Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Dmitry Shostakovich. 1906 - 1975

Musika
D.D.Sh.

Isang bagay na mahimalang nasusunog sa kanya,
At sa harap ng aming mga mata ay pinutol ang mga gilid nito.
Siya lang ang nagsasalita sa akin,
Kapag ang iba ay takot lumapit.
Nang lumingon ang huling kaibigan,
Siya ang kasama ko sa aking libingan
At kumanta siya tulad ng unang bagyo,
Parang nagsimulang magsalita ang lahat ng bulaklak.
Anna Akhmatova. 1957-1958

Ipinanganak si Shostakovich at nabuhay sa mahirap at kontrobersyal na panahon. Hindi siya palaging sumunod sa mga patakaran ng partido; minsan ay sumasalungat siya sa mga awtoridad, kung minsan ay tumatanggap ng kanilang pag-apruba.
Ang Shostakovich ay isang natatanging kababalaghan sa kasaysayan ng kultura ng musika sa mundo. Ang kanyang obra, tulad ng walang ibang artista, ay sumasalamin sa ating masalimuot, malupit na panahon, ang mga kontradiksyon at kalunus-lunos na kapalaran ng sangkatauhan, at isinasama ang mga pagkabigla na nangyari sa kanyang mga kontemporaryo. Lahat ng kaguluhan, lahat ng paghihirap ng ating bansa sa ikadalawampu siglo. ipinasa niya ito sa kanyang puso at ipinahayag sa kanyang mga gawa.

Memorial plaque sa bahay 2 sa Podolskaya Street, kung saan siya ipinanganak Dmitry Shostakovich

Larawan ni Mitya Shostakovich gawa ni Boris Kustodiev, 1919

Si Dmitri Shostakovich ay isinilang noong 1906, “sa dulo” ng Imperyo ng Russia, sa St. Petersburg, noong nabubuhay ang Imperyo ng Russia sa mga huling araw nito. Sa pagtatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig at ang kasunod na rebolusyon, ang nakaraan ay tiyak na nabura habang ang bansa ay yumakap sa isang bagong radikal na ideolohiyang sosyalista. Hindi tulad nina Prokofiev, Stravinsky at Rachmaninov, hindi iniwan ni Dmitri Shostakovich ang kanyang tinubuang-bayan upang manirahan sa ibang bansa.

Sofya Vasilievna Shostakovich, ina ng kompositor

Dmitry Boleslavovich Shostakovich, ama ng kompositor

Siya ang pangalawa sa tatlong anak: ang kanyang nakatatandang kapatid na si Maria ay naging isang pianista, at ang kanyang nakababatang kapatid na babae na si Zoya ay naging isang beterinaryo. Nag-aral si Shostakovich sa isang pribadong paaralan, at pagkatapos noong 1916 - 1818, sa panahon ng rebolusyon at pagbuo Uniong Sobyet, nag-aral sa paaralan ng I. A. Glyasser.

Oras na para sa pagbabago

Ang gusali ng St. Petersburg Conservatory, kung saan pumasok ang labintatlong taong gulang na si Shostakovich noong 1919

Klase ng M. O. Steinberg sa Petrograd Conservatory. Si Dmitry Shostakovich ay nakatayo sa dulong kaliwa

Nang maglaon, ang hinaharap na kompositor ay pumasok sa Petrograd Conservatory. Tulad ng maraming iba pang mga pamilya, siya at ang kanyang mga mahal sa buhay ay natagpuan ang kanilang sarili sa isang mahirap na sitwasyon - ang patuloy na gutom ay nagpapahina sa katawan at, noong 1923, si Shostakovich ay agad na pumunta sa isang sanatorium sa Crimea para sa mga kadahilanang pangkalusugan. Noong 1925 nagtapos siya sa conservatory. Thesis work batang musikero ay ang First Symphony, na agad na nagdala sa 19 na taong gulang na batang lalaki ng malawak na katanyagan sa tahanan at sa Kanluran.

Unang edisyon ng First Symphony. 1927

Noong 1927, nakilala niya si Nina Varzar, isang mag-aaral na nag-aaral ng pisika, na kalaunan ay pinakasalan niya. Sa parehong taon siya ay naging isa sa walong finalists sa Pandaigdigang kompetisyon sila. Chopin sa Warsaw, at ang nagwagi ay ang kanyang kaibigan na si Lev Oborin.

Si Dmitri Shostakovich ay gumaganap ng Unang Piano Concerto. Konduktor A. Orlov

Ang mundo ay nasa digmaan. 1936

Mahirap ang buhay, at upang patuloy na masuportahan ang kanyang pamilya at ang kanyang biyudang ina, gumawa si Shostakovich ng musika para sa mga pelikula, ballet at teatro. Nang maupo si Stalin sa kapangyarihan, naging mas kumplikado ang sitwasyon.

Mula pa sa pelikula "Ang Pagbabalik ni Maxim". Mga Direktor G. Kozintsev, L. Trauberg, kompositor D. Shostakovich

Ang karera ni Shostakovich ay nakaranas ng mabilis na pagtaas at pagbaba ng maraming beses, ngunit ang pagbabago sa kanyang kapalaran ay noong 1936, nang dumalo si Stalin sa kanyang opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk" batay sa kuwento ni N. S. Leskov at nabigla sa kanyang matalas na pangungutya at makabagong musika. Sumunod kaagad ang opisyal na reaksyon. Ang pahayagan ng gobyerno na Pravda, sa isang artikulo na pinamagatang “Pagkaguluhan sa halip na Musika,” ay sumailalim sa opera sa tunay na pagkawasak, at si Shostakovich ay kinilala bilang isang kaaway ng mga tao. Ang opera ay agad na tinanggal mula sa repertoire sa Leningrad at Moscow. Napilitan si Shostakovich na kanselahin ang premiere ng kanyang kamakailang natapos na Symphony No. 4, sa takot na maaaring magdulot ito ng higit pang gulo, at nagsimulang magtrabaho sa isang bagong symphony. Sa mga kakila-kilabot na mga taon Nagkaroon ng panahon kung kailan nabuhay ang kompositor ng maraming buwan, umaasang arestuhin anumang sandali. Natulog siyang nakabihis at may inihanda na maliit na maleta.

Ang mga pangunahing kinatawan ng "pormalismo" sa musika ng Sobyet ay S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturian. Larawan mula sa huling bahagi ng 1940s.

Kasabay nito, inaresto ang kanyang mga kamag-anak. Nanganib din ang kanyang kasal dahil sa isang relasyon. Ngunit sa pagsilang ng kanilang anak na babae na si Galina noong 1936, bumuti ang sitwasyon.
Hinabol ng press, isinulat niya ang kanyang Symphony No. 5, na, sa kabutihang palad, ay isang mahusay na tagumpay. Ito ang unang paghantong ng symphonic na gawa ng kompositor nito noong 1937 ay isinagawa ng batang si Evgeniy Mravinsky.

1941

Dmitry Shostakovich sa isang klase sa pagpatay ng mga aerial bomb. Leningrad, Hulyo 1941

At pagkatapos ay dumating ang kakila-kilabot na taon 1941. Mula sa simula ng digmaan, nagsimulang magtrabaho ang kompositor sa Seventh Symphony. Natapos ng kompositor ang symphony na nakatuon sa kabayanihan ng kanyang katutubong lungsod sa Kuibyshev, kung saan siya at ang kanyang pamilya ay inilikas. Natapos ng kompositor ang symphony, ngunit hindi ito maisagawa sa kinubkob na Leningrad. Isang orkestra na hindi kukulangin sa isang daang tao ang kailangan upang matutunan ang piyesa. Walang orkestra, walang lakas, walang oras na malaya mula sa pambobomba at paghihimay. Samakatuwid, ang "Leningrad" Symphony ay unang ginanap sa Kuibyshev noong Marso 1942. Pagkaraan ng ilang panahon, isa sa mga pinakamahusay na konduktor sa mundo, si Arturo Toscanini, ay nagpakilala sa publiko sa paglikha na ito sa USA. Ang iskor ay pinalipad sa New York ng sasakyang panghimpapawid ng militar.
At ang mga Leningraders, na napapalibutan ng blockade, ay nagtipon ng lakas. Mayroong ilang mga musikero sa lungsod na walang oras upang lumikas. Ngunit hindi sapat ang mga ito. Pagkatapos ang pinakamahusay na mga musikero mula sa hukbo at hukbong-dagat ay ipinadala sa lungsod. Kaya, isang malaking symphony orchestra ang nabuo sa kinubkob na Leningrad. Ang mga bomba ay sumabog, ang mga bahay ay gumuho at nasunog, ang mga tao ay halos hindi makagalaw sa gutom. At ang orkestra ay nagsasanay ng symphony ni Shostakovich. Ito ay ginanap sa Leningrad noong Agosto 1942.

L. A. Rusov. Symphony ng Leningrad. Isinagawa ni E. A. Mravinsky. 1980. Langis sa canvas. Pribadong koleksyon, Russia

Ang isa sa mga dayuhang pahayagan ay sumulat: "Ang isang bansa na ang mga artista sa malupit na mga araw na ito ay lumikha ng mga gawa ng walang kamatayang kagandahan at mataas na espiritu ay hindi magagapi!"
Noong 1943, lumipat ang kompositor sa Moscow. Bago matapos ang digmaan, isinulat niya ang Eighth Symphony, na nakatuon sa kahanga-hangang konduktor, ang unang tagapalabas ng lahat ng kanyang mga symphony na nagsisimula sa Fifth, E. Mravinsky. Mula noon, ang buhay ni D. Shostakovich ay konektado sa kabisera. Siya ay nakikibahagi sa pagkamalikhain, pedagogy, at nagsusulat ng musika para sa mga pelikula.

Mula pa sa pelikula "batang bantay". Direktor S. Gerasimov, kompositor D. Shostakovich

Mga taon pagkatapos ng digmaan

Noong 1948, muling nagkaroon ng problema si Shostakovich sa mga awtoridad; Pagkalipas ng isang taon, siya ay tinanggal mula sa konserbatoryo, at ang kanyang mga komposisyon ay pinagbawalan mula sa pagganap. Ang kompositor ay patuloy na nagtatrabaho sa teatro at industriya ng pelikula (sa pagitan ng 1928 at 1970 ay sumulat siya ng musika para sa halos 40 na pelikula).
Ang pagkamatay ni Stalin noong 1953 ay nagdulot ng kaunting ginhawa. Nakaramdam siya ng relatibong kalayaan. Ito ay nagbigay-daan sa kanya na palawakin at pagyamanin ang kanyang istilo at lumikha ng mga gawa na may higit na kahusayan at saklaw, na madalas na sumasalamin sa karahasan, kakila-kilabot at kapaitan ng mga panahong nabuhay ang kompositor.
Bumisita si Shostakovich sa Great Britain at America at lumikha ng higit pang mga engrandeng gawa.
60s pumasa sa ilalim ng tanda ng lalong lumalalang kalusugan. Ang kompositor ay dumaranas ng dalawang atake sa puso, at nagsimula ang isang sakit ng central nervous system. Dumarami, ang mga tao ay kailangang manatili sa ospital nang mahabang panahon. Ngunit sinusubukan ni Shostakovich na manguna sa isang aktibong pamumuhay at sumulat, kahit na bawat buwan ay lumalala siya.

Ang huling larawan ni Dmitry Shostakovich, Mayo 1975

Inabot ng kamatayan ang kompositor noong Agosto 9, 1975. Ngunit kahit pagkamatay, hindi siya pinabayaan ng makapangyarihang mga awtoridad. Sa kabila ng pagnanais ng kompositor na mailibing sa kanyang tinubuang-bayan, sa Leningrad, inilibing siya sa prestihiyosong Novodevichy Cemetery sa Moscow.

Ang lapida ni Shostakovich sa Novodevichy Cemetery na may larawan ng isang monogram ng musika

Ang libing ay ipinagpaliban sa Agosto 14 dahil walang oras na dumating ang mga dayuhang delegasyon. Si Shostakovich ay isang "opisyal" na kompositor, at siya ay opisyal na inilibing na may malalakas na talumpati mula sa mga kinatawan ng partido at gobyerno na pumuna sa kanya sa loob ng maraming taon.
Pagkamatay niya, opisyal siyang idineklara na isang tapat na miyembro ng Partido Komunista.

Mga parangal at parangal ng kompositor:

People's Artist ng USSR (1954)
State Prize Laureate (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968, 1974)
Laureate International Prize Mira (1954)
Nagwagi ng Lenin Prize (1958)
Bayani Sosyalistang Paggawa (1966)

Sa pagsasalita tungkol sa mga gawa ni Shostakovich, kailangan naming hawakan ang ilan mga tampok na istilo kanyang pagkamalikhain. Ngayon ay kailangan nating ibuod kung ano ang sinabi at ituro ang mga tampok ng estilo na hindi pa nakakatanggap ng kahit isang maikling paglalarawan sa aklat na ito. Ang mga gawaing kinakaharap ngayon ng may-akda ay kumplikado sa kanilang sarili. Sila ay nagiging mas kumplikado dahil ang libro ay hindi lamang inilaan para sa mga dalubhasang musikero. Mapipilitan akong alisin ang karamihan sa kung ano ang konektado sa teknolohiya ng musika at espesyal na pagsusuri sa musika. Gayunpaman, imposibleng pag-usapan ang tungkol sa estilo ng komposisyon, tungkol sa musikal na wika, nang hindi hinahawakan ang mga teoretikal na isyu. Kakailanganin ko silang hawakan, kahit sa maliit na lawak.
Ang isa sa mga pangunahing problema ng estilo ng musika ay nananatiling problema ng melos. Babaling tayo sa kanya.
Minsan sa mga klase ni Dmitry Dmitrievich kasama ang kanyang mga mag-aaral, lumitaw ang isang pagtatalo: ano ang mas mahalaga - ang himig (tema) o ang pag-unlad nito. Tinukoy ng ilan sa mga estudyante ang unang paggalaw ng Fifth Symphony ni Beethoven. Ang tema mismo ng kilusang ito ay elementarya, hindi kapansin-pansin, at lumikha si Beethoven ng isang napakatalino na gawa batay dito! At sa unang Allegro ng Third Symphony ng parehong may-akda, ang pangunahing bagay ay wala sa tema, ngunit sa pag-unlad nito. Sa kabila ng mga argumentong ito, ipinagtalo ni Shostakovich na ang pampakay na materyal, ang himig, ay may pangunahing kahalagahan pa rin sa musika.
Ang mga salitang ito ay kinumpirma ng gawa mismo ni Shostakovich.
Ang isa sa mga mahahalagang katangian ng makatotohanang sining ng musika ay ang pagiging kanta, na malawak na ipinakita sa mga instrumental na genre. Ang salitang ito sa kasong ito ay malawak na nauunawaan. Ang pagiging songful ay hindi lilitaw sa kanyang "dalisay" na anyo at madalas na pinagsama sa iba pang mga uso. Ito ang kaso sa musika ng kompositor kung kanino inilaan ang gawaing ito.
Bumaling sa iba't ibang mga mapagkukunan ng kanta, hindi pinansin ni Shostakovich ang sinaunang alamat ng Russia. Ang ilan sa kanyang mga melodies ay lumago mula sa mga hugot na liriko na kanta, iyak at panaghoy, mga epikong epiko, at mga himig ng sayaw. Ang kompositor ay hindi kailanman sumunod sa landas ng stylization o archaic etnography; malalim niyang pinroseso ang folklore melodic turns alinsunod sa mga indibidwal na katangian ng kanyang musikal na wika.
Mayroong vocal interpretation ng mga sinaunang katutubong kanta sa "The Execution of Stepan Razin" at sa "Katerina Izmailova". Pinag-uusapan natin, halimbawa, ang tungkol sa mga convict choir. Sa sariling papel ni Kaverina, ang mga intonasyon ng liriko at pang-araw-araw na pag-iibigan sa lunsod ng unang kalahati ng huling siglo ay muling nabuhay (tulad ng nabanggit na). Ang kanta ng “shabby little man” (“I had a godfather”) ay puno ng dance chants at himig.
Alalahanin natin ang ikatlong bahagi ng oratorio na "Awit ng mga Kagubatan" ("Memory of the Past"), ang himig nito ay nakapagpapaalaala sa "Luchinushka". Sa ikalawang bahagi ng oratorio ("Bihisan natin ang Inang Bayan sa mga kagubatan"), bukod sa iba pang mga awit, ang unang pagliko ng kantang "Hey, let's whoop" ay kumikislap sa iba pang mga awit. At ang tema ng huling fugue ay umaalingawngaw sa himig ng sinaunang awiting "Glory".
Lumilitaw ang mga malungkot na liko ng panaghoy at panaghoy sa ikatlong bahagi ng oratorio, at sa tulang koro na "The Ninth of January", at sa Eleventh Symphony, at sa ilang preludes at fugues ng piano.
Gumawa si Shostakovich ng maraming instrumental na melodies na nauugnay sa folk genre liriko na kanta. Kabilang dito ang mga tema ng unang kilusan ng Trio, ang finale ng Second Quartet, ang mabagal na paggalaw ng First Cello Concerto - ang listahang ito, siyempre, ay maaaring ipagpatuloy. Hindi mahirap makahanap ng mga buto ng kanta sa mga melodies ni Shostakovich, batay sa mga waltz na ritmo. Ang globo ng Russian folk dance ay inihayag sa mga finale ng First Violin Concerto, ang Tenth Symphony (side part).
Ang rebolusyonaryong pagsulat ng kanta ay sumasakop sa isang makabuluhang lugar sa musika ni Shostakovich. Marami nang nasabi tungkol dito. Kasabay ng magiting na aktibong intonasyon ng mga awitin ng rebolusyonaryong pakikibaka, ipinakilala ni Shostakovich sa kanyang musika ang mga melodic na liko ng matapang na malungkot na mga kanta ng pampulitikang mahirap na paggawa at pagpapatapon (smooth triplet moves na may nangingibabaw na pababang kilusan). Ang ganitong mga intonasyon ay pumupuno sa ilang tula ng koro. Ang parehong uri ng melodic na paggalaw ay matatagpuan sa Sixth at Tenth Symphony, bagama't ang nilalaman nito ay malayo sa mga tula ng koro.
At ang isa pang kanta na "reservoir" na nagpakain sa musika ni Shostakovich ay mga kanta ng masa ng Sobyet. Siya mismo ang lumikha ng mga gawa ng ganitong genre. Ang koneksyon sa kanyang melodic sphere ay pinaka-kapansin-pansin sa oratorio na "Song of the Forests," ang cantata "The Sun Shines Over Our Motherland," at ang Festive Overture.
Ang mga tampok ng operatic aria style, bilang karagdagan sa "Katerina Izmailova," ay lumitaw sa Shostakovich's Thirteenth and Fourteenth Symphony at chamber vocal cycles. Mayroon din siyang mga instrumental na cantilena na nakapagpapaalaala sa isang aria o romansa (ang oboe na tema mula sa pangalawang kilusan at ang solong plauta mula sa Adagio ng Ikapitong Symphony).
Ang lahat ng nabanggit sa itaas ay isang mahalagang bahagi ng gawain ng kompositor. Kung wala sila ay hindi ito mabubuhay. Gayunpaman, ang kanyang malikhaing sariling katangian pinaka-malinaw na ipinahayag sa ilang iba pang mga elemento ng estilista. Ibig kong sabihin, halimbawa, recitativity - hindi lamang vocal, ngunit lalo na instrumental.
Ang isang melodikal na rich recitative, na naghahatid hindi lamang ng mga intonasyon ng pakikipag-usap, kundi pati na rin ang mga kaisipan at damdamin ng mga karakter, ay pumupuno sa "Katerina Izmailova". Ikot “Mula sa Hudyo katutubong tula"nagbibigay ng mga bagong halimbawa ng mga partikular na katangiang pangmusika na ipinatupad ng mga diskarte sa boses at pagsasalita. Ang vocal declamation ay sinusuportahan ng instrumental declamation (piano part). Ang ugali na ito ay nabuo sa mga sumunod na vocal cycle ni Shostakovich.
Ang instrumental recitativity ay nagpapakita ng patuloy na pagnanais ng kompositor na ihatid ang pabago-bago at pabagu-bagong "musika ng pananalita" sa pamamagitan ng instrumental na paraan. Narito ang isang malaking saklaw para sa mga makabagong pakikipagsapalaran ay nagbukas sa harap niya.
Kapag nakikinig tayo sa ilan sa mga symphony ni Shostakovich at iba pang mga instrumental na gawa, tila nabubuhay ang mga instrumento, nagiging mga tao, mga karakter sa drama, trahedya, at kung minsan ay komedya. Ang isang tao ay nakakakuha ng pakiramdam na ito ay "isang teatro kung saan ang lahat ay halata, hanggang sa punto ng pagtawa o luha" (mga salita ni K. Fedin tungkol sa musika ni Shostakovich). Ang isang galit na tandang ay nagbibigay daan sa isang bulong, isang malungkot na bulalas, isang daing ay nagiging mapanuksong tawa. Ang mga instrumento ay kumakanta, umiiyak at tumatawa. Siyempre, ang impresyong ito ay nilikha hindi lamang ng mga intonasyon mismo; Ang papel ng mga timbre ay lubhang mahalaga.
Ang declamatory na katangian ng instrumentalism ni Shostakovich ay nauugnay sa monologo ng pagtatanghal. Mayroong mga instrumental na monologue sa halos lahat ng kanyang mga symphony, kabilang ang huli - ang Ikalabinlima, sa violin at cello concertos, at quartets. Ang mga ito ay pinalawak, malawak na binuo na mga melodies na nakatalaga sa isang instrumento. Ang mga ito ay minarkahan ng ritmikong kalayaan, kung minsan sa pamamagitan ng isang improvisational na istilo, at sila ay nailalarawan sa pamamagitan ng oratorical expressiveness.
At isa pang "zone" ng melos, kung saan ang pagiging malikhain ni Shostakovich ay nagpakita ng sarili nitong may malaking puwersa. - "zone" ng purong instrumentalism, malayo sa parehong songfulness at "conversational" intonations. Kabilang dito ang mga paksa kung saan maraming "kinks" at "matalim na sulok". Ang isa sa mga tampok ng mga temang ito ay ang kasaganaan ng melodic leaps (ikaanim, ikapito, oktaba, wala). Gayunpaman, ang ganitong mga paglukso o paghagis ng melodic na boses ay madalas ding nagpapahayag ng declamatory oratorical na prinsipyo. Ang instrumental melody ni Shostakovich ay minsan maliwanag na nagpapahayag, at kung minsan ito ay nagiging motoristic, sadyang "mekanikal" at napakalayo sa emosyonal na mainit na intonasyon. Ang mga halimbawa ay ang fugue mula sa unang paggalaw ng Fourth Symphony, ang "toccata" mula sa Eighth, at ang piano fugue na Des major.
Tulad ng ilang iba pang mga kompositor ng ika-20 siglo, ang Shostakovich ay malawakang gumamit ng melodic turns na may nangingibabaw na pang-apat na hakbang (ang mga ganitong galaw ay bihirang ginagamit noon). Ang Unang Violin Concerto ay puno ng mga ito (ang pangalawang tema ng gilid na bahagi ng Nocturne, Scherzo, Passacaglia). Ang tema ng piano fugue sa B major ay hinabi mula sa quarts. Ang mga galaw sa ikaapat at ikalima ay bumubuo sa tema ng kilusang "Alerto" mula sa Ika-labing-apat na Symphony. Tungkol sa papel na ginagampanan ng kilusang quart sa romansa na "Saan nagmula ang gayong lambing?" sa mga salita ni M. Tsvetaeva ay nasabi na. Iba ang interpretasyon ni Shostakovich sa ganitong uri ng parirala. Ang quart movement ay thematic grain ng kahanga-hangang lyrical melody ni Andantino mula sa Fourth Quartet. Ngunit mayroon ding mga galaw na katulad ng istraktura sa scherzo, trahedya at heroic na tema ng kompositor.
Madalas na ginagamit ng Scriabin ang ikaapat na melodic sequence; para sa kanya ang mga ito ay isang napaka-espesipikong kalikasan, bilang ang nangingibabaw na pag-aari ng mga kabayanihan na tema ("Tula ng Ecstasy", "Prometheus", late piano sonatas). Sa gawain ni Shostakovich, ang gayong mga intonasyon ay nakakakuha ng pangkalahatang kahulugan.
Ang mga tampok ng melodic style ng aming kompositor, pati na rin ang harmony at polyphony, ay hindi mapaghihiwalay sa mga prinsipyo ng modal thinking. Narito ang mga indibidwal na tampok ng kanyang estilo ay may pinakamalaking epekto. mas kapansin-pansin. Gayunpaman, ang lugar na ito, marahil higit pa kaysa sa anumang iba pang lugar ng pagpapahayag ng musikal, ay nangangailangan ng propesyonal na pag-uusap gamit ang mga kinakailangang teoretikal na konsepto.
Hindi tulad ng iba mga modernong kompositor, hindi sinundan ni Shostakovich ang landas ng malawak na pagtanggi sa mga pattern na iyon pagkamalikhain sa musika, na binuo at napabuti sa paglipas ng mga siglo. Hindi niya sinubukan na itapon ang mga ito at palitan ang mga ito ng mga musical system na ipinanganak noong ika-20 siglo. Kasama sa kanyang malikhaing mga prinsipyo ang pag-unlad at pagpapanibago ng luma. Ito ang landas ng lahat ng magagaling na artista, dahil ang tunay na pagbabago ay hindi nagbubukod ng pagpapatuloy sa kabaligtaran, ipinapalagay nito ang presensya nito: ang "koneksyon ng mga panahon" ay hindi kailanman, sa ilalim ng anumang mga pangyayari, ay mawawasak. Nalalapat din ang nasa itaas sa ebolusyon ng mode sa gawa ni Shostakovich.
Kahit na si Rimsky-Korsakov ay tama na nakakita ng isa sa pambansang katangian Ang musikang Ruso sa paggamit ng tinatawag na sinaunang mga mode (Lydian, Mixolydian, Phrygian, atbp.)” na nauugnay sa mas karaniwang modernong mga mode - major at minor. Ipinagpatuloy ni Shostakovich ang tradisyong ito. Ang Aeolian mode (natural minor) ay nagdaragdag ng espesyal na alindog sa magandang fugue na tema mula sa quintet at pinahuhusay ang diwa ng Russian lyrical songwriting. Ang madamdamin, napakahigpit na himig ng Intermezzo mula sa parehong cycle ay binubuo sa parehong pagkakatugma. Ang pakikinig dito, muli mong naaalala ang mga melodies ng Russia, mga liriko ng musikal na Ruso - katutubong at propesyonal. Ituturo ko rin ang tema mula sa unang bahagi ng Trio, na mayaman sa mga pariralang pinagmulan ng alamat. Ang simula ng Seventh Symphony ay isang halimbawa ng isa pang mode - ang Lydian na "White" (iyon ay, ginanap sa mga puting key lamang) fugue sa C major mula sa koleksyon na "24 Preludes and Fugues" ay isang bouquet ng iba't ibang mga mode. . Sumulat si S.S. Skrebkov tungkol dito: "Ang tema, na pumapasok mula sa iba't ibang antas ng C major scale, ay tumatanggap ng bagong modal coloring: sa fugue lahat ng pitong posibleng modal inclinations ng diatonic scale ay ginagamit"1.
Ginagamit ni Shostakovich ang mga mode na ito nang mapag-imbento at banayad, sa paghahanap ng mga sariwang kulay sa loob ng mga ito. Gayunpaman, ang pangunahing bagay dito ay hindi ang kanilang aplikasyon, ngunit ang kanilang malikhaing muling pagtatayo.
Sa Shostakovich, kung minsan ang isang mode ay mabilis na nagbibigay daan sa isa pa, at ito ay nangyayari sa loob ng balangkas ng isang istruktura ng musika, isang tema. Ang pamamaraan na ito ay isa sa mga paraan na nagbibigay ng pagka-orihinal sa wikang musikal. Ngunit ang pinakamahalagang bagay sa interpretasyon ng mode ay ang madalas na pagpapakilala ng mas mababang (mas madalas na mas mataas) na mga hakbang ng sukat. Kapansin-pansing binago nila ang "malaking larawan." Ang mga bagong mode ay ipinanganak, ang ilan sa mga ito ay hindi ginamit bago ang Shostakovich na ito ay nagpapakita ng kanilang mga sarili hindi lamang sa himig, kundi pati na rin sa pagkakaisa, sa lahat ng aspeto ng pag-iisip ng musika.
Ang isa ay maaaring magbigay ng maraming mga halimbawa ng paggamit ng kompositor ng kanyang sariling, "Shostakovich" na mga mode, at detalyado ang mga ito. pag-aralan. Ngunit ito ay isang espesyal na gawain 2. Dito ko lilimitahan ang aking sarili sa ilang komento lamang.

1 Skrebkov S. Preludes and Fugues ni D. Shostakovich. - "Soviet Music", 1953, No. 9, p. 22.
Pinag-aralan ng musicologist ng Leningrad na si A.N. Dolzhansky. Siya ang unang nakatuklas ng ilang mahahalagang pattern ng modal thinking ng kompositor.
Malaki ba ang papel ng isa sa mga Shostakovich mode na ito? sa Eleventh Symphony. Tulad ng nabanggit na, tinukoy niya ang istraktura ng pangunahing butil ng intonation ng buong cycle. Ang leitintonation na ito ay tumatagos sa buong symphony, na nag-iiwan ng partikular na modal imprint sa pinakamahalagang seksyon nito.
Ang Ikalawang Piano Sonata ay lubos na nagpapahiwatig ng estilo ng modal ng kompositor. Ang isa sa mga paboritong mode ni Shostakovich (menor de edad na may mababang ikaapat na antas) ay nagbigay-katwiran sa hindi pangkaraniwang ratio ng mga pangunahing susi sa unang paggalaw (ang unang tema ay H minor, ang pangalawa ay Es major; kapag ang mga tema ay pinagsama sa muling pagbabalik, ang dalawang ito. sabay-sabay na tunog ng mga susi). Napansin ko na sa maraming iba pang mga gawa, ang mga mode ni Shostakovich ay nagdidikta sa istraktura ng tonal plane.
Minsan ay unti-unting binababad ni Shostakovich ang melody na may mababang antas, na nagpapahusay sa oryentasyon ng modal. Ito ang kaso hindi lamang sa mga partikular na instrumental na tema na may kumplikadong melodic profile, kundi pati na rin sa ilang mga tema ng kanta na lumalago mula sa simple at malinaw na intonasyon (ang tema ng finale ng Second Quartet).
Bilang karagdagan sa iba pang mga ibinabang antas, ipinakilala ni Shostakovich ang VIII na mababa. Ang sitwasyong ito ay may partikular na kahalagahan. Noong nakaraan, sinabi ang tungkol sa hindi pangkaraniwang pagbabago (pagbabago) ng "lehitimong" hakbang ng pitong hakbang na sukat. Ngayon ay pinag-uusapan natin ang katotohanan na ang kompositor ay lehitimo ang isang antas na hindi alam sa lumang klasikal na musika, na sa pangkalahatan ay maaari lamang umiral sa isang pinababang anyo. Hayaan akong ipaliwanag sa isang halimbawa. Isipin natin, hindi bababa sa, isang D minor scale: D, E, F, G, A, B-flat, C. At pagkatapos ay sa halip na D sa susunod na oktaba, ang D-flat, ang ikawalong mababang hakbang, ay biglang lumitaw. Sa mode na ito (na may partisipasyon ng pangalawang mababang hakbang) na ang tema ng pangunahing bahagi ng unang paggalaw ng Fifth Symphony ay binubuo.
Ang VIII mababang hakbang ay nagpapatunay sa prinsipyo ng hindi pagsasara ng mga octaves. Ang pangunahing tono ng mode (sa halimbawang ibinigay - D) ang isang octave na mas mataas ay huminto sa pagiging pangunahing tono at ang oktaba ay hindi nagsasara. Ang pagpapalit ng purong oktaba para sa pinababang isa ay maaari ding maganap kaugnay ng iba pang antas ng sukat. Nangangahulugan ito na kung sa isang rehistro ang modal sound ay, halimbawa, C, kung gayon sa isa pang ganoong tunog ay magiging C-flat. Ang mga ganitong kaso ay madalas na nangyayari sa Shostakovich. Ang pagkabigong isara ang mga oktaba ay humahantong sa pagrehistro ng "paghahati" ng antas.
Ang kasaysayan ng musika ay nakakaalam ng maraming mga kaso kung kailan ang mga ipinagbabawal na pamamaraan ay naging pinahihintulutan at maging normatibo. Ang pamamaraan na tinalakay ay dating tinatawag na "listahan". Ito ay inuusig at sa mga kondisyon ng lumang musikal na pag-iisip ay talagang nagbigay ito ng impresyon ng kasinungalingan. Ngunit sa musika ni Shostakovich ay hindi ito nagtataas ng mga pagtutol, dahil ito ay tinutukoy ng mga kakaibang istraktura ng modal.
Ang mga mode na binuo ng kompositor ay nagbigay ng isang buong mundo ng mga katangian na intonasyon - matalim, kung minsan ay tila "tusok". Pinapahusay nila ang trahedya o dramatikong pagpapahayag ng maraming pahina ng kanyang musika, na nagbibigay sa kanya ng pagkakataong ihatid ang iba't ibang mga nuances ng mga damdamin, mood, panloob na mga salungatan at mga kontradiksyon. Ang pagiging tiyak ng kanyang mga multi-valued na imahe, na naglalaman ng kagalakan at kalungkutan, kalmado at pagkaalerto, walang malasakit at matapang na kapanahunan, ay nauugnay sa mga kakaibang istilo ng estilo ng kompositor. Ang mga ganitong larawan ay imposibleng malikha gamit ang mga tradisyonal na pamamaraan ng modal lamang.
Sa ilang, hindi madalas, mga kaso, Shostakovich resorts sa bitonality, iyon ay, sa sabay-sabay na tunog ng dalawang tonalities. Sa itaas ay pinag-usapan natin ang bitonality sa unang paggalaw ng Second Piano Sonata. Ang isa sa mga fugue section sa ikalawang bahagi ng Fourth Symphony ay nakasulat sa polytonally: apat na tonality ang pinagsama dito - d-moll, es-moll, e-moll at f-moll.
Batay sa major at minor, malayang binibigyang-kahulugan ni Shostakovich ang mga pangunahing mode na ito. Minsan sa mga yugto ng pag-unlad ay iniiwan niya ang tonal sphere; ngunit siya ay palaging bumabalik dito. Kaya, ang isang navigator, na natangay mula sa pampang ng isang bagyo, ay may kumpiyansa na pinamamahalaan ang kanyang barko patungo sa daungan.
Ang mga harmonies na ginamit ni Shostakovich ay lubhang iba-iba. Sa ikalimang eksena ng "Katerina Izmailova" (ang eksena kasama ang multo) mayroong isang pagkakatugma na binubuo ng lahat ng pitong tunog ng diatonic series (kung saan ang ikawalong tunog ay idinagdag sa bass). At sa pagtatapos ng pag-unlad ng unang kilusan ng Ika-apat na Symphony nakita namin ang isang chord na binuo mula sa labindalawa. iba't ibang tunog! Ang harmonic na wika ng kompositor ay nagbibigay ng mga halimbawa ng parehong mahusay na kumplikado at pagiging simple. Ang mga harmoniya ng cantata "Ang araw ay sumisikat sa ating Inang Bayan" ay napakasimple. Ngunit ang maharmonya na istilo ng gawaing ito ay hindi katangian ni Shostakovich. Ang isa pang bagay ay ang pagkakatugma ng kanyang mga huling gawa, na pinagsasama ang makabuluhang kalinawan, kung minsan ay transparency na may pag-igting. Ang pag-iwas sa mga kumplikadong polyphonic complex, ang kompositor ay hindi pinasimple ang harmonic na wika, na nagpapanatili ng talas at pagiging bago.
Karamihan sa pagkakaisa ni Shostakovich ay nabuo sa pamamagitan ng paggalaw ng melodic voices ("mga linya"), kung minsan ay bumubuo ng mga rich sound complex. Sa madaling salita, ang pagkakaisa ay madalas na lumitaw batay sa polyphony.
Si Shostakovich ay isa sa mga pinakadakilang polyphonist ng ika-20 siglo. Para sa kanya, ang polyphony ay isa sa napakahalagang paraan ng musikal na sining. Ang mga nagawa ni Shostakovich sa lugar na ito ay nagpayaman sa kultura ng musika sa mundo; sa parehong oras, minarkahan nila ang isang mabungang yugto sa kasaysayan ng polyphony ng Russia.
Ang pinakamataas na polyphonic form ay ang fugue. Sumulat si Shostakovich ng maraming fugues - para sa orkestra, koro at orkestra, quintet, quartet, piano. Ipinakilala niya ang form na ito hindi lamang sa mga symphony at chamber works, kundi pati na rin sa ballet ("Golden Age") at musika sa pelikula ("Golden Mountains"). Nagbigay siya ng bagong buhay sa fugue at pinatunayan na maaari itong magsama ng iba't ibang tema at larawan ng ating panahon.
Sumulat si Shostakovich ng mga fugue sa dalawa, tatlo, apat at limang boses, simple at doble, at gumamit ng iba't ibang mga diskarte sa mga ito na nangangailangan ng mataas na kasanayan sa polyphonic.
Ang kompositor ay naglagay din ng maraming malikhaing katalinuhan sa passacaglia. Isinailalim niya ang sinaunang anyo na ito, tulad ng fugue form, sa paglutas ng mga problemang nauugnay sa sagisag ng modernong realidad. Halos lahat ng passacaglia ni Shostakovich ay kalunos-lunos at naglalaman ng mahusay na nilalamang humanistic. Pinag-uusapan nila ang mga biktima ng kasamaan at nilalabanan ang kasamaan, pinaninindigan ang mataas na sangkatauhan.
Ang polyphonic style ni Shostakovich ay hindi limitado sa mga form na nabanggit sa itaas. Ito ay nagpakita ng sarili sa iba pang mga anyo. Ibig kong sabihin ang lahat ng uri ng interweaving ng iba't ibang mga tema, ang kanilang polyphonic development sa mga exposition, development ng mga bahagi na kumakatawan sa isang sonata form. Hindi pinansin ng kompositor ang Russian subvocal polyphony, ipinanganak katutubong sining(choral poems "To the Street", "Awit", pangunahing paksa unang paggalaw ng Ikasampung Symphony).
Pinalawak ni Shostakovich ang mga estilistang hangganan ng polyphonic classics. Pinagsama niya ang mga pamamaraan na binuo sa paglipas ng mga siglo sa mga bagong pamamaraan na may kaugnayan sa larangan ng tinatawag na linearism. Lumilitaw ang mga tampok nito kung saan ang "pahalang" na paggalaw ng mga melodic na linya ay ganap na nangingibabaw, hindi pinapansin ang harmonic na "vertical". Para sa kompositor, hindi mahalaga kung anong harmonies o sabay-sabay na kumbinasyon ng mga tunog ang lumitaw, ang mahalaga ay ang linya ng boses, ang awtonomiya nito. Si Shostakovich, bilang panuntunan, ay hindi inabuso ang prinsipyong ito ng istraktura ng tela ng musikal (ang labis na sigasig para sa linearism ay makikita lamang sa ilan sa kanyang mga unang gawa, halimbawa, sa Second Symphony). Ginamit niya ito sa mga espesyal na okasyon; sa parehong oras, ang sadyang hindi pagkakapare-pareho ng mga elemento ng polyphonic ay nagbigay ng epekto na malapit sa ingay - ang gayong pamamaraan ay kinakailangan upang maisama ang anti-humanistic na prinsipyo (fugue mula sa unang bahagi ng Ika-apat na Symphony).
Isang matanong, naghahanap na artista, hindi binalewala ni Shostakovich ang ganoong kalat na kalat na kababalaghan sa musika noong ika-20 siglo bilang dodecaphony. Hindi posible sa mga pahinang ito na ipaliwanag nang detalyado ang kakanyahan ng malikhaing sistema na pinag-uusapan natin ngayon. Magiging maikli ako. Ang Dodecaphony ay lumitaw bilang isang pagtatangka na ayusin ang sound material sa loob ng balangkas ng atonal na musika, na kung saan ay dayuhan sa mga batas at prinsipyo ng tonal music - major o minor. Gayunpaman, nang maglaon ay lumitaw ang isang tendensya sa kompromiso, batay sa kumbinasyon ng teknolohiyang dodecaphonic na may tonal na musika. Ang teknolohikal na batayan ng dodecaphony ay isang kumplikado, maingat na binuo na sistema ng mga patakaran at pamamaraan. Ang nakabubuo na prinsipyo ng "konstruksyon" ay nauuna. Ang kompositor, na nagpapatakbo ng labindalawang tunog, ay lumilikha ng iba't ibang mga kumbinasyon ng tunog, kung saan ang lahat ay napapailalim sa mahigpit na pagkalkula at lohikal na mga prinsipyo. Nagkaroon ng maraming debate tungkol sa dodecaphony at ang mga posibilidad nito; walang kakulangan ng mga boses para sa at laban. Ngayon marami na ang naging malinaw. Ang paglilimita sa pagkamalikhain sa loob ng balangkas ng sistemang ito na may walang kundisyong pagpapasakop sa mga mahigpit na panuntunan nito ay nagpapahirap sa sining ng musika at humahantong sa dogmatismo. Ang malayang paggamit ng ilang mga elemento ng dodecaphonic technique (halimbawa, isang serye ng labindalawang-note series) bilang isa sa maraming bahagi ng musikal na bagay ay maaaring magpayaman at mag-renew ng musikal na wika.
Ang posisyon ni Shostakovich ay tumutugma sa mga ito pangkalahatang probisyon. Binalangkas niya ito sa isa sa kanyang mga panayam. Ang American musicologist na si Brown ay iginuhit ang pansin ni Dmitry Dmitrievich sa katotohanan na sa kanyang pinakabagong mga komposisyon ay ginagamit niya paminsan-minsan ang dodecachonic technique. "Ginamit ko talaga ang ilang elemento ng dodecaphony sa mga gawang ito," kinumpirma ni Shostakovich. - Dapat kong, gayunpaman, sabihin na ako ay isang malakas na kalaban ng pamamaraan kung saan ang kompositor ay naglalapat ng ilang uri ng sistema, na nililimitahan ang kanyang sarili lamang sa balangkas at mga pamantayan nito. Ngunit kung nararamdaman ng isang kompositor na kailangan niya ng mga elemento ng isang partikular na pamamaraan, may karapatan siyang kunin ang lahat ng magagamit niya at gamitin ito ayon sa nakikita niyang angkop."
Sa sandaling nagkaroon ako ng pagkakataon na makipag-usap kay Dmitry Dmitrievich tungkol sa dodecaphony sa Ika-labing-apat na Symphony. Tungkol sa isang tema, na isang serye (bahagi ng "On the Lookout"), sinabi niya: "Ngunit noong isinulat ko ito, mas iniisip ko ang tungkol sa ikaapat at ikalima." Ipinahiwatig ni Dmitry Dmitrievich ang isang intervallic na istraktura ng tema, na maaari ring maganap sa mga tema ng ibang pinagmulan. Pagkatapos ay pinag-usapan namin ang tungkol sa dodecaphonic polyphonic episode (fugato) mula sa bahaging "Sa Prison of Saite." At sa pagkakataong ito ay inaangkin ni Shostakovich na siya ay walang gaanong interes sa pamamaraang dodecaphonic mismo. Una sa lahat, hinangad niyang iparating sa pamamagitan ng musika kung ano ang sinasabi ng mga tula ni Apollinaire (ang nakakatakot na katahimikan sa bilangguan, ang mahiwagang kaluskos na isinilang dito).
Ang mga pahayag na ito ay nagpapatunay na para kay Shostakovich ang mga indibidwal na elemento ng sistema ng dodecaphone ay isa lamang sa maraming paraan na ginamit niya upang mapagtanto ang kanyang mga malikhaing konsepto.
Si Shostakovich ay ang may-akda ng isang bilang ng mga sonata cycle, symphonic at chamber (symphony, concertos, sonatas, quartets, quintets, trios). Ang pormang ito ay naging partikular na mahalaga sa kanya. Ito ay pinaka malapit na tumutugma sa kakanyahan ng kanyang trabaho at nagbigay ng sapat na mga pagkakataon upang ipakita ang "dialectics ng buhay." Isang symphonist sa pamamagitan ng bokasyon, ginamit ni Shostakovich ang sonata cycle upang isama ang kanyang pangunahing mga malikhaing konsepto.
Ang balangkas ng unibersal na anyo na ito, sa kagustuhan ng kompositor, ay lumawak, sumasaklaw sa walang katapusang kalawakan ng pag-iral, o kinontrata depende sa kung anong mga gawain ang itinakda niya para sa kanyang sarili. Ihambing natin ang hindi bababa sa mga gawa na magkaiba sa haba at sukat ng pag-unlad gaya ng Seventh at Ninth Symphony, ang Trio at ang Seventh Quartet.
Para kay Shostakovich, ang mga sonata ay hindi bababa sa lahat ng isang pamamaraan na nagbubuklod sa kompositor ng akademikong "mga tuntunin." Binigyang-kahulugan niya ang anyo ng siklo ng sonata at ang mga bahagi nito sa sarili niyang paraan. Marami na itong napag-usapan sa mga nakaraang kabanata.
Paulit-ulit kong nabanggit na madalas na isinulat ni Shostakovich ang mga unang bahagi ng mga siklo ng sonata sa isang mabagal na tempo, kahit na sumusunod sa istraktura ng "sonata allegro" (paglalahad, pag-unlad, muling pagbabalik). Ang mga bahagi ng ganitong uri ay naglalaman ng parehong pagmuni-muni at pagkilos na nabuo sa pamamagitan ng pagmuni-muni. Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang masayang pag-unlad ng musikal na materyal at isang unti-unting akumulasyon ng panloob na dinamika. Ito ay humahantong sa emosyonal na "mga pagsabog" (mga pag-unlad).
Ang pangunahing paksa ay madalas na nauuna sa isang pagpapakilala, ang paksa kung saan pagkatapos ay gumaganap ng isang mahalagang papel. May mga pagpapakilala sa Una, Ikaapat, Ikalima, Ikaanim, Ikawalo, Ikasampung Symphony. Sa Ikalabindalawang Symphony, ang introduction theme din ang tema ng pangunahing bahagi.
Ang pangunahing paksa ay hindi lamang ipinakita, ngunit agad ding binuo. Ang sumusunod ay isang mas marami o hindi gaanong hiwalay na seksyon na may bagong pampakay na materyal (side game).
Ang kaibahan sa pagitan ng mga tema ng paglalahad ni Shostakovich ay madalas na hindi pa nagpapakita ng pangunahing salungatan. Siya ay lubos na hubad sa isang pag-unlad na emosyonal na sumasalungat sa paglalahad. Ang tempo ay bumibilis, ang musikal na wika ay nakakakuha ng higit na intonasyon at modal sharpness. Ang pag-unlad ay nagiging napaka-dynamic at kapansin-pansing matindi.
Minsan gumagamit si Shostakovich ng mga hindi pangkaraniwang uri ng mga pag-unlad. Kaya, sa unang bahagi ng Sixth Symphony, ang pagbuo ay binubuo ng mga pinahabang solo, tulad ng mga improvisasyon ng mga instrumento ng hangin. Hayaan akong ipaalala sa iyo ang "tahimik" na pag-unlad ng liriko sa finale ng Fifth. Sa unang bahagi ng Ikapito, ang pag-unlad ay pinalitan ng isang yugto ng pagsalakay.
Iniiwasan ng kompositor ang mga reprises na eksaktong inuulit kung ano ang nasa exposition. Karaniwang dina-dinamize niya ang reprise, na para bang pinapataas ang pamilyar na mga larawan sa mas mataas na emosyonal na antas. Bukod dito, ang simula ng reprise ay tumutugma sa pangkalahatang kasukdulan.
Ang scherzo ni Shostakovich ay may dalawang uri. Ang isang uri ay ang tradisyonal na interpretasyon ng genre (masayahin, nakakatawang musika, kung minsan ay may haplos ng kabalintunaan at panlilibak). Ang iba pang uri ay mas tiyak: ang genre ay binibigyang-kahulugan ng kompositor hindi sa direkta nito, ngunit sa kondisyonal na kahulugan nito; ang saya at katatawanan ay nagbibigay-daan sa katawa-tawa, pangungutya, at madilim na pantasya. Ang artistic novelty ay wala sa anyo, hindi sa compositional structure; Ang nilalaman, imahe, at mga paraan ng "paglalahad" ng materyal ay bago. Marahil ang pinaka-kapansin-pansin na halimbawa ng isang scherzo ng ganitong uri ay ang pangatlong paggalaw ng Eighth Symphony.
Ang "Evil" scherzoism ay tumagos din sa mga unang bahagi ng mga cycle ni Shostakovich (Ikaapat, Ikalima, Ikapito, Ikawalong symphony).
Sa mga nakaraang kabanata ay sinabi ang tungkol sa espesyal na kahalagahan ng prinsipyo ng scherzo sa gawain ng kompositor. Nabuo ito kasabay ng trahedya at kung minsan ay nagsisilbing reverse side ng mga trahedya na imahe at phenomena. Hinahangad ni Shostakovich na i-synthesize ang mga matalinghagang sphere na ito pabalik sa "Katerina Izmailova", ngunit doon ang ganitong uri ng synthesis ay hindi matagumpay sa lahat, at hindi nakakumbinsi sa lahat ng dako. Kasunod nito, sa pagsunod sa landas na ito, dumating ang kompositor sa mga kahanga-hangang resulta.
Matapang na pinagsasama ni Shostakovich ang trahedya at scherzoism - hindi nagbabala, ngunit, sa kabaligtaran, nagpapatibay sa buhay - sa Ikalabintatlong Symphony.
Ang kumbinasyon ng iba't ibang at kahit na magkasalungat na mga elemento ng artistikong ay isa sa mga makabuluhang pagpapakita ng pagbabago ni Shostakovich, ang kanyang malikhaing sarili.
Ang mabagal na paggalaw, na matatagpuan sa loob ng mga sonata cycle na nilikha ni Shostakovich, ay kahanga-hangang mayaman sa nilalaman. Kung ang kanyang mga scherzo ay madalas na sumasalamin sa negatibong bahagi ng buhay, kung gayon ang mga positibo ay ipinahayag sa mabagal na paggalaw. mga larawan ng kabutihan, kagandahan, kadakilaan ng espiritu ng tao, kalikasan. Tinutukoy nito ang etikal na kahalagahan ng musikal na pagmumuni-muni ng kompositor - kung minsan ay malungkot at mahigpit, kung minsan ay naliwanagan.
Nalutas ni Shostakovich ang pinakamahirap na problema ng finale sa iba't ibang paraan. Nais niya, marahil, na lumayo sa template, na madalas na makikita sa mga huling bahagi. Ang ilan sa mga pagtatapos nito ay hindi inaasahan. Alalahanin natin ang Ikalabintatlong Symphony. Ang unang bahagi nito ay kalunos-lunos, at sa penultimate na bahagi ("Mga Takot") mayroong maraming kadiliman. At sa dulo ay may masaya at mapanuksong tawa! Ang pagtatapos ay hindi inaasahan at sa parehong oras ay organic.
Anong mga uri ng symphonic at chamber finales ang makikita sa Shostakovich?
Una sa lahat, ang mga pagtatapos ng kabayanihan na plano. Isinasara nila ang ilang mga siklo kung saan ang mga kabayanihan at trahedya na mga tema ay ipinahayag. Mabisa, dramatiko, puno sila ng pakikibaka, kung minsan ay nagpapatuloy hanggang sa huling beat. Ang ganitong uri ng huling kilusan ay nakita na sa Unang Symphony. Nakita namin ang pinakakaraniwang mga halimbawa nito sa Fifth, Seventh, Eleventh Symphony. Ang finale ng Trio ay ganap na kabilang sa kaharian ng trahedya. Ang parehong ay totoo sa laconic huling kilusan ng Ika-labing-apat na Symphony.
Ang Shostakovich ay may masasayang, maligaya na mga finale na malayo sa kabayanihan. Kulang sila sa mga larawan ng pakikibaka, pagtagumpayan ng mga hadlang; naghahari ang walang katapusang saya. Ito ang huling Allegro ng First Quartet. Ito ang finale ng Sixth Symphony, ngunit dito, alinsunod sa mga kinakailangan ng symphonic form, isang mas malawak at mas maraming kulay na larawan ang ibinigay. Ang mga finale ng ilang mga konsiyerto ay dapat isama sa parehong kategorya, bagama't iba ang pagganap ng mga ito. Ang finale ng First Piano Concerto ay pinangungunahan ng katawa-tawa at buffoonery; Ang Burlesque mula sa First Violin Concerto ay naglalarawan ng isang katutubong pagdiriwang.
Dapat din itong sabihin tungkol sa mga liriko na pagtatapos. Ang mga liriko na imahe kung minsan ay pinuputungan kahit na ang mga gawa ni Shostakovich kung saan ang mga bagyo ay nagngangalit at ang mabigat na hindi magkasundo na pwersa ay nagbanggaan. Ang mga larawang ito ay minarkahan ng pastoralismo. Ang kompositor ay bumaling sa kalikasan, na nagbibigay sa tao ng kagalakan at nagpapagaling sa kanyang espirituwal na mga sugat. Sa finale ng Quintet, ang Sixth Quartet, ang pastoralism ay pinagsama sa pang-araw-araw na elemento ng sayaw. Hayaan mong ipaalala ko rin sa iyo ang finale ng Eighth Symphony (“catharsis”).
Ang mga finale ay hindi karaniwan at bago, batay sa sagisag ng magkasalungat na emosyonal na mga globo, kapag pinagsama ng kompositor ang "hindi magkatugma." Ito ang finale ng Fifth Quartet: home comfort, calm and storm. Sa finale ng Seventh Quartet, ang galit na fugue ay napalitan ng romantikong musika - malungkot at nakakaakit. Ang finale ng Fifteenth Symphony ay multi-component, na kumukuha ng mga poste ng pag-iral.
Ang paboritong diskarte ni Shostakovich ay bumalik sa mga finale sa mga kilalang tema mula sa mga nakaraang paggalaw. Ito ay mga alaala ng tinahak na landas at kasabay nito ay isang paalala na "hindi pa tapos ang labanan." Ang mga ganitong yugto ay kadalasang kumakatawan sa mga kasukdulan. Nasa finales sila ng First, Eighth, Tenth, Eleventh Symphony.
Ang anyo ng mga finale ay nagpapatunay sa napakahalagang papel na ginagampanan ng prinsipyo ng sonata sa gawain ni Shostakovich. Dito rin, kusang-loob na ginagamit ng kompositor ang anyong sonata (pati na rin ang anyong rondo sonata). Tulad ng sa mga unang paggalaw, malaya niyang binibigyang kahulugan ang pormang ito (pinaka malaya sa mga finale ng Ikaapat at Ikapitong symphony).
Si Shostakovich ay gumagawa ng kanyang mga sonata cycle nang iba, binabago ang bilang ng mga bahagi at ang pagkakasunud-sunod ng kanilang paghalili. Pinagsasama nito ang mga katabing bahagi na tumatakbo nang walang pagkaantala, na lumilikha ng isang cycle sa loob ng isang cycle. Ang pagkahumaling sa pagkakaisa ng kabuuan ay nag-udyok kay Shostakovich na ganap na iwanan ang mga pahinga sa pagitan ng mga paggalaw sa Eleventh at Twelfth Symphony. At sa Ika-labing-apat, lumayo siya sa mga pangkalahatang batas ng anyo ng sonata-symphonic cycle, na pinapalitan ang mga ito ng iba pang nakabubuo na mga prinsipyo.
Ang pagkakaisa ng kabuuan ay ipinahayag sa Shostakovich din sa isang kumplikado, branched na sistema ng mga koneksyon sa intonasyon, na sumasaklaw sa thematism ng lahat ng bahagi. Gumamit din siya ng mga cross-cutting na tema, paglipat mula sa bahagi patungo sa bahagi, at kung minsan ay mga leitmotif na tema.
Napakalaking kahalagahan ng mga kasukdulan ni Shostakovich—emosyonal at mapaghubog. Maingat niyang itinatampok ang pangkalahatang kasukdulan, na siyang rurok ng buong bahagi, at kung minsan ang buong gawain. Ang pangkalahatang sukat ng kanyang pag-unlad ng symphonic ay karaniwang tulad na ang paghantong ay isang "talampas", at isang medyo pinahaba. Ang kompositor ay nagpapakilos ng iba't ibang paraan, sinusubukang bigyan ang climactic section ng isang monumental, heroic o tragic na karakter.
Sa kung ano ang nasabi, dapat itong idagdag na ang mismong proseso ng pagbuo ng malalaking anyo sa Shostakovich ay higit sa lahat ay indibidwal: siya ay nakahilig patungo sa pagpapatuloy ng daloy ng musika, pag-iwas sa mga maikling konstruksyon at madalas na mga caesuras. Nagsimulang magtanghal ng ideya sa musika, hindi siya nagmamadaling tapusin ito. Kaya, ang oboe na tema (hinarang ng cor anglais) sa ikalawang paggalaw ng Seventh Symphony ay isang malaking construction (period), na tumatagal ng 49 bar (moderate tempo). Ang isang master ng biglaang mga kaibahan, Shostakovich sa parehong oras ay madalas na nagpapanatili ng isang mood, isang kulay, sa buong malalaking seksyon ng musika. Lumalabas ang mga pinahabang musical layer. Minsan ito ay mga instrumental na monologo.
Si Shostakovich ay hindi nais na ulitin nang eksakto kung ano ang nasabi na - ito man ay isang motibo, isang parirala o isang malaking istraktura. Ang musika ay patuloy na dumadaloy, nang hindi bumabalik sa "mga lumipas na yugto." Ang "fluidity" na ito (malapit na nauugnay sa polyphonic na istilo ng pagtatanghal) ay isa sa mga mahalagang katangian ng istilo ng kompositor. (Ang invasion episode mula sa Seventh Symphony ay batay sa paulit-ulit na pag-uulit ng tema; ito ay sanhi ng mga kakaibang gawain na itinakda ng may-akda para sa kanyang sarili.) Ang Passacaglia ay batay sa mga pag-uulit ng tema (sa bass); ngunit dito ang pakiramdam ng "fluidity" ay nilikha sa pamamagitan ng paggalaw ng mga nakatataas na boses.
Ngayon ay dapat nating pag-usapan ang tungkol kay Shostakovich bilang isang mahusay na master ng "timbre dramaturgy."
Sa kanyang mga gawa, ang mga timbre ng orkestra ay hindi mapaghihiwalay sa musika, sa nilalaman at anyo ng musika.
Si Shostakovich ay hindi nakatuon sa pagpipinta ng timbre, ngunit sa pagkilala sa emosyonal at sikolohikal na kakanyahan ng mga timbre, na iniugnay niya sa mga damdamin at karanasan ng tao. Sa bagay na ito, malayo siya sa mga masters gaya nina Debussy at Ravel; mas malapit siya sa mga estilo ng orkestra nina Tchaikovsky, Mahler, at Bartok.
Ang Shostakovich orchestra ay isang trahedya na orkestra. Ang kanyang pagpapahayag ng mga timbre ay umabot sa pinakamalaking intensity. Si Shostakovich, higit sa iba pang kompositor ng Sobyet, ay pinagkadalubhasaan ang mga timbre bilang isang paraan ng musikal na dramaturhiya, gamit ang mga ito upang ipakita ang parehong walang hangganang lalim ng mga personal na karanasan at mga salungatan sa lipunan sa isang pandaigdigang saklaw.
Ang symphonic at operatic na musika ay nagbibigay ng maraming mga halimbawa ng timbre embodiment ng mga dramatikong salungatan sa tulong ng tanso at mga string. Mayroong ganitong mga halimbawa sa mga gawa ni Shostakovich. Madalas niyang iugnay ang "kolektibong" timbre ng grupong tanso sa mga larawan ng kasamaan, pagsalakay, at pagsalakay ng mga pwersa ng kaaway. Hayaan mong ipaalala ko sa iyo ang unang paggalaw ng Ikaapat na Symphony. Ang pangunahing tema nito ay ang "cast iron" na padyak ng mga legion, na sabik na magtayo ng isang makapangyarihang trono sa mga buto ng kanilang mga kaaway. Ito ay ipinagkatiwala sa mga instrumentong tanso - dalawang trumpeta at dalawang octave trombone. Dinoble sila ng mga biyolin, ngunit ang timbre ng mga biyolin ay hinihigop ng malakas na tunog ng tanso. Ang dramatikong pag-andar ng tanso (pati na rin ang pagtambulin) sa pag-unlad ay lalong malinaw na natukoy. Isang galit na galit na fugue ang humahantong sa kasukdulan. Dito ay mas maririnig ang pagtapak ng mga modernong Hun. Timbre pangkat ng tanso hubad at nagpapakita" malapitan" Ang tema ay nilalaro ng forte fortissimo at nilalaro ng walong sungay nang sabay-sabay. Pagkatapos ay pumasok ang apat na trumpeta, pagkatapos ay tatlong trombone. At ang lahat ng ito laban sa backdrop ng isang ritmo ng labanan na nakatalaga sa apat na instrumento ng percussion.
Ang parehong dramatikong prinsipyo ng paggamit ng brass group ay ipinahayag sa pagbuo ng unang paggalaw ng Fifth Symphony. Sinasalamin din ng brass dito ang negatibong linya ng musical dramaturgy, ang linya ng kontra-aksyon. Mas maaga, sa eksibisyon, ang timbre ng mga string ay nangingibabaw. Sa simula ng pag-unlad, isang rethought pangunahing tema, na ngayon ay naging ang sagisag masamang puwersa, ipinagkatiwala sa mga sungay. Bago ito, ginamit ng kompositor ang mas matataas na rehistro ng mga instrumentong ito; mahina at magaan ang tunog nila. Ngayon ang bahagi ng sungay sa unang pagkakataon ay nakakuha ng napakababang rehistro ng bass, dahil sa kung saan ang kanilang timbre ay nagiging mapurol at nagbabala. Ang isang maliit na karagdagang sa paksa ay gumagalaw sa mga trumpeta, muling naglalaro sa isang mababang rehistro. Ituturing ko pa ang kasukdulan, kung saan tatlong trumpeta ang tumutugtog sa parehong tema, na naging isang malupit at walang kaluluwang martsa. Ito ay isang timbral climax. Ang tanso ay dinadala sa unahan, ito ay nangunguna, ganap na nakakakuha ng atensyon ng mga tagapakinig.
Ang mga halimbawang ibinigay ay nagpapakita, sa partikular, ang dramatikong papel ng iba't ibang mga rehistro. Ang isa at ang parehong instrumento ay maaaring magkaroon ng iba't ibang, kahit na kabaligtaran ng mga dramatikong kahulugan, depende sa mga kulay kung saan ang rehistro ay kasama sa timbre palette ng trabaho.
tanso pangkat ng tanso minsan ito ay gumaganap ng isa pang tungkulin, na nagiging tagapagdala ng isang positibong prinsipyo. Lumiko tayo sa huling dalawang paggalaw ng Fifth Symphony ni Shostakovich. Pagkatapos ng madamdamin na pag-awit ng mga string sa Largo, ang pinakaunang mga bar ng finale, na minarkahan ang isang matalim na pagliko sa symphonic action, ay minarkahan ng isang sobrang energetic na pagpapakilala ng tanso. Kinapapalooban ng mga ito ang end-to-end na aksyon sa finale, na nagpapatibay ng mga larawang maasahin sa mabuti.
Ang emphasized contrast sa pagitan ng huling seksyon ng Largo at ang simula ng finale ay napaka katangian ng Shostakovich ang symphonist. Ito ang dalawang poste: ang pinakamadaling, natutunaw na sonoridad ng mga kuwerdas ng pianissimo, ang alpa, na dinoble ng celesta, at ang makapangyarihang fortissimo ng mga trumpeta at trombone laban sa background ng dagundong ng timpani.
Napag-usapan namin ang tungkol sa magkasalungat at magkasalungat na paghahalili ng mga timbre, mga paghahambing "sa malayo." Ang paghahambing na ito ay maaaring tawaging pahalang. Ngunit mayroon ding patayong kaibahan, kapag ang mga timbre na magkasalungat sa bawat isa ay tumunog nang sabay-sabay.
Sa isa sa mga seksyon ng pag-unlad ng unang paggalaw ng Eighth Symphony, ang itaas na melodic voice ay naghahatid ng pagdurusa at kalungkutan. Ang boses na ito ay ipinagkatiwala sa mga kuwerdas (una at pangalawang violin, violas, at pagkatapos ay cellos). Pinagsasama sila ng mga woodwinds, ngunit ang nangingibabaw na papel ay kabilang sa mga instrumentong pangkuwerdas. Kasabay nito, naririnig natin ang "mabigat" na pagtapak ng digmaan. Nangibabaw dito ang mga trumpeta, trombone, at timpani. Pagkatapos ay gumagalaw ang kanilang ritmo sa snare drum. Pinutol nito ang buong orkestra at ang mga tuyong tunog nito, tulad ng mga hampas ng latigo, ay muling lumikha ng matinding timbral conflict.
Tulad ng iba pang mga pangunahing symphonist, si Shostakovich ay naging mga kuwerdas kapag ang musika ay kailangang maghatid ng mataas, nakamamanghang malakas na damdamin, ang lahat ng mananakop na sangkatauhan. Ngunit nangyayari rin na ang mga instrumentong kuwerdas ay gumaganap ng kabaligtaran na dramatikong pag-andar para sa kanya, na naglalagay, tulad ng mga instrumentong tanso, mga negatibong larawan. Sa mga kasong ito, inaalis ng kompositor ang himig at init ng timbre mula sa mga kuwerdas. Nagiging malamig at malupit ang tunog. Mayroong mga halimbawa ng naturang sonority sa Ikaapat, Ikawalo, at Ika-labing-apat na symphony.
Ang mga instrumentong woodwind sa mga score ni Shostakovich ay nagtatampok ng maraming soloing. Kadalasan ang mga ito ay hindi virtuoso solos, ngunit monologues - liriko, trahedya, nakakatawa. Ang flute, oboe, cor anglais, at clarinet ay kadalasang nagpaparami ng liriko, kung minsan ay may dramatikong tono, mga melodies. Si Shostakovich ay mahilig sa timbre ng bassoon; ipinagkatiwala niya sa kanya ang iba't ibang mga tema - mula sa madilim at nagdadalamhati hanggang sa nakakatawa at nakakagulat. Ang bassoon ay madalas na nagsasalita tungkol sa kamatayan, matinding pagdurusa, at kung minsan siya ang "clown ng orkestra" (E. Prout's expression).
Para kay Shostakovich, ang papel ng mga instrumento ng pagtambulin ay napakahalaga. Ginagamit niya ang mga ito, bilang panuntunan, hindi sa mga layuning pampalamuti, hindi para gawing elegante ang orchestral sonority. Para sa kanya, ang mga tambol ay pinagmumulan ng drama; Feeling subtly nagpapahayag ng mga posibilidad mga indibidwal na instrumento ng ganitong uri, ipinagkatiwala sa kanila ni Shostakovich ang pinakamahalagang solo. Kaya, na sa Unang Symphony ginawa niya ang timpani solo ang pangkalahatang paghantong ng buong cycle. Ang invasion episode mula sa Seventh ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa ating isipan sa ritmo ng snare drum. Sa Ikalabintatlong Symphony, ang timbre ng kampana ay naging leittimbre. Hayaan mong ipaalala ko sa iyo ang solong pagtatanghal ng grupo ng percussion sa Eleventh at Twelfth Symphony.
Ang estilo ng orkestra ni Shostakovich ay ang paksa ng isang espesyal na malaking pag-aaral. Sa mga pahinang ito ay nahawakan ko lamang ang ilan sa mga facet nito.
Ang gawa ni Shostakovich ay may malakas na impluwensya sa musika ng ating panahon, lalo na sa musika ng Sobyet. Ang matatag na batayan nito ay nabuo hindi lamang ng mga tradisyon ng mga klasikal na kompositor noong ika-18 at ika-19 na siglo, kundi pati na rin ng mga tradisyon na ang mga tagapagtatag ay sina Prokofiev at Shostakovich.
Siyempre, hindi natin pinag-uusapan ngayon ang tungkol sa mga imitasyon: sila ay walang bunga, anuman ang kanilang ginagaya. Pinag-uusapan natin ang pag-unlad ng mga tradisyon, ang kanilang malikhaing pagpapayaman.
Ang impluwensya ni Shostakovich sa mga kontemporaryong kompositor ay nagsimulang madama matagal na ang nakalipas. Ang Unang Symphony ay hindi lamang pinakinggan, ngunit maingat ding pinag-aralan. Sinabi ni V. Ya. Si Shostakovich, habang isang batang kompositor, ay naimpluwensyahan ang mga batang kompositor ng Leningrad, halimbawa, V. Zhelobinsky (nakaka-curious na si Dmitry Dmitrievich mismo ang nagsalita tungkol sa impluwensyang ito).
Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, lumawak ang radius ng impluwensya ng kanyang musika. Sinakop nito ang maraming kompositor ng Moscow at ang iba pang mga lungsod.
Ang gawain ni Shostakovich ay may malaking kahalagahan para sa mga aktibidad ng pagbubuo ng G. Sviridov, R. Shchedrin, M. Weinberg, B. Tchaikovsky, A. Eshpai, K. Khachaturian, Levitin, R. Bunin, L. Solin, A Schnittke. Nais kong banggitin ang hindi bababa sa opera na "Dead Souls" ni Shchedrin, kung saan ang mga tradisyon ng Mussorgsky, Prokofiev, Shostako-< вича. Талантливая опера С. Слонимского «Виринея» сочетает традиции Мусоргского с традициями автора «Катерины Измайловой». Назову А. Петрова; его симфоническая Поэма памяти жертв блокады Ленинграда, будучи вполне самостоятельным по своему стилю произведением, связана с традициями Седьмой симфонии Шостаковича (точнее, ее медленной части). Симфонизм и камерное творчество нашего знаменитого мастера оказали большое влияние на Б. Тищенко.
Ang kahalagahan nito ay mahusay din para sa mga paaralan ng pambansang musika ng Sobyet. Ipinakita ng buhay na ang apela ng mga kompositor ng ating mga republika sa Shostakovich at Prokofiev ay nagdudulot ng malaking pakinabang, nang hindi humihina. pambansang batayan kanilang pagkamalikhain. Na ito ay gayon ay napatunayan, halimbawa, sa pamamagitan ng malikhaing kasanayan ng mga kompositor ng Transcaucasian. Ang pinakamalaking kontemporaryong master ng Azerbaijani music, ang sikat sa mundo na kompositor na si Kara Karayev ay isang mag-aaral ng Shostakovich. Siya ay walang alinlangan na may malalim na malikhaing pagka-orihinal at pambansang istilo. Gayunpaman, ang mga klase kasama si Shostakovich at ang pag-aaral ng kanyang mga gawa ay nakatulong kay Kara Abulfasovich na lumago nang malikhain at makabisado ang mga bagong paraan ng makatotohanang musikal na sining. Ang parehong ay dapat na sinabi tungkol sa natitirang Azerbaijani kompositor Jevdet Hajiyev. Nais kong tandaan ang kanyang Ika-apat na Symphony, na nakatuon sa memorya ng V.I. Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang natatanging pambansang katangian. Ang may-akda nito ay naglalaman ng intonasyon at modal na kayamanan ng mga Azerbaijani mugam. Kasabay nito, si Gadzhiev, tulad ng iba pang mga natitirang kompositor ng mga republika ng Sobyet, ay hindi nakakulong sa kanyang sarili sa globo ng mga lokal na nagpapahayag na paraan. Marami siyang kinuha mula sa symphony ni Shostakovich. Sa partikular, ang ilang mga tampok ng polyphony ng kompositor ng Azerbaijani ay nauugnay sa kanyang trabaho.
Sa musika ng Armenia, kasama ang epic visual symphonism, ang dramatic at psychologically profound symphonism ay matagumpay na umuunlad. Ang paglago ng Armenian symphonic creativity ay pinadali ng musika ng A. I. Khachaturian at D. D. Shostakovich. Ito ay pinatunayan ng hindi bababa sa Una at Pangalawang Symphony ng D. Ter-Tatevosyan, ang mga gawa ni E. Mirzoyan at iba pang mga may-akda.
Natutunan ng mga kompositor ng Georgian ang maraming kapaki-pakinabang na bagay mula sa mga marka ng kahanga-hangang master ng Russia. Ituturo ko bilang mga halimbawa ang Unang Symphony ng A. Balanchivadze, na isinulat noong mga taon ng digmaan, at ang quartets ni S. Tsintsadze.
Sa mga natitirang kompositor ng Soviet Ukraine, ang pinakamalapit kay Shostakovich ay si B. Lyatoshinsky, ang pinakamalaking kinatawan ng Ukrainian symphonism. Ang impluwensya ni Shostakovich ay nakaapekto sa mga batang Ukrainian na kompositor na lumitaw sa mga nakaraang taon.
Sa seryeng ito ay kailangang pangalanan Belarusian kompositor E. Glebov, maraming mga kompositor ng mga estado ng Baltic ng Sobyet, halimbawa, mga Estonians J. Ryazts, A. Pärt.
Sa esensya, ang lahat ng mga kompositor ng Sobyet, kabilang ang mga malikhaing napakalayo sa landas na sinundan ni Shostakovich, ay kumuha ng isang bagay mula sa kanya. Ang pag-aaral ng gawain ni Dmitry Dmitrievich ay nagdala ng walang alinlangan na benepisyo sa bawat isa sa kanila.
Si T. N. Khrennikov, sa kanyang pambungad na pananalita sa konsiyerto ng anibersaryo noong Setyembre 24, 1976, bilang paggunita sa ika-70 anibersaryo ng kapanganakan ni Shostakovich, ay nagsabi na sina Prokofiev at Shostakovich ay higit na tinutukoy ang mahahalagang malikhaing uso sa pag-unlad ng musikang Sobyet. Ang isa ay hindi maaaring sumang-ayon sa pahayag na ito. Wala ring duda tungkol sa impluwensya ng ating dakilang symphonist sa musikal na sining ng buong mundo. Ngunit dito ay nahawakan natin ang birhen na lupa. Ang paksang ito ay hindi pa napag-aaralan;

Ang sining ni Shostakovich ay naglalayong sa hinaharap. Inaakay tayo nito sa malalaking daan ng buhay tungo sa isang daigdig na maganda at nakababahala, “isang daigdig na bukas sa matinding galit ng mga hangin.” Ang mga salitang ito ni Eduard Bagritsky ay sinabi na parang tungkol kay Shostakovich, tungkol sa kanyang musika. Siya ay kabilang sa isang henerasyong hindi ipinanganak para mamuhay ng mapayapa. Ang henerasyong ito ay nagdusa nang husto, ngunit ito ay nanalo.

Ang pangalan ni D. D. Shostakovich ay kilala sa buong mundo. Isa siya sa mga pinakadakilang artista ng ika-20 siglo. Ang kanyang musika ay naririnig sa lahat ng mga bansa sa mundo, ito ay pinakikinggan at minamahal ng milyun-milyong tao ng iba't ibang nasyonalidad.
Si Dmitry Dmitrievich Shostakovich ay ipinanganak noong Setyembre 25, 1906 sa St. Petersburg. Ang kanyang ama, isang chemical engineer, ay nagtrabaho sa Main Chamber of Weights and Measures. Si Nanay ay isang magaling na piyanista.
Sa edad na siyam, nagsimulang tumugtog ng piano ang batang lalaki. Noong taglagas ng 1919, pumasok si Shostakovich sa Petrograd Conservatory. Thesis work batang kompositor ay ang Unang Symphony. Ang matunog na tagumpay nito - una sa USSR, pagkatapos ay sa mga banyagang bansa - minarkahan ang simula ng malikhaing landas ng isang bata, maliwanag na matalinong musikero.

Ang gawain ni Shostakovich ay hindi mapaghihiwalay mula sa kanyang kontemporaryong panahon, mula sa mga dakilang kaganapan noong ika-20 siglo. Sa pamamagitan ng napakalaking dramatikong kapangyarihan at mapang-akit na pagnanasa, nakuha niya ang napakalaking mga salungatan sa lipunan. Sa kanyang musika, ang mga larawan ng kapayapaan at digmaan, liwanag at kadiliman, sangkatauhan at poot ay nagbanggaan.
Mga taon ng militar 1941–1942. Sa "mga bakal na gabi" ng Leningrad, na pinaliwanagan ng mga pagsabog ng mga bomba at mga shell, lumilitaw ang Seventh Symphony - "Symphony of All-Conquering Courage," kung tawagin ito. Ito ay ginanap hindi lamang dito, kundi pati na rin sa Estados Unidos, France, England at iba pang mga bansa. Noong mga taon ng digmaan, pinalakas ng gawaing ito ang pananampalataya sa tagumpay ng liwanag laban sa pasistang kadiliman, ng katotohanan sa itim na kasinungalingan ng mga panatiko ni Hitler.

Ang panahon ng digmaan ay naging isang bagay ng nakaraan. Isinulat ni Shostakovich ang "Song of the Forests". Ang pulang-pula na liwanag ng apoy ay napalitan ng isang bagong araw ng mapayapang buhay - ang musika ng oratorio na ito ay nagsasalita tungkol dito. At pagkatapos na lumitaw ang mga choral poems, preludes at fugues para sa piano, bagong quartets, symphony.

Ang nilalaman na makikita sa mga gawa ni Shostakovich ay nangangailangan ng mga bagong paraan ng pagpapahayag, mga bagong masining na pamamaraan. Natagpuan niya ang mga paraan at pamamaraan na ito. Ang kanyang estilo ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na indibidwal na pagka-orihinal at tunay na pagbabago. Ang kahanga-hangang kompositor ng Sobyet ay isa sa mga artista na sumusunod sa mga landas na hindi naaalis, nagpapayaman sa sining at nagpapalawak ng mga posibilidad nito.
Sumulat si Shostakovich ng isang malaking bilang ng mga gawa. Kabilang sa mga ito ang labinlimang symphony, concerto para sa piano, violin at cello na may orkestra, quartets, trios at iba pang mga instrumental na gawa sa silid, ang vocal cycle na "Mula sa Jewish Folk Poetry", ang opera na "Katerina Izmailova" batay sa kwento ni Leskov na "Lady Macbeth ng Mtsensk ”, ballet , operetta "Moscow, Cheryomushki". Isinulat niya ang musika para sa mga pelikulang "The Golden Mountains", "The Counter", "The Great Citizen", "The Man with a Gun", "The Young Guard", "Meeting on the Elbe", "The Gadfly", "Hamlet", atbp. Ang kanta sa mga tula ni B. Kornilov mula sa pelikulang "Papalapit" - "Binabati tayo ng umaga nang may lamig."

Pinangunahan din ni Shostakovich ang isang aktibong buhay panlipunan at mabungang gawaing pagtuturo.

Si Dmitry Shostakovich ay naging sikat sa mundo na kompositor sa edad na 20, nang ang kanyang First Symphony ay ginanap sa mga concert hall ng USSR, Europe at USA. Pagkalipas ng sampung taon, ang kanyang mga opera at ballet ay ginanap sa mga nangungunang sinehan sa mundo. Ang 15 symphony ni Shostakovich ay tinawag ng mga kontemporaryo " dakilang panahon Russian at world music".

Unang Symphony

Si Dmitri Shostakovich ay ipinanganak sa St. Petersburg noong 1906. Ang kanyang ama ay nagtrabaho bilang isang inhinyero at mahilig sa musika, ang kanyang ina ay isang pianista. Ibinigay niya sa kanyang anak ang kanyang unang mga aralin sa piano. Sa edad na 11, nagsimulang mag-aral si Dmitry Shostakovich nang pribado paaralan ng musika. Napansin ng mga guro ang kanyang talento sa pagganap, mahusay na memorya at perpektong pitch.

Sa edad na 13, ang batang pianista ay pumasok na sa Petrograd Conservatory upang mag-aral ng piano, at makalipas ang dalawang taon - sa faculty ng komposisyon. Si Shostakovich ay nagtrabaho sa isang sinehan bilang isang pianista. Sa mga session, nag-eksperimento siya sa tempo ng mga komposisyon, pumili ng mga nangungunang melodies para sa mga karakter, at gumawa ng mga musical episode. Nang maglaon ay ginamit niya ang pinakamahusay sa mga fragment na ito sa kanyang mga sinulat.

Dmitry Shostakovich. Larawan: filarmonia.kh.ua

Dmitry Shostakovich. Larawan: propianino.ru

Dmitry Shostakovich. Larawan: cps-static.rovicorp.com

Mula noong 1923, nagtrabaho si Shostakovich sa First Symphony. Ang trabaho ay naging kanya gawaing diploma, ang premiere ay naganap noong 1926 sa Leningrad. Mamaya composer naalala: “Napaka-successful ng symphony kahapon. Napakahusay ng pagganap. Malaki ang tagumpay. Limang beses akong lumabas para yumuko. Ang lahat ay naging maganda."

Di-nagtagal ay nakilala ang Unang Symphony sa labas ng Unyong Sobyet. Noong 1927, nakibahagi si Shostakovich sa First International Chopin Piano Competition sa Warsaw. Ang isa sa mga miyembro ng hurado ng kumpetisyon, konduktor at kompositor na si Bruno Walter, ay humiling kay Shostakovich na ipadala sa kanya ang marka ng symphony sa Berlin. Ginawa ito sa Germany at USA. Isang taon pagkatapos ng premiere, ang Shostakovich's First Symphony ay tinugtog ng mga orkestra sa buong mundo.

Nagkamali ang mga napagkamalan na ang kanyang First Symphony ay pagiging kabataang walang malasakit at masayahin. Napuno ito ng gayong drama ng tao na kahit na kakaibang isipin na ang isang 19-anyos na batang lalaki ay nabuhay ng ganoong buhay... Ito ay nilalaro kung saan-saan. Walang bansa kung saan ang symphony ay hindi naisagawa kaagad pagkatapos itong lumitaw.

Leo Arnstam, direktor ng pelikula at tagasulat ng senaryo ng Sobyet

"Ganyan ang naririnig kong digmaan"

Noong 1932, isinulat ni Dmitry Shostakovich ang opera Lady Macbeth ng Mtsensk. Ito ay itinanghal sa ilalim ng pamagat na "Katerina Izmailova" at pinalabas noong 1934. Sa unang dalawang panahon, ang opera ay ginanap sa Moscow at St. Petersburg nang higit sa 200 beses, at naglaro din sa mga sinehan sa Europa at Hilagang Amerika.

Noong 1936, pinanood ni Joseph Stalin ang opera na "Katerina Izmailova". Inilathala ni Pravda ang isang artikulong “Confusion Instead of Music,” at ang opera ay idineklara na “anti-people.” Sa lalong madaling panahon ang karamihan sa kanyang mga komposisyon ay nawala mula sa mga repertoire ng mga orkestra at mga teatro. Kinansela ni Shostakovich ang premiere ng Symphony No. 4, na naka-iskedyul para sa taglagas, ngunit patuloy na sumulat ng mga bagong gawa.

Pagkalipas ng isang taon, naganap ang premiere ng Symphony No. 5 na tinawag ito ni Stalin na "isang mala-negosyo na malikhaing tugon Sobyet na artista sa patas na pagpuna," at mga kritiko bilang "isang halimbawa ng sosyalistang realismo" sa symphonic music.

Shostakovich, Meyerhold, Mayakovsky, Rodchenko. Larawan: doseng.org

Si Dmitri Shostakovich ay gumaganap ng Unang Piano Concerto

Poster ng Shostakovich Symphony Orchestra. Larawan: icsanpetersburgo.com

Sa mga unang buwan ng digmaan, si Dmitry Shostakovich ay nasa Leningrad. Nagtrabaho siya bilang isang propesor sa Conservatory, nagsilbi sa isang boluntaryong brigada ng sunog - pinatay niya ang mga incendiary bomb sa bubong ng Conservatory. Habang nasa tungkulin, isinulat ni Shostakovich ang isa sa kanyang pinakatanyag na symphony, ang Leningrad symphony. Natapos ito ng may-akda sa paglikas sa Kuibyshev sa katapusan ng Disyembre 1941.

Hindi ko alam kung ano ang magiging kapalaran ng bagay na ito. Malamang sisiraan ako ng mga walang ginagawang kritiko sa paggaya sa Bolero ni Ravel. Hayaan mo silang maninisi, ngunit iyan ang naririnig kong digmaan.

Dmitry Shostakovich

Ang symphony ay unang ginanap noong Marso 1942 ng Bolshoi Theater orchestra, na inilikas sa Kuibyshev. Pagkalipas ng ilang araw, ang komposisyon ay nilalaro sa Hall of Columns ng Moscow House of Unions.

Noong Agosto 1942, ang Seventh Symphony ay ginanap sa kinubkob na Leningrad. Upang tumugtog ng isang komposisyon na isinulat para sa isang dobleng orkestra, ang mga musikero ay inaalala mula sa harapan. Ang konsiyerto ay tumagal ng 80 minuto, ang musika ay na-broadcast mula sa Philharmonic hall sa radyo - ito ay pinakinggan sa mga apartment, sa mga lansangan, sa harap.

Pagpasok ng orkestra sa entablado, tumayo ang buong bulwagan... Isang symphony lang ang kasama sa programa. Mahirap ihatid ang kapaligiran na naghari sa masikip na bulwagan ng Leningrad Philharmonic. Ang bulwagan ay pinangungunahan ng mga taong nakauniporme ng militar. Maraming mga sundalo at opisyal ang dumating sa konsiyerto nang direkta mula sa mga linya sa harapan.

Carl Eliasberg, konduktor ng Bolshoi Symphony Orchestra ng Leningrad Radio Committee

Ang Leningrad Symphony ay naging kilala sa buong mundo. Isang isyu ng Time magazine ang inilathala sa New York na may Shostakovich sa pabalat. Sa larawan, ang kompositor ay nakasuot ng helmet ng bumbero, ang nakalagay sa caption ay: “Firefighter Shostakovich. Sa mga pagsabog ng mga bomba sa Leningrad, narinig ko ang mga kuwerdas ng tagumpay. Noong 1942–1943 Symphony ng Leningrad naglaro ng higit sa 60 beses sa iba't ibang concert hall sa USA.

Dmitry Shostakovich. Larawan: cdn.tvc.ru

Dmitri Shostakovich sa pabalat ng Time magazine

Dmitry Shostakovich. Larawan: media.tumblr.com

Noong nakaraang Linggo ang iyong symphony ay ginanap sa buong America sa unang pagkakataon. Ang iyong musika ay nagsasabi sa mundo tungkol sa isang dakila at mapagmataas na mga tao, isang hindi magagapi na mga tao na lumalaban at naghihirap upang makapag-ambag sa kabang-yaman ng espiritu at kalayaan ng tao.

Amerikanong makata na si Carl Sandburg, sipi mula sa paunang salita sa isang patula na mensahe kay Shostakovich

"Ang Edad ng Shostakovich"

Noong 1948, sina Dmitri Shostakovich, Sergei Prokofiev at Aram Khachaturian ay inakusahan ng "formalism", "bourgeois decadence" at "groveling before the West". Si Shostakovich ay tinanggal mula sa Moscow Conservatory, at ang kanyang musika ay ipinagbawal.

Noong 1948, pagdating namin sa Conservatory, nakita namin ang isang order sa notice board: “Shostakovich D.D. ay hindi na propesor sa klase ng komposisyon dahil sa kakulangan ng mga kwalipikasyong propesor...” Hindi ko pa naranasan ang ganitong kahihiyan.

Mstislav Rostropovich

Pagkalipas ng isang taon, opisyal na inalis ang pagbabawal, at ang kompositor ay ipinadala sa Estados Unidos bilang bahagi ng isang grupo ng mga cultural figure mula sa Unyong Sobyet. Noong 1950, si Dmitri Shostakovich ay isang miyembro ng hurado sa Bach Competition sa Leipzig. Siya ay naging inspirasyon ng gawain ng kompositor ng Aleman: " Henyo sa musika Lalong malapit sa akin si Bach. Imposibleng madaanan siya nang walang pakialam... Araw-araw ay tinutugtog ko ang isa sa kanyang mga gawa. Ito ang aking apurahang pangangailangan, at ang patuloy na pakikipag-ugnayan sa musika ni Bach ay nagbibigay sa akin ng labis.” Matapos bumalik sa Moscow, nagsimulang magsulat si Shostakovich ng bago ikot ng musika- 24 preludes at fugues.

Noong 1957, si Shostakovich ay naging kalihim ng Union of Composers ng USSR, noong 1960 - ng Union of Composers ng RSFSR (noong 1960–1968 - unang sekretarya). Sa mga taong ito, binigyan ni Anna Akhmatova ang kompositor ng kanyang aklat na may dedikasyon: "Kay Dmitry Dmitrievich Shostakovich, kung saan ang panahon ay nabubuhay ako sa mundo."

Noong kalagitnaan ng 60s, ang mga gawa ni Dmitry Shostakovich mula noong 1920s, kasama ang opera na Katerina Izmailova, ay bumalik sa mga orkestra at teatro ng Sobyet. Isinulat ng kompositor ang Symphony No. 14 sa mga tula ni Guillaume Apollinaire, Rainer Maria Rilke, Wilhelm Kuchelbecker, isang cycle ng mga romansa sa mga gawa ni Marina Tsvetaeva, isang suite sa mga salita ni Michelangelo. Sa kanila, minsan ay gumagamit si Shostakovich ng mga musikal na sipi mula sa kanyang mga unang marka at melodies ng iba pang mga kompositor.

Bilang karagdagan sa mga ballet, opera at symphonic na gawa, si Dmitry Shostakovich ay lumikha ng musika para sa mga pelikula - "Ordinaryong Tao", "The Young Guard", "Hamlet", at mga cartoons - "Dancing the Dolls" at "The Tale of the Stupid Mouse".

Sa pagsasalita tungkol sa musika ni Shostakovich, nais kong sabihin na hindi ito sa anumang paraan matatawag na musika para sa sinehan. Ito ay umiiral sa sarili nitong. Maaaring may kaugnayan ito sa isang bagay. Maaaring ito ang panloob na mundo ng may-akda, na nagsasalita tungkol sa isang bagay na inspirasyon ng ilang mga phenomena ng buhay o sining.

Direktor Grigory Kozintsev

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, ang kompositor ay may malubhang karamdaman. Namatay si Dmitri Shostakovich sa Moscow noong Agosto 1975. Siya ay inilibing sa sementeryo ng Novodevichy.

Ang layunin ng paglikha ng isang cycle ng methodological developments sa disiplina na "Domestic panitikang musikal XX - XXI siglo" para sa mga mag-aaral sa ika-apat na taon ng mga paaralan ng musika ay, una sa lahat, ang sistematisasyon ng modernong panitikan sa musika, pati na rin ang pagsusuri ng mga gawa na hindi pa isinasaalang-alang sa disiplinang ito. Ang nagpapahiwatig sa kontekstong ito ay ang mga pangunahing lugar ng mga malikhaing problema ni D. D. Shostakovich at ang kultural at makasaysayang kapaligiran ng kalagitnaan ng ika-20 siglo.

* * *

Ang ibinigay na panimulang fragment ng aklat na The Work of D. D. Shostakovich at Russian Musical Culture of the Mid-20th Century. Dami IV ng kurso sa pagsasanay na "Domestic musical literature ng ika-20 - unang kalahati ng ika-21 siglo" (S.V. Venchakova) ay ibinigay ng aming kasosyo sa libro - ang litro ng kumpanya.

PANIMULA

Ang programa ng kursong "Musical Literature" ay naglalayong paunlarin ang pag-iisip ng musika ng mga mag-aaral, pagbuo ng mga kasanayan sa pagsusuri ng mga gawang musikal, at pagkuha ng kaalaman tungkol sa mga batas ng musikal na anyo at mga detalye ng musikal na wika.

Ang paksang "Domestic musical literature ng ika-20 - unang kalahati ng ika-21 siglo" ay ang pinakamahalagang bahagi ng propesyonal na pagsasanay ng mga mag-aaral sa teoretikal at gumaganap na mga departamento ng mga paaralan ng musika at mga paaralan ng sining.

Sa proseso ng pag-aaral ng kurso, mayroong isang proseso ng pagsusuri at systematization ng iba't ibang mga tampok ng musikal at artistikong phenomena, ang kaalaman kung saan ay direktang kahalagahan para sa kasunod na pagganap at pagsasanay sa pagtuturo mga mag-aaral. Nilikha ang mga kundisyon para sa pang-agham at malikhaing kamalayan ng mga problema sa sining at pag-unawa sa iba't ibang gumaganap na interpretasyon ng mga modernong istilo ng musika. Sa pangkalahatan, ang isang nababaluktot na sistema ng dalubhasang pagsasanay ay nililikha, nang walang kriterya ng "makitid na pagdadalubhasa", na nag-aambag sa pagpapalalim ng mga propesyonal na kasanayan at ang pag-activate ng malikhaing interes ng mga mag-aaral sa trabaho.

Ang isang holistic na pag-aaral ng artistikong at aesthetic na mga uso at estilo ay batay sa pagsasama-sama ng kaalaman ng mga mag-aaral sa iba't ibang larangan: ang kasaysayan ng dayuhan at Ruso na musika (bago ang ika-20 - unang kalahati ng ika-21 siglo), kulturang sining ng mundo, pagsusuri ng musikal. gumagana, gumaganap na kasanayan, na nagsisiguro sa pagbuo ng bagong propesyonal na pangkalahatang kaalaman .

Metodolohikal na pag-unlad sa paksa: "Ang gawain ni D. D. Shostakovich. Ilang yugto ng malikhaing istilo"

Layunin ng aralin: upang masubaybayan ang ilang mga yugto ng malikhaing istilo ng namumukod-tanging kompositor ng Russia noong ikadalawampu siglo D. D. Shostakovich (1906 - 1975) sa konteksto ng tradisyon at pagbabago.

Plano ng aralin:

1. D. D. Shostakovich: artist at oras

Ang gawain ni D. Shostakovich ay kumakatawan sa isang napakahalagang panahon kapwa sa sining at sa buhay. Ang mga gawa ng sinumang mahusay na artista ay mauunawaan lamang sa konteksto ng kanyang panahon. Ngunit ang oras na makikita sa sining ng artist ay mahirap maunawaan sa labas ng pagkamalikhain. Inihahayag ng sining ang tunay na diwa, katangian at kontradiksyon nito. Ang nananatiling isang artista sa kanyang panahon, sa palagay ni Shostakovich, ay bumubuo sa kanya mundo ng sining sa mga anyong iyon at sa pamamagitan ng mga pamamaraang iyon na umuunlad sa kultura.

Si Shostakovich, na bumaling sa lahat ng mga genre ng musika, muling inisip ang mga tula ng mga paraan ng pagpapahayag ng musikal. Ang kanyang musika ay parehong malakas na sumasalamin sa parehong panlabas at panloob na mundo ng tao, pagsalungat sa kasamaan sa lahat ng mga pagpapakita nito, ang lakas ng espiritu - kapwa ng isang indibidwal na tao at ng isang buong bansa - sa pamamagitan ng matalim na magkakaibang mga paghahambing, hindi inaasahang "pagsalakay" at pagbabago ng mga plano. Si Shostakovich ay isa sa mga artista na ganap na nakaranas ng presyon ng totalitarianism ng Sobyet. Ang ipinahayag niya sa musika ay hindi palaging tumutugma sa kanyang tunay na iniisip at damdamin, ngunit ito lamang ang pagkakataong lumikha at marinig. Si Shostakovich ay isang master ng naka-encrypt na expression ang kanyang musika ay naglalaman ng mga katotohanan tungkol sa nakaraan at kasalukuyan na hindi maipahayag sa mga salita.

2. Sa problema ng periodization ng gawain ni D. Shostakovich

Ang periodization ng gawain ni D. D. Shostakovich ay isa sa pinakamahalagang tanong sa musicological literature, na walang malinaw na sagot. Sa maraming mga monographic na gawa tungkol sa kompositor, mayroong iba't ibang mga opinyon, ang pagsusuri na ginagawang posible upang matuklasan ang pangunahing pamantayan para sa kanilang pagkakaiba - ang prinsipyo na kinuha bilang batayan para sa periodization.

Mula sa punto ng view ng pagbuo at ebolusyon ng estilo, ang sining ni Shostakovich ay karaniwang nahahati sa tatlong yugto: ang pagbuo ng kanyang sariling estilo, ang kapanahunan at kasanayan ng artist, at ang mga huling taon ng kanyang buhay at pagkamalikhain. Gayunpaman, ang mga musicologist na nagmumungkahi ng periodization na ito ay nagpapahiwatig ng iba't ibang time frame. M. Sabinina singles out ang 1920s - kalagitnaan ng 1930s. (bago ang paglikha ng Fourth Symphony noong 1936), 1936 – 1968 at 1968 – 1975. Tinatawag ni S. Kentova ang tatlumpung taon 1945 - 1975 ang huli na panahon L. Si Danilevich ay sumunod sa isang ganap na naiibang posisyon. Ang pagkuha ng ideolohikal at semantikong nilalaman ng musika ni Shostakovich bilang batayan, ipinakita ng mananaliksik ang pitong yugto: ang mga unang taon - ang 1920s; humanistic na tema na ipinakilala noong 1930s; taon ng Great Patriotic War - 1941 - 1945 (paglikha ng Ikapito at Ikawalong symphony); post-war period - 1945 - 1954 (paglikha ng Tenth Symphony noong 1953); kasaysayan at modernidad ng ikalawang kalahati ng 1950s - unang bahagi ng 1960s - bago ang paglikha ng Ninth Quartet noong 1964; pagtugon sa mga walang hanggang problema ng sining mula sa ikalawang kalahati ng 1960s at huling 1970s. Ang mananaliksik na si L. Hakobyan, na isinasaalang-alang ang malikhaing landas ng kompositor sa konteksto ng panahon ng Sobyet, ay nagpapatunay sa pagkakaroon ng walong panahon ng pagkamalikhain:

1920s (bago ang Third Symphony; pangunahing gawain- opera "Ang Ilong");

Ang simula ng 1930s - 1936 - ang taon na lumitaw ang mga artikulong "Confusion Instead of Music" at "Ballet Falsity" sa Pravda (bago ang Fourth Symphony);

1937 – 1940 – isang pagbabagong punto at krisis sa pagkamalikhain dulot ng impluwensyang ideolohikal (mula sa Fifth Symphony hanggang sa Quintet);

1941 - 1946/47 - mga taon ng digmaan (mula sa Seventh Symphony hanggang sa Third String Quartet);

1948 - 1952 - ang unang mga taon pagkatapos ng digmaan. Noong 1948, naganap ang First All-Union Congress of Soviet Composers, at isang resolusyon ang inilabas sa opera na "The Great Friendship" ni V. Muradeli, na nagsilbing pangalawang pampublikong "pagkasira" ng Shostakovich (mula sa First Violin Concerto sa Fifth String Quartet);

1953 - 1961 - "pagtunaw" ng panahon ng post-Stalin (mula sa Ikasampung Symphony hanggang sa Ika-labindalawa);

1962 - 1969 - ang paghantong ng pagkamalikhain at ang panahon ng malubhang karamdaman ng kompositor (mula sa Ikalabintatlong Symphony hanggang Ika-labing-apat);

1970 - 1975 - pagkumpleto ng malikhaing landas.

Pansinin ang politicization ng buong kultural na buhay ng panahon ng Sobyet, itinuturing ni L. Akopyan si Shostakovich ang tanging isa na nagawang "dalhin ang kanyang regalo... sa lahat ng talamak at talamak na yugto, pagbabago at pagpapatawad ng kanyang panahon."

Ang mga nakalistang diskarte ay pantay na may karapatang umiral: ang kanilang mga may-akda, na isinasaalang-alang ang sining ni Shostakovich mula sa iba't ibang mga anggulo, ay sumasaklaw sa pinakamahalagang aspeto ng gawa ng artist.

Ang isang bilang ng mga yugto ay nakikilala din kapag nailalarawan ang mga partikular na genre. Kaya naman, nag-panahon si M. Sabinina symphony nag-uugnay sa mga kakaibang interpretasyon nito ng kompositor. Bilang resulta, itinalaga ng musicologist ang mga sumusunod na yugto: ang "pagbuo" ng genre ay nauugnay sa paglikha ng mga symphony No. 1, No. 2, No. 3, No. 4; "mga paghahanap sa larangan ng arkitekto at pag-unlad ng materyal na musikal" - ang panahon ng paglikha ng mga symphony No. 5, No. 6, No. 7, No. 8, No. 9, No. 10; masinsinang mga pagbabago sa larangan ng interpretasyon ng genre - mga symphony ng programa No. 11, No. 12, No. 13, No. 14; Inuri ng mananaliksik ang ikalabinlimang symphony bilang kabilang sa ikalawang yugto.

3. Listahan ng mga gawa ni D. D. Shostakovich

O kaya. 1. Scherzo para sa orkestra. 1919;

O kaya. 2. Walong preludes para sa piano. 1919 – 1920;

Op. 3. Tema at mga pagkakaiba-iba para sa orkestra. 1921 – 1922;

Op. 5. Tatlong kamangha-manghang sayaw para sa piano. 1922;

Op. 6. Suite para sa dalawang piano. 1922;

Op. 7. Scherzo para sa orkestra. 1923;

Op. 8. Unang trio para sa violin, cello at piano. 1923;

Op. 9. Tatlong piraso para sa cello at piano. Fantasia, Prelude, Scherzo. 1923 – 1924;

Op. 10. Unang simponya. 1924 – 1925;

Op. 11. Dalawang piraso para sa string octet. Prelude, Scherzo. 1924 – 1925;

Op. 12. Unang sonata para sa piano. 1926;

Op. 13. Aphorisms. Sampung piraso para sa piano. Recitative, Serenade, Nocturne, Elehiya, Funeral March, Etude, Dance of Death, Canon, Legend, Lullaby. 1927;

Op. 14. Pangalawang symphony "Dedikasyon sa Oktubre". Para sa orkestra at koro. 1927;

Op. 15. “Ilong.” Opera sa 3 acts, 10 scenes. 1927 – 1928;

Op. 16. “Tahiti Trot.” Orchestral transcription ng kanta ni V. Youmans. 1928;

Op. 17. Dalawang dula ni Scarlatti. Transkripsyon para sa brass band. 1928;

Op. 18. Musika para sa pelikulang “New Babylon”. 1928 – 1929;

Op. 19. Musika para sa dula ni V. Mayakovsky na "The Bedbug". 1929;

Op. 20. Symphony No. 3 "May Day". Para sa orkestra at koro. 1929;

Op. 21. Anim na romansa batay sa mga salita ng mga makatang Hapones para sa boses at orkestra. "Pag-ibig", "Bago Magpatiwakal", "Hindi Maingat na Pagtingin", "Sa Una at Huling Panahon", "Pag-ibig na Walang Pag-asa", "Kamatayan". 1928 – 1932;

Op. 22. "Golden Age". Ballet sa 3 kilos. 1929 – 1930;

Op. 23. Dalawang piraso para sa orkestra. Intermisyon, Pangwakas. 1929;

Op. 24. Musika para sa dula ni A. Bezymensky na "Shot". 1929

Op. 25. Musika para sa dulang "Virgin Land" nina A. Gorbenko at N. Lvov. 1930;

O kaya. 26. Musika para sa pelikulang "Alone". 1930;

O kaya. 27. "Bolt". Ballet sa 3 kilos. 1930 – 1931;

O kaya. 28. Musika para sa dula ni A. Piotrovsky na "Rule, Britannia." 1931;

O kaya. 29. "Lady Macbeth ng Mtsensk" ("Katerina Izmailova"). Opera sa 4 na gawa, 9 na eksena. 1930-1932;

O kaya. 30. Musika para sa pelikulang "Golden Mountains". 1931;

O kaya. 31. Musika para sa palabas sa sirko na "Conditionally Killed" ni V. Voevodin at E. Ryss. 1931;

O kaya. 32. Musika para sa trahedya ni W. Shakespeare na "Hamlet". 1931 – 1932;

O kaya. 33. Musika para sa pelikulang "Papalapit". 1932;

O kaya. 34. Dalawampu't apat na preludes para sa piano. 1932 – 1933;

O kaya. 35. Unang konsiyerto para sa piano at orkestra. 1933;

O kaya. 36. Musika sa animated na pelikula"Ang Kuwento ng Pari at ng Kanyang Manggagawa na si Balda." 1936;

O kaya. 37. Musika para sa dulang “The Human Comedy” na hango kay Balzac. 1933-1934;

O kaya. 38. Musika para sa pelikulang "Love and Hate." 1934;

O kaya. 39. "Maliwanag na Agos." Ballet sa 3 acts, 4 scenes. 1934 – 1935;

O kaya. 40. Sonata para sa cello at piano. 1934;

O kaya. 41. Musika para sa pelikulang "Maxim's Youth". 1934;

O kaya. 41. Musika para sa pelikulang "Girlfriends". 1934 – 1935;

Op. 42. Limang fragment para sa orkestra. 1935;

O kaya. 43. Symphony No. 4. 1935 – 1936;

O kaya. 44. Musika para sa dula ni A. Afinogenov na "Salute, Spain". 1936;

O kaya. 45. Musika para sa pelikulang "The Return of Maxim". 1936 – 1937;

O kaya. 47. Ikalimang Symphony. 1937;

O kaya. 48. Musika para sa pelikulang "Volochaev Days". 1936 – 1937;

O kaya. 49. Unang string quartet. 1938;

O kaya. 50. Musika para sa pelikulang "Vyborg Side". 1938;

O kaya. 51. Musika para sa pelikulang "Friends". 1938;

O kaya. 52. Musika para sa pelikulang "The Great Citizen" (unang yugto). 1938;

O kaya. 53. Musika para sa pelikulang "The Man with a Gun." 1938;

O kaya. 54. Ikaanim na Symphony. 1939;

O kaya. 55. Musika para sa pelikulang "The Great Citizen" (ikalawang yugto). 1939;

O kaya. 56. Musika para sa animated na pelikulang “Silly Mouse.” 1939;

O kaya. 57. Quintet para sa piano at string quartet. 1940;

O kaya. 58. Instrumentasyon ng opera ni Mussorgsky na "Boris Godunov". 1939 – 1940;

O kaya. 58a. Musika para sa trahedya ni Shakespeare na "King Lear". 1940;

O kaya. 59. Musika para sa pelikulang "The Adventures of Korzinkina." 1940;

O kaya. 60. Ikapitong Symphony. 1941;

O kaya. 61. Pangalawang sonata para sa piano. 1942;

O kaya. 63. "Katutubong Leningrad." Vocal-orchestral suite sa dulang "Fatherland". 1942;

O kaya. 64. Musika para sa pelikulang "Zoya". 1944;

O kaya. 65. Ikawalong Symphony. 1943;

O kaya. 66. Musika para sa dulang "Russian River". 1944;

O kaya. 67. Pangalawang trio para sa piano, violin at cello. 1944;

O kaya. 68. Pangalawang string quartet. 1944;

O kaya. 69. Kuwaderno ng mga bata. Anim na piraso para sa piano. Marso, Waltz, "Bear", " Isang nakakatawang fairy tale", "Sad Tale", "Clockwork Doll". 1944 – 1945;

O kaya. 70. Ikasiyam na Symphony. 1945;

O kaya. 71. Musika para sa pelikulang "Ordinaryong Tao". 1945;

O kaya. 73. Ikatlong String Quartet. 1946;

O kaya. 74. "Tula tungkol sa Inang Bayan" - para sa mga soloista, koro at orkestra. 1947;

O kaya. 75. Musika para sa pelikulang "Young Guard" (dalawang yugto). 1947 – 1948;

O kaya. 76. Musika para sa pelikulang "Pirogov". 1947;

O kaya. 77. Konsiyerto para sa biyolin at orkestra. 1947 – 1948;

O kaya. 78. Musika para sa pelikulang "Michurin". 1948;

O kaya. 79. "Mula sa Jewish folk poetry." Vocal cycle para sa soprano, contralto at tenor na may saliw ng piano. “Pag-iyak para sa Patay na Sanggol”, “Mapagmalasakit na Ina at Tiyahin”, “Lullaby”, “Bago ang Mahabang Paghihiwalay”, “Babala”, “Iniwanang Ama”, “Awit ng Pangangailangan”, “Taglamig”, “Ang Magandang Buhay” , "Song" girls", "Happiness". 1948;

O kaya. 80. Musika para sa pelikulang "Meeting on the Elbe". 1948;

O kaya. 81. “Awit ng mga Kagubatan.” Oratorio para sa mga soloista, boys choir, halo-halong koro at orkestra sa mga salita ni E. Dolmatovsky. 1949;

O kaya. 82. Musika para sa pelikulang "The Fall of Berlin". 1949;

O kaya. 83. Ikaapat na String Quartet. 1949;

O kaya. 84. Dalawang romansa sa mga salita ni Lermontov para sa boses at piano. "Ballad", "Morning of the Caucasus". 1950;

O kaya. 85. Musika para sa pelikulang "Belinsky". 1950;

O kaya. 87. Dalawampu't apat na prelude at fugues para sa piano. 1950 – 1951;

O kaya. 88. Sampung tula para sa walang saliw na halo-halong koro batay sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makata noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. "Matapang, mga kaibigan, sumulong tayo!", "Isa sa marami", "Sa kalye!", "Kapag nagkita tayo sa panahon ng paglipat", "Isinagawa", "Ikasiyam ng Enero", "Natahimik ang mga belated volleys. ”, “Nanalo sila”, "May Song", "Song". 1951;

O kaya. 89. Musika para sa pelikulang "Unforgettable 1919". 1951;

O kaya. 90. "Ang araw ay sumisikat sa ating Inang Bayan." Cantata para sa boys' choir, mixed choir at orchestra sa lyrics ni E. Dolmatovsky. 1952;

O kaya. 91. Apat na monologue sa mga salita ni Pushkin para sa boses at piano. "Sipi", "Ano ang nasa aking pangalan", "Sa kailaliman ng Siberian ores", "Paalam". 1952;

O kaya. 92. Ikalimang String Quartet. 1952;

O kaya. 93. Ikasampung Symphony. 1953;

O kaya. 94. Concertino para sa dalawang piano. 1953;

O kaya. 95. Musika para sa dokumentaryong pelikulang "Awit ng mga Dakilang Ilog". 1954;

O kaya. 96. Festive overture. 1954;

O kaya. 97. Musika para sa pelikulang "Gadfly". 1955;

O kaya. 99. Musika para sa pelikulang "Unang Eselon". 1955 – 1956;

O kaya. 101. Ikaanim na String Quartet. 1956;

O kaya. 102. Pangalawang konsiyerto para sa piano at orkestra. 1957;

O kaya. 103. Ikalabing-isang Symphony. 1957;

O kaya. 104. Dalawang pagsasaayos ng mga awiting katutubong Ruso para sa halo-halong koro na walang saliw. "Ang hangin ay umihip", "Kung paano ako binugbog ng aking asawa nang masakit noong ako ay maliit pa." 1957;

O kaya. 105. "Moscow, Cheryomushki." Komedya sa musika sa tatlong yugto. 1958;

O kaya. 106. Pelikula "Kovanshchina". Pag-edit ng musika at instrumentasyon. 1959;

O kaya. 107. Konsiyerto para sa cello at orkestra. 1959;

O kaya. 108. Ikapitong String Quartet. 1960;

O kaya. 109. Satires (mga larawan ng nakaraan) - limang romansa para sa boses at piano batay sa mga tula ni Sasha Cherny. "Pagpuna", "Paggising ng Spring", "Descendants", "Hindi Pagkakaunawaan", "Kreutzer Sonata". 1960;

O kaya. 110. Ikawalong string quartet. 1960;

O kaya. 111. Musika para sa pelikulang “Five Days – Five Nights”. 1960;

O kaya. 112. Ikalabindalawang Symphony. 1961;

O kaya. 113. Ikalabintatlong Symphony para sa soloista, lalaki koro at orkestra sa mga salita ni E. Yevtushenko. 1962;

O kaya. 114. "Katerina Izmailova." Opera sa apat na kilos, siyam na eksena. Bagong edisyon. 1963;

O kaya. 115. Overture sa Russian at Kyrgyz folk themes. 1963;

O kaya. 116. Musika para sa pelikulang "Hamlet". 1963 – 1964;

O kaya. 117. Ika-siyam na String Quartet. 1964;

O kaya. 118. Ikasampung String Quartet. 1964;

O kaya. 119. "Pagbitay kay Stepan Razin." Tula para sa soloista, halo-halong koro at orkestra, lyrics ni E. Yevtushenko. 1964;

O kaya. 120. Musika para sa pelikulang "A Year Like Life." 1965;

O kaya. 122. Ika-labing-isang String Quartet. 1966;

O kaya. 123. "Paunang salita sa kumpletong koleksyon ng aking mga gawa at pagmumuni-muni sa paunang salita na ito" - para sa boses (bass) na may piano. 1966;

O kaya. 124. Orkestra na bersyon ng dalawang koro ni A. Davidenko: "Ang kalye ay nag-aalala" at "Sa ikasampung milya". 1966;

O kaya. 125. Instrumentasyon ng Cello Concerto ni R. Schumann. 1966;

O kaya. 126. Pangalawang konsiyerto para sa cello at orkestra. 1967;

O kaya. 127. Pitong romansa batay sa mga tula ni Alexander Blok. Para sa boses, violin, cello at piano. "Awit ng Ophelia", "Gamayun - ang propetikong ibon", "Nagkasama kami", "Natutulog ang lungsod", "Bagyo", "Mga lihim na palatandaan", "Musika". 1967;

O kaya. 128. Romansa "Spring, Spring" batay sa mga tula ni Pushkin. 1967;

O kaya. 129. Pangalawang konsiyerto para sa biyolin at orkestra. 1967;

O kaya. 130. Funeral at triumphal prelude para sa symphony orchestra sa memorya ng mga bayani ng Labanan ng Stalingrad. 1967;

O kaya. 132. Musika para sa pelikulang "Sofya Perovskaya". 1967;

O kaya. 133. Ikalabindalawang String Quartet. 1968;

O kaya. 134. Sonata para sa violin at piano. 1968;

O kaya. 135. Ika-labing-apat na Symphony. 1969;

O kaya. 136. "Katapatan." Isang cycle ng ballads para sa walang kasamang male choir, lyrics ni E. Dolmatovsky. 1970;

O kaya. 137. Musika para sa pelikulang “King Lear”. 1970;

O kaya. 138. Ikalabintatlong String Quartet. 1970;

O kaya. 139. "March of the Soviet Police" para sa brass band. 1970;

O kaya. 140. Orkestrasyon ng anim na romansa batay sa mga tula nina Raleigh, Burns at Shakespeare (part 62) para sa bass at chamber orchestra. 1970;

O kaya. 141. Ikalabinlimang Symphony. 1971;

O kaya. 142. Ika-labing-apat na String Quartet. 1973;

O kaya. 143. Anim na tula ni Marina Tsvetaeva para sa contralto at piano. "Aking mga tula", "Saan nagmula ang gayong lambing", "Dialogue ng Hamlet na may budhi", "Ang Makata at ang Tsar", "Hindi, ang drum beat", "Anna Akhmatova". 1973;

O kaya. 143a. Anim na tula ni Marina Tsvetaeva para sa contralto at chamber orchestra. 1975;

O kaya. 144. Ikalabinlimang String Quartet. 1974;

O kaya. 145. Suite para sa bass at piano, mga tula ni Michelangelo Buonaroti. "Katotohanan", "Umaga", "Pag-ibig", "Paghihiwalay", "Galit", "Dante", "Exile", "Creativity", "Night", "Death", "Immortality". 1974;

O kaya. 145a. Suite para sa bass at symphony orchestra, mga tula ni Michelangelo Buonarroti. 1974;

O kaya. 146. Apat na tula ni Kapitan Lebyadkin. Para sa bass at piano. Mga salita ni F. Dostoevsky. "The Love of Captain Lebyadkin", "Cockroach", "Ball for Governesses", "Socialite". 1975;

O kaya. 147. Sonata para sa viola at piano. 1975.

4. Shostakovich at mga tradisyon

Ang sining ni Shostakovich ay konektado sa pinakamahusay na mga tradisyon ng musikang Ruso at mundo. Ang pagkakaroon ng isang natatanging intuwisyon, ang artist ay sensitibong tumugon sa mga salungatan sa lipunan sa mundo, pati na rin ang mga sikolohikal, etikal at pilosopikal na mga salungatan, na nagpapakita sa kanyang trabaho ang pinaka aktwal na mga problema ng kanyang kapanahunan. Para sa kanya, ang paglilingkod sa sining ay hindi mapaghihiwalay sa paglilingkod sa tao, lipunan at sa Inang Bayan. Dito sila nanggaling pangkalahatang bisa karamihan sa kanyang mga gawa pamamahayag At pagkamamamayan mga paksa. Ang pagtatasa ng gawa ng kompositor ay malinaw na sumasalamin sa mga kontradiksyon ng aesthetic at ideological na mga posisyon na katangian ng ika-20 siglo. Ang paglikha ng First Symphony ay nagdala ng katanyagan sa mundo ng may-akda; ang Seventh Symphony ay inihambing sa mga gawa ng Beethoven sa mga tuntunin ng antas ng emosyonal na epekto. Sa katunayan, nagawa ni Shostakovich na buhayin ang karaniwang Beethovenian na uri ng symphonism, na mayroong heroic pathos at philosophical depth.

Ang pagnanais para sa isang epektibong impluwensya sa pampublikong buhay, sa mga tagapakinig, kamalayan sa seryosong etikal na layunin ng musika - lahat ng mga prinsipyong ito ay katangian ng pinakamalaking dayuhang kompositor, kabilang ang P. Hindemith, A. Honegger, B. Bartok, C. Orff, F. Poulenc. Ang ganitong mga uso sa sining ay hindi maaaring hindi sinamahan ng pag-asa sa mga klasikal na tradisyon, ang paghahanap para sa mga bagong pagkakataon sa kanila, at pagpapalakas ng mga ugnayan sa katutubong sining, na tumutuon sa moral, pilosopiko at aesthetic na karanasan ng sangkatauhan. Ang oryentasyon ng marami sa mga gawa ni Shostakovich patungo sa klasikal na sining ay kasabay ng mga katulad na phenomena sa gawain ng isang bilang ng mga dayuhang may-akda ng panahong ito. Kaya, lumingon sa linya ng nagpapahayag na paraan, anyo at genre ng Bach, natagpuan ni Shostakovich ang kanyang sarili sa globo ng mga phenomena ng modernong Western musical art noong 20s - 30s ng ika-20 siglo (kabilang sa mga Western composers ng panahong ito, ang gawa ni Hindemith dapat bigyang pansin lalo na). Ang ilang mga klasikal na tendensya ng estilo ni Shostakovich ay sumasalamin sa sining ni Haydn at Mozart. Ang parehong mga istilong aspeto ay malinaw na nakikita sa gawain ni Prokofiev. Sa pangkalahatan, ang "tradisyonalismo" ni Shostakovich ay may sariling mga yugto ng ebolusyon at indibidwal na mga kinakailangan.

Ang mga pangunahing linya ng pagpapatuloy sa gawain ni Shostakovich ang symphonist ay maaaring malinaw na masubaybayan, una sa lahat, sa pamamagitan ng gawain nina Tchaikovsky at Mahler, bilang pinakamalaking kinatawan ng post-Beethoven symphonism. Ang unang symphony ni Shostakovich ay nagbigay ng na-update na interpretasyon ng genre, na nagpapakilala sikolohikal na drama, mga klasikong disenyo na ipinakilala ni Tchaikovsky. Ang aspetong ito ang magkakaroon ng mahalagang papel sa symphony ni Shostakovich. Ang ikaapat na symphony na may kumplikadong pilosopiko at trahedya na konsepto, espesyal na sukat ng anyo, at matalim na kaibahan ay nagpapatotoo sa pagpapatuloy ng mga tradisyon ni Mahler. Ang katangian ay ang pagkakaroon ng isang tragicomic na elemento sa musika ni Shostakovich at ang kanyang paggamit ng mga pang-araw-araw na genre (kaugnay nito, ang Piano Preludes ng Op. 34 at ang marka ng opera na "Katerina Izmailova" ay nagpapahiwatig, kung saan ang iba't ibang mga nagpapahayag na epekto ay ginamit, na nagmumula sa mga banal na ritmikong intonasyon at genre - mula sa katatawanan hanggang sa trahedya na katawa-tawa) . Dapat pansinin na madalas ding ginagamit ni Tchaikovsky ang lugar na ito ng musikal na sining, ngunit sa ibang anyo - nang hindi gumagamit ng isang multifaceted na konteksto, kabalintunaan at pag-aalis ng mga aesthetic na eroplano. Tulad nina Tchaikovsky at Mahler, para kay Shostakovich ang tanong ng pagka-orihinal ng mga paraan ay hindi sapat na kahalagahan.

Ang mga estilistang impluwensya ng sining ng Bach, Beethoven at Mussorgsky ay multidimensional sa mga tuntunin ng pagkakakilanlan ng mga matalinghagang globo at artistikong intensyon. Ang Fifth at Seventh Symphony ni Shostakovich ay nire-refract ang mga imahe ng mga kabayanihan ni Beethoven; ang paggamit ng genre ng martsa (kadalasang ginagamit ni Mahler), ang mga larawan ng isang matagumpay na prusisyon sa pagmamartsa ay minana rin mula sa Beethoven. Ang pagpapatuloy ng mga tradisyon ni Bach sa isang bagong makasaysayang yugto ay dapat isama ang paglikha ni Shostakovich ng mga musikal na imahe na nauugnay sa kawalan ng pagbabago ng moral na tungkulin. Ito ay, una sa lahat, mga yugto ng chorale sa mga symphonic cycle, passacaglia (intermission sa pagitan ng ika-4 at ika-5 na eksena ng "Katerina Izmailova"), na nagsisilbing sentro ng pilosopikal ng trabaho. Gumagamit din ang kompositor ng passacaglia at chaconnes bilang mga independiyenteng bahagi ng isang cyclic na anyo o mga panloob na seksyon nito (ang gitnang yugto ng finale ng Seventh Symphony, ang ika-4 na paggalaw ng Eighth Symphony, ang mabagal na bahagi ng Piano Trio, ang Third Quartet, ang Unang Violin Concerto). Sa ilang mga kaso, ang polyphonic sample ng musika ni Shostakovich ay lumilitaw sa synthesis sa mga intonasyon ng kanta ng Russia sa mga kondisyon ng subvocal texture (Intermezzo mula sa Piano Quintet op. 57).

Ang impluwensya ni Mussorgsky ay multifaceted at pinahusay ng sariling epic tendencies ni Shostakovich sa sining. Sa bagay na ito, dapat bigyang-pansin ang vocal, vocal-symphonic at instrumental genres - quartets at concerts. Kabilang sa mga akda ang symphony No. 13 at No. 14, "Sampung choral poems na batay sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makata," at ang tula na "The Execution of Stepan Razin." Ang Shostakovich at Mussorgsky ay magkatulad din sa kanilang diskarte sa alamat ng Russia at ang pagpili ng materyal na intonasyon. Si Shostakovich ay malapit sa pamamaraan ni Mussorgsky, ang lumikha ng makatotohanan mga tauhang bayan at mga sikat na eksena, saloobin sa kasaysayan ng mga tao. Tulad ng nalalaman, isinama ni Mussorgsky ang imahe ng mga tao sa lahat ng pagiging kumplikado nito. Ang isang katulad na dialecticism ay katangian din ng Shostakovich (dapat tandaan ang magkakaibang paglalarawan ng mga tao sa opera na "Katerina Izmailova", mga episode mula sa "The Execution of Stepan Razin", atbp.), na nagpapakita ng mga panloob na kontradiksyon.

"Iginagalang ko si Mussorgsky, itinuturing ko siyang pinakadakilang kompositor ng Russia," isinulat ni Shostakovich na higit sa lahat ay natukoy na ang pag-iisip ng musika noong ika-20 siglo. Napansin ng mga musicologist ang mga tampok ng istilo ni Mussorgsky na nasa unang mga gawa ni Shostakovich, lalo na, sa "Two Fables on Krylov's Poems for Voice and Orchestra" (op. 4, 1921). Ang prinsipyo ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng musika at mga salita, na ginagamit ni Mussorgsky sa opera na "Kasal", ay ipinatupad sa unang opera ni Shostakovich na "The Nose", na nilikha din batay sa prosa ni N. Gogol, tulad ng "Kasal" ni Mussorgsky.

Lubos na pinahahalagahan ni Shostakovich ang kakayahan ni Mussorgsky na masuri na maunawaan ang mga kaganapan sa kasaysayan ng Russia (tulad ng makikita sa mga opera na "Boris Godunov" at "Khovanshchina"), at upang mahanap ang mga pinagmulan ng hinaharap na mga problema sa lipunan at moral.

Ang kompositor, na pinalaki ang mga mithiin ng rebolusyon, ay nasaksihan ang brutal na presyon ng makina ng estado, na nag-depersonalize ng mga tao. Ang ideyang ito ay nakatalukbong na sa Second Symphony ("Dedikasyon sa Oktubre", 1927), kung saan, kasama ang pagpapakita ng malalaking eksena sa karamihan ng mga tao na tipikal ng mga unang post-rebolusyonaryong taon, lumilitaw ang intonasyon at melodic na pagliko ng mga trahedya na kanta ng mga bilanggo. .

Ang tema ng pagmamanipula ng kamalayan ng masa, na humahantong sa hindi makatarungang kalupitan, ay ginagawang katulad din ni Shostakovich kay Mussorgsky. Isang halimbawa ay ang eksena ng madla na nagagalak sa panahon ng masaker bayaning bayan sa tulang “The Execution of Stepan Razin”.

Ang isang espesyal na lugar sa gawain ni Shostakovich ay inookupahan ng gawain sa pag-aaral ng malikhaing pamana ng Mussorgsky - ang orkestrasyon at pag-edit ng mga opera na "Boris Godunov" at "Khovanshchina", ang vocal cycle na "Mga Kanta at Sayaw ng Kamatayan". Parehong inilalarawan ng dalawang artista ang walang hanggang tema ng Kamatayan sa kanilang sining.

Ang mga koneksyon ni Shostakovich sa Russian ay malawak klasikal na panitikan. Sa mga manunulat, ang espesyal na pagbanggit ay dapat gawin ng Gogol (ang papel ng katawa-tawa) at Dostoevsky (psychologism). Kadalasan ang kakatuwa na elemento sa musika ni Shostakovich ay bumubuo ng isang synthesis ng maaasahang makatotohanang mga detalye na may hyperbole (pagmamalabis). Ang ganitong mga imahe ay lumalaki sa malakihang sikolohikal na paglalahat. Tulad ni Gogol, ginagamit ni Shostakovich ang pamamaraan ng "pagbaba" ng antas ng kalungkutan sa pamamagitan ng pagdadala ng lantarang bastos. Gayundin, ang parehong mga may-akda ay pinagsama sa pamamagitan ng kanilang pansin sa pagsusuri ang duality ng kalikasan ng tao. Ang indibidwal na pagka-orihinal ng estilo ni Shostakovich ay nagmumula sa maraming mga sangkap na bumubuo na may mataas na intensity ng kanilang synthesis.

Ang paksa ng isang espesyal na pag-aaral ay ang paggamit ng kompositor ng materyal na sipi. Ang pamamaraang ito, tulad ng alam mo, ay palaging nakakatulong na "basahin ang layunin ng may-akda." Ipinakilala din ng kompositor ang mga autoquotation bilang mga nauugnay na metapora (kabilang sa mga naturang gawa ay ang Eighth Quartet). Sa sining, ang proseso ng crystallization at consolidation ng intonation-symbols ay matagal nang nangyayari. Radius ng pagkilos mga katulad na paksa lumalawak salamat sa paboritong pamamaraan ng kompositor ng mga polar transformation at metamorphoses. Ang pamamaraan ng genre generalization ay aktibong kasangkot sa prosesong ito, ngunit sa kaso ng generalization ng mga elemento ng genre na pinagmulan sa anumang typified formula, Shostakovich pagkatapos ay malayang itinapon ito bilang isang katangian na stroke. Ang pagtatrabaho sa gayong mga diskarte ay naglalayong hangga't maaari sa paglikha ng isang maaasahang "kapaligiran".

Ayon sa maraming mga mananaliksik, ang pag-eksperimento sa larangan ng sound matter ay may kaunting atraksyon para kay Shostakovich. Ang mga elemento ng seriality at sonorism ay ginagamit nang may matinding pagpigil. Sa mga gawa ng mga nakaraang taon (sa mga symphony No. 14 at No. 15, ang huling quartets, ang Viola Sonata, mga vocal cycle sa mga teksto ni Akhmatova at Michelangelo), ang mga tema ng labindalawang tono ay matatagpuan. Sa pangkalahatan, ang ebolusyon ng istilo ni Shostakovich sa kamakailang mga panahon naglalayong i-save ang nagpapahayag na paraan.

5. Ang ilang mga tampok ng estilo ng D. D. Shostakovich: melody, armonya, polyphony

Ang pinakamalaking mananaliksik ng akda ng kompositor, si L. Danilevich, ay sumulat: "Minsan sa mga klase ni Dmitry Dmitrievich kasama ang kanyang mga mag-aaral, lumitaw ang isang pagtatalo: ano ang mas mahalaga - ang himig (tema) o ang pag-unlad nito. Tinukoy ng ilan sa mga estudyante ang unang paggalaw ng Fifth Symphony ni Beethoven. Ang tema mismo ng kilusang ito ay elementarya, hindi kapansin-pansin, at lumikha si Beethoven ng isang napakatalino na gawa batay dito! At sa unang Allegro ng Third Symphony ng parehong may-akda, ang pangunahing bagay ay wala sa tema, ngunit sa pag-unlad nito. Sa kabila ng mga argumentong ito, nangatuwiran si Shostakovich na ang materyal na pampakay, ang himig, ay may pangunahing kahalagahan pa rin sa musika.

Ang mga salitang ito ay kinumpirma ng buong gawain ni Shostakovich. Kabilang sa mahahalagang katangian ng estilista ng kompositor ay pagiging kanta, na sinamahan ng iba pang mga uso, at ang synthesis na ito ay malinaw na ipinakita sa mga instrumental na genre.

Una sa lahat, dapat pansinin ang impluwensya ng alamat ng Russia. Ang ilan sa mga melodies ni Shostakovich ay may ilang pagkakatulad sa mga hugot na liriko na kanta, panaghoy at panaghoy; epikong epiko, mga himig ng sayaw. Mahalaga na hindi sinundan ng kompositor ang landas ng stylization; indibidwal na katangian wika nito sa musika.

Ang tinig na pagpapatupad ng mga sinaunang katutubong awit ay kitang-kita sa maraming komposisyon. Kabilang sa mga ito: "The Execution of Stepan Razin", "Katerina Izmailova" (mga koro ng mga nahatulan); Ang kanta ng "The Draped Peasant" ("I had a godfather") ay puno ng komiks dance songs at himig.

Ang himig ng ikatlong bahagi ng oratorio na "Song of the Forests" ("Memory of the Past") ay nakapagpapaalaala sa Russian folk song na "Luchinushka". Sa ikalawang bahagi - "Bihisan natin ang Inang Bayan sa mga kagubatan" - kabilang sa mga melodic na intonasyon ay may katulad na pagliko sa isa sa mga motibo ng awiting Ruso na "Hey, let's hoot"; Ang tema ng huling fugue ay kahawig ng himig ng sinaunang awiting "Glory".

Lumilitaw ang mga malungkot na liko ng panaghoy at panaghoy, lalo na, sa ikatlong bahagi ng oratorio, sa tulang koro na "The Ninth of January", sa Eleventh Symphony, at sa ilang preludes at fugues ng piano.

Gumawa si Shostakovich ng maraming instrumental na melodies na nauugnay sa genre ng folk lyrical song. Kabilang dito ang: mga tema mula sa unang kilusan ng Trio, ang finale ng Second Quartet, at ang mabagal na paggalaw ng First Cello Concerto. Ang globo ng Russian folk dance ay inihayag sa mga finale ng First Violin Concerto, ang Tenth Symphony (side part).

Ang rebolusyonaryong pagsulat ng kanta ay sumasakop sa isang makabuluhang lugar sa musika ni Shostakovich. Kasama ang kabayanihan na "aktibo" na mga intonasyon ng mga kanta ng rebolusyonaryong pakikibaka, gumamit si Shostakovich ng mga melodiko, kabilang ang mga katangian ng melodic na pagliko ng mga kanta ng mahirap na paggawa at pagpapatapon - makinis na triplet na paggalaw na may nangingibabaw na paggalaw ng pababa. Ang ganitong mga intonasyon ay naroroon sa mga tulang koro. Ang parehong uri ng melodic na paggalaw ay nangyayari sa Sixth at Tenth Symphony.

Mahalaga ring tandaan ang impluwensya ng mga kanta ng masa ng Sobyet. Ang kompositor mismo ay nagtrabaho nang mabunga sa lugar na ito. Kabilang sa mga akdang nagpapakita ng kaugnayan sa melodic sphere na ito ay ang oratorio na “Awit ng mga Kagubatan,” ang cantata na “The Sun Shines Over Our Motherland,” at ang Festive Overture.

Ang isang melodically rich recitative, na naghahatid hindi lamang ng mga intonasyon ng pakikipag-usap, kundi pati na rin ang mga kaisipan at damdamin ng mga karakter, ay pumupuno sa musikal na tela ng opera na "Katerina Izmailova". Ang cycle na "From Jewish Folk Poetry" ay nagpapakita ng maraming halimbawa ng mga partikular na katangian ng musika na ipinatupad gamit ang vocal at speech techniques, na may vocal declamation na kinukumpleto ng instrumental. Ang ugali na ito ay nabuo sa mga huling yugto ng boses ni Shostakovich.

Ang instrumental na "recitability" ay malinaw na kumakatawan sa pagnanais ng kompositor na ihatid ang "musika ng pagsasalita" nang tumpak hangga't maaari, na nagpapakita ng napakalaking pagkakataon para sa mga makabagong pakikipagsapalaran.

Sinabi ni L. Dolzhansky: “Kapag nakikinig tayo sa ilang symphony at iba pang instrumental na gawa ni Shostakovich, para bang nabubuhay ang mga instrumento, nagiging mga tao, mga tauhan sa drama, trahedya, at kung minsan ay komedya. Ang isang tao ay nakakakuha ng pakiramdam na ito ay "isang teatro kung saan ang lahat ay halata, hanggang sa punto ng pagtawa o luha" (mga salita ni K. Fedin tungkol sa musika ni Shostakovich). Ang isang galit na tandang ay nagbibigay daan sa isang bulong, isang malungkot na bulalas, isang daing ay nagiging mapanuksong tawa. Ang mga instrumento ay kumakanta, umiiyak at tumatawa. Siyempre, ang impresyong ito ay nilikha hindi lamang ng mga intonasyon mismo; Ang papel ng mga timbre ay napakahusay.”

Ang deklarasyon, bilang isang espesyal na kalidad ng instrumentalismo ni Shostakovich, ay higit na konektado sa monologo ng pagtatanghal. Ang mga instrumental na "monologues," na minarkahan ng ritmikong kalayaan at kung minsan ay improvisational na istilo, ay naroroon sa lahat ng symphony, violin at cello concerto, at quartets.

At ang isa pang lugar ng melody kung saan ipinakita ang pagiging malikhain ni Shostakovich ay ang "dalisay" na instrumentalismo, malayo sa parehong kanta at "pakikipag-usap" na mga intonasyon. Ito ang mga tema na nailalarawan sa pagkakaroon ng "tense" na mga intonasyon at malawak na melodic leaps (ikaanim, ikapito, oktaba, wala). Ang mga instrumental melodies ni Shostakovich ay madalas na malinaw na nagpapahayag; sa isang bilang ng mga kaso nakakakuha ito ng mga tampok ng motority, sadyang "mekanikal" na paggalaw. Ang mga halimbawa ng naturang mga tema ay: ang fugue theme mula sa unang bahagi ng Fourth Symphony, ang "toccata" mula sa Eighth, ang piano fugue theme Des-dur.

Sa ilang mga kaso, isinama ni Shostakovich ang melodic na mga liko na may pang-apat na intonasyon. Ito ang mga tema ng First Violin Concerto (ang pangalawang tema ng side part na Nocturne, Scherzo, Passacaglia); tema ng piano fugue B major; tema ng kilusan V (“Sa alerto”) mula sa Ika-labing-apat na Symphony; tema ng pag-iibigan "Saan nagmula ang gayong lambing?" sa mga salita ni M. Tsvetaeva at iba pa, binibigyang kahulugan ni Shostakovich ang mga pariralang ito sa iba't ibang paraan, puspos ng isang tiyak na semantika na dumaan sa mga siglo. Ang ikaapat na galaw ay ang thematic grain ng liriko na melody ni Andantino mula sa Fourth Quartet. Ang mga galaw na katulad sa istraktura ay naroroon din sa scherzo, trahedya at kabayanihan na mga tema ng kompositor, kaya nagkakaroon ng pangkalahatang kahulugan.

Ang mga tampok ng melodic, harmony at polyphony ng Shostakovich ay bumubuo ng isang synthesis sa larangan ng modal na pag-iisip. Kahit na si Rimsky-Korsakov ay wastong itinuro ang isa sa mga katangian ng pambansang tampok ng musikang Ruso - ang paggamit ng pitong hakbang na mga mode. Ipinagpatuloy ni Shostakovich ang tradisyong ito sa modernong yugto ng kasaysayan. Sa mga kondisyon ng Aeolian mode, ang fugue theme at Intermezzo mula sa Quintet op. 57; Ang tema mula sa unang bahagi ng Trio ay naglalaman din ng mga pariralang pinagmulan ng alamat. Ang simula ng Seventh Symphony ay kumakatawan sa isang halimbawa ng Lydian mode. Fugue C major mula sa cycle na "24 Preludes and Fugues" ay nagpapakita ng iba't ibang uri ng mga mode (hindi kailanman ginagamit ang mga itim na key sa fugue na ito).

Sa Shostakovich, kung minsan ang isang mode ay mabilis na nagbibigay daan sa isa pa, at ito ay nangyayari sa loob ng balangkas ng isang istruktura ng musika, isang tema. Ang pamamaraan na ito ay nagbibigay ng isang espesyal na personalidad. Ngunit ang pinakamahalagang bagay sa interpretasyon ng mode ay ang madalas na pagpapakilala ng mas mababang (mas madalas na mas mataas) na mga hakbang ng sukat. Kaya, sa proseso ng pagtatanghal, lumilitaw ang mga bagong mode, at ang ilan sa mga ito ay hindi ginamit bago ang Shostakovich. Ang ganitong mga istruktura ng modal ay ipinakita hindi lamang sa himig, kundi pati na rin sa pagkakaisa, sa lahat ng aspeto ng pag-iisip ng musikal (isang mahalagang dramatikong papel ang ginampanan ng isa sa mga mode na ito sa Eleventh Symphony, na tumutukoy sa istraktura ng pangunahing butil ng intonasyon ng buong cycle, pagkuha ng kahulugan ng leitintonation).

Bilang karagdagan sa iba pang mga pinababang hakbang, ipinakilala ni Shostakovich ang mababang VIII (nasa mode na ito, kasama ang paglahok ng pangalawang mababang hakbang, na nilikha ang tema ng pangunahing bahagi ng unang paggalaw ng Fifth Symphony). Ang VIII mababang hakbang ay nagpapatunay sa prinsipyo ng hindi pagsasara ng mga octaves. Ang pangunahing tono ng fret (sa halimbawang ibinigay ay ang tunog "d") ang isang octave na mas mataas ay tumigil sa pagiging pangunahing tono at ang oktaba ay hindi nagsasara. Ang pagpapalit ng purong oktaba para sa pinababang isa ay maaari ding maganap kaugnay ng iba pang antas ng sukat.

Sa ilang mga kaso, ang kompositor ay gumagamit ng bitonality (sabay-sabay na tunog ng dalawang tonality). Mga katulad na halimbawa: isang episode mula sa unang paggalaw ng Second Piano Sonata; isa sa mga fugue section sa ikalawang bahagi ng Fourth Symphony ay nakasulat sa polytonally: apat na tonality ang pinagsama-sama dito - d-moll, es-moll, e-moll at f-moll.

Dapat pansinin na si Shostakovich ay gumawa ng mga kagiliw-giliw na pagtuklas sa larangan ng pagkakaisa. Halimbawa, sa ikalimang eksena ng opera na "Katerina Izmailova" (ang eksena kasama ang multo) mayroong isang chord na binubuo ng lahat ng pitong tunog ng diatonic series (kung saan ang ikawalong tunog ay idinagdag sa bass). Sa pagtatapos ng pagbuo ng unang paggalaw ng Ikaapat na Symphony, mayroong isang chord na binubuo ng labindalawang iba't ibang mga tunog. Ang harmonic na wika ng kompositor ay nagpapakita ng mga halimbawa ng parehong napakahusay na kumplikado at, sa kabaligtaran, pagiging simple. Ang mga functionally simple harmonies ay naroroon sa cantata na "Ang araw ay sumisikat sa ating Inang-bayan." Ang mga kagiliw-giliw na halimbawa ng maharmonya na pag-iisip ay ipinakita sa mga susunod na gawa, na pinagsasama ang makabuluhang kalinawan, minsan transparency, na may pag-igting. Sa pamamagitan ng pag-iwas sa mga kumplikadong polyphonic complex, hindi pinasimple ng kompositor ang mismong lohika ng harmonic na wika.

Si Shostakovich ay isa sa mga pinakadakilang polyphonist ng ika-20 siglo. Para sa kanya, ang polyphony ay isa sa napakahalagang paraan ng musikal na sining. Ang mga tagumpay ng kompositor sa lugar na ito ay nagpayaman sa kultura ng musika sa mundo; sa parehong oras, minarkahan nila ang isang bagong yugto sa kasaysayan ng polyphony ng Russia.

Tulad ng alam mo, ang pinakamataas na polyphonic form ay ang fugue. Gumawa si Shostakovich ng maraming fugues - para sa orkestra, koro at orkestra, quintet, quartet, piano. Ipinakilala niya ang form na ito hindi lamang sa mga symphonic cycle at chamber works, kundi pati na rin sa ballet (“Golden Age”) at musika sa pelikula (“Golden Mountains”). Ang kinikilalang tugatog sa larangan ng polyphonic thinking ay ang paglikha ng cycle na "24 Preludes and Fugues," na nagpatuloy sa mga tradisyon ng Bach noong ika-20 siglo.

Kasama ng fugue, ginagamit ng kompositor ang sinaunang anyo ng passacaglia (isang episode mula sa opera na "Katerina Izmailova" - ang intermission sa pagitan ng mga eksena IV at V). Isinailalim niya ang sinaunang anyo na ito, tulad ng fugue form, sa paglutas ng mga problemang nauugnay sa sagisag ng modernong realidad. Halos lahat ng passacaglia ni Shostakovich ay kalunos-lunos at naglalaman ng mahusay na nilalamang humanistic.

Ang polyphony bilang isang pamamaraan ay ipinakita sa paraan ng pag-unlad ng maraming mga seksyon ng eksposisyon, ang pagbuo ng mga bahagi na kumakatawan sa isang sonata form. Ipinagpatuloy ng kompositor ang mga tradisyon ng Russian subvocal polyphony (choral poems "On the Street", "Awit", ang pangunahing tema ng unang bahagi ng Tenth Symphony).

6. "Autographic" chord ng D. D. Shostakovich

SA Kamakailan lamang lumitaw kawili-wiling pananaliksik, na nakatuon sa pagsusuri ng mode-harmonic na paraan ng musika ni Shostakovich, pati na rin ang kanyang "autobiographical" chord system. Ang hindi pangkaraniwang bagay na ito (mga chord na may mga linear na tono na lumilitaw sa ilalim ng ilang harmonic, linear-contrapuntal at metrhythmic na kondisyon) ay naging isa rin sa mga katangian ng estilo ng kompositor.

Sa mga pag-aaral na nakatuon sa musikal na wika ng Shostakovich, isang espesyal na lugar ang ibinibigay sa structural refraction ng dating nabuo na materyal, na bumubuo ng isang bagong kalidad ng tunog. Ito ay dahil sa mga espesyal na katangian ng komunikasyon ng musika ng kompositor. Ang pagtuon sa tagapakinig, katangian ng Shostakovich, ay nangangailangan ng katiyakan ng semantiko mula sa mga paraan ng musikal. Ang paunang pampakay na tema ay maaaring magbago nang malaki sa proseso ng pagtatanghal, ngunit, salamat sa pandinig na memorya, kinikilala ito at nagsisilbing isang pilosopikal at etikal na paraan ng paghahatid ng ideya ng sanaysay.

Ang kalidad ng "pagbabago ng kilala" ay ganap na ipinakita sa mga chord ni Shostakovich. Sa akda ni L. Saviva na "Shostakovich: mula sa pagkakatugma ng montage hanggang sa mga hilera ng labindalawang tono" ay nabanggit na "Sa maraming mga pagkakaiba-iba ng chord, binibigyang-diin ni Shostakovich ang istrukturang kadaliang kumilos ng mga consonance, na nag-aambag sa pagbuo ng isang variant multiplicity ng mga form ng chord: sila ay patuloy na nagbabago, nakakapasok, nagpaparamdam sa isa't isa, nawawalan ng katatagan at pagpapanatili." Ito ay nararapat na makita bilang impluwensya ng isang polyphonic complex ng mga paraan ng pagpapahayag. Ang mga pangkalahatang katangian ng pagkakaisa ni Shostakovich bilang polyphonic ay paulit-ulit na binanggit ng mga mananaliksik. Kaya, sinabi ni G. Kocharova na sa mga gawa ni Shostakovich "...Sa pamamagitan ng koordinasyon ng grupo ng mga boses sa texture, ang pangunahing batas ng polyphonic harmony ay gumagana - ang batas ng hindi pagkakaisa ng mga punto ng harmonic na konsentrasyon (sa mga tuntunin ng antas ng dissonance o sa functional na kahulugan). ...ang mga panandaliang "node", "unisons", kung saan ang functional na kahulugan ng mga tono at elemento ng texture ay nagtutugma, ay kumakatawan sa isang uri ng pagkakatulad sa lumang uri ng mga cadence na "nag-ipon" ng enerhiya ng paggalaw ng mga boses sa klasikal na polyphony.” Ito ay tiyak na may "cadancing" ng isang mataas na pagkakasunud-sunod, na may diin sa metro-ritmikong makabuluhang beat, na ang natatanging chord ng may-akda ni Shostakovich, na wala pang detalyadong paglalarawan sa panitikan, ay nauugnay. Ito ang chord na maaaring italaga bilang autographic.

Sinabi ni S. Nadler: “Ang autographic chords ni Shostakovich ay isang espesyal na paggamit ng mga linear na tono. Ang expression na napupunta sa diskarteng ito ay nagbubunga ng isang qualitatively different sound ng non-chord sounds, ginagawa silang umiral hindi lamang sa isang "iba't ibang tunog" kumpara sa iba pang mga tunog ng chord, ngunit sa isang "iba't ibang oras." Ito ay isang chord ng "non-verbal" microfunctions na nagpapahayag ng saloobin patungo sa lokal na tonic at sa parehong oras ay nakakaapekto sa sandali ng katotohanan, ang sandali ng pananaw." Maraming mga musicologist ang nagsasalita tungkol sa isang espesyal na uri ng pang-unawa at pagtatanghal ng "oras" na katangian ng musika ni Shostakovich.

Maaari nating tapusin na ang autographic chords ni Shostakovich ay nagmula sa isang polytemporal linear na kalikasan. Gaya ng sinabi ni E. Sokolova, "Kahit na ang mga triad ay madalas na binibigyang-kahulugan ng kompositor bilang dobleng tunog, ngunit may mga idinagdag na tono." Ang non-chord na tunog, na bumubuo ng isang kinakailangang bahagi ng naturang chord, ay binibigyang-kahulugan sa isang dalawahang temporal na posisyon.

Sa unang pagkakataon, lumitaw ang mga chord ng may-akda ni Shostakovich sa unang bahagi ng kanyang pagkamalikhain. Naayos na ito sa opera na "The Nose" sa unang eksena (No. 2, number 23, volume 2 - ang figure ng mga string na binabalangkas ang perspektibo ng rehistro). Ang displacement ng tonal microcenter sa fragment na ito (mula sa tunog "A" sa "es") lumilikha ng "intonasyon sa malayo," at ang hitsura ng buong pigura sa simula ng isang bagong parirala ay nagbibigay-diin sa kahalagahan ng maharmonya na kaganapan. Ang hitsura ng mga chord ng may-akda ay dahil sa ang katunayan na ang episode na ito ay nagpapakita ng isang kumplikadong pananaw ng balangkas na may hiwalay na semantiko na katangian ng bawat linya. Ang "tragifarcical" na mga dramatikong sandali ng opera na "The Nose" ay kinakatawan ng mga chord ng may-akda: No. 9 ("On a newspaper expedition," number 191, vol. 2), No. 11 ("Kovalyov's Apartment," number 273 , vol. 2; Ang patunay ng kahalagahan ng chord na ito ay ang konsentrasyon nito "sa paligid" ng pangunahing polyphonic number ng opera: ang Intermission sa pagitan ng ika-5 at ika-6 na eksena. Ang kaibahan ng isa pang uri ng chord na may polyphonic "penetration" sa lihim na kakanyahan ng mga kaganapan ay napaka katangian ng mga indibidwal na polyphonic poetics ni Shostakovich at kasama sa karaniwang sistema kanyang polyphonic "hearing" ng mundo.

Noong unang bahagi ng 30s ng ika-20 siglo, sa opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk", ang papel ng mga chord ng may-akda ay tumaas nang malaki, na nauugnay sa pagnanais ng kompositor na mapansin sa isang bukas na trahedya na paraan, kumpara sa unang bahagi ng panahon. nang natakpan ang orihinal na trahedya ng pangitain ng mundo. Ang hangganan para sa pagbabago ng anggulo ng pagtingin sa mga kaganapan - mula sa nakakatawa hanggang sa trahedya - ay ang cycle na "Six Romances on Poems of Japanese Poets", na medyo "autographic" sa tunog. Sa siklo na ito, ang iba pang mga tampok ng estilo ni Shostakovich ay nagsisimulang bigyang-diin, na sa unang bahagi ng panahon ay umiral sa isang nakatagong anyo, at sa gitnang panahon ay nakakuha ng nangingibabaw na kahalagahan. Una sa lahat, ito ay isang aktibong "monologization" ng musikal na pag-iisip at isang diin sa libreng metrical na pag-unlad ng pag-iisip. Ang mga katangiang ito ay nauugnay sa isang pangkalahatang pagbabago sa mood ng kompositor. Sa oras na ito, hindi lamang ang mga katangian ng pagsasalita ng isang musikal na salaysay ay hinahasa, ngunit ang kahalagahan ng trahedya na pananalita bilang isang paraan ng pagtugon sa nakikinig ay tumataas.

Sa gitnang panahon, ang mga chord ng may-akda ay magiging pangunahing "autograph" ng vertical ni Shostakovich. Bilang halimbawa, maaari nating banggitin ang chain ng cadence chords sa coda ng finale ng "borderline" sa pagitan ng maaga at gitnang yugto ng Fourth Symphony (mga numero 243 - 245). Ang pagtaas ng bahagi ng ganitong uri ng mga chord ay nauugnay sa pangkalahatang extroversion ng estilo sa musika ni Shostakovich mula 30s hanggang 50s (itinuturing ng mga mananaliksik na ang paglikha ng Eighth Symphony ang pinakatuktok ng panahong ito).

Salamat sa gayong mga chord, ang accent ng may-akda ng maraming mga gawa ay agad na nakikilala. Kasama sa mga pagbubukod, sa partikular, ang hindi natapos na opera na "Ang Mga Manlalaro," kung saan ang mga chord na ito ay hindi tumutugma sa pangkalahatang dramatikong linya at ganap na bumangon nang hiwalay sa pangkalahatang salaysay. Ang papel na ginagampanan ni Shostakovich sa oras ng paglikha ng opera (" trahedya na makata modernity," ayon kay I. Sollertinsky), "ay hindi pinapayagan" ang farcical plot na maisakatuparan. Ito ay hindi nagkataon na ang opera, na binubuo lamang ng ikatlong bahagi ng daan at nagtataglay ng hindi maikakaila na mga dramatikong merito at kamangha-manghang intriga sa musika, ay nanatiling hindi natapos. Mayroon ding mga komposisyon mula sa 50s na may medyo maliit na papel ng autographic chords ng may-akda. Halimbawa, ang unang paggalaw ng Symphony No. 11 (bago ang numero 1). Ang mga chord sa fragment na ito, ayon sa mga mananaliksik, ay walang espesyal na enerhiya na katangian ng musika ni Shostakovich at kadalasang nauugnay sa isang mas mataas na tunog. Gayunpaman, sa bahaging ito (sa numero 17) ang kalidad ng musikal na pagpapahayag ng may-akda na may cathartic na kahulugan ay nakuha (ang chord ng "may-akda" sa numero 18).

Sa mas malaking lawak, ang "pagpapahina" ng autographic chords ay katangian ng Symphony No. 12. Ang isang espesyal na autographic na tunog ay naging katangian ng patayong musika ng Shostakovich sa nakalipas na 15 taon. Ang isang makabuluhang pagbabago sa susunod na istilo ay may kinalaman sa mga awtorisadong chord. Sa lahat ng nakaraang panahon ito ay aktibong ginagamit. Madalas na lumilitaw, ang mga harmonic na "autograph", na naiiba sa pag-andar at acoustic sonority, ay may isang bagay na karaniwan na malinaw na nakikilala ng tainga bilang isang katangian ng accent ng may-akda: ang aktibidad at inisyal ng chord sa isang punto ng oras. Ipinakita nito ang sarili sa tekstura sa paraang kumilos ang kuwerdas ng may-akda sa "walang tao" na espasyong kontrapuntal. Tila tumagos ito sa buong tela, na naging isang patayong seksyon ng texture. Sa susunod na panahon, ang naturang chord ay nagiging madalang na pangyayari. Kapag siya ay lumitaw, siya ay nagiging passive, dahil ang lugar sa space-time continuum ay ginagamit mula sa posisyon ng ibang dramatikong kahulugan.

Kaya, ang mga signature chords ni Shostakovich ay isa sa mga pinaka makabuluhang tampok ng estilo. Ang pagkakaroon ng lumitaw sa mga unang gawa, ito ay sumasailalim sa mga pagbabago na katulad ng iba pang paraan ng pagpapahayag. Sa kabila ng mga pagbabagong pangkakanyahan, ang kalidad ng istilong ito ay gumaganap ng pangunahing papel nito sa kabuuan ng kanyang trabaho, na nag-indibidwal sa musikal na pananalita ni Shostakovich.

6. Ang ilang mga tampok ng sonata form

Si Shostakovich ay ang may-akda ng isang bilang ng mga sonata cycle, symphonic at chamber (symphony, concertos, sonatas, quartets, quintets, trios). Ang pormang ito ay naging partikular na mahalaga sa kanya. Ito ay pinaka malapit na tumutugma sa kakanyahan ng pagkamalikhain at nagbigay ng sapat na pagkakataon upang ipakita ang "dialectics ng buhay." Isang symphonist sa pamamagitan ng bokasyon, ginamit ni Shostakovich ang sonata cycle upang isama ang kanyang pangunahing mga malikhaing konsepto.

Para kay Shostakovich, ang mga sonata ay hindi bababa sa lahat ng isang pamamaraan na nagbubuklod sa kompositor ng akademikong "mga tuntunin." Binigyang-kahulugan niya ang istruktura ng sonata cycle at ang mga bahagi nito sa sarili niyang paraan.

Napansin ng maraming mananaliksik ang espesyal na papel ng mabagal na tempo sa mga unang bahagi ng mga siklo ng sonata. Ang hindi nagmamadaling pag-unlad ng musikal na materyal ay sumusunod kasama ng isang unti-unting konsentrasyon ng panloob na dinamika, na humahantong sa emosyonal na "mga pagsabog" sa kasunod na mga seksyon. Kaya, dahil sa paggamit ng isang mabagal na tempo, ang "zone" ng salungatan sa unang bahagi ng Fifth Symphony ay inilipat sa pag-unlad. Ang isang kagiliw-giliw na halimbawa ay ang Eleventh Symphony, kung saan walang isang kilusan na nakasulat sa anyo ng sonata, ngunit ang lohika ng pag-unlad nito ay naroroon sa mismong pamamaraan ng apat na bahagi na ikot (ang unang kilusan - Adagio - ay gumaganap ng papel ng prologue).

Dapat pansinin ang espesyal na papel ng mga panimulang seksyon. May mga pagpapakilala sa Una, Ikaapat, Ikalima, Ikaanim, Ikawalo, Ikasampung Symphony. Sa Ikalabindalawang Symphony, ang introduction theme din ang tema ng pangunahing bahagi. Ang kaibahan sa pagitan ng mga tema ng eksposisyon sa Shostakovich ay madalas na hindi pa nagpapakita ng pangunahing salungatan. Ang pinakamahalagang elemento ng diyalektiko ay labis na nakalantad sa pag-unlad, na emosyonal na sumasalungat sa paglalahad. Kadalasan ang tempo ay bumibilis, ang musikal na wika ay nakakakuha ng a O mas mataas na intonation modal sharpness. Ang pag-unlad ay nagiging napaka-dynamic at kapansin-pansing matindi.

Minsan gumagamit si Shostakovich ng mga hindi pangkaraniwang uri ng mga pag-unlad. Kaya, sa unang bahagi ng Sixth Symphony, ang pagbuo ay binubuo ng mga pinahabang solo, tulad ng mga improvisasyon ng mga instrumento ng hangin. Sa unang bahagi ng Seventh Symphony, ang pagbuo ay bumubuo ng isang independiyenteng cycle ng variation (invasion episode).

Karaniwang dina-dinamize ng kompositor ang mga reprise na seksyon, na nagpapakita ng mga larawan sa mas mataas na emosyonal na antas. Kadalasan ang simula ng isang reprise ay tumutugma sa lugar ng pangkalahatang rurok.

Ang scherzo ni Shostakovich ay kumakatawan sa iba't ibang interpretasyon ng genre - tradisyonal (masayahin, nakakatawa, kung minsan ay may kabalintunaan). Ang iba pang uri ay mas tiyak: ang genre ay binibigyang-kahulugan ng kompositor hindi sa direkta nito, ngunit sa kondisyonal na kahulugan nito; ang saya at katatawanan ay nagbibigay-daan sa katawa-tawa, pangungutya, at madilim na pantasya. Ang artistic novelty ay wala sa anyo, hindi sa compositional structure; ang nilalaman, imahe, at mga paraan ng "paglalahad" ng materyal ay bago. Ang isang kapansin-pansin na halimbawa ng isang scherzo ng ganitong uri ay ang ikatlong kilusan ng Eighth Symphony; Ang ganitong uri ng scherzo ay "pumapasok" din sa mga unang bahagi ng mga cycle ng Ikaapat, Ikalima, Ikapito, at Ikawalong symphony.

Matapang na pinagsasama ni Shostakovich ang trahedya at scherzo - hindi nagbabala, ngunit, sa kabaligtaran, nagpapatibay sa buhay - sa Ikalabintatlong Symphony.

Ang kumbinasyon ng iba't ibang at kahit na magkasalungat na mga elemento ng artistikong ay isa sa mga makabuluhang pagpapakita ng pagbabago ni Shostakovich.

Ang mabagal na paggalaw, na matatagpuan sa loob ng mga sonata cycle na nilikha ni Shostakovich, ay nagpapakita ng iba't ibang mga imahe. Kung ang scherzos ay madalas na sumasalamin sa negatibong bahagi ng buhay, kung gayon sa mabagal na paggalaw ay nagpapakita ng mga positibong larawan ng kabutihan, kagandahan, kalikasan, at kadakilaan ng espiritu ng tao. Tinutukoy nito ang etikal na kahalagahan ng mga pagmumuni-muni ng kompositor - kung minsan ay malungkot at mahigpit, kung minsan ay naliwanagan.

Nalutas ni Shostakovich ang problema ng mga huling paggalaw sa iba't ibang paraan. Ang ilan sa mga pagtatapos nito ay nagbubunyag hindi inaasahang interpretasyon(sa partikular, sa Thirteenth Symphony, ang una at penultimate na paggalaw ay kalunos-lunos, at sa finale ay may tawanan, at ang episode na ito ay napaka-organic sa pangkalahatang lohika ng cycle).

Ang ilang mga pangunahing uri ng symphonic at chamber finales ng Shostakovich ay dapat tandaan. Una sa lahat, may mga kabayanihan na pagtatapos, na nagsasara ng ilang mga siklo kung saan ang mga kabayanihan-tragic na tema ay ipinahayag. Ang ganitong uri ng huling kilusan ay nakita na sa Unang Symphony. Ang pinakakaraniwang mga halimbawa nito ay nasa Fifth, Seventh, at Eleventh Symphony. Ang finale ng Trio ay ganap na kabilang sa kaharian ng trahedya. Ang parehong ay totoo sa laconic huling kilusan ng Ika-labing-apat na Symphony.

Ang Shostakovich ay may masasayang, maligaya na mga finale na malayo sa kabayanihan. Kulang sila sa mga larawan ng pakikibaka, pagtagumpayan ng mga hadlang; naghahari ang walang katapusang saya. Ito ang huling Allegro ng First Quartet, ang finale ng Sixth Symphony; Ang mga finale ng ilang mga konsiyerto ay dapat isama sa parehong kategorya, bagama't ang mga ito ay nalutas nang iba. Ang finale ng First Piano Concerto ay pinangungunahan ng katawa-tawa at buffoonery; Ang Burlesque mula sa First Violin Concerto ay nagpapakita ng larawan ng isang katutubong pagdiriwang.

Ang partikular na tala ay ang mga liriko na pagtatapos. Kaya, sa finale ng Quintet op. 57, ng Sixth Quartet, ang mga liriko na pastoral na imahe ay masalimuot na pinagsama sa araw-araw na mga elemento ng sayaw. Ang mga hindi pangkaraniwang uri ng mga finale ay batay sa sagisag ng magkasalungat na emosyonal na mga globo, kapag sinasadya ng kompositor ang "hindi magkatugma." Ito ang mga finale ng Fifth at Seventh Quartets; ang finale ng Fifteenth Symphony "nakuha" polarity pagiging.

Ang paboritong diskarte ni Shostakovich ay bumalik sa mga finale sa mga kilalang tema mula sa mga nakaraang paggalaw. Ang mga ganitong episode ay madalas na kumakatawan sa mga climax zone. Kabilang sa mga naturang gawa ay ang mga finale ng Una, Ikawalo, Ikasampu, Ika-labing-isang Symphony.

Sa maraming kaso ang finale form ay sonata o rondo sonata. Tulad ng sa mga unang bahagi ng mga cycle, malaya niyang binibigyang kahulugan ang istrukturang ito (pinaka malaya sa mga finale ng Ikaapat at Ikapitong symphony).

Si Shostakovich ay gumagawa ng kanyang mga sonata cycle nang iba, binabago ang bilang ng mga bahagi at ang pagkakasunud-sunod ng kanilang paghalili. Pinagsasama nito ang mga katabing bahagi na tumatakbo nang walang pagkaantala, na lumilikha ng isang cycle sa loob ng isang cycle. Ang pagkahumaling sa pagkakaisa ng kabuuan ay nag-udyok kay Shostakovich na ganap na iwanan ang mga caesuras sa pagitan ng mga paggalaw sa Ika-labing-isang at Ikalabindalawang Symphony. Sa Ika-labing-apat na Symphony, ang kompositor ay lumihis mula sa pangkalahatang mga pattern ng anyo ng sonata-symphonic cycle, na pinapalitan ang mga ito ng iba pang nakabubuo na mga prinsipyo.

Ang pagkakaisa ng kabuuan ay ipinahayag sa Shostakovich din sa isang komplikadong, branched system ng leitmotif-intonation na mga koneksyon.

7. Ilang mga prinsipyo ng orkestrasyon

Mahalagang tandaan ang kahusayan ni Shostakovich sa larangan ng timbre dramaturgy. Si Shostakovich ay hindi nakatuon sa timbre na "pagpipinta", ngunit sa pagkilala sa emosyonal at sikolohikal na kakanyahan ng mga timbre, na iniugnay niya sa mga damdamin at karanasan ng tao. Kaugnay nito, ang istilong orkestra ni Shostakovich ay may pagkakatulad sa mga pamamaraan ng pagsulat ng orkestra nina Tchaikovsky, Mahler, at Bartok.

Ang orkestra ni Shostakovich ay, una sa lahat, isang orkestra ng trahedya, kung saan ang pagpapahayag ng mga timbre ay umabot sa pinakamalaking intensity. Ang symphonic at operatic na musika ay nagbibigay ng maraming mga halimbawa ng timbre embodiment ng mga dramatikong salungatan sa tulong ng tanso at mga string. Mayroong ganitong mga halimbawa sa mga gawa ni Shostakovich. Madalas niyang iugnay ang "kolektibong" timbre ng grupong tanso sa mga larawan ng kasamaan, pagsalakay, at pagsalakay ng mga pwersa ng kaaway. Ito ang pangunahing tema ng unang bahagi ng Ikaapat na Symphony, na ipinagkatiwala sa tanso - dalawang trumpeta at dalawang trombone sa isang oktaba. Dinoble sila ng mga biyolin, ngunit ang timbre ng mga biyolin ay hinihigop ng malakas na tunog ng tanso. Ang dramatikong pag-andar ng tanso (pati na rin ang pagtambulin) sa pag-unlad ay lalong malinaw na natukoy. Ang isang dinamikong fugue ay humahantong sa kasukdulan: ang tema ay tinutugtog ng walong sungay nang sabay-sabay, pagkatapos ay pumasok ang apat na trumpeta at tatlong trombone. Ang buong episode ay sumusunod sa isang battle rhythm na nakatalaga sa apat na instrumento ng percussion.

Ang parehong dramatikong prinsipyo ng paggamit ng seksyon ng tanso ay ipinahayag sa pagbuo ng unang paggalaw ng Fifth Symphony. Sinasalamin din ng brass ang negatibong linya ng musical dramaturgy. Mas maaga, sa eksibisyon, ang timbre ng mga string ay nangingibabaw. Sa simula ng pag-unlad, ang pinag-isipang muli na pangunahing tema, ngayon ang sagisag ng kasamaan, ay itinalaga sa mga sungay, pagkatapos ang tema ay lumipat sa mga trumpeta sa mababang rehistro. Sa kasukdulan, tatlong trumpeta ang tumutugtog sa parehong tema, na binago sa isang martsa. Ang mga ibinigay na halimbawa ay nagpapakita, sa partikular, ang dramatikong papel ng iba't ibang timbre at mga rehistro: ang parehong instrumento ay maaaring magkaroon ng magkaiba, kahit na kabaligtaran ng mga dramatikong kahulugan.

Ang grupo ng tanso ay nagsasagawa minsan ng ibang tungkulin, na nagiging tagapagdala ng isang positibong prinsipyo. Ang isang katulad na halimbawa ay ang huling dalawang paggalaw ng Fifth Symphony. Pagkatapos ng Largo, ang mga unang bar ng finale, na nagmamarka ng pagbabago sa symphonic na aksyon, ay minarkahan ng pagpapakilala ng mga instrumentong tanso, na naglalaman ng end-to-end na aksyon sa finale, na nagpapatunay ng malakas na kalooban na optimistikong mga imahe.

Tulad ng iba pang mga pangunahing symphonist, si Shostakovich ay bumaling sa mga string kapag ang musika ay kailangan upang ihatid ang matinding damdamin. Ngunit nangyayari rin na ang mga instrumento ng string ay gumaganap ng kabaligtaran na dramatikong pag-andar para sa kanya, na nagsasama, tulad ng mga instrumentong tanso, mga negatibong imahe. Nagiging malamig at malupit ang tunog. Mayroong mga halimbawa ng naturang sonority sa Ikaapat, Ikawalo, at Ika-labing-apat na symphony. Ito ay kung paano malinaw na ipinakita ang pamamaraan ng "alienation": ang pagkakaiba sa pagitan ng imahe o sitwasyon at ang "disenyo" nito sa musika.

Para kay Shostakovich, ang papel ng mga instrumento ng pagtambulin ay napakahalaga. Ang mga ito ay pinagmumulan ng drama at nagdadala ng matinding panloob na tensyon sa musika. Ang pagkakaroon ng isang matalas na pakiramdam ng mga nagpapahayag na kakayahan ng mga indibidwal na instrumento ng pangkat na ito, ipinagkatiwala sa kanila ni Shostakovich ang pinakamahalagang solo. Kaya, na sa Unang Symphony ginawa niya ang timpani solo ang pangkalahatang paghantong ng buong cycle. Ang invasion sequence mula sa Seventh Symphony ay nauugnay sa ritmo ng isang snare drum. Sa Ikalabintatlong Symphony, naging leittimbre ang tunog ng kampana. Mayroon ding grupo at solong mga episode ng percussion sa Eleventh at Twelfth Symphony.

8. Ang gawain ni D. Shostakovich sa konteksto ng modernong musikal na sining

Ang istilong multidimensional na sining ng Shostakovich ay nagtatanghal ng isang musikal na "chronicle", na nailalarawan sa pamamagitan ng isang malalim na musikal at pilosopikal na pag-aaral ng mga panlabas at panloob na mundo - mula sa makasaysayang, panlipunan at sikolohikal na pananaw. Ang patuloy na panggigipit sa ideolohiya, na nagdulot ng protesta at galit ng artista, ay nakahanap ng paraan, gaya ng nalalaman, sa marami sa mga pinaka-matinding parodies sa musika, na kasunod na inakusahan ng "formalism", "pagkalito", atbp. Ang nihilistic na saloobin ni Shostakovich patungo sa totalitarian system, na higit na tumutukoy sa nilalaman ng musika, isang espesyal na makasagisag na istraktura ng pagpapahayag ang nagpasiya sa gawa ng may-akda pangunahin sa larangan ng symphonic at chamber-instrumental na genre. Mahalaga na para sa lahat ng kritikal na mood at konsentrasyon ng trahedya sa musika, ang Shostakovich ay hindi maihihiwalay na nauugnay sa mga tradisyon ng "Panahon ng Pilak" - una sa lahat, ang romantikong paniniwala sa pagbabagong kapangyarihan ng sining. Ang pagmamana ng grotesqueness, ang ideya ng musikal na "pagdoble", ang sikolohiya ng romantikong panahon, hindi siya kailanman tumawid sa linya masining.

Ang isa sa mga makasaysayang merito ng Shostakovich the Citizen ay na siya, na puwersahang hinila sa partido, sa kalaunan ay naging pinakamalakas na pigura na nagawang "ilabas ang susunod na henerasyon ng mga kompositor mula sa linya ng apoy."

Ang apela ni Shostakovich sa sinipi na materyal (kabilang ang baroque at klasikal) ay hindi lamang isang masining, ngunit isang espesyal at etikal na kahulugan. Ang Lumikha, na nasa espirituwal na “pagkatapon,” ay bumaling sa musikal na tradisyon. Ito ang malikhaing gawain ng musikal na "pagmuni-muni" na kasunod na ipinagpatuloy ng mga neo-romantikong kompositor sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, at sa gayon ay bumubuo ng malalim na mga kakulangan sa espirituwal at personal na mga lugar.

Isinulat ng modernong musikero na si L. Ptushko: “...Ang pamarisan para sa sadyang hindi maliwanag na pagtatanghal ng nilalaman ng isang gawaing pangmusika ay kabilang din kay Shostakovich. Malawakang paggamit ng semantic binary na katangian ng mga istrukturang musikal at ang semantikong pagbabago ng "mga tema ng werewolf," ipinakita ng kompositor ang ideya ng "dualism" - isang hindi sinasalitang prinsipyo ng buhay ng Sobyet, ang pangunahing "sakit" ng lipunan - ang moral ambivalence ng Stalinist "teatro" ng kamatayan, kung saan ang naturang pagpapalit ng mga tungkulin ay naganap na may diabolical virtuosity ". At ang protesta ng kompositor na ito laban sa amateurism sa sining, ang pagkasira ng kultura at ang tunay na "pagkamatay ng may-akda" ay, tulad ng alam natin, ang pinakamahalagang tema ng musika ni Shostakovich.

Imaginative aesthetic kategorya ng kamatayan, na naging isang espesyal na simbolo ng postmodernity at konektado sa simula at katapusan ng siglo, ay sinakop ang isa sa mga sentral na lugar sa gawain ni Shostakovich. Ang Symphony No. 8, No. 11, No. 13, No. 14 ay nakatuon sa paksang ito; "The Execution of Stepan Razin" at marami pang ibang gawa. Sa kanila, tila hinulaan ng may-akda ang mga trahedya sa hinaharap para sa isang lipunan na yurakan ang espirituwalidad nito at pinahintulutan itong maabot ang mass personal na debalwasyon. Ang pagtatanggol sa mga makatao na posisyon ng sining, ang kompositor hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ay iginiit ang malikhaing kapangyarihan nito, na nagdidirekta sa musikal at pilosopikal na pag-iisip sa larangan ng eksistensyalismo (isang direksyon sa modernong pilosopiya at panitikan na nag-aaral ng pagkakaroon ng tao at nagpapatunay ng intuwisyon bilang pangunahing pamamaraan ng pag-unawa sa katotohanan).

Ang malikhaing landas ng kompositor, ayon sa isang bilang ng mga mananaliksik, ay nakadirekta mula sa layunin Upang subjective at pagpapalakas ng introvert na prinsipyo, sa pagtatapos ng buhay napagtanto ng artist ang pagkamalikhain bilang ang kahulugan ng buhay. Ito ay maaaring kumpirmahin sa pamamagitan ng apela ng kompositor sa mga susunod na vocal cycle sa mga walang hanggang tema sa tula ng M. Tsvetaeva, A. Blok, Michelangelo. Ang simbolismo ng mga musikal na elehiya ng "ginintuang" edad ng Pushkin-Glinka, na lumitaw sa "tahimik" na mga semantikong culmination ng Ika-labing-apat at Ikalabinlimang symphony, ay nagpapatotoo din sa marami. Ang mga fragment na ito ay nagpapakita ng lalim ng eksistensyal na pag-iral ng kompositor, na nag-aangat sa kanyang musikal na pagmuni-muni sa itaas ng kaguluhan ng kasalukuyan sa mundo ng kagandahan.

Nangaral ang kompositor lalim ng katotohanan sa sining, nag-uugnay sa mga panahon, oras at espasyo. Ang espirituwal na pagbabantay, katotohanan, sinadyang kamangmangan, at pagsuway sa karahasan ay minarkahan ang buhay at gawain ng maraming magagaling na artista noong ika-20 siglo - A. Akhmatova, M. Zoshchenko, atbp. Pag-sublimate sa mga detalye ng kulturang Ruso, ang relihiyoso at moral na kakanyahan nito, pangangaral ang katotohanan at ang pinakamataas na hustisya sa pamamagitan ng walang muwang na pagiging simple at asetisismo ng pagpapahayag;

Ang gawaing ito ay nagpapakita ng ilang mga aspeto ng malikhaing istilo ng mahusay na kompositor ng Russia noong ika-20 siglo D. D. Shostakovich - ipinahiwatig ang kanyang mga posisyon sa ideolohikal at ideolohikal; mga tampok ng mode-harmonic, polyphonic na pag-iisip, mga prinsipyo ng orkestrasyon, mga tampok ng sonata form, ang papel ng mga tradisyon. Ang mga aesthetic na katwiran para sa paggamit ng mga autobiographical chord ng kompositor ay ibinibigay din. Kasama rin sa gawain ang kumpletong listahan ng mga gawa ng may-akda.