Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Panimula

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, tumindi ang krisis ng sistemang pyudal-serf, na humadlang sa pagbuo ng kapitalistang sistema. Ang mga ideyang mapagmahal sa kalayaan ay kumakalat at lumalalim sa mga progresibong bilog ng lipunang Ruso. Mga kaganapan Digmaang Makabayan, ang tulong ng mga tropang Ruso sa pagpapalaya ng mga estado sa Europa mula sa paniniil ni Napoleon ay pinalala ng damdaming makabayan at mapagmahal sa kalayaan. Ang lahat ng mga pangunahing prinsipyo ng estadong pyudal-serf ay pinupuna. Ito ay nagiging malinaw na ang pag-asa para sa pagbabago ng panlipunang realidad sa pamamagitan ng mga aktibidad ng pamahalaan ng isang napaliwanagan na tao ay ilusyon. Ang pag-aalsa ng Decembrist noong 1825 ay ang unang armadong pag-aalsa laban sa tsarismo. Malaki ang impluwensya nito sa progresibong artistikong kultura ng Russia. Ang panahong ito ay nagsilang henyong pagkamalikhain A.S. Pushkin, katutubong at unibersal, puno ng mga pangarap ng kalayaan.

Fine arts muna kalahati ng ika-19 na siglo siglo ay may panloob na komunidad at pagkakaisa, isang natatanging kagandahan ng maliwanag at makataong mga mithiin. Ang klasisismo ay pinayaman ng mga bagong tampok, nito lakas pinaka-malinaw na ipinakita sa arkitektura, makasaysayang pagpipinta, at bahagyang sa iskultura. Ang pang-unawa sa kultura ng sinaunang mundo ay naging mas makasaysayan kaysa sa ika-18 siglo, at mas demokratiko. Kasama ng klasisismo, ito ay tumatanggap ng masinsinang pag-unlad romantikong direksyon at isang bagong makatotohanang pamamaraan ang nagsisimulang magkaroon ng hugis.

Matapos ang pagsupil sa pag-aalsa ng Decembrist, itinatag ng autokrasya ang isang brutal na reaksyunaryong rehimen. Ang kanyang mga biktima ay sina A. S. Pushkin, M. Yu. Lermontov, T. G. Shevchenko at marami pang iba. Ngunit hindi mapigilan ni Nicholas I ang kawalang-kasiyahan ng mga tao at progresibong kaisipang panlipunan. Lumaganap ang mga ideya sa pagpapalaya, na sumasaklaw hindi lamang sa maharlika, kundi pati na rin sa mga karaniwang intelihente, na nagsimulang gumanap ng lalong makabuluhang papel sa masining na kultura. Si V. G. Belinsky ay naging tagapagtatag ng rebolusyonaryo-demokratikong aesthetics ng Russia, na nakaimpluwensya sa mga artista. Isinulat niya na ang sining ay isang anyo ng pambansang kamalayan sa sarili, at pinamunuan ang ideolohikal na pakikibaka para sa pagkamalikhain na malapit sa buhay at mahalaga sa lipunan.

Ang kulturang sining ng Russia ang una ikatlong bahagi ng XIX Ang siglo ay nabuo sa panahon ng panlipunang pagsulong na nauugnay sa mga kabayanihan na kaganapan ng Digmaang Patriotiko noong 1812 at ang pagbuo ng mga ideyang anti-serfdom at mapagmahal sa kalayaan noong pre-Decembrist period. Sa oras na ito, ang lahat ng uri ng sining at ang kanilang synthesis ay umabot sa isang napakatalino na pamumulaklak.

Sa ikalawang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, dahil sa tumaas na reaksyon ng pamahalaan, ang sining ay higit na nawala ang mga progresibong katangian na naging katangian nito kanina. Ang klasisismo sa panahong ito ay mahalagang naubos ang sarili nito. Ang arkitektura ng mga taong ito ay kinuha ang landas ng eclecticism - ang panlabas na paggamit ng mga estilo iba't ibang panahon at mga tao. Nawala ng eskultura ang kahalagahan ng nilalaman nito; nakakuha ito ng mga katangian ng mababaw na kaanyuan. Ang mga promising na paghahanap ay lumitaw lamang sa eskultura ng maliliit na anyo; dito, tulad ng sa pagpipinta at mga graphic, ang mga makatotohanang prinsipyo ay lumago at lumakas, na iginiit ang kanilang sarili sa kabila ng aktibong pagtutol ng mga kinatawan ng opisyal na sining.

Ang klasisismo sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, alinsunod sa mga romantikong uso, ay lumikha ng mga imaheng nakataas, espirituwal, at emosyonal na kahanga-hanga. Gayunpaman, ang apela sa buhay na direktang pang-unawa sa kalikasan at ang pagkawasak ng sistema ng tinatawag na mataas at mababang genre ay sumasalungat na sa akademikong aesthetics, batay sa mga klasikong canon. Ito ay ang romantikong direksyon ng sining ng Russia noong unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo na naghanda sa pag-unlad ng realismo sa mga sumunod na dekada, dahil sa isang tiyak na lawak ay dinala nito ang mga romantikong artista na mas malapit sa katotohanan, sa simpleng totoong buhay. Ito ay panloob na kakanyahan kumplikadong masining na kilusan sa buong unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ito ay hindi nagkataon na sa pagtatapos ng panahong ito ang satirical na pang-araw-araw na genre ay nabuo sa pagpipinta at mga graphic. Sa pangkalahatan, ang sining ng yugtong ito - arkitektura, pagpipinta, graphics, eskultura, inilapat at katutubong sining - ay isang natitirang kababalaghan na puno ng pagka-orihinal sa kasaysayan ng kulturang sining ng Russia. Ang pagbuo ng mga progresibong tradisyon ng nakaraang siglo, lumikha ito ng maraming kahanga-hangang mga gawa na may dakilang aesthetic at panlipunang halaga, na nagbibigay ng kontribusyon sa pamana ng mundo.

Ang isang mahalagang katibayan ng mga pagbabagong nagaganap sa sining ng Russia sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang pagnanais malalawak na bilog mga manonood upang maging pamilyar sa mga eksibisyon. Noong 1834, ang Northern Bee, halimbawa, ay nag-ulat na ang pagnanais na makita ang “The Last Day of Pompeii” ni K. P. Bryullov ay sumakop sa populasyon ng St. Petersburg at lumaganap “sa lahat ng kalagayan at klase.” Ang larawang ito, gaya ng pinagtatalunan ng mga kontemporaryo, ay higit na nagsilbi upang “ilapitin ang ating publiko sa sining ng mundo.”

Ang ikalabinsiyam na siglo ay nakikilala din sa pamamagitan ng pagpapalawak at pagpapalalim ng mga koneksyon sa pagitan ng sining ng Russia hindi lamang sa buhay, kundi pati na rin masining na tradisyon ibang mga tao na naninirahan sa Russia. Ang mga motif at larawan ng pambansang labas, Siberia, ay nagsimulang lumitaw sa mga gawa ng mga artistang Ruso. Naging mas magkakaibang Pambansang komposisyon mga mag-aaral ng mga institusyong sining ng Russia. Sa Academy of Arts, sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture, na itinatag noong 1830s, nag-aral ang mga katutubo ng Ukraine, Belarus, Baltic States, Transcaucasia at Central Asia.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo, tanging ang mga indibidwal na master, at lalo na si A. A. Ivanov, ang pumukaw ng interes sa mundo ng sining Russia. Lamang sa mga taon kapangyarihan ng Sobyet ang sining ng panahong ito ay tumanggap ng malawak na pagkilala. Sa nakalipas na mga dekada, ang kasaysayan ng sining ng Sobyet ay nagbigay ng malaking pansin sa pag-aaral ng mga gawa ng mga masters ng unang kalahati ng ika-19 na siglo, lalo na may kaugnayan sa mahusay na mga eksibisyon sa anibersaryo A. G. Venetsianov, A. A. Ivanov, O. A. Kiprensky, ika-225 anibersaryo ng USSR Academy of Arts.

32.Russian painting ng unang kalahatiXIXsiglo. Pag-unlad ng genre, mga masters.

Ang pinong sining ng Russia ay nailalarawan sa pamamagitan ng romantikismo at pagiging totoo. Gayunpaman, ang opisyal na kinikilalang pamamaraan ay klasisismo. Ang Academy of Arts ay naging isang konserbatibo at hindi gumagalaw na institusyon na humadlang sa anumang mga pagtatangka sa malikhaing kalayaan. Hiniling niya ang mahigpit na pagsunod sa mga kanon ng klasisismo at hinikayat ang pagpipinta sa mga paksang biblikal at mitolohiya. Ang mga batang mahuhusay na artistang Ruso ay hindi nasiyahan sa balangkas ng akademiko. Samakatuwid, mas madalas silang bumaling sa genre ng portrait.

Ang pagpipinta ay naglalaman ng mga romantikong mithiin ng panahon ng pambansang pagtaas. Ang pagtanggi sa mahigpit, hindi lumilihis na mga prinsipyo ng klasisismo, natuklasan ng mga artista ang pagkakaiba-iba at pagiging natatangi ng nakapaligid na mundo. Hindi lamang ito makikita sa mga pamilyar na genre - portrait at landscape - ngunit nagbigay din ng lakas sa pagsilang ng pang-araw-araw na pagpipinta, na naging pokus ng atensyon ng mga masters ng ikalawang kalahati ng siglo. Sa ngayon, nanatili ang primacy sa makasaysayang genre. Ito ang huling kanlungan ng klasisismo, gayunpaman, kahit dito, sa likod ng pormal na klasikong "façade," nakatago ang mga romantikong ideya at tema.

Romantisismo - (French romantisme), ideolohikal at masining na kilusan sa kulturang espirituwal na Europeo at Amerikano noong huling bahagi ng ika-18 - ika-1 bahagi. ika-19 na siglo Sinasalamin ang pagkabigo sa mga resulta ng Rebolusyong Pranses noong huling bahagi ng ika-18 siglo, sa ideolohiya ng Enlightenment at panlipunang pag-unlad. Inihambing ng Romantisismo ang utilitarianismo at ang pag-level ng indibidwal na may mga hangarin para sa walang hangganang kalayaan at ang "walang hanggan," isang pagkauhaw para sa pagiging perpekto at pagbabago, at ang mga kalunos-lunos ng personal at sibil na kalayaan. Ang masakit na hindi pagkakasundo sa pagitan ng ideal at panlipunang katotohanan ay ang batayan ng romantikong pananaw sa mundo at sining. Ang pagpapatunay ng intrinsic na halaga ng espirituwal at malikhaing buhay ng indibidwal, ang paglalarawan ng malakas na mga hilig, ang paglalarawan ng malakas na mga hilig, ang espiritwal at nakapagpapagaling na kalikasan, para sa maraming mga romantiko - ang mga kabayanihan ng protesta o pakikibaka ay magkakasamang nabubuhay sa mga motibo ng "kalungkutan sa mundo ”, “world evil”, ang “night” side of the soul, na nakadamit ng mga anyo ng irony, grotesque, poetics ng dalawang mundo. Interes sa pambansang nakaraan (kadalasan ang idealization nito), ang mga tradisyon ng alamat at kultura ng sarili at ibang mga tao, ang pagnanais na lumikha ng isang unibersal na larawan ng mundo (pangunahin ang kasaysayan at panitikan), ang ideya ng isang synthesis ng sining. natagpuang ekspresyon sa ideolohiya at praktika ng Romantisismo.

SA sining Malinaw na ipinakita ang romantikismo sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong malinaw sa eskultura at arkitektura (halimbawa, huwad na Gothic). Karamihan sa mga pambansang paaralan ng Romantisismo sa sining ay lumitaw sa pakikibaka laban sa opisyal na akademikong klasisismo.

Sa kailaliman ng opisyal na kultura ng estado ay mayroong isang kapansin-pansing layer ng "elite" na kultura, na naglilingkod sa naghaharing uri (ang aristokrasya at ang maharlikang hukuman) at pagkakaroon ng isang espesyal na pagtanggap sa mga dayuhang pagbabago. Sapat na para maalala romantikong pagpipinta O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov at iba pang mga pangunahing artista noong ika-19 na siglo.

Kiprensky Orest Adamovich, artistang Ruso. Isang namumukod-tanging master ng Russian fine art of romanticism, na kilala bilang isang kahanga-hangang pintor ng portrait. Sa pagpipinta na "Dmitry Donskoy sa Kulikovo Field" (1805, Russian Museum) ipinakita niya ang isang tiwala na kaalaman sa mga canon ng akademikong pagpipinta sa kasaysayan. Ngunit sa simula pa lang, ang lugar kung saan pinaka-natural at walang kahirap-hirap na ipinakita ang kanyang talento ay portraiture. Ang kanyang unang larawang larawan ("A.K. Schwalbe", 1804, ibid.), na isinulat sa paraang "Rembrandt", ay namumukod-tangi para sa pagpapahayag at dramatikong istruktura ng chiaroscuro. Sa paglipas ng mga taon, ang kanyang kasanayan - na ipinakita sa kakayahang lumikha, una sa lahat, natatangi, indibidwal na katangian ng mga imahe, pagpili ng mga espesyal na paraan ng plastik upang i-highlight ang katangiang ito - ay lumalakas. Puno ng kahanga-hangang sigla: isang larawan ng isang batang lalaki na si A. A. Chelishchev (circa 1810-11), ipinares na mga larawan ng mag-asawang F. V. at E. P. Rostopchin (1809) at V. S. at D. N. Khvostov (1814, lahat - Tretyakov Gallery). Ang artist ay lalong naglalaro sa mga posibilidad ng kulay at liwanag at shadow contrasts, landscape background, at simbolikong detalye (“E. S. Avdulina,” circa 1822, ibid.). Alam ng artista kung paano gumawa ng kahit na malalaking seremonyal na mga portrait na liriko, halos nakakarelaks na (“Portrait of Life Hussar Colonel Evgraf Davydov”, 1809, Russian Museum). Ang kanyang larawan ng batang A.S., na sakop ng makatang kaluwalhatian. Si Pushkin ay isa sa mga pinakamahusay sa paglikha romantikong imahe. Sa Kiprensky, si Pushkin ay mukhang solemne at romantiko, sa isang aura ng mala-tula na kaluwalhatian. "You flatter me, Orestes," bumuntong-hininga si Pushkin, nakatingin sa natapos na canvas. Si Kiprensky ay isa ring birtuoso na draftsman na lumikha (pangunahin gamit ang Italian pencil at pastel technique) ng mga halimbawa ng graphic na kasanayan, kadalasang nahihigitan ang kanyang bukas, kapana-panabik na magaan na emosyonalidad. magagandang portrait. Ito ang mga pang-araw-araw na uri ("The Blind Musician", 1809, Russian Museum; "Kalmychka Bayausta", 1813, Tretyakov Gallery), at ang sikat na serye ng mga larawan ng lapis ng mga kalahok sa Patriotic War ng 1812 (mga guhit na naglalarawan sa E.I. Chaplits, A.R. Tomilova , P. A. Olenina, ang parehong pagguhit kasama ang makata na si Batyushkov at iba pa; 1813-15, Tretyakov Gallery at iba pang mga pagpupulong); ang magiting na simula dito ay nagkakaroon ng tapat na konotasyon. Ang isang malaking bilang ng mga sketch at textual na ebidensya ay nagpapakita na ang artist sa buong kanyang mature na panahon ay nahilig sa paglikha ng isang malaking (ayon sa kanya sa aking sariling salita mula sa isang liham kay A.N. Olenin noong 1834), "isang kamangha-manghang, o, sa Russian, kapansin-pansin at mahiwagang larawan," kung saan ang mga resulta ng kasaysayan ng Europa, pati na rin ang kapalaran ng Russia, ay ilarawan sa alegoriko na anyo. "Mga Mambabasa ng Pahayagan sa Naples" (1831, Tretyakov Gallery) - sa hitsura ay isang larawan lamang ng grupo - sa katunayan mayroong isang lihim na simbolikong tugon sa mga rebolusyonaryong kaganapan sa Europa. Gayunpaman, ang pinakaambisyoso sa mga larawang alegorya ni Kiprensky ay nanatiling hindi natutupad o nawala (tulad ng "Tomb of Anacreon", na natapos noong 1821). Ang mga romantikong paghahanap na ito, gayunpaman, ay nakatanggap ng malakihang pagpapatuloy sa mga gawa ni K. P. Bryullov at A. A. Ivanov.

Ang makatotohanang istilo ay makikita sa mga gawa ni V. .A. Tropinina. Ang mga unang larawan ni Tropinin, na pininturahan sa mga pinipigilang kulay (mga larawan ng pamilya ni Counts Morkov, 1813 at 1815, kapwa sa Tretyakov Gallery), ay ganap pa ring nabibilang sa tradisyon ng Age of Enlightenment: ang modelo ay ang walang kondisyon at matatag na sentro ng imahe sa sila. Nang maglaon, ang kulay ng pagpipinta ni Tropinin ay nagiging mas matindi, ang mga volume ay kadalasang nililok nang mas malinaw at sculpturally, ngunit ang pinakamahalaga, ang puro romantikong pakiramdam ng gumagalaw na elemento ng buhay ay insinuatingly lumalaki, kung saan ang bayani ng portrait ay tila isang lamang. bahagi, isang fragment ("Bulakhov", 1823; "K. G. Ravich" , 1823; self-portrait, circa 1824; lahat ng tatlo - sa parehong lugar). Ganito si A. S. Pushkin sa sikat na larawan noong 1827 (All-Russian Museum of A. S. Pushkin, Pushkin): ang makata, na inilalagay ang kanyang kamay sa isang stack ng papel, na parang "nakikinig sa muse", nakikinig sa malikhaing pangarap, nakapalibot sa larawan na may hindi nakikitang halo. Nagpinta rin siya ng portrait ng A.S. Pushkin. Ang manonood ay ipinakita sa isang tao na matalino mula sa karanasan sa buhay at hindi masyadong masaya. Sa larawan ng Tropinin, ang makata ay kaakit-akit sa isang parang bahay. Ang ilang espesyal na init at kaginhawaan ng lumang-Moscow ay nagmumula sa mga gawa ni Tropinin. Hanggang sa edad na 47, siya ay nasa pagkabihag. Iyon marahil ang dahilan kung bakit ang mga mukha ng mga ordinaryong tao sa kanyang mga canvases ay sariwa, napaka-inspirado. At ang kabataan at alindog ng kanyang "Lacemaker" ay walang katapusan. Kadalasan, ang V.A. Si Tropinin ay bumaling sa paglalarawan ng mga tao mula sa mga tao ("The Lacemaker", "Portrait of a Son", atbp.).

Masining at ideolohikal na paghahanap Russian panlipunang pag-iisip, ang inaasahan ng pagbabago ay makikita sa mga kuwadro na gawa K.P. Bryullov"Ang Huling Araw ng Pompeii" at A.A. Ivanov "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao."

Ang isang mahusay na gawa ng sining ay ang pagpipinta na "Ang Huling Araw ng Pompeii" ni Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). Noong 1830, binisita ng Russian artist na si Karl Pavlovich Bryullov ang mga paghuhukay ng sinaunang lungsod ng Pompeii. Lumakad siya sa mga sinaunang simento, hinangaan ang mga fresco, at sa kanyang imahinasyon ay bumangon ang kalunos-lunos na gabi ng Agosto 79 AD. e., nang ang lungsod ay natatakpan ng mainit na abo at pumice ng nagising na si Vesuvius. Pagkalipas ng tatlong taon, ang pagpipinta na "Ang Huling Araw ng Pompeii" ay gumawa ng isang matagumpay na paglalakbay mula sa Italya hanggang Russia. Nakakita ang artista ng mga kamangha-manghang kulay upang ilarawan ang trahedya ng sinaunang lungsod, na namamatay sa ilalim ng lava at abo ng sumasabog na Vesuvius. Ang larawan ay puno ng mataas na humanistic ideals. Ito ay nagpapakita ng tapang ng mga tao, ang kanilang dedikasyon na ipinakita sa panahon kakila-kilabot na sakuna. Nasa Italy si Bryullov sa isang business trip sa Academy of Arts. Ang institusyong pang-edukasyon na ito ay nagbigay ng mahusay na pagsasanay sa mga diskarte sa pagpipinta at pagguhit. Gayunpaman, malinaw na nakatuon ang Academy sa mga sinaunang pamana at kabayanihan na mga tema. Ang akademikong pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng pandekorasyon na tanawin, theatricality ng kabuuang komposisyon. Ang mga eksena mula sa modernong buhay at ordinaryong mga landscape ng Russia ay itinuturing na hindi karapat-dapat sa brush ng artist. Ang klasiko sa pagpipinta ay tinawag na akademiko. Si Bryullov ay nauugnay sa Academy sa lahat ng kanyang pagkamalikhain.

Siya ay may isang malakas na imahinasyon, isang matalas na mata at isang tapat na kamay - at ipinanganak niya ang mga buhay na nilikha na naaayon sa mga canon ng akademiko. Tunay, sa biyaya ni Pushkin, alam niya kung paano makuha sa canvas ang kagandahan ng isang hubad na katawan ng tao at ang panginginig ng isang sinag ng araw sa isang berdeng dahon. Ang kanyang mga canvases na "The Horsewoman," "Bathsheba," "Italian Morning," "Italian Afternoon," at maraming seremonyal at intimate portrait ay mananatiling walang kupas na mga obra maestra ng Russian painting. Gayunpaman, ang artist ay palaging nakahilig sa malalaking makasaysayang tema, patungo sa paglalarawan ng mga makabuluhang kaganapan kasaysayan ng tao. Marami sa kanyang mga plano sa bagay na ito ay hindi natupad. Hindi kailanman iniwan ni Bryullov ang ideya ng paglikha ng isang epikong canvas batay sa isang balangkas mula sa kasaysayan ng Russia. Sinimulan niya ang pagpipinta na "The Siege of Pskov ng mga Troops of King Stefan Batory." Inilalarawan nito ang kasukdulan ng pagkubkob noong 1581, nang ang mga mandirigma ng Pskov at. Ang mga taong bayan ay nagmamadaling salakayin ang mga Polo na pumasok sa lungsod at itinapon sila sa likod ng mga pader. Ngunit ang pagpipinta ay nanatiling hindi natapos, at ang gawain ng paglikha ng tunay na pambansang makasaysayang mga pagpipinta ay hindi isinagawa ni Bryullov, ngunit sa susunod na henerasyon ng mga artistang Ruso. Ang parehong edad bilang Pushkin, Bryullov outlived kanya sa pamamagitan ng 15 taon. Nagkasakit siya nitong mga nakaraang taon. Mula sa isang self-portrait na ipininta sa oras na iyon, isang mapula-pula na lalaki na may maselan na mga tampok ng mukha at isang kalmado, maalalahanin na tingin ang tumingin sa amin.

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. ang artista ay nabuhay at nagtrabaho Alexander Andreevich Ivanov(1806-1858). Lahat ng aking malikhaing buhay inilaan niya ang ideya ng espirituwal na paggising ng mga tao, na isinasama ito sa pagpipinta na "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao." Sa loob ng higit sa 20 taon ay nagtrabaho siya sa pagpipinta na "The Appearance of Christ to the People," kung saan ipinuhunan niya ang lahat ng kapangyarihan at ningning ng kanyang talento. Sa harapan ng kanyang maringal na canvas, ang matapang na pigura ni Juan Bautista, na itinuro ang mga tao sa papalapit na Kristo, ay nakakuha ng mata. Ang kanyang pigura ay makikita sa malayo. Hindi pa siya dumarating, darating siya, darating talaga siya, sabi ng artista. At ang mga mukha at kaluluwa ng mga naghihintay sa Tagapagligtas ay lumiwanag at lumiliwanag. Sa larawang ito ay ipinakita niya, gaya ng sinabi ni I. E. Repin nang maglaon, "isang inaaping mga tao na naghahangad ng salita ng kalayaan."

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Kasama sa pagpipinta ng Russia ang pang-araw-araw na paksa. Isa sa mga unang kumontak sa kanya Alexey Gavrilovich Venetsianov(1780-1847). Inialay niya ang kanyang trabaho sa paglalarawan ng buhay ng mga magsasaka. Ipinakita niya ang buhay na ito sa isang idealisado, pinalamutian na anyo, na nagbibigay pugay sa noon ay naka-istilong sentimentalismo. Gayunpaman, ang mga kuwadro na gawa ni Venetsianov na "The Threshing Barn", "At the Harvest. Tag-init", "Sa lupang taniman. Spring", "Peasant Woman with Cornflowers", "Zakharka", "Morning of the Landdowner", na sumasalamin sa kagandahan at maharlika ng mga ordinaryong mamamayang Ruso, ay nagsilbi upang pagtibayin ang dignidad ng isang tao, anuman ang kanyang katayuan sa lipunan.

Nagpatuloy ang kanyang mga tradisyon Pavel Andreevich Fedotov(1815-1852). Ang kanyang mga canvases ay makatotohanan, puno ng satirical na nilalaman, na naglalantad sa moralidad ng mangangalakal, buhay at kaugalian ng mga piling tao ng lipunan ("Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier", atbp.). Sinimulan niya ang kanyang landas bilang isang satirical artist bilang isang guards officer. Pagkatapos ay gumawa siya ng nakakatawa, malikot na sketch ng buhay hukbo. Noong 1848, ang kanyang pagpipinta na "Fresh Cavalier" ay ipinakita sa isang akademikong eksibisyon. Ito ay isang matapang na panunuya hindi lamang sa hangal, kampante na burukrasya, kundi pati na rin sa mga tradisyong pang-akademiko. Ang maduming robe na suot ko bida ang pagpipinta ay napakahawig ng isang antigong toga. Tumayo si Bryullov sa harap ng canvas nang mahabang panahon, at pagkatapos ay sinabi sa may-akda, kalahating biro, kalahating seryoso: "Binabati kita, natalo mo ako." Ang iba pang mga pelikula ni Fedotov ("Breakfast of an Aristocrat", "Major's Matchmaking") ay komedyante at satirical din ang kalikasan. Ang kanyang mga huling pagpipinta ay napakalungkot ("Angkla, mas anchor!", "Bao"). Tamang inihambing ng mga kontemporaryo ang P.A. Fedotov sa pagpipinta kasama ang N.V. Gogol sa panitikan. Ang paglalantad sa mga sakit ng pyudal na Russia ang pangunahing tema ng gawain ni Pavel Andreevich Fedotov.

Sa panahon ng paghahari ni Alexander 1, ang sining ng Russia ay umabot sa isang mataas antas ng sining, ang arkitektura ng Russia ay umabot na sa tugatog nito. Sa oras na ito, isang makabuluhang bahagi ng mga natitirang istruktura ng arkitektura ang itinayo sa St. Petersburg, na naging mga monumento ng arkitektura ng klasiko ng Russia. Ito ay: Kazan Cathedral, ang gusali ng Mining Institute (arkitekto A. Voronikhin), Mikhailovsky Palace, Teatro ng Alexandrinsky(architect K. Russia), ang Exchange building (architect J.F. Thomas de Thomon), ang Admiralty (architect Andrei Zakharov), Trinity Cathedral, Transfiguration Cathedral (architect V. Stasov).

Matapos ang tagumpay ng Russia sa Digmaan ng 1812, umunlad ang Russia Estilo ng imperyo, na binuo batay sa "Alexandrovsky classicism". Ang mga pandekorasyon na elemento ng istilo ng St. Petersburg Empire ay binubuo ng mga elemento ng sinaunang kagamitang militar ng Roma (sumusunod sa tradisyon sa istilo ng Imperyong Pranses). Ito ay mga legionary na badge na may mga agila, mga bundle ng sibat, mga palakol, mga bundle ng mga arrow, mga larawan ng mga kalasag; ginamit din ang mga elemento ng sining ng Egypt: palamuti ng Egypt, mga larawan ng sphinx. Ang istilo ng Imperyo ng Russia ay nailalarawan sa pamamagitan ng maputlang dilaw na kulay ng mga gusali at ang puting kulay ng mga haligi, pediment, pilaster, at iba pang mga detalye ng dekorasyong arkitektura (ang mga kulay ng istilo ng Napoleonic Empire ay pula, asul, puti at ginto). Ang nangungunang arkitekto na nagpahayag ng mga ideya ng istilo ng Imperyo ng Russia ay Carl Rossi. Nagtayo siya ng 12 kalye at 13 parisukat sa gitna ng St. Petersburg. Mga nilikha ni K. Rossi: Palasyo Square, Mikhailovsky Palace na may malawak na parke at serbisyo, Alexandrinsky Theater. Mahusay na pinagsama ni Rossi ang mga anyong arkitektura na may sculptural at pictorial na dekorasyon sa labas at loob. Dinisenyo niya ang lokasyon at katangian ng mga relief, painting, statues, drapery, at furniture. Ang palamuti sa interior ay sumunod sa parehong prinsipyo tulad ng panlabas na disenyo. Ang isa sa mga pinakamahusay na halimbawa ng interior ng Empire ay White Hall Palasyo ni Mikhailovsky . Ang kalmado na kaputian ng mga dingding at mga haligi ay nababawasan ng pagtubog ng mga stucco cornice at mga kabisera ng Corinto. Sa itaas ng mga pintuan ay may mga bas-relief na may mga figure ng resting bacchantes, wreaths, garlands at iba pang katangian ng Empire. Ang pagpipinta ng kisame at ang itaas na bahagi ng mga dingding ay pinagsasama ang maraming kulay na pagpipinta, mga pattern ng ginto at grisaille (monochrome painting). Ang ginintuang tono ng parquet at mga pinto ay umaayon sa asul na upholstery ng mga ginintuan na kasangkapan. Ang interior ay kinumpleto ng matataas na floor lamp sa anyo ng mga haligi, chandelier, candelabra, candlestick na gawa sa tanso, bato at kristal. Sa kabila ng lahat ng iba't-ibang, ang panloob na dekorasyon ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pakiramdam ng proporsyon, sa pangkalahatan ay katangian ng istilo ng Imperyo.

Sa mga unang taon ng paghahari ni Emperor Nicholas I, nagpatuloy ang mga aktibidad ng K. Russia at V. Stasov. "Nikolaev Empire" naging huling yugto sa pag-unlad ng klasisismo sa arkitektura ng Russia. Ang mga gusali ng St. Isaac's Square sa St. Petersburg ay nagbibigay ng isang malinaw na ideya ng arkitektura ng panahong ito. Saint Isaac's Cathedral itinayo ayon sa disenyo ng arkitekto na si Auguste Montferrand. Isang malaking gusali, hugis-parihaba ang plano, na pinalamutian sa apat na gilid na may magkaparehong multi-column portico na may mabibigat na pediment na pinalamutian ng matataas na relief. Ang isang ginintuan na simboryo ay tumataas sa itaas ng katedral hanggang sa taas na 101 m, ang drum ay napapalibutan ng isang colonnade na nasa tuktok ng isang balustrade na may mga estatwa. Sa loob ng katedral, ang eskultura, mosaic, at mga kuwadro na gawa (ipininta ng mga pintor ng akademikong klasiko K. Bryullov, F. Bruni, P. Basin) ay may mahalagang papel.

Pagpipinta unang kalahati ng ika-19 na siglo kinakatawan ng iba't ibang direksyon: nagkaroon ng klasisismo, nabuo ang romantikismo.

Ang romantikong Ruso ay hindi isang napakalakas na kilusang masining tulad ng sa France at Germany. Walang matinding pananabik, walang kalunos-lunos na kawalan ng pag-asa.

Sa genre ng portraiture, ipinakita ang romantikismo sa mga gawa ng Orest Kiprensky at Vasily Tropinin.

Si O. Kiprensky ay nagtapos mula sa St. Petersburg Academy of Painting sa klase ng makasaysayang pagpipinta. Sa kanyang kabataan, lumipat siya sa bilog ng malayang pag-iisip na marangal na intelihente. Kilala niya ang mga romantikong makata na sina Batyushkov at Vyazemsky; V. Zhukovsky, at kalaunan si A. Pushkin, ay nag-pose para sa kanya. Sa mga larawan, hinangad ni Kiprensky na ipakita ang iba't ibang aspeto ng pagkatao ng tao at ang espirituwal na mundo ng tao. Para magawa ito, iba ang gamit niya mga diskarte sa pagpipinta. Mula sa klasisismo, kinukuha ni Kiprensky ang ideyalisasyon ng imahe, ngunit nagsusumikap na ipakita ang romantikong paglipad ng kaluluwa. Kabilang sa mga pinakamahalagang gawa ay isang serye ng mga larawan ng mga tauhan ng militar na nakibahagi sa Digmaan ng 1812. (E. Davydova, I. at A. Lanskikh, atbp.). Ang pagpipinta ni Kiprensky ay nakikilala sa pamamagitan ng artistikong kalayaan. Sa isang libreng pose, maingat na nakatingin sa gilid, kaswal na nakasandal sa isang stone slab, nakatayo si Colonel E.B. Davydov (1809, Museo ng Russia). Ang larawang ito ay itinuturing bilang kolektibong imahe bayani ng Digmaan ng 1812, bagaman siya ay medyo tiyak. Ang romantikong kalooban ay pinahusay ng imahe ng isang mabagyo na tanawin, kung saan ipinakita ang pigura. Ang pangkulay ay itinayo sa mga sonorous, kinuha buong lakas mga kulay - pula at ginto at puti at pilak sa mga damit ng hussar - at ang kaibahan ng mga kulay na ito sa madilim na tono ng tanawin. Ang obra maestra ni Kiprensky ay "Portrait of Pushkin" (1827). Ang tunay na anyo ng makata at ang kanyang mukha ay naliwanagan ng inspirasyon. Ang makata ay sumulat tungkol dito: "Nakikita ko ang aking sarili na parang nasa salamin, ngunit ang salamin na ito ay nambobola ako." Sa larawan, lumikha si Kiprensky ng isang kolektibong imahe. Si Kiprensky ay naging tagapagtatag ng mga larawang lapis ng Russia.

Si Vasily Tropinin ay itinuturing na isang romantikong artista (siya ay napalaya mula sa serfdom sa edad na 45). Nabuhay siya ng mahaba, mabungang buhay, tumanggap ng panghabambuhay na pagkilala, titulo ng akademiko, at naging pinaka sikat na artista Moscow portrait school ng 20-30s. Sa mga larawan ni Tropinin walang romantikong salpok ng Kiprensky. Ang pinakamahusay sa mga portrait ni Tropinin ay minarkahan ng mataas na artistikong pagiging perpekto. Ito ay lalo na nakikita sa larawan ng anak ni Arseny, isang hindi pangkaraniwang taos-puso na imahe, ang kasiglahan at spontaneity na kung saan ay binibigyang diin ng mahusay na pag-iilaw: ang kanang bahagi ng pigura, ang buhok ay tinusok, binaha ng sikat ng araw, mahusay na inihatid ng master. Ang hanay ng mga kulay mula sa golden ocher hanggang pink-brown ay hindi pangkaraniwang mayaman; ang malawakang paggamit ng glazes ay nagpapaalala pa rin sa mga nakalarawang tradisyon noong ika-18 siglo.

Bilang isang patakaran, ang imahe ng Tropinin ay ipinakita laban sa isang neutral na background na may isang minimum na mga accessory. Ito ay eksakto kung paano ito inilarawan ni A.S. Tropinin. Pushkin (1827) - nakaupo sa mesa sa isang libreng pose, nakasuot ng damit na pambahay, na binibigyang diin ang pagiging natural ng kanyang hitsura. Sa mga larawan ni Tropinin ay mayroong katapatan ng pagpapahayag, pagiging simple, kawalang-sining, pagiging totoo ng mga karakter, pagiging tunay ng mga pang-araw-araw na detalye. Si Tropinin ay naging tagalikha ng portrait-painting, iyon ay, isang larawan kung saan ipinakilala ang mga tampok ng genre. Ang "Lacemaker", "Spinner", "Guitar Player", "Gold Seamstress" ay karaniwang mga larawang may partikular na plot. Inihahatid ng artista ang panloob na mundo ng kanyang mga bayani.

Romantikong tanawin ipinakita sa mga canvases ni Sylvester Shchedrin. Siya ay nanirahan sa ibang bansa pagkatapos ng Academy of Arts, pininturahan ang mga daungan sa Sorrento, ang mga pilapil ng Naples, iba't ibang uri lungsod ng Roma. Inihahatid ng artista ang lahat sa kumplikadong pakikipag-ugnayan liwanag-hangin na kapaligiran, ay gumagamit ng silver-gray na mga kulay na may mga hit ng pula (sa kinakalawang na mga dahon mga puno ng taglagas, sa mga damit, atbp.) Ang kanyang mga pintura: “Ang dalampasigan sa Sorrento na may tanawin ng isla. Capri", "Tingnan ang Naples sa gabing naliliwanagan ng buwan".

Ang romantikismo sa pagpipinta ng landscape ay pinaka-malinaw na kinakatawan ng gawa ni Alexei Venetsianov (isang mag-aaral ng Borovikovsky). Ang kanyang mga pintura ay naglalarawan ng isang matahimik buhay magsasaka: “Sa lupang taniman. Spring", "Sa pag-aani. Tag-init", "Umaga ng May-ari ng Lupa", "Mga Tagagapas". Naghatid ng tula si Venetsianov buhay bayan, ito ang romantic charm ng kanyang mga paintings. Hindi ibinunyag ni Venetsianov ang pinaka matinding kontradiksyon modernong buhay Ang magsasaka ng Russia, ay hindi nagtaas ng "matitinik na isyu" sa ating panahon. Ito ay isang patriarchal idyllic na buhay. Sa mga kuwadro na "walang nangyayari", ang mga bayani ay static, ngunit ang tao ay palaging nakikiisa sa kalikasan, sa walang hanggang gawain, at ginagawa nitong tunay na monumental ang mga imahe ni Venetsianov.

Ang makasaysayang pagpipinta ng Russia noong 30-40s ng ika-19 na siglo ay binuo din sa ilalim ng tanda ng romantikismo. Si Karl Bryullov ang pintor na nakahanap ng kompromiso sa pagitan ng mga mithiin ng klasisismo at ng mga inobasyon ng romantikismo. Pagkatapos ng Academy of Arts siya ay nanirahan sa Italya, pagkatapos ng isang paglalakbay sa Pompeii ay nagtrabaho siya sa kanyang pangunahing gawain, "Ang Huling Araw ng Pompeii" (1830-1833). Nagpakita ng isang tunay na kaganapan ng sinaunang kasaysayan - ang pagkamatay ng lungsod sa panahon ng pagsabog ng Mount Vesuvius noong 79. AD (laging historikal ang mga tema sa klasisismo). Ang tema ng kamatayan ay katangian ng romantikismo; kahit na sa kamatayan, ang isang tao ay nananatiling maganda: iniligtas ng isang binata ang kanyang minamahal, tinakpan ng ina ang kanyang anak, inalis ng artista ang mga pintura, ngunit iniwan ang nawasak na lungsod, sinubukan niyang makuha ang kakila-kilabot. paningin. Ipinakita ng artista ang kadakilaan at dignidad ng tao sa harap ng kamatayan. Ginagawa ang magagandang pag-iilaw gamit ang mga romantikong epekto.

Si Alexander Ivanov ay isang sentral na pigura sa pagpipinta noong kalagitnaan ng siglo. Pagkatapos ng Academy of Arts nanirahan siya sa Italya, 1.5 buwan bago siya namatay ay bumalik siya sa kanyang tinubuang-bayan. Pangunahing larawan- "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao." Nagtagal si Ivanov sa paggawa ng gawaing ito. Naniniwala siya sa ideya ng makahulang tadhana ng artista sa mundong ito, naniniwala siya sa pagiging perpekto ng isang taong naghahanap ng kalayaan at katotohanan. Ipinakita niya ang espirituwal na pananaw ng mga taong nakakita kay Jesus, at sa gayon ay ipinahayag ang ideya ng pagpapaunlad ng moralidad ng sangkatauhan. Ang pag-aari ng larawang ito sa romantikismo ay pinagtatalunan: walang dramatikong balangkas, walang dinamika ng pagkilos, walang nagngangalit na hilig, kulay at mga epekto ng liwanag. Kasabay nito, ang ideya at pangkalahatang plano ay walang alinlangan na romantiko: ang tawag ni Juan Bautista at ang pangangaral ni I. Si Kristo ay dapat na gumising sa mga tao ng Judea mula sa "mga siglo ng katahimikan."

Paglililok.

Noong 1838, natanggap ni P.K. K. Klodt ang titulong akademiko at hinirang na propesor ng iskultura sa Academy of Arts.

Peter Klodt – natatanging iskultor, na lumikha ng mga sculptural na grupo ng mga kabayo. Pinalamutian nila ang Anichkov Bridge mula sa St. Petersburg, Grand Theater(quadriga kasama si Apollo sa pediment ng teatro). Ang engrandeng pagbubukas ng tulay na may mga eskultura ni Klodt ay naganap noong Nobyembre 20, 1841, na may malaking pulutong ng mga humahangang madla.

Sa una sa mga gawaing ito, ang kabayo ay bumangon, siya ay nasasabik, ang kanyang mga butas ng ilong ay namumula, siya ay nagsisikap na makatakas, ngunit ang batang karwahe ay pinigilan siya at tinakpan siya ng isang kumot. Sa pangalawa, ang kabayo ay nasasabik pa rin, ngunit sinunod ang lalaki, ang binata ay umakay sa kanya sa tabi niya - naka-bridled, nakasapatos at nakatalukbong ng kumot. Lumahok si P.K. Klodt sa dekorasyon ng mga interior ng St. Isaac's Cathedral (high relief na "Christ in Glory"). Siya ang may-akda ng monumento sa I.A. Krylov sa Summer Garden sa St. Petersburg, mga estatwa ni Saint Vladimir sa Kyiv. Ang huli sa kanyang mga dakilang gawa ay isang monumento sa kanyang patron, Emperor Nicholas I ng St. Petersburg.

Ang pangunahing kilusan ay nasa direksiyon ng realismo, ngunit iginiit nito ang sarili sa paglaban sa awtoritatibong klasisismo na kinakatawan ng Akademya at samakatuwid ay nagtagumpay nang mas huli kaysa sa panitikan. Habang si Pushkin ay naging "Makata ng Reality" sa edad na 25-26, ang pagpipinta ng Russia ay nahirapan na pagtagumpayan ang hindi gumagalaw na impluwensya ng nakaraang panahon. Sa una, ang bagong pagpipinta ng Russia ay nauugnay sa romantikismo.
Orest Adamovich Kiprensky (1782 – 1836)
Ang artist na ito ay nakatayo sa pinagmulan ng pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo. Ang kanyang sining ay nakikilala sa pamamagitan ng simbuyo ng damdamin at salpok, ang pagnanais na ihatid ang paggalaw ng panloob na buhay. Hinanap niya ang kahanga-hanga sa isang tao, inilarawan ang mga bayani sa kanilang pinakamahusay na mga sandali, ipinarating ang kakayahang madama, ang pagnanais na mamuhay ng isang espirituwal na buhay. Ang pinakamagandang bahagi ng kanyang trabaho ay ang mga larawan ng huling bahagi ng 1800-1810s. Hinanap ni Kiprensky ang mga pagmuni-muni ng perpekto sa mga mukha ng mga tao. Interesado siya sa taong walang kinalaman serbisyo publiko naninirahan sa globo ng mga pribadong interes, sa mundo ng mga damdamin.
Mga larawan: larawan ni Evgraf Davydov (1809), larawan ng isang batang lalaki na si Chelishchev (1808 – 1809), larawan ng makata na si V. A. Zhukovsky (1816). Ang mga pangunahing pamamaraan ng pagpipinta ay ang mga sumusunod:
matalim na kaibahan ng liwanag at anino, kung minsan ay malapit na gradasyon ng mga kalapit na kulay. Nakararami ang pula, asul at puti ang bumubuo sa pangunahing pagkakatugma ng kulay. Ang bawat mukha ni Kiprensky ay natatangi; tungkol sa isang bayani ay masasabi nating siya lamang. Ito ay isang tampok ng romantikismo.
Karamihan sikat na larawan Ang brushed by Kiprensky ay nilikha noong 1827. Ito larawan ng A. S. Pushkin, tungkol sa kung saan ang lahat ng malapit sa akin ay nagsabi na ito ay mas malapit kaysa sa iba sa orihinal.

Sylvester Shchedrin (1791 – 1830)
Landscape ng romanticism. Pagkatapos ng isang paglalakbay sa Italya, inalis ni Shchedrin ang akademikong patina at nakakuha ng kalayaan. Siya ay gumugol ng 10 taon doon, naranasan ang pamumulaklak ng kanyang pagkamalikhain at namatay bago siya makabalik sa kanyang sariling bayan. Nagpinta siya ng mga tanawin ng Italyano. Ang kalikasan sa kanyang mga canvases ay lumilitaw na nagliliwanag, masaya, nakakalasing. Ang mga kulay ay kumikinang. Ang tao at kalikasan ay bumubuo ng batayan ng kanyang pananaw sa mundo. Sinundan ni Shchedrin ang parehong landas tulad ng Constable sa England at Corot sa France. Ang gawain ay buksan ang panloob na buhay sa pagiging naaayon sa kalikasan. Si Shchedrin ang naging unang Russian artist na nagtrabaho sa open air - plein air. "Bagong Roma", "Shore sa Sorrento na may tanawin ng isla ng Capri".
Hinanap ni Shchedrin ang katotohanan ng liwanag at hangin, ang kanilang pakikipag-ugnayan, at pinagkadalubhasaan ang mga batas ng plein air. Pinalayas niya ang "kayumanggi" na tono ng museo. Nagustuhan ko ang malamig na pilak at kulay abo. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, bumalik ang artista sa mga maiinit na pintura. "Terrace sa tabi ng dagat".

Ang nagtatag ng pang-araw-araw na genre. Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780 – 1847).
Isang simpleng empleyado, isang surveyor ng lupa, ang nagpinta sa simula ng ika-19 na siglo. Lumipat siya mula sa Moscow patungong St. Petersburg, kumuha ng mga aralin mula sa Borovikovsky. Si Venetsianov ay malapit sa mga progresibong bilog ng lipunan. Ang kanyang pag-ukit ay nagsasalita tungkol dito "Maharlika". Sa pagliko ng 10-40s. Natuklasan ni Venetsianov ang pang-araw-araw na genre, nakakuha ng isang maliit na ari-arian sa lalawigan ng Tver at nagsimulang ilarawan ang mundo ng mga magsasaka.
Siya ay nahaharap sa gawain ng paglalarawan ng liwanag na bumubuhos mula sa iba't ibang mapagkukunan, na nagpapakita ng mga magsasaka sa iba't ibang posisyon. Nakita niya ang mga tula sa pinakakaraniwang bagay, sa buhay ng nayon. Dito siya ay malapit kay Pushkin. Walang espesyal na nangyayari sa mga painting ni Venetsianov. Ang aksyon ay karaniwang monosyllabic. Ang artista ay hindi naglalarawan ng mga salungatan. Ang lalaki sa kanyang mga canvases ay inilalarawan na napapalibutan ng kalikasan. Si Venetsianov ang unang nakatuklas ng kagandahan katutubong kalikasan. Pinakamahusay na mga likha ni Venetsianov “Sa lupang taniman. Spring", "Sa Pag-aani, Tag-init".

Karl Pavlovich Bryullov (1799 – 1852)
Ang parehong edad bilang Pushkin, Bryullov madalas na magkakapatong sa mahusay na makata sa kanyang trabaho. Ngunit kung mabilis na lumipat si Pushkin mula sa romantikismo sa isang makatotohanang paraan, sa "tula ng katotohanan," kung gayon maaari lamang pagsamahin ni Bryullov ang malamig na kasanayan sa akademiko sa isang romantikong saklaw, lalo na sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta. Naghahanap siya ng perpekto, maliwanag at masaya, ngunit hindi sumunod sa mahihirap na landas sa sining. Pagkatapos ng Bryullov Academy, gaya ng palaging nangyayari sa mga pinakamahusay na nagtapos, natapos siya sa Italya. Sa mga pagpipinta ng 20s sa mga paksa ng unang panahon, mula sa Italian Renaissance, mula sa Bibliya, nangingibabaw ang mga elemento ng dekorasyon at panlabas na ningning. Noong 30s, lumitaw ang isang trahedya na pang-unawa sa buhay. Sa oras na ito, ang sentral na plano ni Bryullov ay tumatanda na.
"Ang Huling Araw ng Pompeii" (1830 - 1833)
Noong 30s Lumilikha si Bryullov ng isang bilang ng mga seremonyal na larawan. Siya ay naging isang hindi pangkaraniwang naka-istilong artista, binaha ng mga order. Nagsusumikap si Bryullov na makuha ang isang tiyak na kahanga-hangang sandali. Ito ay "Rider"- Ang mag-aaral ng Countess Samoilova ay si Jovanina.
Noong 40s ang artista ay naghahanap ng sikolohikal na pagpapahayag. Kahanga-hanga "Larawan sa Sarili" 1848 na ipininta ng pintor pagkatapos ng malubhang karamdaman. Sa harap natin ay isang pagod, bigo, pagod sa mundong lalaki. Ang larawang ito ay malayo sa malamig na akademiko. Ito ay nakasulat sa isang libreng paraan, ang brushstroke ay malawak, hindi makinis, na nagsasalita ng hinaharap ng Russian art.

Alexander Ivanov (1806 – 1858)
Siya ay isang taong may pambihirang lakas ng pag-iisip, pagkatao, isang "gintong kaluluwa", na marunong mag-alaga ng mga mahal sa buhay, at sa parehong oras ay napakahigpit sa buhay bahay. Siya ay isang tunay na makata at hinamak ang lahat ng panlabas na epekto at benepisyo. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng isang napakalaking, walang hanggan na pag-ibig para sa kanyang tinubuang-bayan, isang pangarap ng pagtaas nito. Isang walang katapusang pagkauhaw para sa pagpapabuti ng sarili, patuloy na pag-unlad ng sarili, kawalang-kasiyahan sa kanyang sarili - lahat ng ito ay ginawa siyang isang kakaibang maliwanag na personalidad. Si Alexander Ivanov ay pinahahalagahan nina Herzen at Ogarev, Chernyshevsky, ang kanyang kaibigan ay si N.V. Gogol.
Si Ivanov ay ipinanganak sa St. Petersburg sa pamilya ng isang artista. Nagtapos siya sa Academy at noong 1830 ay dumating sa Italya, sa Roma. Babalik lamang siya isang buwan at kalahati bago siya mamatay at magdadala ng “Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao.” Ang mga gawain na itinakda ni Ivanov para sa kanyang sarili ay naging mas kumplikado sa lahat ng oras. Una gusto niyang maunawaan ang paaralang Italyano at ang espiritu nito, pagkatapos ay ikonekta ang relihiyon at mitolohiya sa mga problema ng mabuti at masama.
"Ang Pagpapakita ni Kristo kay Magdalena"- unang diskarte sa bagong gawain, higit sa lahat ay pang-akademiko.
"Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao."
Mula 1836 hanggang 1848 isinulat ni Ivanov ang kanyang pangalawa at pangunahing gawain. Sa katunayan, ipinagpatuloy niya ito hanggang sa kanyang kamatayan. Ang canvas na ito ay puno ng kamangha-manghang mga pakinabang: ang paglalarawan ng kalikasan at mga tao, mga karakter, emosyonal na pagpapakita, paggalaw ng puso, ang ideya mismo ay napakatalino - upang ilarawan ang katotohanang ipinahayag sa mga tao at ang pag-asa para sa kaligtasan. Hindi ipinakilala ni Ivanov ang mga figure ng tao o genre motif sa kanyang mga sketch. Pilosopikal at historikal ang kanyang mga tanawin. Naka-on "Daan ng Appian" ang daan kung saan may mga krus na may mga ipinako sa krus na alipin pagkatapos ng pag-aalsa ng Spartacus ay ipinakita. Sa isang sangay na kumikinang sa araw, naramdaman ni Ivanov ang Uniberso. Pagkatapos ng 1848, pagkatapos ng mga rebolusyon sa Europa, huminto ang pera mula sa Russia. Namatay si tatay. Hindi na makumpleto ni Ivanov ang larawan sa paraang gusto niya. At ang kanyang mga bagong plano ay mas dakila: isang cycle ng mga pagpipinta sa Bibliya sa dingding ng isang espesyal na gusali. Ang mga sketch ay nagiging mas malaya. Napalaya mula sa mga labi ng akademiko. Ngunit, tulad ni Michelangelo, Bazhenov, Rodin, hindi napagtanto ni Ivanov ang lahat ng kanyang mga plano. Si Ivanov ay hindi nakatanggap ng pagkilala sa Russia, ngunit ang kanyang trabaho ay may malaking papel sa pag-unlad ng lahat ng sining ng Russia noong ika-19 na siglo.
Pavel Andreevich Fedotov. (1815 – 1852)
Ang kasaganaan at kamatayan nito ay naganap noong 40s. Ang ika-19 na siglo ay ang panahon ng tagumpay ng reaksyon ni Nicholas. Kalunos-lunos ang kapalaran ng artista, na nagbayad ng mataas na presyo para sa pagiging unang matapang na sumilip sa mga tampok ng buhay ng Russia. Nagtapos siya sa Moscow cadet corps, napunta sa Finnish Guards Regiment sa St. Petersburg, karamihan sa kanyang buhay ay konektado sa hukbo ng Russia. Kung hindi dahil sa kaalamang ito sa kapaligiran ng hukbo, hindi niya maipinta nang tumpak ang imahe ng kanyang major sa sikat na larawan. Sa hukbo, si Fedotov ay naging interesado sa pagguhit, karikatura, sketching, at madalas na gumuhit ng kanyang mga kaibigan, araw-araw na mga eksena sa militar, mga paglalakbay sa mga kampo ng militar ng tag-init, atbp. Nag-aral siya ng pagpipinta sa kanyang sarili at nagsimulang kumuha ng mga aralin sa Academy. Ang kanyang kahanga-hangang mga guhit ay kilala: "Ang Bunga ng Kamatayan ni Fidelka", "Ang Asawa ng Isang Nalinlang na Asawa", Isang Batang Babae na Naakit ng Isang Opisyal sa Tabi ng Higaan ng Isang Inang May Sakit." Ang mismong mga pangalan ng mga gawang ito ay nagpapaalala sa natural na paaralan. sa panitikan, ang kahulugan nito ay isang direktang paglalarawan ng pinakakaraniwang aspeto ng buhay ng Russia. Ngunit si Fedotov ay hindi bahagi ng bilog ng mga manunulat na nauugnay sa ideologist natural na paaralan- Belinsky. Tinahak niya ang sarili niyang landas. Noong 40s Sinimulan ni Fedotov na subukan ang kanyang kamay sa pagpipinta ng langis. Sinisiyasat niya ang kakanyahan ng buhay, ang kanyang mga gawa ay nagiging mas trahedya.
Nilikha ni Fedotov ang kanyang pinakamahalagang mga pagpipinta mula 1846 hanggang 1852. Ang bawat isa sa kanyang mga pintura ay isang milestone sa landas sa isang bagong sistema ng artistikong pag-unawa sa katotohanan.
"Fresh Cavalier" 1846. Isang naghahayag na ideya ang ipinakita.

"Major's Matchmaking" 1848
Ito ang tugatog ng pagkamalikhain ni Fedotov. Ang kakanyahan ng sikat na pagpipinta ay isang imahe ng isang mundo ng panlilinlang, kasinungalingan, kasal, na, siyempre, ay lumilitaw bilang isang ordinaryong transaksyon. Ang mundo sa mga canvases ng artist ay nagiging mas nakakatakot. Ang mga bagay ay baluktot at lumalabas ang malakas na pagpapahayag. Nawawala ang satire sa larawan "Balong babae", kung saan ipinakita ni Fedotov ang kanyang sarili sa isang larawan ng namatay na asawa ng babae.
"Mga Manlalaro" 1852. Ang eksena ay halos hindi totoo, hindi kapani-paniwala. Di-nagtagal, nagkasakit si Fedotov sakit sa pag-iisip at natapos ang kanyang mga araw sa isang mental hospital. Siya ay inilibing sa sementeryo ng Alexander Nevsky Lavra sa St. Si Fedotov mismo, tulad ng isinulat ng kritiko na si Stasov, ay malamang na magugulat kung malaman niya na ang kanyang mga paghahanap ay napunta sa parehong direksyon tulad ng mga paghahanap para sa pinakamahusay. Mga artistang Pranses Ika-19 na siglo, na nagbibigay daan para sa makatotohanang kilusan. Para sa lakas ng loob kung saan siya ay sumilip sa katotohanan ni Nikolaev, nagbayad siya ng mataas na presyo, ngunit ang kanyang mga nagawa, ang kabigatan na hindi agad naiintindihan ng mga akademiko, ay naghanda ng lupa para sa mga Russian realist artist - ang Wanderers.

Ang landas ng artistikong kultura ng Russia, na nagsisimula sa klasisismo, ay tumakbo sa unang kalahati ng ika-19 na siglo sa pamamagitan ng romantikismo tungo sa realismo. Ang mga pintor na sumunod sa mahusay na tinahak na mga landas ng klasisismo, na nakakuha ng isang akademikong konotasyon sa pagpipinta sa simula ng ika-19 na siglo, ay hindi umabot sa mataas na taas. Totoo, lubos na pinahahalagahan ng kanilang mga kontemporaryo ang kanilang sining; ang makasaysayang genre kung saan sila nagtrabaho ay itinuturing na pinakamataas sa Academy. Totoo, ang ilang mga pagbabago ay naganap sa makasaysayang pagpipinta. Binubuo sila sa katotohanan na ang mga pambansang tema ay nakakakuha ng higit at higit na timbang.

Isa sa mga pinakatanyag na makasaysayang pintor ng simula ng siglo Andrey Ivanov - ama ng dakilang Alexander Ivanov - madalas na nakatuon ang kanyang mga gawa sa mga bayani mula sa sinaunang Kasaysayan Russia - Mstislav Udaloy o isang batang residente ng Kiev. Isa pang unang bahagi ng ika-19 na siglong artista Dmitry Ivanov Inialay ang kanyang pagpipinta kay Marfa Posadnitsa, na noon, sa isipan ng mga progresibong tao noong unang bahagi ng ika-19 na siglo, ay isang pare-parehong manlalaban para sa mga freemen ng Novgorod. Mga makasaysayang karakter sa lahat ng mga gawaing ito sila ay kumilos bilang mga tunay na bayani. Ang kanilang mga pagsasamantala ay dapat na magsilbing dahilan para sa paghahambing ng kasaysayan sa modernidad.

Gayunpaman, ang makasaysayang pagpipinta ay hindi sumulong sa anumang makabuluhang paraan kumpara sa mga masters ng huling bahagi ng ika-18 siglo.

Ang klasiko bilang isang direksyon sa kulturang sining ng Russia ay nakakakuha na ngayon ng isang malakas na resonance ng sibil. SA siyentipikong panitikan ang panahong ito ay karaniwang tinatawag na mataas na klasisismo.

Mataas na klasisismo masasalamin sa pagpipinta, ngunit dito mas naging mabunga ang pagnanais ng mga artista na ilapit ang sining sa buhay. Ang katangian ng mga pintor sa panahong ito ay isang romantikong paninindigan ng kagandahan ng natatangi, indibidwal, at hindi pangkaraniwan.

Isa sa mga artista na tumayo sa pinagmulan ng ika-19 na siglong sining ay Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) . Kung sa mga sukat ng kasaysayan ay inilalagay natin, sa isang banda, ang lahat ng mga kuwadro na gawa ng mga makasaysayang pintor, at sa kabilang banda, maraming mga larawan ng Kiprensky, kung gayon ang huli ay walang alinlangan na mas matimbang. Sila ang nagsasabi sa atin tungkol sa panahong iyon; naglalaman ang mga ito ng kaluluwa ng mga taong iyon. Naglalaman ang mga ito ng kagandahan ng kaguluhan at salpok, ang pagnanais para sa dinamika ng panloob na buhay. Hindi nasisiyahan si Kiprensky sa katotohanan sa paligid niya; hinanap niya ang kahanga-hangang prinsipyo sa tao, na naglalarawan sa kanyang mga bayani sa kanilang pinakamagagandang sandali, na inihahatid ang kanilang kakayahang madama, ang kanilang pagnanais na mamuhay ng isang espirituwal na buhay. Ang mga karakter ni Kiprensky ay sumilip sa mundo at ipinagkatiwala ang kanilang sarili sa kanilang kausap. Hindi nagkataon na ang mga larawang ito ay inihahambing minsan sa mga patula na mensahe sa isang kaibigan - na may ganoong genre tula ng liriko, na laganap noong pre-Pushkin at Pushkin times.

Natuklasan ni Kiprensky hindi lamang ang mga bagong katangian ng tao, kundi pati na rin ang mga bagong posibilidad para sa pagpipinta. Ang bawat isa sa kanyang mga larawan ay may sariling espesyal na istraktura ng larawan. Ang ilan ay binuo sa isang matalim na kaibahan ng liwanag at anino. Sa iba, ang pangunahing paraan ng larawan ay isang banayad na gradasyon ng mga kulay na malapit sa isa't isa. Ang iba't ibang mga pagpapakita ng malikhaing mukha ng artist ay kabilang din sa bagong edad - ang romantikong konsepto ng malikhaing.

Ang romantikong Ruso sa unang yugto nito ay kinakatawan ng isang pintor ng landscape Sylvester Shchedrin(1791-1830) . Nagsimula siya sa isang oras na nagkaroon ng ilang pagwawalang-kilos sa landscape ng Russia: ang pandekorasyon na tanawin ng ika-18 siglo ay nakumpleto ang pag-unlad nito, at ang mga umuusbong na uso sa liriko na interpretasyon ng kalikasan ay pinalitan ng protocol na mahigpit at pagkatuyo ng pagpipinta ng video at klasiko. eskematiko. Ang artista ay gumugol ng higit sa sampung taon sa Italya, na noon ay naisip ng mga artista at makata ng Russia bilang isang "lupaang pangako." Doon niya naranasan ang pamumulaklak ng kanyang pagkamalikhain; namatay siya roon bago siya makabalik sa sariling bayan. Ang mga ito ay pinakamahusay na mga taon ang kanyang maikling buhay at malikhaing gawain na puno ng mga pakikipagsapalaran. Si Shchedrin ay nagpinta ng mga tanawin ng Italyano. Ang Italya, na may kaakit-akit, kahanga-hangang kalikasan, ay tila sa kanya lamang ang lugar kung saan ang isang landscape artist ay maaaring at dapat lumikha. Ang kalikasan ni Shchedrin ay laging dakila, nagniningning na may masayang kulay; ito ay nakalalasing sa isang tao, nagdudulot sa kanya ng matamis na pakiramdam ng kaligayahan. Tila nahuhulaan ang isa sa "dolce far niente" na iyon ("magandang katamaran"), na sa mata ng mga Ruso ang tunay na batayan ng buhay Italyano. Ang landas sa gayong pag-unawa sa kalikasan ay binuksan sa artist sa pamamagitan ng mga bagong romantikong ideya tungkol sa relasyon sa pagitan ng tao at ng kanyang likas na kapaligiran; Ang kalikasan pala ay may kakayahang sugpuin ang tao sa napakalaking kadakilaan nito o buksan ang panloob na buhay nito para umiral siyang magkasama.

V.A. Tropinin (1776-1857) ipinakita sa pamamagitan ng kanyang trabaho ang isang unti-unti, at hindi biglaan, tulad ng kay Kiprensky, na lumipat mula ika-18 hanggang ika-19 na siglo. Pinagtibay ni Tropinin ang mga tradisyon ng sentimentalismo ni Borovikovsky at karaniwang ginagamit ang pamana ng ika-18 siglo, na lalong kapansin-pansin sa maagang mga gawa("Babae mula sa Podol").

Gayunpaman, sa lalong madaling panahon itinatag ng artist ang kanyang sariling prinsipyo ng interpretasyon ng tao. Ang kanyang mga larawan noong 20-30s, i.e. heyday, ay nagpapahiwatig na ng isang ganap na independiyenteng makasagisag na konsepto. Ang Tropinin ay maaaring ituring na antipode ng Kiprensky. Ang mga larawan ng master ng Moscow ay palaging simple, "homely". Walang partikular na panloob na kaguluhan sa kanyang mga bayani. Ngunit kumilos sila nang maluwag at mahinahon. Ang artist na may mahusay na spontaneity ay nakikita at naihatid ang mga tampok ng modelo at ang kapaligiran kung saan naninirahan ang modelong ito. Sa mga larawang ito ay mayroong katotohanan ng mga tauhan at katotohanan ng kapaligiran. Nagpapakita sila ng interes sa partikular na kapaligiran ng isang tao, sa kanyang pananamit, sa isang tiyak na minarkahang sandali kung saan nahayag ang partikular na kalagayang ito ng isang tao. Kasabay nito, ang mga portrait na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng mataas na pictorial merito: ang malambot na pagmomodelo ng lakas ng tunog, na sinamahan ng pagkakaisa ng tonal, ay hindi pumipigil sa Tropinin na makita ang halaga ng mga independiyenteng katangian ng kulay at ang kagandahan ng texture. Ang lahat ng mga tampok na ito ay makikita sa mga larawan ng kanyang anak (c. 1818), Bulakhov (1823), Ravich (1825), Zubova (1834), atbp.

Ang interes ng artist sa kapaligiran, sa kapaligiran kung saan nakatira ang mga tao, ay humantong sa kanya sa isang espesyal na uri ng pagpipinta kung saan ang larawan ay pinagsama sa genre. Sa maraming "Lacemakers", "Gold seamstresses", "Guitarists", bilang panuntunan, mayroong isang typified portrait na larawan at sa parehong oras, muling nililikha ng artista ang isang tiyak na aksyon, kahit na hindi malabo at simple. Sa mga gawang ito, ang koneksyon ni Tropinin sa sentimentalist na pamana ng mga nakaraang pintor ay lalong malinaw, ngunit ang mga imahe ni Tropinin ay higit na nauukol sa genre, patungo sa pang-araw-araw na prinsipyo.

Ang pagkamalikhain ni Tropinsky ay higit na tinutukoy ang mga tiyak na tampok ng Moscow ng pagpipinta. Si Tropinin ay isang sentral na pigura sa pagpipinta ng Moscow. Kahit na siya mismo ay hindi nagtuturo, ang mga guro at estudyante ng Moscow School ay ginabayan ng karanasan ni Tropinin at ang kanyang tradisyon ay nagpatuloy hanggang sa katapusan ng ika-19 na siglo.

Ang tunay na tagapagtatag ng pang-araw-araw na genre sa pagpipinta ng Russia ay Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) . Ang mga larawan ng lapis, pastel at langis na ginawa ni Venetsianov noong unang dekada ng siglo ay may maagang romantikong karakter. Pagkatapos ang artist ay lumiliko sa karikatura at pang-araw-araw na sketch.

Sa pagliko ng 10-20s ng ika-19 na siglo, natagpuan ni Venetsianov ang kanyang sarili sa pang-araw-araw na genre. Ang kanyang pinakamahusay na mga gawa ay nilikha noong 20s ("Gumno"). Sinimulan niyang kunin ang pinaka-ordinaryong phenomena ng buhay bilang mga paksa para sa kanyang mga pagpipinta: mga magsasaka na nagbabalat ng mga beet, isang may-ari ng lupa na nagbibigay sa kanyang mga aliping babae ng "aralin" para sa araw, isang pastol na batang lalaki na natutulog sa tabi ng isang puno, isang eksena ng pag-aararo, pag-aani at paggawa ng hay. Sa wakas, lumikha siya ng mga larawan ng mga magsasaka - ang batang si Zakharka, isang matandang lalaki, isang batang babae na may mga cornflower. Niluwalhati ng artista ang mga ordinaryong tao, nang hindi nag-iisip tungkol sa mga kontradiksyon ng buhay ng magsasaka, sinusubukan, una sa lahat, upang makahanap ng mga tula sa mismong mga pundasyon ng buhay sa nayon ng kanyang panahon.

Pinakamahalaga mga kontemporaryo na nakakabit sa makasaysayang pagpipinta. Ang pagpipinta na "Ang Huling Araw ng Pompeii" (1830-1833) ay malawak na kilala. Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) ; Binati siya ni Gogol, inilaan ni Pushkin ang ilang mga linya sa kanya. Sa silaw ng kidlat na tumatagos sa makapal na ulap, sa matinding kaibahan ng liwanag at anino, naisip ng artista ang pagkamatay ng mga naninirahan sa sinaunang Pompeii sa panahon ng pagsabog ng Vesuvius. Ang kahanga-hangang kagandahan ng tao at ang hindi maiiwasang kamatayan ng kanyang kamatayan ay narito sa isang malagim na kontradiksyon. Romantikong karakter ay katangian din ng karamihan sa mga larawan ni Bryullov (“Self-Portrait” 1848).

Ang pinakadakilang master makasaysayang larawan noon Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858) , isang artista kung saan, ayon kay Chernyshevsky, "isang matinding pagkauhaw sa katotohanan" ay pinagsama sa "kadalisayan ng kaluluwa ng sanggol." Isang taong may pambihirang katalinuhan, si Ivanov ay masigasig na kumbinsido sa mahusay na makasaysayang hinaharap ng mga mamamayang Ruso. Sa kanyang mga gawa ay hinangad niyang maunawaan ang mga elemento mga kilusang popular sa kasaysayan, inaasahan ang marami sa mga paghahanap ng makatotohanang pagpipinta ng Russia sa mga sumusunod na dekada.

Sa kalagitnaan ng siglo, sa panahon nina Belinsky at Gogol, ang pagkakalantad ng mga bisyo ng buhay panlipunan ay nauna sa visual arts. Ang mga graphic na Ruso - mapanukso at mapanlinlang na mga ilustrasyon ng libro at magazine - ang unang nagsimula sa kilusang ito. Sumunod ang pagpipinta. Ang satirical na direksyon sa pagpipinta ay ang pinakamaliwanag iniharap ni Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) . Ang kanyang mga painting madilim na panig Ang katotohanang Ruso, ay naglatag ng pundasyon para sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo.