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Zuschauerfähigkeiten, und ihre Bedeutung für den modernen Menschen Kunst spricht klarer, konkreter, schöner – was jeder gerne sagen würde, aber nicht kann. Kunst ist wie ein Leitstern, der den Weg für diejenigen erleuchtet, die nach vorne streben, dem Licht entgegen, besser und perfekter werden wollen. Das ist die wahre Bedeutung der Kunst... Das ist es, was die Künste dazu dienen, die Möglichkeit für Wissen, Gutes und Böses, zu bieten. Kunst verfälscht oder ersetzt die reale Welt nicht, sondern erklärt sie, erweitert sie und führt sie fort.

Wermeer von Delft Jan (niederländischer Maler. Der größte Meister des niederländischen Genres und Landschaftsmalerei. Die überwiegende Mehrheit der uns überlieferten Gemälde Vermeers sind Genreskizzen. Ihre Themen sind typisch: ein kleiner Teil des Raumes, Frauen, die in bestimmte Aktivitäten vertieft sind: Liebesbriefe lesen und schreiben, Schmuck betrachten, Musik spielen, mit Herren kommunizieren usw.

FEDOTOV Pavel Andreevich (), Maler. Während seines Dienstes in einem Garderegiment in St. Petersburg interessierte sich Fedotov für das Zeichnen und fertigte seine eigenen Zeichnungen an wichtige Schritte Auf dem Weg zur Beherrschung der Fähigkeiten eines Künstlers nahm er Malunterricht bei Lehrern der St. Petersburger Akademie der Künste, aber etwas ganz Besonderes Kunstunterricht nicht gehabt. Fedotov begann seine kreative Tätigkeit mit der Karikatur. Nach seiner Pensionierung schilderte er die Ereignisse des Alltags in satirischer, oft grotesker Form. Sein erstes bedeutendes Gemälde war ein kleines Genrewerk, Konsequenz aus dem Tod Fidelkas (1844). Fedotov wird in der russischen Malerei Gogol genannt. In kleinen Gemälden prangerte, bewunderte, lachte und weinte Fedotov im Gogolschen Stil. Der Inhalt der Gemälde enthüllt nicht die dargestellten Charaktere als solche, sondern die Umstände und Lebensbedingungen dieser Zeit. Seine Gemälde und Zeichnungen zeichnen sich durch Harmonie in Komposition und Farbgebung aus. Fedotov gilt als Begründer des kritischen Realismus in der russischen bildenden Kunst. Meilensteine ​​auf Fedotovs Weg zum kritischen Realismus waren seine Gemälde: Frischer Herr(1847), The Picky Bride (1847), The Major's Matchmaking (1848). Fedotovs spätere Werke spiegelten Gefühle der Melancholie und Einsamkeit wider: Witwe, Anker, ein weiterer Anker usw. (185–152). Fedotov illustrierte die Werke zeitgenössischer Schriftsteller, insbesondere F. M. Dostojewski.

Keinem der europäischen Künstler des 19. Jahrhunderts wurde ein so grandioser Triumph zuteil, der dem jungen russischen Maler Karl Pawlowitsch Brjullow widerfuhr, als er Mitte 1833 mit dem gerade fertiggestellten Gemälde „Der letzte Tag“ die Türen seiner römischen Werkstatt für die Betrachter öffnete von Pompeji.“ Wie Byron hatte er das Recht, über sich selbst zu sagen, dass er eines schönen Morgens berühmt aufgewacht ist. Das Wort „Erfolg“ reicht nicht aus, um die Einstellung zu seinem Bild zu charakterisieren. Es gab etwas Offensichtlicheres – das Bild löste beim Publikum eine Explosion der Freude und Bewunderung für den russischen Künstler aus, der es offenbar entdeckt hatte neue Seite in der Geschichte der Weltkunst.

der sein Vermögen verschwendet hat, aber nach äußerer Pracht und Leben zur Schau strebt. Auf der Leinwand sehen wir einen jungen Mann – einen verarmten Aristokraten – in einem luxuriösen Interieur. Er frühstückt und blättert in einem Buch mit gelbem Einband. Die gezeigte Inszenierung zeigt den Moment vor dem Erscheinen des Gastes im Raum. Der Hund machte sich schon Sorgen, die Tür wollte schon knarren... Der Lärm überraschte den jungen Mann. Verwirrt und ungeschickt versucht er, die Beweise seiner Sorgen mit einem Buch zu vertuschen – einem kümmerlichen Frühstück, bestehend aus einer Scheibe Schwarzbrot. Das Gemälde hat eine sehr ausdrucksstarke Komposition. Fedotov schildert die Welt, in der der Aristokrat lebt – eine gespenstische Welt der Illusionen. Meisterhaft zeichnet er das Innere des Raumes: einen Teppich unter den Füßen eines jungen Dandys, leuchtende Gemälde an der Wand, einen polierten Tisch aus seltenem Holz, einen eleganten Sessel. An Accessoires spart der Autor nicht – wir sehen einen Korb in Form einer antiken Vase, eine Figur, eine Lampe mit Spitzenlampenschirm und eine umgedrehte leere Brieftasche. Der Vergleich zwischen der Welt der teuren Dinge und dem Helden selbst hat einen Hauch von Komik. Vor dem Hintergrund der vom Künstler liebevoll dargestellten objektiven Umgebung treten Eitelkeit und kleinliche Eitelkeit noch stärker in den Vordergrund und zwingen den Helden, sein Wesen zu verbergen. So stellt Fedotov in dem Film „Das Frühstück eines Aristokraten“ mit einer gehörigen Portion Ironie und Humor anschaulich die menschlichen Schwächen dar – Heuchelei, der Wunsch, für den Schein zu leben, Armut unter dem Deckmantel äußerer Glanz.

Wort und Bild. Die Künste sind zeitlich und räumlich.

Die sichtbare Seite der Realität, ein sichtbares künstlerisches Bild.

Illustration als eine Form der Beziehung zwischen einem Wort und einem Bild.

Unabhängigkeitsillustration. Die Sichtbarkeit literarischer Ereignisse und die Fähigkeit der Illustration, die tiefe Bedeutung eines literarischen Werks, den Stil des Autors, die Stimmung und Atmosphäre des Werks sowie die Einzigartigkeit des Verständnisses des Künstlers dafür auszudrücken, seine Einstellung dazu Thema der Geschichte. Berühmte Illustratoren Bücher.

Übung: wählen Literarische Arbeit und eine Reihe interessanter Episoden daraus; Sammeln Sie das zur Veranschaulichung erforderliche Material (Art der Kleidung der Charaktere, Art von Gebäuden und Räumlichkeiten, charakteristische Haushaltsdetails usw.); Erstellen Sie Skizzen zukünftiger Illustrationen und führen Sie sie aus.

Material: grafische Materialien (optional) oder Gouache, Aquarell, Pinsel, Papier.
^ Thema. Zuschauerfähigkeiten und ihre Bedeutung für den modernen Menschen

Die Sprache der Kunst und Ausdrucksmittel. Das Konzept des „künstlerischen Bildes“.

Unterschiedliche Ebenen des Verständnisses der Arbeit bildende Kunst: Subjektebene und Handlungsebene; Grad der emotionalen Einschätzung, Empathie; das Niveau der Wertvorstellungen des Künstlers über die Welt als Ganzes, über den Zusammenhang von Phänomenen, über das Schöne und das Hässliche.

Komposition als Konstruktion der Wirklichkeit im Bildraum. Bau des gesamten Werkes. Visuelle und semantische Organisation des Bildraumes. Visuelle und semantische Organisation des Bildraumes. Figurativität als Ausdruck sinnlicher Empfindungen und Erfahrungen von Lebensphänomenen. Dekorativität als Eigenschaft und Ausdrucksmittel in einem Kunstwerk.

Die Persönlichkeit des Künstlers, seine schöpferische Stellung und die Welt seiner Zeit in einem Kunstwerk. Der persönliche Charakter der Entstehung und Wahrnehmung von Kunstwerken.

Die kreative Natur der Zuschauerwahrnehmung. Wahrnehmungskultur als die Fähigkeit, persönliche Zuschauererlebnisse aufzubauen. Kunstwerke sind Glieder der kulturellen Kette.

Übung: eine tiefere und systematischere analytische Analyse von Werken der bildenden Kunst.
^ Thema. Kunstgeschichte und Menschheitsgeschichte. Stil und Richtung in der bildenden Kunst

Historischer und künstlerischer Prozess in der Kunst. Stil als künstlerischer Ausdruck der Wahrnehmung der Welt, charakteristisch für Menschen einer bestimmten Welt Kulturzeitalter; die Struktur der Kunst einer bestimmten Epoche, eines Landes. Wechselnde Bilder verschiedener Epochen und die Variabilität der Kunstsprache.

Beispiele für verschiedene große Stile: Gotischer Stil mittelalterliches Europa, Stil des muslimischen Ostens, Renaissance, Barock und Klassizismus, Jugendstil.

Richtungen in der Kunst der Neuzeit. Eine Richtung als ideologische Vereinigung von Künstlern, die den Zweck und die Methoden ihrer Kunst genau verstehen. Die Richtung wird jedoch nicht zur allgemeinen Norm künstlerische Kultur seiner Zeit.

Impressionismus und Postimpressionismus. Die Wanderer. „Welt der Kunst“. Beispiele künstlerische Richtungen 20. Jahrhundert.

Übung: Analyse von Werken unter dem Gesichtspunkt der Zugehörigkeit zu ihrem Stil und ihrer Richtung.
^ Thema. Größte Museen Schöne Künste und ihre Rolle in der Kultur

Museen der Welt: Tretjakow-Galerie in Moskau, der Eremitage und dem Russischen Museum in St. Petersburg, dem Puschkin-Museum der Schönen Künste in Moskau, dem Louvre in Paris, Bildergalerie Alte Meister in Dresden, Prado in Madrid, Metropolitan in New York.

Jedes Museum hat seine eigene Entstehungsgeschichte. Die Prinzipien, nach denen nationale Museumssammlungen zusammengestellt wurden, beeinflussten maßgeblich das Verständnis der Menschen für Werte in Kunst und Kunst weitere Entwicklung Kunst (zum Beispiel: die Rolle der Tretjakow-Galerie bei der Bildung einer besonderen Persönlichkeit der russischen Malerei).

Wissen über Russische Museen sollte durch die Vertrautheit mit den örtlichen Museen ergänzt werden. Die Liste der ausländischen Museen kann geändert und ergänzt werden.

Arbeiten Sie an einem Projekt (Einzelperson oder Zusammenarbeit, mit einer Gruppe von Studenten arbeiten; Implementierungsprojekt während des gesamten Quartals).

Projektarbeit.

Auswahl und Begründung des Themas.

Konzept und Entwicklung von Skizzen.

Diskussion und Verteidigung der Projektidee.

Materialsammlung.

Entwicklung und Verfeinerung der Idee.

Ausführung des Projekts im Material.

Material: nach Wahl der Studierenden entsprechend der Idee und dem Inhalt des künstlerisch-gestalterischen Vorhabens.
^ AUSBILDUNG KÜNSTLERISCHER WISSEN, FÄHIGKEITEN UND KOMPETENZEN
Studierende sollten wissen:

Über das Genresystem in der bildenden Kunst und seine Bedeutung für die Analyse der Entwicklung der Kunst und das Verständnis von Veränderungen im Weltbild und damit in der Art und Weise seiner Darstellung;

Über die Rolle und Geschichte thematisches Bild in der bildenden Kunst und ihren Genretypen (Alltags- und historische Genres, mythologische und biblische Themen in der Kunst);

Über den Arbeitsprozess des Künstlers an einem Gemälde, über die Bedeutung jeder Phase dieser Arbeit, über die Rolle von Skizzen und Skizzen;

Über Komposition als Integrität und figurative Struktur eines Werkes, etwa kompositorischer Aufbau Werk, über die Rolle des Formats, über die ausdrucksstarke Bedeutung der Größe des Werks, über die Beziehung zwischen dem Ganzen und dem Detail, über die Bedeutung jedes Fragments und seine metaphorische Bedeutung;

Über die poetische Schönheit des Alltags, die sich in den Werken von Künstlern offenbart; über die Rolle der Kunst bei der Bestätigung der Bedeutung jedes Moments im Leben eines Menschen, für das Verständnis und das Gefühl eines Menschen für seine Existenz und die Schönheit der Welt;

Über die Rolle der Kunst bei der Schaffung von Denkmälern zu Ehren großer historische Ereignisse; über den Einfluss des vom Künstler geschaffenen Bildes auf das Verständnis historischer Ereignisse;

Zur Rolle künstlerischer Bilder der bildenden Kunst beim Verstehen ewige Themen Leben, in der Schöpfung Kultureller Kontext zwischen Generationen, zwischen Menschen;

Zur Rolle der künstlerischen Illustration;

Über die poetische (metaphorische) Übersetzung der Wirklichkeit in allen Gattungen der bildenden Kunst; über den Unterschied zwischen Handlung und Inhalt im Film; über die Rolle konstruktiver, visueller und dekorativer Prinzipien in Malerei, Grafik und Skulptur;

die bedeutendste Reihe großer Kunstwerke zur Geschichte und Kunst biblische Themen in europäischer und heimischer Kunst; die besondere kulturelle und bauliche Rolle russischer thematischer Gemälde des 19. und 20. Jahrhunderts verstehen.

^ Die Studierenden sollten eine Idee haben:

Über das Historische künstlerischer Prozess, über sinnvolle Veränderungen im Weltbild und seinen Ausdrucksweisen, über die Existenz von Stilen und Tendenzen in der Kunst, über die Rolle der schöpferischen Individualität des Künstlers;

Über den komplexen, widersprüchlichen und ereignisreichen Weg der russischen und weltweiten bildenden Kunst im 20. Jahrhundert.

^ Im Gange praktische Arbeit Die Schüler müssen:

Erwerben Sie grundlegende Fähigkeiten zur Darstellung der Proportionen und Bewegungen der menschlichen Figur aus dem Leben und aus der Darstellung;

Lernen Sie, Mal-, Zeichen- und Modelliermaterialien auf einem altersgerechten Niveau zu beherrschen;

Entwickeln Sie Beobachtungsfähigkeiten, die Fähigkeit, das umgebende tägliche Leben zu visualisieren, und bilden Sie Sensibilität und Aktivität bei der Wahrnehmung der Realität;

Sammeln Sie kreative Erfahrungen bei der Erstellung thematischer Kompositionen, indem Sie künstlerisches und pädagogisches Material sammeln und formen Position des Autors zum gewählten Thema und auf der Suche nach einer Möglichkeit, es auszudrücken;

Erwerben Sie die Fähigkeit, Ihre eigenen Erfahrungen mit den Kontexten der künstlerischen Kultur in Zusammenhang zu bringen.

^ ERLÄUTERUNGEN
Der Arbeitslehrplan wurde auf der Grundlage der föderalen Komponente des Landes entwickelt Bildungsstandard hauptsächlich Allgemeinbildung in Kunst, ein ungefähres Programm der allgemeinen Grundbildung, basierend auf dem Konzept des Programms des Autors G. P. Sergeeva, I. E. Kashekova, E. D. Kritskaya „Kunstklassen 8-9“, Autoren des Programms „Musikklassen 1-7. Art. 8-9 Klassen“; „Bildende Kunst Klassen 5-9“, Autor des Programms N.D. Nemensky N.D., Moskau, Bildung, 2012.

Dieses Programm ist auf zwei Studienjahre ausgelegt – in den Klassen 8 und 9. Nach Lehrplan In den Jahrgangsstufen 8-9 sind 70 Stunden für das Fach „Kunst“ vorgesehen, davon 1 Stunde pro Woche.

Ziele x Kunstpädagogik und ästhetische Bildung in der Grundschule:

Entwicklung der emotionalen und ästhetischen Wahrnehmung der Realität, künstlerisch Kreativität Schüler, figuratives und assoziatives Denken, Fantasie, visuell-figuratives Gedächtnis, Geschmack, künstlerische Bedürfnisse;

Förderung einer Kultur der Wahrnehmung von Werken der bildenden, dekorativen und angewandten Kunst, Architektur und Design, Literatur, Musik, Kino, Theater; Beherrschung der Bildsprache dieser Künste basierend auf der kreativen Erfahrung von Schulkindern;

Bildung eines nachhaltigen Interesses an Kunst, der Fähigkeit, ihre historischen und nationalen Besonderheiten wahrzunehmen;

Erwerb von Kenntnissen über Kunst als Mittel zur emotionalen und praktischen Beherrschung der umgebenden Welt und ihrer Transformation; Ö Ausdrucksmittel ah und soziale Funktionen von Musik, Literatur, Malerei, Grafik, dekorativer und angewandter Kunst, Bildhauerei, Design, Architektur, Kino, Theater;

Beherrschung der Fähigkeiten verschiedener künstlerischer Aktivitäten; Bereitstellung von Möglichkeiten zur kreativen Selbstdarstellung und Selbstbestätigung sowie zur psychologischen Linderung und Entspannung durch die Mittel der Kunst.

^ Zweck des Programms- Entwicklung der Erfahrung einer emotionalen und wertebasierten Haltung gegenüber Kunst als soziokultureller Form der Welterkundung mit Auswirkungen auf den Einzelnen und die Gesellschaft.

Aufgaben Durchführung dieses Kurses:

Aktualisierung der bestehenden Erfahrungen der Studierenden mit Kunst;

Kulturelle Anpassung von Schulkindern an den modernen Informationsraum voller verschiedener Phänomene der Massenkultur;

Bildung einer ganzheitlichen Vorstellung von der Rolle der Kunst im kulturellen und historischen Prozess der menschlichen Entwicklung;

Vertiefung künstlerischer und kognitiver Interessen und Entwicklung der intellektuellen und kreativen Fähigkeiten von Jugendlichen;

Bildung des künstlerischen Geschmacks;

Erwerb kulturell-kognitiver, kommunikativer und sozialästhetischer Kompetenz;

Bildung von Fähigkeiten und Fertigkeiten der künstlerischen Selbstbildung.

Informations- und Computertechnologien sowie Audio- und Videomaterialien sollten bei der Gestaltung von Unterrichts- und außerschulischen Formen der Arbeit mit Studierenden von besonderer Bedeutung sein.

Beim Studium einzelner Themen des Studiengangs sehr wichtig hat eine Niederlassung interdisziplinär Verbindungen zum Unterricht in Literatur, Geschichte, Biologie, Mathematik, Physik, Technik, Informatik. Das Wissen der Studierenden über die wichtigsten Arten und Genres von Musik, räumlicher (plastischer) Kunst und Filmkunst, ihre Rolle in der kulturellen Entwicklung der Menschheit und die Bedeutung für das Leben eines Einzelnen wird dazu beitragen, die wichtigsten Phänomene der häuslichen und häuslichen Kunst zu bewältigen ausländische Kunst, finde das Beste heraus bedeutende Werke; die Phänomene der umgebenden Welt und Kunstwerke ästhetisch bewerten und über sie urteilen; den Inhalt und die Bildsprache von Werken analysieren verschiedene Typen und Kunstgattungen; wenden in ihrem Schaffen künstlerische und ausdrucksstarke Mittel verschiedener Künste an.

Das vom Programm empfohlene ungefähre künstlerische Material setzt seine variable Verwendung im Bildungsprozess voraus und ermöglicht die Aktualisierung von Wissen, Fähigkeiten und Methoden Kreative Aktivitäten, erworben von Studierenden in früheren Ausbildungsstufen in Fächern des künstlerischen und ästhetischen Zyklus.

Anhand spezifischer Kunstwerke (Musik, bildende Kunst, Literatur, Theater, Kino) zeigt das Programm die Rolle der Kunst im Leben der Gesellschaft und des Einzelnen, die Gemeinsamkeit der Ausdrucksmittel und die Besonderheiten jedes einzelnen von ihnen auf.

^ Ergebnisse der Beherrschung des Studiengangs „Kunst“.

Das Studium der Kunst und die Organisation pädagogischer, künstlerischer und kreativer Aktivitäten im Lernprozess bieten persönliche, soziale, kognitive, Kommunikationsentwicklung Studenten. Der emotionale und spirituelle Bereich der Schüler wird bereichert, Wertorientierungen und die Fähigkeit zur Lösung pädagogischer, künstlerischer und kreativer Probleme werden gebildet; Der künstlerische Geschmack wird gepflegt, Vorstellungskraft, figuratives und assoziatives Denken werden entwickelt, der Wunsch, an gesellschaftlich bedeutsamen Aktivitäten, an Kunstprojekten der Schule, kulturellen Veranstaltungen der Region usw. teilzunehmen.

Durch die Beherrschung der Studieninhalte wird die intellektuelle und emotionale Entwicklung der Persönlichkeit des Studierenden harmonisiert, ein ganzheitliches Weltbild gebildet, eine fantasievolle Wahrnehmung entwickelt und durch ästhetische Erfahrung und Beherrschung von Methoden des kreativen Selbstausdrucks, Wissen und Selbsterkenntnis werden verwirklicht.

^ Betreffergebnisse Die Kurse im Studiengang „Kunst“ sind:

Beherrschung/Aneignung von Kunstwerken als spirituelle Erfahrung von Generationen; Verständnis der Bedeutung der Kunst, ihres Platzes und ihrer Rolle im menschlichen Leben; Respekt vor der Kultur eines anderen Volkes;

Kenntnis der Grundgesetze der Kunst; Beherrschung der Besonderheiten des künstlerischen Bildes, der Merkmale der künstlerischen Ausdrucksmittel, der Sprache verschiedener Kunstgattungen;

Anhaltendes Interesse an verschiedenen Arten pädagogischer und kreativer Aktivitäten, künstlerische Traditionen seines Volkes und der Errungenschaften der Weltkultur.

^ Grundschulabsolventen lernen:

Phänomene der künstlerischen Kultur wahrnehmen verschiedene Nationen Welt, um den Platz der häuslichen Kunst darin zu erkennen;

Künstlerische Bilder verstehen und interpretieren, im System navigieren Moralvorstellungen in Kunstwerken präsentiert, Schlussfolgerungen und Schlussfolgerungen ziehen;

Beschreiben Sie die Phänomene der Musik- und Kunstkultur unter Verwendung geeigneter Terminologie;

Strukturieren Sie das untersuchte Material und die aus anderen Quellen erhaltenen Informationen. Fähigkeiten und Fertigkeiten in jeder Art künstlerischer Tätigkeit anwenden; kreative Probleme lösen.

Metasubjekt Das Ergebnis des Kunststudiums sind beherrschte Handlungsmethoden, die bei der Lösung von Problemen in realen Lebenssituationen anwendbar sind:

Vergleich, Analyse, Verallgemeinerung, Herstellung von Zusammenhängen und Beziehungen zwischen kulturellen Phänomenen;

Arbeiten mit unterschiedlichen Informationsquellen, Streben nach eigenständiger Kunstvermittlung und künstlerischer Selbstbildung;

Kulturell-kognitive, kommunikative und sozialästhetische Kompetenz.

Interdisziplinäre Verbindungen.

Das Programm untersucht verschiedene Phänomene der Musikkunst und deren Wechselwirkung mit künstlerischen Bildern anderer Künste: Literatur – Prosa und Poesie, Bildende Kunst – Malerei und Bildhauerei, Architektur und Grafik, Buchillustrationen usw., Theater - Oper und Ballett, Operette und Musical, Rockoper sowie Kino.

^ Anforderungen an den Grad der Studierendenvorbereitung:

Die Absolventen lernen:

• 
  Navigieren Sie durch die kulturelle Vielfalt der umgebenden Realität, beobachten Sie verschiedene Phänomene des Lebens und der Kunst in pädagogischen und außerschulischen Aktivitäten, unterscheiden Sie zwischen wahren und falschen Werten;
• 
  Organisieren Sie Ihre kreative Tätigkeit, legen Sie ihre Ziele fest, wählen Sie Wege aus und setzen Sie sie in die Praxis um;
• 
  in Bildern denken, Vergleiche und Verallgemeinerungen anstellen, einzelne Eigenschaften und Qualitäten eines ganzheitlichen Phänomens hervorheben;
• 
  Nehmen Sie ästhetische Werte wahr, äußern Sie eine Meinung über die Vorzüge von Werken der hohen und populären Kunst, erkennen Sie assoziative Zusammenhänge und erkennen Sie ihre Rolle bei kreativen und darstellenden Aktivitäten.

• 
  ein entwickelter ästhetischer Sinn, der sich in einer emotionalen und wertebasierten Einstellung zur Kunst und zum Leben manifestiert;
• 
  Verwirklichung des kreativen Potenzials im Prozess kollektiver (oder individueller) künstlerischer und ästhetischer Tätigkeit bei der Verkörperung (Erstellung) künstlerischer Bilder;
• 
  Einschätzung und Selbsteinschätzung künstlerischer und gestalterischer Fähigkeiten; Fähigkeit, einen Dialog zu führen und die eigene Position zu vertreten.

• 
  ansammeln, erschaffen und die Werte von Kunst und Kultur vermitteln (und Sie bereichern). persönliche Erfahrung Emotionen und Erfahrungen im Zusammenhang mit der Wahrnehmung und Aufführung von Kunstwerken); spüren und verstehen Sie Ihr Engagement in der Welt um Sie herum;
• 
  die kommunikativen Qualitäten der Kunst nutzen; agieren Sie unabhängig bei der individuellen Durchführung pädagogischer und kreativer Aufgaben und arbeiten Sie im Projektmodus, indem Sie mit anderen Menschen interagieren, um gemeinsame Ziele zu erreichen; bei gemeinsamen Aktivitäten Toleranz zeigen;
• 
  am künstlerischen Leben der Klasse, Schule, Stadt usw. teilnehmen; den Prozess und die Ergebnisse der eigenen Aktivitäten analysieren, bewerten und mit der Aufgabenstellung in Beziehung setzen.

Der Lehrplan sieht die Entwicklung allgemeinbildender Fähigkeiten und Fertigkeiten der Studierenden, universeller Handlungsweisen und Schlüsselkompetenzen vor.

Beherrschung der Inhalte der allgemeinen Grundbildung im Fach „Kunst“ fördert:

• 
  Entwicklung der Vorstellungen der Schüler über das künstlerische Weltbild;
• 
  ihre Beherrschung der Methoden der Beobachtung, des Vergleichs, der Gegenüberstellung und der künstlerischen Analyse;
• 
  Verallgemeinerung der gewonnenen Eindrücke über die untersuchten Phänomene, Ereignisse im künstlerischen Leben des Landes;
• 
  Erweiterung und Bereicherung der Erfahrung bei der Durchführung pädagogischer und kreativer Aufgaben und beim Finden origineller Lösungen, angemessene Wahrnehmung der mündlichen Sprache, ihrer intonation-figurativen Ausdruckskraft, intuitive und bewusste Reaktion auf den figurativen und emotionalen Inhalt von Kunstwerken;
• 
  Verbesserung der Fähigkeit, die eigene Einstellung zum untersuchten künstlerischen Phänomen in verbaler und nonverbaler Form zu formulieren, (direkt oder indirekt) mit einem Kunstwerk, seinem Autor, mit Schülern, mit einem Lehrer in Dialog zu treten;
• 
  den eigenen Standpunkt in Bezug auf die untersuchten Kunstwerke, auf Ereignisse im künstlerischen Leben des Landes und der Welt formulieren und anhand konkreter Beispiele bestätigen;
• 
  Erwerb von Fähigkeiten und Fertigkeiten für die Arbeit mit verschiedenen Informationsquellen.

• 
  Studierende beherrschen die Fähigkeiten und Fertigkeiten zur Überwachung und Bewertung ihrer Aktivitäten;
• 
  Bestimmung des Umfangs Ihrer persönlichen Vorlieben, Interessen und Bedürfnisse sowie Neigungen zu bestimmten Arten von Aktivitäten;
• 
  Verbesserung der Fähigkeit, die eigenen Aktivitäten mit den Aktivitäten der Schüler und Lehrer zu koordinieren und die eigenen Fähigkeiten zur Lösung kreativer Probleme einzuschätzen.

^ Anforderungen an den Vorbereitungsstand der Schüler der Klassen 8-9:

Der Kunstunterricht in der Grundschule sollte den Schülern die Möglichkeit bieten:

• 
  haben ein Verständnis für die Genres und Stile der klassischen und zeitgenössische Kunst, Merkmale der künstlerischen Sprache und der musikalischen Dramaturgie;
• 
  anhand charakteristischer Ausdrucksmittel feststellen, ob Kunstwerke zu einer der Gattungen gehören;
• 
  Kennen Sie die Namen herausragender Russen und ausländische Komponisten, Künstler, Bildhauer. Regisseure usw. erfahren ihre bedeutendsten Werke;
• 
  über ein bekanntes Werk nachdenken und Urteile über die Hauptidee, die Mittel zu ihrer Umsetzung, Intonationsmerkmale, Genre, Form und Interpreten äußern;
• 
  Geben Sie eine persönliche Einschätzung der im Unterricht und außerhalb der Schule gespielten Musik ab und begründen Sie ihre Einstellung zu bestimmten musikalischen Phänomenen.
• 
  Volkslieder und moderne Lieder sowie bekannte Melodien studierter klassischer Werke aufführen;
• 
  erfüllen kreative Aufgaben, an Forschungsprojekten teilnehmen;
• 
  Nutzen Sie das im Unterricht erworbene Wissen über Musik und Musiker, Künstler beim Zusammenstellen einer Heimmusikbibliothek, Videobibliothek usw.

^ KURSINHALT

VIII. KLASSE

DESIGN UND ARCHITEKTUR IM MENSCHLICHEN LEBEN (19)
Design und Architektur zählen zu den konstruktiven Künsten unter den Raumkünsten.

Visuell - plastische Sprache und ästhetischer Inhalt von Design und Architektur. Ihr Platz in der Familie der Raumkünste, ihre Beziehung zur bildenden und dekorativen Kunst.

Architektur als Spiegelbild gesellschaftlicher Einstellungen und ästhetischer Ideale jedes Jahrhunderts, jeder Nation in Form von häuslichen, öffentlichen und kulturellen Gebäuden, die Rolle der Architektur bei der Organisation des räumlich-strukturellen Umfelds der Stadt, das maßgeblich die Lebensweise bestimmt Menschen. Design ist eine logische Fortsetzung des Beitrags des Künstlers zur Gestaltung einer ewig objektiven Umgebung. vom Menschen geschaffene Welt: von Kleidung, Möbeln, Geschirr bis hin zu Autos, Werkzeugmaschinen usw.

Design und Architektur als Schöpfung der „zweiten Natur“, der vom Menschen geschaffenen Umwelt unseres Lebensraumes. Die Vielfalt des modernen Material- und Bekleidungsumfelds. Die Einheit von Zweckmäßigkeit und Schönheit, Funktionalität und Kunst in den besten Beispielen architektonischer und gestalterischer Kreativität. Individuelle und kollektive praktische Arbeit.
^ Abschnitt 1: Künstler – Design – Architektur.

Grundlagen der Komposition in der konstruktiven Kunst. Harmonie, Kontrast und emotionale Ausdruckskraft einer flächigen Komposition oder „Lasst uns Ordnung ins Chaos bringen!“

Farbe ist ein Element kompositorischer Kreativität. Freie Formen: Linien und Flecken.

Buchstabe – Zeile – Text. Die Kunst des Typs.

Wenn Text und Bild zusammenpassen. Kompositorische Grundlagen des Layouts in der Druckgestaltung.
^ Abschnitt 2: In der Welt der Dinge und Gebäude. Die künstlerische Sprache der konstruktiven Künste. Objekt und Raum
Vom flachen Bild bis zum dreidimensionalen Layout.

Wechselbeziehung von Objekten in einem architektonischen Grundriss.

Konstruktion: Teil und Ganzes.

Farbe in Architektur und Design
^ Abschnitt 3: Stadt und Leute. Die gesellschaftliche Bedeutung von Design und Architektur im menschlichen Leben
Eine Stadt im Wandel der Zeiten und Länder

Stadt heute und morgen

Sache in der Stadt und zu Hause.

Urban design. Gestaltung der räumlichen und materiellen Umgebung des Innenraums.

Sie sind Architekt.
^ Abschnitt 4: Der Mensch im Spiegel von Design und Architektur. Lifestyle und individuelles Design
Mein Zuhause ist meine Lebensart.

Das Interieur, das wir schaffen.

Modekultur und wir.
^ Abschnitt 5: Genrevielfalt der Musik

Das Lied ist das demokratischste Genre der Musikkunst. Besonderheit Liedmusik.

Verschiedene Genres von Volksliedern.

Spirituelle und weltliche Liedkunst.

Entwicklung der Tanzmusik.

Tanz, seine Bedeutung im menschlichen Leben.

Merkmale der Marschmusik. Vielfalt an Genres.

März, seine Bedeutung im menschlichen Leben.
^ Abschnitt 6: Musikstil – Cameron-Ära
Musikrichtung.

Musik der Renaissance.

Musik des Barock.

Musik der Klassik.

Musik der Romantik.

Musik der Ära des Realismus.

Neoklassizismus und klassische Avantgarde.

Traditionen und Innovation in der Musik.

^ LEHRPLAN – THEMATISCHER PLAN

Abschnitt 1: ARCHITEKTUR UND DESIGN – KONSTRUKTIVE KÜNSTE IN EINER REIHE DER RAUMKÜNSTE.

^ Die Welt, die den Menschen erschafft

KÜNSTLER – DESIGN – ARCHITEKTUR. DIE KUNST DER KOMPOSITION – DIE GRUNDLAGE VON DESIGN UND ARCHITEKTUR (5 Stunden)

Die Entstehung von Architektur und Design in unterschiedliche Bühnen gesellschaftliche Entwicklung. Design und Architektur als Schöpfer der „zweiten Natur“, der vom Menschen geschaffenen Umwelt unseres Lebensraums. Die Einheit von Zweckmäßigkeit und Schönheit,

funktional und künstlerisch.

Komposition als Grundlage für die Umsetzung eines Plans in jeder kreativen Tätigkeit. Flächenkomposition im Design. Kompositionselemente im Grafikdesign: Punkt, Linie, Farbe, Buchstabe, Text und Bilder. Basic Kompositionstechniken: Suche nach Gleichgewicht (Symmetrie und Asymmetrie, dynamisches Gleichgewicht), Dynamik und Statik, Rhythmus, Farbharmonie. Rhythmus und Statik, Bewegung, in der Musik.

Verschiedene Formen des Grafikdesigns, seine künstlerisch-kompositionellen, visuell-psychologischen und sozialen Aspekte.

Zuschauerfähigkeiten und ihre Bedeutung für den modernen Menschen(1 Stunde)

Die Sprache der Kunst und Ausdrucksmittel. Das Konzept des „künstlerischen Bildes“.

Verschiedene Ebenen des Verständnisses eines Kunstwerks: Subjektebene und Handlungsebene; Grad der emotionalen Einschätzung, Empathie; das Niveau der Wertvorstellungen des Künstlers über die Welt als Ganzes, über den Zusammenhang von Phänomenen, über das Schöne und das Hässliche.

Die Persönlichkeit des Künstlers, seine schöpferische Stellung und die Welt seiner Zeit in einem Kunstwerk. Der persönliche Charakter der Entstehung und Wahrnehmung von Kunstwerken.

Die kreative Natur der Zuschauerwahrnehmung. Wahrnehmungskultur als die Fähigkeit, persönliche Zuschauererlebnisse aufzubauen. Kunstwerke sind Glieder der kulturellen Kette.

Aufgabe: eine tiefere und systematischere analytische Analyse von Werken der bildenden Kunst.

Sichtweite: Rückkehr zu Werken, die Sie bereits aus früheren Lektionen kennen.

Kunstgeschichte und Menschheitsgeschichte.

Stil und Richtung in der bildenden Kunst (2 Stunden)

Historischer und künstlerischer Prozess in der Kunst. Stil als künstlerischer Ausdruck der Wahrnehmung der Welt, charakteristisch für Menschen einer bestimmten Kulturepoche; die Struktur der Kunst einer bestimmten Epoche, eines Landes. Wechselnde Bilder verschiedener Epochen und die Variabilität der Kunstsprache. Beispiele für verschiedene große Stile: der gotische Stil des mittelalterlichen Europas, der Stil des muslimischen Ostens, die Renaissance, der russische Stil des 17. Jahrhunderts, Barock und Klassizismus, Moderne.

Richtungen in der Kunst der Neuzeit. Eine Richtung als ideologische Vereinigung von Künstlern, die den Zweck und die Methoden ihrer Kunst genau verstehen. Die Richtung wird jedoch nicht zur allgemeinen Norm der künstlerischen Kultur ihrer Zeit.

Impressionismus und Postimpressionismus. Die Wanderer. „Welt der Kunst“. Beispiele künstlerischer Bewegungen des 20. Jahrhunderts.

Aufgabe: Analyse von Werken unter dem Gesichtspunkt ihres Stils und ihrer Richtung.

Das visuelle Spektrum geht nicht über die Grenzen bereits bekannter Arbeiten aus früheren Kursen hinaus.

Die Persönlichkeit des Künstlers und die Welt seiner Zeit in Kunstwerken(2 Stunden)

Gespräch. Die Beziehung zwischen dem Universellen und dem Persönlichen in der Kunst. Der Stil des Autors und die Steigerung der kreativen Freiheit und der ursprünglichen Initiative des Künstlers. Art Direction und kreative Individualität Künstler.

Große Künstler der Kunstgeschichte und ihre Werke.

Ein ganzheitliches Bild der Kreativität von zwei oder drei großen Künstlern, die vom Lehrer ausgewählt werden.

Aufgabe: Ausgewählte Werke für ein Künstlergespräch.

Größte Museen für bildende Kunst(4 Stunden)

Museen der Welt: Tretjakow-Galerie in Moskau, Eremitage und Russisches Museum in St. Petersburg, Puschkin-Museum der Schönen Künste in Moskau, Louvre in Paris, Kunstgalerie Alte Meister in Dresden, Prado in Madrid, Metropolitan in New York.

Jedes Museum hat seine eigene Entstehungsgeschichte. Die Prinzipien, nach denen nationale Museumssammlungen gebildet wurden, beeinflussten maßgeblich das Verständnis der Menschen für Werte in der Kunst und die Weiterentwicklung der Kunst.

Das Wissen über russische Museen sollte durch die Kenntnis lokaler Museen ergänzt werden. Die Liste der ausländischen Museen kann geändert und ergänzt werden.

Visuelles Spektrum: Alben, Diasammlungen, Videos zu Museumssammlungen.

LEHRPLAN

Historisch gesehen haben sich stabile Existenz- und Entwicklungsformen der Kunst entwickelt – Architektur, dekorative und angewandte Kunst, Malerei, Bildhauerei, Grafik, künstlerische Fotografie, Literatur, Musik, Choreografie, Theater, Kino, Fernsehen, Kunst...

Historisch gesehen haben sich stabile Existenz- und Entwicklungsformen der Kunst entwickelt – Architektur, dekorative und angewandte Kunst, Malerei, Bildhauerei, Grafik, künstlerische Fotografie, Literatur, Musik, Choreografie, Theater, Kino, Fernsehen, Varietékunst, Zirkus. Diese Kunstarten entsprechen bestimmten Arten künstlerischer Tätigkeit. Jede der Kunstarten, die die Welt als Ganzes widerspiegeln, hat bestimmte Vorteile in einer direkteren, helleren und perfekteren Wiedergabe einiger ihrer Seiten, Facetten und Phänomene. Die bildende Kunst ist eine der ältesten, aber auch ewig jung. Künstler schufen vor vielen Jahrtausenden „Bilder“, und sie erschaffen sie auch heute noch. Diese Kunst ist riesig! Um es besser kennenzulernen und sich nicht darin zu verlieren, muss man es studieren. Das erste, was Menschen tun, die die Region, die sie interessiert, kennenlernen möchten, ist, deren Sprache zu studieren...

Kunstunterricht in der 7. Klasse zum Thema: „Sehfähigkeiten und ihre Bedeutung für den modernen Menschen“ (Rembrandt und sein Gemälde „Rückkehr verlorene Sohn") Abschnitt: „Große Themen des Lebens.“ Ziele: 1. Sich eine Vorstellung davon machen besondere Sprache Kunst und ihre Ausdrucksmittel. 2. Entwickeln Sie die persönliche Natur des Schaffens und Wahrnehmens von Kunstwerken. 3. Den Schülern verschiedene Ebenen des Verständnisses von Kunstwerken näherbringen: Fachebene und Handlungsebene; Grad der emotionalen Einschätzung, Empathie; das Niveau der Wertvorstellungen des Künstlers über die Welt als Ganzes, über den Zusammenhang von Phänomenen, über das Schöne und das Hässliche. 4. Eine moralische und ästhetische Haltung gegenüber der Welt und der Kunst zu pflegen. Ausrüstung und Materialien: 1. Reproduktionen von Gemälden für thematisches Gespräch und praktische Arbeit: Gemälde von Wermeer von Delft Jan, „Mädchen liest einen Brief“. . . „Anker, noch mehr Anker!“ - Pavel Andreevich Fedotov » Bryullov K.P. Der letzte Tag von Pompeji Rembrandt Die Rückkehr des verlorenen Sohnes LEKTIONSPLAN 1. Gespräch über die kreative Natur der Publikumswahrnehmung, ihre Kultur und ihr Können. 2. Formulierung einer künstlerischen Aufgabenstellung. 3. Praktische Erledigung der Aufgabe. 4. Die Lektion zusammenfassen und annehmen Hausaufgaben. Fortschritt der Lektion Epigraphen: Dazu dienen die Künste, um die Möglichkeit zur Erkenntnis von Gut und Böse zu bieten. A. Dürer Art fälscht oder ersetzt nicht echte Welt, sondern erklärt es, erweitert es und führt es fort. K. F. Yuon Sorokina A. I. Kunstlehrerin MBOU „Sekundarschule Nr. 2“ Melenki Seite 1

...Kunst spricht klarer, konkreter, schöner – was jeder gerne sagen würde, aber nicht kann. Kunst ist wie ein Leitstern, der den Weg für diejenigen erleuchtet, die nach vorne streben, dem Licht entgegen, besser und perfekter werden wollen. Das ist die wahre Bedeutung von Kunst... M. M. Antokolsky Historisch gesehen haben sich stabile Existenz- und Entwicklungsformen der Kunst entwickelt – Architektur, dekorative und angewandte Kunst, Malerei, Bildhauerei, Grafik, Kunstfotografie, Literatur, Musik, Choreografie, Theater, Kino , Fernsehen, Pop Art, Zirkus. Diese Kunstarten entsprechen bestimmten Arten künstlerischer Tätigkeit. Jede der Kunstarten, die die Welt als Ganzes widerspiegeln, hat bestimmte Vorteile in einer direkteren, helleren und perfekteren Wiedergabe einiger ihrer Seiten, Facetten und Phänomene. Die bildende Kunst ist eine der ältesten, aber auch ewig jung. Künstler schufen vor vielen Jahrtausenden „Bilder“, und sie erschaffen sie auch heute noch. Diese Kunst ist riesig! Um es besser kennenzulernen und sich nicht darin zu verlieren, muss man es studieren. Das erste, was Menschen tun, die die Region, die sie interessiert, kennenlernen möchten, ist, ihre Sprache zu studieren... Deshalb werden wir heute in unserer Lektion über die Sprache sprechen, die der Künstler spricht. Ein Künstler kann alles darstellen: Wälder – Felder, Bäume – Gras, Städte – Berge, Ozeane – Weltraum … Es kann ein Tier und ein Vogel sein, eine Blume und eine sonnige Wiese, ein Lächeln und eine menschliche Träne. Es kann Trauer und Freude, Edelmut und Gemeinheit, Wahrheit und Lüge, Gut und Böse sein. Dies könnte das Leben von Menschen sein, die neben uns leben, Menschen, die vor langer, langer Zeit verstorben sind, also das Leben heute, in der Vergangenheit oder noch nicht einmal in der Zukunft. Der Künstler stellt die Welt so dar, wie wir sie alle sehen, und wie nur er, der einzige Künstler, sie sieht, obwohl es viele Künstler gibt. Sie arbeiten mit unterschiedlichen visuellen Techniken und daher werden Meister der bildenden Kunst unterschiedlich unterschieden und bezeichnet. Wie? (Bildhauer, Grafiker, Architekten, Maler.) Maler arbeiten mit Pinsel und Farben. Blicken wir zurück auf ferne Zeiten, als das Wort „Technologie“ „Kunst“, „Fähigkeit“ bedeutete, die nicht von Maschinen, Computern und hochentwickelter Elektronik abhing, sondern von den persönlichen Fähigkeiten des Meisterkünstlers, von seinen geschickten Händen. Er beherrschte die eine oder andere Kunsttechnik und wusste, wie man sie herstellt, das heißt, er wusste, wie man das beabsichtigte Bild verwendet, was bedeutet, dass er es mit der Technik ausführte... Künstler verfügen über viele Techniken, obwohl sie größtenteils mit ihnen arbeiten die gleichen einfachen Mittel wie ihre Ururgroßväter (Denken wir daran, dass Pinsel auch in prähistorischen Zeiten verwendet wurden). Allerdings ist die Beherrschung der Darstellungstechnik nur die halbe Arbeit, die man in der Kunst Kreativität nennt. Und Kreativität entsteht nur, wenn der Künstler nicht nur weiß, wie es geht, sondern den Menschen auch etwas zu sagen hat! Es gibt Gedanken, aber immer eigene und auf keinen Fall die Gedanken anderer wiederholend; Sie haben ihre eigenen Vorstellungen, ihre eigenen Ängste und Freuden, sind aber auch für alle anderen Menschen wichtig. Und dann sind „Was“ und „Wie“ (und mit anderen Worten „Inhalt“ und „Mittel“) untrennbar miteinander verbunden und zu einer besonderen kohärenten Einheit vereint, dank der Fähigkeiten von Sorokin A.I., Lehrer für bildende Künste MBOU „Sekundarschule Nr. 2“ Melenki Seite 2

Der Künstler und seine aufgeregte Lebenseinstellung, das ist Kreativität, und in der Kreativität entsteht ein Kunstwerk mit seinem einzigartigen Inhalt und künstlerische Sprache. Im Kunstunterricht fühlen und schaffen wir als Künstler, aber wenn wir uns Kunstwerken zuwenden, sind wir meistens Zuschauer. Auch das Zuschauersein ist eine Kunst. Eine solche Aussage mag auf den ersten Blick seltsam erscheinen. Tatsächlich sind wir es gewohnt, die Schaffung von Gemälden, Musik und Büchern als Kreativität zu betrachten. Aber kann man eine so scheinbar einfache und rein passive Aktivität wie das Betrachten von Gemälden, das Lesen von Romanen, das Hören von Symphonien als Aktivität bezeichnen? kreative Natur? Ja, du kannst. Darüber hinaus gibt es allen Grund zu der Annahme, dass das Schicksal der Entwicklung aller Arten von Kunst weitgehend vom Zustand, Niveau und der Art der Kreativität der Zuschauer abhängt. Denn in dem Moment, in dem ein Schriftsteller ein Buch, ein Maler ein Gemälde fertigstellt, sind diese Werke sozusagen Tatsachen persönliche Biografie ihre Schöpfer. Das wahre Leben eines Künstlerwerks beginnt erst, wenn Leser, Zuschauer und Zuhörer es kennenlernen können, wenn eine öffentliche Bewertung des Werkes entsteht. Fällt diese Beurteilung negativ oder, noch schlimmer, gleichgültig aus, gerät das Werk schnell in Vergessenheit und stirbt sozusagen ab. Da das Werk des Künstlers kein lebendiges Echo in den Seelen der Menschen fand, bedeutete dies, dass es tot geboren wurde und zu Recht sein Mottenalter schnell überlebte. Die Entstehung von Kunstwerken und deren Wahrnehmung, Verständnis und Bewertung sind also eng miteinander verbunden und voneinander abhängig. Das eine existiert nicht ohne das andere, zusammen bilden sie ein einziges Ganzes, wie man es nennt künstlerisches Leben Gesellschaft. Zeit und Gesellschaft erfordern einen Meister der Kunst, starke, aufregende, bedeutende Werke, durchdrungen von den fortschrittlichen Ideen der Zeit; hell und originell gekleidet Kunstform. Pathetisch ist der Künstler, der, sei es aus Mittelmäßigkeit oder aus dem Festhalten an fehlerhaften, fruchtlosen Methoden der Kreativität, früher oder später nicht in der Lage war, die Gunst des Publikums zu gewinnen. Jeder Trost ist hier nutzlos. Wenn man es nicht erobert hat, bedeutet das, dass es nichts gab, womit man es erobern konnte... Aber auch der Betrachter, der bereit ist, ein Werk nur deshalb abzulehnen, weil es ihm beim ersten Kennenlernen unverständlich, seltsam, ungewöhnlich vorkam, verdient Bedauern . Natürlich kann es sein, dass sich hinter dieser Fremdartigkeit absolut nichts Gutes verbirgt, und dann ist die verächtliche Gleichgültigkeit gegenüber einem schlechten, gequälten Bild oder Buch völlig berechtigt. Aber es passiert und oft etwas ganz anderes: Man muss über das Werk des Künstlers nachdenken, seine ursprünglichen Merkmale und seine tiefe Absicht verstehen, und am Ende wird der Betrachter großzügig belohnt: eine ihm bisher unbekannte Facette der Realität, neue Merkmale Seinen Zeitgenossen wird sich das spirituelle Leben offenbaren, es stellt sich heraus, dass dieses Werk sowohl die Freude am Wissen als auch großes ästhetisches Vergnügen vermitteln kann. Diese Anspannung spiritueller Kräfte beim Kennenlernen eines Kunstwerks ist eine Art Kreativität. Darüber hinaus manifestiert sich diese Kreativität natürlich nicht nur dann, wenn der Betrachter auf etwas stößt, das ihm nicht sofort gefällt. Und in den Fällen, in denen das Werk schon im ersten Moment der Begegnung fesselt, geht es los Großer Job Gefühle, Gedanken, Fantasien, ein wunderbarer, höchst kostbarer Prozess des Verstehens findet statt, der den Geist und die Seele eines Menschen so bereichern, tiefer, subtiler und reifer machen kann. Denn dafür ist künstlerische Kreativität eigentlich da. Sorokina A.I. Kunstlehrerin MBOU „Sekundarschule Nr. 2“ Melenki Seite 3

Die Kunst, Zuschauer zu sein, erfordert also wie jede andere Kunst spirituellen Aufschwung, Gedankenflucht sowie bestimmte Fähigkeiten und Kenntnisse. Als vor mehr als hundert Jahren die Fotografie erfunden wurde, wurden Stimmen laut, dass die Kunst der Malerei am Ende sei und bald als unnötig aussterben würde. Tatsächlich ist selbst der geschickteste und akribischste Künstler nicht in der Lage, eine so vollkommen genaue Reproduktion der Natur zu liefern, die mit Hilfe einer Kamera sofort erreicht wird. Aber es sind Jahrzehnte vergangen. Die Fotografie verbesserte sich von Jahr zu Jahr und erlangte technische Möglichkeiten, von denen ihre Entdecker nie zu träumen wagten. Darüber hinaus hat die Fotografie im Laufe der Zeit eine ganze Galaxie wunderbarer Meister ihres Fachs hervorgebracht, die Werke geschaffen haben und schaffen, die zweifellos das Recht verdienen, als Werke echter, großer Kunst bewertet zu werden. Dennoch existiert und entwickelt sich die Malerei immer noch als besondere und einzigartige Form. künstlerische Kreativität, ohne durch die Konkurrenz zur Fotografie Schaden zu nehmen. Vielmehr profitierte sogar die Malerei von diesem Wettbewerb, denn für die neuen Generationen wurden die einzigartigen, ursprünglichen Qualitäten und Merkmale der Werke der Pinselmeister noch deutlicher und offensichtlicher. Was hat der kreative Wettbewerb zwischen zwei Arten bildender Kunst – neuer und alter – gezeigt? Stellen wir uns vor, ein Fotograf und ein Maler hätten beschlossen, dieselbe Landschaft einzufangen oder beispielsweise ein Bild derselben Person zu erstellen. Ein Fotograf – wenn er kein „kalter Handwerker“, sondern ein Mensch mit der Seele und Erfahrung eines Künstlers ist – wird vor dem Fotografieren natürlich viel und sorgfältig arbeiten. Geleitet von dem Ziel, den einen oder anderen spezifischen Eindruck zu erzielen, wählt der Fotograf-Künstler den vorteilhaftesten Aufnahmestandpunkt für das von ihm konzipierte fotografische Bild und denkt gründlich über die Art der Beleuchtung, die Grenzen des Rahmens usw. nach. Beim Fotografieren einer Person wird er versuchen, sein Modell in der für sie vertrauten und natürlichsten Pose zu „überfallen“ und sich bemühen, einen Gesichtsausdruck einzufangen, der es uns ermöglicht, den Charakter und die Psychologie dieser Person zu verstehen. Dadurch gelingt es einem Fotografen bekanntlich, beeindruckende, künstlerisch wertvolle Landschafts- und Porträtaufnahmen zu schaffen. Das ist alles wahr. Aber immer liegt der Fotografie eine dokumentarisch getreue, fotomechanische Wiedergabe der Natur zugrunde. Selbst der begabteste und einfallsreichste Fotograf kann die Natur nicht irgendwie verändern oder insbesondere verallgemeinern (das heißt, sie nicht nur kopieren, sondern sie auswählen und in ihrer Gesamtheit enthüllen), egal auf welche Techniken und Tricks sie zurückgreift künstlerisches Bild sie am meisten Charaktereigenschaften): Die Natur selbst lässt dies nicht zu, technische Grundlage sein Beruf. In diesem Sinne können wir sagen, dass die Malerei erst dort beginnt, wo die Fotografie aufhört. Denn jede Malerei ist eine Verallgemeinerung. Der Hauptunterschied zwischen der Arbeit eines Malers und eines Fotografen besteht nicht darin, dass es für den zweiten von ihnen unerreichbar ist, die freie Bewegung des Pinselstrichs zu nutzen oder beispielsweise die Leinwand vorzubehandeln (zu grundieren), um der Oberfläche Ausdruckskraft zu verleihen die Gemälde; Es ist nicht so, dass die Kunstform des Malers es ihm ermöglicht, in jedem Millimeter der Bilder eine lebendige Verehrung zu erreichen, die völlig seinem kreativen Willen, seinem Geschmack, seinem Stil usw. untergeordnet ist, aber der Fotograf kann die gewisse Leblosigkeit, die „maschinelle“ Kälte von immer noch nicht überwinden Fotooptik. Das alles ist sehr wichtig, aber darum geht es nicht. Die Fähigkeit der Fotografie, eine sehr ausdrucksstarke Wiedergabe der äußeren Erscheinung eines Ereignisses, einer Person, eines Objekts oder einer Landschaft zu erreichen. Aber sie ist völlig an diese äußere Erscheinung, an eine einzige Tatsache gekettet. Der Fotograf kann dem Betrachter kein imaginäres Bild vermitteln, das die verallgemeinerte Erfahrung von Hunderten und Tausenden alltäglicher Beobachtungen aufnimmt; er kann keine typisierten Bilder schaffen. Sorokina A.I. Kunstlehrerin MBOU „Sekundarschule Nr. 2“ Melenki Seite 4

Und die Aufgabe der Malerei besteht nicht nur darin, etwas zu zeigen, sondern auch das innere Wesen des Dargestellten zu offenbaren, „typische Charaktere in“ wiederzugeben typische Umstände" Manchmal (und oft) kommt es vor, dass visuelle Details die Grundlage der Geschichte im Bild bilden und eine entscheidende Rolle bei der Offenlegung ihrer bildlichen Absicht spielen. Hier ist ein Bild der Niederländer Künstler XVII Jahrhundert J. Vermeer von Delft „Mädchen mit einem Brief“. Die Handlung hier ist sehr einfach, ohne jegliche Schärfe oder Effektivität. Das lesende Mädchen wirkt wie erstarrt, ihr Gesichtsausdruck ist ruhig und gelassen und ruft beim Betrachter keinerlei emotionale Unruhe, Schwierigkeiten oder tiefe Gedanken hervor. Obwohl die Figur einen zentralen Platz im Bild einnimmt, erregt sie im Allgemeinen nicht mehr Aufmerksamkeit als die anderen Details der Leinwand. Aber all diese Details sind mit äußerster Haptik niedergeschrieben. Wir verstehen die Schönheit des weichen Flors des roten Teppichs, den zarten Charme der auf einer dünnen Metallschale gestapelten Früchte und die Frische der Luft, die aus dem Fenster strömt. Unser Blick scheint sich zu schärfen, wenn wir uns mit diesem Bild vertraut machen, und wir bemerken die kleinsten Linien der Fransen des Vorhangs, subtile Reflexionen des warmen Tageslichts, das buchstäblich das gesamte Bild durchdringt. Allerdings ist das alles äußerst detailliert ausführliche Geschichteüber die Einzelheiten der objektiven Welt, die einen Menschen umgibt, ist keineswegs Selbstzweck; Er hat tiefe Bedeutung, ist mit einer bestimmten Lebensphilosophie verbunden. Die Poesie des Alltags, die Bestätigung der Schönheit einfacher Dinge, der friedliche Alltag, so charakteristisch für die demokratischen Niederländer Gemälde XVII Jahrhunderte fanden in diesem Gemälde von Vermeer den höchsten und subtilsten Ausdruck. Im genannten Bild sind die Details die Hauptcharaktere des Bildes; sie sind für sich genommen bedeutsam; Die Schönheit ihres Aussehens zu zeigen bedeutete für den Künstler, über den Charme der alltäglichen Umgebung eines Menschen zu sprechen, die von seinem Geschmack, seinen Traditionen und seinen Vorstellungen von Schönheit geprägt ist. Aber es passiert noch etwas anderes: Die Details im Bild bekommen eine Art allegorische Bedeutung, sie erweisen sich als „ Schauspieler„Eine dramatische Erzählung über das Leben eines Menschen. Erinnern wir uns in diesem Zusammenhang an die Leinwand von P. Fedotov „Anker, mehr Anker!“ (Anchor (Zugabe) – auch (Französisch)). Die Handlung lässt sich in wenigen Worten zusammenfassen. Der Fall spielt sich in einer Provinzstadt in der Mitte des letzten Jahrhunderts ab, als in Russland unter Nikolaus I. ein grausames Leibeigenschaftsregime herrschte. In einer Hütte, auf einer Bank liegend, amüsiert sich ein halbbekleideter Offizier mit Sorokina A.I., Kunstlehrerin MBOU „Secondary School No. 2“, Melenki Seite 5

derjenige, der den Hund über den Chibouk springen lässt. Das ist eigentlich alles. Aus dem Titel geht jedoch noch ein weiteres Detail hervor: Während der Beamte den Hund anschreit, verwechselt er russische Wörter mit französischen. Es scheint, was kann man von einem Bild erwarten, das auf der Grundlage einer so einfachen Handlung erstellt wurde? Eine geniale Alltagsszene, mehr nicht. Doch vor uns liegt eines der tiefgreifendsten und bedeutendsten Werke der Malerei, das von der schwierigen, düsteren Zeitlosigkeit Nikolaevs erzählt. Um den Inhalt dieser Geschichte zu verstehen, muss man sich zunächst alle Details des Bildes genau ansehen. Der Künstler zeigte den beengten Raum der Hütte mit einer stark hängenden Decke. Die schwebende Kerze beleuchtet die Hütte kaum, bedrohliche Schatten huschen über ihre Wände und Ecken. Eine Gitarre auf der Stereoanlage, auf dem Tisch verstreute Dinge: ein Rasiermesser, Geschirr, Essensreste in einer Schüssel – all das markiert sozusagen den Flow für den Beamten. Durch das winzige Fenster sieht man eine menschenleere Winterlandschaft, beleuchtet von kaltem Mondlicht. Wie Sie sehen, wurde diese ganze Geschichte nicht mit Hilfe von erstellt dramatische Aktion, eine detaillierte Beschreibung der Ereignisse und Vorfälle. Hier erzählen die Details die Geschichte, die Kulisse erzählt die Geschichte, die visuellen Gegenüberstellungen und Effekte sprechen beredt. Sie reproduzieren anschaulich und ergreifend das Gefühl der traurigen Einsamkeit, zu der der Offizier verdammt ist. Erniedrigt, versunken im schlammigen Schlamm des grausamen und elenden Alltags, verlor dieser Mann jeglichen Sinn für das Leben, verschwendete es sinnlos, dumm, lag den ganzen Tag herum und schlug die Zeit mit leeren Vergnügungen tot, wie dem abgebildeten Spiel mit einem Hund. Bemerkenswert ist noch etwas: Fedotow hielt es nicht für nötig, das Gesicht des Beamten deutlich zu zeigen. Dafür bestand keine Notwendigkeit; es könnte eine unnötige Betonung dessen gewesen sein, was bereits klar war. Die so ausdrucksstark dargestellte Kulisse, die Geschichte der Dinge und Details gaben uns eine vollständige, umfassende Vorstellung vom Helden des Bildes. Auch wenn wir sein Gesicht nicht sehen, ist es in unserer Vorstellung bereits deutlich gezeichnet: trübe Augen, schlaffe Gesichtszüge, die den fatalen Stempel innerer Leere tragen. In dieser malerischen Geschichte ist die tragisches Schicksal eine Person unter den Bedingungen eines abscheulichen Leibeigenschaftsregimes, das gnadenlos entstellt und erniedrigt menschliche Seelen. Man könnte sehr viele nennen Handlungsgemälde, bei dem die Geschichte über eine bestimmte Handlung oder ein bestimmtes Ereignis gegenüber der narrativen Bedeutung in den Hintergrund tritt feine Details- seien es Werke eines russischen Meisters Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert von A. Venetsianov, „Der Nacht entgegen“ von M. Vrubel, Gemälde von J.-B. Chardin, ein französischer Maler des 18. Jahrhunderts, der am häufigsten das Leben des einfachen Volkes und anderer darstellte. Sie müssen in der Lage sein, den Inhalt von Filmen zu verstehen, in denen es fast keine Action und keine vielschichtige „literarische“ Handlung gibt. Solche Gemälde entstanden und entstehen sehr oft. Die Kunst, Zuschauer zu sein, ist eine große und schwierige Kunst. Es erfordert Geduld und Nachdenklichkeit, einen weiten Blick und ein Verständnis für die besonderen Gesetze und Merkmale jeder Art und jedes Genres der Kreativität. Es erfordert die Entwicklung nicht nur einer körperlichen, sondern auch einer besonderen, spirituellen und künstlerischen Vision. Mit anderen Worten: Um den Künstler vollständig zu verstehen, muss man in gewissem Sinne selbst Künstler sein, eine Person mit kreativer Wahrnehmung, die es wert ist, ein Freund, ein fairer Richter und sozusagen ein Mitmensch zu sein. Autor eines Master of Art. Das Verständnis der Malerei kommt wie bei jeder anderen Kunstform nicht von selbst: Es krönt die lange, beharrliche und vielseitige Arbeit, um die Qualitäten eines fortgeschrittenen Betrachter-Künstlers zu kultivieren. Aber diese Arbeit wird großzügig belohnt: Ein sensibler, nachdenklicher und verständnisvoller Betrachter des Kunstwerks wird als gleichberechtigt begrüßt, Sorokina A.I. Bildende Kunstlehrerin MBOU „Sekundarschule Nr. 2“, Melenki Seite 6