Ballett ist eine Form darstellende Künste; Dies ist eine Emotion, die in musikalischen und choreografischen Bildern verkörpert wird.

Ballett ist die höchste Stufe der Choreografie Tanzkunst erhebt sich auf die Ebene der musikalischen Bühnenaufführung und entstand als höfische Adelskunst viel später als der Tanz, im 15.-16. Jahrhundert.

Der Begriff „Ballett“ tauchte im Italien der Renaissance im 16. Jahrhundert auf und bezeichnete keine Aufführung, sondern eine Tanzepisode. Ballett ist eine Kunst, bei der der Tanz im Vordergrund steht. Ausdrucksmittel Ballett ist eng mit der Musik, mit der dramatischen Grundlage – dem Libretto, mit der Szenografie, mit der Arbeit des Kostümbildners, Lichtdesigners usw. verbunden.

Das Ballett ist vielfältig: Handlung – klassisches narratives Mehrakter-Ballett, dramatisches Ballett; Handlungslos – Sinfonieballett, Stimmungsballett, Miniatur.

Auf den Bühnen der Welt gab es zahlreiche Ballettaufführungen, die auf vertonten Meisterwerken der Literatur basierten brillante Komponisten. Aus diesem Grund hat die britische Online-Ressource Listverse beschlossen, ihr Ranking der besten Ballettaufführungen der Geschichte zu erstellen.

"Schwanensee"
Komponist: Pjotr ​​Tschaikowski

Die erste Moskauer Inszenierung von „Schwanensee“ war kein Erfolg – ​​ihre glorreiche Geschichte begann fast zwanzig Jahre später in St. Petersburg. Aber es war das Bolschoi-Theater, das dazu beitrug, dass die Welt mit diesem Meisterwerk beschenkt wurde. Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky schrieb sein erstes Ballett im Auftrag Bolschoi-Theater.
Glücklich Bühnenleben„Schwanensee“ wurde vom berühmten Marius Petipa und seinem Assistenten Lev Ivanov aufgeführt, der vor allem dank der Inszenierung der Standardszenen „Schwanen“ in die Geschichte einging.

Die Petipa-Ivanov-Version ist zu einem Klassiker geworden. Es liegt den meisten späteren Produktionen von Schwanensee zugrunde, mit Ausnahme der äußerst modernistischen.

Der Prototyp für den Schwanensee war der See in der Schwanenwirtschaft der Davydovs (heute Gebiet Tscherkassy, ​​Ukraine), den Tschaikowsky kurz vor dem Schreiben des Balletts besuchte. Während er sich dort entspannte, verbrachte der Autor mehr als einen Tag an seinem Ufer und beobachtete schneeweiße Vögel.
Die Handlung basiert auf vielen folkloristischen Motiven, darunter einer alten deutschen Legende, die die Geschichte der schönen Prinzessin Odette erzählt, die durch den Fluch eines bösen Zauberers, Ritter Rothbart, in einen Schwan verwandelt wurde.

„Romeo und Julia“

Prokofjews Romeo und Julia ist eines der beliebtesten Ballette des 20. Jahrhunderts. Das Ballett wurde 1938 in Brünn (Tschechoslowakei) uraufgeführt. Große Bekanntheit erlangte jedoch die Ausgabe des Balletts, die 1940 im Kirow-Theater in Leningrad aufgeführt wurde.

„Romeo und Julia“ ist ein Ballett in 3 Akten, 13 Szenen mit Prolog und Epilog nach der gleichnamigen Tragödie von William Shakespeare. Dieses Ballett ist ein Meisterwerk der Weltkunst, verkörpert durch Musik und erstaunliche Choreografie. Die Produktion selbst ist so beeindruckend, dass es sich lohnt, sie mindestens einmal im Leben anzusehen.

„Giselle“
Komponist: Adolf Adam

„Giselle“ – „fantastisches Ballett“ in zwei Akten Französischer Komponist von Adolphe Adam nach einem Libretto von Henri de Saint-Georges, Théophile Gautier und Jean Coralli, basierend auf einer von Heinrich Heine nacherzählten Legende. In seinem Buch „Über Deutschland“ schreibt Heine über die Wilis – Mädchen, die an unglücklicher Liebe gestorben sind und, nachdem sie sich in Zauberwesen verwandelt haben, die jungen Menschen, denen sie nachts begegnen, zu Tode tanzen und sich an ihnen für ihr ruiniertes Leben rächen.

Das Ballett wurde am 28. Juni 1841 in der Grand Opera uraufgeführt, choreografiert von J. Coralli und J. Perrault. Die Produktion sei ein großer Erfolg gewesen, hieß es gute Bewertungen in der Presse. Der Autor Jules Janin schrieb: „In diesem Werk ist so viel zu finden. Und Fiktion und Poesie und Musik und die Komposition neuer Schritte und schöne Tänzer und Harmonie, voller Leben, Anmut, Energie. Das nennt man Ballett.“

"Nussknacker"
Komponist: Pjotr ​​Tschaikowski

Geschichte der Bühnenaufführungen von P. I. Tschaikowskys Ballett „Der Nussknacker“, literarische Grundlage Daraus entstand die Erzählung von Ernst Theodor Amadeus Hoffmann „Der Nussknacker und Mäusekönig", kennt viele Autorenausgaben. Das Ballett wurde am 6. Dezember 1892 im Mariinsky-Theater uraufgeführt.
Die Premiere des Balletts war ein großer Erfolg. Das Ballett „Der Nussknacker“ setzt die Reihe der zu Klassikern gewordenen Ballette von P. I. Tschaikowsky fort und vervollständigt sie, in denen das Thema des Kampfes zwischen Gut und Böse, das in „Schwanensee“ begonnen und in „Dornröschen“ fortgesetzt wurde, erklingt .

Die Weihnachtsgeschichte über einen edlen und gutaussehenden Zauberprinzen, der sich in eine Nussknackerpuppe verwandelt, über ein freundliches und selbstloses Mädchen und ihren Gegner, den bösen Mäusekönig, wurde schon immer von Erwachsenen und Kindern geliebt. Trotz Märchenhandlung Dies ist ein Werk wahrer Ballettkunst mit Elementen der Mystik und Philosophie.

„La Bayadère“
Komponist: Ludwig Minkus

„La Bayadère“ – Ballett in vier Aktionen und sieben Gemälde mit der Apotheose des Choreografen Marius Petipa zur Musik von Ludwig Fedorovich Minkus.
Die literarische Quelle des Balletts „La Bayadere“ ist das Drama des indischen Klassikers Kalidasa „Shakuntala“ und die Ballade von V. Goethe „Gott und die Bayadère“. Die Handlung basiert auf einer romantischen orientalischen Legende über die unglückliche Liebe einer Bayadère und eines tapferen Kriegers. „La Bayadère“ ist ein beispielhaftes Werk einer der Stilrichtungen des 19. Jahrhunderts – des Eklektizismus. In „La Bayadère“ gibt es sowohl Mystik als auch Symbolik: das Gefühl, dass von der ersten Szene an ein „vom Himmel strafendes Schwert“ über den Helden erhoben wird.

„Das Frühlingsritual“
Komponist: Igor Strawinsky

Das Frühlingsopfer ist ein Ballett des russischen Komponisten Igor Strawinsky, das am 29. Mai 1913 im Théâtre des Champs-Élysées in Paris uraufgeführt wurde.

Das Konzept für „Le Sacre du printemps“ basierte auf Strawinskys Traum, in dem er sah altes Ritual- Ein junges Mädchen, umgeben von Ältesten, tanzt bis zur Erschöpfung, um den Frühling zu erwecken, und stirbt. Strawinsky arbeitete zur gleichen Zeit an der Musik wie Roerich, der Skizzen für Bühnenbild und Kostüme schrieb.

Im Ballett gibt es keine eigentliche Handlung. Der Komponist beschreibt den Inhalt von „Das Frühlingsopfer“ wie folgt: „Die helle Auferstehung der Natur, die zu einem neuen Leben wiedergeboren wird, eine vollständige Auferstehung, eine spontane Auferstehung der Vorstellung vom Universellen“

„Dornröschen“
Komponist: Pjotr ​​Tschaikowski

Das Ballett „Dornröschen“ von P.I. Tschaikowsky – Marius Petipa wird als „Enzyklopädie“ bezeichnet. klassischer Tanz" Das sorgfältig aufgebaute Ballett verblüfft durch die Pracht seiner vielfältigen choreografischen Farben. Aber wie immer steht die Ballerina im Mittelpunkt jeder Petipa-Aufführung. Im ersten Akt ist Aurora ein junges Mädchen, das die Welt um sich herum hell und naiv wahrnimmt; im zweiten ist sie ein verführerischer Geist, der von der Fliederfee aus einem langen Schlaf gerufen wird; Prinzessin, die sie als Verlobte gefunden hat.

Der Erfindergeist von Petipa begeistert das Publikum mit einem bizarren Muster aus verschiedenen Tänzen, dessen Höhepunkt das feierliche Pas de deux der Liebenden, Prinzessin Aurora und Prinz Désiré, ist. Dank der Musik von P.I. Tschaikowsky wurde das Kindermärchen zu einem Gedicht über den Kampf zwischen Gut (Fee Flieder) und Böse (Fee Carabosse). „Dornröschen“ ist eine wahre musikalische und choreografische Symphonie, in der Musik und Tanz miteinander verschmelzen.

„Don Quijote“
Komponist: Ludwig Minkus

„Don Quijote“ ist eines der lebensbejahendsten, lebendigsten und festlichsten Werke Balletttheater. Interessant ist, dass es sich bei diesem brillanten Ballett trotz seines Namens keineswegs um eine Dramatisierung handelt. berühmter Roman Miguel de Cervantes und unabhängig choreografische Arbeit Marius Petipa nach Don Quijote.

In Cervantes' Roman ist das Bild des traurigen Ritters Don Quijote zu sehen, der zu jeder Leistung bereit ist und edle Taten, ist die Grundlage der Handlung. In Petipas Ballett zur Musik von Ludwig Minkus, das 1869 am Moskauer Bolschoi-Theater uraufgeführt wurde, ist Don Quijote zu hören Nebenfigur, und die Handlung konzentriert sich auf Liebesgeschichte Kitri und Basil.

"Aschenputtel"
Komponist: Sergej Prokofjew

„Aschenputtel“ ist ein Ballett in drei Akten von Sergej Prokofjew nach der Geschichte des gleichnamigen Märchens von Charles Perrault.
Die Musik zum Ballett entstand zwischen 1940 und 1944. „Aschenputtel“ zur Musik von Prokofjew wurde am 21. November 1945 im Bolschoi-Theater uraufgeführt. Ihr Direktor war Rostislav Sacharow.
So schrieb Prokofjew über das Ballett Aschenputtel: „Ich habe Aschenputtel in den besten Traditionen geschaffen klassisches Ballett“ – was den Betrachter dazu bringt, sich einzufühlen und den Freuden und Nöten des Prinzen und Aschenputtel gegenüber nicht gleichgültig zu bleiben.

Tschaikowskys Musik existiert außerhalb der Zeit

Am 7. Mai 1840 wurde einer der größten Komponisten in der Musikgeschichte - Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky.

In den ihm zur Verfügung stehenden 53 Jahren schrieb der Komponist mehr als 80 Werke, darunter zehn Opern und drei Ballette – wahre Schätze der Weltkultur und -kunst.

1. „Slawischer Marsch“ (1876)

Der Marsch wurde von Tschaikowsky im Auftrag der russischen Direktion geschrieben Musikgesellschaft und war dem Kampf der slawischen Völker des Balkans gegen das osmanische Joch im Zusammenhang mit den Ereignissen des Russisch-Türkischen Krieges gewidmet. Der Autor selbst nannte ihn lange Zeit den „Serbo-Russischen Marsch“. Der Marsch wurde genutzt Musikalische Themen, charakteristisch für Volksmusik Serben, sowie Auszüge aus „God Save the Tsar!“

1985 nutzte die deutsche Heavy-Metal-Band Accept das Hauptthema des Marsches, um den Titelsong ihres Albums „Metal Heart“ einzuleiten.

2. „Schwanensee“ (1877)

Maya Plisetskaya und Valery Kovtun. Szene aus P. I. Tschaikowskys Ballett „Schwanensee“

Die Handlung basierte auf folkloristischen Motiven, darunter einer alten deutschen Legende, die die Geschichte der schönen Prinzessin Odette erzählt, die von Rothbarts bösem Zauberer in einen weißen Schwan verwandelt wurde. Es wird allgemein angenommen, dass Tschaikowsky die Musik für das Ballett schrieb, nachdem er einen See am Fuße der Alpen in der Nähe der Stadt Füssen besucht hatte.

Seit 1877 wurden die Partitur und das Libretto der Aufführung mehrfach verändert. Heute gibt es von allen existierenden Schwanensee-Ausgaben kaum noch zwei, die völlig identische Partituren haben.

Für unsere Zeitgenossen weckt Ballett eine starke Assoziation mit Augustputsch– „Schwanensee“ wurde gezeigt Sowjetisches Fernsehen 19. August 1991, Absage aller geplanten Sendungen.

3. „Kinderalbum“ (1878)

Cartoon zur Musik aus „Kinderalbum“ von P. Tschaikowsky (1976). Regisseurin - Inessa Kovalevskaya

Laut der berühmten Expertin für Tschaikowskys Werk, Polina Vaidman, gelangte „Kinderalbum“ zusammen mit den bekannten Werken von Schumann, Grieg, Debussy, Ravel und Bartok in den goldenen Fonds der Welt Musikalische Literatur für Kinder und gab den Anstoß zur Schaffung einer Reihe von Klavierwerken, die in Charakter und Thema ähnlich waren.

1976 wurde im Sojusmultfilm-Studio ein Animationsfilm zur Musik des Albums gedreht, und 20 Jahre später wurde ein Ballett aufgeführt, das ein Gewinner wurde. Internationales Festival 1999 in Jugoslawien.

4. „Eugen Onegin“ (1877)

„Onegins Arioso“ aus der Oper „Eugen Onegin“. Fragment des Films „Muslim Magomayev singt“. Aserbaidschanfilm, 1971. Drehbuch und Produktion – T. Ismailov, I. Bogdanov

Im Mai 1877 schlug die Sängerin Elizaveta Lawrowskaja Tschaikowsky vor, eine Oper basierend auf der Handlung zu schreiben Puschkins Roman in Versen. Der Komponist war von diesem Vorschlag so begeistert, dass er die ganze Nacht schlaflos am Drehbuch arbeitete. Am Morgen begann er, Musik zu schreiben. In einem Brief an den Komponisten Sergej Tanejew schrieb Tschaikowsky: „Ich suche ein intimes, aber kraftvolles Drama, das auf einem Konflikt von Situationen basiert, die ich erlebt oder gesehen habe, und das mich zutiefst berühren kann.“

Im Juli heiratete der Komponist spontan die ehemalige Konservatoriumsstudentin Antonina Miljukowa, die acht Jahre jünger war als er. Die Ehe endete innerhalb weniger Wochen, was laut Kritikern tiefgreifende Auswirkungen auf das Werk hatte.

5. „Dornröschen“ (1889)

Walzer aus P. I. Tschaikowskys Ballett „Dornröschen“

Vor Tschaikowsky wandte sich der französische Komponist Ferdinand Herold, der ein gleichnamiges Ballett komponierte, der Handlung von Charles Perrault zu, doch bereits im Jahr ihrer Uraufführung wurde die Version von Tschaikowsky und Marius Petipa als herausragend anerkannt und stolz darauf Platz unter den Weltmeisterwerken der Ballettkunst.

Heutzutage kreiert fast jeder Choreograf, der eine Neuauflage von „Dornröschen“ durchführt, auch eine neue Version seiner Partitur.

6. "Pik-Dame" (1890)

Ouvertüre aus P. I. Tschaikowskys Oper „Die Pique Dame“, inszeniert vom Gran Teatre del Liceu, Barcelona (2010)

Im Jahr 1887 lud die Verwaltung des Kaiserlichen Theaters Tschaikowsky ein, eine Oper zu schreiben, die auf einer Handlung basiert, die Iwan Wsewoloschski auf der Grundlage von Puschkins Geschichte geschaffen hatte. Der Komponist weigerte sich, weil es in der Handlung an „richtiger Bühnenpräsenz“ mangelte, doch zwei Jahre später nahm er den Auftrag trotzdem an und stürzte sich kopfüber in das Werk.

Bald nach der russischen Erstaufführung „wanderte“ die Oper in das Repertoire vieler Theater in Europa und Amerika, wo sie in russischer, tschechischer und deutscher Sprache aufgeführt wurde.

7. „Der Nussknacker“ (1892)

„Blumenwalzer“ aus P. I. Tschaikowskys Ballett „Der Nussknacker“

Das innovative Ballett basiert auf Ernst Theodor Hoffmanns Märchen „Der Nussknacker und der Mäusekönig“. besonderer Ort zu den Spätwerken Tschaikowskys und der Ballettkunst im Allgemeinen.

Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs und dem Anwachsen patriotischer Gefühle wurde die Handlung des Balletts russifiziert und die Hauptfigur Marie wurde Mascha genannt. Gleichzeitig wurde Fritz nicht umbenannt.

Ballett Wie musikalische Form entwickelte sich von einer einfachen Ergänzung zum Tanz zu einer spezifischen Kompositionsform, die oft die gleiche Bedeutung hatte wie der begleitende Tanz. Die im 17. Jahrhundert in Frankreich entstandene Tanzform begann als Theatertanz. Formal erhielt das Ballett erst im 19. Jahrhundert den Status „klassisch“. Im Ballett haben sich die Begriffe „klassisch“ und „romantisch“ chronologisch entwickelt musikalischer Einsatz. So im 19. Jahrhundert Klassik Das Ballett fiel mit der Ära der Romantik in der Musik zusammen. Komponisten der Ballettmusik des 17. bis 19. Jahrhunderts, darunter Jean-Baptiste Lully und Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowski, lebten hauptsächlich in Frankreich und Russland. Mit seinem zunehmenden internationalen Ruhm erlebte Tschaikowsky jedoch zu seinen Lebzeiten die Verbreitung der Ballettmusikkomposition und des Balletts im Allgemeinen in der gesamten westlichen Welt.

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✪ Absolute Tonhöhe zum Ballett „Dornröschen“

✪ Dona nobis Pacem Gib uns Frieden I S Bach-Messe h-moll Tatarisches Opern- und Balletttheater 2015

✪ ♫ Klassische Musik für Kinder (Klassische Musik für Kinder).

Untertitel

Geschichte

• Bis etwa zur zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts war die Rolle der Musik im Ballett zweitrangig, wobei der Schwerpunkt auf dem Tanz lag, während die Musik selbst einfach übernommen wurde Tanzmelodien. Früher war das Schreiben von „Ballettmusik“ die Arbeit von Musikkünstlern und nicht von Meistern. Beispielsweise empfanden Kritiker des russischen Komponisten Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowski dessen Schreiben von Ballettmusik als etwas Niedriges.
  Von den frühesten Balletten bis zur Zeit von Jean-Baptiste Lully (1632-1687) war Ballettmusik nicht von Gesellschaftstanzmusik zu unterscheiden. Lully schuf einen eigenen Stil, in dem die Musik die Geschichte erzählen sollte. Das erste „Ballett der Aktion“ wurde 1717 aufgeführt. Es war eine Geschichte, die ohne Worte erzählt wurde. Der Pionier war John Weaver (1673-1760), der ein „Opernballett“ schrieb, in dem die Aktion aufgeführt wurde teils durch Tanzen, teils durch Gesang, aber die Ballettmusik verlor nach und nach an Bedeutung.
  Der nächste große Schritt erfolgte in den ersten Jahren des 19. Jahrhunderts, als Solisten begannen, spezielle starre Ballettschuhe – Spitzenschuhe – zu tragen. Dies ermöglichte einen eher fraktionierten Musikstil. Im Jahr 1832 berühmte Ballerina Maria Taglioni (1804-1884) demonstrierte als erste das Tanzen auf Spitzenschuhen. Es war in La Sylphide. Nun war es möglich, dass die Musik ausdrucksvoller wurde. Allmählich wurde der Tanz gewagter, indem Ballerinas von Männern in die Luft gehoben wurden.
  Bis zur Zeit Tschaikowskys war der Komponist des Balletts nicht vom Komponisten der Sinfonien getrennt. Ballettmusik diente als Begleitung für Solo- und Ensembletänze. Tschaikowskys Ballett „Schwanensee“ war das erste Musical Ballettarbeit das entstand symphonischer Komponist. Auf Initiative von Tschaikowsky Ballettkomponisten Sie schrieben keine einfachen und leichten Tanzteile mehr. Nun lag der Schwerpunkt des Balletts nicht nur auf dem Tanz; Ebenso wichtig war die Komposition im Anschluss an die Tänze. Im späten 19. Jahrhundert arbeitete Marius-Petipa, ein Choreograf des russischen Balletts und Tanzes, mit Komponisten wie Cesar-Pugni zusammen, um Ballett-Meisterwerke zu schaffen, die sich sowohl durch komplexen Tanz als auch durch komplexe Musik auszeichneten. Petipa arbeitete mit Tschaikowsky zusammen und arbeitete mit dem Komponisten an seinen Werken „Dornröschen“ und „Der Nussknacker“ zusammen, oder indirekt durch eine Neuausgabe von Tschaikowskys „Schwanensee“ nach dem Tod des Komponisten.
  In vielen Fällen immer noch kurz Ballettszenen Wird in Opern verwendet, um die Kulisse oder das Kostüm zu wechseln. Das vielleicht berühmteste Beispiel für Ballettmusik als Teil einer Oper ist der Stundentanz aus der Oper La Gioconda (1876) von Amilcare Ponchielli.
  Mit der Entstehung von Igor Strawinskys Ballett „Le Sacre du printemps“ (1913) kam es zu einem grundlegenden Stimmungsumschwung.

Die Musik war expressionistisch und diskordant und die Bewegungen stark stilisiert. 1924 schrieb George Antheil Ballet Mechanica. Dies war für einen Film mit bewegten Objekten geeignet, nicht jedoch für Tänzer, obwohl es in der Anwendung innovativ war Jazzmusik. Von diesem Ausgangspunkt aus wird die Ballettmusik in zwei Richtungen unterteilt: Modernismus und Jazztanz. George Gershwin versuchte, diese Lücke mit seiner ehrgeizigen Partitur für Shall We Dance (1937) zu schließen, mehr als eine Stunde Musik, die intellektuellen und technisch präzisen Jazz und Rumba umfasste. Eine der Szenen wurde speziell für die Ballerina Harriet Hoctor komponiert.
Viele sagen, dass Jazztanz am besten durch den Choreografen Jerome Robbins repräsentiert wird, der mit Leonard Bernstein in West Side Story (1957) zusammenarbeitete. In mancher Hinsicht handelt es sich um eine Rückkehr zum „Opernballett“, da die Handlung hauptsächlich in Worten von Sergej Prokofjew im Ballett „Romeo und Julia“ dargestellt wird. Dies ist ein Beispiel für reines Ballett kein Einfluss von Jazz oder irgendeiner anderen Art Popmusik. Ein weiterer Trend in der Geschichte der Ballettmusik ist die Tendenz zu kreativen Adaptionen alter Musik. Ottorino Respighi adaptierte die Werke von Gioachino Rossini (1792–1868) und ihre gemeinsame Serie im Ballett heißt „The Magic Shop“, das 1919 uraufgeführt wurde. Ballettpublikum bevorzugt romantische Musik, so dass neue Ballette mit alten Werken kombiniert werden neue Choreographie. Ein berühmtes Beispiel ist „The Dream“ – Musik von Felix Mendelssohn, adaptiert von John Lanchbury.

Ballettkomponisten

IN Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte lang inszenierten Choreografen Aufführungen zu gesammelter Musik, die meist aus populären und bekannten Opernfragmenten und Liedmelodien bestand. Der erste Versuch, die bestehende Praxis zu ändern, war der Komponist Jean-Madeleine Schneizhoffer. Dafür musste er sich bereits ab seinem Erstlingswerk, dem Ballett „Proserpina“ (1818), erheblicher Kritik ausgesetzt sehen:

Musik gehört dazu junger Mann, was, gemessen an der Ouvertüre und einigen Motiven des Balletts, Ermutigung verdient. Aber ich bin fest davon überzeugt (und die Erfahrung bestätigt meine Meinung), dass geschickt auf Situationen abgestimmte Motive den Intentionen des Choreografen immer besser dienen und seine Intention klarer offenbaren als Musik, die fast völlig neu ist, die, anstatt die Pantomime zu erklären, selbst auf Erklärung wartet.

Trotz der Angriffe von Kritikern gab er im Anschluss an Schneitzhoffer die Tradition auf, gesammelte Ballettpartituren zu erstellen Musikalische Fragmente Andere Komponisten, vor allem Ferdinand Herold und Fromental Halévy, die damals fruchtbar mit Marius Petipa zusammenarbeiteten, begannen bei der Erstellung ihrer Partituren auf die Motive anderer bekannter (zumeist Opern-)Werke zurückzugreifen; Anweisungen des Choreografen und seines Plans - bis hin zur Anzahl der Takte in jeder Nummer. Im Fall von Saint-Leon musste er sogar vom Choreografen vorgegebene Melodien verwenden: Nach den Erinnerungen von Karl Waltz pfiff Saint-Leon, selbst Geiger und Musiker, Minkus mehr als einmal Melodien vor, die er „fieberhaft übersetzte“. in musikalische Notationen.“

Diese Praxis entsprach nicht den Grundsätzen desselben Schneizhoffer, der seinen Ruf als unabhängiger Autor schätzte und bei der Erstellung von Partituren stets getrennt vom Choreografen arbeitete (eine Ausnahme wurde nur bei der gemeinsamen Erstellung des Balletts „La Sylphide“ gemacht).

Veröffentlichungen in der Rubrik Theater

Berühmte russische Ballette. Top 5

Klassisches Ballett - tolle Aussicht Kunst, die während der reifen Renaissance in Italien entstand, „zog“ nach Frankreich, wo König Ludwig XIV. das Verdienst für seine Entwicklung, einschließlich der Gründung der Tanzakademie und der Kodifizierung vieler Bewegungen, hatte. Frankreich exportierte die Kunst des Theatertanzes an alle Europäische Länder, einschließlich Russland. IN Mitte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert war die Hauptstadt des europäischen Balletts nicht mehr Paris, das der Welt die Meisterwerke der Romantik „La Sylphide“ und „Giselle“ bescherte, sondern St. Petersburg. Es ist drin Nördliche Hauptstadt Fast 60 Jahre lang arbeitete der große Choreograf Marius Petipa, der Schöpfer des klassischen Tanzsystems und Autor von Meisterwerken, die die Bühne nicht verlassen haben. Nach der Oktoberrevolution wollten sie „das Ballett vom Schiff der Moderne werfen“, aber es gelang ihnen, es zu verteidigen. Sowjetzeit war geprägt von der Entstehung einer beträchtlichen Anzahl von Meisterwerken. Wir präsentieren fünf russische Spitzenballette – in chronologischer Reihenfolge.

„Don Quijote“

Szene aus dem Ballett Don Quijote. Eine der ersten Produktionen von Marius Petipa

Uraufführung des Balletts von L.F. Minkus „Don Quijote“ im Bolschoi-Theater. 1869 Aus dem Album des Architekten Albert Kavos

Szenen aus dem Ballett Don Quijote. Kitri - Lyubov Roslavleva (Mitte). Inszeniert von A.A. Gorski. Moskau, Bolschoi-Theater. 1900

Musik von L. Minkus, Libretto von M. Petipa. Uraufführung: Moskau, Bolschoi-Theater, 1869, Choreografie von M. Petipa. Nachfolgende Produktionen: St. Petersburg, Mariinsky-Theater, 1871, Choreographie von M. Petipa; Moskau, Bolschoi-Theater, 1900, St. Petersburg, Mariinski-Theater, 1902, Moskau, Bolschoi-Theater, 1906, alle – Choreografie von A. Gorsky.

Das Don Quijote-Ballett ist eine Theateraufführung voller Leben und Freude, ein ewiges Fest des Tanzes, das Erwachsene nie ermüdet und zu dem Eltern ihre Kinder gerne mitnehmen. Obwohl es sich um den Namen des Helden des berühmten Romans von Cervantes handelt, basiert es auf einer seiner Episoden, „Die Hochzeit von Quiteria und Basilio“, und erzählt von den Abenteuern junger Helden, deren Liebe letztendlich trotz allem siegt Widerstand des hartnäckigen Vaters der Heldin, der sie mit dem reichen Gamache verheiraten wollte.

Don Quijote hat also fast nichts damit zu tun. Während der gesamten Aufführung läuft ein großer, dünner Künstler, begleitet von einem kleinen, dickbäuchigen Kollegen, der Sancho Panza darstellt, über die Bühne, was es manchmal schwierig macht, die wunderschönen Tänze von Petipa und Gorsky zu sehen. Ballett ist im Wesentlichen ein Konzert in Kostümen, eine Feier des klassischen Tanzes und des Charaktertanzes, an der alle Künstler teilnehmen Balletttruppe Es gibt einen Fall.

Die Uraufführung des Balletts fand in Moskau statt, wo Petipa von Zeit zu Zeit zu Besuch war, um das Niveau der örtlichen Truppe zu erhöhen, die mit der brillanten Truppe des Mariinsky-Theaters nicht zu vergleichen war. Aber in Moskau gab es mehr Freiheit zum Atmen, und so inszenierte der Choreograf im Wesentlichen eine Ballett-Erinnerung an die wunderbaren Jahre seiner Jugend, die er in einem sonnigen Land verbrachte.

Das Ballett war ein Erfolg und zwei Jahre später verlegte Petipa es nach St. Petersburg, was Änderungen erforderlich machte. Dort charakteristische Tänze interessierten sich deutlich weniger als für reine Klassiker. Petipa erweiterte „Don Quijote“ auf fünf Akte, komponierte den „weißen Akt“, den sogenannten „Don Quijote-Traum“, ein wahres Paradies für Liebhaber von Ballerinas im Tutu und Besitzer hübscher Beine. Die Zahl der Amoretten im „Traum“ erreichte 52...

Zu uns kam „Don Quijote“ in einer Neubearbeitung des Moskauer Choreografen Alexander Gorsky, der sich für die Ideen Konstantin Stanislawskis interessierte und das alte Ballett logischer und dramatisch überzeugender machen wollte. Gorsky zerstörte Petipas symmetrische Kompositionen, schaffte den Tutus in der „Traum“-Szene ab und bestand auf der Verwendung von dunklem Make-up für Tänzer, die spanische Frauen darstellten. Petipa nannte ihn ein „Schwein“, aber bereits in der ersten Gorsky-Adaption wurde das Ballett 225 Mal auf der Bühne des Bolschoi-Theaters aufgeführt.

„Schwanensee“

Bühnenbild für die Uraufführung. Bolschoi-Theater. Moskau. 1877

Szene aus dem Ballett „Schwanensee“ von P.I. Tschaikowsky (Choreografen Marius Petipa und Lev Ivanov). 1895

Musik von P. Tschaikowsky, Libretto von V. Begichev und V. Geltser. Uraufführung: Moskau, Bolschoi-Theater, 1877, Choreographie von V. Reisinger. Nachfolgende Produktion: St. Petersburg, Mariinsky-Theater, 1895, Choreographie von M. Petipa, L. Ivanov.

Das beliebte Ballett, dessen klassische Fassung 1895 aufgeführt wurde, wurde tatsächlich achtzehn Jahre zuvor im Moskauer Bolschoi-Theater geboren. Die Partitur von Tschaikowski, deren Weltruhm noch bevorstand, war eine Art Sammlung von „Liedern ohne Worte“ und schien für die damalige Zeit zu komplex. Das Ballett wurde etwa 40 Mal aufgeführt und geriet in Vergessenheit.

Nach Tschaikowskys Tod wurde „Schwanensee“ im Mariinski-Theater aufgeführt und alle weiteren Produktionen des Balletts basierten auf dieser Fassung, die zum Klassiker wurde. Der Handlung wurde mehr Klarheit und Logik verliehen: Das Ballett erzählte vom Schicksal der schönen Prinzessin Odette, die durch den Willen des bösen Genies Rothbart in einen Schwan verwandelt wurde, wie Rothbart Prinz Siegfried täuschte, der sich in sie verliebte, indem er auf den Charme seiner Tochter Odile zurückgreift, und über den Tod der Helden. Tschaikowskys Partitur wurde vom Dirigenten Riccardo Drigo um etwa ein Drittel gekürzt und neu orchestriert. Petipa schuf die Choreografie für den ersten und dritten Akt, Lev Ivanov – für den zweiten und vierten. Das ist die Aufteilung in idealer Weise folgte dem Ruf beider brillanter Choreografen, von denen der zweite im Schatten des ersten leben und sterben musste. Petipa ist der Vater des klassischen Balletts, der Schöpfer makellos harmonischer Kompositionen und der Sänger der Feenfrau, der Spielzeugfrau. Ivanov ist ein innovativer Choreograf mit einem ungewöhnlich sensiblen Gespür für Musik. Die Rolle der Odette-Odile übernahm Pierina Legnani, „die Königin der Mailänder Ballerinas“, sie ist auch die erste Raymonda und Erfinderin des 32. Fouetté, der schwierigsten Art des Drehens auf Spitzenschuhen.

Sie wissen vielleicht nichts über Ballett, aber Schwanensee kennt jeder. IN letzten Jahren Existenz die Sowjetunion Als sich die älteren Anführer oft gegenseitig ersetzten, kündigten die gefühlvolle Melodie des „weißen“ Duetts der Hauptfiguren des Balletts und das Spritzen geflügelter Hände vom Fernsehbildschirm ein trauriges Ereignis an. Die Japaner lieben „Schwanensee“ so sehr, dass sie es morgens und abends gerne von jeder Truppe aufgeführt sehen. Keine einzige Tourneetruppe, von der es in Russland und insbesondere in Moskau viele gibt, kommt ohne „Swan“ aus.

"Nussknacker"

Szene aus dem Ballett „Der Nussknacker“. Erste Produktion. Marianna – Lydia Rubtsova, Klara – Stanislava Belinskaya, Fritz – Wassili Stukolkin. Mariinski-Theater. 1892

Szene aus dem Ballett „Der Nussknacker“. Erste Produktion. Mariinski-Theater. 1892

Musik von P. Tschaikowsky, Libretto von M. Petipa. Uraufführung: St. Petersburg, Mariinsky-Theater, 1892, Choreografie von L. Ivanov.

In Büchern und auf Websites kursieren immer noch falsche Informationen darüber, dass „Der Nussknacker“ vom Vater des klassischen Balletts, Marius Petipa, inszeniert wurde. Tatsächlich schrieb Petipa nur das Drehbuch und die erste Aufführung des Balletts wurde von seinem Untergebenen Lew Iwanow durchgeführt. Iwanow stand vor einer unmöglichen Aufgabe: Das Drehbuch, das im Stil des damals modischen Extravaganzballetts unter unverzichtbarer Beteiligung eines italienischen Gastdarstellers erstellt wurde, stand in offensichtlichem Widerspruch zu Tschaikowskys Musik, die zwar in strikter Übereinstimmung mit der Musik von Petipa geschrieben war Anweisungen, zeichnete sich durch großes Gefühl aus, dramatische Intensität und komplex symphonische Entwicklung. Darüber hinaus war die Heldin des Balletts ein junges Mädchen, und die Starballerina war nur für den abschließenden Pas de deux (ein Duett mit einem Partner, bestehend aus einem Adagio – einem langsamen Teil, Variationen – Solotänzen und einer Coda) bestimmt ( virtuoses Finale)). Die erste Inszenierung des Nussknackers, bei der der erste Akt überwiegend ein Pantomime-Akt war, sich stark vom zweiten Akt, einem Divertissement-Akt, unterschied, war kein großer Erfolg. Nur der Schneeflockenwalzer war nicht besonders erfolgreich; und das Pas de deux der Zuckerfee und des Keuchhustenprinzen, dessen Inspirationsquelle Ivanovs Adagio mit einer Rose aus Dornröschen war, wo Aurora mit vier Herren tanzt.

Doch im 20. Jahrhundert, das in die Tiefen von Tschaikowskys Musik vordringen konnte, war „Der Nussknacker“ für eine wahrhaft fantastische Zukunft bestimmt. Es gibt unzählige Ballettproduktionen in der Sowjetunion, europäischen Ländern und den USA. In Russland erfreuen sich vor allem Inszenierungen von Wassili Wainonen am Staatlichen Akademischen Opern- und Balletttheater Leningrad (heute Mariinski-Theater in St. Petersburg) und Juri Grigorowitsch am Moskauer Bolschoi-Theater großer Beliebtheit.

„Romeo und Julia“

Ballett „Romeo und Julia“. Julia – Galina Ulanova, Romeo – Konstantin Sergeev. 1939

Frau Patrick Campbell als Julia in Shakespeares Romeo und Julia. 1895

Finale des Balletts „Romeo und Julia“. 1940

Musik von S. Prokofjew, Libretto von S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Uraufführung: Brünn, Opern- und Balletttheater, 1938, Choreographie von V. Psota. Nachfolgende Produktion: Leningrad, nach ihm benanntes Staatliches Akademisches Opern- und Balletttheater. S. Kirov, 1940, Choreographie von L. Lawrowski.

Wenn ein Shakespeare-Satz in einer berühmten russischen Übersetzung lautet „Es gibt keine traurigere Geschichte auf der Welt als die Geschichte von Romeo und Julia“, dann sagten sie über das Ballett, das der große Sergej Prokofjew zu dieser Handlung geschrieben hatte: „Es gibt keine traurigere Geschichte auf der Welt als Prokofjews Musik im Ballett“. Die Partitur von Romeo und Julia war in ihrer Schönheit, ihrem Farbenreichtum und ihrer Ausdruckskraft wirklich erstaunlich und schien zum Zeitpunkt ihres Erscheinens zu komplex und für das Ballett ungeeignet. Balletttänzer weigerten sich einfach, dazu zu tanzen.

Prokofjew schrieb die Partitur 1934 und sie war ursprünglich nicht für das Theater gedacht, sondern für die berühmte Leningrader Akademische Choreografische Schule zur Feier ihres 200-jährigen Jubiläums. Das Projekt wurde aufgrund der Ermordung Sergej Kirows in Leningrad im Jahr 1934 nicht umgesetzt Musiktheater In der zweiten Hauptstadt kam es zu Veränderungen. Auch der Plan, „Romeo und Julia“ im Moskauer Bolschoi aufzuführen, ging nicht in Erfüllung. 1938 wurde die Uraufführung im Brünner Theater gezeigt, und nur zwei Jahre später wurde Prokofjews Ballett schließlich im Heimatland des Autors, im damaligen Kirow-Theater, aufgeführt.

Choreograf Leonid Lavrovsky, als Teil eines hochgelobten Sowjetmacht Das Genre des „Dramaballetts“ (eine für das Ballett der 1930er und 1950er Jahre charakteristische Form des choreografischen Dramas) schuf ein beeindruckendes, aufregendes Spektakel mit sorgfältig ausgearbeiteten Massenszenen und feinen Konturen psychologische Merkmale Charaktere. Zu seiner Verfügung stand Galina Ulanova, die anspruchsvollste Ballerina-Schauspielerin, die in der Rolle der Julia unübertroffen blieb.

Prokofjews Partitur wurde schnell von westlichen Choreografen geschätzt. Die ersten Versionen des Balletts erschienen bereits in den 40er Jahren des 20. Jahrhunderts. Ihre Schöpfer waren Birgit Kullberg (Stockholm, 1944) und Margarita Froman (Zagreb, 1949). Berühmte Inszenierungen von „Romeo und Julia“ gehören Frederick Ashton (Kopenhagen, 1955), John Cranko (Mailand, 1958), Kenneth MacMillan (London, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moiseeva, 1958, Choreographie von Yu. Grigorovich, 1968.

Ohne Spartak ist das Konzept des „sowjetischen Balletts“ undenkbar. Das ist ein echter Hit, ein Symbol dieser Zeit. Sowjetzeit entwickelte andere Themen und Bilder, die sich stark vom traditionellen klassischen Ballett unterschieden, das von Marius Petipa und den Kaiserlichen Theatern von Moskau und St. Petersburg übernommen wurde. Märchen mit Happy End wurden archiviert und durch Heldengeschichten ersetzt.

Bereits 1941 einer der führenden Sowjetische Komponisten Aram Khachaturian sprach über seine Absicht, Musik für eine monumentale, heroische Aufführung zu schreiben, die auf der Bühne des Bolschoi-Theaters aufgeführt werden sollte. Das Thema dafür war eine Episode aus antike römische Geschichte, ein von Spartacus angeführter Sklavenaufstand. Khachaturian schuf eine farbenfrohe Partitur mit armenischen, georgischen und russischen Motiven voller wunderschöner Melodien und feuriger Rhythmen. Die Produktion sollte Igor Moiseev übernehmen.

Es dauerte viele Jahre, bis sein Werk das Publikum erreichte, und es erschien nicht im Bolschoi-Theater, sondern im Theater. Kirow. Der Choreograf Leonid Yakobson schuf eine atemberaubende innovative Darbietung, indem er die traditionellen Attribute des klassischen Balletts aufgab, darunter das Tanzen auf Spitzenschuhen, die Verwendung freier Plastizität und das Tragen von Sandalen durch die Ballerinas.

Doch das Ballett „Spartacus“ wurde 1968 in den Händen des Choreografen Juri Grigorowitsch zum Hit und zum Symbol der Epoche. Grigorowitsch verblüffte den Zuschauer mit seiner perfekt konstruierten Dramaturgie, der subtilen Darstellung der Charaktere der Hauptfiguren, der gekonnten Inszenierung von Massenszenen sowie der Reinheit und Schönheit der lyrischen Adagios. Er nannte sein Werk „eine Aufführung für vier Solisten mit einem Corps de Ballet“ (Corps de Ballet sind Künstler, die an Massentanzepisoden beteiligt sind). Die Rolle des Spartacus spielten Vladimir Vasiliev, Crassus – Maris Liepa, Phrygia – Ekaterina Maksimova und Aegina – Nina Timofeeva. Das Ballett war überwiegend von Männern besetzt, was das Ballett „Spartacus“ einzigartig macht.

Neben den berühmten Spartacus-Lesungen von Jacobson und Grigorovich gibt es etwa 20 weitere Aufführungen des Balletts. Darunter sind die Fassungen von Jiří Blazek für das Prager Ballett, László Szeregi für das Budapester Ballett (1968), Jüri Vamos für die Arena di Verona (1999), Renato Zanella für das Wiener Staatsopernballett (2002), Natalia Kasatkina und Vladimir Vasiliev für das von ihnen geleitete Staatliche Akademische Theater für klassisches Ballett in Moskau (2002).

Was auch immer man sagen mag, man kann das berühmte Meisterwerk des russischen Komponisten in vier Akten nicht ignorieren, dank dem die deutsche Legende vom schönen Schwanenmädchen in den Augen von Kunstkennern verewigt wurde. Der Handlung zufolge verrät der in die Schwanenkönigin verliebte Prinz sie, doch selbst die Erkenntnis des Fehlers rettet weder ihn noch seine Geliebte vor den tobenden Elementen.

Bild Hauptfigur– Odettes – als Ergänzung zur Galerie weiblicher Symbole, die der Komponist im Laufe seines Lebens geschaffen hat. Bemerkenswert ist, dass der Autor der Balletthandlung noch unbekannt ist und die Namen der Librettisten auf keinem Plakat erschienen sind. Das Ballett wurde erstmals 1877 auf der Bühne des Bolschoi-Theaters aufgeführt, die erste Fassung galt jedoch als erfolglos. Am meisten berühmte Produktion– Petipa-Iwanow, das zum Standard für alle weiteren Aufführungen wurde.

Die besten Ballette der Welt: „Der Nussknacker“ von Tschaikowsky

Das an Silvester beliebte Nussknacker-Ballett für Kinder wurde erstmals 1892 auf der Bühne des berühmten Mariinsky-Theaters der Öffentlichkeit präsentiert. Die Handlung basiert auf Hoffmanns Märchen „Der Nussknacker und der Mäusekönig“. Der Kampf der Generationen, die Konfrontation zwischen Gut und Böse, die Weisheit hinter der Maske – tiefgründig philosophische Bedeutung Märchen in hellem Gewand Musikalische Bilder, höchst verständlich junge Zuschauer.

Die Aktion findet im Winter, am Heiligabend, statt, wenn alle Wünsche in Erfüllung gehen können – und das verleiht zusätzlichen Charme magische Geschichte. In diesem Märchen ist alles möglich: gehegte Wünsche wird Wirklichkeit werden, die Masken der Heuchelei werden fallen und die Ungerechtigkeit wird mit Sicherheit besiegt werden.

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Die besten Ballette der Welt: „Giselle“ von Adana

„Die Liebe, die stärker als der Tod" - vielleicht die zutreffendste Beschreibung berühmtes Ballett in vier Akten „Giselle“. Die Geschichte eines Mädchens, das aus glühender Liebe stirbt und sein Herz jemandem schenkt, der mit einer anderen Braut verlobt ist edler junger Mann, wird so anschaulich in den anmutigen Pas der schlanken Wilis vermittelt – Bräute, die vor der Hochzeit starben.

Das Ballett war von der ersten Aufführung im Jahr 1841 an ein großer Erfolg und stand 18 Jahre lang auf der Bühne Pariser Oper Es wurden 150 Theateraufführungen des Werks des berühmten französischen Komponisten aufgeführt. Diese Geschichte eroberte die Herzen von Kunstkennern so sehr, dass ein Ende des 19. Jahrhunderts entdeckter Asteroid sogar nach der Hauptfigur der Geschichte benannt wurde. Und schon heute haben sich unsere Zeitgenossen um den Erhalt einer der größten Perlen gekümmert klassisches Werk in Filmversionen der klassischen Produktion.

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Die besten Ballette der Welt: „Don Quijote“ von Minkus

Die Ära der großen Ritter ist längst vorbei, aber das hindert moderne junge Damen keineswegs daran, davon zu träumen, Don Quijote des 21. Jahrhunderts zu treffen. Das Ballett vermittelt präzise alle Details der Folklore der Einwohner Spaniens; und viele Meister versuchten, die Handlung der edlen Ritterlichkeit in einer modernen Interpretation zu inszenieren, aber es ist die klassische Inszenierung, die seit einhundertdreißig Jahren die russische Bühne schmückt.

Dem Choreografen Marius Petipa gelang es, durch den Einsatz von Elementen gekonnt das gesamte Flair der spanischen Kultur im Tanz zu verkörpern Nationaltänze, und einige Gesten und Posen weisen direkt auf den Ort hin, an dem sich die Handlung entfaltet. Die Geschichte hat bis heute nicht an Bedeutung verloren: Auch im 21. Jahrhundert inspiriert Don Quijote gekonnt warmherzige junge Menschen, die im Namen von Güte und Gerechtigkeit zu Verzweiflungstaten fähig sind.

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Die besten Ballette der Welt: Prokofjews Romeo und Julia

Unsterbliche Geschichte von zwei liebevolle Herzen, erst nach dem Tod für immer vereint, wird dank Prokofjews Musik auf der Bühne verkörpert. Die Inszenierung fand kurz vor dem Zweiten Weltkrieg statt, und wir müssen den engagierten Meistern Tribut zollen, die sich der damals üblichen Ordnung widersetzten, die auch im Schaffensbereich des stalinistischen Landes herrschte: Der Komponist bewahrte den traditionellen tragischen Schluss des Dramas Handlung.

Nach dem ersten großen Erfolg, der dem Stück den Stalin-Preis verlieh, gab es viele Versionen, aber buchstäblich im Jahr 2008 fand die traditionelle Inszenierung von 1935 in New York statt, mit einem bis dahin der Öffentlichkeit unbekannten Happy End berühmte Geschichte.

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Viel Spaß beim Zuschauen!