Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Objetivo: familiarizar os alunos com a vida e obra do dramaturgo francês E. Ionesco; dar o conceito de “drama do absurdo”; revelar o significado simbólico da trama do drama “Rinoceronte”; comentário episódios principais dramas com expressão da própria avaliação da pessoa neles retratada; fomentar o desejo de preservar a individualidade; enriquecer a experiência espiritual e moral e ampliar os horizontes estéticos dos alunos. equipamento: retrato de E. Ionesco, texto do drama “Rinoceronte”.

Resultados Previstos: os alunos conhecem as principais etapas da vida e obra de E. Ionesco, o conteúdo da dramatização em estudo; definir o conceito de “drama do absurdo”; explique o significado da sequência de ação; comentar os principais episódios do drama expressando sua própria avaliação da pessoa neles retratada; formular os problemas colocados pelo dramaturgo. tipo de aula: aula sobre como aprender novo material. PROGRESSO DA LIÇÃO EU. Estágio organizacional II.

Atualização de conhecimento de referência Ouvindo vários trabalhos criativos(cm. Trabalho de casa lição anterior) III. Definir a meta e os objetivos da aula. Motivação para atividades de aprendizagem Professor. Escritor francês Eugene Ionesco é um famoso dramaturgo, um dos mais brilhantes representantes do movimento teatral do absurdo.

As obras dramáticas de Eugene Ionesco estão repletas de imagens abstratas, a maioria delas incorporando a ideia de rejeição do totalitarismo e da opressão do indivíduo. Apesar da óbvia originalidade e originalidade das imagens, personagens, ideias e enredos, o próprio Ionesco afirmou que as suas peças eram completamente reais.

são reais na mesma medida em que a vida retratada nessas peças é absurda. A abordagem deste autor mostra-nos de forma convincente quão filosóficas são as opiniões. Entre as obras mais famosas do escritor estão as peças “O Cantor Careca”, “Rinocerontes”, “O Assassino Altruísta”, “Pedestre Aéreo”, “Delírio a Dois”, “Sede e Fome”, “O Homem das Malas” .

E. Ionesco também é autor de muitas histórias, ensaios, memórias e artigos sobre arte. Muitas das peças de Eugene Ionesco são difíceis de interpretar e podem igualmente ser vistas com total atenção. pontos diferentes visão. no entanto, cada obra dramática de E. Ionesco é dedicada à vida como tal, à sua complexidade, completude e diversidade.

E hoje na aula você verá isso. 4. Trabalhe sobre o tema da lição 1. discurso introdutório do professor - dramaturgo francês de origem romena E.

Ionesco (1909-1994) entrou para a história da literatura mundial como o mais brilhante teórico e praticante do “teatro do absurdo”. O termo “teatro do absurdo” foi introduzido por Martin Esslin em 1962, querendo dar nome ao drama com enredo ilógico e sem sentido, apresentando ao espectador uma combinação de coisas incompatíveis. muitos críticos literários do século XX.

viu as origens do gênero em movimentos literários e filosóficos de vanguarda, em particular no dadaísmo. Os principais fundamentos do dadaísmo foram a promoção do assistemático e a negação de quaisquer ideais estéticos. o teatro do absurdo tornou-se uma nova força, destruindo os cânones teatrais, que não reconheciam nenhuma autoridade.

o teatro do absurdo desafiou não apenas tradições culturais, mas também, em certa medida, ao sistema político e social. Os acontecimentos de qualquer peça absurda estão longe da realidade e não procuram se aproximar dela.

O incrível e o inimaginável podem se manifestar tanto nos personagens quanto nos objetos circundantes e nos fenômenos ocorridos. local e hora de ação em tal obras dramáticas, via de regra, é bastante difícil de determinar, principalmente porque a ordem e a lógica do que está acontecendo podem não ser observadas.

Não há lógica nas ações dos personagens ou em suas palavras. Autores absurdos criam imagens absurdamente fantásticas que surpreendem, assustam e às vezes divertem com sua flagrante incongruência. A irracionalidade é o que o teatro do absurdo busca. Eugene Ionesco considerou o termo “teatro do absurdo” pouco apropriado. Em seu discurso, conhecido como “Existe futuro para o teatro do absurdo?”, ele propôs outro – “o teatro do ridículo”.

Nele, segundo o dramaturgo, todas as leis psicológicas e físicas são violadas, e os personagens são simplesmente palhaços. E. Ionesco considerou a maioria das obras clássicas não menos absurdas do que os exemplos nova dramaturgia, ao qual pertenciam suas peças. Afinal, o realismo no teatro é condicional e subjetivo, pois em qualquer caso é fruto da imaginação e da criatividade do escritor. 2. apresentação pelos alunos de “cartões de visita literários” sobre a vida e obra de E.

ionesco (alunos compõem tabela cronológica vida e obra de E. Ionesco.) - Eugene Ionesco - dramaturgo, escritor e pensador francês, clássico da vanguarda teatral. Eugene nasceu em 26 de novembro de 1909 em Slatina, Romênia; V primeira infância seus pais o levaram para a França. Até os onze anos, Eugene viveu na aldeia de La Chapelle-antenaise.

A vida na aldeia foi feliz para ele; foram as lembranças dela que se materializaram na obra do amadurecido Ionesco. Em 1920, Eugene mudou-se para Paris, mas viveu lá por não mais que dois anos.

Aos treze anos, Ionesco regressou à Roménia e viveu em Bucareste até aos vinte e seis. A influência das culturas francesa e romena na visão de mundo do futuro escritor e dramaturgo foi contraditória e ambivalente.

A primeira língua de Eugene foi o francês. As memórias da infância são refletidas de forma vívida e completa em suas obras. No entanto, a mudança subsequente para sua terra natal, na Romênia, aos treze anos, fez com que Eugene começasse a esquecer seu amado francês. Ele escreveu seu primeiro poema em romeno, seguido por poemas em francês e novamente em romeno. Estágio inicial criatividade literária Ionesco ficou marcado por um ousado panfleto “Não!” com espírito niilista. Nele, Eugene mostrou a unidade dos opostos, primeiro condenando e depois elogiando três escritores romenos.

Na Universidade de Bucareste, Eugene estudou língua francesa e literatura francesa para adquirir a habilidade de escrever em francês. Desde 1929

Eugene começou a ensinar francês. Nesse período, seu domínio literário começou a surgir. Aos vinte anos, E. Ionesco regressou a Paris, desta vez com a intenção de aí viver por muito tempo.

Em 1938, defendeu sua dissertação filosófica de doutorado na Sorbonne, “Sobre os motivos do medo e da morte na poesia francesa depois de Baudelaire”. Mesmo enquanto estudava na Universidade de Bucareste, Eugene encontrou a manifestação dos sentimentos nacionalistas e pró-fascistas que reinavam na sociedade jovem. Com o seu trabalho, Ionesco tentou mostrar a sua rejeição a esta tendência “da moda”. o jovem escritor odiava qualquer manifestação de totalitarismo e pressão ideológica sobre as pessoas. Ele incorporou essa ideia na peça “Rinoceronte”, que mais tarde se tornou uma das mais populares.

Em 1970, Eugene Ionesco tornou-se membro da Academia Francesa de Ciências. Eugene já tinha muitas peças, além de coleções de contos, ensaios e memórias biográficas: “Fotografia de um Coronel” (1962), “Migalhas de um Diário” (1967), “Passado Presente, Presente Passado” (1968) e muitos outros. Em 1974

Ionesco criou o famoso romance O Eremita. Em 28 de março de 1994, Eugene Ionesco morreu em Paris de uma doença grave e dolorosa. 3. conversa analítica o que levou o dramaturgo a criar o drama “Rinoceronte”?

Que outras interpretações o enredo sobre a “onocorância” pode ter? Reconte brevemente o enredo desta peça dramática (“em cadeia”). Qual o significado do “nascimento” em massa na obra e da resistência do personagem principal? O que esconde a metáfora de Jonesco? Como o problema da originalidade humana se relaciona com a ideia da peça? Comente os principais episódios do drama, expressando sua própria avaliação do que neles é retratado.

4. Pergunta problemática (em pares) O que você acha que E. Ionesco quis dizer quando afirmou: “o teatro do absurdo viverá sempre!

"? Você concorda com a previsão dele? V. Reflexão. Resumindo a lição generalização do professor - O drama se passa em um pequeno cidade provincial, os seus habitantes são representados pelos donos da loja e do café, pela dona de casa, pelos funcionários do escritório que publica literatura jurídica, por um lógico e por um certo Velho Mestre, constituindo provavelmente a “elite intelectual”.

Curso de palestras

Fitzgerald foi um dos primeiros Literatura americana abordou o tema do colapso do “Sonho Americano”.

O crítico literário americano M. Cowley descreveu com muita precisão a técnica de Fitzgerald "visão dupla" como traço característico deste artista da palavra. “Ele desenvolveu uma visão dupla. Ele nunca se cansou de admirar o ouropel dourado da vida em Princeton, na Riviera, na costa norte de Long Island e nos estúdios de Hollywood; ele envolveu seus heróis em uma névoa de adoração, mas ele mesmo dissipou essa névoa.” A perda das ilusões e o choque com a realidade que se transforma em tragédia é descrito em romances, contos e no ensaio “The Crash” (1936), onde diz que em primeiros anos dele vida adulta Eu vi “como coisas incríveis, implausíveis e às vezes impensáveis ​​se tornam realidade”. Os heróis dos romances percorrem o caminho da colisão com a realidade, o caminho da catástrofe espiritual, da perda de ideias idealistas, do desperdício de talento."O Grande Gatsby"(1925), Tender is the Night (1934), romance inacabado "O Último Magnata". Mas já no início do romance "Este Lado do Céu"(1920) apresentou o tema da “perda”, que envolve idealistas de mentalidade romântica quando confrontados com a dura prosa da realidade.

A morte do talento é descrita no romance“Terna é a noite”. Ao trabalhar na obra, o autor enfatizou: “... o colapso será predeterminado não pela falta de caráter, mas por fatores verdadeiramente trágicos, pelas contradições internas do idealista e pelos compromissos que as circunstâncias impõem ao herói”. Na tendência cada vez maior dos artistas de satisfazer as exigências do mercado, de abandonar a arte pelas necessidades dos negócios, Fitzgerald viu uma das manifestações da “tragédia americana”.

O romance de Fitzgerald goza da maior fama e reconhecimento. "O Grande Gatsby". O herói da obra, que enriqueceu com o comércio ilegal de álcool, está pronto para dar tudo de si e todos os seus bens à sua amada Margarida. O sonho de amor e felicidade vive em sua alma. Ele está obcecado por esse sonho. Gatsby invade o mundo da riqueza e do luxo, ao qual pertence Daisy, que não esperou o retorno de Gatsby da guerra e se casou com Tom Buchanan. O dinheiro não traz felicidade para Gatsby. O dinheiro paralisa Daisy, privando-a de todas as ideias sobre o amor verdadeiro, a decência e a moralidade. Ela e o marido são responsáveis ​​pela morte de Gatsby. Viver num mundo de luxo privou-os de culpa e responsabilidade. A grande ternura, o amor e o altruísmo de Gatsby não foram compreendidos por Daisy; ela não conseguia apreciá-los, como faziam todas as pessoas que viviam em seu mundo. Em O Grande Gatsby, o pensamento artístico de Fitzgerald recebeu sua expressão mais completa. M. Cowley disse: “Fitzgerald sentiu sua ligação sanguínea com o tempo tão intensamente quanto qualquer outro

Literatura estrangeira. Século XX

escritor de sua época. Ele tentou com todas as suas forças preservar o espírito da época, a singularidade de cada um de seus anos: palavras, danças, canções populares, nomes de ídolos do futebol, vestidos da moda e sentimentos da moda. Desde o início, ele sentiu que tudo o que era típico de sua geração se acumulava nele: ele podia olhar para dentro de si e prever com o que logo estariam ocupadas as mentes de seus contemporâneos. Continuou sempre grato à Era do Jazz pelo facto de, nas suas próprias palavras, falando de si próprio na terceira pessoa, “esta época o criou, o lisonjeou e o tornou rico simplesmente porque disse às pessoas que pensava e sentia o mesmo”. maneira, como eles."

1. Shablovskaya, I.V. História literatura estrangeira(Século XX, primeira metade) / I.V. Shablovskaia. – Minsk: ed. Centro Economypress,

1998. – pp.

2. Literatura estrangeira do século XX: livro didático. para universidades / L.G. Andreev [e outros]; editado por LG. Andreeva. –M.: Superior. escola: ed. Centro da Academia,

2000. pp.

3. Literatura estrangeira. Século XX: livro didático. para estudantes ped. universidades / N.P. Michalskaya [e outros]; em geral Ed. N.P. Michalska. – M.: Abetarda,

2003. – pp.

Curso de palestras

Palestra nº 14

Teatro do Absurdo

1. "Teatro do Absurdo" Características gerais.

2. Peculiaridades técnica narrativa S. Beckett.

3. Características da técnica narrativa de E. Ionesco.

1. “Teatro do Absurdo”. Características gerais

“Teatro do Absurdo” é um nome geral para a dramaturgia do período pós-vanguarda das décadas de 1950-1970. Este tipo de explosão estava a ser preparada gradualmente, era inevitável, embora em cada país europeu tivesse, para além dos gerais, os seus próprios pré-requisitos nacionais. Os mais comuns são o espírito de complacência, a complacência filisteu e o conformismo que reinou na Europa e nos Estados Unidos após a Segunda Guerra Mundial, quando a rotina e os pés no chão dominaram o palco, que se tornou uma forma única de constrangimento e silêncio no teatro durante a “década assustada”.

Era óbvio que o teatro estava no limiar de um novo período de sua existência, que eram necessárias formas e técnicas de representação do mundo e do homem que atendessem às novas realidades da vida. O teatro pós-vanguarda é o mais barulhento e escandaloso, desafiando a arte oficial com sua chocante técnica artística, varrendo completamente antigas tradições e ideias. Um teatro que assumiu a missão de falar do homem como tal, do homem universal, mas considerando-o como uma espécie de grão de areia na existência cósmica. Os criadores deste teatro partiram da ideia de alienação e solidão sem fim no mundo.

Pela primeira vez, o teatro do absurdo deu-se a conhecer em França através da encenação de uma peça E. Ionesco “O Cantor Careca”(1951). Ninguém imaginava então que uma nova tendência estava surgindo no dramaturgia moderna. Em um ano

Literatura estrangeira. Século XX

O próprio termo “teatro do absurdo”, que unia escritores de diferentes gerações, foi aceito tanto pelo espectador quanto pelo leitor. No entanto, os próprios dramaturgos rejeitaram-no resolutamente. E. Ionesco disse: “seria mais correto chamar a direção a que pertenço de teatro paradoxal, ou mais precisamente, mesmo de “teatro do paradoxo”.

O trabalho dos dramaturgos do teatro do absurdo foi na maioria das vezes, como observou T. Proskurnikova, “uma resposta pessimista aos fatos da realidade do pós-guerra e um reflexo de suas contradições que influenciaram consciência pública segunda metade do nosso século." Isto manifestou-se principalmente no sentimento de confusão, ou melhor, de perda, que tomou conta da intelectualidade europeia.

A princípio, tudo o que os dramaturgos falavam em suas peças parecia um disparate, apresentado em imagens, uma espécie de “delírio a dois”. Ionesco afirma numa de suas entrevistas: “A vida não é paradoxal, absurda do ponto de vista do bom senso comum? O mundo, a vida são extremamente incongruentes, contraditórios, inexplicáveis ​​​​pelo mesmo bom senso... A pessoa na maioria das vezes não entende, não é capaz de explicar com consciência, mesmo com sentimento, toda a natureza das circunstâncias da realidade dentro que ele vive. E, portanto, ele não entende e própria vida, você mesmo."

A morte nas peças é um símbolo da destruição humana; ela até personifica o absurdo. Portanto, o mundo em que vivem os heróis do teatro do absurdo é o reino da morte. É intransponível por qualquer esforço humano e qualquer resistência heróica não tem sentido.

Impressionante ilogicidade do que está acontecendo, inconsistência deliberada e falta de motivação externa ou interna para ações e comportamento personagens as obras de Beckett e Ionesco criaram a impressão de que a peça envolvia atores que nunca haviam atuado juntos antes e pretendiam confundir um ao outro e, ao mesmo tempo, ao espectador, a todo custo. Espectadores desanimados às vezes saudavam essas apresentações com vaias e assobios. Mas logo a imprensa parisiense começou a falar do nascimento de um novo teatro, destinado a se tornar a “descoberta do século”.

O apogeu do teatro do absurdo já passou, e os problemas colocados por S. Beckett e E. Ionesco e sua técnica dramática permanecem relevantes até hoje. O interesse pelo teatro do absurdo não só não desapareceu, mas, pelo contrário, está em constante crescimento, inclusive na Rússia, como evidenciado pela produção da peça “Esperando Godot” de S. Beckett no Bolshoi de São Petersburgo. teatro dramático(temporada 2000). Qual a razão do sucesso do teatro do absurdo, que muito tempo foi banido de nós? Não é paradoxal que o teatro seja interessante?

Curso de palestras

convidar o público a conhecer uma criatura que apenas superficialmente se assemelha a uma pessoa, uma criatura lamentável e humilhada ou, pelo contrário, contente com as suas limitações e ignorância?

Na obra dos dramaturgos do teatro do absurdo, pode-se sentir o aprofundamento da percepção trágica da vida e do mundo como um todo.

As figuras deste teatro - S. Beckett, E. Ionesco, J. Genet, G. Pinter - escrevem, via de regra, sobre o destino trágico de uma pessoa, sobre a vida e a morte, mas revestem as suas tragédias na forma de uma farsa e uma bufonaria.

2. Características da técnica narrativa de S. Beckett

É neste gênero que a peça de S. Beckett (1909–1989) foi escrita "Esperando Godot"(1953). Depois que a peça foi encenada, o nome de seu autor tornou-se mundialmente famoso. Esta peça é a melhor personificação das ideias do teatro do absurdo.

A base do trabalho estabeleceu tanto pessoal quanto público experiência trágica um escritor que sobreviveu aos horrores da ocupação fascista da França.

Local da peça– abandonado estrada rural com uma árvore solitária e seca. A estrada incorpora o símbolo do movimento, mas não há movimento, assim como ação de enredo, aqui. A natureza estática da trama pretende demonstrar o fato da natureza ilógica da vida.

Duas figuras solitárias e indefesas, duas criaturas perdidas em ambientes alienígenas e mundo hostil, Vladimir e Estragon, aguardam o Sr. Godot, um encontro com quem deverá resolver todos os seus problemas. Os heróis não sabem quem ele é e se pode ajudá-los. Eles nunca o viram e estão prontos para confundir qualquer transeunte com Godot. Mas eles esperam teimosamente por isso, preenchendo o infinito e o tédio da espera com conversas sobre nada e ações sem sentido. Estão sem teto e com fome: dividem os nabos ao meio e comem bem devagar, saboreando-os. O medo e o desespero diante da perspectiva de continuarem a prolongar uma existência insuportavelmente miserável mais de uma vez os levam a pensar em suicídio, mas a única corda se rompe e eles não têm outra. Todas as manhãs eles chegam ao local de encontro combinado e todas as noites saem sem nada. Este é o enredo da peça, composta por dois atos.

Externamente, o segundo ato parece repetir o primeiro, mas isso é apenas na aparência. Embora nada tenha acontecido, ao mesmo tempo muita coisa mudou. “A desesperança aumentou. Um dia ou um ano se passou - não se sabe. Os heróis envelheceram e finalmente perderam o ânimo. Estão todos no mesmo lugar, debaixo da árvore. Vladimir ainda está esperando por Godot, ou melhor, tentando convencer seu amigo (e a si mesmo) disso. Estragon perdeu toda a fé."

Os heróis de Beckett só podem esperar, nada mais. Esta é uma paralisia completa da vontade. Mas esta expectativa está a tornar-se cada vez mais sem sentido,

Literatura estrangeira. Século XX

pois o falso mensageiro (o menino) adia constantemente o encontro com Godot até “amanhã”, sem aproximar os desafortunados um passo do objetivo final.

Beckett sugere que não há nada no mundo de que uma pessoa possa ter certeza. Vladimir e Estragon não sabem se realmente estão no local designado, não sabem que dia da semana ou ano é hoje. A incapacidade de resolver e compreender qualquer coisa na vida que nos rodeia fica evidente pelo menos no segundo ato, quando os heróis, chegando no dia seguinte, não reconhecem o lugar onde esperaram Godot no dia anterior. Estragon não reconhece seus sapatos e Vladimir não consegue provar nada a ele. Não só os heróis, mas junto com eles o público involuntariamente começa a duvidar, embora o lugar de expectativa ainda seja o mesmo. Nada na peça pode ser dito com certeza; tudo é instável e incerto. Um menino vem correndo para Vladimir e Estragon duas vezes com uma missão de Godot, mas na segunda vez o menino diz a eles que nunca esteve aqui antes e vê os heróis pela primeira vez.

Na peça, surge repetidamente a conversa de que os sapatos de Estragon são apertados demais para ele, embora estejam gastos e cheios de buracos. Ele constantemente os coloca e os tira novamente com grande dificuldade. O autor parece estar nos dizendo: durante toda a sua vida você não consegue se libertar das algemas que o privam de movimento. Episódios com sapatos introduzem um elemento cômico e ridículo na peça; são as chamadas “imagens populares” (Koreneva M.), emprestadas por Beckett da tradição da “cultura popular”, em particular do salão musical e palhaçada de circo. Mas, ao mesmo tempo, Beckett traduz o artifício ridículo para um plano metafísico, e os sapatos se tornam um símbolo do pesadelo da existência.

As técnicas de palhaçada estão espalhadas pela obra: por exemplo, a cena em que o faminto Estragon rói avidamente os ossos de galinha que o rico Pozzo atira para ele, Lucky, observa com saudade seu almoço ser destruído; Essas técnicas estão presentes nos diálogos e nas falas dos personagens: quando colocam o chapéu em Lucky, ele vomita um fluxo de palavras completamente incoerente, quando tira o chapéu, o fluxo imediatamente seca; Os diálogos dos personagens são muitas vezes ilógicos e se baseiam no princípio de que cada um dos locutores fala sobre suas coisas, sem se ouvir; às vezes os próprios Vladimir e Estragon se sentem como se estivessem em uma apresentação de circo:

Vl.: Noite maravilhosa. Estr.: Inesquecível. Vl.: E ainda não acabou. Estr.: Aparentemente não.

Vl.: Apenas começou. Estr.: Isso é terrível.

Vl.: Definitivamente estamos no show. Estr.: No circo.

Vl.: No music hall.

Curso de palestras

Estr.: No circo.

O constante malabarismo de palavras e frases preenche o vazio de um insuportável estado de expectativa; esse jogo verbal é o único fio que separa os heróis do esquecimento. Isso é tudo que eles podem fazer. Enfrentamos uma paralisia completa do pensamento.

Baixo e alto, trágico e cômico estão presentes na peça em uma unidade inextricável e determinam a natureza do gênero da obra.

Quem é Godot? Deus (Deus?) Morte (Tod?) Existem muitas interpretações, mas uma coisa é clara: Godot é uma figura simbólica, é completamente desprovida de calor humano e de esperança, é etérea. O que está esperando por Godot? Talvez a própria vida humana, que neste mundo se tornou nada mais do que uma expectativa de morte? Quer Godot venha ou não, nada mudará, a vida continuará sendo um inferno.

O mundo na trágica farsa de Beckett é um mundo onde “Deus está morto” e “os céus estão desertos” e, portanto, as expectativas são em vão.

Vladimir e Estragon são viajantes eternos, “toda a raça humana”, e a estrada pela qual eles vagam é a estrada da existência humana, cujos pontos são condicionais e aleatórios. Como já mencionado, não há movimento propriamente dito na peça, há apenas movimento no tempo: no intervalo entre o primeiro e o segundo atos, folhas floresceram nas árvores. Mas este facto não contém nada de concreto - apenas uma indicação da passagem do tempo, que não tem princípio nem fim, tal como não há numa peça, onde o final é completamente adequado e intercambiável com o início. O momento aqui é apenas “envelhecer”, ou seja, nas palavras de Faulkner: “a vida não é movimento, mas uma repetição monótona dos mesmos movimentos. Daí o final da peça:

Vl.: Então, vamos lá.

Estr.: Vamos.

Observação: Eles não se movem.

Os criadores da dramaturgia absurda escolheram o grotesco como principal meio de revelação do mundo e do homem, técnica que se tornou dominante não só na dramaturgia, mas também na prosa da segunda metade do século XX, como evidencia a declaração do suíço dramaturgo e prosaico F. Dürrenmatt: “Nosso mundo chegou ao grotesco, gosto de bomba atômica, assim como as imagens apocalípticas de Hieronymus Bosch são grotescas. Grotesco é apenas uma expressão sensual, um paradoxo sensual, uma forma para algo sem forma, a face de um mundo desprovido de qualquer face.”

Em 1969, o trabalho de S. Beckett recebeu o Prêmio Nobel.

Literatura estrangeira. Século XX

3. Características da técnica narrativa de E. Ionesco

Ionesco Eugene (1912–1994) – um dos criadores do “antidrama” e

para a França, até os 11 anos viveu na aldeia francesa de La Chapelle Antenez, depois em Paris. Mais tarde, ele disse que suas impressões infantis sobre a vida na aldeia foram amplamente refletidas em seu trabalho como memórias de um paraíso perdido. Aos 13 anos regressou à Roménia, a Bucareste, onde viveu até aos 26 anos. Em 1938 regressou a Paris, onde viveu o resto da vida.

Assim, na obra de Ionesco, o sistema de visões filosóficas e estéticas do teatro do absurdo encontrou a sua expressão mais completa. A tarefa do teatro, segundo Ionesco, é dar uma expressão grotesca ao absurdo vida moderna e homem moderno. O dramaturgo considera a verossimilhança o inimigo mortal do teatro. Ele propõe criar alguns nova realidade, equilibrando-se no limite do real e do irreal, e considera a linguagem o principal meio para atingir esse objetivo. Em nenhum caso a linguagem pode expressar o pensamento.

A linguagem nas peças de Ionesco não só não cumpre a função de ligação, de comunicação entre as pessoas, mas, pelo contrário, agrava a sua desunião e solidão. Diante de nós está apenas a aparência de um diálogo composto por clichês de jornal, frases de um manual de autoinstrução língua estrangeira, ou mesmo fragmentos de palavras e frases presas acidentalmente no subconsciente. Os personagens de Ionesco inarticulam não apenas a fala, mas também o próprio pensamento. Seus personagens têm pouca semelhança pessoas comuns, trata-se de robôs com um mecanismo danificado.

Ionesco explicou sua paixão pelo gênero comédia pelo fato de ser a comédia que expressa mais plenamente o absurdo e a desesperança da existência. Esta é a primeira peça dele "O Cantor Careca" (1951), embora não haja nenhum indício de cantora nela. A razão para escrevê-lo foi o conhecimento de Ionesco do manual de autoinstrução língua Inglesa, cujas frases absurdas e banais serviram de base para o texto da peça.

Tem um subtítulo - “anti-play”. Não há nada de drama tradicional na obra. Um casal, os Martins, vem visitar os Smiths e ao longo de toda a ação há uma troca de comentários desprovidos de sentido. Não há eventos ou desenvolvimento na peça. Só muda a linguagem: ao final da obra transforma-se em sílabas e sons inarticulados.

O automatismo da linguagem é o tema principal da peça “O Cantor Careca”. Ela expõe o conformismo filisteu do homem moderno,

Curso de palestras

vivendo de ideias e slogans prontos, seu dogmatismo, estreiteza de espírito, agressividade são características que mais tarde o transformarão em um rinoceronte.

A trágica farsa “Cadeiras” (1952) mostra o trágico destino de dois idosos, pobres e solitários, que vivem à beira do mundo real e ilusório. O velho psicopata se imagina como uma espécie de messias. Ele convidou convidados para contar-lhes sobre isso, mas eles nunca compareceram. Em seguida, os idosos encenam uma cena de recepção de convidados, em que personagens irreais e fictícios se revelam mais reais do que pessoas reais. Ao final, o velho faz um discurso preparado, e novamente nos deparamos com um fluxo absurdo de palavras – técnica preferida de Ionesco:

Velha: Você chamou os vigias? Bispos? Químicos? Foguistas? Violinistas? Delegados? Presidentes? Policiais? Comerciantes? Pastas? Cromossomos?

Velho: Sim, sim, e funcionários dos correios, e estalajadeiros, e artistas...

Velha: E os banqueiros? Velho: Convidado.

Velha: E os trabalhadores? Funcionários? Militaristas? Revolucionários? Reacionários? Psiquiatras e psicólogos?

E, novamente, o diálogo é construído como uma espécie de montagem de palavras e frases, onde o significado não desempenha um papel. Os idosos cometem suicídio, confiando no orador para falar a verdade por eles, mas o orador acaba sendo surdo e mudo.

A peça “Rinoceronte” (1959) é uma alegoria universal da sociedade humana, onde a transformação das pessoas em animais é mostrada como uma consequência natural de princípios sociais e morais (à semelhança do que acontece no conto “A Metamorfose” de F. Kafka) .

Comparada com trabalhos anteriores, esta peça é enriquecida com novos motivos. Preservando alguns elementos de sua poética anterior, Ionesco retrata um mundo afligido por uma doença espiritual - a “concepção”, e pela primeira vez apresenta um herói capaz de resistir ativamente a esse processo.

O cenário da peça é uma pequena cidade do interior, cujos habitantes são acometidos por uma doença terrível: transformam-se em rinocerontes. O personagem principal Beranger enfrenta um “castigo” geral, com a recusa voluntária das pessoas à sua forma humana. Em contraste com suas afirmações anteriores de que a realidade não deveria ser a base da obra, o dramaturgo cria uma sátira ao regime totalitário em Rinocerontes. Ele retrata a universalidade da doença que tomou conta das pessoas. A única pessoa que manteve a sua aparência humana continua sendo Bérenger.

Os primeiros leitores e espectadores viram na peça principalmente uma obra antifascista, e a própria doença foi comparada à doença nazista

Literatura estrangeira. Século XX

praga (e novamente a analogia é com “A Peste” de A. Camus). Mais tarde, o próprio autor explicou a intenção da sua peça da seguinte forma: “Rinoceronte” é sem dúvida uma obra antinazi, mas antes de mais nada é uma peça contra a histeria colectiva e as epidemias, escondendo-se sob o disfarce da razão e das ideias, mas sem isto tornando-se doenças coletivas menos graves que justificam diversas ideologias”

O herói de Beranger é um perdedor e um idealista, um homem “que não é deste mundo”. Ele despreza tudo o que seus concidadãos honram e que é considerado um indicador do “preço” de uma pessoa: pedantismo, rigor, uma carreira de sucesso, uma forma única e padronizada de pensar, de vida, de gostos e de desejos. Ionesco novamente libera uma série de truísmos e frases vazias para o espectador, mas desta vez por trás deles as pessoas estão tentando esconder suas limitações e vazio.

Beranger tem um antípoda na peça. Este é Jean, satisfeito consigo mesmo, profundamente convencido de sua infalibilidade e correção. Ele ensina sabedoria ao herói e o convida a segui-lo. Diante dos olhos de Beranger, ele se transforma em um rinoceronte, já tinha os pré-requisitos para se tornar uma fera, mas agora eles foram realizados. No momento da transformação de Jean, ocorre uma conversa entre ele e Beranger que revela a essência misantrópica deste respeitável homem da rua (“Não deixe que eles fiquem no meu caminho”, exclama ele, “ou vou esmagá-los!”) . Ele clama pela destruição civilização humana e em seu lugar, introduzir as leis do rebanho de rinocerontes.

Jean quase mata Beranger. Tom tem que se esconder em sua casa. Ao seu redor estão rinocerontes ou pessoas prontas para se transformar neles. Ex-amigos O herói também se junta às fileiras dos rinocerontes. O último e mais esmagador golpe é desferido por seu amado Desi.

A padronização e a falta de rosto possibilitaram que as pessoas ao seu redor se transformassem rápida e sem dor em animais.. A mentalidade de rebanho, o modo de vida e o comportamento prepararam a transição do rebanho humano para o rebanho animal.

Ionesco dá muita atenção ao retratar a tragédia pessoal do herói, que perde não só seus amigos, mas também sua amada. A cena da despedida de Beranger com Desi foi escrita pelo autor com grande lirismo. Transmite o sentimento de um herói que não consegue segurar seu ser mais precioso. Ele está desesperado, completamente sozinho, desesperado pela impossibilidade de se tornar como todo mundo. O monólogo interno de Bérenger deixa uma impressão deprimente do trágico paradoxo de um mundo em que a pessoa sonha em desistir de si mesma, só para não ficar sozinha. Externamente ele permanece humano, mas internamente é pisoteado por uma poderosa manada de rinocerontes.

A essência da resistência de Beranger (baseada na peça de E. Ionesco "Rhinoceros")

Uma peça de um escritor notável Literatura francesa"Rinoceronte" de Eugene Ionesco foi escrito em 1959. Este fundador do “drama do absurdo”, um clássico em que os críticos vêem “um observador corrosivo, um colecionador implacável da surdez humana”, foi um psicólogo sutil que convocou a humanidade a cair em si, a mudar suas diretrizes espirituais, para não cair no abismo da falta de espiritualidade e da incredulidade. A peça "Rinoceronte" é uma alegoria sobre sociedade humana.

O personagem principal da obra de Beranger parece supérfluo nesta vida. Ele não gosta do serviço, mas faz seu trabalho com atenção; não entende a quem e o que deve, mas olha a opinião dos outros sobre sua aparência e hábitos.

Beranger tem pouca vitalidade, não sente nenhum desejo de vida, é igualmente oprimido pela solidão e pela sociedade. Ele não entende a posição na vida, a lógica de quem tem quatro patas, que pode ser considerado um gato viver é natural, porque todo mundo vive; Bérenger tem baixa autoestima porque não usa gravata, não tem educação, não tem futuro e não tem chance de agradar uma mulher.

Seu amigo Jean é o completo oposto de Beranger: “está vestido com muito cuidado: terno castanho, gravata vermelha, colarinho falso engomado”. Beranger se sente um mendigo ao lado dele. Há muito que deixou de se cuidar, anda por aí com a barba por fazer, sem chapéu, o cabelo está despenteado, as roupas estão surradas.”

Jean sempre diz as coisas certas, semelhantes a slogans: “A vida é uma luta, quem não luta é covarde! Você deve buscar forças para viver dentro de si mesmo, deve se munir de tolerância, cultura, inteligência e se tornar o dono da situação. Vista-se adequadamente todos os dias, faça a barba, vista uma camisa limpa, não beba, acompanhe os acontecimentos literários e culturais da época, vá a museus, leia revistas literárias, assista a palestras.” Beranger concorda com tudo, ele quer mudar de vida hoje. Ele está pronto para comprar ingressos para o espetáculo e convida Jean para estar com ele, mas nessa hora seu amigo está tirando a sesta, Jean também não pode ir ao museu, pois nesse horário ele está se encontrando com amigos em um restaurante. Béranger está surpreso. Um amigo o chama de bêbado, e em vez de ir a um museu ele vai a um restaurante beber vodca?!

À medida que a peça avança, podem ser ouvidos passos de animais de grande porte. Os heróis ficam surpresos, mas até agora ninguém pensou que eram seus vizinhos, conhecidos e amigos que estavam se transformando em rinocerontes.

Beranger testemunhou a transformação de Jean. Mas não é só a aparência do amigo que muda. Ele não consegue mais mascarar sua essência natural: falta de moralidade, desejo de viver de acordo com as leis da selva. Ele gosta de ser rinoceronte, quer tirar a roupa e entrar no pântano. Ele não resiste à transformação, mas se alegra por finalmente se livrar daquelas convenções que teve que obedecer e que não eram naturais para ele.

O processo de transformação tomou conta de toda a cidade. E só o perdedor Beranger permanece humano e não se submete ao sentimento da “multidão”. Ele se opõe à histeria coletiva, que neutraliza a personalidade, subjuga a pessoa, transforma-a em animal, as massas têm apenas instintos, o desejo de viver em rebanho e cumprir a vontade do líder.

Eugene Ionesco retrata de forma alegórica a sociedade humana, onde a brutalização das pessoas é um resultado natural do desrespeito ao indivíduo. O herói da peça “Rinoceronte” fica sozinho entre os animais, mas nem lhe ocorre tornar-se como todos os outros, esquecer a sua natureza humana. Ele resiste à transformação mesmo quando seu amado Desi o abandona. Sem slogans barulhentos, sem filosofias elevadas sobre o dever humano em uma situação de vida difícil, ele nem sequer se propõe uma escolha. Ele é humano e assim permanecerá até o fim.

Genevieve Serreau e Dr.

Série "Clássicos Exclusivos"

Tradução do francês E.D. Bogatyrenko

Reimpresso com permissão da Editora GALLIMARD, França.

Os direitos exclusivos de publicação do livro em russo pertencem à AST Publishers.

© Edições GALLIMARD, Paris, 1959

© Tradução. E. D. Bogatyrenko, 2018

© edição russa AST Publishers, 2018

Personagens

Dona de casa.

Lojista.

Garçonete.

Lojista.

Velho cavalheiro.

O dono do café.

Senhor Papillon.

Senhora Bete.

Bombeiro.

Senhor Jean.

Esposa de Monsieur Jean.

Numerosas cabeças de rinoceronte.

Praça em uma cidade provinciana. Ao fundo há uma casa de dois andares. No rés-do-chão existe uma montra. Você pode entrar na loja pela porta de vidro subindo dois ou três degraus. Acima da janela há uma grande placa “Mercearia”. No segundo andar da casa há duas janelas, aparentemente do apartamento dos lojistas. Assim, o banco fica localizado no fundo do palco, mas ao mesmo tempo à esquerda, não muito longe das alas. Acima do telhado da casa onde está localizada a loja, avista-se ao longe uma torre sineira. Entre a loja e lado direito cenas - uma rua que se estende ao longe. À direita, ligeiramente na diagonal, está uma janela de café. Acima do café há um andar de uma casa com uma janela. Em frente ao café existe uma esplanada com mesas e cadeiras, que chega quase até ao meio do palco. Galhos de árvores empoeirados pendem do terraço. Céu azul, luz brilhante, paredes brancas. Acontece em um domingo por volta do meio-dia no verão. Jean e Beranger sentam-se a uma mesa no terraço.

Antes de a cortina subir, ouve-se um sino tocando. Ele irá parar alguns segundos antes da cortina subir. À medida que a cortina sobe, uma mulher atravessa silenciosamente o palco, da direita para a esquerda, carregando debaixo do braço um cesto de compras vazio de um lado e um gato do outro. A lojista abre a porta de sua loja e a observa.

Lojista. Ah, aqui está ela! ( Dirigindo-se ao marido, que está na loja.) Oh, bem, sou tão arrogante! Ele não quer mais comprar de nós.

O lojista sai, o palco fica vazio por alguns segundos.

Jean aparece à direita e à esquerda, simultaneamente com ele, Beranger. Jean está muito bem vestido: terno marrom, gravata vermelha, colarinho engomado, chapéu marrom. Seu rosto está avermelhado. As botas amarelas estão bem engraxadas. Bérenger está com a barba por fazer, sem cocar, despenteado, usando roupas surradas; tudo nele fala de negligência, parece cansado, sem sono; boceja de vez em quando.

Jean ( aproximando-se pela direita). Beranger, você veio afinal.

Béranger ( aproximando-se pela esquerda). Saudações, Jean.

Jean. Claro, como sempre, você está atrasado! ( Olha para o relógio de pulso.) Combinamos de nos encontrar às onze e meia. É quase meio-dia agora.

Béranger. Desculpe. Você está esperando por mim há muito tempo?

Jean. Não. Você vê, eu acabei de chegar.

Dirigem-se para as mesas do terraço.

Béranger. Bem, então não me sinto muito culpado, já que... você mesmo...

Jean. É diferente comigo. Não gosto de esperar, não posso perder tempo. Como você está sempre atrasado, cheguei atrasado deliberadamente, na hora em que pensei que teria a chance de vê-lo.

Béranger. Você está certo... você está certo, mas...

Jean. Você não vai alegar que chegou na hora marcada!

Béranger. Claro... não posso dizer isso.

Jean e Beranger sentam-se.

Jean. Bem, você entende.

Béranger. O que você vai beber?

Jean. Você já está com sede pela manhã?

Béranger. Está tão quente, tão abafado.

Jean. Como ele diz sabedoria popular Quanto mais você bebe, mais você quer beber...

Béranger. Se esses sábios tivessem conseguido forçar as nuvens no céu, não estaria tão abafado e eu teria menos sede.

Jean ( olhando atentamente para Beranger). O que você se importa? Você, meu querido Beranger, não quer água...

Béranger. O que você quer dizer, meu querido Jean?

Jean. Você me entende perfeitamente. Estou falando sobre sua garganta estar seca. É como uma terra insaciável.

Béranger. Acho que sua comparação...

Jean ( interrompendo-o). Você, meu amigo, está em um estado lamentável.

Béranger. Você acha que pareço patético?

Jean. Eu não sou cego. Você está desmaiado de cansaço, caminhou a noite toda mais uma vez. Você está bocejando e quer muito dormir...

Béranger. Tenho bebido e minha cabeça está doendo um pouco...

Jean. Você cheira a álcool!

Béranger. É verdade, bebi um pouco!

Jean. E assim todos os domingos, sem falar nos restantes dias da semana!

Béranger. Bem, não, não todos os dias, eu trabalho...

Jean. Onde está sua gravata? Você perdeu o controle enquanto se divertia!

Béranger ( levantando a mão até o pescoço). Bem, realmente deve ser engraçado. Para onde eu poderia levá-lo?

Jean ( tirando uma gravata do bolso do paletó). Aqui, coloque este aqui.

Béranger. Obrigado, você é tão gentil.

Coloca uma gravata.

Jean ( enquanto Beranger de alguma forma amarra a gravata). Você não tem absolutamente nenhum cabelo! ( Beranger tenta pentear o cabelo com os dedos.) Aqui, pegue um pente!

Ele tira um pente de outro bolso da jaqueta.

Béranger ( pegando um pente). Obrigado.

Suaviza o cabelo.

Jean. Você não se barbeou! Veja quem você é.

Ele tira um espelho do bolso interno do paletó, entrega-o a Beranger, que olha para ele e mostra a língua.

Béranger. Tenho uma saburra na língua.

Jean ( pega o espelho dele e coloca de volta no bolso). E não é de admirar!.. ( Ele pega o pente que Beranger lhe entrega e também o coloca no bolso..) Você está enfrentando cirrose, meu amigo.

Béranger ( ansiosamente). Você acha isso?..

Jean ( dirigindo-se a Berenger, que está tentando devolver a gravata). Fique com a gravata, já tenho o suficiente.

Béranger ( com admiração). Bem, você está completamente bem.

Jean ( continuando a olhar para Beranger). A roupa está toda amassada, é horrível, a camisa está nojentamente suja, os sapatos... ( Beranger tenta esconder as pernas debaixo da mesa.) Seus sapatos não estão limpos... Que desleixo!.. Seus ombros...

Béranger. O que há de errado com os ombros?

Jean. Inversão de marcha. Bem, vire-se. Você estava encostado na parede... ( Bérenger estende languidamente a mão para Jean.) Não, eu não tenho escova comigo. Não quero arrastar meus bolsos para baixo. ( Bérenger ainda dá tapinhas languidos nos ombros para sacudir a poeira branca; Jean se afasta.) Ah... Onde isso aconteceu com você?

Béranger. Eu não me lembro.

Jean. Ruim, ruim! Tenho vergonha de ser seu amigo.

Béranger. Você é muito rigoroso...

Jean. E não sem razão!

Béranger. Ouça, Jean. Não tenho entretenimento; Esta cidade é chata. Não estou preparado para o trabalho que faço... oito horas no escritório todos os dias e apenas três semanas de férias no verão! No sábado à noite estou cansado, bom, e você sabe, para relaxar...

Jean. Minha querida, todo mundo trabalha, e eu trabalho também, eu, como todo mundo no mundo, passo oito horas todos os dias no escritório, também tenho apenas vinte e um dias de férias por ano, e ainda assim olhe para mim! É tudo uma questão de força de vontade, droga!