony ni Haydn, ang mga sumusunod na tipikal na komposisyon ng isang four-movement cycle ay itinatag: sonata allegro, mabagal na paggalaw, minuet at finale (karaniwan ay sa anyo ng isang rondo o sonata allegro). Kasabay nito, ang klasikal na komposisyon ng orkestra na binubuo ng apat na grupo ng mga instrumento ay tinutukoy sa mga pangunahing tampok nito. Ang nangungunang grupo ay ang mga string. Kabilang dito ang mga violin, violas, at hindi palaging gumagamit ng clarinets si Haydn. Kahit sa kanyang London Symphonies ay naririnig sila sa lima lamang (sa labindalawa). 21 27 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Ang symphony na ito ay kilala bilang “Military”. Ang ilan sa iba pang mga symphony ni Haydn ay may mga pamagat din. Sa karamihan ng mga kaso, ang mga ito ay hindi ibinigay ng mismong kompositor at minarkahan lamang ang isang partikular na detalye, kadalasang matalinghaga, halimbawa, imitasyon ng pag-clucking sa mabagal na paggalaw ng "Chicken" symphony o "ticking" sa mabagal na paggalaw ng "Orasan. ” symphony. Ang isang espesyal na kasaysayan ay nauugnay sa symphony sa F-sharp minor, kung saan ang pangalang "Paalam" ay itinalaga. Mayroon itong karagdagang ikalimang bahagi (mas tiyak, isang Adagio type coda). Sa panahon ng pagtatanghal nito, isa-isang pinapatay ng mga miyembro ng orkestra ang mga kandila sa kanilang mga console, kinuha ang kanilang mga instrumento at umalis. Dalawang biyolinista na lang ang natitira, na tahimik at malungkot na natapos ang pagtugtog sa huling mga bar at umalis din. Mayroong sumusunod na paliwanag para dito. Para bang isang tag-araw na pinananatili ni Prinsipe Miklós I ang mga musikero ng kanyang kapilya sa Eszterháza nang mas matagal kaysa karaniwan. At gusto nilang mabilis na makapagbakasyon para makita ang kanilang mga pamilya na nakatira sa Eisenstadt. At ang hindi pangkaraniwang pangalawang finale ng Farewell Symphony ay nagsilbing pahiwatig ng mga pangyayaring ito. Bilang karagdagan sa mga symphony, nagsulat si Haydn ng maraming iba pang mga gawa para sa orkestra, kabilang ang higit sa isang daang indibidwal na minuto. At biglang ang lahat ay masayang nagbabago: ang paglalahad ng sonata allegro ay nagsisimula. Sa halip na isang mabagal na tempo - isang mabilis (Allegro con spirito - "Mabilis, na may sigasig"), sa halip na mabibigat na bass unisons - mula sa parehong mga tunog ng G at A-flat sa mataas na rehistro, ang unang motibo ng paglipat, infectiously masayahin, sayaw tema ng pangunahing bahagi ay ipinanganak. Ang lahat ng motibo ng temang ito, na itinakda sa pangunahing susi, ay nagsisimula sa pag-uulit ng unang tunog - na parang may taimtim na selyo: Symphony sa E-flat major Ito ang ikalabing-isa ng labindalawang "London Symphony" ni Haydn. Ang pangunahing susi nito ay E-flat major. Kilala ito bilang "symphony with tremolo timpani" 22. Ang symphony ay binubuo ng apat na galaw. Ang unang bahagi ay nagsisimula sa isang mabagal na pagpapakilala. Tahimik na tumutunog ang tremolo (“roll”) ng timpani na nakatutok sa tonic. Ito ay tulad ng isang malayong palakpakan ng kulog. Pagkatapos ay ang tema ng pagpapakilala mismo ay naglalahad sa makinis at malalawak na “mga patong.” Una itong tinutugtog ng octave unison ng mga cello, double basses at bassoons. Tila tahimik na lumulutang ang ilang mahiwagang anino, minsan humihinto. Kaya't sila ay nag-alinlangan at nag-freeze: sa mga huling bar ng pagpapakilala, ang mga unison ay nagpapalit ng ilang beses sa magkatabing tunog na G at A-flat, na pinipilit ang tainga na umasa - ano ang susunod na mangyayari? Ang dobleng pagtatanghal ng tema sa pamamagitan ng mga instrumentong may kuwerdas na piano ay kinukumpleto ng isang magulo na sayaw ng saya, na nakakatunog sa buong orkestra. Mabilis na dumaan ang boom na ito, at muling lilitaw ang kakaibang misteryo sa nag-uugnay na bahagi. Nasira ang katatagan ng tono. Mayroong modulasyon sa B-flat major (nangingibabaw ng E-flat major) - ang tonality ng pangalawang bahagi. Sa bahagi ng pagkonekta ay walang bagong tema, ngunit ang orihinal na motibo ng tema ng Timpani ay naririnig - mga hemisphere na may balat na nakaunat sa ibabaw nito, na hinampas ng dalawang stick. Ang bawat hemisphere ay maaaring makagawa ng tunog sa isang pitch lamang. Ang mga klasikal na symphony ay karaniwang gumagamit ng dalawang hemisphere, na nakatutok sa tonic at nangingibabaw. 22 28 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Ruso ng pangunahing bahagi at isang malayong paalala ng pambungad na tema: Ang paglalahad ay nagtatapos sa pahayag ng tonality ng pangalawang bahagi (B-flat major). Ang paglalahad ay paulit-ulit, at pagkatapos ay ang pag-unlad ay sumusunod. Ito ay puno ng polyphonic imitative at tonal-harmonic na pag-unlad ng mga motibo na nakahiwalay sa tema ng pangunahing bahagi. Ang tema ng side game ay lilitaw sa pagtatapos ng pag-unlad. Ito ay ganap na isinasagawa sa susi ng D-flat major, malayo sa pangunahing isa, iyon ay, lumilitaw na parang sa isang bago, hindi pangkaraniwang liwanag. At isang araw (pagkatapos ng pangkalahatang pag-pause sa fermata) ang mga intonasyon ng misteryosong pambungad na tema ay lilitaw sa bass. Ang pag-unlad ay kadalasang tumutunog sa piano at pianissimo at paminsan-minsan lamang forte at fortissimo na may mga indibidwal na accent ng sforzando. Pinahuhusay nito ang impresyon ng misteryo. Ang mga motibo mula sa tema ng pangunahing bahagi sa kanilang pag-unlad kung minsan ay kahawig ng isang kamangha-manghang sayaw. Maaaring isipin ng isang tao na ito ay isang sayaw ng ilang mahiwagang mga ilaw, kung minsan ay kumikislap nang maliwanag. Sa isang reprise sa susi ng E-flat major, hindi lamang ang pangunahing bahagi, kundi pati na rin ang pangalawang bahagi ay paulit-ulit, at ang bahagi ng pagkonekta ay nilaktawan. Lumilitaw ang ilang misteryo sa code. Nagsisimula ito, tulad ng pagpapakilala, na may isang Adagio tempo, isang tahimik na timpani tremolo at mabagal na pagkakaisa na tumatakbo. Ngunit sa lalong madaling panahon, sa pinakadulo ng unang kilusan, ang mabilis na tempo, malakas na sonority at masayang sayaw na "stomps" ay bumalik. Ang ikalawang bahagi ng symphony - Andante - ay isang pagkakaiba-iba sa dalawang tema - isang kanta sa C minor at isang kanta-martsa sa C major. Ang istraktura ng mga tinatawag na dobleng pagkakaiba-iba ay ang mga sumusunod: ang una at ikalawang mga tema ay ipinakita, pagkatapos ay sundin: ang unang variation ng unang tema, ang unang variation ng pangalawang tema, ang pangalawang variation ng unang tema, ang pangalawa. pagkakaiba-iba ng pangalawang tema at coda, batay sa materyal ng pangalawang tema. Hanggang ngayon, nagtatalo ang mga mananaliksik tungkol sa nasyonalidad ng unang paksa. Naniniwala ang mga musikero ng Croatian na sa pamamagitan ng mga katangian nito ay isang awiting katutubong Croatian ito, at naniniwala ang mga musikero ng Hungarian na ito ay isang awiting Hungarian. Ang mga Serb, Bulgarian at Poles ay matatagpuan din ang kanilang mga pambansang katangian dito. Ang hindi pagkakaunawaan na ito ay hindi malulutas nang may katiyakan, dahil ang mga pag-record ay ganito.Ang tema ng bahaging bahagi ay muling isang masayang awiting sayaw. Ngunit kumpara sa pangunahing partido, hindi siya masyadong masigla, ngunit mas kaaya-aya at pambabae. Ang himig ay tumutunog mula sa mga biyolin at oboe. Ang isang tipikal na saliw ng waltz ay naglalapit sa temang ito sa lander - isang sayaw ng Austrian at South German, isa sa mga ninuno ng waltz: 29 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia ang sinaunang himig at ang mga salita nito ay hindi natagpuan. Tila, pinagsanib nito ang mga katangian ng ilang mga himig ng Slavic at Hungarian; tulad, sa partikular, ay ang kakaibang galaw para sa pinalawig na segundo (E-flat - fadieuse): ang mga pagkakaiba-iba ng pangalawang tema ay ipagpatuloy ang kabayanihan na lakad ng pagmamartsa, na pinalamutian ng mga virtuosic na sipi - ang flute ay yumayabong. At sa malaking code ay may mga hindi inaasahang pagliko sa pagbuo ng "mga kaganapang pangmusika". Una, ang tema ng martsa ay nagiging banayad, malinaw na tunog. Pagkatapos ang motif na nakahiwalay mula dito na may tuldok-tuldok na ritmo ay bubuo nang matindi. Ito ay humahantong sa biglaang paglitaw ng susi ng E-flat major, pagkatapos nito ang huling pagpapadaloy ng tema ng martsa ay maliwanag at mataimtim na tumunog sa C major. Ang ikatlong bahagi ng symphony - Minuet - ay orihinal na pinagsasama ang tahimik na lakad ng isang high-society dance na may pabagu-bagong malawak na paglukso at syncopations sa melody: isang tune at isang segundo, nagmamartsa ng pangunahing tema. Sa kaibahan sa una, ito ay may kasabay na pagkakamag-anak dito - isang quart beat, isang pataas at pababang direksyon ng melody at isang nakataas na IV degree (fadieuse): Ang kakaibang tema na ito ay na-highlight ng isang makinis, mahinahon na paggalaw sa ang Trio - ang gitnang seksyon ng Minuet, na matatagpuan sa pagitan ng unang seksyon at sa pamamagitan ng kanyang eksaktong pag-uulit23: Ang pagtatanghal ng unang tema na may mga instrumentong string na piano at pianissimo ay kahawig ng isang masayang salaysay, ang simula ng isang kuwento tungkol sa ilang mga hindi pangkaraniwang kaganapan. Ang una sa mga ito ay maaaring isang biglang malakas na pagtatanghal ng pangalawa, nagmamartsa na tema, kung saan ang mga instrumento ng hangin ay idinagdag sa pangkat ng string. Nagpapatuloy ang tono ng pagsasalaysay sa unang variation ng unang tema. Ngunit ang tunog nito ay sinasabayan ng malungkot at maingat na echo. Sa unang pagkakaiba-iba ng pangalawang tema, ang solong biyolin ay nagbibigay kulay sa himig na may kakaibang pattern na mga sipi. Sa pangalawang pagkakaiba-iba ng unang tema, ang salaysay ay biglang nagkaroon ng isang mabagyo, nasasabik na karakter (lahat ng instrumento ay ginagamit, kabilang ang timpani). Sa pangalawa, ang Minuet (o sa halip, ang kanyang sukdulan, sopistikado at kakaibang mga seksyon) ay kaibahan sa mga katutubong-araw-araw na tema ng, sa isang banda, ang una at ikalawang bahagi ng symphony, at sa kabilang banda, ang huli, ikaapat. bahagi - ang pangwakas. Dito, bilang angkop sa isang klasikal na sonata allegro, sa eksposisyon ang pangunahing bahagi ay itinakda sa pangunahing susi ng E-flat major, ang pangalawang bahagi ay nasa dominanteng susi ng B-flat major, at sa reprise pareho silang tunog sa E-flat major. Gayunpaman, sa gilid na bahagi, ito ay hindi para sa isang mahabang panahon na ang gitnang seksyon ng orkestra na mga gawa ay karaniwang gumanap ng tatlong instrumento. Dito nagmula ang pangalang "trio". 23 30 www.classon.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ay ganap na lumilitaw bagong paksa. Ito ay batay sa tema ng pangunahing bahagi. nagmula sa salitang Pranses na "ronde", na nangangahulugang "bilog" o "bilog na sayaw". Mga tanong at gawain 1. Kailan dumating sina Haydn at Mozart upang lumikha ng kanilang mga mature na symphony? 2. Anong mga bahagi ang karaniwang binubuo ng isang Haydn symphony? Pangalanan ang mga pangkat ng mga instrumento sa orkestra ni Haydn. 3. Anong mga pangalan ng mga symphony ni Haydn ang alam mo? 4. Bakit tinawag na "may tremolo o tatak" ang symphony ni Haydn sa E-flat major? Saang section ito magsisimula? 5. Ilarawan ang mga pangunahing tema ng anyong sonata sa unang galaw ng simponya na ito. 6. Sa anong anyo at sa anong mga tema isinulat ang ikalawang bahagi ng simponya? 7. Ilarawan ang mga pangunahing paksa at seksyon ng ikatlong bahagi. 8. Ano ang kakaiba ng kaugnayan sa pagitan ng mga tema ng pangunahin at pangalawang bahagi sa pangwakas? Ano ang kaugnayan ng katangian ng musika sa unang bahagi ng symphony at sa finale nito? Kaya, lumalabas na ang buong pagtatapos ay batay sa isang tema. Ang kompositor, na parang nasa isang masalimuot na laro, ay maaaring ipagpatuloy ang tema sa kabuuan nito, o mahusay na pinagsasama ang mga pagkakaiba-iba nito at mga indibidwal na elemento. At siya mismo ay masalimuot. Pagkatapos ng lahat, ang isang harmonic na batayan ay unang lilitaw dito - ang tinatawag na "gintong stroke" ng dalawang sungay - isang tipikal na senyales ng mga sungay ng pangangaso. At pagkatapos lamang ito ay ipinapatong sa batayan na ito himig ng sayaw, malapit sa mga awiting bayan ng Croatian. Nagsisimula ito sa "stomping" sa isang tunog, at pagkatapos ang motibong ito ay paulit-ulit nang maraming beses, ginagaya, lumilipat mula sa isang boses patungo sa isa pa. Ito ay nagpapaalala sa pambungad na motibo ng pangunahing tema ng unang bahagi at kung paano ito nabuo doon. Bilang karagdagan, ipinahiwatig ng kompositor ang parehong tempo sa finale - Allegro con spirito. Kaya, sa pagtatapos, ang elemento ng masasayang katutubong sayaw sa wakas ay naghahari. Ngunit mayroon itong isang espesyal na karakter dito - ito ay kahawig ng isang masalimuot na round dance, isang group dance kung saan ang sayaw ay pinagsama sa kanta at mapaglarong aksyon. Kinumpirma din ito ng katotohanan na sa paglalahad ang pangunahing bahagi ay paulit-ulit sa pangunahing susi ng dalawang karagdagang beses - pagkatapos ng isang maliit na transisyonal na yugto at pagkatapos ng isang bahaging bahagi. Ibig sabihin, tila nagpapatuloy, gumagalaw sa isang bilog. At ito ay nagpapakilala ng mga tampok ng anyong rondo sa anyong sonata. Ang mismong salitang "rondo," tulad ng nabanggit na, Pagkamalikhain sa keyboard Noong nilikha ni Haydn ang kanyang mga gawa sa keyboard, unti-unting pinalitan ng piano ang harpsichord at clavichord mula sa musical practice. Ang kanilang maagang mga sinulat Sumulat din si Haydn para sa mga sinaunang instrumento sa keyboard na ito, at sa mga edisyon ng mga huling taon ay sinimulan niyang ipahiwatig ang "para sa harpsichord o piano" at, sa wakas, kung minsan ay "para sa piano". Kabilang sa kanyang mga gawa sa keyboard, ang pinakamahalagang lugar ay kabilang sa mga solo sonata. Noong nakaraan, pinaniniwalaan na si Haydn ay mayroon lamang 52 sa kanila. Ngunit pagkatapos, salamat sa mga paghahanap ng mga mananaliksik, ang bilang na ito ay tumaas sa 62. Ang pinakasikat sa kanila ay kinabibilangan ng mga sonata sa D major at E minor24. Sonata sa D major Ang tema ng pangunahing bahagi, na nagsisimula sa unang bahagi ng sonata na ito, ay isang sayaw na sinasaboy ng saya at saya sa mga boyishly mischievous octave leaps, grace notes, mordents at repetitions ng mga tunog. Maiisip din ng isa ang gayong musikang tumutunog sa operebuffa: Sa mga naunang edisyon ang mga sonata na ito ay nakalimbag bilang "No. 37" at "No. 34", at sa mga susunod na edisyon bilang "No. 50" at "No. 53". 24 31 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Ngunit ang pag-unlad ng tema ng pangalawang bahagi ay natagos ng mga malikot na paglukso mula sa pangunahing bahagi, at pagkatapos ay sa pamamagitan ng isang maselan na daanan Movement mula sa connecting part. Ito ay nagiging mas matindi, nagwawalis at biglang mabilis na huminahon - na parang sa ilang agad na ginawang desisyon. Pagkatapos nito, nagtatapos ang eksposisyon sa isang masayang pagsasayaw na huling bahagi. Marami na namang aktibidad na nagaganap sa development. Dito tumalon ang oktaba mula sa tema ng pangunahing bahagi, lumipat sa kaliwang kamay , Mas lalo silang nagiging malikot, at ang paggalaw ng daanan ay umabot sa mas malaking tensyon at mas malawak na saklaw kaysa sa pagbuo ng tema ng side game sa eksposisyon. Sa reprise, ang tunog ng pangalawa at panghuling bahagi sa pangunahing susi (D major) ay matatag na nagtatatag ng pangingibabaw ng masayang kalooban. Ang pinakamalakas na kaibahan ay ipinakilala sa sonata sa pamamagitan ng maikling pangalawang paggalaw, mabagal at pinipigilan ang karakter. Ito ay nakasulat sa susi ng parehong pangalan sa D minor. Sa musika ay maririnig ang mabigat na yapak ng sarabande, isang sinaunang sayaw na kadalasang kinuha ang katangian ng isang prusisyon ng libing. At sa mga nagpapahayag na melodic exclamations na may triplets at may tuldok na mga ritmikong figure ay may pagkakatulad sa malungkot na mga awit ng mga Hungarian gypsies: Ang masasayang, maselan na mga sipi ng panlabing-anim na mga nota ay pumupuno sa nag-uugnay na bahagi. At ang tema ng gilid na bahagi (sa susi ng A major) ay sayaw din, mas pinigilan at eleganteng: 32 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng Russian art Sonata sa E minor Noong unang bahagi ng 1780s, una si Haydn nakatanggap ng imbitasyon na gumawa ng isang concert trip sa London. Masigasig niyang pinaghandaan ito, ngunit hindi niya ito nagawa noon dahil sa kanyang mga opisyal na tungkulin sa Esterházy Chapel. Posible na ang mga pangarap ng isang malayong paglalakbay sa "ibang bansa" at ang mga karanasan na nauugnay sa mga ito ay makikita sa E minor sonata na lumitaw sa oras na iyon. Ito ay isa lamang sa ilang mga menor de edad na sonata ni Haydn, kung saan sa unang paggalaw ay pinagsama ang isang binibigkas na liriko na karakter na may napakabilis na tempo. Ang mismong tema ng pangunahing bahagi ng kilusang ito, kung saan nagsisimula ang sonata, ay kakaiba din: Ngunit sa optimistikong sining ni Haydn, ang mga madilim na larawan ng kamatayan ay laging nadadaig ng maliliwanag na larawan ng buhay. At ang D minor na pangalawang bahagi ng sonata na ito, na nagtatapos hindi sa tonic, ngunit sa dominanteng chord, direktang nagpapatuloy sa mabilis na D major finale 25. Ang finale ay binuo sa anyo ng isang rondo, kung saan ang pangunahing tema - ang refrain (sa pangunahing susi ng D major) - ay paulit-ulit ng tatlong beses, at sa pagitan ng mga pag-uulit nito ay may nagbabagong mga seksyon - mga yugto: ang unang yugto sa D minor, at ang pangalawa sa G major. Dito, tanging sa una, D minor na episode, ang mga malungkot na alaala ay dumaan - isang echo ng gitnang bahagi. Ang pangalawa, ang G major episode ay walang ingat na masayahin at humahantong sa isang komiks na "roll call" ng kanan at kaliwang mga kamay sa parehong nota. At ang flying-dance na pangunahing tema ng finale (rondo refrain) ay isa sa mga pinaka-masayahin sa Haydn: Ang mga unang parirala ng tema ay binubuo ng kumbinasyon ng dalawang elemento. Sa bass, sa kaliwang kamay, piano, ay gumagalaw sa isang maliit na tonic triad sound - tulad ng mga tawag na sumugod sa isang lugar sa malayo. At kaagad sa kanang kamay ay sumunod sa panginginig, na parang nag-aalinlangan, nag-aalangan na mga motibo-sagot. Ang pangkalahatang galaw ng tema ay malambot, kulot, umiindayog. Bilang karagdagan, ang laki ng unang bahagi - 6/8 - ay tipikal para sa genre ng barcarolle - "mga kanta sa tubig"26. Sa pagkonekta bahagi mayroong isang modulasyon sa G major parallel sa E minor - ang tonality ng gilid at huling bahagi. Ang mga nagdudugtong at huling bahagi, na puno ng mga gumagalaw na sipi ng ikalabing-anim na mga nota, ay naka-frame sa gilid na bahagi - magaan, parang panaginip. Ito ay ipinapahiwatig ng mga salitang Italyano na "attacca subito il Finale", ibig sabihin ay "upang simulan kaagad ang finale". Noong una, ang mga kanta ng Venetian gondolier ay tinatawag na barcarolles. Ang pangalan ng genre mismo ay nagmula sa salitang Italyano na "barca" - "bangka". 25 26 33 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia, na parang pumapaitaas: kalikasan, nang tumunog ang mga senyales, na parang tumatawag na bumalik, ang puso ay tila kumikislap sa masayang alarma! At dito, pagkatapos ng paglipat ng chord, ang pangunahing tema ng ikatlong kilusan (finale) ay lilitaw. Ito ang refrain ng rondo form kung saan nakasulat ang Finale. Mukhang isang inspiradong kasamang kanta na tumutulong sa iyong magmadali "nang buong layag" sa iyong tinubuang lupa: Kaya, ang diagram ng rondo form sa finale ay ang mga sumusunod: refrain (E minor), unang episode (E major), refrain (E minor), pangalawang yugto ( E major), refrain (E minor). Ang parehong mga yugto ay konektado sa refrain at sa bawat isa sa pamamagitan ng melodic na pagkakamag-anak. Kapag ang pagkonekta, gilid at huling bahagi ay nilalaro, ang imahinasyon ay gumuhit ng mga mapang-akit na imahe - kung gaano kalayang umiihip ang buntot na hangin, kung gaano kasaya ang mabilis na paggalaw na nagdadala sa iyo pasulong. Dagdag pa, sa pag-unlad, na binuo sa materyal ng pangunahing, pagkonekta at pangwakas na mga bahagi, ang mga paglihis sa mga menor de edad na susi ay nangingibabaw. Sa pangunahing, iyon ay, hindi isang mayor, ngunit isang menor de edad na susi, ang gilid at huling bahagi, na naging mas malawak, ay maririnig sa muling pagbabalik. Gayunpaman, ang kalungkutan at espirituwal na mga pag-aalinlangan ay nadaig sa kalaunan sa pamamagitan ng pagsusumikap sa hindi alam. Ito ang kahulugan ng mga huling bar ng unang kilusan, kung saan ang pag-uulit ng simula ng tema ng pangunahing bahagi ay kapansin-pansing paulit-ulit. Ang ikalawang bahagi ng sonata, mabagal, sa G major, ay isang uri ng instrumental na aria, na puno ng maliwanag na pagmumuni-muni. Ang kanyang mga light coloraturas ay puspos ng mga alingawngaw ng huni ng mga ibon at ang daldal ng mga batis: Mga Tanong at takdang-aralin 1. Pangalanan ang pangunahing genre ng musikang keyboard ni Haydn. Ilan sa kanyang mga sonata ang kilala? 2. Ilarawan ang mga pangunahing bahagi ng unang paggalaw ng sonata sa D major. Mayroon bang koneksyon sa bahaging ito sa pagitan ng pangunahin at pangalawang partido? 3. Anong kaibahan ang naidudulot ng ikalawang bahagi sa musika ng sonata sa D major? Ano ang kaugnayan nito sa pagtatapos? 4. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga tampok na istruktura at likas na katangian ng tema ng pangunahing bahagi ng unang paggalaw ng sonata sa E minor. Mature at kilalanin ang natitirang mga paksa at seksyon ng bahaging ito. 5. Ano ang katangian ng ikalawang galaw ng sonata sa E minor? 6. Sabihin sa amin ang tungkol sa anyo ng finale ng sonata sa E minor at ang katangian ng pangunahing tema nito. Mga pangunahing gawa Higit sa 100 symphony (104) Isang bilang ng mga konsyerto para sa iba't ibang instrumento na may orkestra Higit sa 80 quartets (para sa dalawang violin, viola at cello) (83) 62 keyboard sonatas Oratorios "The Creation of the World" at "The Seasons" 24 na opera Pag-aayos ng mga Scottish at Irish na mga kanta Gayunpaman, gaano man katamis ang mapayapang pahinga sa isang lugar na malayo, sa dibdib ng 34 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia na nakasulat sa maraming mga genre - ang kanyang mga symphony, instrumental na konsiyerto, iba't ibang chamber ensembles, piano sonata, Requiem para sa koro, soloista at orkestra. Ang kahanga-hangang talento ni Mozart, na nagpakita ng kanyang sarili nang hindi pangkaraniwang maaga at mabilis na nabuo, ay lumikha ng isang bilog sa paligid ng kanyang pangalan; ang halo ng maalamat na "musical miracle". Matingkad na katangian; Binigyan siya ni A. S. Pushkin bilang isang inspiradong artista sa dula ("maliit na trahedya") na "Mozart at Salieri". Ang opera ng parehong pangalan ni N. A. Rimsky Korsakov ay isinulat batay dito 27. Si Mozart ay ang paboritong kompositor ni P. I. Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Life path Family. Maagang pagkabata. Ang lugar ng kapanganakan ni Wolfgang Amadeus Mozart, na ipinanganak noong Enero 1756, ay ang Austrian na lungsod ng Salzburg. Maganda itong matatagpuan sa maburol na pampang ng mabilis na Salzach River, na dumadaloy sa silangang paanan ng Alps. Ang Salzburg ay ang kabisera ng isang maliit na punong-guro, ang pinuno nito ay may ranggo na arsobispo ng simbahan. Ang ama ni Wolfgang Amadeus, si Leopold Mozart, ay nagsilbi sa kanyang kapilya. Siya ay isang seryoso at may mataas na pinag-aralan na musikero - isang prolific composer, violinist, organist at guro. Ang School of Violin Playing, na inilathala niya, ay naging laganap sa ilang bansa, kabilang ang Russia. Sa pitong anak ni Leopold at ng kanyang asawang si Anna Maria, dalawa lamang ang nakaligtas - ang karamihan nakababatang anak Wolfgang Amadeus at anak na si Maria Anna (Nannerl), na mas matanda! kapatid sa loob ng apat at kalahating taon. Nang simulan ng kanyang ama na turuan si Nannerl, na may mahuhusay na kakayahan, na tumugtog ng harpsichord, hindi nagtagal ay nagsimula siyang mag-aral kasama ang tatlong-taong-gulang na si Wolfgang, na napansin ang kanyang napakagandang pandinig at kamangha-manghang memorya ng musika. Sa loob ng apat na taon, sinusubukan na ng batang lalaki na bumuo musika, at ang kanyang unang nakaligtas na mga piyesa ng harpsichord ay naitala ng kanyang ama noong limang taong gulang pa lamang ang may-akda. May isang kilalang kuwento tungkol sa kung paano sinubukan ng apat na taong gulang na si Wolfgang na gumawa ng isang keyboard concerto. Kasama ang panulat, isinawsaw niya ang kanyang mga daliri sa inkwell at gumawa ng mga blots sa music paper. Hanggang sa tiningnang mabuti ng aking ama ang parang bata na recording na ito, sa pamamagitan ng mga blots, natuklasan niya dito ang isang hindi mapag-aalinlanganang kahulugan ng musika. Isa sa mga pinakadakilang henyo sa musika, ang Austrian na kompositor na si Wolfgang Amadeus Mozart ay nabuhay lamang ng 35 taon. Sa mga ito, binubuo niya ang musika sa loob ng tatlumpung taon at, nag-iwan ng isang pamana ng higit sa 600 mga gawa, gumawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa ginintuang pondo ng sining ng mundo. Ang pinakatotoo, pinakamataas na pagtatasa ng malikhaing regalo ni Mozart sa kanyang buhay ay ibinigay ng kanyang senior contemporary na si Joseph Haydn. “...Ang iyong anak,” minsang sinabi niya sa ama ni Wolfgang Amadeus, “ay ang pinakadakilang kompositor na kilala ko nang personal at sa pangalan; siya ay may panlasa, at, higit pa rito, ang pinakadakilang kaalaman sa komposisyon.” Ang musika nina Haydn at Mozart, na tinatawag na mga klasikong Viennese, ay nauugnay sa isang optimistiko, aktibong pang-unawa sa mundo, isang kumbinasyon ng pagiging simple at pagiging natural sa pagpapahayag ng mga damdamin sa kanilang makatang kadakilaan at lalim. Kasabay nito, mayroong isang makabuluhang pagkakaiba sa pagitan ng kanilang mga artistikong interes. Ang Haydn ay mas malapit sa mga folk at lyric-epic na imahe, habang ang Mozart ay mas malapit sa liriko at liriko-dramatikong mga imahe. Ang sining ni Mozart ay lalo na nakakabighani sa pagiging sensitibo nito sa mga emosyonal na karanasan ng tao, pati na rin ang katumpakan at kasiglahan nito sa pagkakatawang-tao ng iba't ibang karakter ng tao. Ginawa siya nitong isang kahanga-hangang kompositor ng opera. Ang kanyang mga opera, at higit sa lahat "The Marriage of Figaro", "Don Giovanni" at " mahiwagang plauta ", para sa ikatlong siglo natamasa nila ang patuloy na tagumpay, na naitanghal sa mga yugto ng lahat ng mga teatro sa musika. Isa sa mga pinakamarangal na lugar sa mundo na repertoire ng konsiyerto ay inookupahan ng mga gawa ni Mozart. Ang bersyon na nilason ni Salieri si Mozart dahil sa inggit ay isa lamang alamat. Inayos ni Tchaikovsky ang apat na piraso ng piano ni Mozart at binubuo ang mga ito sa suite ng Mozartiana. 27 28 35 www.classon.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ay magsasagawa ng isang konsiyerto ng violin... tumugtog sa isang keyboard na natatakpan ng scarf pati na rin kung ito ay nasa harap ng kanyang mga mata, pagkatapos ay mula sa malayo siya. ay pangalanan ang lahat ng mga tunog na indibidwal o ang mga chord ay kukunin sa clavier o anumang iba pang instrumento o ginawa ng mga bagay - isang kampanilya, isang baso, isang orasan. Sa huli, siya ay mag-improvise hindi lamang sa harpsichord, kundi pati na rin sa organ hangga't gusto ng mga nakikinig, at sa alinman, kahit na ang pinakamahirap, mga susi na tinatawag sa kanya...” Mga unang paglalakbay sa konsiyerto. Nagpasya si Leopold Mozart na simulan ang paggawa ng mga paglalakbay sa konsiyerto sa mga pangunahing sentro ng musika kasama ang kanyang mga anak na may likas na matalino. Ang unang paglalakbay - sa lungsod ng Munich ng Aleman - ay naganap noong simula ng 1762, nang si Wolfgang ay halos anim na taong gulang. Pagkalipas ng anim na buwan, pumunta ang pamilya Mozart sa Vienna. Doon, nagtanghal sina Wolfgang at Nannerl sa imperyal court, nagkaroon ng malaking tagumpay, at pinaulanan ng mga regalo. Noong tag-araw ng 1763, naglakbay ang mga Mozarts sa Paris at London. Ngunit binisita muna nila ang isang bilang ng mga lungsod ng Aleman, at sa pagbabalik - muli sa Paris, pati na rin sa Amsterdam, The Hague, Geneva at ilang iba pang mga lungsod. Ang mga pagtatanghal ng maliliit na Mozarts, lalo na si Wolfgang, ay pumukaw ng sorpresa at paghanga sa lahat ng dako, kahit na sa pinakakahanga-hangang mga korte ng hari. Ayon sa kaugalian ng mga panahong iyon, si Wolfgang ay nagpakita sa harap ng isang marangal na publiko sa isang suit na may burda na ginto at isang pulbos na peluka, ngunit sa parehong oras siya ay kumilos na may purong parang bata; maaari niyang, halimbawa, tumalon sa kandungan ng empress. . Ang mga konsiyerto, na tumagal ng 4-5 na oras nang sunud-sunod, ay nakakapagod para sa maliliit na musikero, ngunit para sa publiko sila ay naging isang uri ng libangan. Ito ang sinabi ng isa sa mga anunsyo: “...Ang isang batang babae sa kanyang ikalabindalawang taon at isang batang lalaki sa kanyang ikapitong taon ay maglalaro ng isang konsiyerto sa harpsichord... Bilang karagdagan, ang batang lalaki 36 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa ang larangan ng sining sa Russia Ang concert tour ay nagpatuloy nang higit sa tatlong taon at nagdala kay Wolfgang ng maraming iba't ibang mga impression. Narinig niya ang isang malaking bilang ng mga instrumental at vocal na gawa, nakilala ang ilang mga natitirang musikero (sa London - kasama ang bunsong anak ni Johann Sebastian Bach, Johann Christian). Sa pagitan ng mga pagtatanghal, masigasig na pinag-aralan ni Wolfgang ang komposisyon. Sa Paris, inilathala ang apat sa kanyang sonata para sa violin at harpsichord, na may pahiwatig na ito ay mga gawa ng isang pitong taong gulang na batang lalaki. Sa London isinulat niya ang kanyang mga unang symphony. Bumalik sa Salzburg at manatili sa Vienna. Unang opera. Sa pagtatapos ng 1766 ang buong pamilya ay bumalik sa Salzburg. Sinimulan ni Wolfgang na sistematikong pag-aralan ang compositional technique sa ilalim ng gabay ng kanyang ama. Ginugol ng mga Mozart ang buong taong 1768 sa Vienna. Sa ilalim ng isang kontrata sa teatro, isinulat ng labindalawang taong gulang na si Wolfgang ang opera buffa na "The Imaginary Simpleton" sa loob ng tatlong buwan, kasunod ng mga modelong Italyano. Nagsimula ang mga rehearsals, ngunit nagsimulang ipagpaliban ang pagtatanghal at pagkatapos ay ganap na nakansela (marahil sa mga intriga ng mga naiinggit). Naganap lamang ito noong sumunod na taon sa Salzburg. Sa Vienna, si Wolfgang ay gumawa ng maraming iba pang musika, kabilang ang limang symphony, at matagumpay na naisagawa ang kanyang solemne na misa sa pagtatalaga ng bagong simbahan. Mga biyahe papuntang Italy. Mula sa katapusan ng 1769 hanggang sa simula ng 1773, si Wolfgang Amadeus ay gumawa ng tatlong mahabang paglalakbay sa paligid ng Italya kasama ang kanyang ama. Sa “lupain ng musika,” ang batang si Mozart ay gumanap nang may malaking tagumpay sa mahigit isang dosenang lungsod, kabilang ang Roma, Naples, Milan, at Florence. Isinagawa niya ang kanyang mga symphony, tumugtog ng harpsichord, violin at organ, improvised sonata at fugues sa mga partikular na tema, arias sa mga ibinigay na teksto, mahusay na tumugtog ng mahihirap na gawa mula sa paningin at paulit-ulit ang mga ito sa iba pang mga susi. Dalawang beses siyang bumisita sa Bologna, kung saan sa loob ng ilang panahon ay kumuha siya ng mga aralin mula sa sikat na guro - theorist at kompositor na si Padre Martini. Ang pagkakaroon ng mahusay na nakapasa sa isang mahirap na pagsubok (pagsusulat ng polyphonic composition gamit ang kumplikadong polyphonic techniques), ang labing-apat na taong gulang na si Mozart ay, bilang isang espesyal na pagbubukod, ay nahalal na miyembro ng Bologna Philharmonic Academy. At ayon sa charter, tanging mga musikero na umabot na sa dalawampung taong gulang at may dating karanasan sa awtoridad na institusyong ito ang pinahihintulutan dito. Sa Roma, bumibisita Sistine Chapel sa Vatican City (paninirahan ng papa) 29, minsang narinig ni Mozart ang isang malaking polyphonic na espirituwal na gawain para sa dalawang koro ng ika-17 siglong Italyano na kompositor na si Gregorio Allegri. Ang gawaing ito ay itinuturing na pag-aari ng Papa at hindi pinahintulutang muling isulat o ipamahagi. Ngunit isinulat ni Mozart ang lahat ng kumplikado marka ng koro mula sa memorya, at kinumpirma ng miyembro ng papal choir ang katumpakan ng pag-record. Ang Italya, isang mahusay na bansa hindi lamang ng musika, kundi pati na rin ng mga pinong sining at arkitektura, ay nagbigay kay Mozart ng maraming artistikong impresyon. Lalo siyang nabighani sa pagbisita sa mga opera house. Ang binata ay pinagkadalubhasaan ang istilo ng opera ng Italyano kaya sa maikling panahon ay sumulat siya ng tatlong opera, na pagkatapos ay itinanghal na may malaking tagumpay sa Milan. Ito ang dalawang opera seria - "Mithridates, King of Pontus" at "Lucius Sulla" - at isang pastoral opera sa isang mythological plot na "Ascanio in Alba"30. Mga Biyahe sa Vienna, Munich, Mannheim, Paris. Sa kabila ng kanyang makikinang na malikhain at mga tagumpay sa konsiyerto, si Wolfgang Amadeus ay nabigo na makakuha ng serbisyo sa korte ng alinman sa mga pinuno ng mga estadong Italyano. Kinailangan kong bumalik sa Salzburg. Dito, sa halip na ang namatay na arsobispo, isang bago, mas despotiko at bastos na pinuno ang naghari. Naging mas mahirap para sa mag-ama na si Mozarts na nasa kanyang serbisyo na makakuha ng bakasyon para sa mga bagong biyahe. Ngunit ang opera house kung saan hinahangad ni Mozart na bumuo ay hindi magagamit sa Salzburg, at ang iba pang mga pagkakataon para sa aktibidad sa musika ay limitado. Ang paglalakbay sa Vienna ng dalawang musikero ay nagawa lamang dahil ang Salzburg Archbishop mismo ay nagnanais na bisitahin ang kabisera ng Austria. Nag-aatubili, binigyan din niya ng pahintulot ang mga Mozart na maglakbay sa; Munich, kung saan itinanghal ang isang bagong opera buffa ng batang kompositor. At para sa susunod na paglalakbay, tanging si Wolfgang Amadeus lamang ang nakakuha ng pahintulot nang napakahirap. Ang kanyang ama ay napilitang manatili sa Salzburg, at ang kanyang ina ay sumama sa kanyang anak. Ang unang mahabang paghinto ay naganap sa German city ng Mannheim. Dito ay mainit na tinanggap sina Wolfgang Amadeus at Anna Maria sa kanyang tahanan ng isa sa mga pinuno ng noon ay sikat na symphony orchestra, isang kinatawan ng pre-classical na Mannheim school of composition. Sa Mannheim, ang Mozart ay binubuo ng mga artistang Italyano, kasama si Michelangelo. 30 Ang Kaharian ng Pontus ay isang sinaunang estado sa Black Sea, pangunahin ang kasalukuyang baybayin ng Turko ("Pont Euxine", ibig sabihin, "mapagpatuloy na dagat", ang sinaunang pangalan ng Griyego para sa Black Sea). Si Lucius Sulla ay isang sinaunang Griyegong militar at pampulitikang pigura. Ang Pastoral (mula sa salitang Italyano na "pastore" - "pastol") ay isang gawain na may isang balangkas na nag-iisa sa buhay sa kandungan ng kalikasan. Ang Sistine Chapel ay ang tahanan ng simbahan ng mga papa sa Vatican; ito ay itinayo noong ika-15 siglo sa ilalim ni Pope Sixtus IV. Ang mga dingding at kisame ng kapilya ay pininturahan ng mahusay na 29 37 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ang isang bilang ng mga gawa, higit sa lahat instrumental, na minarkahan ng mature na estilo ng musika. Ngunit wala ring permanenteng bakanteng trabaho para kay Wolfgang Amadeus dito. Noong tagsibol ng 1778, dumating si Mozart at ang kanyang ina sa Paris. Gayunpaman, hindi nagkatotoo ang pag-asang magkaroon ng tunay na pagkilala doon at magkaroon ng prominenteng posisyon. Sa kabisera ng France, nakalimutan na nila ang tungkol sa himalang bata, ang tila buhay na laruang ito, at nabigong makilala ang namumulaklak na talento ng batang musikero. Walang swerte si Mozart sa pag-aayos ng mga konsyerto o sa pagtanggap ng order para sa opera. Nabuhay siya sa maliit na kita mula sa mga aralin; para sa teatro ay maaari lamang siyang magsulat ng musika para sa maliit na ballet na "Trinkets." Ang mga bagong kahanga-hangang gawa ay nagmula sa kanyang panulat, ngunit hindi sila nakakaakit ng seryosong atensyon noon. At sa tag-araw, si Wolfgang Amadeus ay dumanas ng matinding kalungkutan: nagkasakit ang kanyang ina at namatay. Sa simula sa susunod na taon Bumalik si Mozart sa Salzburg. Opera "Idomeneo". Makipaghiwalay sa arsobispo at lumipat sa Vienna. Ang pinakamahalagang kaganapan sa susunod na ilang taon para kay Mozart ay ang paglikha at paggawa ng opera na "Idomeneo, King of Crete" sa Munich, ang mahusay na tagumpay nito. Dito pinagsama ang pinakamahusay na mga katangian ng Italian opera seria sa mga prinsipyo ng operatic reform ni Gluck. Inihanda nito ang daan para sa paglitaw ng napakatalino na orihinal na mga obra maestra ng opera ni Mozart. ...Ang taon ay 1781. Si Mozart ay naging 25 taong gulang. Siya ang may-akda ng tatlo at kalahating daang mga gawa, puno ng mga bago Malikhaing ideya. At para sa Arsobispo ng Salzburg, isa lamang siyang tagapaglingkod sa musika, na lalong inaapi at pinapahiya ng mayabang at despotikong may-ari, pinipilit siyang umupo sa mesa sa silid ng mga tao "sa itaas ng mga tagapagluto, ngunit sa ibaba ng mga footmen," at hindi payagan siyang pumunta kahit saan o gumanap kahit saan nang walang pahintulot. . Ang lahat ng ito ay naging hindi mabata para kay Mozart, at nagsumite siya ng kanyang pagbibitiw. Dalawang beses siyang tinanggihan ng arsobispo sa pamamagitan ng mga sumpa at pang-iinsulto, at walang pakundangan na pinaalis ng kanyang malapit na kasamahan ang musikero sa labas ng pinto. Ngunit siya, na nakaranas ng mental shock, ay nanatiling matatag sa kanyang desisyon. Si Mozart ang naging unang mahusay na kompositor na buong pagmamalaki na nakipaghiwalay sa pinansiyal ngunit nakadependeng posisyon ng isang musikero sa korte. Vienna: ang huling dekada. Si Mozart ay nanirahan sa Vienna. Paminsan-minsan lamang siyang umalis sa kabisera ng Austrian sa loob ng maikling panahon, halimbawa, na may kaugnayan sa unang produksyon ng kanyang opera na Don Giovanni sa Prague o sa panahon ng dalawang paglilibot sa konsiyerto sa Alemanya. Noong 1782, pinakasalan niya si Constance Weber, na nakilala sa kanyang masayang disposisyon at musika. Isa-isa, ipinanganak ang mga bata (ngunit sa anim, apat ang namatay bilang mga sanggol). Ang mga kinita ni Mozart mula sa mga pagtatanghal sa konsiyerto bilang isang tagapalabas ng kanyang clavier na musika, mula sa paglalathala ng mga gawa at pagtatanghal ng mga opera ay hindi regular. Bilang karagdagan, si Mozart, bilang isang mabait, mapagkakatiwalaan at hindi praktikal na tao, ay hindi alam kung paano maingat na pamahalaan ang mga usapin ng pera. Ang appointment sa pagtatapos ng 1787 sa maliit na bayad na posisyon ng musikero ng silid ng korte, na inatasang gumawa lamang ng musika ng sayaw, ay hindi nagligtas sa kanya mula sa madalas na karanasan na pangangailangan para sa pera. Sa lahat ng iyon, sa sampung taon ng Viennese, lumikha si Mozart ng higit sa dalawa at kalahating daang mga bagong gawa. Kabilang sa mga ito ang kanyang pinaka-kapansin-pansing artistikong mga tagumpay sa maraming genre ay nagningning. Sa taon ng kasal ni Mozart, ang kanyang sparkling singspiel na "The Abduction from the Seraglio" ay itinanghal sa Vienna na may malaking tagumpay; katatawanan31. At ang opera buffa na "The Marriage of Figaro", orihinal; Ang genre ng "nakakatawang drama" na "Don Juan" at ang opera tale na "The Magic Flute", na lumitaw sa mga huling taon ng Viennese, ay kabilang sa pinakamataas na naabot. teatro sa musika para sa lahat! ang kanyang istorya. Isinulat ni Mozart ang kanyang tatlong pinakamahusay na symphony, na naging huli niya, kasama ang G minor (No. 40) noong tag-araw ng 1788. Sa parehong dekada, maraming iba pang mga instrumental na gawa ng kompositor ang lumitaw - ang apat na bahagi na orkestra na "Little Night Serenade", isang bilang ng mga piano concerto, sonata, at iba't ibang chamber ensembles. Inialay ni Mozart ang anim sa kanyang string quartets kay Haydn, kung saan nakabuo siya ng mainit at palakaibigang relasyon. Sa mga taong ito, pinag-aralan ni Mozart ang mga gawa nina Bach at Handel nang may malaking interes. Ang pinakahuling gawa ni Mozart ay ang Requiem, isang misa ng libing para sa koro, soloista at orkestra32. Noong Hulyo 1791, inatasan ito mula sa kompositor ng isang lalaki na ayaw magbigay ng kanyang pangalan. Ito ay tila mahiwaga at maaaring magbunga ng madilim na mga pag-iisip. Pagkalipas lamang ng ilang taon ay naging malinaw na ang order ay nagmula sa isang Viennese count na gustong bumili ng gawa ng ibang tao at ipasa ito bilang kanya. Sa pagkakaroon ng malubhang karamdaman, hindi nakumpleto ni Mozart ang Requiem. Nakumpleto ito mula sa mga draft ng isa sa mga estudyante ng kompositor. Mayroong isang kuwento na sa bisperas ng pagkamatay ng mahusay na musikero, na sumunod noong gabi ng Disyembre 5, 1791, ang mga kaibigan ay kumanta ng mga bahagi ng isang hindi natapos na gawain kasama niya. Alinsunod sa malungkot na konsepto sa Requiem, ang inspiradong liriko at dramatikong pagpapahayag ng musika ni Mozart ay nakakuha ng espesyal na kadakilaan at kaseryosohan. Dahil sa kakulangan ng pondo, inilibing si Mozart sa isang karaniwang libingan para sa 31 32 Seraglio - ang babaeng kalahati sa mga bahay ng mayayamang silangan na maharlika. Ang salitang Latin na "requiem" ay nangangahulugang "pahinga." 38 www.classon.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ay mahirap, at ang eksaktong lugar ng kanyang libing ay nananatiling hindi alam. para kay Suzanne na nakadamit bilang isang kondesa sa kanyang damit. Dahil sa kahihiyan sa kanyang asawa, napilitan si Almaviva na hindi na pigilan sina Figaro at Suzanne na ipagdiwang ang kanilang kasal, na nagtatapos sa isang "nakabaliw na araw" na puno ng lahat ng uri ng hindi inaasahang mga kaganapan sa isang masaya at masayang paraan. Nagsisimula ang opera sa isang overture, na nakakuha ng mahusay na katanyagan at madalas na gumanap sa mga konsiyerto ng symphony 34. Hindi tulad ng maraming iba pang mga overture, ang overture na ito ay hindi gumagamit ng mga tema na matatagpuan sa opera mismo. Ang pangkalahatang kalagayan ng kasunod na pagkilos, ang kaakit-akit na bilis at masiglang kagalakan ay malinaw na ipinapahayag dito. Ang overture ay nakasulat sa sonata form, ngunit walang pag-unlad, na pinalitan ng isang maikling koneksyon sa pagitan ng exposition at reprise. Kasabay nito, malinaw na namumukod-tangi ang limang tema, mabilis na pinapalitan ang isa't isa. Ang una at pangalawa sa kanila ay bumubuo sa pangunahing batch, ang ikatlo at ikaapat - ang gilid na batch, ang ikalima - ang huling batch. Lahat sila ay masigla, ngunit sa parehong oras ang bawat isa ay may sariling espesyal na karakter. Ang unang tema ng pangunahing bahagi, na ginagampanan ng mga instrumentong kuwerdas at bassoon nang sabay-sabay, ay mabilis na gumagalaw, na may maliksi na liksi: Mga tanong at gawain 1. Ano ang pagkakatulad ng musika ni Mozart sa musika ni Haydn? Ano ang pagkakaiba sa pagitan ng mga artistikong interes ng dalawang klasikong Viennese na ito? 2. Sabihin sa amin ang tungkol sa pamilya at maagang pagkabata ni Wolfgang Amadeus Mozart. 3. Sa anong mga bansa at lungsod gumanap si Mozart noong bata pa siya? Kumusta ang mga pagtatanghal na ito? 4. Sa anong edad isinulat ni Mozart ang kanyang unang opera buffa? Ano ang tawag dito at saan ito itinakda? 5. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga paglalakbay ng batang Mozart sa Italya. 6. Anong mga lungsod ang binisita ni Mozart mamaya? Naging matagumpay ba ang kanyang paglalakbay sa Paris? 7. Sabihin sa amin ang tungkol sa break ni Mozart sa Arsobispo ng Salzburg. 8. Ilarawan ang huling dekada ng buhay at trabaho ni Mozart. Pangalanan ang mga pangunahing akda na kanyang nilikha sa panahong ito. Opera "The Marriage of Figaro" Ang premiere ng opera ni Mozart na "The Marriage of Figaro" ay naganap sa Vienna noong 1786. Ang unang dalawang pagtatanghal ay isinagawa mismo ng kompositor sa harpsichord. Napakalaki ng tagumpay, marami sa mga numero ang naulit bilang mga encores. Ang libretto (tekstong pandiwa) ng opera na ito sa apat na aksiyon ay isinulat sa Italyano ni Lorenzo da Ponte, batay sa komedya ng Pranses na manunulat na si Beaumarchais na “Crazy Day, or The Marriage of Figaro.” Noong 1875, isinalin ni P. I. Tchaikovsky ang libretto na ito sa Russian, at sa kanyang pagsasalin ang opera ay ginaganap sa ating bansa. Tinawag ni Mozart ang The Marriage of Figaro bilang isang opera buffa. Ngunit ito ay hindi lamang isang nakakaaliw na komedya na may mga nakakatawang sitwasyon. Pangunahing mga karakter inilalarawan sa musika bilang iba't ibang buhay na tauhan ng tao. At ang pangunahing ideya ng paglalaro ni Beaumarchais ay malapit kay Mozart. Sapagkat ito ay binubuo ng katotohanan na ang lingkod ni Count Almaviva na si Figaro at ang kanyang nobya, ang dalagang si Suzanne, ay naging mas matalino at mas disente kaysa sa kanilang may titulong amo, na ang mga intriga ay deftly nilang ibinunyag. Ang Konde mismo ay nagustuhan si Suzanne, at sinusubukan niyang ipagpaliban ang kanyang kasal. Ngunit sina Figaro at Susanna ay may kakayahang nagtagumpay sa lahat ng mga hadlang na lumitaw, na umaakit sa kanilang panig ng asawa ng konde at ang batang pahinang Cherubino 33. Sa huli, inayos nila ang mga bagay upang sa gabi sa hardin ay tinanggap ng konde ang Pangalawa, pagwawalis ng patok: Pagkatapos ng Pahina - isang batang lalaki o kabataan na may marangal na pinagmulan, naglilingkod sa paglilingkod sa isang marangal na tao. Ang nag-uugnay na tema ng pangunahing bahagi at ang napunong bahagi ay higit na naiiba. Alalahanin natin na ang salitang "overture" ay nagmula sa pandiwang Pranses na "ouvrir", na nangangahulugang "magbukas", "magsimula". 33 34 39 www.classon.ru matapang Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Ruso sa mga sipi na tulad ng sukat, ang unang tema ng bahaging gilid ay lilitaw, ang himig na tinutugtog ng mga biyolin. Ang tema ay may rhythmically whimsical, bahagyang paiba-iba, ngunit paulit-ulit na karakter: vocal number. Kaya, ang unang solong numero sa bahagi ng Figaro (ito ay ipinagkatiwala sa baritone) - isang maliit na aria (cavatina) - ay tumunog kaagad pagkatapos ipaalam ni Suzanne sa kanyang kasintahan na ang bilang ay nagsimulang ituloy siya sa kanyang mga pagsulong. Kaugnay nito, panunuya ni Figaro ang himig sa galaw ng minuet - isang galante na sayaw ng mataas na lipunan (ang matinding mga seksyon ng three-part reprise form ng cavatina): Ang pangalawang tema ng gilid na bahagi ay kahawig ng mga mapagpasyang tandang: At ang ang tema ng huling bahagi ay ang pinakabalanse, na parang inaayos ang lahat: Sa reprise, ang gilid at panghuling bahagi ay inuulit sa pangunahing susi ng D major. Sinamahan sila ng isang coda na lalong nagbibigay-diin sa masayahin at masiglang katangian ng overture. Sa opera na ito ni Mozart, ang isang malaking lugar ay inookupahan ng mga vocal ensemble, pangunahin ang mga duet (para sa dalawang karakter) at terzettos (para sa tatlong karakter). Sila ay pinaghihiwalay ng mga recitative na sinasabayan ng isang harpsichord. At ang pangalawa, pangatlo at panghuli, pang-apat, ay nagtatapos sa mga finale - malalaking ensemble na may partisipasyon ng anim hanggang labing-isang character. Ang mga solo ay kasama sa dinamikong pag-unlad ng aksyon sa iba't ibang paraan.At sa gitnang seksyon ng cavatina, ang pinigilan na paggalaw ay pinalitan ng mabilis, ang matikas na three-beat melody ay pinalitan ng isang assertive two-beat melody. Dito ay determinadong ipinahayag ni Figaro ang kanyang hangarin na pigilan ang mapanlinlang na mga plano ng kanyang panginoon sa lahat ng mga gastos: 40 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Ang pinaka kilalang numero sa papel na ginagampanan ni Figaro - ang kanyang aria "Isang batang makulit, kulot, umiibig." Ito ay naka-address sa batang pahinang Cherubino. Hindi niya sinasadyang narinig ang Konde na sinusubukang ipahayag ang kanyang pag-ibig kay Suzanne, at ang gayong hindi ginustong saksi ay inutusang pumunta sa serbisyo militar. Sa kanyang aria, si Figaro ay masayahin at nakakatawang tinutuya ang kasalukuyang sitwasyon, nagpinta ng mga larawan ng malupit na buhay militar para sa binata, na pinapahalagahan ng buhay hukuman. Ito ay makikita sa musika sa pamamagitan ng isang mahusay na kumbinasyon ng buhay na buhay na sayaw na may "militant" fanfare moves. Ito ang tatlong beses na tumutunog na refrain sa anyo ng isang rondo: Ang isa pa ay isang maliit na aria ng likas na kanta, "Ang puso ay pinukaw ng mainit na dugo." Ito ay isang mas pinipigilang pag-amin ng magiliw na damdamin, na mahiyain na tinutugunan ang Countess mismo: Si Suzanne (soprano) ay nailalarawan sa maraming mga ensemble bilang masipag, matalino at maparaan, hindi mas mababa dito kay Figaro. Kasabay nito, ang kanyang imahe ay subtly poeticized sa maliwanag, mapangarapin aria mula sa ika-apat na gawa. Sa loob nito, si Suzanne sa pag-iisip ay gumawa ng banayad na apela kay Figaro: Tulad ng para kay Cherubino mismo (ang kanyang papel ay ginagampanan ng isang mababang boses ng babae - mezzo-soprano), siya ay inilalarawan sa dalawang aria bilang isang masigasig na binata, hindi pa rin maintindihan ang kanyang sarili. damdamin, handang umibig sa bawat hakbang. Ang isa sa kanila ay parehong masaya at magalang na aria "Hindi ko masabi, hindi ko maipaliwanag." Ang melodiousness ay pinagsama sa ritmo, na parang paulit-ulit na pumipintig sa kaguluhan: 41 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Mga tanong at gawain 1. Kailan at saan naganap ang premiere ng opera ni Mozart na “The Marriage of Figaro”? 2. Saang komedya pinagbatayan ang libretto nito? 3. Ano ang pangunahing ideya ng gawaing ito? 4. Paano nabuo ang overture sa opera? 5. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga katangian ng dalawang solong numero sa papel ni Figaro. 6. Aling boses ang itinalaga sa partido ni Cherubino? Awitin ang mga himig ng kanyang arias. 7. Paano nailalarawan si Suzanne sa mga ensemble at paano sa aria mula sa ikaapat na yugto? Ang ikaapat na pagkakaiba-iba (na ang kaliwang kamay ay itinapon sa kanan), sa kabaligtaran, ay mas matapang na nagwawalis. Ang ikalimang variation, kung saan ang paunang nakakalibang na tempo ng Andante grazioso ay nagbibigay daan sa isang napakabagal - Adagio, ay isang malambing na instrumental na aria, na kinulayan ng coloraturas. At pagkatapos ay ang pagbabago ng tempo sa isang mabilis (Allegro) ay tumutugma sa masayang katangian ng sayaw ng huling, ikaanim na pagkakaiba-iba. Ang ikalawang bahagi ng sonata ay Minuet. Gaya ng dati, ito ay itinayo sa isang tatlong-bahaging reprise form na may eksaktong pag-uulit ng musika ng unang kilusan sa reprise. Sa pagitan nila ay ang gitnang bahagi (Trio) 35. Sa lahat ng bahagi ng Minuet, ang panlalaki, mapagpasyahan at mapang-akit na pagwawalis ng mga intonasyon ay inihahambing sa mga intonasyong pambabae, banayad at makinis, katulad ng mga nagpapahayag na liriko na mga tandang at apela. Ang Sonata sa A major para sa malawak na kilalang sonata ni clavier Mozart sa A major, na karaniwang tinatawag na "Sonata with Turkish March," ay isang hindi pangkaraniwang ikot ng pagkakagawa. Ang unang paggalaw dito ay hindi isang sonata allegro, ngunit anim na mga pagkakaiba-iba sa isang magaan at mahinahon, inosenteng kaaya-aya na tema. Mukhang isang kanta na maaaring kantahin sa isang maganda at mapayapang mood sa buhay musikal ng Viennese. Ang malumanay nitong pag-indayog na ritmo ay katulad ng paggalaw ng siciliana - isang sinaunang Italyano na sayaw o dance song: Tinawag ng kompositor ang ikatlong bahagi ng sonata (finale) na "A11a Turca" - "Sa istilong Turko". Nang maglaon, ang finale na ito ay binigyan ng pangalan na " Turkish March" Walang karaniwan dito sa istruktura ng intonasyon ng Turkish folk at propesyonal na musika, na hindi karaniwan para sa mga tainga ng Europa. Ngunit noong ika-18 siglo, sa European, pangunahin ang theatrical music, isang fashion ang lumitaw para sa mga martsa, na karaniwang tinatawag na "Turkish". Ginagamit nila ang pangkulay ng timbre ng orkestra na "Janissary", na pinangungunahan ng mga instrumento ng hangin at percussion - malaki at maliit na tambol, cymbal, tatsulok. Ang Janissaries ay ang pangalang ibinigay sa mga sundalo sa mga yunit ng infantry ng hukbong Turko. Ang musika ng kanilang mga martsa ay itinuturing ng mga Europeo bilang ligaw, maingay, at "barbaric." Walang matalim na kaibahan sa pagitan ng mga pagkakaiba-iba, ngunit lahat sila ay may iba't ibang karakter. Sa unang variation, nangingibabaw ang kaaya-aya, kakaibang melodic na paggalaw, sa pangalawa, ang kaaya-ayang playfulness ay pinagsama sa isang nakakatawang hawakan (ang "pilyo" na mga tala ng grasya sa kaliwang bahagi ng kamay ay kapansin-pansin). Ang ikatlong pagkakaiba-iba - ang nag-iisang nakasulat na hindi sa A major, ngunit sa A minor - ay puno ng bahagyang malungkot na melodic figurations, gumagalaw nang pantay-pantay, na parang may banayad na pagkamahiyain: Sa dulo ng Trio mayroong pagtatalaga na "Minuetto da capo" . Italyano - "mula sa ulo", "mula sa simula". 35 "Da capo" isinalin mula sa 42 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Ang finale ay isinulat sa hindi pangkaraniwang hugis . Maaari itong tukuyin bilang isang tatlong bahagi na kanta na may koro (sa A major). Ang paulit-ulit na paghawak ng koro ay nagbibigay sa istruktura ng finale ng mga katangian ng isang rondo36. Ang unang bahagi - na may madaling "paikot-ikot" na mga motif (Isang menor de edad) - at ang gitnang bahagi - na may malamyos na paggalaw ng sipi (F-sharp minor) - natural na pinagsasama ang kaaya-ayang sayaw na may malinaw na paglalakad: Sa loob ng mahabang panahon ay pinaniniwalaan na Binubuo ni Mozart ang sonata sa A major noong tag-araw ng 1778 taon sa Paris. Ngunit pagkatapos ay natuklasan nila ang impormasyon na nangyari ito pagkaraan ng ilang taon, sa Vienna. Ang ganitong impormasyon ay higit na kapani-paniwala mula noong ang premiere ng Singspiel ni Mozart na "The Abduction from the Seraglio" ay naganap doon noong 1782. Sa loob nito, ang aksyon ay nagaganap sa Turkey, at sa musika ng overture, at sa dalawang marching chorus, mayroong isang kapansin-pansing imitasyon ng musikang "Janissary". Bukod, ito ay maingay; Idinagdag ni Mozart ang forging "Janissary" coda sa A major sa finale ng mga senado noong 1784 lamang, nang i-publish ang akda. Kapansin-pansin din na sa sonata, tulad ng sa "The Abduction from the Seraglio," isang malaking papel ang nabibilang sa mga genre ng kanta at martsa. Sa lahat ng ito, ang koneksyon sa pagitan ng instrumental na musika at theatrical music, napaka katangian ng Mozart, ay ipinahayag. Mga tanong at gawain 1. Ano ang hindi pangkaraniwan sa cycle sa sonata ni Mozart sa A major? Ipaliwanag ang katangian ng tema at ang anim na pagkakaiba-iba nito sa unang bahagi ng gawaing ito. 2. Anong genre ng sayaw ang ginamit sa ikalawang bahagi ng sonata? 3. Ipaliwanag kung bakit tinawag na “Turkish March” ang finale ng sonata sa A major. Ano ang espesyal sa pagtatayo nito? Kantahin ang mga pangunahing tema nito. 4. Anong musikal at teatro na gawa ni Mozart ang umaalingawngaw sa musika ng kanyang “Turkish March”? Symphony sa G minor Isinulat sa Vienna noong 1788, ang Symphony sa G minor! (No. 40) ay isa sa mga pinaka-inspiradong gawa ng mahusay na kompositor. Ang unang paggalaw ng symphony ay isang sonata allegro sa napakabilis na tempo. Nagsisimula ito sa tema ng pangunahing bahagi, na agad na nakakaakit bilang isang kumpidensyal, taos-pusong liriko na pag-amin. Ito ay inaawit ng mga biyolin sa malumanay na pag-indayog na saliw ng iba pang mga instrumentong kuwerdas. Sa himig nito ay makikilala ang parehong nasasabik na ritmo tulad ng sa simula ng unang aria ni Cherubino mula sa opera na "The Marriage of Figaro" (tingnan ang halimbawa 37). Ngunit ngayon ito ay mas "pang-adulto", seryoso at matapang na liriko: Ang koro (sa A major) ay tumunog nang tatlong beses, ito ay katulad ng isang uri ng "janissary noise chorus", sa kaliwang bahagi ay maririnig ang isang imitasyon ng isang drum roll: Sa bagay na ito, ang "Turkish March" ay tinatawag minsan na "Rondo sa Turkish style" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Isang maliit na pag-unlad). Ngunit walang mga kaibahan sa loob nito, ang lahat ay sumusunod sa pangkalahatang maliwanag na kalooban, na mula sa simula ay tinutukoy sa pangunahing bahagi, na pinatunog ng mga instrumentong string: Ang pagkalalaki ng karakter ay tumindi sa bahagi ng pagkonekta, kung saan ang pangunahing bahagi ay bubuo. Mayroong modulasyon sa parallel G minor B-flat major - ang tonality ng side part. Ang tema nito ay mas magaan, mas kaaya-aya at pambabae kumpara sa pangunahing tema. Ito ay kinulayan ng chromatic intonations, pati na rin ang mga alternating timbre ng mga string at woodwind instruments: Sa ikapitong sukat, isang bahagyang "fluttering" na pigura ng dalawang tatlumpu't segundong mga nota ay lilitaw dito. Kasunod nito, ito ay maaaring tumagos sa melodic na linya ng lahat ng mga tema, o tila bumabalot sa kanila, na lumilitaw sa iba't ibang mga rehistro para sa iba't ibang mga instrumento. Ito ay tulad ng mga dayandang ng mga tinig ng mapayapang kalikasan. Minsan lang medyo nag-aalala, maririnig sila sa malapit man o sa malayo. Ayon sa itinatag na tradisyon, ang ikatlong bahagi ng symphony ay Minuet. Ngunit ang gitnang bahagi lamang - ang Trio - ay malinaw na tradisyonal dito. Sa makinis nitong paggalaw, melodiousness ng mga boses at G major key, itinatakda ng Trio ang G minor na pangunahing, matinding mga seksyon ng Minuet na ito, na karaniwang hindi karaniwan sa liriko at dramatikong tensyon nito. Tila pagkatapos ng tahimik na pagmumuni-muni sa kalikasan na nakapaloob sa Andante, kailangan na nating bumalik sa mundo ng mga espirituwal na pagkabalisa at kaguluhan na nangingibabaw sa unang bahagi ng simponya. Ito ay tumutugma sa pagbabalik ng pangunahing tonality ng symphony - G minor: Ang isang bagong surge ng enerhiya ay nangyayari sa huling bahagi. Narito ang nangungunang papel ay nabibilang sa paulit-ulit at patuloy na pag-unlad ng una - tatlong boses - motibo ng tema ng pangunahing bahagi. Sa pagsisimula ng isang medyo kakaibang pag-unlad, ang mga ulap ay tila nakakabahala. Mula sa maliwanag na B-flat major mayroong isang matalim na pagliko sa madilim, malayong tonality ng F-sharp minor. Ang tema ng pangunahing bahagi ay umuunlad nang malaki sa pag-unlad. Dumadaan ito sa maraming tono, nahahati sa magkahiwalay na mga parirala at motibo, at kadalasang ginagaya ang mga ito sa iba't ibang tinig ng orkestra. Ang unang motibo ng temang ito ay tumitibok nang husto. Ngunit sa wakas ang pintig nito ay humina, pinipigilan ang panginginig nito, at nangyayari ang isang muling pagbabalik. Gayunpaman, ang impluwensya ng mataas na dramatikong intensity na nakamit sa pag-unlad ay nararamdaman din sa seksyong ito ng unang bahagi. Dito ang haba ng bahagi ng pagkonekta ay tumataas nang malaki, humahantong ito sa pagtatanghal ng gilid at mga huling bahagi hindi sa major, ngunit sa pangunahing susi ng G minor, na ginagawang mas dramatic ang kanilang tunog. Ang ikalawang galaw ng simponya ay si Andante sa E-flat major. Pinaghahambing nito ang liriko-dramatikong unang bahagi sa malambot at banayad na katahimikan nito. Ang anyo ng Andante ay sonata din (na ang G minor ang pangunahing susi ng ikaapat na paggalaw ng symphony - ang finale, na tumatakbo sa napakabilis na tempo. Ang finale ay nakasulat sa sonata form. Ang nangungunang tema sa bahaging ito ng symphony ay ang tema ng pangunahing bahagi. Kasama ang tema ng pangunahing bahagi ng unang kilusan, kabilang ito sa pinakamaliwanag na tema ng instrumental ng Mozart. Ngunit kung ang tema sa unang bahagi ay parang isang malambot at magalang na liriko na pagtatapat, kung gayon ang tema ng finale ay isang madamdamin na liriko-dramatikong apela, puno ng lakas ng loob at magpapasya 44 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia 2. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga pangunahing tema unang bahagi ng symphony at ang kanilang pag-unlad. Ano ang katangian ng musika sa ikalawa at ikatlong bahagi ng symphony 4. Ano ang pangunahing tema sa finale ng symphony Paano naiiba ang karakter nito sa katangian ng tema ng pangunahing bahagi ng unang bahagi. 5. Paano nabuo ang tema ng pangunahing bahagi? finale? Ano ang batayan ng pag-unlad? Pangunahing mga akda Ang nagniningas na tawag na ito ay nilikha ng mabilis na pagtaas ng himig kasabay ng mga tunog ng mga chord, ang simbuyo nito ay tila sinasagot ng masiglang melodic figure na umiikot sa isang tunog. Tulad ng sa unang paggalaw ng symphony, ang magandang tema ng gilid na bahagi ng finale ay lalong maliwanag sa eksibisyon kapag ito ay ginanap sa B-flat major: 19 operas Requiem Tungkol sa 50 symphony 27 concertos para sa clavier at orchestra 5 concertos para sa biyolin at orkestra Konsiyerto na may saliw ng orkestra na mga plauta, klarineto, bassoon, sungay, plauta at alpa Mga kuwerdas na kuwerdas (higit sa 20) at mga quintets Sonatas para sa clavier, violin at clavier Variations, fantasies, rondos, minuet para sa clavier Ang huling bahagi ay batay sa ikalawang elemento ng tema ng pangunahing bahagi. Sa pagbuo ng finale, ang una, invoking elemento ng tema ng pangunahing bahagi ay binuo lalo na intensively. Ang mataas na dramatikong pag-igting ay nakakamit sa pamamagitan ng konsentrasyon ng mga harmonic at polyphonic na mga diskarte sa pag-unlad - pagsasagawa sa maraming mga susi at panggagaya sa mga roll call. Sa reprise, bahagyang nababalot ng kalungkutan ang pag-uugali ng bahaging bahagi sa pangunahing susi ng G minor. At ang pangalawang elemento ng tema ng pangunahing bahagi (nagpapatibay, masiglang mga numero), tulad ng sa paglalahad, ay tumutunog sa batayan ng huling bahagi sa muling pagbabalik. Bilang resulta, ang pangwakas sa makikinang na paglikha ng Mazartian na ito ay bumubuo ng isang maliwanag na liriko-dramatikong tugatog ng buong sonata-symphonic cycle, na walang uliran sa layunin nito ng end-to-end na matalinghagang pag-unlad. Si Ludwig van Beethoven 1770-1827 Ang mahusay na kompositor ng Aleman na si Ludwig van Beethoven ay ang pinakabata sa tatlong makikinang na musikero na tinatawag na mga klasikong Viennese. Nagkaroon ng pagkakataon si Beethoven na mabuhay at lumikha sa simula ng ika-17 at ika-19 na siglo, sa panahon ng napakalaking pagbabago at kaguluhan sa lipunan. Ang kanyang kabataan ay kasabay ng panahon, Mga Tanong at gawain 1. Kailan at saan nilikha ni Mozart ang Symphony No. 40 sa G minor? 45 www.classon.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia

Ang mga pangunahing tala sa panitikang musikal ng mga banyagang bansa ay isang karagdagan sa mga umiiral na aklat-aralin sa panitikang musikal. Ang nilalaman ng batayang aklat ay tumutugma sa kurikulum ng asignaturang PO.02.UP.03. "Panitikan sa musika" ng karagdagang pre-propesyonal na pangkalahatang mga programang pang-edukasyon sa larangan ng musikal na sining na "Piano", "Mga instrumentong pangkuwerdas", "Mga instrumento ng hangin at percussion", " Mga instrumentong bayan", "Pag-awit ng Choral", inirerekomenda ng Ministri ng Kultura ng Russian Federation.

Ang mga pangunahing tala sa panitikang musikal ay idinisenyo upang bumuo ng makataong edukasyon at mga espesyal na kakayahan ng mga mag-aaral, lalo na: "...upang bumuo musikal na pag-iisip, mga kasanayan sa pang-unawa at pagsusuri ng mga musikal na gawa, makakuha ng kaalaman tungkol sa mga batas ng musikal na anyo, ang mga detalye ng musikal na wika, nagpapahayag na paraan ng musika" 1 .

Sa aklat-aralin, ang gawain ng mga kompositor ay ipinakita sa konteksto ng kultura at makasaysayang mga panahon at pinag-aaralan na may malapit na koneksyon sa mga makasaysayang kaganapan at kaugnay na sining. Ang materyal ng mga tala ay kumakatawan sa mga pangunahing tesis ng pananaliksik sa kasaysayan ng musika at panitikan sa musika ni V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova at iba pang sikat na musicologist, pangkalahatan at condensed na materyal sa pagtuturo sa anyo. ng mga talahanayan, diagram at visual na suporta. Ang mga visual na suporta (mga pagpaparami ng mga pagpipinta ng mga sikat na artista, mga larawan ng mga kompositor, kanilang mga kamag-anak at kaibigan, mga natitirang kultural at artistikong mga pigura, mga makasaysayang figure, atbp.) Hindi lamang sinasamahan at umakma sa pandiwang impormasyon, ngunit mga tagapagdala ng impormasyon sa larangan ng sining. , ay direktang nauugnay sa mga panahon at uso sa musika, ang gawain ng mga kompositor, na sumasalamin sa kasaysayan, kultura at sining ng mga bansang Europeo.

Ang nilalaman ng mga sumusuportang tala ay binubuo ng apat na seksyon, na, naman, ay nahahati sa mga paksang sumasaklaw sa mga panahon ng pag-unlad ng musikang Europeo mula sa musikal na kultura ng Sinaunang Greece hanggang sa gawain ng mga romantikong kompositor noong ika-19 na siglo. Kaya't ang unang seksyon ay sumusuri sa musikal na kultura ng Sinaunang Greece, ang Middle Ages at ang Renaissance. Ang ikalawang seksyon ay pinag-aaralan ang panahon ng Baroque, ang akda nina J. S. Bach at G. F. Handel. Ang ikatlong seksyon ay nakatuon sa panahon ng klasisismo, kung saan ang diin ay ang gawain ng mga klasikong Viennese - J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart at L. Beethoven. Ang ikaapat na seksyon ay nagtatanghal ng mga materyales sa panahon ng romantikismo, ang mga gawa nina F. Schubert at F. Chopin, ibinigay maikling pagsusuri mga gawa ng mga romantikong kompositor noong ika-19 na siglo na sina F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, I. Brahms, J. Bizet.

Kasama rin sa manwal ang mga diksyunaryo ng mga kahulugan, termino at konsepto na matatagpuan sa teksto, isang maikling pagsusuri at mga musikal na halimbawa ng mga akdang pinag-aaralan.

Kasama ng isang mahigpit na pagtatanghal ng materyal sa mga talahanayan at mga diagram, ang manwal ay nagsasama ng mga kagiliw-giliw na katotohanan mula sa buhay ng mga kompositor, na ipinakita sa anyo ng isang salaysay at sinamahan ng mga makukulay na artistikong mga guhit, na nagre-refresh ng pang-unawa at atensyon ng mga bata.

Ang mga pangunahing tala sa panitikang musikal ng mga dayuhang bansa ay inilaan para sa mga mag-aaral ng mga paaralan ng sining ng mga bata, mga paaralan ng musika ng mga bata sa ikalawa at ikatlong taon ng pag-aaral (mga baitang 5 at 6), na nag-aaral sa karagdagang pre-propesyonal na pangkalahatang mga programa sa edukasyon sa larangan ng musikal na sining . Ang mga guro ng musika-teoretikal at espesyal na mga disiplina ng mga paaralan ng musika ng mga bata at mga paaralan ng sining ng mga bata ay maaaring gumamit ng aklat-aralin kapag nag-aaral ng bagong materyal, pag-uulit at pag-systematize ng mga sakop na paksa, paghahanda para sa intermediate at huling sertipikasyon ng mga mag-aaral, paghahanda para sa music-theoretical olympiads, independiyenteng gawain ng mag-aaral, pangkat at indibidwal na pagsasanay, bahagyang sa panahon ng pagpapatupad ng karagdagang pangkalahatang mga programa sa pagpapaunlad sa ang larangan ng sining ng musika, sa mga aktibidad na pangkultura at pang-edukasyon.

Ang mga pansuportang tala ay sinamahan ng isang workbook, na nilayon para magamit sa mga aralin sa silid-aralan.

Nasa ibaba ang mga fragment ng manwal na "Mga pangunahing tala sa panitikang musikal ng mga banyagang bansa."

Tungkol sa pagbili ng manwal ni Tatyana Guryevna Savelyeva na "Mga pangunahing tala sa panitikang musikal ng mga dayuhang bansa," mangyaring makipag-ugnay sa may-akda sa [email protected]

_____________________________________________

1 Halimbawang programa para sa akademikong asignaturang PO.02. UP.03. Panitikan sa musika. - Moscow 2012

______________________________________________________

MULA SA MGA COMPILERS
Ang aklat na ito ay isang aklat-aralin sa musikal na panitikan ng panahong iyon sa kasaysayan, na nagsisimula sa mga huling dekada ng ika-19 na siglo. Ito ang unang pagkakataon na lumitaw ang naturang aklat-aralin: ang ikalimang edisyon ay nagtatapos, gaya ng nalalaman, sa mga gawa nina K-Debussy at M. Ravel.
Kasama sa aklat ang mga katangian ng iba't ibang pambansang paaralan ng musika, na nagpasiya sa kabuuang istraktura nito. Ang unang seksyon ay nagpapakilala sa mga pangkalahatang proseso na ipinatupad sa kanilang sariling paraan sa musikal na sining ng iba't ibang bansa at sa gawain ng mga kompositor ng iba't ibang indibidwal. Ang bawat kasunod na seksyon ay binubuo ng isang pangkalahatang-ideya ng musikal na kultura ng isang partikular na bansa, pati na rin ang isang monograpikong seksyon na nakatuon sa gawain ng mga pinaka makabuluhang kompositor ng paaralang ito. Tanging ang seksyon na nakatuon sa gawain ng I. Stravinsky ay naiiba sa istraktura nito: hindi ito naglalaman ng isang panimulang pangkalahatang-ideya. At ito ay naiintindihan: pagkatapos ng lahat, na ginugol ang halos lahat ng kanyang buhay sa labas ng Russia dahil sa mga espesyal na pangyayari, si Stravinsky ay nanatiling isang master ng Russia at hindi kabilang sa alinman sa mga dayuhang paaralan. Ang mapagpasyang impluwensya ng kanyang malikhaing mga prinsipyo sa halos lahat ng mga nangungunang musikero ng ating siglo ay hindi nagpapahintulot sa Stravinsky na alisin mula sa pangkalahatang larawan ng pag-unlad ng musikal na sining ng ika-20 siglo. Ang pagsasama ng monograpikong kabanatang ito sa aklat-aralin sa mga banyagang musikal na literatura ay dahil din sa mga kakaibang programang pang-edukasyon sa paaralan: sa oras na nag-aral sila ng banyagang musika noong ika-20 siglo, ang mga mag-aaral ay hindi pamilyar sa alinman sa personalidad o ang musika ng I. Stravinsky. Bumaling sila sa pahinang ito ng musikal na sining lamang sa pagtatapos ng kursong IV, kung saan ang una, panahon ng Ruso ng gawain ng kompositor ay isinasaalang-alang.

Ang atensyon ng mga compiler at mga may-akda ng aklat-aralin ay nakatuon sa parehong pagpapakita ng mga pangkalahatang musikal at makasaysayang proseso ng panahong isinasaalang-alang, at sa pagsusuri ng mga pinakatanyag na gawa na naging mga klasiko ng ating siglo. Dahil sa pambihirang pagiging kumplikado ng mga kaganapan ng musikal na sining ng ika-20 siglo, ang kanilang magkasalungat na kalikasan, mga interseksyon sa isa't isa, at ang kanilang mabilis na pagbabago, ang mga kabanata ng pagsusuri ay nakakuha ng mas malaking lugar sa aklat na ito kaysa sa mga nakaraang edisyon. Gayunpaman, alinsunod sa mga prinsipyo ng metodolohikal ng paksa, hinahangad ng mga compiler na mapanatili ang pagtuon sa mga pagsusuri ng mga gawa sa musika, na sa kasong ito ay inilaan upang ipakita ang pagkakaiba-iba ng mga malikhaing pamamaraan, paraan ng pag-iisip, iba't ibang mga solusyon sa estilista at ang multiplicity ng mga diskarte sa komposisyon ng mga masters ng ating siglo.

Dahil sa ang katunayan na ang libro ay nagbibigay ng isang malawak na panorama ng musikal na sining, at ang pagsusuri sa maraming mga kaso ay napaka-kumplikado (na higit sa lahat ay paunang natukoy ng materyal mismo), ang mga compiler ay itinuturing na posible na tugunan ang aklat na ito sa mga mag-aaral hindi lamang sa pagganap. , ngunit din ng mga teoretikal na departamento ng mga paaralan ng musika. Ang nilalaman ng aklat ay nagbibigay-daan para sa isang piling diskarte dito sa proseso ng edukasyon; ang lalim at detalye ng pag-aaral ng mga kabanata ay tinutukoy ng mga guro mismo, depende sa antas ng paghahanda ng mga mag-aaral, ang materyal na kagamitan ng proseso ng edukasyon na may mga tala at pag-record ng musika at ang diin kurikulum para sa bahaging ito ng kurso ang bilang ng mga oras.
Isang malaking pangkat ng mga may-akda ang gumawa sa aklat na ito. Kaya ang hindi maiiwasang iba't ibang paraan ng paglalahad ng materyal; sa parehong oras, sa mismong diskarte dito, hinahangad ng mga compiler na mapanatili ang pare-parehong mga prinsipyo ng pamamaraan.

NILALAMAN
Mula sa mga compiler
Mga paraan ng pag-unlad ng dayuhang sining ng musikal noong ika-20 siglo.
Kultura ng musika Austria
GUSTAV MAHLER
Vocal na pagkamalikhain. "Mga Kanta ng Wandering Apprentice"
Symphonic na pagkamalikhain. Unang Symphony
ARNOLD SCHOENBERG
Buhay at malikhaing landas
"Nakaligtas mula sa Warsaw"
ALBAN BERG
Buhay at malikhaing landas
Musikal na drama na "Wozzeck"
Konsiyerto para sa biyolin at orkestra
ANTON WEBERN.
Buhay at malikhaing landas
Kultura ng musika ng Alemanya
RICHARD STRAUSS
Buhay at malikhaing landas
Symphonic na pagkamalikhain. Symphonic poems "Don Juan" at "Till Eulenspiegel"
PAUL HINDEMITH
Buhay at malikhaing landas
Symphonic na pagkamalikhain. Symphony "Ang Artist Mathis".
CARL ORF
Buhay at malikhaing landas
Ang mga pangunahing genre ng trabaho ni Carl Orff at ang kanilang mga tampok.
Opera na "Clever Girl"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKY
Buhay at malikhaing landas
"Simponya ng Mga Awit"
Opera "Oedipus Rex"
Kultura ng musika ng France.
ARTHUR HONEGGER
Buhay at malikhaing landas
Theatrical at oratorio creativity. Oratorio "Joan of Arc sa taya"
Symphonic na pagkamalikhain. Ikatlong Symphony ("Liturgical")
DARIUS MILLO
Buhay at malikhaing landas
Vocal-instrumental, pagkamalikhain. "Fire Castle"
FRANCIS POULENC
Buhay at malikhaing landas
Opera "Ang Tinig ng Tao"
Kultura ng musika ng Espanya
MANUEL DE FALLA
Buhay at malikhaing landas
Ballet "Mahalin ang Sorceress"
Opera "Isang Maikling Buhay"