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AULA 22.

Hugo

1 Após uma doença de três semanas, Naum Yakovlevich.

Faz muito tempo que não nos vemos. Tanto quanto me lembro, disse que a onda mais poderosa do romantismo francês surge algures na segunda metade dos anos vinte e atinge um auge especial no início dos anos trinta. Este é o chamado romantismo dos anos trinta. Extremamente rico em nomes e talentos. Tanto na literatura como em outras áreas da criatividade. O romantismo dos anos trinta, que produziu maravilhosos prosadores, poetas, dramaturgos, pintores e compositores. E Victor Hugo logo se tornou o líder geralmente reconhecido desse romantismo.

1802-1885. Estas são as datas de sua vida. Eles passaram por quase todo o século XIX. Além disso, iniciou a sua atividade literária muito cedo. Ele tinha cerca de vinte anos quando se tornou um poeta famoso. Então, veja bem, a vida dele na turnê literária é de sessenta anos.

Victor Hugo foi extremamente prolífico, como, aliás, toda a sua geração foi prolífica. E esta é uma característica notável desta geração – a fertilidade. Havia escritores aqui, criando volume após volume. Criando exércitos inteiros de obras. Ao lado de Victor Hugo chamarei Georges Sand. Multivolume George Sand. Vou citar um ainda mais volumoso e conhecido de todos vocês, querido por todos nós, Alexandre Dumas. Esta é uma época de prosadores muito prolíficos no campo da história. Historiadores maravilhosos. É hora de Michelet, Thierry. Todos estes são autores de muitos volumes.

E é muito bom sinal- esta é a fertilidade deles. É claro que não é acidental. Há momentos em que mesmo muito bons escritores com grande dificuldade dão à luz um livro e meio. E aqui, veja você, exércitos inteiros de livros foram trazidos por essas pessoas. Eles tinham algo a dizer - essa é a razão da sua fertilidade. Eles estavam transbordando de material para declarações. E é por isso que eles se expressaram tão abundantemente, tão ricamente – os escritores desta época.

Victor Hugo não foi apenas prolífico, mas também extremamente variado no seu trabalho. Ele era um poeta, autor de muitos coleções de poesia, que apareceu de vez em quando ao longo de sua vida. Ele foi um dramaturgo que criou um teatro totalmente novo para os franceses com suas peças. Finalmente, ele foi um romancista, autor de grandes romances. Romances, muitas vezes aproximando-se do tipo de épico, como “Lesmiserables” (“Les Miserables”).

Mas não só isso, ele também foi um publicitário e panfletário maravilhoso. Escreveu trabalhos maravilhosos sobre literatura. Como, digamos, ele livro maravilhoso, que ainda não é suficientemente apreciado entre nós, sobre Shakespeare.

Veja bem, dramaturgo, poeta, crítico, publicitário - tudo em um.

Há uma diferença entre a avaliação francesa de Victor Hugo e a nossa avaliação. Os franceses valorizam Victor Hugo acima de tudo como poeta. Para eles, antes de tudo, ele é um grande poeta. Os jovens poetas franceses muitas vezes reconhecem com relutância Victor Hugo como o chefe da poesia francesa, embora não gostem de tudo o que ele escreveu.

Quando uma pessoa famosa veio até nós Escritor francês André Gide, perguntaram-lhe qual poeta francês consideravam o melhor. E ele respondeu: “Helas, VictorHugo” - “Ai de mim, Victor Hugo”.

Então, para os franceses, este é principalmente um poeta. E só em segundo lugar - um dramaturgo. E apenas em terceiro lugar - um romancista. Nossa ordem está invertida. Amamos Victor Hugo, o romancista. Quão famoso é Victor Hugo? Como autor de "Sobor" Notre Dame de Paris", "Trabalhadores do Mar", "Os Miseráveis". Este é Vitor Hugo. Para os franceses, tudo isso fica nas sombras.

Victor Hugo é um dramaturgo maravilhoso e um autor extremamente grato pelo teatro. Efeitos colossais podem ser extraídos dos dramas de Victor Hugo. Sim, eles são projetados para efeitos. Enquanto isso, raramente é encenado aqui. Não sabemos como jogar. Em vez de Victor Hugo, eles interpretam outro autor. Nossos teatros não dominam o estilo de Victor Hugo. Estilo dramático. Também é tocado, eu diria, com sobriedade. E desta sobriedade Victor Hugo murcha imediatamente. Algum impulso especial exagerado é necessário para seus dramas. Às vezes você precisa estar nervoso e superexcitado. Mas aqui eles tocam com uma frieza cotidiana, que estraga tudo no palco.

Na década de 1830, Victor Hugo era o líder geralmente reconhecido não apenas da literatura jovem, mas da arte em geral na França. Aqui está uma história típica daquela época, de Théophile Gautier. Este é um poeta maravilhoso que começou como romântico e depois deixou o romantismo. Ele deixou memórias muito interessantes. Ele estudou em uma escola de pintura, o que geralmente é típico dos poetas românticos franceses. Muitos deles começaram com pintura. Théophile Gautier conta como ele e seus amigos foram até a casa onde morava Victor Hugo. E nem todos se atreveram a tocar a campainha. No final, o próprio Victor Hugo abriu a porta para descer e viu todo o grupo. Ele, é claro, percebeu imediatamente por que essas pessoas tomaram posse das escadas de sua casa. Ele os cumprimentou e uma conversa começou. Conversa com o mestre. O próprio mestre ainda era muito jovem, mas já era um líder e professor geralmente reconhecido.

eu não vou dar revisão completa sua criatividade. Eu só vou dar características gerais os fundamentos de seu trabalho, usando algumas obras como exemplos. Vou me concentrar em sua dramaturgia. Porque, em primeiro lugar, é mais visível. É mais compacto. E nele, talvez, as características de sua poética e estilo sejam expressas de forma mais nítida.

Victor Hugo desempenhou um papel muito importante na história do drama francês, como toda a sua geração. Para os românticos franceses, era uma tarefa muito importante conquistar o teatro, conquistar o palco. EM países diferentes aconteceu de maneiras diferentes. Digamos Românticos ingleses dominou o palco sem muita dificuldade. Sim, eles realmente não se esforçaram para isso. Palco inglês foi preparado para o romantismo por Shakespeare. Shakespeare reinou lá, e depois de Shakespeare os românticos não tiveram mais nada para fazer no palco.

Os alemães assumiram o controle da etapa com muita facilidade.

Mas era uma questão diferente na França. Em 1830, o romantismo na França já dominava a prosa. A prosa foi conquistada por Chateaubriand. A poesia também já havia sido parcialmente conquistada por Lamartine, Musset e depois por Hugo. Mas o palco não cedeu. A coisa mais difícil para o romantismo penetrar no palco. As peculiaridades das condições nacionais francesas afetaram isso.

Na França, como em nenhum outro lugar, o classicismo, o teatro do classicismo, era forte.

Os românticos estavam em alta em Paris, e Corneille, Racine, Voltaire e outros ainda reinavam no palco. Eles resistiram à revolução. Eles também resistiram a Napoleão, que, aliás, incentivou grandemente o classicismo. Sob ele, o classicismo floresceu especialmente no palco. O repertório, como vocês podem ver, era clássico. O estilo de jogo era clássico. O classicismo não é apenas um repertório. Este é um estilo de atuação teatral. Este é um teatro declamatório que se apoia na palavra declamatória, no gesto declamatório. Para Romantismo francês essa foi uma questão extremamente importante: conquistar o palco. Significaria a conquista da literatura em geral.

E a partir do final da década de 20 começaram os ataques de romances no palco. A princípio de uma forma relativamente modesta.

Victor Hugo publica o drama Cromwell. Isto é sobre este Cromwell histórico. O drama é muito interessante, muito corajoso em vários aspectos. E em um aspecto tímido. Este drama não foi projetado para ser encenado. Victor Hugo ainda não se atreveu a ir para a produção. Cromwell é um grande drama. Este é um volume enorme. Um romance, a rigor. Eu diria o seguinte: “Cromwell” é muito teatral e nada teatral. Foi escrito com um entendimento muito grande do que o teatro precisa, do que soa, do que impressiona no palco. Mas não é digno de palco, porque não é realizável no palco. Este é um trabalho tão colossal que a apresentação deveria durar três dias. Este é um drama de enorme extensão.

Hugo prefaciou Cromwell com um prefácio. A rigor, foi um manifesto romântico, que proclamava os princípios de uma nova direção, uma direção romântica.

E então Victor Hugo escreveu um drama, que já estava pensado tanto para a teatralidade quanto para a performance no palco. Esse drama dele, que ficou famoso, é “Ernani”. "Ernani", tocado em 1830 e decidiu o destino Teatro francês.

Existem muitas histórias sobre as primeiras apresentações de Ernani. Foram performances muito tempestuosas. Houve verdadeiras brigas em público entre quem era a favor desse drama e quem era contra. Victor Hugo era um homem muito hábil nos assuntos de sua própria glória. (Foi dito sobre ele, não sem razão, que ele sabia como conseguir fama.) Ele distribuiu ingressos de entrada ter apoiadores no teatro. Apoiadores de Hernani - jovens artistas, escritores, músicos, arquitetos - iam ao teatro com roupas excêntricas. Théophile Gautier, por exemplo, veio vestindo um colete vermelho especialmente feito sob encomenda, que mais tarde se tornou lendário. E esses jovens entraram em confronto com os conservadores do teatro. E eles criaram um sucesso sem precedentes para esse desempenho. Ernani acabou sendo uma vitória de Victor Hugo e do romantismo. Vitória no palco. Posteriormente, apenas uma vez algo semelhante a esta batalha da época de “Hernani” se repetiu no palco parisiense. Isto foi mais tarde, quando o Tannhäuser de Wagner foi apresentado pela primeira vez na Grande Ópera. Havia a mesma intensidade de paixões: por Wagner ou contra Wagner. Essas paixões teatrais, brigas por um novo repertório; novo estilo - eles são muito claros.

Cada teatro tinha seu próprio público. Pessoas que estão acostumadas a ir a este teatro. Não porque o amem tanto, mas porque este é o local combinado onde se encontram. Eles vão para as pousadas e lá encontram todos os seus amigos. O teatro é uma espécie de clube, se você quiser. E aqui estão alguns grupos de pessoas - eles estão acostumados a se reunir sob o signo de tal ou tal teatro. Isso é quase o mesmo que o hábito de se reunir em um restaurante ou outro. Tal como, digamos, no Ocidente, cada restaurante tem o seu próprio público. É difícil entrar uma pessoa nova, pois todas as mesas estão inscritas há décadas e sabe-se quem senta onde.

Então, é o mesmo teatro. Quem rejeitou tão furiosamente o romantismo foi o antigo público dos teatros parisienses, habituado a ver isto e aquilo no palco, em tais e tais circunstâncias, para se encontrar com amigos e conhecidos. E agora, no seu clube preferido, no seu estabelecimento, na sua casa, se quiser, algumas pessoas novas estão invadindo a sua casa, tomando conta do próprio palco que você considera um palco que serve apenas a você e a mais ninguém. E é claro que isto está a causar uma resistência tão feroz. Esta é a verdadeira origem da luta de Hernani. Este público indígena lutou contra os alienígenas que vieram do nada.

O velho público, aliás, não defendia o classicismo. Conhecemos os costumes do teatro francês. O público compareceu aos teatros, muito menos para a apresentação. E aqui, você vê, do nada aparece um novo público, alguns atores com um novo estilo que exigem atenção. Só isso me enfureceu - ter que acompanhar a apresentação. É por isso que tais batalhas ocorreram nos primeiros dias de Hernani.

E esses jovens frequentadores do teatro, amigos de Victor Hugo, acabaram por ser vencedores. Victor Hugo obrigou o teatro parisiense a encenar suas peças, as peças dele e de seus amigos. Alexandre Dumas subiu ao palco com ele. No início, Alexandre Dumas foi um dramaturgo prolífico, escrevendo peça após peça. Bem, apareceu um terceiro maravilhoso dramaturgo romântico - Musset. Alfred de Musset, autor de comédias maravilhosas.

Então, veja bem, Victor Hugo, Dumas, Musset e depois outros. Eles encheram o palco francês com um repertório romântico.

Surgiram atores românticos, atores com um novo estilo de atuação, não parecido com o classicismo. Atores e atrizes são românticos. Abandonaram esse estilo declamatório clássico, simplificaram o estilo de palco, tornando-o mais emocional, diretamente emocional.

Mas isso é tudo história externa dramaturgia romântica, a dramaturgia de Victor Hugo. Agora vamos descobrir o que é do nosso jeito características artísticas foi sua dramaturgia? Qual foi essa peça do seu “Ernani”? O que havia de novo e inesperado nisso? Vale a pena fazer isso ainda mais porque esses princípios são característicos tanto de seus poemas quanto de seus romances.

Como uma peça geralmente é analisada? Eles começam a classificá-los por personagem. Este é o quinto, décimo personagem. Supõe-se que se você resumir essas análises, poderá dominar o todo.

Então, as peças de Victor Hugo são marcantes porque essas análises de personagens não vão te dar nada. Se você quiser perder a peça dele, poderá dissecá-la dessa maneira. A peça será perdida para você.

Se você procura a conexão usual de causa e efeito em uma peça, se submete a peça a uma análise pragmática, comece a se perguntar por que e por que os personagens agem de tal ou tal maneira - mais uma vez, Victor Hugo passará por você .

Balzac, um escritor de tipo completamente diferente de Victor Hugo, embora tivesse muito em comum com ele, escreveu um artigo interessante sobre Hernani, um artigo destruidor e devastador. Você vai ler este artigo. Ela é muito interessante. Análise destrutiva. Destruir porque Balzac analisa “Ernani” de forma pragmática. Mas Victor Hugo não resiste às análises pragmáticas nem em Ernani nem em outras obras. Se você quer falhar com Victor Hugo, então você o aborda com uma análise pragmática.

Assim, os padrões habituais de análise dramática não se aplicam a Victor Hugo. E Balzac mostrou isso. Ele submeteu Victor Hugo a um interrogatório padrão. Mas Victor Hugo cede a tais sondagens. Não existe essa lógica comercial comum - acho que é melhor colocar desta forma - em seus dramas. Acho que nem um único bom dramaturgo tem lógica empresarial.

E aqui está "Ernani". Em que se baseia todo esse drama? Esta é a Renascença, a Renascença Espanhola. Magnífico Renascimento. O Renascimento, ao qual Victor Hugo, como todos os românticos, foi muito parcial. Assim, o Renascimento espanhol, o jovem rei espanhol Don Carlos, que em breve se tornará o Imperador Carlos V, Sacro Imperador Romano.

Hernani é filho de um nobre espanhol executado. Privado de seus bens, de seus direitos, ele se transformou em ladrão de florestas, filho de um nobre espanhol. Vive na floresta com seu povo. A trama do drama está no amor de Hernani e Dona Sol. Doña Sol é uma jovem e bela mulher que está sob a tutela de de Silva, o velho de Silva, que vai se casar com ela. Então, aqui está a situação inicial: uma beldade, um velho guardião que a ameaça de casamento e um amante.

Hernani tem um rival. Este é Dom Carlos. Dom Carlos também está apaixonado por Dona Sol. E aqui está o primeiro ato. No caso de Silva, um rei e um ladrão colidem acidentalmente. Victor Hugo adora contrastes. É exatamente disso que ele precisa para que o ladrão da floresta e o rei fiquem no mesmo tabuleiro.

Quase ocorre uma briga entre eles. Mas de Silva aparece. No segundo ato, o rei fica nas mãos de Ernani. Hernani pode acabar com o rei, com seu rival, com o inimigo, etc. Mas a peculiaridade de Victor Hugo é que quando o herói tem todas as oportunidades de resolver seu, por assim dizer, problema de vida, ele não o resolve. O drama de Hugo está sempre estruturado assim: quando parece que um ou outro nó dramático pode ser desatado, os heróis não o desfazem. Você pode acabar com o rei, mas ele o deixa livre.

Terceiro ato. Este é o castelo de Silva. Castelo na floresta. Aqui está Silva e sua patrona, Dona Sol. E então ele invade o Castelo Ernani. Caçado. Há uma perseguição atrás dele. O rei e suas tropas cercaram toda a floresta. Já estão alcançando Hernani. Hernani pede refúgio ao rival e também inimigo, de Silva. E de Silva dá abrigo a Hernani. Ele afasta um retrato, atrás dele há um nicho: esconda-se aqui. Depois de algum tempo o rei aparece. Mas Silva não entrega Hernani.

Este é o ritmo especial do drama de Victor Hugo. Uma solução prática para o drama está prestes a amadurecer – e é adiada. É deixado de lado devido à generosidade especial dos heróis. Ernani não tocará no rei, porque o rei não queria lutar com ele, e Ernani só reconhece uma luta justa. De Silva, de acordo com a lei da hospitalidade, salva o seu rival do rei. E assim por diante. Isso é o tempo todo, quando parece que uma decisão pragmática já está pronta, tudo está aí para isso, tudo é dado para isso, é adiado. É adiado repetidas vezes.

Balzac descobre que tudo isso é uma bobagem infantil - todo esse drama. Que tipo de drama é esse quando as pessoas, prestes a resolver seus problemas, recuam repentinamente? Quais são esses atrasos eternos? Algum tipo de jogo de atraso neste drama. Além disso, esses atrasos não se devem à covardia dos heróis. Não não. São atrasos devido à sua generosidade. Eles podem acabar com seus adversários, mas não querem. Lendo tal drama, você pouco a pouco adivinha (ou não adivinha, uma de duas coisas) - você adivinha que é ousado. O que significam esses atrasos e atrasos constantes? O que significam esses problemas eternamente insolúveis dos heróis?

Os heróis, por assim dizer, não compreendem as possibilidades do sucessor que está à sua frente. Qualquer outra pessoa teria aproveitado essas oportunidades. Mas Victor Hugo não. Então, por que isso acontece? Isso vem do excesso de energia, do excesso de força. Os heróis têm uma força vital tão grande, tanta energia é dada a eles que eles não têm pressa. Eles não valorizam nenhuma oportunidade de sucesso. O herói perdeu o sucesso aqui - ele vai compensar amanhã. Ele vai compensar em outro momento, em outro lugar. Este estranho comportamento dos heróis é a prova da enorme energia vital com que estão carregados. Eles estão, por assim dizer, jogando com seus próprios objetivos. Eles jogam porque estão convencidos de que esses objetivos não os abandonarão. É melhor atingir um objetivo de uma forma mais bonita e nobre do que aproveitar as primeiras oportunidades que surgirem, a sorte.

Estamos acostumados a encontrar algum tipo de comportamento conveniente nos personagens do drama. Isto é pragmatismo: comportamento subordinado a objetivos. Mas em Victor Hugo, os objetivos são adiados voluntariamente pelos próprios heróis. Eles não são, por assim dizer, gananciosos em termos de objetivos. Eles são fortes demais para valorizar a possibilidade de sucesso, seja ele qual for. Hernani quer derrotar seus rivais, mas quer vencer de forma bela e magnífica. Ele poderia simplesmente matar o rei. Mas não, esta não é uma opção para ele. De Silva poderia livrar-se de Ernani entregando-o ao rei, mas de Silva nunca faria isso. Em Victor Hugo, seus heróis não são de forma alguma o que normalmente se chama de personagem de uma peça. Bem, é claro que Hernani e Silva têm algum tipo de caráter. Mas isto não é nada significativo. O que importa não é o caráter, mas a quantidade de energia inerente a ele. É importante que carga de paixão seja investida em uma pessoa. O teatro de Victor Hugo, como o teatro de todos os românticos, é um teatro de paixões. As paixões são a força motriz da alma, a força motriz da personalidade - é tudo sobre elas. E para Victor Hugo, a ação romântica é apenas uma forma de expor paixões. O drama existe para tornar as paixões visíveis. Estas são as paixões que enchem as pessoas, enchem o mundo.

Como os personagens de Victor Hugo diferem de outros personagens? Eles não diferem em nada em nenhum aspecto característico. Bem, existem alguns traços de caráter em Don Carlos, em Hernani - mas tudo isso fica em segundo plano. Os heróis de Victor Hugo distinguem-se pela carga de paixão dada a cada um. Talvez seja uma comparação grosseira, mas eu diria o seguinte: para Victor Hugo, é importante quantas velas essa pessoa está acesa.

Existem personagens que valem cem velas, duzentas velas, mil velas. A voltagem é importante para ele, por assim dizer. E seus heróis competem, competem justamente neste sentido: quantas velas custa cada uma. O rei Dom Carlos também arde com muitas velas, mas está longe de Hernani. E essa intensidade de pessoa - em Victor Hugo não depende de nenhum traço individual característico deste ou daquele herói. Uma das personalidades mais apaixonadas do drama é Silva. De Silva é um homem velho. Este é um guardião clássico. Este tema já foi discutido mil vezes. Principalmente na comédia. Como isso geralmente acontece? Um guardião, um guardião tão antigo, é sempre uma personalidade cômica. Sempre foi desenvolvido por comédias, mas. Estas são pretensões cômicas à juventude e ao amor. Bem, digamos que um exemplo clássico seja Don Bartolo em O Barbeiro de Sevilha. E o de Silva de Victor Hugo não tem graça. Não há nada de engraçado nisso. Assustador - sim. E risos - nunca e em lugar nenhum. Eu diria que com Victor Hugo a paixão – esse princípio da paixão nos seus dramas – devora personagens. O caráter desaparece atrás da paixão. E então aqui está Silva. De Silva, sim, este é um guardião, este é um feitor, este é um tirano - tudo isso é verdade. Mas a intensidade da paixão nessa pessoa é tão alta que todas essas características, todos esses detalhes - desaparecem completamente, desaparecem. Isso é o que significa personagem devorado pela paixão.

Para Victor Hugo (este é o seu teatro romântico), para ele o teatro é um parque de paixões, é uma demonstração paixão humana, sua onipotência. É, eu diria, sobrenaturalidade. Não existem barreiras, nem barreiras à paixão. Como você pode ver, não existem nem barreiras de idade. A paixão derruba a natureza, as leis da natureza, as limitações da natureza. A paixão é o domínio do domínio humano. É aqui e onde o homem reina - no mundo da paixão. Não há proibições, nem restrições para ele aqui. Para ele não há “nãos” aqui. Ele pode fazer qualquer coisa. Lembre-se dos romances de Victor Hugo, aí também é sob o poder da paixão que as pessoas fazem algo inimaginável, impensável. Por exemplo, Jean Valjean em Os Miseráveis.

A paixão de Victor Hugo, como todos os românticos franceses, transforma uma pessoa em um super-homem.

Você vem ao Teatro Victor Hugo para ver como as pessoas, transformadas pela paixão, se transformam em super-homens.

Victor Hugo retrata essa transformação de pessoas em super-homens em todos os seus romances. Lembre-se da Catedral de Notre Dame. Primeiro ali na sua frente pessoas comuns em papéis comuns. Aqui está a dançarina Esmeralda, com sua cabra de chifres dourados. O sombrio arquidiácono Claude Frollo. O feio sineiro Quasimodo. E observe como tudo muda gradualmente. Como as pessoas saem de seus papéis. Os escritores realistas geralmente mostram como as pessoas desempenham seus papéis. Esta é a tarefa deles. Mas com Victor Hugo, a questão toda é como você saiu do seu papel - um romance ou drama é escrito por esse motivo. Estrito Claude Frollo, escolástico, estudioso - ele se transforma em um amante louco. Esquecido, caçado pelos homens, Quasímodo — nele se revela a alma mais terna. Esta dançarina de rua Esmeralda - ela acaba sendo o destino de tantas pessoas. A saída da vida das suas fronteiras, a saída das pessoas das suas fronteiras - este é o pathos de Victor Hugo e este é o pathos do romantismo. Lembre-se do que eu lhe contei sobre o rio Mississipi, que está erodindo suas margens. Este é um símbolo de romance. O rio Mississippi não leva em consideração suas margens. A vida não leva em conta os seus limites, as pessoas não levam em conta os seus papéis. Tudo ultrapassa seus limites.

O prefácio do drama "Cromwell" foi percebido pelos contemporâneos como um manifesto arte romântica. Abriu caminho para o drama romântico, que começou a conquistar o palco francês. "Ernani" é a primeira obra dramática de Victor Hugo - a primeira concretização das suas ideias. A estreia aconteceu no Teatro de Comédia Francês em 25 de fevereiro de 1830, às vésperas da Revolução de Julho. O clima tenso dessa época intensificou a luta literária, o que contribuiu para o acirramento das paixões em torno da peça. A estreia de “Ernani” transformou-se numa manifestação genuína.

A atmosfera da performance é capturada nas memórias de Théophile Gautier em sua “História do Romantismo”, e nas memórias da brilhante Mademoiselle Mars, que desempenhou o papel de Doña Sol, e no diário de Joannie, que desempenhou o papel de Ruy Gomez, onde escreveu: “ Intriga furiosa. Até as damas da alta sociedade interferem neles... Não há lugar onde uma maçã caia no corredor e é sempre igualmente barulhento" E aqui está o verbete datado de 5 de março de 1830: “ A sala está lotada, o apito fica mais alto; Há algum tipo de contradição nisso. Se a peça é tão ruim, por que eles querem assistir? E se vão com tanta ansiedade, por que assobiam?.»

E assobiaram porque os adeptos do classicismo se ofendiam com a violação constante das regras teatrais estabelecidas, dos sistemas de versificação, do uso livre do vocabulário e das unidades de tempo e lugar. Os acontecimentos ocorridos em “Ernani”, que às vezes pareciam implausíveis, ressoaram na alma do público (os contemporâneos não se deixavam enganar pela histórica mascarada de fantasias), que simpatizava com o amor de um bandido por uma garota de um sociedade privilegiada e que desprezava a traição dos que estavam no poder, a mesquinhez e a covardia dos cortesãos.

Em Ernani, a duração da ação estende-se significativamente além de um dia, e o local da ação muda - os eventos acontecem em Saragoça, Aachen e Aragão. Porém, o autor, como escreveu no Prefácio de Cromwell, adere estritamente à unidade de ação: o conflito de amor e honra conecta todos os personagens e é o motor da intriga. Conflito banal: “tres para una”, ou seja, “ três homens para uma mulher" (além de Hernani, Carlos I também tem o tio de Dona Sol, Dom Ruy Gomez Silva, disputando sua mão), - recebe uma resolução sublimemente dramática na peça de Hugo. O dia mais feliz dos heróis, o dia do casamento, também acaba sendo o mais trágico: o som de uma buzina distante determina seu destino: eles devem morrer. Certa vez, o ladrão Ernani jurou ao seu salvador, o tio da noiva, dar a vida ao seu primeiro pedido:

O que quer que surja em nosso caminho,

Sempre que você decidir, onde quer que esteja,

Como já chegou o dia desta terrível vingança,

Para minha destruição, toque minha buzina imediatamente.

Eu sou seu.

O cruel Don Ruy Gomez Silva exigiu a vida de Hernani no dia do casamento. Tentando salvar o amante, Dona Sol é a primeira a morrer. Em Hernani, Hugo conseguiu concretizar sua ideia de fundir todos os tipos de poesia.

O pathos rebelde, a intensidade das paixões, o humanismo que formou a própria alma da dramaturgia de Hugo revelaram-se impressionantes. O herói lírico do drama é um rebelde, um exilado, um lutador tirano. Ele é corajoso e orgulhoso de seu destino como pária:

E eu... eu sou pobre, nu,

Meu domínio é uma floresta, minha casa é uma ravina remota.

Mas eu mesmo poderia ter um brasão famoso,

Não coberto de ferrugem sangrenta, como está agora,

Altos direitos à fama e honra,

O que o cadafalso esconde nas dobras do luto.

A luta entre Ernani e o rei Carlos I é um duelo de coragem e nobreza, em que o ladrão se iguala ao rei e até o supera:

Eu jurei quando criança

Que minha vingança recairá sobre o filho pelo pai.

Ó Carlos, procuro-te, rei de Castela,

Começamos a rivalidade entre duas famílias.

Os pais travaram inimizade por quase trinta anos,

Sem conhecer a pena. E deixe-os ir embora agora

Ainda assim, o ódio continua vivo sem conhecer a reconciliação.

Dona Sol, uma jovem beldade, é digna de seu escolhido: seu amor é puro, nobre e sublime, ela está pronta para vivenciar todas as dificuldades e sofrimentos da vida no exílio, está pronta para seguir Hernani por toda parte:

Então amanhã pegaremos a estrada durante a noite!

Não se importe, não! O que é o duque para mim, por que preciso dele?

Ernani, estou com você. Você é meu anjo ou meu demônio,

Eu não sei... eu te sigo por toda parte como um escravo

Eu irei aonde eles forem. Você vai ficar ou não?

Estou com você. Por que? E não vou perguntar.

A complexidade dos personagens é criada de acordo com as leis do romantismo: o principal de cada personagem é o contraste. Ernani, por exemplo, é constantemente dilacerado pelas contradições entre o amor e o desejo de vingança, entre o amor e a necessidade de ser fiel à honra:

Ou você quer que eu vá para onde meus olhos olharem,

Com uma marca na testa? Devolva, devolva-me o veneno,

Traga-o de volta – rezo com todo meu coração, com toda minha paixão!

A força das paixões determina o comportamento de cada um dos heróis. Até a dócil Donna Sol é capaz de matar o rei se ele usurpar sua honra.

Se antes na tragédia o rei era o portador da justiça suprema, agora o lugar de tal árbitro é ocupado por uma pessoa privada direitos civis, -Ernani. O drama de Hugo, embora conserve longos monólogos e por vezes apartes, é geralmente construído sobre uma sucessão de cenas dramaticamente intensas, em cada uma das quais se desenvolvem acontecimentos à beira da vida ou da morte: o melodrama é inerente a esta obra, como todos os dramas de Hugo.

De acordo com a percepção de W. Scott, Hugo indica o momento da ação - 1519, chama a atenção para as características das roupas do rei e de Hernani, observa que após ser eleito imperador, Carlos deixa de ser um aventureiro e passa a ser político, pois era verdadeiramente inerente a ele. No entanto, de acordo com o seu conceito de historicismo romântico, ele não se concentra nos conflitos sociais, mas nos destinos pessoais até mesmo de figuras históricas.

NOVA PRODUÇÃO DE “ERNANI” DE VICTOR HUGO

Procissão triunfal, regresso das tropas vitoriosas, passando sob arcos erguidos para esta ocasião e guirlandas de flores estendidas pela rua; os gritos e vivas da multidão encantada, mãos levantadas, cabeças nuas; um trovão de glória, interrompido por minutos de silêncio reverente, reverente, que apenas enfatiza o tilintar das armas e o passo medido dos meios pelotões ao longo da calçada ecoante, como que ampliado pela admiração respeitosa do povo - é isso que esta produção de “Ernani” foi, um dos mais brilhantes e impressionantes que já vimos ou vimos.

Esta é a recepção que o público da estreia, cansado, crítico, amante da uniformidade medíocre e dos acontecimentos banais da comédia moderna, deu a estes belos poemas, que foram em sua época os heróis das batalhas da era do romantismo: agora não são mais sufocando de frenesi, como então, em couraças amassadas pelos golpes, na fumaça sangrenta das batalhas - agora estão orgulhosamente calmos, respirando com confiança e paz, agora estão cobertos de solenidade silenciosa e reconhecimento universal.

Não há um único soldado medíocre neste solene batalhão. Porém, aqui e ali um verso se elevava acima dos outros, como uma bandeira rasgada, perfurada por balas, como um estandarte coberto de glória, em torno do qual as pessoas lutavam feroz e valentemente, e ao vê-lo sentimentos há muito esquecidos reviveram em nós.

Mesmo a crítica, apesar do seu ostensivo desapego, não resistiu ao entusiasmo geral. Mais uma vez permitimo-nos admirar sem reservas, pois tudo neste drama, que nunca tínhamos visto em palco, nos parecia igualmente belo - tudo, até alguns erros puramente dramáticos, cometidos deliberadamente pelo poeta, cujo génio inevitavelmente atrai-o para a sublime ingenuidade das grandes paixões e dos grandes feitos, cujos personagens épicos atuam na atmosfera lendária de tempos passados, e todos eles têm uma postura orgulhosa e almas titânicas, elevando-se acima da mesquinhez de nossas convenções, e todos falam a linguagem da humanidade imortal.

Temos alguns comentários apenas sobre a execução cênica, e mesmo assim são insignificantes, já que todo o drama como um todo foi encenado com perfeição. Nunca Madame Sarah Bernhardt foi tão comovente como em seu novo papel como Doña Sol. Nunca antes ela havia usado seu um presente raro sinta profundamente e expresse seus sentimentos de uma forma única. Poemas conhecidos, que o público sussurra antes mesmo de começar a pronunciá-los, de repente, graças à sua dicção musical, adquirem uma entonação inesperada e comovente, por exemplo, o famoso verso:

Oh, como você é lindo, meu nobre leão!

que ela lança ao parceiro com algum impulso incomumente jovem e alegre, cheio de paixão ingênua e desenfreada. E que tipo de capacidade ela tem de ouvir, de se infectar? ação dramática! Mas todas as possibilidades do seu talento revelam-se especialmente plenamente nas últimas cenas, no perfumado terraço do castelo aragonês, quando, sussurrando ao marido, que quer levá-la embora: “Agora!” - ela continua sentada ao lado dele, deleitando-se com sua felicidade no misterioso silêncio de uma noite maravilhosa.

Tudo está muito quieto e a escuridão é muito profunda.

Você gostaria de ver a luz das estrelas?

Voando de longe?

Ó amigo inconstante!

Você só queria fugir das pessoas.

Dona Sol

Da bola, sim! Mas onde estão os pássaros entre os campos.

Onde o rouxinol definha nas sombras com uma canção apaixonada

Ou uma flauta ao longe!.. Ah, com linda música

A paz desce sobre a alma, como um coro celestial.

Os poemas são maravilhosos. Mas que charme adicional o artista lhes dá! Temíamos que esta voz suave, este cristal claro, sonoro e frágil, não fosse suficientemente poderoso para a trágica explosão final. Mas subestimamos o talento da artista, que mesmo dessa fraqueza extraiu a oportunidade de encontrar algumas entonações nunca antes ouvidas, dilacerantes, que correspondiam à sua difícil posição dual - entre Ruy Gomez e Hernani. Mounet-Sully, magnífico e temperamental como sempre, entrega as linhas de Donna Sol de forma brilhante. Talvez ele esteja um pouco desenfreado, um pouco empolgado. Em alguns lugares ele toca muito pouco, não finaliza os detalhes o suficiente, mas em todas as cenas líricas e de amor ele não tem igual. A única desvantagem séria é o seu discurso, tão febrilmente apaixonado que às vezes é difícil para o espectador ouvi-lo. É preciso dizer, porém, que o papel de Hernani não pode ser desempenhado cunhando todos os versos. E preferimos o talento de Mounet-Sully com todos os seus erros, com o desperdício desenfreado de energia, com um comportamento desordenado e impetuoso ao comportamento calmo e razoável do velho Ruy Gomez de Silva.

M. Mauban sempre teve zelo e esforço suficientes, mas nenhum esforço poderia elevá-lo às alturas épicas em que se encontra a imagem do Duque. Este é o mais papel lírico numa peça, um papel que deve ser pronunciado no proscênio à maneira de uma cavatina italiana, pois se manifesta em tiradas majestosas que nada acrescentam à ação do drama, mas realçam sua beleza moral.

O ator não tem o suficiente força real para essas emanações poéticas. Ele os desenha como passagens narrativas de uma tragédia, e são acompanhados por gestos estritamente calculados - como movimentos de uma mão saindo de uma toga romana. Mas o artista, a quem foi atribuído o papel de Don Carlos, ou seja, o papel mais difícil e ingrato, cumpriu a sua tarefa de tal forma que superou todas as expectativas. Até recentemente, víamos o Sr. Worms apenas nos papéis de primeiros amantes, nos quais investiu um ardor juvenil que o tornou um rival digno de Delaunay, e nos quais cativou com excelente dicção. Mas esta noite, no papel de Don Carlos, mostrou grande habilidade, ótima arte, a capacidade de construir um papel, uma rara capacidade de autocontrole, uma tendência ao estudo da imagem corporificada, que, talvez, não deva ser levada para que a atuação não fique seca, mas que neste caso, demonstrada em devido medida, merece admiração. Worms, ora arrogante, ora apaixonado, ora zombeteiro, encantou o público principalmente com a leitura do incomparável monólogo do quarto ato. Com grande poder e ao mesmo tempo com clareza incomum, ele destaca todas as tonalidades de entonação, todas as rajadas alarmantes e mutáveis ​​​​da tempestade que borbulha em sua cabeça real. Gritos de “bravo”, que se transformaram em verdadeira ovação, recompensaram-no pelos seus esforços.

No entanto, permitir-nos-emos algumas ligeiras críticas, que, no entanto, dizem respeito não tanto ao artista, mas à encenação desta cena. Acreditamos que falta alguma solenidade ao súbito aparecimento de Dom Carlos entre os conspiradores. Pense: há algo sobrenatural nesta situação. O poeta acumula aqui efeitos repletos de lirismo sublime: D. Carlos emerge do túmulo de Carlos Magno, pálido e como que exaltado pela conversa com o morto; renunciou ao seu antigo ser, às suas paixões, ao seu ódio e, além disso, justamente no momento em que três tiros de canhão anunciaram a sua eleição como imperador. Mas na comédia francesa esse efeito de palco desaparece. O palco está muito iluminado. E deve estar imerso em profunda escuridão; Apenas a silhueta do imperador deve ser iluminada, deve destacar-se contra o fundo da luz pálida e sobrenatural que emana das profundezas do túmulo. Ao mesmo tempo, o artista não deveria ter pressa; ele teve que falar devagar, solenemente, para que os conspiradores pudessem pensar que ele estava falando com eles, que o próprio Carlos Magno estava voltando para eles. Na nossa opinião, o palco é muito claro e último ato, quando, após três toques de buzina, um capuz pontudo do velho Sidva aparece no topo da escada, escondendo todo o seu rosto. Se fosse mais escuro, esse fenômeno teria sido mais impressionante. Mas, em geral, deve-se reconhecer que a produção da peça foi realizada com cuidado e todos os efeitos pictóricos nela contidos foram bem coordenados. O ataque noturno dos camaradas de Hernani a Saragoça, o alarme, os gritos, a cidade em chamas apresentam um quadro vívido que nos lembra o início inesquecível do drama “Ódio”.