Andrey Khripin

Você gosta de "Pskovityanka"?

IVAN SUSANIN", "Oprichnik", "Pskovita". Sereia à frente. Parece que o Teatro Bolshoi realmente pensou em sua missão histórica e pretende seriamente se tornar a capital da ópera russa, como, aliás, convém ao teatro nacional e como era em seu tempo. O teatro também confirmou a exatidão da estratégia escolhida durante as turnês de verão em Londres, quando muitos jornais britânicos ficaram surpresos com a forma como os russos são capazes de manter seu museu de ópera.

Voltar ao palco óperas russas, outrora repertório, mas agora transformado em raridades, certamente é uma coisa boa. Somente aqui estão exemplos da ressurreição do velho "stalinista" "Susanin" e a batalha recentemente perdida por "Oprichnik" testemunham a perniciosa do renascimento formal das partituras russas no âmbito da estética ultrapassada. Sim, o conteúdo permanece o mesmo, mas os tempos mudam, e hoje a forma não pode permanecer a mesma de cem anos atrás. Se alguém tiver considerações alternativas a esse respeito - convidamos você para a discussão.

Para encenar sua ópera favorita A Donzela de Pskov de Rimsky-Korsakov, o maestro Evgeny Svetlanov escolheu o diretor da antiga formação Ioakim Sharoev, uma figura odiosa aos olhos de muitos progressistas. Quando perguntam ao grande maestro por que fez isso, Evgeny Fedorovich responde algo como dizer que queria encerrar sua jornada no Teatro Bolshoi com uma apresentação em melhor sentido palavras antiquadas e fortemente conservadoras. "Conservador" não significa ruim. Svetlanov, por exemplo, faz sua "música conservadora" em "Pskovityanka" com tanta carga de amor e ternura que apenas um coração frio não perceberá as ondas de energia dessa radiação. Se ao menos outros criadores da performance pudessem, como Svetlanov, amar esta ópera com tanto fanatismo e devoção! Então talvez um milagre pudesse acontecer.

Infelizmente? na fiação sóbria e primitivamente simples de Sharoev, não há entusiasmo, nem magnetismo, nem fantasia especial, cujo máximo se revela quando Grozny aparece de repente e não daquelas portas de onde é esperado, e até, talvez, no momento da demonstração de dois cavalos vivos na cena da caça real. A ópera de Rimsky-Korsakov é rica em cenas de massa e pobre no desenvolvimento psicológico dos personagens; o conflito interpessoal é revelado pelo compositor de forma vaga e estática. Aparentemente, o diretor tomou isso como um guia para a ação. O desempenho é dividido em muitos pequenos quadros congelados, entre os quais quase não há fios de conexão. Quando não há canto, os heróis podem andar de um lado para o outro, até correr um pouco, mas na hora de entrar, agrupam-se em pose e, congelados, cantam seu fragmento solo ou cena de dueto até a última nota. Cenas de massa, como em Oprichnik, com aleijados e mendigos de ópera, no mestre de espetáculos, diretor artistico programa cultural das "Olimpíadas-80", acabou sendo muito massivo, mas caótico. Nas procissões de enlutados preto e branco, pode-se ver uma citação, inclusive da performance outrora famosa de Kolobov-Ivanova "Boris Godunov". Em cada mise-en-scène pode-se sentir a indiferença e a aproximação da posição.

Se a direção em Pskovityanka é mais ou menos neutra, então a cenografia de Sergei Barkhin, imitando o grande estilo de cavalete e o cenário especificamente pintado de Fedorovsky, é francamente cínica e negativa. Quais são os rostos distorcidos e amarrotados em trajes espaciais de vidro que aparecem no epílogo no pano de fundo e nos banners dos bastidores, em vez de rostos sagrados com auréolas. E “ah” no auditório, quando o público conhecedor percebe no desenho da primeira foto uma paródia escondida em relação às belezas “susananas” de Williams. Uma escada que leva a lugar nenhum! E a imagem frontal do tocsin na supercortina, quando os sinos pintados balançam ao ritmo do toque! Tudo isso me lembrou a entonação zombeteira do cenário de Murvanidze para Khovanshchina de Pokrovsky-Rostropovich, com a única diferença de que Barkhin não tem motivos russofóbicos.

Svetlanov, é claro, é maravilhoso em seu amor pelo "Pskovityanka" e em sua coragem. Mesmo porque, apesar de seu entorno, que não se apaixonou por A Donzela de Pskov, ele conseguiu trazer à tona as belezas dessa música, que é tão diferente do que Rimsky-Korsakov teria no futuro. Pode-se argumentar sobre os méritos e deméritos da partitura (existem estes últimos, e em número considerável, o próprio autor os reconheceu), mas Svetlanov faz música russa de primeira classe com o que está disponível. Sim, o maestro não tem mais aquele poder elemental que tanto reprimiu e enlouqueceu em Kitezh, mas há a sabedoria de insights posteriores, há calor, há sinceridade, há um maravilhoso pianissimo farfalhante. Talvez os andamentos sejam um pouco mais contidos do que gostaríamos, e em alguns lugares você pode até encontrar momentos de “água parada”, mas isso é interessante - tal é, portanto, a visão de mundo musical atual do maestro. A Orquestra Bolshoi adora Svetlanov e, no geral, soa decente, com exceção da rugosidade microscópica, incluindo os instrumentos de sopro. "Pskovityanka" em sua condição atual, embora não cem por cento orquestral, é apenas um banquete para os ouvidos e o espírito.

Infelizmente, o feriado é apenas na rua orquestral. No nevoeiro do departamento coral, no departamento vocal - nublado e chuva cinzenta como uma parede. Soa coro sob a direção Stanislav Lykov em princípio, não é ruim, mas a dicção ainda é obscurecida, especialmente na cena polifônica da festa noturna. Legado recebido de proprietários anteriores Grande Ópera liderado por Beloy Rudenko, é necessário ancinho, claro, como os estábulos de Augias. Como resultado, a década de 1990 ficará para a história como a era mais sem voz do Teatro Bolshoi no século XX.

Aproximadamente três equipes de performance foram preparadas para a estreia de A Donzela de Pskov. Em nenhum deles há um artista que seja completamente, sem reservas, adequado para o papel de Ivan Vasilyevich, o Terrível, que em termos de sutileza e complexidade, Chaliapin. Primeiro czar em execução Viatcheslav Pochapsky, especializada até recentemente nos partidos de segunda posição, é desprovida de qualquer escopo. Câmara por natureza e propriedades acústicas, baixo maçante, profundo, timbre seco e desinteressante, rigidez e rigidez de palco, embotamento específico de articulação, infelizmente, não dão ao cantor a menor chance de convencer o público de que ele é Grozny. O artista tenta, trabalha com todas as suas forças, mas de que adianta se o resultado é tão mínimo. O motivo do fracasso é banal - todos, se possível, devem fazer suas próprias coisas. Ou a terra russa está completamente empobrecida com baixo? Não, ela não parecia empobrecida, desde o segundo Grozny - Alexandra Naumenko- uma voz de pleno direito e escola de alta qualidade de Nina Dorliak. Ele pinta entonações de forma mais emocional e caprichosa, mais talentosamente se manifesta como ator em momentos de oscilações psicopáticas de Ivan. Ele se esforça muito, mas uma somática diferente, uma psicofísica diferente, não sei como ser mais preciso, impede que ele se torne Terrível.

O pensamento sedicioso sobre os baixos refuta e desempenho bem sucedido"varangiano" Leonid Zimnenko, conhecido por muitos anos de trabalho no Teatro Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko. A parte do governador de Pskov, Yuri Tokmakov, não menos complexa que a parte do czar, prepara obstáculos para os temerários na forma de tensão de tessitura arriscada para o baixo e fá sustenido sólido no topo. O experiente Zimnenko lida com o lado técnico da questão com bastante bravo, mas a imagem de poder sábio que ele criou merece muito mais elogios. Esse poder, de maneira camponesa, perspicaz e calma, que a carne é da carne do povo e da mãe terra. Em uma composição diferente, outro "Varangian" - conhecido de Kharkov e Saratov Vladimir Dumenko- Eu não conseguia tocar nada, mas chamava a atenção com um baixo maçante e desgastado com, desculpe-me, trepidações provincianas em lugares de cantilena e outros gastos técnicos e dicionais.

Impressionante, eu diria, aparência heróica Pavel Kudryavchenko(o líder dos homens livres de Pskov, Mikhail Tucha), que retornou à sua pátria após a odisseia da ópera mundial, acaba sendo enganoso. Atrás de uma fachada sólida - vocais surrados e instáveis, algo que sobreviveu de seu antigo esplendor. Não foi a lugar nenhum por muito tempo Nikolai Vasiliev(segunda Nuvem), mas ele não é adequado para o primeiro tenor do Bolshoi. Soando à beira do "branco" (som aberto, folk), subequipamento profissional em termos de domínio de técnicas elementares, notas falsas e topos subesticados, além de desaparecer consoantes em frases escritas em alta tessitura - tudo isso, apesar da louvável sonoridade e sonoridade cantando, não causa simpatia. Embora a justiça exija que se preste homenagem à liberdade e impetuosidade de atuação de Vasiliev, é apenas uma pena que, na estrutura estreita da direção de Sharoev, não haja para onde se voltar especialmente. Dos dois Matut (tenor característico) o primeiro Oleg Biktimirov, ex-Stargazer Svetlanov, claramente inferior Andrey Salnikov, oferecendo vocais muito mais completos e pungência grotesca ao retratar um vilão mesquinho. Igualmente mal sucedidos são os dois artistas do mensageiro Yushko Velebin, que traz a notícia da derrota de Novgorod, Yuri Grigoriev e Vladimir Krasov.

personagem principal Opera, a filha ilegítima de Ivan, o Terrível, Olga, é a personificação dos traços queridos de uma mulher do norte da Rússia. Comparado com Oprichnik, a imagem feminina do Pskovityanka saiu na performance mais convexa e charmosa, mas ainda não saiu da esfera wampuki. No entanto, sobre o potencial de atuação Maria Gavrilova e Irina Rubtsova não precisa falar. Adaptando suas vozes por um certo tempo à acústica áspera do Bolshoi, ambos os cantores adquiriram um som penetrante e divagante, perdendo a suavidade e o calor envolvente do timbre (isso também se aplica, aliás, a outras prima donnas - Elena Zelenskaya e Irina Bikulovon). No entanto, na estréia, Gavrilova soou linda com desbaste com "sopro" e comentários silenciosos na cena da morte com Grozny, pronunciada como se estivesse em sonambulismo. Das duas mães na partitura, Vlasyevna é escrita de forma mais colorida. Este papel foi especialmente bem sucedido Galina Borisova, superando com sucesso a transição dolorosa dos primeiros papéis para os papéis de idade (Vlasyevna Evgeniya Segenyuk, provavelmente muito jovem para tais imagens). Borisova, por outro lado, demonstrou tanto um som de peito encorpado quanto ideias precisas sobre as tradições do canto característico no Bolshoi. Premiernaya Perfilyevna (outra mãe) interpretada por uma debutante Elena Novak parece inteligente e, portanto, antinatural, e, a propósito, nem todas as palavras em seus comentários chegam ao ouvinte - pelo contrário, no mesmo papel Ludmila Korzhavina satisfeito com o poderoso contralto, suculência cotidiana e boa dicção. A beleza das mulheres é eterna Galina Chernoby(Amiga de Olga, Stepanida Matuta) é combinada com os restos de uma voz solta e desgastada, de modo que neste pequeno papel é preferível ser jovem e fresco, não apenas exteriormente Oksana Lomova.

Depois que as saraivadas e os tiros diminuíram (batidas de baquetas em algo de madeira que soam de microfone), depois que o coro cantou um réquiem para uma mulher pskovita, depois dos aplausos de um salão benevolente (entre outras platéias, Primakov estava sentado nas primeiras filas das bancas), depois de uma longa espera debaixo dos braços com Gavrilova e Borisova, o culpado da estreia, o cansado e feliz Svetlanov, finalmente apareceu no palco. Este seria o fim, mas Pavel Pavlovich Borodin, candidato ao cargo de prefeito de Moscou, caminhou confiante até a rampa e disse a palavra: eles dizem, é uma pena, a propósito, que a ópera se chame “Pskovityanka” e não “Moskvichka”, porque as meninas mais bonitas moram em Moscou, mas nada, em breve teremos a ópera “Moskvichka”. Existe uma ordem. Autor!

MOSCOU, 13 de outubro. /Corr. TASS Olga Svistunova/. O Teatro Acadêmico Estatal Bolshoi da Rússia (GABT) apresentará na sexta-feira no cena histórica a estreia da ópera de Nikolai Rimsky-Korsakov A Donzela de Pskov em um concerto. Solistas, coro e orquestra do Teatro Bolshoi participarão da apresentação sob a batuta do diretor musical e maestro titular do Teatro Bolshoi Tugan Sokhiev. Todos os ingressos para a apresentação estão esgotados, disse a assessoria de imprensa do Teatro Bolshoi à TASS.

"Encenar obras-primas da arte da ópera em concertos já é uma tradição do Teatro Bolshoi", disse ele à agência. CEO Teatro Bolshoi Vladimir Urin. Ele lembrou que antes nesse formato eram feitos " Donzela de Orleans A viagem de Tchaikovsky e Rossini a Reims.

"O constante regente-produtor dessas performances é diretor de música - maestro principal Teatro Bolshoi Tugan Sokhiev, que, é claro, seguirá o caminho do maestro em "Pskovityanka", - disse o diretor geral do Teatro Bolshoi.

De acordo com Urin, os principais solistas do Bolshoi, incluindo Alexander Naumenko, Vyacheslav Pochapsky, Roman Muravitsky, Ivan Maksimeyko, Oleg Dolgov, Sergei Radchenko, Anna Nechaeva, Maria Lobanova e outros, estão ocupados com a ópera de Rimsky-Korsakov. "E o baixo polonês Rafal Shivek foi convidado para o papel de Ivan, o Terrível, cantor famoso, que conhece bem o repertório russo e recentemente se apresentou no Bolshoi na parte de Galitsky em "Príncipe Igor", observou o chefe do Teatro Bolshoi, acrescentando que a estréia de "Pskovityanka" também acontecerá no domingo, outubro 15.

Primeira ópera de Rimsky-Korsakov

Das 15 óperas compostas por Rimsky-Korsakov, A Donzela de Pskov foi a primeira. O "teste de escrita" do jovem compositor no gênero operístico, segundo os musicólogos, trouxe-lhe reconhecimento e incutiu nele um persistente sentimento de insatisfação criativa. Rimsky-Korsakov reelaborou A Donzela de Pskov ao longo de quase toda a sua vida, fazendo três edições da ópera. O drama histórico de mesmo nome de Lev Mey, escrito na década de 1840, serviu como fonte primária literária. O escritor é um dos primeiros a se referir à época de Ivan, o Terrível, mais precisamente aos acontecimentos de 1570-1571 - a campanha punitiva do rei com o exército oprichnina em Velikiy Novgorod e o Mosteiro das Cavernas de Pskov.

A importância deste evento dificilmente pode ser superestimada: acredita-se que foi ele que praticamente completou a centralização das terras russas. Por esses tempos, e retorna o enredo de "Pskovityanka". A difícil, dolorosa e dramática escolha histórica entre os homens livres de Pskov e um único Estado foi feita pelos Pskovitas em favor de Moscou, que se tornou o leitmotiv cenas finaisóperas. Sua ação, de acordo com a intenção do autor, ocorre em Pskov, incluindo a Praça Veche do Kremlin em 1570.

Na imagem de uma mulher pskovita aparece filha ilegítima Ivan, o Terrível, o favorito de Pskov, a princesa Olga.

A estreia de A Donzela de Pskov ocorreu em 1873 no Teatro Mariinsky e evocou uma resposta calorosa do público. O mérito do "Pskovityanka" é tal, verdadeiramente fato histórico: foi ela quem abriu o caminho para o palco realeza. Quando a ópera estava sendo censurada, foi descoberto um documento assinado por Nicolau I, que proibia os governantes russos de "se apresentarem" na ópera. O ministro da Marinha Nikolai Krabbe veio em socorro, oferecendo-se como voluntário para peticionar pela abolição do decreto, no qual alcançou o resultado.

A abolição do decreto provou ser fatal também porque enriqueceu o teatro russo com uma excelente interpretação do papel real. Como o Terrível em 1896 ele fez sua estréia no palco do russo ópera privada Savva Mamontov Fiodor Chaliapin. Desde então, ela entrou firmemente no repertório do cantor e foi reconhecida como uma de suas maiores realizações.

Graças a Chaliapin, A Donzela de Pskov foi notada pela Diretoria de Teatros Imperiais. Primeiro foi encenado no Teatro Bolshoi (a estreia ocorreu em 10 de novembro de 1901), é claro, com Chaliapin no papel principal, e depois no Mariinsky (em 1903). Em 1909, por sugestão do grande empresário Sergei Diaghilev, A Mulher de Pskov com Chaliapin conquistou o público europeu.

"Pskovityanka" no Bolshoi

A Pskovityanka sempre foi uma das óperas favoritas e de repertório no Teatro Bolshoi e geralmente era encenada como uma performance de grande escala. As produções de 1901, 1932, 1945, 1953, 1971 contaram com diretores, maestros e artistas como Leonid Baratov, Iosif Tumanov, Ippolit Altani, Semyon Sakharov, Alexander Golovin, Konstantin Korovin, Fedor Fedorovsky, Vadim Ryndin e outros mestres.

A Donzela de Pskov foi a estreia como maestro de Yevgeny Svetlanov em 1955 e sua última produção no Teatro Bolshoi em 1999.

Em 2010, no ano do 500º aniversário da entrada de Pskov no Estado de Moscou, o Teatro Bolshoi exibiu uma versão teatral da ópera no cenário natural do Kremlin de Pskov.

Agora, após uma longa pausa, "Pskovityanka" soará em um concerto no prédio histórico do Teatro Bolshoi.

Você gosta de "Pskovityanka"?

IVAN SUSANIN", "Oprichnik", "Pskovite". Sereia à frente. Parece que o Teatro Bolshoi realmente pensou em sua missão histórica e pretende seriamente se tornar a capital da ópera russa, como, aliás, convém ao teatro nacional e como era em seu tempo. O teatro também confirmou a exatidão da estratégia escolhida durante as turnês de verão em Londres, quando muitos jornais britânicos ficaram surpresos com a forma como os russos são capazes de manter seu museu de ópera.

A volta ao palco das óperas russas, outrora repertório, mas agora transformadas em raridades, certamente é uma coisa boa. Somente aqui estão exemplos da ressurreição do velho "stalinista" "Susanin" e a batalha recentemente perdida por "Oprichnik" testemunham a perniciosa do renascimento formal das partituras russas no âmbito da estética ultrapassada. Sim, o conteúdo permanece o mesmo, mas os tempos mudam, e hoje a forma não pode permanecer a mesma de cem anos atrás. Se alguém tiver considerações alternativas a esse respeito - convidamos você para a discussão.

O maestro Yevgeny Svetlanov escolheu o diretor da velha escola, Joakim Sharoev, uma figura odiosa aos olhos de muitos progressistas, para encenar sua ópera favorita A Donzela de Pskov, de Rimsky-Korsakov. Quando perguntado ao grande maestro por que fez isso, Evgeny Fedorovich responde algo como dizer que queria encerrar sua carreira no Teatro Bolshoi com uma performance antiquada e fortemente conservadora no melhor sentido da palavra. "Conservador" não significa ruim. Svetlanov, por exemplo, faz sua "música conservadora" em "Pskovityanka" com tanta carga de amor e ternura que apenas um coração frio não perceberá as ondas de energia dessa radiação. Se ao menos outros criadores da performance pudessem, como Svetlanov, amar esta ópera com tanto fanatismo e devoção! Então talvez um milagre pudesse acontecer.

Infelizmente? na fiação sóbria e primitivamente simples de Sharoev, não há entusiasmo, nem magnetismo, nem fantasia especial, cujo máximo se revela quando Grozny aparece de repente e não daquelas portas de onde é esperado, e até, talvez, no momento da demonstração de dois cavalos vivos na cena da caça real. A ópera de Rimsky-Korsakov é rica em cenas de massa e pobre no desenvolvimento psicológico dos personagens, conflito interpessoal revelado pelo compositor vagamente e estaticamente. Aparentemente, o diretor tomou isso como um guia para a ação. O desempenho é dividido em muitos pequenos quadros congelados, entre os quais quase não há fios de conexão. Quando não há canto, os heróis podem andar de um lado para o outro, até correr um pouco, mas na hora de entrar, agrupam-se em pose e, congelados, cantam seu fragmento solo ou cena de dueto até a última nota. Cenas de massa, como em Oprichnik, com aleijados e mendigos operísticos, do mestre dos espetáculos, diretor artístico da programação cultural das Olimpíadas-80, acabaram sendo muito massivas, mas caóticas. Nas procissões de enlutados preto e branco, pode-se ver uma citação, inclusive da performance outrora famosa de Kolobov-Ivanova "Boris Godunov". Em cada mise-en-scène pode-se sentir a indiferença e a aproximação da posição.

Se a direção em Pskovityanka é mais ou menos neutra, então a cenografia de Sergei Barkhin, imitando o grande estilo de cavalete e o cenário especificamente pintado de Fedorovsky, é francamente cínica e negativa. Quais são os rostos distorcidos e amarrotados em trajes espaciais de vidro que aparecem no epílogo no pano de fundo e nos banners dos bastidores, em vez de rostos sagrados com auréolas. E “ah” no auditório, quando o público conhecedor percebe no desenho da primeira foto uma paródia escondida em relação às belezas “susananas” de Williams. Uma escada que leva a lugar nenhum! E a imagem frontal do tocsin na supercortina, quando os sinos pintados balançam ao ritmo do toque! Tudo isso me lembrou a entonação zombeteira do cenário de Murvanidze para Khovanshchina de Pokrovsky-Rostropovich, com a única diferença de que Barkhin não tem motivos russofóbicos.

Svetlanov, é claro, é maravilhoso em seu amor pelo "Pskovityanka" e em sua coragem. Mesmo porque, apesar de seu entorno, que não se apaixonou por A Donzela de Pskov, ele conseguiu trazer à tona as belezas dessa música, que é tão diferente do que Rimsky-Korsakov teria no futuro. Pode-se argumentar sobre os méritos e deméritos da partitura (existem estes últimos, e em número considerável, o próprio autor os reconheceu), mas Svetlanov faz música russa de primeira classe com o que está disponível. Sim, o maestro não tem mais aquele poder elemental que tanto reprimiu e enlouqueceu em Kitezh, mas há a sabedoria de insights posteriores, há calor, há sinceridade, há um maravilhoso pianissimo farfalhante. Talvez os andamentos sejam um pouco mais contidos do que gostaríamos, e em alguns lugares você pode até encontrar momentos de “água parada”, mas isso é interessante - tal é, portanto, a visão de mundo musical atual do maestro. A Orquestra Bolshoi adora Svetlanov e, no geral, soa decente, com exceção da rugosidade microscópica, incluindo os instrumentos de sopro. "Pskovityanka" em sua condição atual, embora não cem por cento orquestral, é apenas um banquete para os ouvidos e o espírito.

Infelizmente, o feriado é apenas na rua orquestral. No nevoeiro do departamento coral, no departamento vocal - nublado e chuva cinzenta como uma parede. O coro sob a direção de Stanislav Lykov soa bem em princípio, mas a dicção ainda está nublada, especialmente na cena polifônica da festa noturna. O legado recebido dos antigos donos da Grande Ópera, chefiada por Bela Rudenko, deve ser varrido e limpo como os estábulos de Augias. Como resultado, a década de 1990 ficará para a história como a era mais sem voz do Teatro Bolshoi no século XX.

Aproximadamente três equipes de performance foram preparadas para a estreia de A Donzela de Pskov. Em nenhum deles há um artista que seja completamente, sem reservas, adequado para o papel de Ivan Vasilyevich, o Terrível, que em termos de sutileza e complexidade, Chaliapin. O primeiro-ministro, interpretado por Vyacheslav Pochapsky, que até recentemente se especializou em jogos de segunda posição, é desprovido de qualquer escopo. Câmara por natureza e propriedades acústicas, baixo maçante, profundo, timbre seco e desinteressante, rigidez e rigidez de palco, embotamento específico de articulação, infelizmente, não dão ao cantor a menor chance de convencer o público de que ele é Grozny. O artista tenta, trabalha com todas as suas forças, mas de que adianta se o resultado é tão mínimo. O motivo do fracasso é banal - todos, se possível, devem fazer suas próprias coisas. Ou a terra russa está completamente empobrecida com baixo? Não, ela não parecia empobrecida, porque o segundo Grozny, Alexander Naumenko, tem uma voz completa e uma escola de alta qualidade de Nina Dorliak. Ele pinta entonações de forma mais emocional e caprichosa, mais talentosamente se manifesta como ator em momentos de oscilações psicopáticas de Ivan. Ele se esforça muito, mas uma somática diferente, uma psicofísica diferente, não sei como ser mais preciso, impede que ele se torne Terrível.

A ideia sediciosa sobre os baixos também é refutada pelo desempenho bem-sucedido do “varegue” Leonid Zimnenko, conhecido por seus muitos anos de trabalho no Teatro Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko. A parte do governador de Pskov, Yuri Tokmakov, não menos complexa que a parte do czar, prepara obstáculos para os temerários na forma de tensão de tessitura arriscada para o baixo e fá sustenido sólido no topo. A PARTIR DE lado técnico o experiente Zimnenko administra as coisas com muita bravura, mas a imagem de poder sábio criada por ele merece muito mais elogios. Esse poder, de maneira camponesa, perspicaz e calma, que a carne é da carne do povo e da mãe terra. Em uma composição diferente, outro "varegue" - Vladimir Dumenko, conhecido de Kharkov e Saratov - não sabia tocar nada, mas chamou a atenção com um baixo maçante e desgastado com, desculpe, frouxidão provinciana em locais de cantilena e outras técnicas e dicionais custos.

A impressionante, eu diria, aparência heróica de Pavel Kudryavchenko (o líder dos homens livres de Pskov, Mikhail Tucha), que retornou à sua terra natal após uma odisseia mundial de ópera, acaba sendo enganosa. Atrás de uma fachada sólida - vocais surrados e instáveis, algo que sobreviveu de seu antigo esplendor. Nikolai Vasiliev (o segundo Cloud) não saiu de lugar algum por muito tempo, mas também não está apto para ser o primeiro tenor do Bolshoi. Soando à beira do "branco" (som aberto, folk), subequipamento profissional em termos de domínio de técnicas elementares, notas falsas e topos subesticados, além de desaparecer consoantes em frases escritas em alta tessitura - tudo isso, apesar da louvável sonoridade e sonoridade cantando, não causa simpatia. Embora a justiça exija que se preste homenagem à liberdade e impetuosidade de atuação de Vasiliev, é apenas uma pena que, na estrutura estreita da direção de Sharoev, não haja para onde se voltar especialmente. Dos dois Matuts (tenor característico), a estreia Oleg Biktimirov, o ex-Stargazer Svetlanov, é claramente inferior a Andrei Salnikov, que ofereceu vocais muito mais completos e humor grotesco à imagem de um vilão mesquinho. Igualmente mal sucedidos são os dois artistas do mensageiro Yushko Velebin, que traz a notícia da derrota de Novgorod, Yuri Grigoriev e Vladimir Krasov.

A principal heroína da ópera, a filha ilegítima de Ivan, o Terrível, Olga, é a personificação dos traços queridos de uma mulher do norte da Rússia. Comparado com Oprichnik, a imagem feminina do Pskovityanka saiu na performance mais convexa e charmosa, mas ainda não saiu da esfera wampuki. No entanto, não há necessidade de falar sobre o potencial de atuação de Maria Gavrilova e Irina Rubtsova. Adaptando suas vozes por um certo tempo à acústica áspera do Bolshoi, ambas as cantoras adquiriram um som chato e penetrante e de batida de parede, perdendo a suavidade e o calor envolvente do timbre (isso também se aplica, aliás, a outras prima-donas - Elena Zelenskaya e Irina Bikulovon). No entanto, na estréia, Gavrilova soou linda com desbaste com "sopro" e comentários silenciosos na cena da morte com Grozny, pronunciada como se estivesse em sonambulismo. Das duas mães na partitura, Vlasyevna é escrita de forma mais colorida. Esse papel foi especialmente bem-sucedido para Galina Borisova, que superou com sucesso a dolorosa transição dos primeiros papéis para os papéis da idade (Vlasyevna Evgenia Segenyuk provavelmente é jovem demais para essas imagens). Borisova, por outro lado, demonstrou tanto um som de peito encorpado quanto ideias precisas sobre as tradições do canto característico no Bolshoi. A estréia Perfilyevna (outra mãe) na interpretação da debutante Elena Novak parece inteligente e, portanto, antinatural e, a propósito, nem todas as palavras em suas observações chegam ao ouvinte - pelo contrário, no mesmo papel, Lyudmila Korzhavina agradou com um poderoso contralto, suculência cotidiana e boa dicção. O charme feminino da eterna Galina Chernoby (amiga de Olga Stepanida Matuta) é combinado com os restos de uma voz solta e desgastada, então neste pequeno papel, Oksana Lomova, jovem e fresca, não apenas externamente, é preferível.

Depois que as saraivadas e os tiros diminuíram (batidas de baquetas em algo de madeira que soam de microfone), depois que o coro cantou um réquiem para uma mulher pskovita, depois dos aplausos de um salão benevolente (entre outras platéias, Primakov estava sentado nas primeiras filas das bancas), depois de uma longa espera debaixo dos braços com Gavrilova e Borisova, o culpado da estreia, o cansado e feliz Svetlanov, finalmente apareceu no palco. Este teria sido o fim, mas Pavel Pavlovich Borodin, candidato ao cargo de prefeito de Moscou, caminhou confiante até a rampa e disse a palavra: eles dizem, é uma pena, a propósito, que a ópera se chame “Pskovityanka ” e não “Moskvichka”, porque o mais lindas garotas moro em Moscou, mas nada, em breve teremos a ópera Moskvichka. Existe uma ordem. Autor!

Ópera em três atos de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov; libreto do compositor (com a participação de V. V. Stasov, M. P. Mussorgsky, V. V. Nikolsky) baseado no drama homônimo de L. May.

Personagens:

Czar Ivan Vasilievich, o Terrível (baixo), Príncipe Yuri Ivanovich Tokmakov, governador do czar e prefeito tranquilo em Pskov (baixo), boyar Nikita Matuta (tenor), Príncipe Afanasy Vyazemsky (baixo), Bomelius, médico do czar (baixo), Mikhail Andreevich Tucha , filho do prefeito (tenor), Yushko Velebin, um mensageiro de Novgorod (baixo), Princesa Olga Yuryevna Tokmakova (soprano), espinheiro Stepanida Matuta, amigo de Olga (soprano), Vlasyevna, mãe (mezzo-soprano), Perfilievna, mãe (mezzo -soprano) ), a voz do guarda (tenor).
Tysyatsky, juiz, boiardos de Pskov, filhos do prefeito, guardas, arqueiros de Moscou, meninas de feno, pessoas.

Tempo de ação: 1570.
Local: Pskov; no Mosteiro Pechersky; perto do rio Mededni.
Primeira edição da primeira edição: Petersburgo, 1 de janeiro (13), 1873.
Primeira execução da terceira (final) edição: Moscou, 15 (27) de dezembro de 1898.

A Donzela de Pskov é a primeira de quinze óperas criadas por N. A. Rimsky-Korsakov. Quando ele o concebeu - em 1868, ele tinha 24 anos. O próprio compositor conta sobre os primeiros impulsos para compor uma ópera na Crônica de Minha vida musical”: “Lembro como, sentado um dia na minha casa (no apartamento do meu irmão), recebi sua nota com a marcação do dia da partida (para uma vila no distrito de Kashinsky, na província de Tver. A.M.). Lembro-me de como a foto da próxima viagem ao deserto, ao interior da Rússia, despertou instantaneamente em mim uma onda de algum tipo de amor pelo russo vida popular, à sua história em geral e à Mulher Pskovita em particular, e como, sob a impressão dessas sensações, sentei-me ao piano e improvisei imediatamente o tema do coro do encontro do czar Ivan com o povo de Pskov ( entre a composição “Antar” já pensava na ópera nessa altura)". Vale ressaltar que A Donzela de Pskov foi composta por Rimsky-Korsakov ao mesmo tempo em que Mussorgsky, estando em estreito relacionamento com Rimsky-Korsakov, compunha seu Boris Godunov. “Nossa vida com Modest foi, acredito, o único exemplo da vida conjunta de dois compositores”, escreveu Rimsky-Korsakov muitos anos depois. Como não poderíamos interferir uns nos outros? É assim que. Da manhã até as 12 horas, Mussorgsky costumava usar o piano, e eu ou reescrevi ou orquestrei algo que já havia sido totalmente pensado. Às 12 horas ele saiu para o serviço no ministério, e eu usei o piano. À noite, as coisas aconteciam de comum acordo... Neste outono e inverno, ganhamos muito, trocando constantemente pensamentos e intenções. Mussorgsky compôs e orquestrou o ato polonês "Boris Godunov" e pintura popular"Sob os Kroms". Eu orquestrei e terminei A Donzela de Pskov.

Os frutos da amizade entre esses dois grandes compositores são bem conhecidos - Mussorgsky contribuiu para a criação do libreto de The Maid of Pskov, Rimsky-Korsakov ajudou a promover Boris Godunov ao palco da ópera.

A Donzela de Pskov foi encenado no Teatro Mariinsky em São Petersburgo em 1º de janeiro de 1873. Mas, como se viu, esta foi apenas sua primeira edição. O compositor estava insatisfeito com muitas coisas, e levou mais cinco anos para fazer a segunda edição da ópera. Mas mesmo ela não trouxe a satisfação desejada (e não foi encenada; apenas alguns de seus números foram executados sob o piano no círculo de amigos do compositor, que, apesar de sua participação ativa nesta performance - Mussorgsky, por exemplo, cantou a parte do boiardo Sheloga - tratou-a com bastante moderação). E apenas a terceira edição (1892) - em que a ópera é encenada até hoje - trouxe satisfação ao compositor. Mas mesmo assim, ele não parou de pensar em todo o plano do drama. Então, já em 1898, ele finalmente se destacou do "Pskovityanka" enredo, associado à nobre Vera Sheloga, e cria uma ópera de um ato Vera Sheloga, que agora é um prólogo de A Donzela de Pskov. assim, esse enredo ocupou o pensamento do compositor por mais de trinta anos.

Abertura

A ópera começa com uma abertura orquestral que descreve o principal conflito da ópera. O tema do czar Ivan, o Terrível, soa sombrio, cauteloso. O czar Ivan ficou irritado com o povo de Pskov, agora eles estão esperando por tempestades. Este primeiro tema é contrariado pela melodia impetuosa e forte da canção de Cloud. O fluxo rápido é interrompido pelo tema de Olga, amplo como uma canção folclórica. No final, na luta dessas imagens, o tema do rei vence.

Ação um. Foto um

Pskov. 1570. Jardim do príncipe Yury Tokmakov, vice-rei do czar em Pskov; mansões dos boiardos à direita; à esquerda - uma cerca com fenda no jardim adjacente. Em primeiro plano está uma densa cerejeira de pássaro. Abaixo está uma mesa e dois bancos. O Kremlin e parte de Pskov são visíveis à distância. Crepúsculo. Humor animado e alegre. As meninas brincam aqui - elas jogam queimadores. Duas mães - Vlasyevna e Perfilyevna - estão sentadas à mesa e conversando entre si. Em um banco do outro lado do jardim, sem participar do jogo, está Olga, filha do príncipe Yuri Tokmakov. Entre as meninas alegres está Stesha, amiga de Olga. Logo ela se oferece para parar de brincar de queimadores e ir colher framboesas. Todos concordam e vão embora; Stesha arrasta Olga. As mães ficam sozinhas e conversam; Perfilyevna transmite a Vlasyevna um boato de que Olga não é filha de um príncipe - "aumente mais alto". Vlasyevna não gosta de conversa vazia e considera este tópico estúpido. Outra coisa são as notícias de Novgorod. Ela diz que "o czar Ivan Vasilyevich se dignou a ficar com raiva de Novgorod, ele veio com toda a oprichnina". Ele castiga impiedosamente os culpados: há um gemido na cidade e na praça três mil pessoas foram executadas em um dia. (A conversa deles ocorre contra o pano de fundo de um coro de garotas que soa fora do palco). As meninas voltam com bagas. Eles pedem a Vlasyevna que conte um conto de fadas. Ela resiste por muito tempo, mas no final concorda em contar sobre a princesa Lada. Enquanto Vlasyevna estava sendo persuadida, Stesha conseguiu sussurrar para Olga que Cloud, o amante de Olga, disse que viria hoje mais tarde e entregaria o recado a Olga. Ela está feliz. Vlasyevna começa um conto de fadas ("O conto de fadas começa com uma frase e um ditado." De repente, um assobio agudo é ouvido atrás da cerca vizinha. Este é Mikhail (Mikhailo) Cloud, o amante de Olga. Vlasyevna estava assustado com um assobio alto e repreende Cloud.As meninas entram na casa.

Mikhail Tucha canta (primeiro atrás da cerca, depois subindo nela) uma maravilhosa canção prolongada (“Alegra-te, cuco”). Está ficando bem escuro lá fora; um mês flutua por trás do Kremlin. Olga sai para o jardim ao som da canção; ela caminha rapidamente pelo caminho em direção à Nuvem; ele vai até ela. Parece um dueto de amor. Mas ambos entendem que Olga não pode pertencer à Nuvem - ela está noiva de outro, o boiardo Matuta. Eles estão considerando diferentes opções de como resolver esse problema: ele, Tucha, deve ir para a Sibéria para ficar rico lá e depois competir legitimamente com Matuta (Olga rejeita essa opção - ela não quer se separar de seu amante), se Olga deve cair aos pés de seu pai e confessar a ele seu amor por Mikhailo Tucha e, talvez, até confessar que veio secretamente vê-lo? O que fazer? O dueto termina com uma declaração apaixonada de amor um pelo outro.

O príncipe Yuri Tokmakov e o boiardo Matuta aparecem na varanda da casa; eles parecem continuar a conversa iniciada em casa. Assustada com sua aparência, Olga manda Cloud embora, enquanto ela mesma se esconde nos arbustos. O príncipe e o boiardo descem ao jardim. O príncipe tem algo a dizer a Matuta e pretende fazê-lo no jardim. “Aqui, não é como na torre; mais fresco, e mais livre para falar”, diz a Matuta, porém, inquieto - lembra-se que lhe parecia: alguém gritou quando entrou na casa, e mesmo agora ele percebe que os arbustos estão se movendo. O príncipe Tokmakov o tranquiliza e se pergunta de quem Matuta tem medo. Matuta teme a chegada inesperada do czar em Pskov. Mas o príncipe está preocupado com outro pensamento. “Você acha que Olga é minha própria filha?” ele pasma Matuta com esta pergunta. "Então quem?" - o boiardo fica perplexo. Quem... quem... não sei como chamar!” o príncipe responde. Ele continua dizendo que Olga é na verdade sua filha adotiva.

(Aqui supõe-se que o ouvinte conheça o conteúdo da ópera "Vera Sheloga", que é um prólogo de "A Donzela de Pskov". resumo(seu enredo é o primeiro ato do drama de maio). Vera, a esposa do velho boiardo Sheloga, é visitada por sua irmã solteira Nadezhda, noiva do príncipe Tokmakov. Vera está triste: tem medo do retorno do marido - durante sua longa ausência, ela deu à luz uma filha, Olga. Uma vez, caminhando com as meninas no Mosteiro das Cavernas. Vera conheceu o jovem czar Ivan e se apaixonou por ele. Olga é filha do rei, não Sheloga. Como seu marido não amado a conhecerá? Sheloga chega com Tokmakov, adivinhando que este não é seu filho, ele interroga Vera com raiva. Mas Nadezhda assume a culpa, declarando corajosamente que este é seu filho. Mais tarde (isso é dito indiretamente na ópera The Maid of Pskov) Tokmakov casou-se com Nadezhda e adotou Olga. Ela se tornou a favorita de Pskov. Daí o nome do drama de May e da ópera de Rimsky-Korsakov.) Assim, o velho príncipe contou um segredo ao boiardo: Olga não é sua filha. (O príncipe Tokmakov revelou a Matuta apenas metade da verdade - ele nomeou sua mãe, mas disse que não sabia sobre seu pai, e ele realmente, aparentemente, não sabe quem ele é). Olga, escondida nos arbustos, ouve isso; ela não consegue se conter e grita: “Senhor!” Matuta é novamente perturbado por esse grito. Mas naquele momento na cidade, no Kremlin, um sino tocou: um golpe, outro, um terceiro... O sino não parava de tocar. Os Pskovitas estão convocando uma reunião. Matuta não sabe o que fazer, se vai com o príncipe ou se espera por ele na torre; O príncipe repreende o boiardo por covardia: “Pare com isso, Nikita! Aqui, talvez, Pskov terá que ser defendido, e você está no fogão com medo, como uma mulher. No final, ambos saem às pressas. Olga sai de trás dos arbustos, ouve o sino empolgada: “Eles estão tocando não para sempre! Que minha felicidade está enterrada. Ela cobre o rosto com as mãos e se senta no banco.

Do toque dos sinos que acompanha o final do primeiro quadro, cresce o intermezzo orquestral que o segue. Logo os temas do czar Ivan, o Terrível, são tecidos nele.

Foto dois

Área de comércio em Pskov. Lugar de Vê. Fogueiras são dispostas na praça. O sino está tocando na Trinity Bell Tower. Noite. Multidões de pessoas entram apressadamente na praça de todos os lugares. Yushko Velebin, um mensageiro de Novgorod, está no veche place; ao seu redor está um círculo de Pskovitas. As pessoas estão ficando cada vez maiores. Mikhailo Tucha e os habitantes da cidade entram. Todos estão alarmados: quem tocou a campainha? Aparentemente não é bom. O mensageiro entra na veche place, tira o chapéu e faz uma reverência de três lados. ele tem más notícias: "Seu irmão mais velho (Novgorod, o Grande. A.M.), se exibiu, ordenou que você vivesse muito e governasse a comemoração para ele". Ele conta os detalhes assustadores da punição infligida pelo czar Ivan aos novgorodianos e diz que o czar está indo para Pskov com uma oprichnina. A princípio, o povo está determinado a defender sua cidade pela força. Mas o velho príncipe Yury Tokmakov toma a palavra. Pelo contrário, ele convida o povo de Pskov a encontrar o czar com pão e sal (lembremos que ele é o vice-rei do czar em Pskov). Seu argumento é, obviamente, errôneo (embora, aparentemente, ele mesmo acredite nele) de que o czar não está indo com punição, mas para se curvar ao santuário de Pskov, e não vale a pena encontrá-lo com uma vara e junco como um inimigo. (Shestoper é uma espécie de porrete, maças. Berdysh é uma espécie de machado em uma longa lança.) Mas Mikhailo Cloud assume a palavra. Ele não gosta da proposta do príncipe. Ele pinta um quadro da humilhação de Pskov: “Recapture todos os portões do Kremlin, embote suas espadas e lanças, nas igrejas dos ícones do salário, arranque o riso sedicioso e a alegria!” Ele, Mikhailo Tucha, não vai tolerar isso - ele está indo embora. A nuvem e junto com ele os bravos homens livres (seu destacamento) saem para se esconder nas florestas e depois defendem a liberdade de Pskov. O povo está confuso. O príncipe Tokmakov está tentando argumentar com as pessoas para que elas encontrem hospitaleiramente o czar Ivan Vasilyevich. As batidas do sino veche são ouvidas.

Ação dois. Foto um

Grande praça em Pskov. Em primeiro plano está a torre do príncipe Yuri Tokmakov. As casas têm mesas com pão e sal. As pessoas aguardam ansiosamente a chegada do czar (coro "O Terrível Czar está indo para o grande Pskov. Seremos punidos, a execução é feroz"). Olga e Vlasyevna saem para a varanda da casa principesca. O coração de Olga está pesado. Ela não consegue se recuperar do golpe mental que recebeu, tornando-se testemunha involuntária da conversa entre o príncipe e Matuta. Ela canta sua arietta “Ah, mãe, mãe, não há diversão vermelha para mim! Não sei quem é meu pai ou se ele está vivo." Vlasyevna tenta acalmá-la. E então acontece que Olga está esperando apaixonadamente pela chegada do czar Ivan, e para ele sua alma definhou, e o mundo não é caro para ela sem ele. Vlasyevna se assusta e diz (para o lado), como se antecipasse algo ruim: “O destino não lhe deu muitos dias claros e claros, criança”. O palco enche-se de gente. Ao redor da cidade começa Sino tocando. A procissão real é mostrada. O povo se curva da cintura para o rei, que está montado em um cavalo, e se ajoelha diante dele.

Foto dois começa com um intermezzo orquestral, retratando uma imagem frágil e ideal da heroína da ópera - Olga. As melodias com as quais é tecida soarão posteriormente em sua história sobre sonhos de infância, em seu apelo ao rei. O intermezzo leva diretamente à ação cênica da segunda pintura. Um quarto na casa do príncipe Yuri Tokmakov. A nobreza Pskov encontra o czar aqui. Mas o rei é hostil - em todos os lugares ele vê traição. Ele suspeita de veneno no cálice que Olga lhe traz e exige que o próprio príncipe tome um gole primeiro. Então ele ordena que Olga traga para ele também; mas não apenas com uma reverência, mas com um beijo. Olga corajosamente olha diretamente nos olhos do rei. Ele fica chocado com sua semelhança com Vera Sheloga. Olga sai, o czar Ivan manda embora os outros que estavam na torre com um gesto. Agora o rei e o príncipe são deixados sozinhos na câmara (até as portas estão trancadas). E então Grozny pergunta a Tokmakov com quem ele era casado. O príncipe conta sobre sua esposa, Nadezhda, sobre sua irmã Vera e como Olga, filha ilegítima de Vera, foi parar em sua casa (ou seja, ele reconta brevemente o conteúdo do prólogo da ópera Vera Sheloga). O rei entende claramente quem Olga é para ele. O rei chocado muda sua raiva para misericórdia: “Deixe que todos os assassinatos parem; muito sangue! Vamos embotar as espadas nas pedras. Deus abençoe Pskov!

Ação três. Foto um

O terceiro ato começa com um quadro musical orquestral, que o compositor chamou de “Forest. Caça real. Trovoada". Com incrível habilidade, N. A. Rimsky-Korsakov dá uma imagem colorida da natureza russa. Uma densa floresta escura circunda a estrada para o Mosteiro das Cavernas. De longe, ouvem-se os sons da caça real - os sinais das trompas de caça. Eles são acompanhados pelo leitmotiv belicoso do czar Ivan, o Terrível. Gradualmente escurece. Uma tempestade se aproxima. Rajadas de vento tempestuosas são ouvidas na orquestra. Mas agora a tempestade passa, o trovão diminui. O sol poente espreita por entre as nuvens. Uma música soa de longe - são as meninas do feno do príncipe Tokmakov cantando. Eles acompanham Olga ao mosteiro, onde ela faz uma peregrinação. Olga deliberadamente fica um pouco para trás - ela quer ficar sozinha, porque ela deve se encontrar secretamente aqui com Mikhailo Tucha, seu amante. E aqui ele aparece. Parece um dueto de amor. Olga implora a Cloud que volte com ela para Pskov: o czar não é formidável, seus olhos parecem gentis. Essas palavras de Olga ofendem Cloud: “Se você diz, me deixe assim, então vá para ele, o destruidor”, ele atira com raiva para ela. Mas Olga o convence de seu amor, e suas vozes se fundem em um único impulso.

Mas a alegria de Olga e Clouds não durou muito. Matuta, ofendida por sua indiferença, há muito acompanhava Olga. E aqui, na estrada da floresta, ele finalmente descobriu o motivo de seu desprezo por ele: escondido nos arbustos, ele a viu se encontrar com Cloud. E agora, sob suas ordens, seus lacaios atacam Cloud, ferem-no, e Olga, amarrada, é levada com eles. Matuta se alegra violentamente, ele ameaça contar ao czar Ivan sobre a traição de Clouds.

Foto dois

Sede real. A parte de trás é dobrada para trás; uma área arborizada e uma margem íngreme do rio Medeni são visíveis. Noite. A lua brilha. A sede é coberta de tapetes; pele de urso dianteira esquerda sobre o tapete; sobre ela está uma mesa coberta com brocado de ouro com dois candelabros; sobre a mesa há um chapéu de pele, uma espada forjada em prata, um copo, uma xícara, um tinteiro e vários pergaminhos. Aqui está a arma. O czar Ivan Vasilyevich está sozinho. Seu monólogo soa (“A antiga alegria, a antiga paixão, o sonho fervilhante da juventude!”). Olga não sai da cabeça. Seus pensamentos são interrompidos pela notícia de que os guardas reais capturaram Matuta, que estava tentando sequestrar Olga. O czar não quer ouvir as calúnias de Matuta sobre Cloud e afasta o boiardo. E Olga a chama. Ela vem. A princípio, o czar desconfia das palavras de Olga, mas agora ela lhe conta com franqueza sobre sua infância, sobre como ela rezou por ele até então e que sonhou com ele à noite. O rei está comovido e excitado.

De repente, um barulho é ouvido perto da aposta. Estas são as vozes dos homens livres do destacamento das Nuvens. Acontece que, tendo se recuperado de seu ferimento, ele reuniu seus combatentes e agora atacou o quartel-general do rei, querendo libertar Olga. Ao saber disso, o rei com raiva ordena atirar nos rebeldes e trazer o próprio Cloud até ele. A nuvem, no entanto, consegue escapar do cativeiro, e de longe Olga ouve as palavras de sua canção de despedida. Olga irrompe e fica sem a aposta. Atrás do quartel-general, o comando do príncipe Vyazemsky soa: “Atire!” (O príncipe quis dizer Mikhailo Tucha.) Olga acabou sendo morta ...

Lentamente entra no esquadrão com a Olga morta em seus braços. Ao ver Olga, o czar corre para ela. Ele chora inconsolavelmente, curvando-se sobre ela. Ele chama o curador (Bomelius), mas ele é impotente: "Só o Senhor ressuscita os mortos"...

A sede está cheia de pessoas de luto por Olga. Mas não há tragédia no som do refrão final. Seu humor geral é tristeza esclarecida.

A. Maykapar

A Donzela de Pskov, a primeira ópera de Rimsky-Korsakov e o único drama musical histórico em seu legado, ou, mais precisamente, um drama musical sobre a história, tem uma biografia criativa incomumente longa e complexa. Como o Boris Godunov de Mussorgsky, não tem uma, nem duas, mas três edições de autor, mas, ao contrário de Boris, essas edições estão dispersas no tempo: entre o início dos trabalhos da ópera e o fim de sua partitura na terceira edição, quarto de século. A segunda versão, na qual Rimsky-Korsakov trabalhou na véspera da Noite de Maio, não existe hoje como um todo. Seu caráter pode ser julgado de várias fontes: além de materiais sobreviventes, mas inéditos, pertencentes a esta edição, das auto-revisões de Rimsky-Korsakov na Crônica e conversas com Yastrebtsev, bem como dos fragmentos que permaneceram na terceira edição , ou foram incluídos pelo autor na música para o drama de maio The Maid of Pskov (1877; uma abertura para o prólogo e quatro intervalos sinfônicos), ou em uma forma revisada eles foram incluídos na ópera The Boyar Vera Sheloga (concluído em 1897 ), ou formar uma obra independente (Um poema sobre Alexei Bozhiy man" para coro e orquestra).

O próprio compositor enfatizou que a terceira edição é um tipo de ópera "real" e que aqui ele "geralmente não se desviou da primeira edição", ou seja, voltou a ela. Isso é verdade se compararmos a versão final com a versão intermediária, mas ainda não com a original, e surgir uma relação entre a primeira e a terceira edições da ópera, que lembra um pouco a relação entre as edições de Boris Godunov dos dois autores. É verdade que há menos discrepâncias entre os textos da primeira e terceira edições de A Donzela de Pskov do que entre as duas edições da ópera de Mussorgsky, inserir nova música na terceira edição não mudam o conceito de ação da ópera tão radicalmente quanto as cenas polonesas e Kromy, e ainda assim dão à ópera uma aparência diferente da original. A primeira edição de A Donzela de Pskov foi encenada apenas na produção de estreia do Teatro Mariinsky, e ainda assim faz sentido - pelo menos no aspecto histórico - considerar este texto como original e independente.

(Este ponto de vista contraria a opinião da grande maioria dos investigadores que preferem inequivocamente a terceira edição e analisam a ópera apenas de acordo com o texto do início dos anos 90 ou referem-se à primeira edição em termos puramente comparativos para provar sua imperfeição. Mas há ainda outro conceito de pesquisa em relação a esta ópera, reconhecendo o valor independente da primeira edição. ., 1952), no artigo do pesquisador americano Richard Taruskin "The Past in the Present".)

Falando sobre as influências que experimentou enquanto trabalhava em A Mulher Pskovita (1868-1871), Rimsky-Korsakov cita cinco nomes: Mussorgsky, Cui, Dargomyzhsky, Balakirev, Liszt. Com a dedução de Liszt, cuja influência no Pskovityanka poderia ter afetado principalmente a esfera harmônica de acordes, e com a adição do “esquecido” Borodin, que estava então trabalhando no épico sinfônico e histórico-ópera - a Segunda Sinfonia e Príncipe Igor, temos esquadrão completo"Poderoso punhado" no período mais frutífero de sua existência. A influência sobre Rimsky-Korsakov de Cui e Dargomyzhsky, que, é claro, acima de tudo dizia respeito forma de ópera e recitativo, foi muito intenso durante este período: a composição de The Maid of Pskov começou tendo como pano de fundo as frequentes apresentações caseiras de The Stone Guest e William Ratcliff, que estava sendo preparado para a produção, e depois foi suspenso por O trabalho de Rimsky-Korsakov na partitura da ópera de Dargomyzhsky (alguns números da ópera de Cui também foram instrumentados por ele). A influência de Mussorgsky e Balakirev foi indicada, em primeiro lugar, por uma indicação do drama de May, um escritor que era bem conhecido por ambos através de suas obras e pessoalmente (mas na época Rimsky-Korsakov apareceu no horizonte musical , ele já havia falecido), em cujos poemas eles escreveram romances, cujas peças eles assistiram há muito tempo (por exemplo, Balakirev uma vez pretendia pegar o enredo de A noiva do czar e depois o recomendou a Borodin; em 1866 , ele deu a Rimsky-Korsakov o texto do primeiro ato de O Pskovityanka de Meev, no qual a bela canção de ninar foi escrita, mais tarde incluída no "Boyar Vera Sheloga"). Balakirev interferiu pouco no processo de composição da ópera, não se considerando competente nesse gênero; além disso, o fim de A Donzela de Pskov coincidiu com uma grave crise em sua vida. Mussorgsky, Nikolsky, Stasov atuaram como conselheiros na diagramação do libreto, na busca de textos, etc. Mas os exemplos de interpretação altamente artística e inovadora de canções folclóricas, dados na coleção Balakirev de 1866, determinaram decisivamente o significado da canção na dramaturgia de O Pskovityanka e influenciaram sua linguagem musical como um todo. No início do trabalho na ópera, O Casamento de Mussorgsky apareceu e depois a primeira edição de Boris Godunov, que impressionou profundamente o público, incluindo Rimsky-Korsakov. A segunda edição de "Boris" e a partitura de "The Maid of Pskov" foram concluídas simultaneamente e até dentro das mesmas paredes - durante os meses de vida conjunta dos dois compositores, e é simbólico que apenas um mês separa a estreia de "The Maid of Pskov" da primeira apresentação pública da ópera de Mussorgsky (a estreia de "The Maid of Pskov" - 1 de janeiro de 1873; três cenas de "Boris", encenada como uma performance beneficente dirigida por G. P. Kondratiev, em 5 de fevereiro do mesmo ano). Além disso, durante o período de The Maid of Pskov, houve uma composição coletiva de quatro kuchkistas da Mlada de Gedeon, que também incentivou uma constante troca de ideias musicais. Assim, a dedicatória da ópera na primeira edição é “À minha querida círculo musical” (removido na terceira edição) não é uma simples declaração: é uma expressão de gratidão aos camaradas, uma unidade de propósito profundamente consciente.

Posteriormente, o estilo de A Donzela de Pskov, único na obra de Rimsky-Korsakov, foi muitas vezes considerado “sob o signo de Boris”, que o próprio Rimsky-Korsakov deu origem em algumas de suas declarações. Sem dúvida, esta ópera, especialmente na primeira edição, é a mais “mussorgiana” entre as obras de Rimsky-Korsakov, que já foi determinada pelo gênero de A Donzela de Pskov. Mas também é importante notar que a influência não foi unilateral, mas mútuo, e muito nasceu, aparentemente, em buscas conjuntas: por exemplo, se a “glorificação forçada” na cena da coroação, as lamentações do povo no Prólogo e a cena “Em São Basílio” precedem cronologicamente a cena do encontro de Ivan o Terrível com os Pskovitas, que tem um significado próximo, então o brilhante "Veche" precede "Kromy" e o Conto de Vlasyevna - as cenas da torre de "Boris Godunov".

O que eles tinham em comum era a coragem, o maximalismo com que os dois jovens compositores se comprometeram a encarnar os problemas mais complexos da história russa por meio de um drama musical de um novo tipo. Vale ressaltar, em particular, que ambas as peças - de Pushkin e Mey - estavam sob proibição de censura para encenação no início do trabalho em óperas. Como resultado, ambas as óperas acabaram com uma natural, condicionada pelo espírito da época, a ambiguidade de seus conceitos: tanto Boris quanto Ivan combinam princípios contraditórios - o bem neles está em uma luta inevitável com o mal, "pessoal" com "estado "; os tumultos na clareira perto de Kromy e na praça Pskov Veche são escritos com entusiasmo e profunda simpatia espiritual, mas também com uma premonição de seu destino. Não é por acaso que revisores hostis fizeram uma comparação com o Dostoiévski “doloroso”, “dividido” (com o recém-publicado Crime e Castigo) não apenas em conexão com Boris de Mussorgsky e seu personagem central, mas também em conexão com The Maid de Pskov e seus personagens principais - Czar Ivan e Olga.

Sem continuar, a comparação das óperas de Rimsky-Korsakov e Mussorgsky é um grande tópico, - assinalaremos apenas que o trabalho sobre eles se deu de maneira semelhante: diretamente dos textos de dramas com seu enriquecimento com amostras de arte popular.

Os estudos costumam enfatizar que Rimsky-Korsakov aprofundou o conceito do drama de May, descartando muitos episódios "puramente cotidianos", incluindo todo o primeiro ato, e "reforçando dramaticamente o papel do povo". Talvez fosse mais correto apontar primeiro que na obra deste maravilhoso escritor russo, amigo e afim A. N. Ostrovsky, o compositor encontrou uma consonância harmoniosa com sua natureza: o desejo de verdade e beleza, baseado em um amplo conhecimento da visão de mundo, história, vida, idioma do povo russo; equilíbrio, objetividade, por assim dizer, sentimentos e pensamentos imparciais, coloridos ao mesmo tempo com o calor do coração. Posteriormente, Rimsky-Korsakov "dublou" toda a dramaturgia de maio. Em "Pskovityanka" ele não precisou repensar Ideia principal, e o conceito da ópera coincide com o de Meev (expresso tanto no texto do drama quanto nas notas históricas do autor para ele): esta é a mesma combinação, às vezes se transformando em uma luta entre “Karamzin” e “Soloviev”, “ princípios estatais” e “federalistas”, tendências na divulgação do processo histórico, que marcaram tanto o Boris de Mussorgsky na segunda edição, quanto, por exemplo, o conceito de Rus de Balakirev.

(Esta questão é abordada em detalhes nos livros nomeados por A. A. Gozenpud e A. I. Kandinsky; sua interpretação moderna é dada por R. Taruskin no trabalho acima. e os homens livres de Pskov - o início do "federalista" é removido pela morte de Olga, que, por vontade do destino, está envolvida em ambas as forças em guerra. Tal resolução de uma contradição insolúvel através do sacrifício feito alma feminina, aparecendo pela primeira vez em The Maid of Pskov, aparece repetidamente nas seguintes óperas de Rimsky-Korsakov (The Snow Maiden, Sadko - the image of Volkhova, noiva real”, “Servilia”, “Kitezh” - Fevronia e Grishka Kuterma).)

Com efeito, de acordo com a estética do kuchkismo dos anos 60, o drama vai sendo depurado de “cotidianoismos”, de episódios de plano semelhante, tudo o que pode caracterizar costumes populares em geral: no Pskovityanka, esses são os “queimadores” observados pelo próprio Rimsky-Korsakov, os coros de meninas no primeiro e no quarto atos, a glorificação do czar na casa de Tokmakov. Mas os clímax das duas linhas da ópera - a cena do veche e o raciocínio do czar Ivan no último ato - são escritos quase exatamente de acordo com maio (claro, com cortes e rearranjos, inevitáveis ​​pelas especificidades do ópera e uma forte diminuição do número atores). Quanto à magnífica cena do encontro do Terrível, que Mei apenas delineou, e o epílogo, refeito, aqui, além da bem-sucedida descoberta de V.V. Nikolsky, veio em socorro o alto poder generalizador da música, que poderia expressar o que o drama do século passado acabou por ser sob a força - uma imagem integral do povo.

B. V. Asafiev chamado de "Pskovita" " crônica de ópera", determinando assim o tom geral da narrativa musical - uma epopeia objetiva, contida e de orientação geral características musicais- sua constância, estabilidade. Isso não exclui qualquer exibição multilateral das imagens de Ivan e Olga (mas apenas elas: todos os outros personagens são determinados de uma só vez, - e os personagens dos dois personagens principais não se desenvolvem, mas sim são revelados), nem a introdução de diversos elementos de gênero (cotidiano, drama de amor, paisagem, leves toques de comédia e fantasia), mas todos eles são dados em submissão à ideia principal, cujo principal portador, como deve ser em uma ópera-crônica, é o coro: e os coros dos pskovianos fervilhando com confrontos internos na veche (afirmada na primeira edição de "Boris" a ideia de recitativos corais e contradições semânticas de grupos corais é desenvolvida aqui em uma escala verdadeiramente sinfônica), e o coro “fresco” (A. I. Kandinsky) de o encontro do czar, que é unificado em pensamento, e o último serviço fúnebre coral.

(Naturalmente evoca uma analogia com o epílogo da segunda edição de Boris Godunov, especialmente desde a conclusão da ópera de Mussorgsky com o lamento do Santo Louco, ausente de Pushkin, bem como a lamentação da liberdade de Olga e Pskov, que está ausente de Mei, são propostos por uma pessoa - Nikolsky. Nesses paralelos dramatúrgicos e Ao final dos finais compostos ao mesmo tempo, a diferença na visão de mundo histórica, artística e pessoal dos dois artistas criados pela mesma escola destaca-se especialmente fortemente: o questionamento penetrantemente ansioso de Mussorgsky sobre o futuro e a conclusão reconciliadora e catártica de Rimsky-Korsakov.)

Uma descoberta muito importante do compositor na cena veche é a introdução à culminação de uma canção a cappella com solos (a saída de Clouds e homens livres da veche). Essa ideia foi proposta por Mey, assim como alguns outros episódios de canções do drama (o coro "Po Raspberry", a canção das Nuvens (no drama - Chetvertki) ("Alegra-te, cuco"), e o poeta contou aqui na estética dramática de Ostrovsky, segundo a qual era o folclore a canção se torna um símbolo sublime do destino humano. símbolo do destino pessoas, e essa descoberta sua foi aceita tanto por Mussorgsky na segunda edição de "Boris" ("Disperso, esclarecido" em "Kromy") quanto por Borodin em "Príncipe Igor" (coro dos aldeões). Também é importante que ambos os episódios prolongados do drama amoroso sejam resolvidos na veia da canção - os duetos de Olga e Clouds no primeiro e quarto atos (recordemos a importância das canções e, mais amplamente, das crenças populares, vernáculo no conceito dramático de "Tempestade" de Ostrovsky). Por isso, Rimsky-Korsakov recebeu muitas reprovações de críticos, incluindo Cui, que não entendia como exatamente esse objetivo - não "de si mesmo", mas "cantado pelo povo" - a expressão de sentimentos pessoais corresponde à estrutura geral de o trabalho. Aqui, Rimsky-Korsakov, como Mussorgsky na segunda edição de Boris, segue um novo caminho, deixando The Stone Guest e Ratcliff e continuando A Life for the Tsar (e talvez ouvindo os experimentos de Serov).

Uma característica do "Pskovityanka" é uma saturação muito densa do tecido musical não apenas com leitmotivs, mas também com leitharmonias, leitinttonations. Talvez fosse justamente essa qualidade que o compositor tinha em mente quando escreveu as palavras “simetria e secura” na descrição de sua primeira ópera. Em uma revisão da estréia, Cui se referiu às principais deficiências de The Maid of Pskov como "algumas de sua monotonia ... que vem de uma pequena variedade de idéias musicais ... principalmente relacionadas entre si". Entre as críticas frequentemente repetidas da crítica, havia também a acusação de "sinfonia" excessiva, ou seja, de transferir a principal ação musical e temática para a parte orquestral em várias cenas. Com base na experiência auditiva moderna, pode-se falar da notável consistência estilística da estrutura de entonação da ópera, sua profunda correspondência com o lugar, tempo, personagem, bem como um grau significativo de ascetismo e radicalismo na resolução dos problemas da dramaturgia musical e fala, característica de A Donzela de Pskov (qualidade, herdada por ela, sem dúvida, de "The Stone Guest" de Dargomyzhsky e muito próxima da primeira edição de "Boris Godunov"). O melhor exemplo de dramaturgia ascética é o refrão final da primeira edição: não um epílogo extenso coroando o drama histórico monumental, mas um simples, muito curto canção coral, interrompendo-se como se estivesse no meio de uma frase, na entonação de um suspiro. A caracterização monotemática do czar é a mais radical em conceito, que, com exceção da última cena com Olga, está centrada no tema arcaico “terrível” (segundo a gravação de V. V. Yastrebtsev, ouvida pelo compositor na infância no canto do Monges Tikhvin) com as harmonias de leit que o acompanham: varia habilmente na orquestra, e a parte vocal declamatória, por assim dizer, é sobreposta ao tema, às vezes coincidindo com ele em seções separadas, às vezes se afastando bastante. B. V. Asafiev comparou muito bem o significado do tema do czar na ópera com o significado do líder do tema na fuga, e o método de caracterização monotemática com pintura de ícones (“ele lembra o ritmo das linhas dos antigos ícones russos e mostra-nos o rosto do Terrível naquela auréola sagrada, sobre a qual o próprio rei se apoiava constantemente..."). No complexo leit de Grozny, o estilo harmônico da ópera também está concentrado - “severo e internamente intenso ... muitas vezes com um sabor azedo de arcaísmo” (Kandinsky A.I.). Em Pensamentos sobre minhas próprias óperas, o compositor chamou esse estilo de "pretensioso", mas seria melhor, aplicando seu próprio termo a Wagner, chamar a harmonia de "Pskovityanka" de "refinada".

Com a mesma constância são executados os temas de Olga, que, de acordo com a ideia dramática principal, abordam quer os temas de Pskov e os homens livres, quer os cantos de Grozny; uma área especial é formada por entonações de caráter não-gênero, associadas às premonições proféticas de Olga - são elas que elevam a imagem feminina principal da ópera, afastando-a das habituais colisões operísticas e colocando-a em pé de igualdade com o imagens majestosas do czar e da cidade livre. A análise dos recitativos de A Donzela de Pskov de M. S. Druskin mostra como a leitonação e a coloração de gênero das entonações também são usadas em outras partes vocais da ópera: forças, mas em seus armazém padrão, que cada vez reflete, a seu modo, o principal orientação ideológicaópera” (Druskin M.S.).

A história da produção de A Donzela de Pskov no Teatro Mariinsky, ligada a inúmeras dificuldades de censura, é descrita em detalhes na Crônica. A ópera foi encenada e encenada pelo mesmo grupo de figuras teatrais que, um ano depois, conseguiu levar ao palco a segunda edição de Boris. A resposta do público foi muito simpática, o sucesso foi grande e tempestuoso, principalmente entre os jovens, mas apesar disso, A Donzela de Pskov, assim como Boris, não ficou muito tempo no repertório. Entre as resenhas dos críticos, destacam-se as resenhas de Cui e Laroche - pelo fato de que dão o tom e determinam os rumos em que a crítica às novas óperas de Rimsky-Korsakov será conduzida por décadas: declamação inepta, subordinação do texto à música ; preferência por formas "sinfônicas" (no sentido de instrumental) sobre as puramente operísticas; a preponderância do início coral sobre o lírico pessoal; a predominância da “construção hábil” sobre a “profundidade de pensamento”, a secura da melodia em geral, o abuso da temática popular ou do espírito popular etc. é importante notar que o compositor tomou nota de alguns deles enquanto trabalhava na segunda e terceira edições da ópera. Em particular, ele desenvolveu e melodicou as partes de Olga e Ivan, fez muitos recitativos mais livres, mais melodiosos. No entanto, a experiência de aproximar o conceito de "Pskovityanka" na segunda edição para fonte literária, o que levou à inclusão de vários episódios da vida lírica e cotidiana (um prólogo, um “casal divertido” - Stesha e Chetvertka, um jogo prolongado de queimadores, um jogo de avós, uma conversa entre Stesha e o czar , uma mudança no final do drama, etc.), bem como compôs por Stasov as cenas da caça real e o encontro do rei com o santo tolo, não apenas pesou a ópera, mas enfraqueceu e borrou seu principal conteúdo, conduziu a dramaturgia musical para os estênceis do drama e ópera. A "transicionalidade" característica das obras de Rimsky-Korsakov da década de 1970 e a instabilidade estilística se refletiam assim em A Donzela de Pskov.

Na terceira edição, muito retornou (geralmente de forma revisada) ao seu lugar. Introdução fotos musicais"Veche tocsin" e "Forest, thunderstorm, royal hunt" em combinação com a abertura e o intermezzo orquestral anteriormente existente - "portrait of Olga", bem como o coro de epílogo estendido, formaram uma dramaturgia sinfônica. A ópera, sem dúvida, ganhou pela beleza de seu som, pela estabilidade e equilíbrio das formas: parecia ter adquirido qualidades características do estilo de Rimsky-Korsakov dos anos 1990. Ao mesmo tempo, as perdas de nitidez, novidade, originalidade da dramaturgia e da linguagem tornaram-se inevitáveis, incluindo o norte e, mais especificamente, a coloração Pskov da fala musical, que foi verdadeiramente “capturada milagrosamente” (as palavras de Rimsky-Korsakov sobre a cor do poema “Sadko”) acabou sendo um compositor um tanto diluído (Isto é especialmente perceptível no abrandamento das dissonâncias ásperas da abertura, na inclinação lírica mais tradicional dos novos episódios da parte de Olga, na bela cena da caça real, que tem análogos na literatura operística.). Portanto, o reconhecimento do compositor a Yastrebtsev, ao qual raramente se presta atenção, parece muito importante. Em janeiro de 1903, Rimsky-Korsakov, argumentando sobre a necessidade de um artista ouvir "exclusivamente voz interior seu sentimento interior, instinto criativo, "ele observou:" E então aqui está o meu "reciclado" "Pskovityanka" - isso não é uma espécie de concessão à insistência e conselho de Glazunov? Afinal, a Noite de Maio também tem suas falhas e, no entanto, nunca me ocorreria processá-la novamente.

M. Rakhmanova

Esta ópera inicial foi escrita por Rimsky-Korsakov sob a influência e com a participação ativa dos membros da " Círculo de Balakirev". O compositor dedicou sua obra a eles. A estreia da ópera não foi um sucesso absoluto. O compositor também abandonou abruptamente as formas tradicionais de arte operística (árias, conjuntos), o estilo recitativo-declamatório dominou a composição. Insatisfeito com sua criação, o compositor reformulou a partitura duas vezes.

A estreia da última edição da ópera em 1896 (Moscow Private Russian Opera, Chaliapin interpretou o papel de Ivan) tornou-se histórica. A Mulher de Pskov (sob o título Ivan, o Terrível) foi exibida com grande sucesso em Paris (1909) como parte das Estações Russas organizadas por Diaghilev (o papel-título foi interpretado por Chaliapin, dir. Sanin).

Discografia: CD - Grandes Performances de Ópera. Dir. Schippers, Ivan, o Terrível (Christov), ​​​​Olga (Panny), Cloud (Bertocci) - Gravação de Melodia. Dir. Sakharov, Ivan, o Terrível (A. Pirogov), Olga (Shumilova), Cloud (Nelepp).

Yevgeny Svetlanov, tendo restabelecido boas relações com o Teatro Bolshoi, decidiu encerrar sua carreira como maestro de ópera com uma produção da ópera A Donzela de Pskov, de Rimsky-Korsakov, a mesma que ele, que veio para o Teatro Bolshoi como estagiário, iniciou sua jornada há 44 anos. De acordo com Svetlanov, a ópera de Rimsky foi imerecidamente relegada às sombras, mas é igual em profundidade e qualidade às óperas de Mussorgsky.

Isso é certamente verdade, e mais do que isso: na virada dos anos 1960 e 1970, a primeira ópera de Rimsky-Korsakov foi o que hoje se chamaria de arte contemporânea. Um jovem oficial da marinha, então membro do mais radical círculo artístico"Poderoso punhado", compôs "Pskovityanka" entre os guardas. Ao mesmo tempo, Mussorgsky escrevia Boris; ambas as óperas terminaram em uma apartamento comum e em um piano, que foi compartilhado por dois gênios.

No final do século, a rebeldia operística tomou a forma de um estilo confiante; ao mesmo tempo, Rimsky fez a versão final e profissionalmente verificada da ópera; Chaliapin brilhou no papel do tirânico czar Ivan, que encontrou sua filha ilegítima em Pskov, cuja maneira e perfil, com nariz adunco e barba em saca-rolhas, mais tarde se tornou um modelo não só para Pirogov, Ognivtsev e outros baixos na parte de Grozny, mas também para Cherkasov no filme Eisenstein.

No início do nosso século, Diaghilev levou Chaliapin e óperas russas para Paris, criando uma imagem representativa da Rússia. Desde então, a memória das "estações russas" foi preservada no Ocidente. Enquanto isso, na Rússia, a ópera nacional espinhosa começou a se envolver em um grande estilo, que, tendo servido à era de Stalin, tornou-se turístico. No final do nosso século, nomeadamente após o recente triunfo do Teatro Bolshoi com "Boris Godunov" em Londres, ambas as linhas fecharam. "Isso é o que o Ocidente espera de nós", disse Vladimir Vasilyev, diretor do Teatro Bolshoi, em entrevista a Svyatoslav Belza, que acompanhou a transmissão com seu artista de marca registrada e dificilmente esperava tamanha franqueza. Em outro intervalo, vimos o próprio Yevgeny Svetlanov, que também admitiu estar ansioso para repetir o sucesso de Diaghilev de sua ópera favorita no exterior.

Assim, o novo "Pskovityanka" é feito no mesmo estilo típico do Teatro Bolshoi, no qual todas as óperas históricas russas são apresentadas em seu palco - "Ivan Susanin", "Boris Godunov", "A noiva do czar", "Khovanshchina" , "Oprichnik". Isso não significa que a produção, feita por um colega e parceiro de longa data de Svetlanov, Joakim Sharoev, seja ruim. Ele resolveu a tarefa principal - ele abriu os coros, encenou com competência as cenas da multidão (eles só são estragados por um número excessivo de tolos santos agitados) e voltou a ação para o personagem principal da peça - Svetlanov. O cenógrafo Sergei Barkhin achou necessário combinar a tarefa. Mas, um homem de outra geração, ele não mostrou meticulosidade e grandeza em grande estilo - talvez fosse melhor restaurar o antigo cenário de Fyodor Fyodorovsky. Um belo final solene expiou muitos fracassos da equipe de encenação - e ainda assim, aparentemente, simplesmente não temos diretores sofisticados e profundos que poderiam, sem cortar as tradições pela raiz, transformar a ópera russa em uma performance moderna. Você não pode dizer o mesmo sobre os condutores.

Yevgeny Svetlanov foi a principal figura em que toda a ação foi encerrada. Ele rege não uma orquestra (que, aliás, não brilhava muito nos episódios sinfônicos) e nem um coral (que cantava bem e com precisão quando não se movimentava muito pelo palco), e nem cantores (entre os quais não havia um único incrível). Ele conduzia o teatro, passando por si mesmo e devolvendo aos seus parceiros não apenas a música, mas a ópera como um todo. É improvável que alguém mais pudesse, com tanta pureza luminosa, tirar do ar um dos principais temas, as principais mensagens de Rimsky-Korsakov - a ideia do sacrifício de uma mulher, ao custo de que Pskov ganha vida, e em outras óperas o país dos Berendeys, e a cidade invisível de Kitezh.

Para aqueles que ainda vão ao Bolshoi: Svetlanov conduz apenas quatro ou cinco apresentações - então o assistente assume o trabalho. Não se sabe o que o assistente se transformará em O Pskovityanka - a experiência de Rostropovich com Khovanshchina sugere que se tornará uma performance comum, raramente acontecendo e não reunindo o público. Mas já na estreia de The Maid of Pskov, muitos lugares estavam vazios, e os especuladores na entrada estavam distribuindo ingressos abaixo do valor nominal. Uma das razões para o declínio do interesse do público pela arte de Svetlanov é que ele não se cerca de parceiros interessantes há muito tempo. Se interpretada com malícia, a composição dos solistas correspondeu ao princípio atribuído a Svetlanov: "deve haver um sobrenome no cartaz". Se interpretado de forma neutra, então este é simplesmente o nível real da atual trupe Bolshoi (no entanto, inclui pelo menos Vladimir Matorin e Vitaly Tarashchenko - por que eles não cantaram em Pskovityanka?). A primeira composição, empregada na estreia, não foi nada melhor que o segundo(com exceção de Leonid Zimnenko no partido do príncipe Yuri). Vyacheslav Pochapsky no papel de Ivan, o Terrível, soou equilibrado, mas mostrou uma completa ausência de carisma negativo: Alexander Naumenko do segundo elenco (eu o ouvi no ensaio geral) era muito mais brilhante como ator. Maria Gavrilova, que cantou Olga, dificilmente soou mais bonita do que o segundo número Irina Rubtsova. Ambos os tenores - Pavel Kudryavchenko e Nikolai Vasiliev - derraparam na parte de Clouds. O parceiro pleno dos cantores foi o ponto, cuja arte foi totalmente apreciada pelos telespectadores do canal Kultura TV.