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Foto: ANTON ZEMLYANY Estilo: KATYA KLIMOVA

É fácil saborear a vitória na linha de chegada; é muito mais difícil ser o primeiro a largar a corrida. Mas as dificuldades nunca incomodaram Kristina Krasnyanskaya. Conhecemo-nos com a fundadora do Heritage, que celebrou recentemente o décimo aniversário da sua galeria e há muito provou ao mundo que existe design na URSS.

“Design na União Soviética? Você está brincando?" — a dona da galeria Heritage relembrou para o resto da vida a exclamação de surpresa do fundador e curador da Design Miami / Basel Craig Robins. Há seis anos, quando ela decidiu mostrar o design soviético em Basileia, outras questões surgiram, resumindo-se à notória: “Por que você precisa disso?” Mas Christina sempre soube por quê. Em geral, ela é uma daquelas pessoas que primeiro pega o hardware e só depois se joga de cabeça na piscina, então mesmo um cético não conseguiria explicar essa história de sucesso por pura sorte. “Eu não tinha ideia de como eles reagiriam a nós”, lembra o galerista. “Lembro que trouxemos uma escultura de um metro e meio de trabalhadores russos e europeus beijando apaixonadamente sob uma faixa vermelha com a inscrição: “Trabalhadores de todos os países, uni-vos!” Eles me perguntaram: “O que é isso, arte contemporânea?” Não, eu digo, não contemporâneo – 1937.” Krasnyanskaya tem certeza de que então, durante a preparação do projeto de estreia da Basileia, nada teria acontecido sem a ajuda de Yuri Vasilyevich Sluchevsky: o professor Stroganov e criador dos primeiros móveis de gabinete da URSS tornou-se seu fiel assistente e consultor. “Percebemos que quase não tínhamos mais objetos de vanguarda. Mas existe o construtivismo, que, em essência, é a vanguarda tardia. Surgiu a ideia de um diálogo entre o construtivismo e a estética dos anos 60 - período em que designers e arquitetos se voltaram para a mesma vanguarda e Bauhaus.” O plano não apenas funcionou, mas disparou com força ensurdecedora - e o galerista voltou à Rússia com elogios comentários de The Guardian, Wallpaper e The Daily Telegraph, que por unanimidade consideraram o destino do Heritage quase o principal evento da feira. “Se me dissessem que aconteceria ASSIM, eu nunca teria acreditado”, sorri o interlocutor. “Tornamo-nos pioneiros: movíamos-nos de olhos fechados no escuro.”

Christina desempenha habilmente o papel de pioneira. Tudo começou com artistas da diáspora russa. “É claro que não descobrimos a América, perdoem o trocadilho. Diante de nós estavam as galerias “Nossos Artistas”, “Elysium”, “Aquarela”. Em 1995, a Galeria Tretyakov acolheu uma importante exposição “Eles levaram a Rússia com eles” - pinturas, gráficos e materiais de arquivo recolhidos pelo professor francês René Guerra. Surgiu toda uma camada de nomes: Isaev, Pozhedaev, Polyakov, de Stael. Mas uma coisa é ter uma exposição num museu, outra bem diferente é ter uma galeria privada que precisa de ganhar dinheiro. Hoje, os colecionadores procuram pinturas de artistas emigrantes, mas poucas pessoas as conheciam. Eles conheceram Chagall, Kandinsky, Jawlensky, Goncharova e Larionov. Mas assim que você deu um passo para o lado, surgiram todas as manchas brancas. Então tínhamos muitas tarefas, e a principal delas era educativa: explicar quem são todas essas pessoas e por que o trabalho delas é o investimento certo. E assim abrimos a exposição de Andrei Mikhailovich Lansky. Pequeno, mas muito volumoso: primeiras obras, mosaicos, colagens, abstração lírica. A reação foi simplesmente uau! Este é um dos meus projetos favoritos: em primeiro lugar, é uma estreia, e Em segundo lugar, muito indicativo – criamos muitas dessas exposições sincréticas ao longo de dez anos.”

Aliás, por volta do décimo aniversário: foi comemorado no Heritage com um jantar realizado por Vladimir Mukhin e uma exposição dedicada ao Art Déco soviético. “A curadora Sasha Selivanova e eu escolhemos um pequeno período de tempo - de 1932 a 1937”, explica o galerista. “Decidimos mostrar um quase estilo: não mais vanguardista, mas ainda não império.” Os preparativos para junho em Basileia também estão a todo vapor. Krasnyanskaya terá sorte com a arte de propaganda dos anos 20 e 30: móveis, porcelanas, tapetes, vidros. Também há planos para produzir réplicas de móveis soviéticos e projetos com instituições artísticas famosas. “Quero colaborar com a Fundação Prada”, diz ela com ar sonhador. Parece alto, mas nada é impossível para Christina. Norman Foster admira suas exposições, e os melhores museus de Moscou confiam suas coleções ao Heritage. Ela é curadora de uma exposição no Museu MAGA de Milão e ajuda nossos artistas a se tornarem estrelas no cenário internacional. Mesmo fora do trabalho, esta frágil menina consegue tanto que você começa a suspeitar que ela se teletransporte: hoje ela está estudando a retrospectiva de Kabakov em Londres, amanhã ela está aplaudindo Currentzis em Moscou. Só quero perguntar à banalidade infernal: “Você pelo menos às vezes descansa? Você precisa libertar sua cabeça! “Claro que é necessário”, diz ela. “É para isso que servem os aviões.” Outro dia eu estava relendo “Por Quem os Sinos Dobram”. E adivinha? O livro é perfeitamente paralelo ao nosso projeto recente sobre o tema Guerra civil na Espanha. Ah, acho que estou falando de trabalho de novo, certo?

Kristina Krasnyanskaya é filha do famoso empresário Georgy Krasnyansky (ex-sócio de Filaret Galchev, agora dirige o conselho de administração da empresa de carvão Karakan Invest). Ela supervisiona três coleções ao mesmo tempo - familiar, pessoal e de galeria. “O acervo familiar começou a tomar forma há cerca de 15 anos. De alguma forma, caímos numa tendência geral quando todos começaram a comprar arte”, diz Kristina Krasnyanskaya. - Mas há algumas coisas que agora estou comprando para mim. Não é um processo fácil porque você tem que se separar constantemente como colecionador de você como galerista.”

Os Krasnyanskys, como muitos colecionadores russos, começaram com o clássico russo pinturas XIX-XX séculos - Aivazovsky, Zhukovsky, Meshchersky, Konchalovsky, Kustodiev. A Heritage Gallery, que Christina abriu em Petrovka em fevereiro de 2008, inicialmente especializada em artistas da diáspora russa. Mas há cerca de cinco anos a menina se interessou por design. “Os pais estão menos interessados ​​em design, embora também tenham itens modernos escandinavos. Parece-me que na Rússia as pessoas apenas começaram a mergulhar neste tema”, diz Christina.

Ela própria levou a sua paixão ainda mais longe e acrescentou objetos criados na URSS ao design europeu. Quando nos conhecemos no Heritage, na exposição “Modernismo Soviético - um fenômeno de cultura e design do século 20”, ali estavam expostas coisas de sua coleção pessoal.

Segundo Krasnyanskaya, antes dela, os colecionadores russos praticamente não lidavam com móveis soviéticos como tais.

A tarefa deles projetos de museu a menina vê isso como “mostrar o que é soviético de uma forma não-soviética”. Ela gosta de integrar o design soviético num contexto internacional.

Para isso, Krasnyanskaya leva há vários anos itens de sua coleção para a prestigiada feira internacional Art Basel Miami. Muitas das exposições são verdadeiras raridades, e os curadores ocidentais apreciam isso, diz ela: “Tenho 23 objetos de uma casa comunal em Smolensk no final da década de 1930, feitos pelo escultor de Leningrado Krestovsky, esta é uma grande transição do construtivismo para a arte tardia deco. Recentemente expus-os na Art Miaimi Basel – foi um projecto dedicado ao fenómeno cultural das casas comunitárias. Depois disso, o Victoria and Albert Museum de Londres me abordou com uma proposta para fazer um projeto conjunto. Os estrangeiros reagem instantaneamente a tudo relacionado ao design de propaganda.”

Sua coleção de design já conta com centenas de peças. “Há uma coleção bastante impressionante de móveis – objetos construtivistas de Boris Iofan de 1929, em particular seu cadeira famosa da Casa do Aterro, itens exclusivos de design de propaganda da casa comunal de 1937; há peças de autor do estilo Império Stalinista, há o art déco soviético de Nikolai Lansere, que será exposto aqui em maio - e o último grande estilo que está em exposição agora: o chamado modernismo soviético, de 1955 a 1985 , - Christina lista, caminhando Hall de exibição. - Logo no início deste período surgiram os edifícios Khrushchev, tão odiados por muitos - e com eles um novo estilo. Em primeiro lugar, trata-se de móveis de pequeno porte que seriam convenientes em apartamentos pequenos.”

O design modernista soviético, deve-se dizer, raramente é encontrado no mercado - de acordo com Krasnyanskaya, com exceção de raridades com qualidade de museu, os móveis da década de 1960 eram frequentemente jogados em aterros, queimados ou enviados para dachas. Mas ela teve sorte com seus parceiros: “Quando começamos a trabalhar neste tema, trabalhamos em estreita colaboração com a Academia Stroganov, com base na qual foi criada uma oficina experimental. Lá eles fizeram amostras que foram exibidas em três grandes exposições dedicadas ao novo design - 1958, 1964 e 1967."

“Quando fomos pela primeira vez ao Art Miami Basel, Stroganovka nos ajudou a encontrar coisas dessas exposições, que após as mostras foram distribuídas nas dachas e apartamentos de quem tinha condições de comprá-las. Então acabamos com coisas desses apartamentos – protótipos feitos com materiais de maior qualidade do que na produção em massa. Mas também não abrimos mão dos móveis produzidos em massa, porque hoje não sobrou quase nada deles.”

Os móveis soviéticos de Krasnyanskaya não parecem soviéticos, em grande parte devido à restauração de alta qualidade. “Não temos o objetivo de replicar os mesmos tecidos usados ​​no original”, diz ela. - Claro, selecionamos de forma que o espírito da época, o sentimento da época sejam preservados - mas essas coisas recebem uma nova interpretação graças a algum momento do jogo. Por exemplo, estas cadeiras do final dos anos 1960 e início dos anos 1970 são estofadas em tecido Loro Piana, o que seria difícil de imaginar na União Soviética.” As cadeiras fazem parte de seu próprio acervo e já participaram de diversas exposições.

EM Novo apartamento Krasnyanskaya também tem um par de poltronas soviéticas – ela vê “um certo chique” nelas. Muitas peças de mobiliário modernista apresentadas em sua galeria podem ser facilmente confundidas com o design escandinavo, muito popular em Ultimamente no mercado de arte.

Nos quatro anos em que colecionou móveis e decoração, o design escandinavo das décadas de 1950 e 1960 triplicou de valor.

Kristina também vê potencial de investimento em produtos marcados como “feitos na URSS”: “É claro que o interesse pelo design soviético está crescendo. Supercoisas colecionáveis, praticamente ausentes no mercado, estão sempre em demanda e são caras. Mas tenho certeza de que as coisas que foram produzidas em massa e estão presentes nesta exposição simplesmente como um reflexo da época, mais cedo ou mais tarde também serão apreciadas.”

Talvez os objetos mais impressionantes da coleção pessoal de Krasnyanskaya apresentados aqui sejam o vidro de arte soviética. “Acredito que diferentemente do porcelanato, esse nicho ainda não foi tão popularizado. Comecemos pelo fato de que o vidro artístico foi recriado por Vera Mukhina, autora de “O Trabalhador e a Mulher da Fazenda Coletiva” e o vidro lapidado. Desde 1934, ela chefiou a oficina experimental na Fábrica de Espelhos de Leningrado. Tenho um vaso de acrílico absolutamente deslumbrante dela do final dos anos 1940”, diz ela.

Na Heritage, Christina expôs vaso de vidro final da década de 1960 com base em forma de isoladores de linha e linhas de energia gravadas em círculo. A autora é a artista estoniana Helen Põld, que trabalhou naquela oficina experimental da Fábrica de Espelhos de Leningrado. “É algo incrível – um acabamento delicado e ao mesmo tempo uma mensagem de produção”, comenta Christina. - A tiragem era muito pequena, essas coisas só existem em alguns museus. Pura arte! Ela também inclui na mesma categoria um tríptico do final dos anos 1970 com o título inesperadamente relevante “Revolta Ucraniana” - vasos poderosos e expressivos feitos de vidro experimental vermelho e branco de dupla camada, que lembram as obras de Emile Galle. Krasnyanskaya os encontrou em uma coleção particular na Ucrânia: “Eles não eram usados ​​na vida cotidiana - eram um objeto de arte. Havia várias instalações de produção de vidro na Ucrânia, em Kiev e em outros lugares.”

A própria Kristina nasceu em Kiev, como sua mãe, e de lá veio a primeira coisa da coleção de arte da família: uma aquarela de Taras Shevchenko com visual de Kiev - o principal poeta ucraniano também era artista. Ao longo de uma década e meia, eles conseguiram montar uma coleção de pinturas e gráficos russos em nível de museu, como diz Krasnyanskaya. Ela sonha um dia mostrar toda a família reunida em um dos principais museus. O espaço de sua galeria simplesmente não é suficiente para isso: a coleção da família Krasnyansky está armazenada em quatro depósitos - três em Moscou e um em Genebra.

Krasnyanskaya não cita o custo estimado da arrecadação, nem divulga os custos de sua formação. Sua galeria emprega cinco pessoas, mas ela, sendo crítica de arte por formação, toma sozinha todas as decisões sobre compra ou venda de objetos. A menos que você consulte outros colecionadores sobre autenticidade ou preço, se houver alguma dúvida. E ultimamente ele tem participado de leilões apenas por meio de representantes, e não pessoalmente - ele diz que o clima emocional ali é como o de um cassino, por isso você pode facilmente sair do orçamento pré-planejado.

Embora a grande exposição familiar não tenha acontecido, Krasnyanskaya está mostrando a todos peças de sua própria coleção de objetos de design e das coleções de seus amigos do Heritage. Ela não cobra taxa de visita.

Outra característica da Galeria Krasnyanskaya são os jantares de colecionadores. “Isso é feito frequentemente no Ocidente, mas fomos um dos primeiros na Rússia. O objetivo é que colecionadores particulares exponham suas aquisições em um ambiente agradável”, afirma ao encerrar nosso passeio. - Fizemos sério programa musical para essas reuniões. Yuri Bashmet, Denis Matsuev, Lyubov Kazarnovskaya, Vladimir Spivakov e meu bom amigo Yuri Rozum. Não houve objetivos comerciais – apenas um gesto por parte da galeria. Qualquer colecionador, não importa o que diga, quer exibir suas aquisições.”

O programa educacional no Gossipnik continua) Hoje começaremos com Anastasia Ragozina, que muitas vezes pode ser visto em colunas de fofoca, mas para mim pessoalmente, suas atividades eram um mistério. Até hoje. O seguinte está escrito sobre ela: “a proprietária de uma joalheria (Stephen Webster) e agora também de uma produtora de cinema”.

Acontece que Anastasia é uma produtora cujos filmes incluem filmes de Nikolai Khomeriki e Ivan Vyrypaev. De acordo com ela em minhas próprias palavras(de uma entrevista para Sobaka Ru), ela “não está interessada em fazer filmes voltados apenas para sucesso comercial. De que adianta fazer um filme com Dmitry Dyuzhev e Vera Brezhneva, somando nomes para bilheteria e audiência, se tenho um negócio que rende muito mais? alto interesse de investimentos? Mas para mim, arte não é território de caridade ou patrocínio. Sou uma pessoa bastante voltada para os negócios e encontro esquemas que me permitem formular o orçamento para que o filme não se torne não rentável."

Anastasia foi casada duas vezes. O primeiro marido, Kirill, morreu tragicamente: caiu no gelo enquanto andava de snowmobile no Golfo da Finlândia. Kirill Ragozin

O segundo marido é Eduard Boyakov, o criador da Máscara Dourada e fundador do teatro Praktika, de cujo conselho de administração Anastasia ainda é membro.

O casamento com Edward acabou, mas ex-cônjuges continuem amigos

A propósito, após o divórcio de Anastasia, Edward namorou Ksenia Sobchak por algum tempo:

Próximo na lista Cristina Krasnyanskaya.Tudo que eu sabia sobre ela era que ela era amiga de Ksenia Chilingarova (veja abaixo). Então, pelo que Cristina é famosa? Google retorna: “Crítico de arte, colecionador de arte da emigração “dourada” russa, diretor de arte da galeria de arte internacional 'Heritage, curador de projetos expositivos sobre arte dos séculos XX e XXI” e “Economista com diploma do MGIMO, filha do dono de uma mina.”

Pai - Georgy Krasnyansky, ex-coproprietário da Eurocement. Marido - Matvey Urin.

A história com meu marido é interessante, escrevem sobre ele: “Ex-banqueiro, empresário até 2005, dirigiu o Brizbank, em 2009-2010, presumivelmente, tornou-se o verdadeiro dono de vários bancos. culpado de organizar um ataque hooligan contra um cidadão holandês, Jorrit Faassen.” Matvey Urin

Não sei se Christina e Matvey estão juntos agora.

Agora, algumas palavras sobre a amiga de Christina, Ksenia Chilingarova (nascida em 1982). O que sabem sobre ela no site é que seu pai é um famoso explorador polar. Este foi o fim das conquistas da menina (por enquanto). Por que mais Ksenia se tornou famosa além dos serviços de seu pai à pátria?

Ksenia é assinada como “jornalista”. Encontrei o seguinte na Internet:

Ksenia recebeu ensino superior na Faculdade de Jornalismo Internacional da Universidade MGIMO do Ministério das Relações Exteriores da Rússia

Em 2007 foi lançada sua primeira coleção de belos poemas, aos quais deu o nome de "Reflexão"

No futuro, Ksenia sonha em escrever seu próprio livro

Ela é a diretora de relações públicas do Lublu de Kira Plastinina (mas não tenho certeza se ela ainda está ativa ou não)

Um exemplo de artigo escrito por nossa heroína (sobre relógios cravejados de diamantes, se você se lembra, já discutimos isso uma vez).

Marido (ex?) violinista virtuoso Dmitry Kogan

Por hoje é tudo, vejo vocês no ar :)

Atualizado em 01/07/13 14:26:

Acrescentarei algumas informações confiáveis:

Christina está divorciada há muito tempo, Ksenia escreve para Elle e é a “diretora-embaixadora” da galeria Krasnyanskaya, na verdade são parceiras. Além disso, Chiligarova é diretora não-RP de Kira Plastinina há 4 anos.

Colecionar obras de arte é um hobby de elite que exige não apenas uma educação séria no campo da história da arte, mas também um gosto impecável.
Crítica de arte, membro correspondente da Academia Internacional de Cultura e Arte, proprietária da Galeria do Patrimônio de Moscou, Kristina Krasnyanskaya nos contou se é possível cultivar o bom gosto por conta própria e como aprender a criar coleções de arte.

• Cristina, o que é “bom gosto” para você?
• Bom gosto é a arte de estar em harmonia com o mundo ao seu redor. Guiados pelo gosto, podemos escolher o que fará parte da nossa vida e o que não fará. É como criar uma boa coleção. A capacidade de escolher e encontrar correspondências determina a formação do nosso contexto de vida pessoal. Uma pessoa de bom gosto sempre existe e se sente no lugar e no tempo, pois busca a harmonia entre o mundo externo e o interno.
• Na sua opinião, o bom gosto pode ser cultivado?
• Claro que o bom gosto é uma característica incutida na infância. Se uma pessoa desde o início jovem conhece a beleza e os cânones eternos da beleza, é muito mais fácil para ele desenvolver o bom gosto. O bom gosto não é uma qualidade inata; é o resultado de um trabalho sobre si mesmo. Expandindo constantemente seus horizontes e descobrindo coisas novas, estamos melhorando Seu gosto. O bom gosto está frequentemente associado ao sentido de estilo, embora sejam dois conceitos completamente diferentes, como moda e arte.
• O que é mais importante na criação de coleções particulares - gosto ou moda?
• As leis da moda existem em todos os tipos atividade humana. Mas a moda é sempre condicional. Apesar de a arte da moda ser extremamente procurada em um determinado momento, isso não a torna mais atrativa do ponto de vista da formação de uma coleção. Existem critérios muito mais importantes na escolha de obras para colecionar e, antes de mais nada, é o valor artístico da obra. Hoje está extremamente na moda colecionar arte contemporânea, mas isso não significa que os colecionadores arte do século XIX séculos têm mau gosto...
• Os gostos de um colecionador profissional e de um colecionador novato muitas vezes não coincidem. Como você se comporta em tais situações - você incute bom gosto nos clientes ou tenta obedecer suas aspirações?
• Procuro sempre ouvir os desejos e a visão dos meus clientes, sem, no entanto, esconder-lhes a minha opinião. Via de regra, todos começam a colecionar pelos clássicos, guiados pelas ideias recebidas em antologias e catálogos de museus. Mas o conservadorismo na coleta - nem sempre é sinal de bom gosto. Arte abstrata- esta é a evolução pela qual passa primeiro o artista e depois o espectador. Esta arte requer treinamento, experiência e educação especiais. Você precisa chegar até lá, expandindo gradualmente sua visão, ou talvez nunca chegue.
• Como arte Moderna influencia o gosto do público?
• Em todos os momentos arte formou os cânones da beleza e dos tipos da moda. A arte contemporânea faz isso de uma forma mais intensa e eclética, falando de tantas coisas ao mesmo tempo. Hoje há uma tendência para uma síntese das artes, quando o teatro se combina com a música, a pintura com o design, as videoinstalações e cinema. A arte mostra-nos a sua atitude em relação aos processos que ocorrem na sociedade e ajuda-nos a determinar a nossa própria atitude em relação a isso. O quão brilhante e interessante será depende do talento e habilidade do artista.
• Mau gosto em arte é...?
• Chocante. Quando um artista carece de inspiração ou de escola para se dar a conhecer ao mundo, recorre a comportamentos chocantes. Graças às atividades de alguns associações criativas, moderno Arte russa tornou-se frequentemente associado ao ultraje. Felizmente, além de chocante, na Rússia existem muitos interessantes artistas contemporâneos, baseado nas ricas tradições da escola russa de pintura. Sem dúvida, um dia seu trabalho será conhecido do grande público, mas já agora seus trabalhos são itens de colecionador.
• Qual obra de artista é um exemplo de gosto impecável para você?
• Esta é uma questão muito abrangente. Incrível sentimento forte o estilo era possuído por artistas como Van Gogh, Marc Chagall, Konstantin Korovin. Para mim, pessoalmente, uma fonte inesgotável de admiração é a obra do conde da vanguarda russa Andrei Lansky, um artista russo que deixou sua terra natal nos anos Revolução de outubro e alcançou amplo reconhecimento no Ocidente. Suas abstrações líricas são pinturas intelectuais refinadas, cheias da energia da “luz-cor”. Hoje, o trabalho de Lansky está finalmente ganhando o merecido reconhecimento em sua terra natal, o que também atesta a evolução do gosto público na Rússia...
  (Do site da galeria):
  As principais atividades da galeria de arte internacional "Heritage" são a arte da emigração russa da primeira metade do século XX e a arte russa contemporânea.
  Consciente da responsabilidade que a obra impõe à galeria com obras arte do nível “Russo no Exterior”, nos esforçamos para ser o mais exigentes possível ao trabalhar com arte contemporânea. A arte contemporânea russa e ocidental é apresentada na galeria Heritage por artistas cujas obras estão nas coleções de vários museus ao redor do mundo.
  Muitos participantes de nossos projetos expositivos são membros do Sindicato dos Artistas da URSS e da Rússia, estudantes de tais colossos pintura moderna, como Varvara Bubnova (membro da “União da Juventude”, “Valete de Ouros”, “Rabo de Burro”, expôs junto com Malevich, Tatlin e Rodchenko), Vasily Sitnikov (representante da “arte não oficial, fundador de sua própria escola” ), Heinrich Ludwig (representante da vanguarda Arquitetura soviética 20 anos).
  Cada do apresentado em nossa galeria de obras traz uma inegável valor artístico, tornando a arte contemporânea digna de coleção de elite e invariavelmente nos dando alegria do contato com o lindo.
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  Kristina Krasnyanskaya (38 anos): filha do coproprietário do Grupo Eurocement Georgy Krasnyansky (patrimônio líquido de 1,5 bilhão de dólares).
  Galeria do Patrimônio

No dia 31 de março termina a sua obra, dedicada ao oitavo aniversário da Galeria do Património. Hoje, esta galeria é a única na Rússia que trata de designs colecionáveis ​​ocidentais e soviéticos.

A proprietária do “Heritage” Kristina Krasnyanskaya disse à editora-chefe do “365” Yana Kharina qual é o fenômeno do modernismo soviético, o que há de bom nos edifícios “Khrushchev” e se os móveis dos anos 60 serão transportados valor de arrecadação.

Caminhando pela exposição, percebi que muitas coisas aqui me eram dolorosamente familiares. A quem se destina esta exposição: às pessoas familiarizadas com o design soviético ou às que não tiveram tempo de o conhecer?

Temos uma exposição abrangente. Claro, foi projetado para ambos os tipos de hóspedes. Por um lado, isto é interessante para as pessoas que estavam rodeadas pela situação soviética. Por outro lado, é educativo para um público mais jovem e um dos principais objetivos da nossa exposição é quebrar os padrões. Mostrar o que é soviético não é o jeito soviético.

Não é por acaso que há vários anos a galeria se concentrou no design soviético: há muitas coisas famosas, nomes que não são conhecidos não só no Ocidente, mas também aqui. Em virtude de razões históricas Tiramos uma página do contexto da nossa história da arte. Há toda uma galáxia de arquitetos, escultores e designers qualificados, que hoje são conhecidos por um círculo muito restrito de especialistas. O conceito de “design soviético” é muito amplo. Artistas de vanguarda recorreram ao design, todos tentaram fazer alguma coisa. Mas nem uma única peça de design vanguardista sobreviveu até hoje. Mas coisas da vanguarda tardia e do construtivismo foram preservadas, incluindo Boris Iofan (um dos principais representantes da arquitetura stalinista. - Nota “365”). Em nossa coleção há uma cadeira de “House on the Embankment”. O resto pode ser visto em museus.

O que é exatamente o “modernismo soviético”?

Estamos falando do estilo mais recente na história do design soviético - o modernismo. Oficialmente data de 1955-85. Quando nos lembramos do que é o modernismo soviético, há uma referência à grande arquitetura. Por exemplo, para o mesmo infeliz Rossiya Hotel demolido, que foi um dos objetos mais brilhantes do modernismo soviético. Este estilo surgiu após a morte de Stalin, quando chegou outro governo, novo culto personalidade. Ao mesmo tempo, chegou um período completamente incomum para a URSS - o chamado “degelo”, quando a “Cortina de Ferro” se abriu ligeiramente e uma corrente de vento fresco do oeste veio até nós. O avanço foi VI Festival Mundial jovens e estudantes em 1957, especialmente para quem Picasso fez a “Pomba da Paz”.

O que é apresentado na exposição?

Nossa exposição apresenta não só design, mas também fotografia, pintura, vidro de design, bronze e porcelana. A tarefa dos curadores era mostrar como essas coisas, em sua estética, estão em sintonia com o que se fazia no Ocidente. Com o fim da Segunda Guerra Mundial, houve uma necessidade urgente de reassentar os apartamentos comunitários. As pessoas estão começando a conseguir moradia própria, “Khrushchevka”. Estes mesmos “Khrushchevs” são um dos padrões negativos com os quais a maioria das pessoas associa esse período. Na verdade é muito estilo interessante, que substituiu o estilo do Império Stalinista. E os designers e arquitetos que trabalharam sob Stalin sentiram-se incomodados porque este estilo é desprovido de princípios decorativos, é mais minimalista, tem forma pesada e tem as suas raízes nas ideias de Bauhaz: funcionalidade, simplicidade de linhas, laconicismo, massividade.

Mas para os jovens designers era um vasto campo de actividade, onde podiam fazer nome e deixar para trás uma marca completamente nova arquitetura. E ao longo desses 30 anos, formou-se um estilo como o modernismo soviético, que estava em sintonia com o design da moda dos anos 50 e 60 no Ocidente. Os móveis volumosos de Stalin não cabiam nos novos apartamentos compactos. Aparecer novo tamanho designer de móveis e móveis. O primeiro designer da época, Yu.V. Sluchevsky, que introduziu móveis de gabinete modulares, ainda está vivo. A princípio, causou terrível indignação entre o público. Mas esse móvel foi aprovado e lançado. Este estilo tem, por um lado, uma justificação socioeconómica e, por outro, esta é a estética que existia no Ocidente. Este é um período de abstração, esta é a cultura que se desenvolveu paralelamente ao realismo socialista oficial.

Há algum conceito ou nome que os visitantes da exposição precisam saber?

As exposições são feitas para dizer algo às pessoas. Se uma pessoa vem aqui e sabe tudo, então ou é um especialista na área, ou um colecionador e está procurando coisas para comprar. Em geral, em essência, as exposições são criadas para mostrar novo material. Acho que esse foi um projeto difícil para nós: tivemos que combinar coisas muito diferentes em nossa direção, e para que não virasse uma bagunça, tivemos que expor corretamente. E, claro, eu queria que as coisas dialogassem entre si. Apresentamos trabalho cedo Oscar Rabin com uma bíblia em chamas e ao lado de “A Revolta Ucraniana” de 1970. Isso é uma coisa experimental. Queremos forçar de um jeito bom esta palavra, olhe para o antigo de uma maneira nova. Havia toda uma galáxia de pessoas talentosas que faziam coisas completamente vanguardistas que se encaixariam perfeitamente no interior ocidental moderno de hoje e seria completamente incompreensível que isso fosse feito na URSS. É por isso que é valioso porque foi feito por artistas que vivem num estado fechado. Esta é uma estética paralela, uma cultura paralela.

Estou correto ao entender que a exposição foi criada para mostrar itens únicos e não itens produzidos em massa?

Sem dúvida . Quando começámos a trabalhar neste período específico, até ao final dos anos 50, a regra era que os arquitectos também fossem designers. Eles fizeram uma ótima arquitetura, também fizeram interiores. Boris Iofan, ao projetar a Casa no Aterro, também criou seus interiores. Karo Halabyan, um dos principais designers e arquitetos do estilo do Império Estalinista, ergueu não apenas o edifício do Teatro Exército soviético, mas também todos os móveis para ele. Foi inteiramente seu projeto. Foi na década de 50 que começou a divisão entre arquitetos e designers. E, claro, por trás de cada coisa existe uma pessoa que inventou. Nossa exposição contém apenas itens originais. Graças à Academia Stroganov, conseguimos encontrar o autor de cada item. Sim, eram grupos de design, porque o design começou a se despersonalizar, mas por trás de qualquer objeto existem pessoas. No entanto, isso não foi anunciado;

Este mobiliário tem valor colecionável?

Os móveis dessa época já estão na moda. Tenho certeza de que em cinco anos a demanda será um pouco maior do que agora. Não direi que tenha valor de colecionador, mas pelo fato de desaparecer do mercado, será um dos principais objetos de busca. Hoje, mesmo o que estava em produção em massa é difícil de encontrar. Eles se separaram impiedosamente: alguns a levaram para a dacha, outros simplesmente a expulsaram. Mostramos aqui coisas soviéticas, não checas, romenas ou da RDA.

Os móveis são um reflexo da época. Mas do ponto de vista da tendência atual, na esteira do interesse geral nos anos 50-60, há uma oportunidade de ver o que estava acontecendo na URSS.

A exposição chama-se " Design soviético- um fenômeno da cultura e do design do século XX." O que é esse fenômeno?

Em geral, o conceito de modernismo soviético é uma definição fenomenal. Modernismo é um termo associado à arte ocidental no primeiro terço do século XX. O fenómeno do modernismo soviético reside também no facto de ser um estilo que pode ser integrado no contexto internacional. Há coisas que são absolutamente internacionais, sem conotações propagandísticas, sem toque totalitário ou propaganda. Essas coisas podem facilmente se equiparar a objetos de design ocidental, tanto em museus quanto para decorar apartamentos.

O que você mais gosta na exposição??

Gosto muito do sofá concha. É claro que gosto das obras de nossos artistas inconformistas, o maravilhoso díptico Viktor Pivovarov. Ele e Ilya Kabakov compraram tinta que não era adequada para pintura. Esta é uma tinta técnica, nitro esmalte, bastante fedorenta e com cheiro soviético. Fizeram trabalhos em painéis que logo viraram objetos. Ela fez isso durante seu período “abstrato”, que poucas pessoas conhecem. E os trabalhos de Kabakov, aqui apresentados, também foram feitos nesta técnica de nitro-esmalte. Gosto muito de Erik Bulatov e Oleg Vasiliev. Feito de vidro – um deslumbrante vaso decorativo “Eletrificação” da artista Helena Põld. O vaso pertence ao vidro do designer; só existem coisas assim em dois museus. Adoro muito as esculturas de Nikolai Silis e considero-o o Henry Moore soviético. É surpreendente que a estética de seu trabalho seja muito próxima, apesar de Silis não ter ideia da existência de um escultor como Henry Moore. Curiosamente, ao mesmo tempo em pontos diferentes pessoas completamente diferentes ao redor do mundo fizeram a mesma coisa.

Vamos olhar para 10 a 15 anos à frente. É possível que você faça uma exposição dedicada ao design dos anos 90 e 2000?

Não, e vou lhe dizer por quê. Depois de 1985, a produção nacional praticamente desapareceu, as importações substituíram tudo. Neste ponto, nossa atividade de design está concluída. Os anos 90 não foram o período mais favorável. história moderna, então pouco foi produzido.

E agora?

Infelizmente não. Provavelmente, na Academia Stroganov existem alunos talentosos que fazem o bem trabalhos de formatura. Mas não vai mais longe. Meu sonho é criar um grupo de designers que criem coisas dignas com personalidade própria, que sejam dignas de aparecer em Basileia.