Mga halimbawa ng musical cycle ng kompositor. Mga paikot na anyo
Ang anyo ng musika ay tinatawag paikot, kung ito ay binubuo ng ilang bahagi, independyente sa anyo, contrasting sa karakter (pangunahin sa tempo), ngunit konektado sa pamamagitan ng pagkakaisa ng ideological at artistikong konsepto.
Ang terminong "cycle" ay nagmula sa Greek at nangangahulugang bilog. Ang paikot na anyo ay nauunawaan bilang sumasaklaw sa isa o isa pang bilog ng iba't ibang mga musikal na larawan, genre, at tempo. Ang kalayaan ng mga yunit ay ipinahayag sa katotohanan na kung minsan ay pinapayagan nila ang magkahiwalay na pagtatanghal ("Funeral March" mula sa b menor de edad na sonata Chopin, Sonata-memoir mula sa cycle na "Forgotten motives" ni Medtner). Ang mga cycle ay maaaring binubuo ng ibang bilang ng mga bahagi: two-movement prelude at fugue, three-movement concerto at sonata, apat na galaw sa isang sonata at symphony, pito o walong paggalaw sa isang suite. Ang mga paikot na anyo ay matatagpuan sa karamihan iba't ibang genre musika: vocal at instrumental, solo at orkestra.
Ang mga paikot na anyo ay batay sa mga dramatikong pag-andar. Ang koneksyon ng mga bahagi batay sa mga ito ay ang nangungunang prinsipyo ng mga cyclic form. ^ Mga prinsipyo para sa pagsasama-sama ng mga bahagi sa isang cycle ay nahahati sa dalawang klase:
Prinsipyo ng suite(Ang mga lumang sonata nina Bach at Handel ay binuo din sa prinsipyong ito) ay isang kumbinasyon ng ilang magkakaibang mga gawa. Nakabatay ang suite sa unity in plurality.
^ Prinsipyo ng Sonata - ito ay ang paghahati ng isang gawain sa isang bilang ng mga indibidwal na gawa na nasa ilalim ng kabuuan. Batay sa pluralidad ng pagkakaisa.
Suite ay isang paikot na gawain na binubuo ng maraming iba't ibang mga dula, na magkakaugnay ng isang konsepto, ngunit walang isang linya ng sunud-sunod na pag-unlad. Ang suite ay maaaring isipin bilang isang pagpapakita ng iba't ibang mga imahe sa kanilang paghahambing, bilang iba't ibang mga pahayag sa isang isyu.
Ang suite bilang isang genre at anyo ay lumitaw noong ika-16 na siglo (iba pang mga genre ng ika-16-18 na siglo ay isinulat din sa anyo ng isang suite: partita, sonata, concerto).
Sa pagdating at pag-unlad ng anyo at genre ng sonata, ang suite ay pansamantalang tumigil sa pag-iral at nabuhay muli nang maglaon, noong ika-19 na siglo, sa isang bagong anyo. Ang suite ay nagsilang ng maraming compositional techniques na nakatanggap ng kanilang karagdagang pag-unlad mamaya.
^ Sinaunang suite.
Ang sinaunang suite ay pinaka-malinaw na kinakatawan sa mga gawa ng mga kompositor ng unang kalahati ng ika-18 siglo: Bach at Handel. Ang isang sinaunang suite ay isang serye ng mga piraso ng sayaw na nakaayos sa isang ikot sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod ayon sa prinsipyo ng kaibahan (tempo, metro, ritmo, katangian ng paggalaw). Ang pinag-isang prinsipyo ay isang karaniwang tonality, genre (lahat ng mga dula ay sayaw) at kadalasan ay isang karaniwang batayan ng intonasyon.
Kasama sa sinaunang suite ang 4 sapilitan(pangunahing ) sayaw.
1. Allemande(German dance) - four-beat, moderately slow, polyphonic. Ito ay isang round dance procession, na ginanap sa open air nang ang maharlika ay pumasok sa lungsod at pumasok sa kastilyo.
2. Kuranta(Italian dance) - three-beat, moderately fast, polyphonic. Isa itong pair-solo dance, karaniwan sa buhay ng korte.
3. Sarabande (sayaw ng espanyol) – tatlong-beat, mabagal, madalas na istraktura ng chord. Ayon sa mga pinagmulan nito, ang proseso ng sayaw ng libing na ito, nang maglaon, na nawala ang obligadong kaugnayan nito sa ritwal ng libing, ay napanatili ang kanyang mahigpit na nagdadalamhati, marilag na katangian. Mga tampok ng genre ang mga saraband ay malawakang ginagamit ng mga kompositor iba't ibang panahon(Beethoven Egmont Overture, Shostakovich 7th Symphony, finale, middle episode).
4. Zhiga(Irish dance) ay isang napakabilis na collective comic dance na may partikular na triplet movement (3/8, 12/8) at madalas ay may fugue presentation.
Ang ilan sa mga obligadong sayaw ay inulit ng dalawang beses na may pag-unlad ng pagkakaiba-iba, isang doble. Ang pagkakaiba-iba ay nabawasan pangunahin sa ornamental chant ng isa sa mga boses.
Bilang karagdagan sa mga obligadong sayaw, halos palaging kasama ang suite karagdagang(kadalasan sa pagitan ng sarabande at gigue): minuet, gavotte, bure, minsan hindi sumayaw na mga piraso ay kasama: aria, scherzo, na pinahusay ang kaibahan. Kadalasan ang suite ay nagsimula sa isang pagpapakilala - isang prelude o overture. Sa pangkalahatan, ang sinaunang suite ay naglalaman ng mga piraso ng iba't ibang uri at medyo nakalarawan malawak na bilog mga phenomena sa buhay, ngunit hindi sa pakikipag-ugnayan at pag-unlad, ngunit sa kanilang paghahambing.
^ Form ng sayaw sa isang suite, bilang panuntunan, mayroong isang lumang dalawang bahagi na sayaw (para sa mga sapilitang sayaw) at isang tatlong bahagi na sayaw para sa mga karagdagang sayaw. Sa sinaunang suite, lumitaw ang ilang mga komposisyong istruktura, na kalaunan ay nabuo sa mga independiyenteng anyo ng musika, kaya ang istraktura karagdagang sayaw inaasahan ang hinaharap na kumplikadong tatlong-bahaging anyo (Bach English Suite sa g minor: Gavotte I - Gavotte II - Gavotte I, bawat isa sa simpleng tatlong bahaging anyo). Ang mga double sa mga suite ay nag-ambag sa pagbuo ng variation form. Ang likas na katangian ng pag-aayos ng magkakaibang mga sayaw sa suite ay inaasahan ang pag-aayos ng mga bahagi ng sonata cycle
^ Bagong Suite.
Noong ika-19 na siglo, lumitaw ang isang bagong suite, na makabuluhang naiiba sa luma sa nilalaman at mga komposisyong tampok nito. Ang programmatic na katangian ng 19th-century na musika at ang pagnanais para sa higit na konkreto ng mga musikal na imahe ay nakaapekto rin sa bagong suite. Ang nagtatag ng bagong suite ng programa ay si Schumann ("Butterflies", "Carnival", "Children's Scenes"). Kasunod nito, nabuo ang suite ng programa sa mga gawa ng mga kompositor sa mga huling panahon (Mussorgsky "Mga Larawan sa isang Exhibition", "Scheherazade" ni Rimsky-Korsakov, " Sulok ng mga Bata"Debussy).
Nang maglaon noong ika-19 at ika-20 siglo. ang genre ng suite ay tumatanggap ng mas malawak na pag-unlad, na nagsasama ng mga tampok na hiniram mula sa sinaunang suite– kakayahang sumayaw, mula sa suite ni Schumann – programmatic, multi-genre, mula sa sonata-symphonic cycle – mga elemento ng dramatikong pag-unlad at sukat ng mga bahagi. Kasama sa suite ang mga bagong sayaw: waltz, polonaise, mga pambansang - bolero, tarantella, atbp. Ang mga numero ng sayaw ay may interspersed na mga numerong hindi sayaw (scherzo, andante, march, nocturne).
Ginamit ng mga kompositor noong ika-19 na siglo ang genre ng suite sa iba't ibang paraan. Mga suite na binubuo ng mga numero mula sa isang pangunahing komposisyon: ballet, musika para sa drama, pati na rin mga suite sa mga tema ng mga kanta o sayaw.
^ Ikot ng sonata.
Ang sonata-symphonic cycle ay isang paikot na gawain na kabilang sa isa sa mga sumusunod na genre: sonata, symphony, concerto, trio, quartet, atbp., kung saan nakaugalian na ipakita ang hindi bababa sa isang bahagi (sa mga karaniwang kaso ang una) sa sonata anyo.
Mula sa kahulugan ay sumusunod na kung minsan ay may mga kaso kapag ang mga multi-movement na gawa na walang sonata form sa alinman sa mga paggalaw ay itinuturing na mga sonata cycle (Mozart 11th sonata, Beethoven 12th sonata). Ang pangkalahatang kahalagahan ng cycle at ang pagkakaisa ng kabuuan ay naging posible upang maiuri ang mga ito bilang isang sonata cycle.
Ang paghahayag ng malalim, seryosong nilalaman batay sa makabuluhang pag-unlad ng mga maliliwanag na musikal na imahe, sa magkakaibang paghalili ng mga bahagi ng isang musikal na gawain na may pagkakaisa ng pangkalahatang konsepto at integridad ng musikal na anyo - ito ang mga katangiang katangian ng mature na sonata- mga symphonic cycle. Ang mga katangiang ito ay nagsasama-sama pangkalahatang konsepto symphonism, na nangangahulugang ang pinakamataas na uri ng musikal na pag-iisip, lalo na katangian ng symphonic cycle. Ang pangalan ng isang sonata ay nakalaan lamang para sa mga gawa para sa isa o dalawang instrumento; ang mas kumplikadong mga ensemble ng uri ng sonata ay pinangalanan ayon sa bilang ng mga instrumento (trio, quartet, quintet). Ang isang gawa ng sonata type para sa orkestra ay tinatawag na symphony.
Ang sonata cycle ay nakikilala sa pamamagitan ng kahalagahan ng nilalaman ng bawat bahagi at ang kanilang espesyal na panloob na organikong koneksyon. Ang klasikal na sonata-symphonic cycle ay kadalasang mayroong tatlo (sonata, concerto) o apat (symphony) na paggalaw.
oras ko– kadalasan ay may mas mabisa, dramatiko, contrasting, at madalas na magkasalungat na kalikasan, na ipinakita sa isang binuo na anyo ng sonata at kadalasan sa mabilis na paggalaw (sonata allegro).
II oras. – karaniwang andante o adagio. Bilang isang patakaran, ito ang sphere ng lyrics. Inihahatid nito ang mga damdamin at kaisipan ng isang tao, ipinapakita ang kanyang panloob na mundo (kadalasan laban sa backdrop ng mga larawan ng kalikasan). Form ng mabagal na paggalaw: kumplikadong tatlong bahagi na may isang episode, tema na may mga pagkakaiba-iba, sonata form na walang pag-unlad (mas madalas na may pag-unlad), bihirang iba pang mga anyo.
Bahagi III– karaniwang isang minuet o scherzo. Ipinapakilala ang isang genre-karakteristiko o pang-araw-araw na elemento - mga eksena buhay bayan. Nakikilala ito sa masiglang paggalaw at masayang katangian. Ang anyo ay karaniwang kumplikadong tripartite na may trio o sonata.
IV na oras. – ang finale ay karaniwang nasa mabilis na paggalaw, na may mga tampok na kanta-at-sayaw. Ang anyo ng mga finale ay sonata, rondo, rondo-sonata, bihirang isang tema na may mga pagkakaiba-iba.
Ang klasikal na relasyon ng mga bahagi ay naging isang uri ng pamantayan para sa sonata-symphonic cycle, dahil sumasaklaw sa iba't ibang aspeto ng realidad, ang pangunahing "point of view" ng artist sa mundo: drama, liriko, genre-characteristic, araw-araw at epiko. Sa pamamagitan ng epiko sa finale ang ibig naming sabihin ay hindi ang kalmadong anyo ng salaysay, ngunit ang nasyonalidad bilang nilalaman ng finale. Ang klasikal na relasyon ng mga bahagi na ito ay mas tipikal ng Haydn at Mozart; madalas na pinapalitan ni Beethoven ang pangalawa at pangatlong bahagi.
Mayroon ding iba pang bilang ng mga bahagi sa isang cycle. ^ Dalawang bahagi na cycle – Gliere Concerto para sa boses at orkestra, kung saan ang 1 oras ay nasa sonata form, ngunit sa isang katamtamang tempo, na may liriko na kalikasan, na tila pinagsasama ang una at mabagal na liriko na bahagi ng cycle; 2 bahagi - sa genre ng waltz, na nakasulat sa anyo ng isang rondo, pinagsasama ang mga tampok ng ikatlong bahagi at ang pangwakas ng isang apat na bahagi na cycle. Limang bahagi na ikot- Scriabin 2nd symphony, kung saan ang unang paggalaw ay gumaganap ng papel ng isang pinahabang pagpapakilala.
Sa sonata-symphonic cycle, maraming pattern ang nabuo na nag-aambag sa pagkakaisa ng kabuuan. Ang mga sukdulang bahagi ay karaniwang nakasulat sa parehong susi (sa mga menor de edad na gawa ang finale ay parehong major). Ang tono ng cycle ay tinutukoy ng tono ng unang bahagi. Ang mga gitnang bahagi ay nakasulat sa iba pang mga susi, ngunit kadalasan sa mga malapit sa pangunahing isa. Sa pangkalahatan, ang mga mabagal na bahagi ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga susi S mga globo ng parehong pangalan o parallel major. Ang ika-3 bahagi ng mga klasiko ay karaniwang nasa pangunahing susi. Nang maglaon, ang pagpili ng mga susi para sa mga gitnang bahagi ay naging mas libre.
Para sa pagkakaisa ng ikot ng sonata, ang mga koneksyon sa intonasyon sa pagitan ng mga bahagi ay napakahalaga. Mayroong madalas na mga koneksyon sa intonasyon sa pagitan ng gilid na bahagi ng unang paggalaw at ang mabagal na bahagi ng ikot, gayundin sa pagitan ng unang paggalaw at ang pangwakas. Bilang karagdagan sa mga koneksyon sa intonasyon sa iba't ibang parte cycle ay maaaring isagawa sa pamamagitan ng parehong motibo o tema (Beethoven's "motive of fate" mula sa ika-5 symphony), gumaganap ng isang espesyal na dramatikong function.
Ang sonata-symphonic cycle ay may mga partikular na tampok sa iba't ibang genre. Kaya instrumental na konsiyerto kadalasan sa tatlong paggalaw (nawawala ang scherzo). Ang isang tiyak na tampok ay ang prinsipyo ng kumpetisyon sa pagitan ng solo at orkestra na mga bahagi. Ang tampok na ito, pati na rin ang tradisyon ng mga klasiko na ulitin ang paglalahad, ay nauugnay double exposure sa unang bahagi ng konsiyerto (una sa orkestra, pagkatapos ay sa soloista). Ang mga pagkakaiba sa mga eksibisyong ito ay madalas sa isang pagkakasunud-sunod ng teksto, gayunpaman, may mga eksibisyon na naiiba sa tema (Beethoven 1st at 2nd concerto), sa mga kasong ito ang mga tema ng parehong mga eksibisyon ay kasangkot sa pagbuo. Sa pangkalahatan, ang unang bahagi ng konsiyerto ay may isang birtuoso na karakter, na pinaka-malinaw na ipinakita sa tradisyonal na cadenza (bago ang reprise o coda).
^ Iba pang mga uri ng cyclic form.
Kadalasan ang isang bilang ng mga romansa o kanta ay pinagsama sa ikot ng boses, na konektado sa pamamagitan ng isang konsepto (Schubert "Winterreise", Schumann "Ang Pag-ibig ng isang Makata", Mussorgsky "Walang Araw", Sviridov "Ang Aking Ama ay Isang Magsasaka"). Ang antas at katangian ng pagkakaisa sa gayong mga siklo ay maaaring magkakaiba (ang koneksyon ng teksto ay ginagawang hindi kailangan ang pagkakaisa ng tonal). Ang pangkalahatang lohika ng vocal cycle ay may ilang mga katangian na instrumental cycle: ang pag-unlad ay batay sa magkakaibang mga paghahambing at nakadirekta sa isang kasukdulan, ang huling pag-iibigan (awit) ay may mga palatandaan ng isang panghuling bahagi.
May plot development ang ilang vocal cycle. Ang aksyon ay nagbubukas sa kanila, lumilitaw ang mga bagong character, na binibigyang diin musikal na paraan: magkakaibang mga pagbabago sa tempo, genre, tonality, texture, atbp.
Minsan ang konsepto ng "cycle" ay inilalapat sa isang bilang ng mga independiyenteng mga gawa, na pinagsama ng ilang mga katangian, halimbawa, isang genre o opus, at gumagawa ng pinaka-kanais-nais na artistikong impresyon kapag ang mga gawang ito ay gumanap nang sunud-sunod (Scriabin Preludes op. 11 ).
^ Contrasting composite form.
Ang konsepto ng "contrast-composite forms" ay ipinakilala ng domestic musicologist na si V. Protopopov noong 60s. XX siglo.
Contrast-composite ay isang anyo na binubuo ng ilang magkakaibang bahagi, sa maraming paraan na katulad ng mga bahagi ng isang paikot na anyo, ngunit hindi gaanong independyente, tumatakbo nang walang pagkaantala at, sa antas ng kanilang pagsasanib sa isang kabuuan, na bumubuo ng isang anyo na malapit sa isang bahagi (hindi -cyclic).
Ano ang mga cyclic contrasting-composite form na magkakatulad ay ang mga ito ay naglalaman ng isang sequence ng ilang contrasting parts. Sa mga solong bahagi - ang kawalan ng mga pahinga sa pagitan ng mga bahagi at ang kawalan ng kakayahang isaalang-alang ang mga bahaging ito bilang mga independiyenteng dula, na nagpapahintulot sa hiwalay na pagpapatupad.
Ang mga contrasting composite form ay mayroon ding mga partikular na feature. Maaaring naglalaman ang mga ito ng 2, 3, 4 o higit pang bahagi, mayroon o walang reprise, nangyari sa iba't ibang makasaysayang panahon at sa iba't ibang genre. Ang pinagmulan ng contrasting-composite forms ay nagsimula sa paglitaw ng opera (recitative-aria), at sa instrumental na musika - toccatas at fugues. Sa ika-2 kalahati ng ika-18 at ika-19 na siglo. sa pagbuo ng prinsipyo ng sonata, ang mga contrasting-composite na anyo ay nawawala sa background, ngunit nananatili pa rin ang kanilang kahalagahan para sa vocal music(maraming aria, ensemble, at opera finale ang nakasulat sa form na ito). Ang form na ito ay malawakang ginamit sa mga genre gaya ng pantasya, rhapsody, tula at, lalo na, sa mga transkripsyon ni Liszt. Ang mga contrast-composite form ay nakatanggap ng mahusay na pag-unlad sa mga gawa ng Glinka ("Capriccio", maraming numero sa mga opera), Tchaikovsky ("Italian", "Spanish Capriccio"). Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng isang contrast-composite form ay ang 12th Symphony ni Shostakovich.
Hinahati ng Protopopov ang mga contrast-composite form, kasama ang lahat ng kanilang pagkakaiba-iba, sa ilang mga uri:
dalawang-galaw (Fantasia in f moll ni Chopin),
mga suite (Capriccio ni Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov),
sonata-symphonic (Beethoven quartet cis minor, Shostakovich ika-11 at ika-12 symphony).
Seksyon 1. Libre at halo-halong mga anyo.
Bilang karagdagan sa mga karaniwang form na tinalakay sa itaas, may mga espesyal na form na tinatawag libre at halo-halong.
Libre ay tinatawag na mga ganitong anyo na hindi tumutugma sa mga tipikal na istrukturang tinalakay sa itaas, ngunit kumakatawan sa mga konstruksyon ng isang espesyal na order ( pag-unlad ng musika isinasagawa sa mga indibidwal na istruktura).
Ang mga malayang anyo ay nagmula sa sinaunang panahon musika ng organ at naabot ang kanilang rurok sa trabaho ni Bach (pangunahin sa genre ng pantasiya). Sa kaibahan sa malinaw na istrukturang anyo ng homophonic music, improvisasyon, prelude, libreng sequential-modulation development, at continuity of development ang nangingibabaw dito. Mula sa mga klasikong Vienna libreng mga form ay bihira. Ang mga form na ito ay umabot sa kanilang tunay na pamumulaklak sa mga gawa ng mga kompositor ng ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo (Chopin, Liszt, Tchaikovsky). Ang isa sa mga dahilan ng pagkalat ng mga libreng form ay ang pagnanais ng mga romantikong kompositor na gawing mas nababaluktot ang anyo ng musika, na may kakayahang mas ganap na tumutugma sa indibidwal na nilalaman (madalas na programmatic) ng bawat indibidwal na gawain.
Ito ay kinakailangan upang makilala dalawa pangunahing uri ng mga libreng anyo:
mga form ng system, ibig sabihin. sa kanilang pag-unlad na umaasa sa isang tiyak na sistema, halimbawa, paghihiganti;
mga hindi sistematikong anyo na may libreng paghahalili ng mga seksyon.
^ Non-systemic free forms lubhang magkakaibang, indibidwal sa istraktura at hindi maaaring uriin. Ang mga ito ay pangunahing ginagamit sa malalaking instrumental na gawa at naglalaman malaking bilang ng mga paksa at seksyon: ^ ABCDA, ABCDB, ABCDAE.
Mga halo-halong anyo.
Ang mga single-part form na pinagsasama ang mga tampok ng ilang dati nang itinatag na karaniwang mga istraktura ay tinatawag magkahalong anyo.
Ang mga symphonic na tula, one-movement sonata, fantasies, ballads, at, mas madalas, ang mga indibidwal na bahagi ng cyclic na gawa ay kadalasang isinusulat sa magkahalong anyo. Ang pagnanais ng mga kompositor para sa higit na detalye ng makasagisag na nilalaman at isang mas kumpleto at direktang pagmuni-muni ng mga proseso at phenomena ng buhay sa pamamagitan ng bago, mas maraming mga plastik na anyo ay humantong sa musika ng programa. Ang pakikibaka para sa programmatic na nilalaman ng musika at ang mga form na nagsisilbi sa buong pagpapahayag nito ay nag-aambag sa rapprochement at interpenetration iba't ibang sining (programang pampanitikan sa instrumental na musika, tula at musika sa romansa), pati na rin iba't ibang genre sa loob ng isang sining. Ang mga akdang pinagsasama-sama ang mga tampok ng liriko, epiko, drama, pantasya (balada) ay nagiging laganap, na kinabibilangan ng interpenetration iba't ibang anyo , halimbawa, mga variation ng isang liriko-epikong kalikasan at isang sonata, na nagbibigay ng magagandang pagkakataon para sa dramatikong pag-unlad.
Sa mga gawa ng mga klasikong kompositor ng Russia, lumitaw ang mga bagong kumbinasyon ng mga anyo, genre, at mga diskarte sa pag-unlad, katangian ng katutubong musika na may kumplikadong mga genre at anyo ng binuo na propesyonal. sining ng musika. Ang mga kumbinasyong ito ay tumutukoy sa isang pambansang natatanging uri ng mga halo-halong anyo sa musikang Ruso.
Kabilang sa mga halo-halong anyo, ang pinakakaraniwan ay ang mga sumusunod: uri:
^ Kumbinasyon ng sonata at variation.
Ang ganitong uri ng mga halo-halong anyo ay malawak na binuo ng mga klasikong Ruso. Sa pamamagitan ng paggawa ng malalaking sanaysay sa katutubong istilo, ginamit ng mga kompositor na Ruso para dito anyong sonata, binabago ito alinsunod sa mga bagong layunin sa ideolohikal at masining para sa pagpapaunlad ng pambansang musika pagkakaiba-iba pamamaraan ng pag-unlad.
Karaniwang nagtatayo ang mga kompositor ng Russia dobleng pagkakaiba-iba(sa dalawang paksa) batay sa paglikha ng malaki, magkakaibang mga seksyon ng form, na binuo sa mga alternatibong variation ng mga paksa. Kung ang paghahambing ng mga magkakaibang mga seksyon ay ibinibigay nang dalawang beses (na may isang tonal contrast sa simula ng trabaho at isang tonal convergence sa dulo), at mayroon ding isang seksyon kung saan ang parehong mga tema ay malayang binuo (kabilang ang sa pamamagitan ng polyphonic device), kung gayon nagiging halata ang mga contour anyong sonata.
Ang mga single-movement form, na pinagsasama ang variation at sonata, ay matatagpuan hindi lamang sa symphonic, kundi pati na rin sa piano works ng mga Russian composers, batay sa mga variation ng folk theme (Balakirev's Fantasia "Islamey").
Ang mga kompositor ng Kanlurang Europa noong ika-19 na siglo, na lumikha ng mga pangunahing gawa batay sa mga pagkakaiba-iba ng mga katutubong tema, ay pinagsama rin ang mga prinsipyo ng sonata at pagkakaiba-iba (Liszt, Spanish Rhapsody). Gayunpaman, sa musika ng Kanlurang Europa ay may isa pang uri ng kumbinasyon ng sonatismo at pagkakaiba-iba, kung saan ang sonatismo ay lumitaw batay sa libreng pagkakaiba-iba (pagbabagong-anyo) isang paksa. Natitiyak ang kalayaan sa pagkakaiba-iba mas mataas na antas kaibahan ng mga seksyon. Ang prinsipyong ito ng pagbuo ng malalaking akda batay sa pagbabago ng isang tema ay tinatawag monotematismo(malawakang ipinamamahagi sa mga gawa ng Liszt, symphonic poems "Preludes", "Tasso").
^ Kumbinasyon ng sonata at cyclic forms .
Sa ilang mga sonata na anyo ng mga romantikong may mga bahagi sa gilid na tumatakbo sa ibang tempo na may kaugnayan sa pangunahing isa at kumakatawan sa isang pinalawak na independyente at saradong anyo (Tchaikovsky 6th symphony, 1st movement), papalapit sa independiyenteng bahagi ng cycle. Sa kabilang banda, sa mga paikot na anyo ng ika-19 na siglo, ang proseso ng pagpapalakas ng pagkakaisa ng cycle ay nagpapatuloy. Ito ay ipinahayag sa pagpapalakas ng mga koneksyon sa pagitan ng iba't ibang bahagi ng cycle (thematic connections, attaca). Ang lahat ng ito ay lumilikha ng mga kinakailangan para sa pagsasama-sama ng lahat ng bahagi ng cycle sa isang malaking gawaing isang bahagi, para sa pag-compress ng cycle sa isang bahagi.
Ang pagnanais para sa pagkakumpleto at pagiging konkreto sa sagisag ng iba't ibang magkakaibang mga imahe, para sa higit na pagkakaisa ng malalaking ideolohikal at masining na mga konsepto, pati na rin para sa pagpapatuloy ng pag-unlad ay humahantong sa paglikha ng mga gawa. pagsasama-sama sa sarili mga tampok ng sonata cycle at isang bahagi anyong sonata.
Kumbinasyon ng sonata, i.e. reprise form na may cyclic, i.e. Ang non-reprise ay nagpapahiwatig ng isang makabuluhang pagbabago ng sonata reprise, kung wala ang reprise at coda ay hindi maisagawa ang mga function ng scherzo at finale ng cyclic form. Ang papel na ginagampanan ng mabagal na bahagi ng cycle ay kinuha sa pamamagitan ng alinman sa isang mabagal na yugto sa pag-unlad, o sa pamamagitan ng isang gilid na bahagi sa paglalahad (Liszt Sonata H moll).
Ang isang halo-halong anyo ay maaari ding magkaroon ng ganap na indibidwal, natatanging mga tampok, na pinagsasama ang mga tampok ng iba't ibang mga karaniwang istruktura (Medtner Sonata-memoir, na pinagsasama ang mga tampok ng isang sonata, sonata cycle at rondo).
^ Modyul 6. Mga espesyal na anyo ng vocal music
Ang sonata form na may isang episode ay ginagamit sa iba't ibang genre: mga indibidwal na piraso, mga finale ng cyclic form, mabagal na paggalaw.
Ang isang episode ay maaaring may isa o isa pang nakumpletong form.
Sa ilang mga kaso, lumilitaw ang isang link mula sa episode hanggang sa muling pagsisimula.
Bilang karagdagan, may mga pinagsamang gitna sa anyong sonata na gumagamit ng pag-unlad na may isang yugto o kabaliktaran.
Dramaturgy ng sonata form. Ang kakanyahan ng sonata dramaturgy (sonatism) ay hindi nakasalalay sa istruktura ng sonata form, ngunit sa proseso ng pag-unlad mismo. Ang prosesong ito ay ipinahayag sa mga espesyal na relasyon at pag-andar ng pampakay na materyal. Hindi tulad ng juxtaposition o cross-cutting development na tipikal ng kumplikadong tripartite form o rondo, ang sonata form ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang dinamikong kumbinasyon na ipinahayag sa masinsinang paghahanda ng mga kasunod na tema o seksyon.
Ang mas mahalaga para sa sonata dramaturgy ay ang papel at pakikipag-ugnayan ng mga pag-andar ng materyal sa eksibisyon, kung saan mayroong tatlo:
1. ang pangunahing materyal, na gumaganap ng pangunahing papel sa gawain at nakatuon ang atensyon ng tagapakinig (pangunahing tema);
2. materyal na paghahanda na nagiging sanhi ng pag-asa sa mga sumusunod (pagpapakilala, pang-uugnay, panaguri);
3. panghuling materyal na may katangiang nagpapatibay (mga huling paksa, mga code).
Sa ratio ng pangunahin at pangalawang partido, palaging may imbalance na pabor sa P.P. Ito ay pinadali ng malaking sukat ng huli at lalo na ang tonal consolidation nito sa pamamagitan ng afirmative material at cadence.
Ang sonata form ay ginagamit sa sonata-symphonic cycle (unang kilusan, finale, mabagal na paggalaw), indibidwal na mga gawa ng isang independiyenteng kalikasan, mga overture, at hindi gaanong madalas sa vocal music at opera scenes. 41. Mga koneksyon sa pagitan ng mga bahagi ng isang instrumental na paikot na gawain.
Ang mga paikot na anyo sa musika ay mga musikal na anyo ng isang akda na ipinapalagay ang pagkakaroon ng magkakahiwalay na bahagi, independiyente sa istruktura, ngunit konektado ng isang pagkakaisa ng konsepto. Sa Kasaysayan akademikong musika kilala ang mga "prelude-fugue" cycle, suite cycle, at sonata-symphonic cycle. Ang isang cycle ay maaari ding tawaging isang serye ng magkakaugnay na mga gawa (na ang bawat isa ay maaaring may o walang cyclic na anyo) o mga programa sa konsiyerto. Sa non-academic na musika (jazz, rock), ang mga album ng konsepto at mga indibidwal na malalaking gawa ay maaaring mahilig sa mga paikot na anyo.
Ang dalawang bahaging cycle na "prelude-fugue" ay kilala mula pa noong panahon ng Baroque. Kabilang dito ang functionalization ng prelude bilang isang improvisational na pagpapakilala sa fugue.
Maaaring pagsamahin ang mga prelude-fugue cycle sa mas malalaking cycle batay sa ilang pormal o thematic na prinsipyo. Karamihan sikat na halimbawa- "The Well-Tempered Clavier" ni J. S. Bach, na binuo sa prinsipyo ng isang tiyak na paghahalili ng mga sulat sa mode-tone. Isang halimbawa mula sa musika noong ika-20 siglo ay ang “24 Preludes and Fugues” ni D. D. Shostakovich.
Ang suite, na kilala mula noong ika-16 na siglo, ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
ang koneksyon ng mga indibidwal na bahagi ng trabaho na may tradisyonal na inilapat (kanta, sayaw) na mga genre, ang pagiging simple ng istraktura ng mga bahagi;
contrasting paghahambing ng mga bahagi;
isang hilig sa pagkakaisa o malapit na pagkakatulad sa tonality ng mga bahagi.
Ang mga tuktok ng genre sa Baroque na musika ay ang mga suite ng J. S. Bach at G. F. Handel, sa klasikal na panahon - W. A. Mozart at J. Haydn. Noong ika-19 na siglo, ang mga pangunahing kompositor ay bumaling sa suite genre pangunahin para sa layunin ng stylization (E. Grieg, M. Ravel, atbp.).
Noong ika-20 siglo, ang genre ng suite ay makabuluhang muling naisip, ang mga bagong diskarte ay inilapat dito (halimbawa, ang dodecaphonic orchestral suite ng A. Schoenberg at A. Berg), ang bagong materyal ay sakop (halimbawa, sa P. Hindemith's suite na "1922" na mga naka-istilong sayaw ng kaukulang oras: shimmy, boston, ragtime).
Ang ilang mga gawa ng hindi pang-akademikong musika (pangunahin ang progresibong rock) ay nauukol din sa suite form. Kasama sa mga halimbawa ang "Lizard" mula sa album ng rock band na King Crimson na may parehong pangalan at "Atom Heart Mother" mula sa album ni Pink Floyd na may parehong pangalan. Gayunpaman, ang mga komposisyon na higit na nakakaakit sa libre at halo-halong mga anyo (sa tradisyunal na teoretikal na terminolohiya ng musika) ay madalas ding tinatawag na "rock suite".
Ang sonata-symphonic cycle ay kinabibilangan ng mga pinaka-abstract na genre ng akademikong musika, tulad ng symphony, sonata, quartet, at concerto. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
abstraction mula sa inilapat na kalikasan ng musika (kahit na ang inilapat na materyal ay ginagamit bilang materyal para sa anumang bahagi);
ang posibilidad ng matalinghaga at semantiko na mga kaibahan sa pagitan ng mga indibidwal na bahagi (hanggang sa kanilang direktang pagsalungat);
kumplikadong pag-unlad ng tonal;
itinatag na mga function at anyo ng mga indibidwal na bahagi (katangian ng ilang mga genre ng sonata-symphonic na musika).
Ang klasikal na sonata ay nabuo noong ika-18 siglo at umabot sa tugatog ng pag-unlad noong Mga klasikong Vienna at nananatiling, na may ilang reserbasyon, isang buhay na genre. Ang Symphony bilang isang genre ay nabuo sa kalagitnaan ng ika-18 siglo siglo, naabot din ang rurok ng pag-unlad nito sa mga klasikong Vienna at nananatiling buhay na genre ng akademikong musika. ( Symphonic form hindi dapat malito sa symphonism, na maaaring katangian din ng mga gawa na hindi nauugnay sa form na ito). Ang quartet ay kinuha ang anyo ng isang sonata cycle sa gawa ni J. Haydn at higit na binuo sa gawain ng mga klasikong Viennese. Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ang leitmotif at monothematic na mga prinsipyo ay naging katangian ng maraming mga gawa ng genre na ito. Isang konsiyerto bilang isang uri ng sonata-symphonic cyclic work, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagsalungat ng tunog ng buong komposisyon ng ensemble at magkahiwalay na grupo o mga soloista, ay nagkaroon ng hugis sa kilala na nitong anyo sa pagtatapos ng ika-18 siglo.
Ang isang gawaing musikal ay maaaring binubuo ng mga bahaging pinag-isa ayon sa isang prinsipyong naiiba sa mga nakalistang genre, at mayroon pa ring cyclical na karakter sa isang antas o iba pa. Ang mga ito ay maraming genre ng inilapat na sagradong musika (mass, spiritual concert, all-night vigil), cantatas, vocal at vocal-choral cycles (plot at lyrical).
Ang buong mga gawa ay maaari ding pagsama-samahin sa isang cycle (bawat isa, sa turn, ay maaaring may cyclical na karakter). Kabilang dito ang mga nabanggit na cycle ng preludes at fugues, ang tetralogy ni R. Wagner na "The Ring of the Nibelung," mga concept album sa non-academic na musika, pati na rin ang mga indibidwal na pangunahing gawa ng jazz at rock music. 42. Wikang pangmusika.
Ang wikang musikal ay, tulad ng iba mga sistema ng wika, isang organisasyon ng ganoong uri, ang representasyon kung saan bilang isang hierarchical system ay may higit na kapangyarihan sa pagpapaliwanag kaysa sa isang simpleng taxonomic na paglalarawan. Bilang resulta, tinatanggap na ang mga musikal na teksto na ating namamasid ay bumubuo ng “musikang pananalita,” na isang katuparan, isang produkto ng ilang ideal (hindi direktang nakikita) na sistema—isang musikal na “wika.” ... Una, ang mismong konsepto ng "wika sa musika" (at, ayon dito, "pagsasalita ng musika") ay nangangailangan ng paglilinaw. Ang una ay tumutukoy sa isang sistema na hindi lamang ipinapatupad sa mga tekstong pampanitikan na nagpapababa ng ilang mga pattern ng pagbuo. nagsasalita. halimbawa, "ang wika ng mga gawa ni Beethoven," ang ibig naming sabihin ay isang sistema na bumubuo hindi lamang sa mga gawang ito, kundi pati na rin sa lahat ng uri ng mga teksto na nagpapanatili ng mga pattern na katangian ng mga gawa ni Beethoven. . . . Sa pag-unawa na ito, ang talumpati sa musika ay naging bukas, iyon ay, binubuo ito ng isang walang katapusang bilang ng mga teksto. .
Susunod, ang konsepto ng istilo ay lumalabas na mahalaga para sa atin. Ang konseptong ito ay maaaring tukuyin bilang isang hanay ng mga teksto, na ipinapalagay na kumakatawan sa pagpapatupad ng isang sistema. Sa kabila. Tungkol sa iba't ibang mga estilo, tinatanggap na nagpapatupad sila ng iba't ibang mga sistema. .
Ang istraktura ng sistema ng musika ay ipinakita sa anyo ng isang hierarchy ng mga antas. Kaya, tila, posible na makilala ang antas ng mga indibidwal na tunog, ang antas ng mga kumbinasyon ng tunog, ang antas ng maharmonya (antas ng chord), ang antas (o isang serye ng mga antas) ng pormal na paghahati. Sa loob ng isang antas mayroong mga yunit ng parehong pagkakasunud-sunod - mga tunog, kumbinasyon ng mga tunog, chord, iba't ibang mga seksyon ng anyo. Ang modelo ng bawat antas, tila, ay dapat bumuo ng mga teksto na tama mula sa punto ng view ng antas na ito." 43. Musical-lexical structures
Kasama ng purong terminolohikal na bokabularyo, ang diksyunaryo ay may kasamang malawak na layer ng pangkalahatang pampanitikan na bokabularyo na ginagamit sa musikal na panitikan upang suriin at ilarawan ang mga gawa ng musika, pati na rin upang ilarawan ang kanilang epekto sa panloob na mundo ng isang tao, sa aesthetic na pang-unawa ng nakikinig. . Kapag naghahanda ng diksyunaryo, ginamit ang mga wikang Ingles at Amerikano mga diksyunaryong nagpapaliwanag sa musika, isang music encyclopedia, pati na rin ang mga orihinal na teksto mula sa mga libro sa mga paksa ng musika. Imposibleng isipin ang buhay ng tao nang walang masining na mga imahe ng tunog na lumitaw sa espasyo ng kaisipan kapag nakikita ang musika. Sinusuri ng monograp na ito ang istraktura ng nilalaman ng mga "musika" na mga fragment ng larawan ng mundo, na kinakatawan ng modernong wikang Ingles. Ang mga istrukturang nagbibigay-malay na pinagbabatayan ng pang-unawa ng musikal na bokabularyo ng parehong mga propesyonal at amateur ay sinusuri. Ang mga metaporikal na modelo ay ipinakita bilang isang nagbibigay-malay na batayan para sa pagbuo ng mga terminong pangmusika at karaniwang ginagamit na bokabularyo ng musikal sa wikang Ingles. Isinasaalang-alang ang paggana ng wika ng musika sa mga tekstong may iba't ibang ratios ng pandiwang at visual na bahagi. Ang aklat na ito ay isa pang hakbang sa paggalugad ng relasyon sa pagitan ng dalawang mundo - linguistic at musikal. Ang libro ay inilaan para sa lahat na interesado sa mga isyu ng mental structuring ng linguistic perception ng nakapaligid na katotohanan. 44. Mga simpleng paraan ng musika at ang kanilang mga semantika
Binubuo ang gawain ng mga indibidwal na pariralang pangmusika - maliliit na integral na mga fragment ng musika. Ang mga musikal na parirala ay pinagsama sa mga panahon. Ang mga panahon na magkatulad ang tunog ay pinagsama sa mga bahagi. Ang mga fragment (mga parirala, tuldok, bahagi) ng isang gawaing pangmusika ay itinalaga ng mga letrang Latin: A, B, C, atbp. Ang iba't ibang kumbinasyon ng mga fragment ay bumubuo ng iba't ibang anyo ng musika. Kaya, ang isang karaniwang anyo sa klasikal na musika ay ABA (anyong kanta), ibig sabihin ay nawawala ang orihinal na bahaging A kapag pinalitan ito ng bahaging B, at inuulit sa dulo ng piyesa.
Mayroon ding mas kumplikadong structuring: motibo ( pinakamaliit na elemento anyo ng musika; 1-2 bar), parirala (kumpletong musical thought; 2-4 bars), pangungusap (ang pinakamaliit na bahagi ng melody na nakumpleto ng ilang cadence; 4-8 bars), period (elemento ng musical form; 8-16 bar; 2 mga pangungusap)
Ang iba't ibang paraan ng pagbuo at paghahambing ng mga elemento ng melody ay humantong sa pagbuo ng iba't ibang uri mga anyong musikal:
One-piece form (A)
Tinatawag din itong ballad form o hangin. Ang pinaka primitive na anyo. Maaaring ulitin ang melody na may maliliit na pagbabago (form AA1A2...). Mga halimbawa: ditty.
Dalawang bahagi na anyo (AB)
Binubuo ito ng dalawang magkakaibang mga fragment - isang argumento at isang kontra-argumento (halimbawa, ang dulang "The Organ Grinder Sings" mula sa "Children's Album" ni P. I. Tchaikovsky). Gayunpaman, kung ang mga fragment ay hindi contrasting, iyon ay, ang pangalawang fragment ay itinayo sa materyal ng una, kung gayon ang dalawang bahagi na anyo ay nagiging isang pagkakaiba-iba ng isang bahagi. Gayunpaman, ang gayong mga gawa (halimbawa, ang dulang "Remembrance" mula sa "Album for the Youth" ni R. Schumann) ay minsan ay inuuri bilang dalawang bahagi.
Tatlong bahagi na form (ABA)
Tinatawag din itong kanta o ternary. Mayroong 2 uri ng tatlong bahaging anyo - simple at kumplikado; sa simple, ang bawat seksyon ay isang panahon, ang gitna ay maaari ding maging isang maikling paglipat; sa kumplikado - ang bawat seksyon ay, bilang panuntunan, isang dalawang bahagi o simpleng tatlong bahagi na anyo.
Konsentrikong hugis
Ang concentric form ay binubuo ng tatlo o higit pang bahagi, na inuulit pagkatapos ng gitnang isa sa reverse order, halimbawa: A B C B A 45. Semantics ng musical compositional forms
Ang musical-compositional system ay may ganoong detalyadong hanay ng mga konsepto na nagbibigay-daan dito na "makita" ang mga musikal na gawa hanggang sa pinakamaliit na detalye. Walang ibang agham ng musika ang may ganoong katalinuhan at katumpakan ng "pangitain" - kasaysayan ng musika, teorya ng pagganap, musikal na etnograpiya, musikal na estetika, atbp. Kasabay nito, ang mga konsepto ng musikal-compositional ay may posibilidad na "lumago" sa mga semantika, na nabubuo sa pangmatagalang karanasan ng mga musikero na nakikipag-usap sa konseptong sistema na nagpapaliwanag ng musika. Ang mga musikal na komposisyon mismo ay semantiko din - ang kanilang mga uri, uri, indibidwal na mga kaso. Nakukuha ng mga musical form ang kalikasan ng musical thinking, at multi-layered na pag-iisip, na sumasalamin sa mga ideya ng panahon, ang pambansang paaralan ng sining, ang estilo ng kompositor, atbp. Kaya, ang parehong bagay ng pagsasaalang-alang - ang mga anyo, komposisyon ng mga musikal na gawa - at ang mga pamamaraan ng pagsusuri ay dapat na nauugnay sa nagpapahayag at semantiko na globo ng musika.
Ang teoretikal na musikaolohiya ay tumatalakay sa dalawang uri ng mga wika - ang masining na wika ng musika at ang pang-agham na wika ng mga teoretikal na konsepto tungkol sa musika. Mayroong isang kategoryang pagkakaiba sa pagitan ng mga wikang ito, ngunit mayroon ding pagkakatulad - ang pagkakaroon ng itinatag na mga kahulugan ng semantiko. Sa isang wikang musikal, ang semantika ay likas na nag-uugnay-nagpapahayag, na may pinaghalong associative-conceptual, sa isang siyentipikong wika - sa kabaligtaran, ito ay associative-conceptual na may pinaghalong associative-expressive; Sa musika, ang yunit ng wika ay intonasyon; sa teorya ng musika, ito ay ang word-term. Sa mga tuntunin ng pamamaraan ng pagsusuri ng musika, mahalaga na ang mga koneksyon ay patuloy na nabuo sa pagitan ng mga musikal na intonasyon at mga musikalohikal na konsepto (mga salita), na nagbibigay-daan sa wika ng musika na may mas mataas na kahalagahan at konseptwalidad at imahe at pagpapahayag - ang wika ng agham ng musika . Kunin natin ang "pag-unlad ng sonata" bilang isang halimbawa. Sa isang banda, mula sa isang musikal at artistikong pananaw, ang tagapalabas ay obligadong gampanan ang seksyong ito ng sonata form na hindi matatag at parang pantasiya na ang isang konseptong tanda ay dapat na nasa hangin "sa hangin" ng bulwagan ng konsiyerto: " ito ay isang pag-unlad." Sa kabilang banda, sa mga tuntunin ng teoretikal na agham, ang tanda, ang konsepto ng "pag-unlad ng sonata" ay dapat na pukawin ang ideya ng ilang uri ng kawalang-tatag ng musika, pantasiya, at napapalibutan ng ilang haka-haka na intonational na tunog ng pag-unlad ng sonata. Ang pagpapatakbo ng "mekanismo" ng gayong koneksyon sa pagitan ng mga elemento ng musical-artistic at musical-theoretical na mga wika ay isang garantiya na ang mga operasyon ng musical analysis (na may wastong kasanayan at sining) ay maaaring magsilbi upang ipakita ang nagpapahayag at semantiko. lohika ng isang gawaing musikal.
"Ang doktrina ng anyo ng musika" (musikalische Formenlehre) ay makasaysayang lumitaw sa Alemanya sa pagtatapos ng ika-18 siglo. at nagkaroon bilang layunin nito na matukoy ang mga pamantayan ng istrukturang komposisyon para sa mga gawa ng iba't ibang genre - motet, operatic aria, sonata, atbp. Ang pangunahing gawaing kapital sa anyo ng musika, "The Doctrine of Musical Composition" ni A.B. Marx (1837-1847), itinuturing na "mga anyo" sa sistematikong pagkakaisa na may mga genre at lahat ng aspeto ng komposisyon ng musikal - intervalics, harmony, polyphony, instrumentation, atbp. Hindi kasama sa pamagat nito ang salitang "form", ngunit "komposisyon". Ang salitang "form" ay may mahaba, pilosopikal na tradisyon at, bukod sa iba pang mga bagay, ay tumutugma sa kategorya ng kagandahan - simula kay Plotinus, ang kanyang "Metaphysics of Beauty" (III century), na muling nabuhay noong ika-18-19 na siglo. Shaftesbury at Winckelmann. At sinabi ni Glinka: "Ang ibig sabihin ng anyo ay ang relasyon sa pagitan ng mga bahagi at ng kabuuan, ang anyo ay nangangahulugang kagandahan."
Bukod dito, ang konsepto ng "musika na anyo" ay hindi magkapareho sa konsepto ng "porma" sa pilosopiya at aesthetics. Ang "Musical form" ay isang monocategory, hindi naka-link sa isang dyad o triad sa anumang iba pang mga kategorya. Hindi ito tutol sa "nilalaman", ngunit may nilalaman, iyon ay, ang nagpapahayag, semantiko, intonational na kakanyahan ng isang musikal na gawain. Sa pilosopikal na tradisyon, ang "form" ay hindi independyente at nauunawaan lamang na may kaugnayan sa mga pantulong na kategorya: bagay at "eidos" (iyon ay, "form" - sa Plato), bagay, anyo, nilalaman (sa Hegel), anyo at nilalaman (sa Schiller , sa Marxist-Leninist philosophy and aesthetics). Dahil sa hindi pagkakakilanlan ng pilosopikal at musikal na "form", pati na rin, ayon sa may-akda, ang pagkaluma ng pilosopiko dyad "content-form", sa musicology ay ipinapayong gumamit ng mas bago, semiotic na pagsalungat: "ang eroplano ng nilalaman - ang eroplano ng pagpapahayag”.
I. anyong musikal bilang isang kababalaghan;
II. musikal na anyo bilang isang makasaysayang typified komposisyon;
III. anyong musikal bilang indibidwal na komposisyon ng isang akda.
Ang nilalaman ng musical form bilang isang phenomenon (I) ay tumutugma sa makabuluhang konsepto ng musika at sining sa pangkalahatan. Sa kabuuan ng sining, pinagsama ang mga layer na maaaring tawaging "espesyal" at "hindi espesyal." Ang "hindi espesyal" na layer ay sumasalamin sa totoong mundo, kabilang ang mga negatibong panig nito. Ang "espesyal" ay perpektong mundo kagandahan, nagdadala sa loob mismo ng etikal na ideya ng kabaitan sa tao, ang aesthetic na ideya ng pagkakaisa ng uniberso at sikolohikal - ang damdamin ng kagalakan. Pangunahing nauugnay ang anyo ng musika sa "espesyal" na nilalaman ng sining. At ang buong sistema ng musikal na mga teoryang komposisyon ay nagtuturo sa pagkamit ng euphony, at hindi cacophony, ang pagkakaugnay ng mga tinig, at hindi ang kanilang paghihiwalay, maindayog na organisasyon, at hindi disorganisasyon, sa dulo - hugis-pagbuo, ang pagbuo ng anyo, at hindi. kawalan ng anyo. At nagsusumikap siyang bumuo ng mga unibersal na tuntunin ng komposisyon na hindi nagbabago depende sa tiyak na konsepto ng isang partikular na gawain. Alinsunod dito, ang agham ng anyo ng musikal ay ang agham ng maganda sa musika, ng ideal, "espesyal" na layer ng nilalaman ng musika.
Ang nilalaman, mga semantika ng musikal na anyo bilang isang makasaysayang typified na komposisyon (II) ay nabuo sa batayan ng parehong linguistic na mekanismo bilang semantics genre ng musika. Ang mga form-genre ay ang Gregorian mass, medieval-Renaissance rondo, virele, ballata, le at iba pa, ang genre na pangkulay ay ang klasikal na dalawa at tatlong bahagi na "mga anyo ng kanta", "adagio form" at iba pa. Ang mga semantika ng mga anyong musikal ay higit na naiimpluwensyahan ng mga aesthetic at artistikong ideya ng panahon na nakaimpluwensya sa paglitaw o humantong sa pag-usbong ng isang partikular na anyo. Halimbawa, ang mga halo-halong anyo ng ika-19 na siglo, na lumitaw sa panahon ng makasagisag at nakabubuo na impluwensya sa musika ng mga patula na genre ng mga balad at tula, ay naglalaman ng mga semantika ng isang pagsasalaysay tungkol sa hindi pangkaraniwang mga kaganapan, na may mga mahimalang pagbabago (pagbabago), na may isang mabagyo, climactic na pagtatapos. Ang pagtatatag ng mga semantika ng tipikal, makasaysayang piniling mga anyo ng musika ay isang tampok na pamamaraan ng aklat-aralin na ito.
Ang anyo ng musika bilang isang indibidwal na komposisyon ng isang akda (III) ay lumilitaw sa anyo ng dalawang pangunahing mga kaso: 1) concretization ng isang makasaysayang typified form, 2) isang indibidwal, untyped form. Sa parehong mga kaso, ang mahalagang kahulugan ng form ay idinidikta ng malinaw na orihinal na ideya ng komposisyon. Kaya, ang Chopin's Nocturne sa C minor, na isinulat sa isang typified complex na tatlong bahagi na anyo, ay may isang pambihirang tampok - isang transformed reprise, na sumasalamin sa romantikong plot-poem na pag-iisip noong ika-19 na siglo. At ang hindi na-type na anyo, halimbawa, ng Third Quartet ni Gubaidulinina ay nagmula sa kakaibang ideya ng interaksyon ng mga uri ng sound expression kapag naglalaro ng pizzicato at may busog.
Sa tatlong makabuluhang antas ng musical form, ang una, meta-level, ay unibersal at naroroon sa lahat ng mga musikal na gawa. Ang pangalawa, malapit sa kategorya ng genre sa semiotic na kahulugan, ang pinakamalinaw sa semantiko, ay lokal sa kasaysayan. Ang ikatlong antas ay kailangang-kailangan, ngunit ang mga gradasyon nito ay mula sa kaunting paglihis mula sa pamantayan ng karaniwang anyo hanggang sa isang kakaiba, natatanging komposisyon ng musika. 46. Texture bilang isang elemento ng musikal na wika.
Ang texture (lat. factura - device, structure) ay isang tipikal na paraan ng pag-aayos ng polyphonic musical composition sa isa sa (polyphonic) musical warehouses. Sa Russian musicology, ang (metaphorical) term na "musical fabric" ay kadalasang ginagamit bilang isang kasingkahulugan para sa texture. Halimbawa, ang pariralang "choral texture" ay naglalarawan sa tipikal na komposisyon ng musikal na tela sa monorhythmic arrangement ng mga kanta ng simbahan ("chorals") ni I.S. Bach at iba pang mga kompositor ng baroque, "arpeggiated texture" - sa mga sonata ng keyboard ng D. Scarlatti, pointillism - isang texture na binubuo ng "nakahiwalay" na mga tono na ipinamamahagi sa pagitan ng mga indibidwal na boses o instrumento sa musika ng A. Webern, atbp.
Ang konsepto ng texture ay malapit na nauugnay sa konsepto ng musical structure, na ipinahayag sa mga tipikal na parirala, halimbawa, "old homophonic texture," "polyphonic texture," "heterophonic texture," atbp. 47. Himig bilang elemento ng wikang musikal.
Upang maunawaan ang musika, tatlong bagay ang kailangan, dalawa sa kanila ay halata, ang pangatlo ay hindi.
Ang una ay ganito kailangang bagay- ito ay ang kakayahang makilala sa pamamagitan ng tainga ang mga elemento ng isang musikal na wika - dynamic, timbre, rhythmic, melodic, harmonic, polyphonic, structural. Huwag matakot sa mga espesyal na salitang ito - hindi ito kumplikado.
Ang mga dinamikong elemento ay ang pinaka-halata. Ang musika ay maaaring tunog ng malambot o malakas, ang tunog ay maaaring unti-unting tumaas o bumaba.
Ang mga elemento ng timbre ay kung paano, halimbawa, ang mga tunog ng iba't ibang mga instrumentong pangmusika ay naiiba sa bawat isa. Sa kaunting karanasan sa musika, maaari nating tumpak na makilala ang tunog ng violin mula sa tunog ng piano. Sumang-ayon tayo, bilang unang pagtataya, ang timbre na iyon ang nagbibigay-daan sa atin na makilala ang iba't ibang pinagmumulan ng tunog - ang tinig ng plauta at ang tinig ng alpa, ang tinig ni nanay at ng ama.
Ang mga elemento ng ritmo ay, sa pinakasimpleng mga termino, mga ugnayan sa pagitan ng mga tagal ng mga tunog. Ang musika ay umiiral sa oras, at ang ilang mga tunog ay mas matagal kaysa sa iba. Sa katunayan, ang lahat ay mas kumplikado, ngunit limitahan muna natin ang ating sarili sa kahulugang ito.
Ang mga melodic na elemento ay ang relasyon ng mga tunog sa taas. Sa kasong ito, ang mga tunog ay hindi dapat i-play nang sabay-sabay, ngunit sa turn. Sa katotohanan, muli, ang lahat ay mas kumplikado, ngunit sa ngayon ang kahulugan na ito ay sapat na. Kung hindi lubos na malinaw sa iyo kung ano ang "pitch ng tunog", narito ang isang naa-access na kahulugan: upang maganap ang tunog, dapat mayroong isang tunog na katawan - isang kampana, isang string, isang haligi ng hangin sa isang tubo (flute, organ pipe, atbp.). ). Ang tumutunog na katawan ay nagvibrate sa isang bilis o iba pa (halimbawa, 100 o 500 na vibrations bawat segundo). Ang mas maraming panginginig ng boses ay nangyayari bawat segundo, mas mataas ang nagreresultang tunog, gaya ng sinasabi nila. Kahit na ang tinatawag na "hindi musikal" na mga tao (bagaman ang gayong mga tao ay halos wala sa kalikasan, ngunit sinasabi nila ito) ay nakikilala sa pagitan ng "makapal" at "manipis" na mga tunog, "madilim" at "liwanag" - ito ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng mga tunog sa pitch.
Ang mga maharmonya na elemento ay din ang ratio ng mga tunog sa taas, ngunit ngayon ang mga tunog ay hindi dapat i-play sa turn, ngunit sabay-sabay. Sa kasong ito, kadalasang mayroong higit sa dalawang tulad ng sabay-sabay na muling ginawang mga tunog. At muli, sa katotohanan ang lahat ay mas kumplikado, ngunit sa ngayon ito ay sapat na upang kahit papaano ay maunawaan ang salitang "pagkakasundo".
Ang mga elementong polyphonic ay ang sabay-sabay na pagpaparami, ngunit hindi ng mga indibidwal na tunog, ngunit ng dalawa o higit pang magkakaibang melodies.
Ang mga elemento ng istruktura ay kung paano ang musika ay partikular na nagpapaalala sa wika at panitikan. Sa isang piraso ng musika maaari mong marinig ang mga indibidwal na musikal na "mga salita", "mga parirala", "mga talata", "mga kabanata". Ngunit hindi ito nangangahulugan na ang mga musikal na "mga salita" ay isinalin sa isang normal na wika sa parehong paraan tulad ng aming pagsasalin, sabihin, mula sa Espanyol tungo sa Russian. At, gayunpaman, ang daloy ng musikal ay hindi tuloy-tuloy, ngunit nahahati sa mga bahagi - parehong maliit at malaki - at ang dibisyon na ito ay maaaring makita ng tainga.
Ngayon, kapag bigla akong nagsimulang magsalita tungkol sa dynamics, timbre, ritmo, melody, harmony, polyphony at structure, malalaman na natin ang halos kung ano ang pinag-uusapan natin.
Tandaan natin na, tulad ng nabanggit sa itaas, ang pag-unawa sa musika ay nangangailangan ng tatlong bagay, at sa ngayon ay napag-usapan lamang natin ang tungkol sa una sa kanila - ang kakayahang makilala ang mga elemento ng musikal na wika sa pamamagitan ng tainga.
Ginagamit ng modernong musikaolohiya ang mga pangunahing prinsipyo ng semiotic approach sa musika at sa wika nito. Ang wika ng musika ay maaaring isaalang-alang bilang isang hanay ng mga musikal na paraan (mga elemento) na binuo sa proseso ng makasaysayang pag-unlad, pagkakaroon ng isang kumplikadong istraktura, na itinuturing bilang isang karaniwang pamana ng kultura, ang lahat ng mga elemento ay magkakaugnay.
Ang mundo sa paligid natin ay puno ng mga tunog ng iba't ibang uri: narito ang mga tunog na binibigkas ng tao mismo at sa tulong ng mga instrumentong pangmusika upang ipahayag ang kanyang mga iniisip, mga karanasan, pati na rin ang mga tunog na direktang umiiral sa kalikasan. Ang anumang bagay ay maaaring makagawa ng tunog (parehong may buhay at walang buhay) na may iba't ibang kalidad. Ang mga tunog ay naririnig mula sa lahat ng dako, maaari silang marinig kahit saan: sa bahay, sa trabaho, sa dalampasigan, sa kagubatan, atbp. Minsan normal na tunog inilipat ng kompositor sa isang gawaing musikal, pagkatapos ay nakuha nila ang katayuan ng musikal, na humahantong sa ideya na ang mga hiyawan at tunog ng mga nakakaapekto ay matatawag na musikal kung ang mga ito ay kasama sa daloy ng mensahe ng musika at sila ay bibigyan ng kahulugan ng musika. .
Ayon sa kaugalian, ang mga elemento ng wika ng musika bilang isang espesyal na sistema ng pag-sign ay kinabibilangan ng mga tunog na nailalarawan sa pamamagitan ng pitch, volume, tagal at timbre, na bumubuo ng melody at harmony (mga indibidwal na consonance, chord). Ang mga musikal na tunog, na nakikipag-ugnayan sa isa't isa, ay bumubuo ng mga metro-ritmikong pattern at nabuo sa isang gawa na naglalaman ng isang tiyak na imahe ng musika.
Ang isang tampok na katangian ng wika ng musika ay ang pagkakaroon nito ng iba't ibang antas ng pag-sign na nakikipag-ugnayan sa bawat isa. Mayroong mga sumusunod na antas ng paraan ng pagpapahayag ng musikal (wika sa musika), na bumubuo ng isang sistema ng mga antas: pitch (mode, harmony, timbres, registers, tonality, melody); maindayog (mga pattern ng ritmo); ang bahagi ng komposisyon (ang proseso ng musika sa kabuuan): lahat ng paraan na lumilikha ng komposisyon; pagsasagawa ng interpretasyon (agogy, articulation, strokes at performing intonation). Ang wika ng musika ay isang heterogenous system na naglalaman ng parehong mataas na organisadong elemento (modal harmonic side) at hindi gaanong organisado (dynamics).
Kaya, ang wika ng musika ay isang kumplikadong hierarchical, multi-level na sistema, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang ugali sa pag-unlad, pagkakapare-pareho at ang kakayahang i-update ang mga bahagi na bumubuo nito. 48. Harmony bilang elemento ng musikal na wika.
Harmony (sinaunang Griyego ἁρμονία - koneksyon, kaayusan; istraktura, pagkakatugma; pagkakaugnay-ugnay, proporsyonalidad, pagkakatugma) ay isang kumplikadong mga konsepto sa teorya ng musika. Harmonious ay tinatawag (kabilang sa pang-araw-araw na pananalita) isang pagkakaugnay-ugnay ng mga tunog na kaaya-aya sa pandinig at naiintindihan ng isip (isang musikal-aesthetic na konsepto). Mula sa isang siyentipikong pananaw, ang ideyang ito ay humahantong sa komposisyon at teknikal na konsepto ng pagkakatugma bilang ang pag-iisa ng mga tunog sa mga katinig at ang kanilang natural na pagkakasunud-sunod. Ang Harmony bilang isang siyentipiko at pang-edukasyon-praktikal na disiplina ay nag-aaral sa pitch organization ng musika.
Ang konsepto ng pagkakaisa ay ginagamit upang makilala ang isang lohikal na organisadong pitch system: uri ng mode (modal harmony, tonal harmony), musikal na istilo (halimbawa, "baroque harmony"), isang indibidwal na tiyak na sagisag ng pitch ("Prokofiev's harmony"), katangian ng mga chord (harmony bilang isang kasingkahulugan para sa mga salitang " chord", "consonance").
Ang konsepto ng pagkakatugma, gayunpaman, ay hindi dapat malito sa mga konsepto ng "saliw", homophony (halimbawa, sa ekspresyong "melody at armonya" sa halip na "melody at saliw" o sa halip na "melody at chords"; "polyphony at pagkakaisa” sa halip na “polyphony at homophony” ).
Ikot ng "prelude-fugue"
Ang dalawang bahaging cycle na "prelude-fugue" ay kilala mula pa noong panahon ng Baroque. Kabilang dito ang functionalization ng prelude bilang isang improvisational na pagpapakilala sa isang fugue.
Maaaring pagsamahin ang mga prelude-fugue cycle sa mas malalaking cycle batay sa ilang pormal o thematic na prinsipyo. Ang pinakatanyag na halimbawa ay ang "The Well-Tempered Clavier" ni J. S. Bach, na binuo sa prinsipyo ng isang tiyak na paghalili ng mode-tone na mga sulat. Isang halimbawa mula sa musika noong ika-20 siglo ay ang “24 Preludes and Fugues” ni D. D. Shostakovich.
Ikot ng suite
Noong ika-20 siglo, ang genre ng suite ay makabuluhang muling naisip, ang mga bagong diskarte ay inilapat dito (tulad ng dodecaphonic orchestral suite ng A. Schoenberg at A. Berg), ang bagong materyal ay sakop (halimbawa, ang P. Hindemith's suite " 1922” na ginamit usong pagsasayaw kaukulang oras: shimmy, boston, ragtime).
Ang ilang mga gawa ng hindi pang-akademikong musika (pangunahin ang progresibong rock) ay nauukol din sa suite form. Kasama sa mga halimbawa ang "Lizard" mula sa album na may parehong pangalan ng rock band na King Crimson at "Atom Heart Mother" mula sa album na may parehong pangalan ni Pink Floyd. Gayunpaman, ang mga komposisyon na higit na nakakaakit sa libre at halo-halong mga anyo (sa tradisyunal na teoretikal na terminolohiya ng musika) ay madalas ding tinatawag na "rock suite".
Sonata-symphonic cycle
Ang sonata-symphonic cycle ay kinabibilangan ng mga pinaka-abstract na genre ng akademikong musika, tulad ng symphony, sonata, quartet, concerto. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
- abstraction mula sa inilapat na kalikasan ng musika (kahit na ang inilapat na materyal ay ginagamit bilang materyal para sa anumang bahagi);
- ang posibilidad ng matalinghaga at semantiko na mga kaibahan sa pagitan ng mga indibidwal na bahagi (hanggang sa kanilang direktang pagsalungat);
- kumplikadong pag-unlad ng tonal;
- itinatag na mga function at anyo ng mga indibidwal na bahagi (katangian ng ilang mga genre ng sonata-symphonic na musika).
Ang klasikal na sonata ay nabuo noong ika-18 siglo, naabot ang tugatog ng pag-unlad sa mga klasikong Viennese at nananatili, na may ilang reserbasyon, isang buhay na genre. Ang symphony bilang isang genre ay nabuo noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, naabot din nito ang rurok ng pag-unlad sa mga klasikong Viennese at nananatiling buhay na genre ng akademikong musika. (Ang symphonic form ay hindi dapat ipagkamali sa symphonism, na maaaring katangian din ng mga akdang hindi nauugnay sa form na ito). Ang quartet ay kinuha ang anyo ng isang sonata cycle sa gawa ni J. Haydn at higit na binuo sa gawain ng mga klasikong Viennese. Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ang leitmotif at monothematic na mga prinsipyo ay naging katangian ng maraming mga gawa ng genre na ito. Ang konsyerto bilang isang uri ng sonata-symphonic cyclic na gawa, na nailalarawan sa pamamagitan ng magkakaibang mga tunog buong komposisyon ensemble at mga indibidwal na grupo o soloista, na nabuo sa kilala na nitong anyo sa pagtatapos ng ika-18 siglo.)))))))
Libre at halo-halong mga anyo
Ang isang gawaing musikal ay maaaring binubuo ng mga bahaging pinag-isa ayon sa isang prinsipyong naiiba sa mga nakalistang genre, at mayroon pa ring cyclical na karakter sa isang antas o iba pa. Ang mga ito ay maraming genre ng inilapat na sagradong musika (mass, spiritual concert, all-night vigil), cantatas, vocal at vocal-choral cycles (plot at lyrical).
Mga malalaking cycle
Mga pinagmumulan
- G. V. Zhdanova. "Symphony" // Musical encyclopedic dictionary. M.: " Ensiklopedya ng Sobyet", 1990, pp. 499.
- Yu. I. Neklyudov. “Suite” // Musical encyclopedic Dictionary. M.: “Soviet Encyclopedia”, 1990, pp. 529-530.
- V. P. Fraenov. "Mga cyclic form" // Musical encyclopedic dictionary. M.: "Soviet Encyclopedia", 1990, p. 615.
- V. P. Chinaev. "Sonata" // Musical encyclopedic dictionary. M.: “Soviet Encyclopedia”, 1990, pp. 513-514.
Tingnan din
- Quartet (genre)
Wikimedia Foundation. 2010.
Tingnan kung ano ang "Cyclic forms (music)" sa iba pang mga diksyunaryo:
Sa musika, ipinapalagay ng mga musikal na anyo ng isang akda ang pagkakaroon ng magkakahiwalay na bahagi, independyente sa istruktura, ngunit konektado ng pagkakaisa ng konsepto. Sa kasaysayan ng akademikong musika, kilala ang "fugue prelude" cycle, suite cycle, symphonic sonatas... ... Wikipedia
Mga anyo ng musikal ng isang akda na nagpapalagay ng pagkakaroon ng magkakahiwalay na bahagi, independyente sa istruktura, ngunit konektado sa pamamagitan ng pagkakaisa ng konsepto. Sa kasaysayan ng akademikong musika, kilala ang "fugue prelude" cycle, suite cycle, at sonata-symphonic cycle.... ... Wikipedia
I Music (mula sa Greek musice, literal na sining ng muses) ay isang uri ng sining na sumasalamin sa katotohanan at nakakaimpluwensya sa isang tao sa pamamagitan ng makabuluhan at espesyal na organisadong pagkakasunod-sunod ng tunog, na binubuo pangunahin ng mga tono... ... Great Soviet Encyclopedia
Variation form, o variation, isang tema na may mga variation, isang variation cycle, isang musical form na binubuo ng isang tema at ang ilang (hindi bababa sa dalawang) binagong reproductions (variations). Isa ito sa mga pinakalumang anyo ng musikal (kilala mula noong ika-13 siglo).... ... Wikipedia
Ang terminong ito ay may iba pang kahulugan, tingnan ang Panahon. Ang panahon sa musika ay ang pinakamaliit na kumpletong istrukturang komposisyon na nagpapahayag ng higit pa o hindi gaanong kumpletong kaisipang musikal. At kadalasan ay binubuo ng 2 pangungusap. Mga Nilalaman 1 Tungkulin sa ... ... Wikipedia
Ang panahon sa musika ay ang pinakamaliit na kumpletong istrukturang komposisyon na nagpapahayag ng higit pa o hindi gaanong kumpletong kaisipang musikal. Maaari ring kumilos bilang isang form pansariling gawain. Sa Aleman mayroong isang katulad terminong pangmusika... ... Wikipedia
Mga gawaing pangmusika na nauugnay sa mga tekstong may likas na relihiyon, na nilayon para sa pagtatanghal sa mga serbisyo sa simbahan o sa pang-araw-araw na buhay. Sa ilalim ng espirituwal na musika sa sa makitid na kahulugan magpahiwatig ng musika ng simbahang Kristiyano; espirituwal sa malawak na kahulugan... ... Wikipedia
- (lat. forma view, hitsura, imahe, hitsura, kagandahan) ng isang komposisyon, ay tinutukoy sa pamamagitan ng pagsasaalang-alang sa disenyo nito (scheme, template o istraktura) at pag-unlad sa paglipas ng panahon. Ang anyo ng musikal (lalo na sa maaga at relihiyosong musika) ay halos hindi mapaghihiwalay... Wikipedia
ika-7 baitang
Paksa: Mga paikot na hugis
Ang mga paikot na anyo sa musika ay mga akdang nagpapalagay ng pagkakaroon ng magkakahiwalay na bahagi, independiyente sa istruktura, ngunit konektado ng pagkakaisa ng konsepto.
Sa kasaysayan ng akademikong musika, kilala ang mga "prelude-fugue" cycle, suite cycle, at sonata-symphonic cycle.
Ang isang cycle ay maaari ding tawaging isang serye ng magkakaugnay na mga gawa (bawat isa ay maaaring may cyclic na anyo) o mga programa sa konsiyerto.
Sa non-academic na musika (jazz, rock), ang mga album ng konsepto at mga indibidwal na malalaking gawa ay maaaring mahilig sa mga paikot na anyo.
^ Cycle "Prelude-Fugue"
Ang dalawang bahaging cycle na "prelude-fugue" ay kilala mula pa noong panahon ng Baroque
Ang prelude ay gumaganap bilang isang improvisational na pagpapakilala sa fugue.
Maaaring pagsamahin ang mga prelude-fugue cycle sa mas malalaking cycle batay sa ilang pormal o thematic na prinsipyo. Ang pinakatanyag na halimbawa ay ang "The Well-Tempered Clavier" ni J. S. Bach.
Ang suite (mula sa French Suite - "row", "sequence") ay isang cyclic musical form na binubuo ng ilang independiyenteng contrasting parts, na pinagsama ng isang karaniwang konsepto.
Ang suite, na kilala mula noong ika-16 na siglo, ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
ang koneksyon ng mga indibidwal na bahagi ng trabaho na may tradisyonal na inilapat (kanta, sayaw) na mga genre, ang pagiging simple ng istraktura ng mga bahagi;
contrasting paghahambing ng mga bahagi;
isang hilig sa pagkakaisa o malapit na pagkakatulad sa tonality ng mga bahagi.
Sonata-symphonic cycle
Ang sonata-symphonic cycle ay kinabibilangan ng mga pinaka-abstract na genre ng akademikong musika, tulad ng symphony, sonata, quartet, at concerto.
Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
abstraction mula sa inilapat na kalikasan ng musika (kahit na ang inilapat na materyal ay ginagamit bilang materyal para sa anumang bahagi);
ang posibilidad ng matalinghaga at semantiko na mga kaibahan sa pagitan ng mga indibidwal na bahagi (hanggang sa kanilang direktang pagsalungat);
kumplikadong pag-unlad ng tonal;
itinatag na mga function at anyo ng mga indibidwal na bahagi (katangian ng ilang mga genre ng sonata-symphonic na musika).
Ang klasikal na sonata ay nabuo noong ika-18 siglo at naabot ang rurok ng pag-unlad nito sa mga klasikong Viennese (Haydn, Mozart, Beethoven).
Ang symphony bilang isang genre ay nabuo noong kalagitnaan ng ika-18 siglo at naabot din ang rurok ng pag-unlad nito sa mga klasikong Viennese.
Symphony (mula sa Greek συμφονία - "consonance") - isang genre ng symphonic music instrumental na musika multi-part canonized form ng pangunahing ideolohikal na nilalaman.
Libre at halo-halong mga anyo
Ang isang gawaing musikal ay maaaring binubuo ng mga bahaging pinag-isa ayon sa isang prinsipyong naiiba sa mga nakalistang genre, at mayroon pa ring cyclical na karakter sa isang antas o iba pa. Ang mga ito ay maraming genre ng inilapat na sagradong musika (mass, spiritual concert, all-night vigil), cantatas, vocal at vocal-choral cycles (plot at lyrical).
Mga malalaking cycle
Ang buong mga gawa ay maaari ding pagsama-samahin sa isang cycle (bawat isa, sa turn, ay maaaring may cyclical na karakter).
Kabilang dito ang mga nabanggit na cycle ng preludes at fugues, ang tetralogy ni R. Wagner na "The Ring of the Nibelung," mga concept album sa non-academic na musika, pati na rin ang mga indibidwal na pangunahing gawa ng jazz at rock music.
Ang sonata form ay isang musical form na binubuo ng tatlong pangunahing seksyon:
Paglalahad – kaibahan sa pagitan ng pangunahin at pangalawang tema
Pag-unlad - pagbuo ng mga paksang ito
Reprise - pag-uulit ng mga temang ito na may ilang pagbabago
Makinig tayo:
J.S.Bach, Prelude at Fugue No. 6, D minor, 1st volume ng KhTK
L. van Beethoven, Sonata No. 1, F minor
Ang mga klasikal na kompositor ay kilala sa buong mundo. Bawat pangalan henyo sa musika- isang natatanging indibidwalidad sa kasaysayan ng kultura.
Ano ang klasikal na musika
Ang klasikal na musika ay kaakit-akit na mga himig na nilikha ng mga mahuhusay na may-akda na wastong tinatawag na mga klasikal na kompositor. Ang kanilang mga gawa ay natatangi at palaging hihingin ng mga performer at tagapakinig. Ang klasikal, sa isang banda, ay karaniwang tinatawag na mahigpit, malalim na makabuluhang musika na hindi nauugnay sa mga sumusunod na genre: rock, jazz, folk, pop, chanson, atbp. Sa kabilang banda, sa makasaysayang pag-unlad ng musika ay mayroong isang panahon ng huling bahagi ng XIII - unang bahagi ng XX siglo, na tinatawag na classicism.
Ang mga klasikal na tema ay nakikilala sa pamamagitan ng napakahusay na intonasyon, pagiging sopistikado, iba't ibang mga kulay at pagkakaisa. Mayroon silang positibong epekto sa emosyonal na pananaw sa mundo ng mga matatanda at bata.
Mga yugto ng pag-unlad ng klasikal na musika. Ang kanilang maikling paglalarawan at pangunahing mga kinatawan
Sa kasaysayan ng pag-unlad ng klasikal na musika, ang mga sumusunod na yugto ay maaaring makilala:
- Renaissance o Renaissance - maagang ika-14 - huling quarter ika-16 na siglo. Sa Espanya at Inglatera, ang panahon ng Renaissance ay tumagal hanggang sa simula ng ika-17 siglo.
- Baroque - pinalitan ang Renaissance at tumagal hanggang simula ng ika-18 siglo. Ang sentro ng istilo ay ang Espanya.
- Classicism - isang panahon ng pag-unlad kulturang Europeo mula sa simula ng ika-18 hanggang sa simula ng ika-19 na siglo.
- Ang Romantisismo ay isang direksyon na kabaligtaran sa klasisismo. Nagtagal hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo.
- Mga klasiko ng ika-20 siglo - modernong panahon.
Maikling paglalarawan at pangunahing kinatawan ng mga panahon ng kultura
1. Renaissance - isang mahabang panahon ng pag-unlad ng lahat ng larangan ng kultura. - Si Thomas Tallis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria ay gumawa at nag-iwan ng walang kamatayang mga nilikha para sa mga susunod na henerasyon.
2. Baroque - sa panahong ito lumalabas ang mga bagong anyo ng musika: polyphony, opera. Sa panahong ito nilikha nina Bach, Handel, at Vivaldi ang kanilang mga sikat na gawa. Ang mga fugue ni Bach ay itinayo alinsunod sa mga kinakailangan ng klasisismo: sapilitan na pagsunod sa mga canon.
3. Klasisismo. Mga klasikong kompositor ng Viennese na lumikha ng kanilang walang kamatayang mga likha sa panahon ng klasisismo: Haydn, Mozart, Beethoven. Lumilitaw ang anyo ng sonata at tumataas ang komposisyon ng orkestra. at Haydn ay naiiba sa mga mabibigat na gawa ni Bach sa simpleng pagkakagawa at kagandahan ng mga melodies. Ito ay isang klasiko pa rin, isang pagsusumikap para sa pagiging perpekto. Ang mga gawa ni Beethoven ay ang dulo ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng romantiko at mga klasikong istilo. Sa musika ni L. van Beethoven mayroong higit na senswalidad at sigasig kaysa sa makatwirang canon. Ang mga mahahalagang genre tulad ng symphony, sonata, suite, at opera ay lumitaw. Si Beethoven ang nagbunga ng Romantikong panahon.
4. Romantisismo. Ang mga gawa sa musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulay at drama. Nabubuo ang iba't ibang genre ng kanta, halimbawa, ballads. Nakatanggap ng pagkilala ang mga gawa ng piano nina Liszt at Chopin. Ang mga tradisyon ng romantisismo ay minana nina Tchaikovsky, Wagner, at Schubert.
5. Mga klasiko ng ika-20 siglo - nailalarawan sa pagnanais ng mga may-akda para sa pagbabago sa mga melodies; lumitaw ang mga terminong aleatorics, atonalism. Ang mga gawa ni Stravinsky, Rachmaninov, Glass ay inuri sa klasikal na format.
Mga klasikal na kompositor ng Russia
Tchaikovsky P.I. - Ruso na kompositor, kritiko sa musika, pampublikong pigura, guro, konduktor. Ang kanyang mga komposisyon ang pinakamaraming gumanap. Ang mga ito ay taos-puso, madaling maramdaman, sumasalamin sa patula na pagka-orihinal ng kaluluwang Ruso, magagandang painting Kalikasan ng Russia. Ang kompositor ay lumikha ng 6 na ballet, 10 opera, higit sa isang daang romansa, 6 na symphony. Ang sikat sa buong mundo na ballet na "Swan Lake", ang opera na "Eugene Onegin", "Children's Album".
Rachmaninov S.V. - ang mga gawa ng namumukod-tanging kompositor ay emosyonal at masayahin, at ang ilan ay dramatiko sa nilalaman. Ang kanilang mga genre ay iba-iba: mula sa maliliit na dula hanggang sa mga konsyerto at opera. Ang pangkalahatang kinikilalang mga gawa ng may-akda: opera " Kuripot na Knight", "Aleko" ni Ang tula ni Pushkin"Gypsies", "Francesca da Rimini" batay sa isang plot na hiniram mula sa " Divine Comedy» Dante, tula na “The Bells”; suite na "Symphonic Dances"; mga konsiyerto sa piano; vocalise para sa boses na may saliw ng piano.
Borodin A.P. ay isang kompositor, guro, botika, at doktor. Ang pinaka makabuluhang paglikha ay ang opera na "Prince Igor" ni gawaing pangkasaysayan"The Tale of Igor's Campaign," na isinulat ng may-akda sa loob ng halos 18 taon. Sa kanyang buhay, si Borodin ay walang oras upang tapusin ito; pagkatapos ng kanyang kamatayan, ang opera ay natapos nina A. Glazunov at N. Rimsky-Korsakov. Ang mahusay na kompositor ay ang nagtatag ng mga classical quartets at symphony sa Russia. Ang "Bogatyr" Symphony ay itinuturing na korona ng mundo at Russian national-heroic symphony. Ang instrumental chamber quartets, ang Una at Ikalawang Quartets, ay kinilala bilang namumukod-tangi. Isa sa mga unang nagpakilala ng mga bayani mula sa sinaunang panitikang Ruso sa mga romansa.
Mahusay na musikero
Si Mussorgsky M.P., kung kanino masasabi, ay isang mahusay na kompositor ng realista, isang matapang na innovator na humipo sa mga talamak na problema sa lipunan, isang kahanga-hangang pianista at isang mahusay na bokalista. Ang pinaka makabuluhan mga gawang musikal ay ang mga opera na "Boris Godunov" batay sa dramatikong gawain ng A.S. Pushkin at "Kovanshchina" - drama ng katutubong musika, pangunahing gumaganap na karakter ang mga opera na ito ay mga mapanghimagsik na tao mula sa iba't ibang saray ng lipunan; creative cycle na "Mga Larawan sa isang Exhibition", na inspirasyon ng mga gawa ni Hartmann.
Glinka M.I. - sikat na kompositor ng Russia, tagapagtatag ng klasikal na kilusan sa kulturang musikal ng Russia. Nakumpleto niya ang pamamaraan para sa paglikha ng isang paaralan ng mga kompositor ng Russia, batay sa halaga ng katutubong at propesyonal na musika. Ang mga gawa ng master ay puno ng pagmamahal sa Fatherland at sumasalamin sa ideolohikal na oryentasyon ng mga tao doon. makasaysayang panahon. Ang sikat sa buong mundo na folk drama na "Ivan Susanin" at ang opera-fairy tale na "Ruslan at Lyudmila" ay naging mga bagong uso sa Russian opera. Ang symphonic works na "Kamarinskaya" at "Spanish Overture" ni Glinka ay ang mga pundasyon ng Russian symphonism.
Si Rimsky-Korsakov N.A. ay isang mahuhusay na kompositor ng Russia, opisyal ng hukbong-dagat, guro, publicist. Dalawang agos ang matutunton sa kanyang akda: historikal (“ Ang Nobya ng Tsar", "Pskovite") at mga fairy tale ("Sadko", "Snow Maiden", suite na "Scheherazade"). Natatanging katangian mga gawa ng kompositor: pagka-orihinal batay sa mga klasikal na halaga, homophony sa harmonic construction maagang mga gawa. Ang kanyang mga komposisyon ay may pirma ng may-akda: orihinal na mga solusyon sa orkestra na may hindi pangkaraniwang binuo na mga marka ng boses, na siyang mga pangunahing.
Sinubukan ng mga klasikal na kompositor ng Russia na ipakita sa kanilang mga gawa ang cognitive thinking at folklore na katangian ng bansa.
kulturang Europeo
Ang mga sikat na klasikal na kompositor na sina Mozart, Haydn, Beethoven ay nanirahan sa kabisera kultura ng musika oras na iyon - Vienna. Ang mga henyo ay nagkakaisa sa pamamagitan ng mahusay na pagganap, mahusay na mga solusyon sa komposisyon, at paggamit ng iba't ibang istilo ng musika: mula sa mga katutubong himig hanggang sa polyphonic na pag-unlad ng mga tema ng musika. Ang mga mahuhusay na classic ay nailalarawan sa pamamagitan ng komprehensibong malikhaing aktibidad sa pag-iisip, kakayahan, at kalinawan sa pagbuo ng mga musikal na anyo. Sa kanilang mga gawa, ang talino at mga damdamin, mga trahedya at komiks na mga bahagi, ang kadalian at pagkamahinhin ay organikong magkakaugnay.
Nahilig sina Beethoven at Haydn sa mga instrumental na komposisyon, mahusay na nagtagumpay si Mozart sa parehong opera at mga orkestra na gawa. Si Beethoven ay isang hindi maunahang lumikha ng mga kabayanihan na gawa, pinahahalagahan at matagumpay na ginamit ni Haydn ang katatawanan at mga uri ng katutubong genre sa kanyang trabaho, si Mozart ay isang unibersal na kompositor.
Mozart - lumikha ng sonata instrumental na anyo. Pinagbuti ito ni Beethoven at dinala ito sa hindi maunahang taas. Ang panahon ay naging panahon ng quartet heyday. Haydn, na sinundan ni Beethoven at Mozart, ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pagbuo ng genre na ito.
Italian masters
Si Giuseppe Verdi - isang natatanging musikero noong ika-19 na siglo, ay bumuo ng tradisyonal Italian opera. Siya ay may hindi nagkakamali na kasanayan. Ang paghantong ng kanyang mga aktibidad sa pagbubuo ay ang mga operatikong gawa na "Il Trovatore", "La Traviata", "Othello", "Aida".
Niccolo Paganini - isinilang sa Nice, isa sa mga pinaka-musika na likas na personalidad noong ika-18 at ika-19 na siglo. Siya ay isang master ng biyolin. Gumawa siya ng caprices, sonata, quartets para sa violin, guitar, viola at cello. Sumulat siya ng mga konsyerto para sa biyolin at orkestra.
Gioachino Rossini - nagtrabaho noong ika-19 na siglo. May-akda ng sacred and chamber music, composed 39 operas. Mga natatanging gawa-" Barbero ng Seville", "Othello", "Cinderella", "The Thieving Magpie", "Semiramis".
Si Antonio Vivaldi ay isa sa mga pinakadakilang kinatawan ng violin art noong ika-18 siglo. Nakamit niya ang katanyagan salamat sa kanyang pinakasikat na gawa - 4 violin concertos na "The Seasons". Namuhay ng isang kamangha-manghang mabungang buhay malikhaing buhay, binubuo ng 90 opera.
Ang mga sikat na Italyano na klasikal na kompositor ay nag-iwan ng walang hanggang pamana sa musika. Ang kanilang mga cantatas, sonata, serenades, symphony, opera ay magdudulot ng kasiyahan sa higit sa isang henerasyon.
Mga kakaibang pang-unawa ng isang bata sa musika
Ang pakikinig sa magandang musika ay may positibong epekto sa psycho-emotional development ng isang bata, ayon sa mga child psychologist. Magandang musika nagpapakilala sa iyo sa sining at humuhubog sa aesthetic na lasa, sabi ng mga guro.
Maraming mga sikat na likha ang nilikha ng mga klasikal na kompositor para sa mga bata, na isinasaalang-alang ang kanilang sikolohiya, pang-unawa at mga detalye ng edad, i.e. para sa pakikinig, habang ang iba ay binubuo ng iba't ibang mga pag-play para sa mga maliliit na performer na madaling makita ng tainga at teknikal na naa-access sa kanila.
"Album ng mga Bata" ni P.I. Tchaikovsky. para sa maliliit na pianista. Ang album na ito ay isang dedikasyon sa aking pamangkin na mahilig sa musika at napakagandang bata. Naglalaman ang koleksyon ng higit sa 20 play, ang ilan sa mga ito ay batay sa folklore material: Neapolitan motifs, Russian dance, Tyrolean at French melodies. Koleksyon ng "Mga Kanta ng Bata" ni P.I. Tchaikovsky. dinisenyo para sa auditory perception ng mga bata. Mga kanta ng isang optimistikong kalooban tungkol sa tagsibol, mga ibon, namumulaklak na hardin(“Ang aking munting hardin”), tungkol sa habag kay Kristo at sa Diyos (“Ang sanggol na si Kristo ay may hardin”).
Mga klasikong pambata
Maraming mga klasikal na kompositor ang nagtrabaho para sa mga bata, ang listahan ng kung saan ang mga gawa ay napaka-magkakaibang.
Prokofiev S.S. "Peter at ang Lobo" - symphonic na kuwento para sa mga bata. Salamat sa fairy tale na ito, nakikilala ng mga bata mga Instrumentong pangmusika orkestra ng symphony. Ang teksto ng fairy tale ay isinulat mismo ni Prokofiev.
Schumann R. Ang "Mga Eksena ng Bata" ay mga maikling kwentong musikal na may simpleng balangkas, na isinulat para sa mga adult na performer, mga alaala ng pagkabata.
Ang piano cycle ni Debussy na "Children's Corner".
Ravel M. “Mother Goose” batay sa mga fairy tale ni C. Perrault.
Bartok B. "Unang hakbang sa piano."
Mga cycle para sa mga bata Gavrilova S. "Para sa maliliit na bata"; "Mga Bayani ng Fairy Tales"; "Guys tungkol sa mga hayop."
Shostakovich D. "Album ng mga piyesa ng piano para sa mga bata."
Bakh I.S. "Ang aklat ng musika ni Anna Magdalena Bach." Habang nagtuturo sa kanyang mga anak ng musika, gumawa siya ng mga espesyal na piraso at pagsasanay para sa kanila upang bumuo ng mga teknikal na kasanayan.
Haydn J. ay ang ninuno ng klasikal na simponya. Gumawa siya ng isang espesyal na symphony na tinatawag na "Children's". Ang mga instrumentong ginamit: isang clay nightingale, isang kalansing, isang cuckoo - bigyan ito ng isang hindi pangkaraniwang tunog, parang bata at mapaglarong.
Si Saint-Saëns K. ay nakabuo ng isang pantasya para sa orkestra at 2 piano na tinatawag na "Carnival of Animals", kung saan mahusay niyang naihatid ang mga huni ng mga manok, ang atungal ng isang leon, ang kasiyahan ng isang elepante at ang paraan ng paggalaw nito, at ang touchingly graceful swan sa pamamagitan ng musikal na paraan.
Kapag bumubuo ng mga komposisyon para sa mga bata at kabataan, ang mga mahuhusay na kompositor ng klasiko ay nag-aalaga sa mga kagiliw-giliw na mga storyline ng trabaho, ang accessibility ng iminungkahing materyal, na isinasaalang-alang ang edad ng tagapalabas o tagapakinig.
