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teatro inglês

No século XIX, o teatro, como todas as outras esferas da cultura inglesa, recebeu um novo desenvolvimento. O mais talentoso ator trágico Edmund Kean (1787-1833) personificou a tendência romântica na arte teatral.

Edmundo Keane ( arroz. 58) nasceu em uma família de atores. Seus pais morreram quando ele ainda era criança. Forçado a ganhar a vida, o jovem viajou com uma trupe errante pelas cidades e vilas inglesas. Essas andanças tornaram-se uma boa escola para o jovem artista, que aos vinte anos já havia visitado muitas partes da Inglaterra. Questionado sobre o que é preciso para se tornar um grande ator, Keane, já famoso, respondeu: "Saiba passar fome".

Arroz. 58. Keane como Shylock

Viajando com um teatro itinerante, Edmund experimentou-se em uma variedade de papéis e peças de vários gêneros.

Criado na pobreza, o ator desprezava aristocratas e governantes ociosos que pouco se importavam com seu próprio povo. O credo de vida do jovem Keane foi expresso nas palavras: "Eu odeio todos os senhores, exceto Lord Byron." Alta sociedade não podia perdoar tal atitude em relação a si mesma e constantemente envenenava Keane, chamando-o de ator da multidão.

Tendo se tornado famoso no palco provincial, em 1914 o ator recebeu um convite para se apresentar em Londres no Drury Lane Theatre, que passava por momentos difíceis naqueles anos. Sua estreia no teatro da capital foi o papel de Shylock em O Mercador de Veneza, de Shakespeare. A liderança de Drury Lane, contando com um ator provinciano, não falhou: Keane simplesmente cativou o mimado público londrino com sua magnífica atuação.

Shakespeare tornou-se o dramaturgo favorito de Keene. O ator foi atraído para ele por aquelas qualidades que ele próprio possuía: uma atitude trágica, um senso elevado de injustiça, rejeição de um mundo onde alguns levam uma existência miserável, enquanto outros se banham em luxo.

Foi Shakespeare que trouxe fama a Edmund. O ator incorporou as imagens de Shylock, Ricardo III, Romeu, Macbeth, Hamlet, Otelo, Iago, Lear. Os críticos chamaram seu jogo magnífico de o melhor comentário sobre a obra do famoso dramaturgo, e o poeta Coleridge argumentou: "Assistir ao jogo de Keane é como ler Shakespeare por um relâmpago".

A imagem de Shylock, criada por Keane em O Mercador de Veneza, de Shakespeare, causou uma grande impressão no público inglês. Seu herói surpreendentemente combina uma atitude irônica em relação às pessoas ao seu redor e um sentimento amargo de solidão, desejo profundo e ódio de partir a alma, escondidos atrás da humildade externa. O Mercador de Veneza, encenado em Drury Lane, trouxe a fama provincial de ontem como o melhor ator da Inglaterra.

Keane considerou os papéis de Hamlet e Otelo como seus trabalhos mais significativos. Seu príncipe da Dinamarca, triste e melancólico, entende que é impossível lutar contra o mal que reina no mundo. Extraordinariamente confiante, sincero e integral por natureza, Otelo coloca o amor acima de tudo e, portanto, sua morte significa para ele o colapso completo de todas as suas aspirações.

Grande sucesso Keane trouxe o papel do penhorista Overrich na peça " Nova maneira pagar dívidas antigas” por F. Messinger. A platéia, capturada pela atuação do ator, não conseguiu conter as lágrimas. Dizem que Byron, que assistiu à apresentação, ficou tão chocado que desmaiou.

Para alcançar a compreensão do espectador, Keane trabalhou cuidadosamente e por muito tempo em cada papel. Ele trabalhou todos os movimentos e expressões faciais na frente do espelho, repetidamente voltou aos episódios mais difíceis, afiado os menores detalhes seu papel. Praticar esportes o ajudou a alcançar uma plasticidade extraordinária (Kane era considerado um dos melhores esgrimistas da Inglaterra na época).

O último trabalho do grande ator foi o papel de Otelo. Tendo pronunciado a frase: "A obra de Otelo está terminada", o ator de 46 anos perdeu a consciência e caiu. Três semanas depois, ele se foi. A morte de Keane marcou o fim da direção romântica em teatro inglês.

O filho de Edmund Keane, Charles Keane (1811-1868), que atuou principalmente em melodramas, também foi ator.

A era vitoriana contribuiu para vida cultural Inglaterra seus próprios ajustes. Para a literatura, esses anos foram a época da formação do realismo crítico (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

O nome do escritor Charles Dickens (1812-1870) está associado à transição do teatro inglês do classicismo para o drama moderno. Peças melodramáticas foram escritas para o teatro (Country Coquettes, 1836; The Lampmaker, publicado pela primeira vez em 1879, etc.).

O dramaturgo Dickens trouxe grande sucesso para a comédia excêntrica The Strange Gentleman, escrita com base em um dos enredos do ensaio Sketches of Boz. Todas as peças de Dickens, exceto The Lampmaker, foram encenadas no St. James Theatre durante a temporada 1836-1837. Além deles, o escritor criou uma dramatização de seu romance Grandes Esperanças, mas a peça não foi encenada.

As peças de Dickens eram populares não apenas na Inglaterra, mas também no exterior. Os enredos de vários de seus romances formam a base de várias óperas.

Em 1951, o escritor abriu um teatro amador cujo repertório consistia em clássicos e obras contemporâneas. Muitos jovens dramaturgos ingleses começaram sua atividade criativa deste teatro. Dickens, que tinha excelentes habilidades de atuação, desempenhou o papel de Shallow em As Alegres Comadres de Windsor em seu teatro. O escritor também ganhou grande popularidade como um excelente leitor que executou suas próprias obras no palco.

Na mesma idade de Dickens, o poeta e dramaturgo inglês Robert Browning (1812-1889) começou a trabalhar para o teatro aos vinte e dois anos. Sua primeira peça, Paracelsius, foi publicada em 1835. Depois vieram os dramas históricos Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor and King Charles (1842), escritos para o Covent Garden Theatre. Os principais papéis nessas produções foram interpretados pelo ator W. Macready.

Em 1843, Covent Garden encenou The Spot on the Coat of Arms, de Browning. E em 1853, outra peça deste autor, O Aniversário de Colombo, foi encenada em seu palco.

As obras românticas de Browning, como suas peças históricas, estão na tradição do drama poético de J. G. Byron e P. B. Shelley. Numa época em que o melodrama dominava o palco inglês, Browning procurou chamar a atenção do público para uma atuação séria e significativa. Incompreendido pelos contemporâneos, o escritor passou gradualmente do drama de palco para o gênero da chamada peça de leitura.

A obra de Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), escritor e dramaturgo inglês, que também foi uma figura política bastante conhecida, também é marcada pela proximidade com o teatro realista moderno. Seus gêneros favoritos eram romances e dramas de temas históricos. Ao mesmo tempo, motivos melodramáticos e métodos de ostentação externa privaram as obras de Bulwer-Lytton de um historicismo genuíno.

Os dramas A beleza de Lyon (1838) e Richelieu (1839) trouxeram fama ao dramaturgo. Politicamente requisitadas e ao mesmo tempo divertidas, cênicas e cheias de dinâmica, essas peças imediatamente atraíram a atenção dos principais diretores ingleses da época. "Richelieu", encenada por Henry Irving, não saiu do palco do Lyceum Theatre da capital por muito tempo. E nas décadas de 1840 - 1860, o público russo pôde ver o drama Bulwer-Litton (os personagens principais foram interpretados pelos atores V.V. Samoilov e N.K. Miloslavsky).

Edward Bulwer-Lytton foi atraído não apenas por peças históricas, mas também por comédias que ridicularizavam os costumes da sociedade vitoriana - "Não somos tão ruins quanto parecemos" e "Dinheiro" (1840). Embora o dramaturgo não tenha se aprofundado na crítica social, o realismo de suas obras atraiu a atenção do público. Comédias de Bulwer-Lytton longos anos estavam nos repertórios dos teatros ingleses.

O romance histórico de Bulwer-Lytton "Rienzi" interessou o famoso compositor alemão Richard Wagner, que baseou sua história na ópera de mesmo nome, apresentada ao público em 1840.

No final do século XIX, o famoso escritor, prosador e dramaturgo inglês George Bernard Shaw (1856-1950) iniciou sua atividade criativa ( arroz. 59). Ele nasceu em Dublin, na família de um empregado pobre. Aos vinte anos, Shaw mudou-se para Londres, onde se tornou um dos fundadores da Fabian Society. Trabalho com música e crítico de teatro, Bernard escreveu vários romances obscuros. Sua primeira peça, The Widower's House, apareceu em 1892. A peça tocou em questões sociais e éticas importantes, criticando duramente os proprietários que alugam casas nas favelas. O dramaturgo exortou seus leitores a melhorar a si mesmos e mudar o mundo ao seu redor. O público recebeu a peça "A Casa da Viúva", encenada no Teatro Independente, com frieza, e após duas apresentações foi retirada do palco.

Arroz. 59. George Bernard Shaw

Nos seis anos seguintes, o dramaturgo escreveu nove peças (incluindo uma de um ato). O triste drama "Heartbreaker" (1893), que conta sobre um casamento lucrativo que acabou colapso completo, não aceitou nenhum dos teatros da capital para produção. Em 1894, o drama "Homem e Arma" apareceu, expondo a desumanidade e crueldade da guerra. Em 1897, foi criada a peça The Devil's Disciple, e em 1898 foi publicada uma coletânea em dois volumes Pleasant and Unpleasant, que incluía peças de diferentes anos (Mrs. Warren's Profession, 1894; Man and Weapon, Candida, 1897; um do destino", 1897; "Espere e veja", 1899, etc.). A peça "Mrs. Warren's Profession", que levanta o tema da prostituição, foi proibida pelos censores, mas mais tarde, quando ainda era permitida a ser encenada, não saiu dos palcos até 1902. Candida foi um grande sucesso em Nova York em 1903. E em sua terra natal, Shaw ainda não gozava de popularidade. O verdadeiro reconhecimento do público inglês veio a ele em 1904, quando ele, juntamente com sua esposa, bem como com o ator e diretor Harley Grenville-Barker, alugou o prédio do Royal Court Theatre. As peças de Shaw foram dirigidas por Grenville-Barker e John Vedrenn. Das 988 apresentações realizadas no palco do Royal Court em 1904-1907, mais de setecentas foram encenadas com base nas obras de Shaw.

Na lista os melhores trabalhos dramaturgo - a peça "Homem e Superman" (1905) - uma comédia filosófica, representando o espectador a atitude do autor em relação à religião, casamento, família. A evolução da sociedade humana é mostrada através das disputas de Don Juan, que se viu no submundo, com o diabo.

A peça mais famosa de Shaw foi Pigmalião (1913), uma comédia anti-romântica escrita especificamente para a atriz Patrick Campbell. Após a morte do dramaturgo, Frederick Lowe e Alan Jay Lerner criaram o musical My Fair Lady baseado em seus motivos.

As peças posteriores de Shaw incluem The Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), o drama histórico Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) e outros.

O espetáculo, que se tornou o epítome da sagacidade inglesa, criou mais de 50 obras para o teatro. Quando o grande dramaturgo faleceu, os teatros de muitas partes do mundo apagaram suas luzes em luto.

Uma contribuição significativa para o desenvolvimento do teatro inglês foi feita pelo escritor Oscar Wilde (1854-1900). Como Shaw, ele nasceu em Dublin, filho de um renomado cirurgião. Educado na Universidade de Oxford. Os primeiros trabalhos de Wilde foram o poema "Ravenna" (1878) e a coleção "Poemas" (1881).

A fama trouxe ao escritor suas histórias líricas e contos de fadas (" menino estrela", etc.), romance filosófico "O Retrato de Dorian Gray". Para o teatro, Wilde criou uma série de peças com foco socialmente crítico (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). No Francês Foi escrita a peça "Salomé", publicada na Inglaterra em 1894, traduzida por Alfred Douglas com ilustrações do artista Aubrey Beardsley. Esta peça formou a base da famosa ópera de mesmo nome de Richard Strauss (1904).

No final do século XIX, o dramaturgo inglês Henry Arthur Jones (1851-1929) começou a escrever para o teatro. Vindo de uma família camponesa pobre, ele ganhava a vida atuando.

Não ganhando fama como ator, Jones voltou-se para a dramaturgia, mas suas primeiras peças também não trouxeram o sucesso desejado. Os teatros se recusaram a aceitar suas obras e somente em 1878, em um dos teatros da província, a peça de Jones "Está ao virar da esquina" foi aceita para produção.

O tão esperado sucesso veio para o dramaturgo depois que seu Rei de Prata foi encenado no Princess Theatre. Entre os mais trabalho significativo John pode ser chamado de peças "Santos e Pecadores", "O Dançarino", "Susannah Rebelde", "O Triunfo dos Hipnotizadores", "Michael e Seu Anjo Perdido", "Proteção da Sra. Dane". Muitos dramas de Jones denunciam moral hipócrita Sociedade vitoriana ("Liars", 1897; "Lie", 1914), embora a paixão pelas técnicas do melodrama reduza um pouco seu significado. Mas, apesar disso, é seguro dizer que a obra de Jones teve impacto na formação de uma tendência realista na arte teatral da Inglaterra no final do século XIX. Jones colaborou com Bernard Shaw, e este apreciou muito seus trabalhos.

A arte cênica inglesa do final do século XIX está associada ao nome do ator e empresário Arthur Voucher (1863-1927). Em 1884, o jovem ator, formado em Eton e mais tarde em Oxford, tornou-se um dos fundadores da Oxford University Dramatic Society. Em seu palco, ele tocou em peças de Shakespeare ("Henry IV", "Twelfth Night", "The Merry Wives of Windsor", "Julius Caesar").

A estreia de Voucher foi o papel de Jacques na comédia de Shakespeare As You Like It, apresentada em 1889 no palco profissional em Wolverhampton. A performance trouxe fama ao ator e, em 1889-1894, ele atuou em vários teatros ingleses e americanos.

Em 1895-1896, Voucher dirigiu o Royal Theatre, e sua esposa, E. Vanbrugh, foi uma atriz principal que desempenhou os principais papéis em comédias e farsas. Entre 1900 e 1906, Voucher atuou como diretor artístico do Garrick Theatre. Nesta época, ele desempenhou muitos papéis nas peças de Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. Em 1910, o ator integrou a trupe de Beerbom Tree (“Hiz majestis tietr”), onde incorporou as imagens de Henrique VIII e da Fundação nas peças de Shakespeare “Henry VIII” e “Dream in noite de verão". Um artista muito temperamental e emocional, Voucher desempenhou especialmente com sucesso papéis brilhantes e característicos (John Silver em "Treasure Island", baseado no romance de R. L. Stevenson).

No final do século XIX, o ator e empresário Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) iniciou sua carreira no teatro. Ele fez sua estréia como Fritz na peça "The Old Jew" de Grnadi, encenada em 1895 no Garrick Theatre. No mesmo ano, ele se juntou à trupe Beerbom Three e saiu em turnê nos Estados Unidos com ela. Em 1899-1901 visitou novamente a América, desta vez junto com a famosa atriz inglesa Patrick Campbell.

Trabalho de palco mais significativo do ator neste momento foi o papel de Sandford Cleve em The Famous Mrs. Ebbsmith e Capitão Ardale em The Second Mrs. Tanqueray de Pinero. Em 1902, Du Maurier tornou-se empresário da trupe de Ch. Froman (Duke of York Theatre), onde criou as imagens de Ernest Wooller (Delightful Crichton de J. Barry), Hook and Darling (Peter Pan do mesmo autor) com muito sucesso.).

Acima de tudo, Du Maurier conseguiu papéis cômicos. A capacidade de se comportar com naturalidade, sinceridade e simplicidade ajudou o ator a conquistar o amor do público. Seus melhores trabalhos foram as imagens de Montgomery Brewster em McCachon's Brewster's Millions e Hugh Drummond em Bulldog Drummond, uma dramatização do romance de McNeil.

No período de 1910 a 1925, Du Maurier, junto com F. Curzon, dirigiu o Teatro Wyndhams, e de 1925 a 1929, junto com G. Miller, dirigiu o Teatro St. James. Um sucesso grandioso foi trazido ao teatro pela produção da peça de Lonsdale " Últimos dias Sra. Cheney" (1925). No futuro, Du Maurier encenou várias outras apresentações em vários teatros (Wallace's Bell Ringer, 1926, Wyndham's Theatre; Maugham's Letter, 1927, Playhouse Theatre; Morton's Alibi baseado no romance de Christie, 1928, Prince of Wells tietr "; "Doctor Pigmalion" Owen, 1932, "Playhouse tietr", etc.).

Uma figura proeminente no teatro inglês do final do século 19 - início do século 20 foi o ator, diretor e famoso professor Frank Robert Benson (1858-1939). Desde cedo, ele participou ativamente de todos os tipos de performances amadoras. Seu primeiro palco profissional foi o teatro londrino "Lyceum", dirigido por G. Irving. Um ano depois, o jovem ator abriu seu próprio teatro móvel, que dava apresentações não apenas em Londres, mas também em Stratford, além de outras cidades provinciais.

O dramaturgo favorito de Benson era Shakespeare. Em poucos anos, o diretor encenou quase todas as peças do grande dramaturgo, com exceção de Tito Andrônico e Troilo e Créssida. De 1886 a 1919, a companhia, liderada por Benson, tocou no Shakespeare Memorial Theatre em Stratford-on-Avon. Na terra natal de Shakespeare, com sua participação, foram realizados festivais anuais de peças de Shakespeare.

Um ator e diretor maravilhoso, Benson também foi um professor talentoso que treinou muitos artistas maravilhosos. Sua caneta pertence ao trabalho de atuar. Escreveu Benson e um livro de memórias. Nos últimos anos de sua vida, dedicou-se ao cinema.

Como ator, o famoso ator, diretor e dramaturgo inglês Harley Grenville-Barker (1877-1946) iniciou sua carreira teatral. Em 1891 juntou-se à trupe de S. Thorne em Marget. No ano seguinte, Grenville-Barker já se apresentava no London Comedy Theatre.

De 1904 a 1907, juntamente com o dramaturgo Bernard Shaw, Grenville-Barker dirigiu o Royal Court Theatre, parte do movimento de teatro livre, focado no drama realista sério.

Grenville-Barker, que promovia o realismo cénico, sonhava em abrir um teatro nacional com repertório permanente, mas, infelizmente, sua tentativa de criá-lo não deu certo.

Entre as obras de Grenville-Barker, as performances baseadas nas peças de Shakespeare ocupam um lugar importante. O diretor publicou uma obra de 5 volumes "Prefácio de Shakespeare", na qual analisou em detalhes as peças shakespearianas mais difíceis para implementação no palco e deu conselhos práticos sobre como encená-las em um teatro moderno. As peças de Grenville-Barker, The Marriage of Anna Leith (1902), Voisey's Inheritance (1905), Madras House (1910), Weather in Khen e outras eram amplamente conhecidas.

Após a Primeira Guerra Mundial, a Inglaterra recebeu várias colônias alemãs e parte das terras do Oriente Médio que pertenciam à Turquia. A economia britânica, prejudicada pela guerra, começou a reviver, mas isso não durou muito. Já em 1921, começou o crescimento inflacionário e a queda do padrão de vida da população.

Em 1924, o governo trabalhista chegou ao poder, mas, apesar de todos os seus esforços, a situação econômica e política do país não mudou, e os conservadores que substituíram os trabalhistas pioraram ainda mais a situação. Em maio de 1924, uma greve geral começou na Inglaterra. Plantas e fábricas pararam completamente, ferrovias e minas deixaram de funcionar. O governo conseguiu aliviar a tensão no país por algum tempo, mas já em 1929 eclodiu uma grave crise econômica.

A década de 1930 também foi problemática. Hitler chegou ao poder na Alemanha e, na Inglaterra, com a conivência de Baldwin e Chamberlain, que o substituíram, a União Britânica de Fascistas iniciou suas atividades.

Quando foi o segundo Guerra Mundial, descobriu-se que a Inglaterra estava completamente despreparada para isso. Após a derrota em Dunquerque, a força expedicionária britânica deixou o continente. Tendo ocupado a França, os nazistas já se preparavam para lançar uma invasão das Ilhas Britânicas, mas foram impedidos pela batalha pela Grã-Bretanha, vencida pelos aviões britânicos, e então começaram as hostilidades contra a URSS.

Em 26 de maio de 1942, a Inglaterra e a URSS assinaram um acordo sobre aliança militar e cooperação em tempos de paz, mas por algum tempo Churchill atrasou a abertura de uma segunda frente. No final da Segunda Guerra Mundial, a política dos conservadores finalmente decepcionou o povo, e nas eleições de 1945 o Partido Trabalhista obteve uma vitória esmagadora.

A situação social do país não poderia deixar de se refletir no drama inglês da primeira metade do século XX. Durante esses anos, escritores famosos como Somerset Maugham e John Boynton Priestley trabalharam no país.

Arroz. 60. Somerset Maugham

Escritor inglês William Somerset Maugham (1874-1965) ( arroz. 60) nasceu em Paris, na família do assessor jurídico da embaixada inglesa. Aos dez anos, ele ficou sem pais e foi criado na Inglaterra por parentes. Tendo adoecido com tuberculose, Maugham se estabeleceu no sul da França e depois mudou-se para a Alemanha, onde se tornou voluntário na Universidade de Heidelberg. Na Alemanha futuro escritor se aproximou de Ibsen

e Wagner. Foram as peças de Ibsen que despertaram em Maugham o desejo de se tornar um dramaturgo.

Voltando à Inglaterra, Maugham começou a estudar em uma escola de medicina. Por três anos ele trabalhou como paramédico em uma ambulância, o que lhe deu conhecimento da vida das pessoas comuns (como parte de sua profissão, Somerset visitou os bairros mais pobres de Londres). Seu romance Lisa of Lambeth, escrito em 1897, fala sobre as favelas de Londres. Ele trouxe o jovem escritor a primeira fama. Posteriormente, Maugham criou uma série de romances que dão um amplo panorama da vida da sociedade inglesa (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

O teatro sempre atraiu Maugham, mas não foi fácil obter sucesso nessa área. O desejo de uma reflexão realista da realidade às vezes afastava os empresários do escritor. Não contribuiu para a popularidade do escritor na arte comercial e na produção de sua peça "Homem de Honra" (1903).

Finalmente, em 1907, Maugham conseguiu encenar a comédia Lady Frederick, que foi recebida com entusiasmo pelo público. Depois disso, os teatros londrinos abriram suas portas para o dramaturgo e, no mesmo ano, 1907, surgiram mais três apresentações baseadas em suas peças.

O dramaturgo criou um tipo de peça que chamou de "inteligente". A realidade moderna de sua obra é mostrada por meio de um confronto de personagens, e a ação é muitas vezes interrompida para que os personagens possam discutir a situação. Ao criar suas peças, Maugham costuma usar as técnicas características das obras de Shaw e Ibsen, mas na maioria das vezes ele se volta para a comédia inglesa da era da Restauração. É da dramaturgia da segunda metade do século XVI - início do século XVIII que vem a arte do caráter e da intriga, presentes nas obras de Maugham. Em muitas de suas peças, há também interesse pelas tradições do teatro francês.

Escrito no estilo de uma comédia de salão primeiras jogadas Maugham's "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", encenado nos palcos dos teatros de Londres em 1907. No futuro, o dramaturgo se afastou da sátira leve e se voltou para dramas sérios e realistas sobre "pessoas que sabem tudo". Em 1913, A Terra Prometida apareceu, contando sobre o destino da pobre menina Nora. Criada em um ambiente burguês inglês, ela acaba no Canadá, para seu irmão fazendeiro. Imprópria para o trabalho e tentando agir como uma dama, ela irrita a esposa do irmão. Mas, tendo se tornado esposa de um fazendeiro vizinho, Nora muda gradualmente e, quando tem a oportunidade de voltar à sua antiga vida em Londres, ela se recusa, percebendo que não poderá mais viver entre ociosos e pessoas sem valor.

O tema da vida inglesa do pós-guerra é o tema da peça The Hearth and the Beautiful Wife (1919). A Primeira Guerra Mundial terminou e o major voltou para casa, que todos consideram morto. Sua esposa Victoria casou-se com seu amigo, também major. Amigos competem na nobreza, dando um ao outro o direito de ficar com a bela Vitória, mas ela se divorcia de ambos e se torna esposa de um especulador que fez fortuna com suprimentos militares. Este saco de dinheiro que escapou da frente dirige um Cadillac e tem a oportunidade de conseguir qualquer comida. Ambos ex-marido incomparável Victoria afirmam que eles sempre adivinharam sobre sua mesquinhez e ganância. Esta é a lareira pela qual os britânicos lutaram na guerra.

O tema do casamento na sociedade burguesa é continuado pela famosa peça de Maugham, The Circle (1919). Elizabeth, esposa de um jovem político, está decepcionada com o marido e admira a mãe dele, que ela nunca viu: na juventude, ela fugiu do marido com o amigo dele, Lord Proteus, que estava concorrendo a primeiro-ministro. Mas depois de tal ato, a entrada na sociedade foi fechada para os amantes, e apenas Elizabeth os convidou secretamente para sua casa. Qual foi sua decepção quando, em vez de um casal romântico, ela viu uma velha rejuvenescedora e um velho mal-educado e malvado. Muito ficou claro para a jovem, mas ela não desistiu de seu amor e deixou a casa de um marido próspero para ir com um jovem oficial colonial para a distante Malásia.

Entre 1928 e 1933, mais quatro peças de Maugham apareceram: The Sacred Flame (1928), The Breadwinner (1930), Military Merit (1932) e Sheppey (1933). O advogado provincial do drama "Por Mérito Militar" acredita que a justiça e a prosperidade reinam na sociedade, embora sua própria família esteja morrendo sob a pressão das circunstâncias.

O filho Sydney voltou para casa das cegas de guerra, e uma das irmãs cuida dele, embora isso a pese e a atormente. Ela sonha em juntar seu destino com um homem que também retornou recentemente do front, mas seu noivo, incapaz de se encontrar nesta sociedade, comete suicídio, e a infeliz garota enlouquece. Sua irmã se torna a esposa de um oficial desmobilizado - uma pessoa arrogante e mal-educada. O destino da terceira filha também é trágico. Tentando escapar de uma situação sombria, ela foge de casa com um rico especulador que fez fortuna em transações sujas. A guerra quebrou o destino de todos os membros da família. As palavras de Sidney estão cheias de amargura: “Sei que todos fomos marionetes nas mãos de tolos medíocres que governaram nossos países. Eu sei que todos nós fomos sacrificados à sua vaidade, ganância e estupidez. E o pior é que, até onde eu entendo, eles não aprenderam nada.”

A história do protagonista do drama "Sheppy" é triste. Sheppey, um cabeleireiro de meia-idade, tornou-se o orgulhoso proprietário de uma grande vitória.

Ele sonha em ajudar os necessitados, mas sua filha e seu noivo acreditam que esse dinheiro os ajudará a grande política, e buscar o reconhecimento de Sheppey louco.

A produção de arte não comercial de Sheppey falhou, e Maugham decidiu deixar a dramaturgia e nunca mais voltar a trabalhar para o teatro.

Arroz. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( arroz. 61) nasceu na cidade de Bradford (Yorkshire), na família de um professor. Em 1914, ele se tornou um estudante da Universidade de Cambridge, mas com a eclosão da Primeira Guerra Mundial, ele se ofereceu para o front. Priestley completou seus estudos na Universidade após o fim da guerra. Ele logo ganhou fama como escritor de ensaios, bem como um estudioso e crítico literário. Escrito em 1929, o romance The Good Companions, introduzindo o leitor à vida dos atores itinerantes, trouxe grande sucesso a Priestley. Primeiro e Extraordinário boa experiencia escritor em dramaturgia foi a peça "Virada Perigosa", encenada em 1932.

Assim como Maugham, Priestley foi capaz de transmitir com precisão tipos humanos e criar intrigas. Ao mesmo tempo, suas peças são mais problemáticas do que as obras de Maugham e Shaw.

Em "Perilous Turn" Priestley, como Maugham, revela o que está escondido atrás bem-estar externo vida. O que aparece por trás das camadas de mentiras e enganos é realmente terrível. O dramaturgo constrói peças com base no princípio do "detetive de sala fechada". Um assassinato foi cometido em um círculo estreito de conhecidos, todos estão sob suspeita e, ao mesmo tempo, todos se tornam detetives amadores.

Aos poucos, uma cadeia de revelações se desenrola, iniciada por palavras acidentalmente soltas em uma festa na editora Robert Kaplan, que descobre que seu amado irmão Martin era um maníaco sexual e não cometeu suicídio, como se acreditava oficialmente, mas foi morto por uma mulher . Quase todos os seus parentes estiveram envolvidos em sua morte. Ao saber da terrível verdade, Robert tirou a própria vida. Mas esta é apenas uma versão hipotética dos eventos. A escuridão que se segue se dissipa, e a atmosfera do primeiro ato aparece novamente diante dos olhos do espectador. Os personagens mantêm a mesma conversa, e a frase que serviu de início da exposição não é desenvolvida. "Virada perigosa" passou com segurança, a festa continua. Mas o que está realmente escondido por trás do curso calmo da vida já é conhecido pelo espectador.

Em 1937, surgiu a peça Time and the Conway Family, de Priestley, na qual o autor utiliza a técnica da virada dos acontecimentos. A ação começa em 1919 com férias em família. Uma família amigável e rica comemora o aniversário de Kate. A menina tem vinte e um anos, cheia de esperança de um futuro feliz e sonha em se tornar escritora.

O segundo ato refere-se a 1937. Os personagens são os mesmos, mas todos são infelizes. Uma festa que aconteceu há muitos anos foi um acontecimento que virou a vida da família na direção que levou todos os seus membros a um triste resultado.

O terceiro ato novamente se refere a 1919, mas agora para o espectador, que soube o que aconteceu muitos anos depois, a festa da família não parece alegre e feliz.

Priestley também abordou o motivo do tempo em suas peças posteriores: “Eu estive aqui antes” (1937), “Música à noite” (1938), “Johnson além do Jordão” (1939). Para aprofundar as características de seus personagens, o escritor os coloca em um ambiente inusitado, que revela o que antes estava escondido não apenas dos outros, mas também de si mesmos.

Em várias peças, Priestley usa experimentos ousados. Assim, no drama "From Paradise Times" (1939), que aconteceu nos palcos dos teatros de muitos países europeus, os atores entram no personagem bem na frente do público e até trocam de papéis.

O dramaturgo inglês valorizava muito o trabalho de Chekhov. Sua influência é mais evidente na peça "Eden End" (1934). "Eden End", em seu humor que lembra o " de Chekhov " O pomar de cerejeiras”, fala sobre uma mulher que fugiu da casa dos pais há muitos anos para se tornar atriz. Agora ela voltou para a casa tranquila e confortável de seu pai, sonhando em se sentir feliz novamente. Mas o passado não pode ser devolvido, e os personagens da peça, por mais que queiram, não podem começar uma nova vida.

A comédia ocupa um lugar importante na dramaturgia de Priestley. Nesse gênero, o escritor criou uma série de obras extraordinariamente espirituosas que criticam a vida da sociedade. Suas comédias eram extremamente populares nos países europeus, mas não trouxeram muito sucesso ao dramaturgo em sua terra natal.

A comédia The Rocket Grove (1933) era amplamente conhecida. Um proprietário modesto e normal de um pequeno armazém de papelaria de repente confessa à sua família que na verdade lidera uma gangue de falsificadores. Os parentes, tendo ouvido sobre isso, mostram-lhe todo o respeito, embora anteriormente o tratassem com desdém. Todos acreditam que ele não é pior do que os grandes magnatas financeiros que o arruinaram durante crise econômica e se tornou um criminoso.

Algumas comédias testemunham o interesse de Priestley pela vida de representantes de certas profissões (Love by the Light of Jupiter, 1936; Good Night, Kids, 1941).

A peça "Abelhas a bordo de um navio" (1936) se destaca um pouco, que o próprio autor chamou de "uma tragédia farsa em dois atos" e "uma sátira política em forma de farsa". A tripulação, abandonada em um transatlântico abandonado por seus proprietários à sua sorte durante a crise econômica, está tentando salvar seu navio de todos os tipos de tentativas de assassinato. Na final, o navio morre em uma explosão organizada pela empresa - proprietária do transatlântico.

A utopia dramática de Priestley "They Came to the City" (1943), inspirada em romance utópico O pintor e escritor inglês William Morris "News from Nowhere, or the Age of Happiness" (1891). Os heróis da peça de Priestley vivem em uma cidade onde não há propriedade privada, são felizes e alegres. Utilizando a técnica da "mudança no tempo", o autor introduz na peça personagens de diferentes estratos da sociedade inglesa moderna, que percebiam diferentemente a cidade inusitada e seus habitantes.

Mais duas peças de Priestley foram recebidas com grande interesse: The Inspector Came (1945) e The Linden Family (1947).

Na primeira peça, o dramaturgo novamente usa sua técnica favorita de "mudança no tempo". A família do industrial Berling está prestes a celebrar o noivado da filha. De repente, um inspetor de polícia aparece na casa, investigando o suicídio de uma garota chamada Eva Smith. Acontece que todos os membros da família são culpados de sua morte. Beurling a demitiu de sua empresa, sua filha garantiu que Eva fosse expulsa da loja, e seu noivo seduziu e deixou o infeliz. Para completar, a esposa de Burling, que tinha influência na instituição de caridade, certificou-se de que a menina não tivesse ajuda.

Tendo descoberto tudo, o inspetor sai, e a família Berling, surpresa que suas ações se referem à mesma garota, começam a chamar o hospital e a polícia. Eles descobrem que não houve casos de suicídio, e o inspetor com esse nome não trabalha para a polícia. Os Berlings se acalmaram, mas, como se viu, cedo demais. De repente, o telefone tocou e o chefe da família foi informado de que uma menina que trabalhava anteriormente em sua fábrica havia morrido no hospital, e um inspetor de polícia vinha esclarecer as circunstâncias da morte.

Na década de 1950, Priestley continuou a trabalhar em dramaturgia, mas não conseguia mais escrever nada significativo.

Uma grande contribuição para o desenvolvimento do drama inglês foi feita pelo poeta Thomas Stearns Eliot (1888-1965) (Fig. 62), que sonhava em criar um novo drama poético baseado nas tradições da arte antiga e medieval.

Arroz. 62. Thomas Stearns Eliot

Eliot nasceu nos EUA. Em 1910 ele veio para a Europa para estudar na Sorbonne. Sua formação como escritor se deu sob a influência das tendências modernistas surgidas no início do século. Insatisfeito com a cultura burguesa moderna, em sua busca Eliot se voltou para o neoclassicismo, baseado nas tradições da antiguidade e da Idade Média.

A transição de Eliot das letras para o drama está ligada ao seu desejo ardente de transmitir a "verdadeira espiritualidade", os ideais do humanismo para mais pessoas. Este objetivo é perseguido por todas as suas peças que apareceram na década de 1930, e depois nas décadas de 1940 e 1950 (Murder in the Cathedral, 1935; Family Reunion, 1938; Cocktail Party, 1949; Private Secretary), 1953; "O velho estadista" , 1958).

A questão da responsabilidade pessoal de uma pessoa por tudo o que acontece no mundo é levantada pela peça "Assassinato na Catedral", que foi um exemplo vívido da tragédia poética de Eliot. Criando sua obra em tempo de paz, o dramaturgo parecia prever a próxima guerra mundial, antes da qual ainda faltavam cinco anos.

"Murder in the Cathedral" deveria ser exibido no Festival de Canterbury, onde foram apresentadas outras obras contando sobre o destino de Thomas Becket, o arcebispo de Canterbury, que viveu no século XII. Becket ajudou Henrique II a lutar por uma monarquia centralizada, mas depois se tornou um oponente do rei, pelo qual pagou com a vida. Após sua morte, o arcebispo foi canonizado pela igreja como santo. A personalidade de Becket ainda causa polêmica entre historiadores e escritores. Eliot apresentou seu herói como um homem cujas ações foram motivadas pelo desejo de alta espiritualidade, razão pela qual lutou contra os interesses básicos do monarca e de seus asseclas. Ao aceitar o martírio, Becket tomou sobre si os pecados da humanidade e abriu o caminho para o humanismo e a verdade.

A peça, que combina linguagem poética com prosa, baseia-se não apenas em material histórico, mas também na realidade dos anos 1930. Assim, os discursos dos cavaleiros que mataram o arcebispo são muito semelhantes aos discursos da extrema direita com ameaças de uma “noite de facas longas” a todos que não concordam com suas ideias.

Os maiores representantes da dramaturgia de esquerda inglesa foram o poeta Whiston Hugh Auden (1907-1973) e o romancista Christopher Isherwood (nascido em 1904), que tentaram criar um drama poético moderno baseado nas tradições do music hall inglês .

Em 1933, Auden escreveu a peça Dança da Morte, que previa o fim da sociedade burguesa moderna. Em 1936 foi encenado pelo diretor Rupert Doone no palco do Group Theatre de Londres. No futuro, o dramaturgo trabalhou em colaboração com Isherwood.

A peça de Auden e Isherwood The Dog Under the Skin (1935), encenada em 1936, foi recebida com interesse. Este trabalho, que incluía elementos de paródia, alta poesia, agitprop, contos de fadas, expressionismo, ao mesmo tempo tinha uma unidade de estilo.

Todos os anos, os aldeões de Pressen Embo enviam um dos jovens em busca de Sir Francis, o herdeiro da propriedade que desapareceu repentinamente. Chegou a vez de Alan Norman, um homem honesto e simples. Junto com ele, o cachorro Francis, que mora em uma ou outra família, se recupera no caminho. Os viajantes visitaram muitos países e encontraram-se com pessoas diferentes mas nenhum sucessor foi encontrado. Alan já havia decidido abandonar outras buscas quando descobriu que seu cachorro era o procurado Sir Francis. A pele de cachorro o ajudou a aprender muito, a entender como estavam podres as bases sociais. Voltando à sua aldeia, Francisco viu que as ideias do fascismo nela prevaleceram sobre todas as outras. Juntamente com um grupo de jovens, o herdeiro parte para lutar contra a injustiça e o mal.

De grande interesse é a peça On the Border (1938), de Auden e Isherwood, cheia de simbolismo, que conta a história de duas famílias vivendo no mesmo quarto. Entre eles está uma linha invisível que os transformou em duas partes em guerra. Entre os personagens da peça estão os jovens amantes que pertencem a essas famílias, unidas somente após a morte, o Cínico, que explica a natureza do fascismo (o chefe do truste de aço), e o Líder, o demagogo, que é alimentado pelo Cínico.

Posteriormente, Auden e Isherwood se afastaram de suas ideias anteriores. Em 1966, o romance de Isherwood Farewell to Berlin (1939), que fala sobre a Alemanha antes dos nazistas chegarem ao poder, foi encenado no musical Cabaret, e em 1972 - o famoso filme com o mesmo nome.

A Primeira Guerra Mundial e o tempo que a antecedeu destruíram o sistema de empresas teatrais que se formara no século XIX, encabeçado pelos atores G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander. O teatro comercial do West End veio à tona na vida teatral da Inglaterra, oferecendo às pessoas cansadas da guerra espetáculos alegres e espetaculares. Farsas, melodramas, comédias leves e shows musicais eram muito populares.

A situação no mundo do teatro não mudou nos anos do pós-guerra. Os gêneros leves ainda reinavam no palco, e peças sérias de Strindberg, Ibsen, Chekhov só podiam ser vistas nos palcos de pequenos teatros londrinos (Evryman, Barnes) e clubes de teatro. O crítico americano T. Dickinson escreveu sobre o teatro inglês da época: “As Ilhas Britânicas estão politicamente isoladas. O teatro inglês está em isolamento semelhante. Na década de 1920, o teatro da Grã-Bretanha mostrou-se amplamente incapaz de responder aos impulsos profundos que guiavam o teatro no continente.

Juventude inglesa que negou a tradição era vitoriana e lutando por um modo de vida americanizado, Shakespeare era chato, cujos dramas deixaram a cena do West End.

As apresentações do Cambridge Festival Theatre, encabeçadas por Terence Gray em 1926-1933, tornaram-se verdadeiras paródias do grande Shakespeare. Assim, em O Mercador de Veneza, Portia fez seu famoso monólogo sobre misericórdia com um olhar entediado, uma voz completamente inexpressiva, e os juízes sentados à sua frente bocejaram. Os nobres de Henrique VIII, encenado por Gray, estão vestidos com trajes de valetes de cartas e rainhas e, em vez de alguns personagens, o público viu maquetes de cartas de baralho.

É interessante que, negando os clássicos, os diretores ingleses da época muitas vezes se voltassem para a comédia da época da Restauração. Entre eles estava o famoso ator, diretor e proprietário do Lyric Theatre em Londres, Nigel Playfair, que encenou várias comédias antigas. No palco Lyrica, também foram encenadas performances baseadas em peças de humoristas do século XVIII, interpretadas no espírito da época. Por exemplo, Beggar's Opera, de John Gay, que não saía do palco lírico há três anos, perdeu seu foco satírico e se transformou em um espetáculo leve e alegre. Na interpretação de Playfair, a peça de Gay representou uma idade despreocupada e alegre, cuja atmosfera foi ajudada a transmitir as velas acesas nos candelabros do auditório, as perucas dos músicos da orquestra do teatro, bem como a música de Handel e Purcell . N. Marshall descreveu com muita precisão a habilidade estilística de Playfair como diretor: "No teatro inglês sem estilo da época, ele deu um exemplo de um estilo de palco elegante e holístico".

A estrela do Teatro Lírico foi a atriz Edith Evans (1888-1976), que começou com os papéis de jovens heroínas da comédia durante a Restauração. O grande sucesso em 1924 trouxe-lhe a imagem de Milliment na peça "Assim fazem no mundo" baseada na peça de Congreve. Milliment, assim como Sallen em "Cunning Plan of the Dandies" de Farker, é uma criatura extraordinariamente alegre e graciosa, lutando para conhecer todas as alegrias da vida.

As peças de Bernard Shaw, apresentadas nos palcos do West End e em pequenos teatros experimentais, tiveram grande sucesso com o público inglês da década de 1920. "Saint Joan", encenada no Teatro Novo, trouxe aos criadores uma grandiosa sucesso comercial. A performance não saiu do palco por muito tempo, aguentando mais de duzentas e quarenta apresentações. O papel de Jeanne foi interpretado pela famosa atriz trágica Sybil Thorndike (1886-1976).

O papel de Jeanne foi destinado a Sybil Thorndike pelo próprio Bernard Shaw. Ele ensaiava com ela e outros atores, tentando inculcar neles a ideia de que estavam interpretando uma peça moderna, e não um drama de fantasia dedicado ao passado. Sybil Thorndike interpretou uma heroína cujas principais características não eram romance, mas uma mente sóbria e força moral. Olhando para Zhanna, o público entendeu que essa simples camponesa, que se provou em batalhas antigas, poderia se tornar a heroína da moderna Primeira Guerra Mundial.

No final da década de 1920 em círculos de teatro a ideia nasceu para realizar festivais anuais das peças de Bernard Shaw na pequena cidade de Malvern. O primeiro Malvern Festival ocorreu no início de 1929 e abriu com a peça de Shaw The Apple Cart. O papel do personagem principal nesta performance foi interpretado pela atriz Edith Evans. O festival durou até a eclosão da Segunda Guerra Mundial.

Barry Jackson (1879-1961), que dirigiu o Birmingham Repertory Theatre, desempenhou um papel importante na organização do Festival Malvern. Este teatro foi inaugurado em 1913, mais ou menos ao mesmo tempo que os teatros de repertório de Bristol, Manchester, Liverpool. Ao contrário dos comerciais, eles tinham uma trupe permanente e faziam peças sérias e problemáticas. No palco do Birmingham Repertory Theatre houve performances baseadas nas obras de D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser e, claro, B. Shaw. Em 1923, Barry Jackson encenou sua pentalogia Back to Methuselah, na qual atores famosos de Londres, incluindo Edith Evans, tocaram junto com representantes da trupe de teatro de Birmingham. Shaw também participou dos ensaios.

Em 1925, em Londres, a trupe de Barry Jackson mostrou "Hamlet" (diretor - G. Eilif). O público londrino nunca ficou tão surpreso: Hamlet estava vestido com um agasalho, Laertes com calças Oxford subiu ao palco com uma mala com um adesivo brilhante: "Passageiro para Paris". Polônio usava fraque e Cláudio usava um roupão de seda escarlate. Os cortesãos do rei jogavam bridge e bebiam uísque. O reino dinamarquês se transformou na Inglaterra moderna com suas tradições bem estabelecidas. Foi nesse velho mundo hipócrita que Hamlet entrou com sua verdade, trazida das trincheiras da Primeira Guerra Mundial.

Na década de 1920, as peças de Chekhov apareceram no repertório dos teatros da Inglaterra. Um papel significativo na familiarização do público inglês com as obras de Chekhov foi desempenhado pelo diretor Fyodor Komissarzhevsky (1882-1954), convidado em 1925 pelo empresário Philip Ridgway para o Barnes Theatre. A primeira apresentação encenada por um diretor russo no palco Barnes foi Ivanov ( papel de liderança foi realizado por R. Farkerson). Em seguida, foi encenada Três Irmãs (1926), interpretada por Komissarzhevsky como um espetáculo poético romanticamente elevado e extraordinário. O diretor usou iluminação brilhante e efeitos de cores, incomuns para o estilo de Chekhov. No mesmo ano de 1926, o público de "Barnes" viu mais dois dramas de Chekhov - "Uncle Vanya" e "The Cherry Orchard".

Naqueles anos As peças de Tchekhov foram encenados apenas em pequenos teatros, e somente na década de 1930 conseguiram ver quase todo o público inglês. Ao mesmo tempo, toda uma galáxia de atores talentosos apareceu no país. Junto com as estrelas da década de 1920 (Sybil Thorndike, Edith Evans, etc.), Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness brilharam no palco inglês. Você pode vê-los tocando principalmente na empresa de Old Vic e Gielgud nos teatros New e Queens.

Localizado na Waterloo Road, o Old Vic foi inaugurado no século 19, mas tornou-se amplamente conhecido antes da Primeira Guerra Mundial. Nos anos de 1918-1923, as peças de Shakespeare eram apresentadas em seu palco, nas quais os melhores atores ingleses que se recusavam a altas taxas West End para a verdadeira arte. Edith Evans foi convidada para todos os teatros do West End, mas preferiu um pequeno salário no Old Vic. Nas peças de Shakespeare, ela desempenhou muitos papéis, incluindo Katarina, Viola, Rosalind.

Shklovsky Victor Borisovich

autor Vasiliev, (crítico de arte) Alexander Alexandrovich

Do livro Vida cotidiana soberanos de Moscou no século 17 autor Chernaya Lyudmila Alekseevna

Prefácio do tradutor para o inglês Documentos históricos explicando os conceitos básicos associados ao bushido (o conceito de "bushido", como "samurai", entrou nas línguas ocidentais como uma palavra emprestada que denota "o espírito nacional, especialmente militar do Japão; tradicional

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Inglês melange Cheguei pela primeira vez a Londres em 1983. Naquela época, King's Road em Chelsea estava cheio de punks punks folhas de outono misturados com a chuva eles cantavam algo de Britten para nós, ônibus vermelhos de dois andares ecoavam o telefone vermelho clássico e sem graça

Do livro tradições folclóricas China autor Martyanova Ludmila Mikhailovna

Teatro O primeiro teatro da corte, que existiu em 1672-1676, foi definido pelo próprio czar Alexei Mikhailovich e seus contemporâneos como uma espécie de "diversão" e "frieza" à imagem e semelhança dos teatros dos monarcas europeus. O teatro da corte real não apareceu imediatamente. russos

Do livro 5 O'clock e outras tradições da Inglaterra autor Pavlovskaya Anna Valentinovna

Do livro do autor

Rostock sociedade civil: Clube inglês "Concordia et laetitia" Foi na era Catarina que surgiu o clube inglês em Moscou, aconteceu em 1772. Desde os clubes como um fenômeno vida pública na Rússia foram o resultado da influência exclusivamente ocidental, é bastante

O primeiro teatro em Londres, que se chamava Theatre, foi inaugurado em 1577 pelo ator James Burbage em Shoreditch. Alguns meses depois, um segundo teatro foi inaugurado nas proximidades, chamado The Curtain. Logo Burbage e seu filho Thomas, que se tornou mais famoso que seu pai, organizaram o Teatro dos Irmãos Negros - em homenagem à ordem monástica dominicana, já que o palco foi montado no refeitório do antigo mosteiro. No entanto, todos os teatros eram constantemente atacados pelas autoridades de Londres, que amaldiçoavam esses estabelecimentos como um demônio do inferno e uma fonte de infortúnio, um lugar de ociosidade e licenciosidade, uma reunião de pessoas viciosas excitadas pela visão de meninos em roupas femininas - em outras palavras, um lugar para aqueles que ao som de uma trombeta correm para assistir a uma peça do que para ouvir um sermão ao som de um sino.

Em Southwark, os atores tinham mais força de vontade do que na cidade, onde a vida dos teatros era severamente limitada pelas regras estabelecidas pelas autoridades. Além disso, Tula pode ser facilmente alcançada por barco ou ponte. Na época do fechamento dos mosteiros, parte de Southwark, que anteriormente pertencia ao mosteiro de Bermondsey e ao mosteiro da Bem-Aventurada Virgem Maria, tornou-se propriedade do rei. Em 1550 foi vendido à cidade por cerca de mil libras. Apenas dois terrenos permaneceram por vender, que permaneceram fora da jurisdição da cidade. Em um ficava uma prisão, o outro era chamado ("Paris Garden"); foi nesses dois locais que surgiram os teatros no tempo da rainha Elizabeth, livres das proibições e censuras de Londres. No Rose Theatre, construído em 1587, as peças de Marlowe foram encenadas pela primeira vez, e o talento de Edward Alleyn floresceu no palco aqui. Depois vieram os teatros "Cisne" (em 1596), "Globo" (em 1599; um décimo dele pertencia a Shakespeare) e em 1613 - "Esperança".

Os londrinos eram atraídos para esses e outros teatros por trombetas barulhentas e bandeiras ondulantes. O dinheiro foi coletado dos visitantes diretamente no teatro e colocado em uma caixa especial, que foi então trancada em uma pequena sala - a bilheteria (na "bilheteria em dinheiro"). Os espectadores sentaram-se em poltronas dispostas em fileiras ao redor do palco, ou em bancos bem no palco, e a apresentação começou com suas exclamações altas. Os atores representavam seus papéis e o público os interrompia com gritos de indignação ou aprovação, insultos ou elogios. Isso continuou até o final do ato, após o qual o palco se encheu de dançarinos, malabaristas e acrobatas; mascates com bandejas e cestos espremidos ao longo dos corredores entre os assentos dos espectadores, vendendo tortas, frutas, remédios de ervas, livrinhos; os homens eram gentis com as mulheres. Os trabalhadores do teatro muitas vezes fumavam, o ar estava cheio de fumaça de tabaco, cadeiras de madeira muitas vezes pegavam fogo e o público corria para as portas. incendiado no mesmo ano em que Nadezhda abriu; apenas uma pessoa ficou ferida no processo - suas calças pegaram fogo, mas ele as extinguiu rapidamente derramando cerveja de uma garrafa.

Perto dos teatros havia jardins com ursos, arenas para atrair um touro amarrado com cães, terrenos para brigas de galos, que atraíam um público diversificado - ricos e pobres, nobres e comuns. Depois de assistir a uma performance de Otelo ou Eduardo II, no dia seguinte o público foi assistir ao urso sendo apanhado por cães no Paris Garden, os galos de briga que, com as esporas para fora, cobriam a areia da arena de sangue e penas, o cães voando longe de golpes de touros loucos (os cães eram apanhados em armadilhas de vime para que não ficassem aleijados quando caíssem e pudessem continuar lutando), em pessoas golpeando com espadas, cortando orelhas e dedos uns dos outros sob a aprovação ruidosa de a multidão.

Teatros do West End

A face das ruas do West End mudou drasticamente. Muitos edifícios do século XVIII. foram reconstruídos tanto no exterior como no interior de acordo com o gosto da época. Assim, na Grafton Street (agora Salão de Helena Rubinstein), a Sra. Arthur James exibiu sua riqueza com uma impressionante reforma de uma casa projetada na década de 1750. Senhor Roberto Taylor.

Muitos edifícios construídos nos estilos georgiano, regencial e vitoriano deram abrigo a novos teatros, como o Duke of York Theatre, o New Theatre, The Rock, o Palladium, o Gaiety, Her Highness's Theatre, o London Pavilion, o Palace , Apollo, Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe, Queens e Coliseum. Todos eles foram construídos durante os últimos dez anos do reinado da rainha Vitória e nove anos do reinado do próprio Eduardo.

Centenas de prédios antigos foram demolidos para dar lugar a lojas, grandes shopping centers com suntuosas janelas de vidro e portas de mogno incrustadas de latão. Em 1901, as paredes de terracota da Harrods General Store na Brompton Road começaram a se erguer. Foi rapidamente seguido pela construção de novas lojas de rua em estilo barroco exagerado, como Wearing and Gillows (1906), de tamanho colossal, em particular, o imponente edifício que o comerciante começou a construir em 1909 Harry Selfridge de Wisconsin.

Quando a loja de Selfridge foi concluída, a Regent Street havia mudado completamente; o Aldwych Loop cruzava o labirinto de ruas ao norte do Strand em frente à Somerset House, tornou-se ladeado de edifícios monumentais, e a Kingsway Street se estendia ao norte até Holborn.

Os britânicos são uma nação de frequentadores de teatro, e no país que nos deu Shakespeare, você pode facilmente visitar os mais diferentes produções em cinemas reconhecidos como um dos mais espetaculares do mundo. Abaixo, apresentamos o melhor deles, além de algumas dicas que permitirão economizar dinheiro na hora de comprar ...

West End em Londres

Você pode assistir a performances incríveis e musicais vibrantes no distrito histórico de teatros de Londres - Theatreland, nas ruas das quais 40 teatros estão travando uma luta séria pelo público. A maioria das instituições culturais do West End estão centradas em torno da Shaftesbury Avenue, com a Strand ao sul, Oxford Street ao norte, Regent Street a oeste e Kingsway a leste sendo os limites aproximados da área.
Muitas produções teatrais do West End saem em turnê após suas primeiras apresentações no Theatreland, com ingressos para apresentações em teatros fora de Londres custando muito menos. Uma lista completa de todas as produções e apresentações de Londres pode ser encontrada no Official London Theatre Guide, mantido e mantido pela London Theatre Society. A Sociedade oferece ingressos com desconto para alguns shows e também possui quiosques localizados em Leicester Square e Brent Cross, onde os ingressos podem ser adquiridos a preços com desconto. Muitos teatros em todo o Reino Unido vendem ingressos com desconto para estudantes e crianças e adolescentes menores de 18 anos.

Shakespeare's Globe Theatre em Londres

Moderno edifício aberto (sem telhado) do famoso Teatro Shakespeare Tempos elizabetanos restaurados de acordo com o projeto do primeiro Globe Theatre, construído no século XVI e situado na margem sul do Tamisa em Southwark. Assistir a uma produção no Globe lhe proporcionará uma experiência inesquecível: o teatro usa apenas luz natural e, se você comprar ingressos para um assento em pé, poderá assistir aos atores atuando a poucos passos do palco.

A temporada de teatro vai de abril a outubro, mas se você não puder ir à peça, ainda pode visitar o teatro e sua exposição informativa.

O Teatro Nacional está localizado em outra área de Londres, separada do West End pelo Tâmisa. Sob o teto do Teatro Nacional há 3 auditórios ao mesmo tempo, nos palcos dos quais melhores atores países desempenham papéis em performances de drama moderno e clássico, incluindo produções baseadas nas obras de Shakespeare. Na manhã de cada apresentação, cerca de 30 ingressos baratos são vendidos na bilheteria do teatro, mas é preciso chegar cedo para adquiri-los!
Royal Opera House e English National Opera em Londres
Os amantes da ópera tradicional podem desfrutar de suntuosos árias clássicas no Real ópera localizado em Convent Garden.
Aqueles que preferem apresentações de ópera mais modernas em língua Inglesa, pode visitar a Ópera Nacional Inglesa, localizada nas proximidades de St. Martin's Lane.

Teatro Sadler's Wells em Londres

O Sadler's Wels Theatre é especializado em dança e é o lugar no Reino Unido onde o público pode desfrutar de momentos inspiradores e interessantes shows de dança preparado pelos melhores coreógrafos com a participação dos melhores bailarinos. As salas desse teatro costumam receber as primeiras exibições de produções mundialmente famosas, como “ Lago de cisnes em uma interpretação ousada de Matthew Bourne. No palco do Sadlers Wels, você pode ver uma grande variedade de apresentações de música e dança, do flamenco ao hip-hop.
Teatros da Royal Shakespeare Company em Stratford-upon-Avon, Londres e Newcastle
Os principais teatros da Royal Shakespeare Company estão localizados na cidade natal de William Shakespeare, Stratford-upon-Avon, e neles você pode assistir a apresentações baseadas em peças de autores contemporâneos, além de apresentações baseadas nas melhores obras do grande dramaturgo . Encantadoras apresentações teatrais podem ser vistas em quatro teatros localizados em Stratford, o Duke of York Theatre e o Hampstead Theatre em Londres e Newcastle. Os teatros também realizam tours em outras cidades do país.

Teatro Real Exchange, Manchester

O Royal Exchange Theatre em Manchester está instalado no magnífico edifício que foi anteriormente ocupado pelo Cotton Exchange. O palco, localizado no centro da sala do teatro, tem uma forma arredondada e é cercado por todos os lados por fileiras de assentos que se elevam para que a atenção de qualquer visitante do teatro permaneça fixa na ação teatral.
O teatro apresenta peças de vanguarda e performances clássicas, incluindo aquelas baseadas nas obras de Shakespeare.

Edimburgo

A capital da Escócia é mundialmente famosa graças ao festival anual de Edimburgo, durante o qual a cidade está imersa na atmosfera de um vibrante festival dedicado à arte. No entanto, você pode visitar Edimburgo em qualquer época do ano - você encontrará teatros internacionais, apresentando apresentações nos melhores locais do Reino Unido.

O Edinburgh Festival Theatre é especializado em apresentar uma impressionante variedade de espetáculos de ópera, balé, dança, música e teatro. O palco do teatro é maior do que qualquer outro teatro no Reino Unido, e é aqui que os espetáculos mais populares e significativos são encenados. Teatro Real Instalado em um elegante edifício eduardiano, abriga produções dramáticas de qualidade, bem como um festival anual de pantomima. O Royal Lyceum Theatre é um teatro tradicional construído em estilo vitoriano e que mostra principalmente as apresentações mais populares. O Traverse Theatre é especializado na produção de obras emocionantes e ousadas de dramaturgos escoceses e internacionais.

Glasgow

Glasgow é o verdadeiro centro arte teatral, a cidade abriga a Ópera Escocesa, o Balé Escocês e o Teatro Nacional da Escócia. O City Theatre apresenta performances inovadoras de drama moderno, enquanto os teatros Tron e Tramway são conhecidos por suas produções que mantêm o espectador atento e o faz pensar. O Royal Theatre agradará aos fãs de produções dramáticas populares, também abriga a Ópera Escocesa.

Millennium Center em Cardiff

Se você se encontra em Cardiff, deve definitivamente visitar o Millennium Centre. Sempre uma atração turística, este edifício oferece locais para apresentações de todos os tipos, desde musicais em turnê no West End a balés e shows de dança moderna. Mesmo que você não tenha tempo para assistir a uma das apresentações, confira esta obra-prima da arte contemporânea e faça um tour pelos bastidores ou faça uma pausa em um bar local. Concertos gratuitos são organizados diariamente no lobby do Millennium Center.

A arte dramática no Reino Unido apareceu há muito tempo. Origina-se de apresentações de rua que aconteciam nos feriados da igreja e serviam como uma espécie de moralização. No Renascimento, todas as áreas da arte adquirem um caráter mais secular e se afastam dos temas religiosos. Foi nessa época que surgiu o teatro, revolucionário na época, onde W. Shakespeare, agora conhecido em todo o mundo, encenou peças.

O desenvolvimento moderno do teatro prima pelo máximo realismo em todas as suas esferas, repensando até histórias clássicas. Agora os teatros da Inglaterra surpreendem não apenas com performances interessantes, mas também arquitetura original, bem como decisões incomuns de diretoria.

Se você está planejando uma viagem a Londres, não deixe de visitar o Piccadilly Theatre. Existe há mais de oito décadas e agrada aos apreciadores da arte teatral não só com produções clássicas modernas, mas também com produções clássicas tradicionais.

Um dos teatros mais antigos de Londres é o Aldwych Theatre, que há mais de um século reúne toda a cidade em torno de si. Atores eminentes como Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone e outros já se apresentaram em seu palco.

Fãs de brilhante apresentações musicais Vale a pena visitar o New London Theatre. Foram os musicais que trouxeram bastante teatro jovem nos anos 70-80 do século passado, fama real entre os jovens. Até agora, ele agrada o público com performances em nível mundial, com performances vivas de palco e boa música.

Outro teatro em Londres, conhecido por apresentações no estilo de musicais e peças de comédia, é o Shaftesbury Theatre. Não faz muito tempo, ele comemorou seu centenário - o trabalho do teatro não parou mesmo durante a Segunda Guerra Mundial. O edifício deste teatro merece uma atenção especial devido ao seu invulgar desenho antigo.

Entre teatros modernos Em Londres destaca-se o Pinkock Theatre. Ele resiste adequadamente à competição com teatros antigos devido à sua abordagem inovadora à dramaturgia clássica. A cena muitas vezes usa elementos da modernidade dança de rua e até números acrobáticos para aumentar o efeito da peça.

O edifício da Grand Opera em Belfast impressiona pela sua beleza. Construído no século XIX, não é apenas um marco arquitetônico em estilo oriental, mas também encanta os fãs de teatro com seu repertório clássico e excelente acústica.

O principal centro de arte dramática na Grã-Bretanha é chamado de teatro real Drury Lane. Está localizado em Londres e desempenhou um papel importante no desenvolvimento do teatro no país. Durante sua existência, muitos atores eminentes conseguiram visitar seu palco.

Outro monumento arquitetônico da Grã-Bretanha é o Teatro de Sua Majestade. O teatro foi criado no início do século XVIII e, no final do século XIX, mudou-se para um grande prédio novo, onde ainda está localizado. É uma grande história e valor cultural, e o repertório clássico vai agradar a todos os amantes desta forma de arte. Este teatro está localizado em Londres, no oeste de Westminster.

Londres é famosa por seus museus, prédios históricos e restaurantes de ponta. Se apenas vida teatral, que domina a cidade, a distingue de outras cidades. Se uma peça foi bem-sucedida em Londres, repetirá seu sucesso em outros lugares.

Nova York com a Broadway pode se tornar o único concorrente de Londres, mas mesmo ele não pode se gabar de prédios de teatro que têm um grande e rica história. A parte central da cidade, os bairros West End, South Bank e Victoria surpreendem com uma concentração especial de teatros - desde pequenos estúdios para 100 espectadores até grandes templos de Melpomene. Oferecemos uma visão geral dos dez maiores teatros de Londres.

O Shaftesbury Theatre, localizado não muito longe da Holborn Street, está listado como um edifício britânico de valor arquitetônico e histórico. Graças a um pequeno acidente ocorrido com o telhado do prédio em 1973, eles prestaram atenção nele. Desde 1968, o famoso musical "Hair" foi exibido em seu palco 1998 vezes. Mais tarde, o show que promovia o movimento hippie foi encerrado. Quando o musical foi exibido pela primeira vez no palco do teatro West End, o censor de teatro Lord Cameron Fromantil "Kim", Baron Cobbold o proibiu. Os produtores pediram ajuda ao Parlamento e deram permissão emitindo um projeto de lei que anulava completamente a proibição do barão. Este evento sem precedentes na história da arte teatral marcou o fim da censura teatral na Grã-Bretanha - nada mal para um teatro com capacidade para 1400 espectadores.

A poucos quarteirões de Shaftesbury está o Palace Theatre, que também pode acomodar 1.400 espectadores. Sua especialidade são musicais, como Singing in the Rain ou Spamalot. O teatro foi inaugurado em 1891 e ficou conhecido como Royal English Opera sob o patrocínio de Richard d'Oyley Kart. Recentemente, além de óperas, musicais, filmes e outros shows foram exibidos no palco. Durante a década de 1960, o musical The Sound of Music foi encenado no teatro 2385 vezes O teatro foi listado como um edifício de valor arquitetônico e histórico na Grã-Bretanha, juntamente com outros edifícios da região.

O Teatro Adelphi celebrou recentemente o seu 200º aniversário. Apesar do tamanho modesto do edifício, o teatro pode acomodar 1.500 espectadores. Ele é conhecido por produções como "Chicago" e "Joseph and His Amazing, Multicolored Dreamcoat". Um edifício Art Deco de 1930 fica ao lado do Strand Palace Hotel. Este é o quarto edifício em toda a história do teatro desde 1809. Uma placa memorial na parede de um bar próximo culpa o teatro pela morte de um ator que já foi apoiado pelo grande Terriss. Mas, na verdade, o príncipe Richard Archer, um ator fracassado que perdeu popularidade e decência devido ao seu vício em alcoolismo, se declarou culpado do assassinato de seu mentor Terriss em estado de insanidade e foi enviado para tratamento compulsório a um hospital psiquiátrico, onde ele liderou a orquestra da prisão até sua morte. Diz-se que o fantasma do não vingado Terriss, que está chateado com a sentença branda proferida ao seu protegido e assassino, ainda vaga pelo prédio do teatro à noite.

Alguns shows estão em cartaz no West End de Londres há décadas, e o Victoria Palace oferece constantemente um repertório novo, como o musical Billy Elliott. Apesar de estar no palco desde 2005, o que é muito, segundo espectadores regulares. O teatro tem uma longa história que começou em 1832, quando era apenas uma pequena sala de concertos. Hoje, o prédio, construído em 1911, tem capacidade para 1.517 espectadores. É equipado com um teto retrátil, que é aberto durante os intervalos para ventilar o salão. Houve muitos shows memoráveis ​​no palco do teatro, mas o mais memorável deles foi a peça patriótica de 1934, Young England, que recebeu muitas críticas negativas. Ela resistiu a apenas 278 apresentações.

O Prince Edward Theatre está localizado no coração da área do Soho e pode acomodar 1.618 pessoas. É nomeado após o herdeiro do trono britânico, Edward VIII, um rei que estava no trono por apenas alguns meses e o abandonou em nome do amor. Tradicionalmente, shows e performances românticas acontecem no palco, por exemplo, “Show Boat”, “Mamma Mia”, “West Side Story”, “Miss Saigon”. O teatro tem uma longa história que começou em 1930, quando era apenas um cinema e um salão de dança. Só em 1978 foi inaugurado o teatro, programado para coincidir com a estreia do musical "Evita" sobre o mundo mulher famosa esposa do presidente da Argentina. A peça passou por 3.000 apresentações, e a atriz Elaine Paige, que interpretou Evita, teve um brilhante início de carreira no teatro e se tornou uma estrela.

Apesar da reforma da Tottenham Court Road em Londres para proporcionar uma melhor junção, uma coisa permanece a mesma - uma estátua gigante de Freddie Mercury com a mão levantada durante a música "We Will Rock You" em frente ao Dominion Theatre. O espetáculo está no palco do teatro desde 2002 e, apesar das críticas negativas da crítica, foi um sucesso de público. O teatro, construído em 1929 no local de uma antiga cervejaria de Londres, pode acomodar 2.000 espectadores. O prédio também abriga a Australian Sunday Church, que usa o palco e a iluminação do teatro durante as missas.

Este é um dos maiores teatros de Londres. As colunas que decoram a entrada principal datam de 1834, e o próprio edifício foi reconstruído em 1904 em estilo rococó. Em toda a história de sua existência, e começa em 1765, tudo, exceto o teatro, estava nele, por exemplo, por 50 anos, jantares da Sociedade Secreta do Bife foram realizados aqui. Em 1939, eles queriam fechar o prédio, mas em conexão com o início da construção da estrada, ele foi salvo. Durante 14 anos, O Rei Leão foi representado no palco do teatro, e a dramatização da Disney parece ter se instalado aqui há muito tempo e traz boas receitas de bilheteria.

Com capacidade para 2.196 espectadores, o Royal Theatre, considerado o principal teatro de Londres, não é por isso. Desde 1663, existem vários teatros neste local, e a própria Drury Lane é considerada teatral. Como muitos outros teatros, o Royal trabalhou sob a direção de Andrew Lloyd Webber, autor dos musicais "Evita" e "Cats". Outras produções que foram apresentadas no palco incluem Oliver, um filme musical de mesmo nome, The Producers, Shrek e Charlie and the Chocolate Factory, que ainda está em exibição hoje. Além de musicais e atores, o teatro é conhecido por seus fantasmas, como o fantasma de um homem vestido de terno cinza e chapéu armado. Segundo a lenda, ele foi morto no prédio do teatro nos séculos 18 e 19. Outro fantasma se chama Joseph Grimaldi, um palhaço que ajuda atores nervosos no palco.

O teatro London Paladium é conhecido não só em Londres, mas em todo o mundo. Está localizado a poucos passos da Oxford Street. Ele se tornou popular graças ao show noturno “Sunday Night at the London Palladium”, que decorreu de 1955 a 1967. Milhões de espectadores conheceram o palco giratório e várias ações do palco. Em 1966, os proprietários do edifício tentaram vendê-lo para posterior reconstrução, mas conseguiram salvá-lo graças a investidores do teatro e ao fato de que, além do teatro, em 1973 foi aberta uma sala de concertos para apresentações da banda de rock Slade. As constantes casas cheias e as ações ativas dos fãs da banda quase causaram o desabamento da sacada do salão. Em 2014, o show de talentos "The X Factor: The Musical" foi inaugurado no teatro.

Se o teatro Apollo Victoria não é o mais popular de Londres, pode ser reconhecido com segurança como o mais alto. Está localizado a poucos metros do Victoria Palace e pode acomodar 2500 espectadores. Vários teatros da crítica apresentada estão localizados nas proximidades e criam uma espécie de "país teatral". "Appollo Victoria" foi inaugurado em 1930. O edifício é projetado em estilo art déco com tema náutico, com fontes e conchas como decoração. Demorou 18 anos para projetar a ferrovia para o musical "Starlight Express", para que o trem, de acordo com o roteiro, se movesse ao longo do perímetro do auditório. Outro musical popular encenado no teatro é “Wicked”. A bilheteria da estreia foi de 761.000 libras e, por 7 anos, a receita da performance é estimada em 150 milhões. Os cinéfilos afirmam que o teatro vai desaparecer em um futuro próximo, mas as estatísticas relacionadas ao número de espectadores em cada musical, a quantidade de bilheteria, sugerem o contrário. O cheiro de rouge e branco, o barulho do auditório nunca desaparecerá.
No entanto, a arquitetura moderna não é inferior à beleza e elegância dos edifícios históricos do teatro.