Primitivismo - um estilo de pintura que se originou no século XIX, contendo uma simplificação deliberada do quadro, tornando suas formas primitivas, como o trabalho dos tempos primitivos.

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A pintura, como questão individual, realizada inteiramente pelo próprio autor, foi a primeira a tirar proveito desse estado, rompendo com a rotina, de forma mais decisiva e mais longe do que outras, afastando-se dos estereótipos estéticos aceitos.

A direção desse movimento - a transição do naturalismo para a convenção, da sofisticação para a simplificação, da sofisticação modernista para o primitivismo - foi a mesma do arte europeia. A análise mostra que as origens dessa tendência se encontram fora da tradição artística russa.

No entanto, na virada para o primitivismo, duas tendências opostas já são mais ou menos distintas desde o início. O primeiro carrega implicitamente a ideia de simplificação (no sentido rousseauniano) e corresponde ao conceito de “primitivo”. A segunda, indistinguível em um estágio inicial, também se expressa em formas generalizadas, condicionais, mas seu objetivo é uma forma concisa como tal, a universalização da forma, sua simplificação. No primeiro sentido, o primitivismo de nossa vanguarda tem seus fundamentos na mentalidade russa, nas especificidades de seu modo de vida camponês, na mitificação de seu próprio povo, nos sermões de simplificação de Tolstoi.

A diferença com as versões alemã e francesa é óbvia. Aí começa com um apelo à arte "primitiva" da Oceania e da África. Aqui - com um apelo a várias formas de tradição russa cultura artística: ao folclore urbano, aos rituais, às roupas nacionais, à arquitetura, às estampas populares, aos brinquedos folclóricos, etc. Esses elementos são usados ​​de diferentes maneiras por artistas como Bilibin, Nesterov, Grigoriev, Kustodiev, Malyavin, Arkhipov, Petrov-Vodkin, Kuznetsov, Larionov, Goncharova, Udaltsova e outros.As imagens de camponeses de Goncharova e Malevich têm um ponto de partida comum . Nas obras de K. Malevich, apresentadas na exposição "Valete de Ouros" em 1910, é tangível a influência desse primitivismo peculiar de coloração fauvista, que é característico da obra de N. Goncharova dos anos 1900. Algumas obras (por exemplo, Walking, 1910) permitem-nos falar sobre a influência de Goncharova sobre Malevich neste Período inicial. No entanto, o destino posterior das direções em que o trabalho desses artistas se desenvolve nos permite ver que a semelhança de seus primeiros trabalhos é enganosa. Essa semelhança embrionária é preservada apenas parcialmente em formas desenvolvidas.

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Com o termo "primitivismo" na pintura, nem tudo é tão simples. Em primeiro lugar, os historiadores da arte nem sempre concordam na decifração de seu significado. Além disso, tudo é agravado pela presença de sinônimos com os quais pode ser designado. Ou não são sinônimos - dependendo de qual dos pontos de vista seguir.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). leão e sol

Vamos entender os conceitos

No final do século 19 e início do século 20, alguns movimentos artistas europeus começam a enlouquecer pela expressividade e concisão dos artefatos das culturas primitivas. A ingenuidade descomplicada e grosseira das máscaras rituais africanas e das estatuetas de madeira parece-lhes uma resposta simples e óbvia à procura de formas de ultrapassar a rigidez e a estagnação da pintura académica. A essa altura, o impressionismo já havia perdido seu antigo frescor e escandaloso, de modo que não podia reivindicar ser um abanador das fundações.

As obras de culturas primitivas - os ancestrais das obras-primas primitivistas modernas - incluem arte rupestre pré-histórica ou ídolos de pedra, e tradições culturais povos tribais modernos que habitam a África, Oceania e afins. Máscaras africanas como essas foram um fator decisivo para o surgimento de muitos movimentos de vanguarda no início do século XIX.

Fonte da foto: newpackfon.ru

Em um dos sistemas de coordenadas, acredita-se que seja a criatividade artistas profissionais Quem tem uma educação artística acadêmica e todas as habilidades necessárias, mas conscientemente opta pela simplificação de técnicas estilísticas e técnicas para imitar a arte primitiva, refere-se ao primitivismo. O legado de artistas autodidatas que pintam desajeitadamente, infantilmente, neste caso, é chamado de arte ingênua.

Em outro universo da história da arte, primitivismo e arte ingênua são sinônimos completos e conceitos intercambiáveis. Deste ponto de vista, o termo “arte ingênua” é uma espécie de eufemismo necessário para maior eufonia, em contraste com o conceito de “primitivismo”, que em muitas línguas tem uma conotação um tanto pejorativa.

Tomaremos a segunda versão como axioma e lembramos que o primitivismo, assim como a arte ingênua, são estilos que incluem o trabalho de artistas não profissionais, cuja quantidade de talento cobre a ausência de certas habilidades, como a capacidade de construir corretamente a perspectiva ou transmitir claro-escuro.

Para o legado de artesãos sofisticados que sabem estilizar um ou outro tipo de arte primitiva (pintura de ícones antigos, motivos étnicos ou estampas populares, por exemplo), usaremos o termo “neo-primitivismo”. Isso é exatamente o que os membros das associações de arte russas "Valete de diamantes" e "Rabo de burro" fizeram no início do século passado.

Kazimir Severinovich Malevitch. Crianças
1908, 30,2 × 23,8 cm

Natalya Sergeevna Goncharova. Descoloração do linho. Da "Série Camponesa"

Artistas de vanguarda como Kazimir Malevich, Mikhail Larionov e Natalya Goncharova se inspiraram na arte popular, que também é classificada como arte primitiva. E o termo neo-primitivismo foi usado pela primeira vez em geral em um panfleto de Alexander Shevchenko, publicado pelo artista em 1913: “Neo-primitivismo. Sua teoria. Suas possibilidades. Suas Conquistas.

Se na Europa Ocidental os artistas usavam apenas parcialmente as técnicas da arte ingênua em suas obras, desenvolvendo em suas bases tendências como o fauvismo, o cubismo ou o expressionismo, na Rússia o neo-primitivismo tornou-se uma tendência significativa, a partir da qual o suprematismo acabou crescendo e tomando forma. Portanto, às vezes os historiadores da arte ocidentais usam o termo neo-primitivismo especificamente em relação aos adeptos russos dos ideais da arte ingênua, que diligentemente os propagandearam e os aplicaram na prática.

Mikhail Fedorovich Larionov. Vênus e Miguel
1912, 85,5 × 68 cm

Segundo Alexandre Benois, “A peculiaridade do neoprimitivismo era que seus representantes não lutavam pela estilização, nem pela imitação. mestre popular, mas à expressão dos aspectos essenciais da estética popular. Aqui, o exemplo mais ilustrativo é o trabalho de Larionov, que - de acordo com a estética popular - iguala o importante e o sem importância, o alto e o baixo, indo ao extremo nisso - cultivando os princípios do desenho da cerca e da "pintura de quartel " ".

Voltar à rotina

O caminho através dos espinhos para as estrelas para os primitivistas foi aberto por criadores reconhecidos como Gauguin, Picasso e Matisse. Uma vez em uma busca para receber cura de doença grave, ao qual Gauguin classificou os benefícios da civilização, o artista foi ao Taiti e ali se fundiu com a natureza de todas as formas possíveis, enriquecendo seu estilo ao longo do caminho com as cores vivas de uma ilha exótica e imagens ingênuas da cultura local, outros o seguiram .

Paul Gauguin. Pastorais do Taiti
1898, 87,5 × 113,7 cm

Os expressionistas alemães Emil Nolde e Max Pechstein também tentaram a sorte na vastidão da Oceania, mas seus associados Ernst Ludwig Kirchner e Erich Heckel reconstruíram paisagens primitivas diretamente em suas oficinas. Os artistas franceses não precisavam viajar muito para se inspirar, nem era preciso sair de Paris. Das colônias da França na África Ocidental, mercadores trouxeram para a capital todo tipo de artesanato étnico, que então se estabeleceu em museus e pequenas lojas.

Will Gompertz em A Arte Incompreensível. De Monet a Banksy conta como o artista Maurice de Vlaminck inadvertidamente se torna o catalisador de um surto de interesse pela arte primitiva e, como resultado, o surgimento de um movimento como o fauvismo. Em 1905, ele viu três máscaras africanas esculpidas em um café parisiense. Influenciado pela expressão da “arte instintiva”, como ele a chamava, Vlaminck comprou as máscaras do dono do estabelecimento e apressou-se a mostrar o espólio aos amigos artistas.

Henrique Matisse. Mulher de chapéu
1905, 24×31 cm

Maurício de Vlaminck. Restaurante

André Deren. Porto de Collioure
1905, 72×91 cm

Henri Matisse e André Derain compartilhavam o fascínio de Vlaminck pela paleta expressiva de Van Gogh e pelas atividades exóticas de Gauguin. Seu cálculo era justificado: seus amigos consideravam os artefatos adquiridos como uma manifestação de liberdade de pensamento, não repleta de ideais materialistas de civilização, mas mantendo uma espontaneidade e ingenuidade infantil. O resultado do encontro dos três artistas foi a conclusão de que a cor e as emoções na tela são dominantes, em contraste com o realismo e autenticidade da imagem.

Como resultado, as pinturas nasceram onde eles tentaram dar vida aos seus novos princípios artísticos, tanto quanto possível. Coloridas com combinações insanas de cores puras e não misturadas para a época, aplicadas em pinceladas nítidas e separadas, as telas eram tão desafiadoras que os organizadores do Salão de 1905 se recusaram a aceitar obras para exibição. Somente graças à autoridade pessoal de Matisse conseguiu forçar a participação dos experimentos da Trindade no Salão.

Depois haverá críticas tempestuosas e cheias de indignação dos historiadores da arte, uma das quais, como muitas vezes acontece (ver impressionismo), dará nome a uma nova tendência de vanguarda - o fauvismo: o venerável crítico Louis Vaucelles dirá que os animais selvagens pintado com cores salpicadas - “les fauves” em francês. Mas essa é uma história um pouco diferente.

Como Picasso descobriu Rousseau

A pintura de um jovem espanhol promissor também deu um salto mortal notável sob a influência direta da arte primitiva e seus confessores. Quando Picasso viu o último chiado da autoria de Matisse - chamativo, diferente das telas, livre de quaisquer preconceitos acadêmicos, ele perdeu a paz e o sono. Sem pensar duas vezes, Picasso vai para museu etnográfico onde foi mantida uma extensa coleção de máscaras africanas. Lá ele passou por algum tipo de rito de iniciação. Quem sabe, talvez esses objetos rituais realmente continham poder mágico?

"Eu estava sozinho, lembrou o artista. - Eu queria fugir de lá. Mas eu fiquei. Eu simplesmente não podia sair. Percebi algo muito importante; algo aconteceu comigo. Olhei para esses fetiches e de repente ficou claro para mim que eu também estava contra todos. Também sinto que tudo ao meu redor é desconhecido e hostil. Enquanto eu estava sozinho naquele museu horrível, cercado de máscaras, bonecas indianas, manequins empoeirados, as Donzelas de Avignon devem ter aparecido para mim; não que tenham sido motivados pelas formas que vi: aquela foto foi minha primeira experiência de exorcismo - sim, isso mesmo!"

Pablo Picasso. Garotas de Avignon, 1907

Assim, vários artefatos tribais forçaram Picasso a pintar uma pintura que se tornou a progenitora do cubismo e, como resultado, do futurismo e uma dúzia de outros -ismos diferentes. Mas a sua intervenção mágica na então vida artística da capital francesa não se limitou a isso. Sucumbindo ao charme arte primitiva, Picasso não podia perder o fenômeno da estrela em ascensão da arte ingênua, e teve uma participação significativa em garantir que Paris levasse a sério as criações pouco profissionais do despretensioso funcionário da alfândega Henri Rousseau.

Não tendo Educação Artistica, O funcionário da alfândega (como era apelidado pela boêmia parisiense), no entanto, tinha sérias ambições para a pintura. A espontaneidade infantil jogou nas mãos de Rousseau - caso contrário, ele dificilmente ousaria apresentar suas experiências desajeitadas ao julgamento do público exigente do Salon des Indépendants em 1986, onde todos os artistas interessados ​​poderiam participar.

O milagre não aconteceu, os críticos fizeram o possível para ridicularizar o criador novato de quarenta anos, que não tinha noção da perspectiva linear ou dos princípios da construção composicional. Do coro harmonioso do bullying, saiu a voz do mestre Camille Pissarro, que notou a riqueza de tons da pintura de Rousseau.

Henrique Rousseau. noite de carnaval
1886

A falha no Salão dos Independentes não conseguiu quebrar o proposital Oficial da Alfândega. Pelo contrário, ele deixa seu trabalho para dedicar todo o seu tempo à carreira de artista. Infinitamente acreditava nele e em seu principal admirador - Picasso. Certa vez, ele encontrou uma foto de Rousseau em uma loja de província, que foi vendida lá ao preço de uma tela usada - mesmo um traficante de sucata não ousou pedir um preço alto por ela. O espanhol a comprou imediatamente e posteriormente a guardou até o fim de seus dias, respondendo que ela era sua “capturado como uma obsessão ... esta é uma das mais verdadeiras retratos psicológicos na pintura francesa.

Henrique Rousseau. Retrato de Jadwiga

Além disso, ele deu um jantar em homenagem a um retrato estranho, onde convidou todo o beau monde parisiense e o próprio herói da ocasião - o primeiro superstar da arte ingênua. Picasso pendurou o retrato do funcionário da alfândega no lugar mais proeminente de seu próprio estúdio e sentou seu autor em uma poltrona que mais parecia um trono. Foi um verdadeiro triunfo para um artista amador, embora parte do público provavelmente tenha percebido o que estava acontecendo como uma zombaria ou uma farsa particularmente sofisticada.

Mas não Picasso. Ele é creditado por dizer que passou quatro anos aprendendo a pintar como Rafael, mas levou uma vida inteira para aprender a desenhar como uma criança. Portanto, ele admirava o dom de Rousseau, que lhe permitia pular essas etapas com segurança e começar imediatamente a criar obras-primas primitivistas.

Henrique Rousseau. Tigre em uma tempestade tropical

De que são feitas as pinturas primitivistas?

Que signos determinam que diante de você está uma obra de arte ingênua, e não, digamos, a obra de um expressionista, abstracionista ou representante de algum outro movimento de vanguarda? Aliás, Mark Rothko, que se tornou famoso no campo do expressionismo abstrato, buscava inspiração e o segredo da habilidade pictórica em desenho infantil e até dedicou um livro inteiro a isso - mesmo antes de começar a cultivar desinteressadamente a pintura do campo de cores.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Urso com seus filhotes
1917, 140×100 cm

Exemplos de primitivismo são de fato caracterizados por erros característicos que as crianças cometem ao desenhar. Mas não é necessário ter todos os itens a seguir em uma imagem. Algo que os artistas autodidatas ainda eram capazes de fazer.

1. Falta de perspectiva linear: os objetos em primeiro plano são iguais em tamanho aos objetos em segundo plano, pelo que sua relação no espaço se torna incompreensível e a imagem perde volume.

2. Os detalhes do plano de fundo são trabalhados com o mesmo cuidado que os objetos próximos. As consequências são as mesmas do parágrafo anterior.

Avó (Anna Mary) Moses. celebração

3. As cores não perdem brilho e saturação proporcionalmente à distância dos objetos da borda frontal da tela. A imagem torna-se plana e lembra um cartão postal.

4. Não há sinais de nenhuma fonte de iluminação: mesmo que haja um sol na imagem, todas as superfícies estão uniformemente iluminadas, pessoas e objetos não projetam sombras e você também não encontrará brilho.

Camila Bombois. Banhistas surpresos
1930, 65×81,5 cm

5. Violação da anatomia: as proporções do corpo humano, erros na imagem dos animais. Mas o que dizer de Picasso, Salvador Dali, Francis Bacon e muitos outros cujo trabalho não mostra que eles estejam de alguma forma familiarizados com a estrutura do corpo humano? Eles também são primitivistas? - Não. Olhando para uma foto de um representante da arte ingênua, você verá que a pessoa deu o seu melhor, e é graças a esses esforços que suas tentativas ingênuas de alcançar os "grandes" artistas parecem tão tocantes e têm um charme irresistível. E os números acima mencionados não perseguiam tais objetivos, e definitivamente não havia nenhum item “para agradar a todos” em sua lista.

6. Como as crianças, os primitivistas não fazem distinção entre realidade e fantasia. Em suas pinturas, pessoas e unicórnios podem coexistir com segurança, e não no âmbito de uma fantasia surrealista, mas como uma coisa comum. Leões nessas telas não são uma ameaça para os humanos, e um cervo pode parecer uma criatura fabulosa.

Ivan Generalich. Unicórnio

7. E, finalmente, uma diferença fundamental que responde à pergunta que surge naturalmente, qual é a diferença entre as telas não objetivas dos modernistas no estilo “meu-5 anos-qualquer um pode melhorar”? das criações dos primitivistas. Artistas não profissionais retratam objetos do grau de realismo que estão disponíveis para eles devido ao conhecimento, habilidades e habilidades limitados. E os representantes da arte de vanguarda fazem o possível para esquecer o que aprenderam nas escolas de arte ou fingir que não as frequentaram. Mas a harmonia e a consideração da composição, o simbolismo fora de escala ou o brilho traiçoeiro através de uma imagem fingida ingênua e deliberadamente inepta de um contexto cultural ainda trairá um profissional. Sim, sim, você pode sair, ainda reconhecemos você, camarada Chagall e Sr. Klee.

Mark Zakharovich Chagall. velho de óculos
década de 1950

Paulo Klee. Espetáculo de marionetas
1923

Primitivismo: uma folha de dicas. Artistas que trabalharam no estilo do primitivismo

Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Avó Mozes, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.

Pinturas primitivistas icônicas

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Atriz Margarida
1909, 94×117 cm

A história da pintura de Pirosmani tornou-se uma lenda. Foi ela quem foi imortalizada em versos por Andrei Voznesensky, que colocou Raymond Pauls na música, criando a música “A Million Scarlet Roses”. Trata-se das tentativas de um pobre artista de conquistar o coração da inexpugnável atriz francesa Marguerite de Sevres, que atuou em Tíflis em 1905, onde Pirosmani perdeu a cabeça dela. Segundo algumas versões, entre o “mar de flores” que o desesperado Niko enviou ao hotel de sua amada, não havia apenas rosas, e não apenas escarlates, mas também papoulas, peônias, lírios, lilases, acácia e outros presentes de flores da terra georgiana. Tudo o que o artista merecia por seu ato era apenas um beijo de Margarita. Mas muitos anos depois, tendo perdido tanto a multidão de fãs quanto sua antiga atratividade, a atriz vinha diariamente ao Louvre, onde a pintura de Pirosmani foi exibida em 1969, e espiou seu retrato por horas. Foi assim que a arte sobreviveu ao amor efêmero e à beleza passageira.

Maria Avksentievna Primachenko. O rei dos peixes pegou uma poupa e está feliz
século 20

Fantasia sem limites, esquemas de cores arrojados, coloração folclórica desarmante são apenas alguns dos segredos da arte aparentemente despretensiosa do artista do interior ucraniano. Tendo visto apenas uma vez as pinturas de Maria Primachenko, é improvável que sejam confundidas com as obras de outro autor, são tão originais e originais. Eles também foram apreciados além das fronteiras da pátria: as obras de Maria foram um sucesso retumbante em exposições em Paris, Varsóvia, Praga e outras cidades europeias.

Henrique Rousseau. Sonho
1910, 298×204 cm

O "sono" é considerado um dos as melhores fotos Rousseau. O autor comentou sobre seu último (e possivelmente último) trabalho da seguinte forma: “Jadwiga tem um sonho mágico. Adormeceu calmamente ao som da flauta de um sedutor desconhecido. Quando a lua ilumina flores e árvores verdes, animais e até predadores, congela, ouvindo os sons maravilhosos da música.. A tela impressiona pela complexidade técnica, e a riqueza da paleta, que Pissarro notou na primeira pintura de Rousseau, atinge seu clímax aqui: não é brincadeira, são mais de duas dúzias de tons de verde só! Mesmo os críticos mais cáusticos não resistiram ao efeito hipnotizante de "Sleep", e o compatriota e contemporâneo de Rousseau, o escritor André Breton disse que o quadro “absorveu toda a poesia e todos os segredos do nosso tempo”.

Você é um especialista se:

Sinta-se à vontade para usar a palavra "primitivismo" ao falar sobre obras-primas medievais de Rogier van der Weyden ou Duccio di Buoninsegni.

Você pode determinar imediatamente onde está a beleza casta do pincel do verdadeiro primitivista Pirosmani e onde está o falso "ingênuo" Mikhail Larionov.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Beleza Ortáquica. Lado direito do díptico

Mikhail Fedorovich Larionov. Vênus judaica
1912, 147 centímetros

Você é um leigo se:

Você leva a sério a simplificação deliberada necessária para criar ilustrações e caricaturas, considerando-as exemplos de primitivismo descomplicado.

Você acha que qualquer obra de arte que é tentadora ser chamada de kalyaks-pinturas pertence ao primitivismo. De fato, o primitivismo (consciente, premeditado também) não é apenas uma forma inepta, mas também uma visão especial da essência das coisas: pura, direta, infantil ou mesmo primitiva. Por trás das pinturas de Malevich, Kandinsky, Mondrian, existem grandes teorias adultas.

Neste, nas postagens anteriores e posteriores, utilizo material do livro "Arte Incompreensível" de Will Gompertz, uma série de palestras no Garage Museum de Irina Kulik, palestras de Dmitry Gutov, livro de Susie Hodge "Modern Art in Detail", documentários da BBC, etc.

PRIMITIVISMO, FAVISMO

Em um post anterior, falei sobre o cubismo de Picasso e Braque. Uma das fontes de inspiração de Picasso foi uma exposição de arte africana. A simplicidade e, ao mesmo tempo, o poder primitivo e a majestade das máscaras de madeira impressionaram o artista. E não só ele.

Na verdade, o desejo por essa simplicidade percorre como um fio vermelho toda a história da arte contemporânea. Por um lado, os artistas tentaram copiar o estilo de trabalho das tribos primitivas da África, Austrália e América do Sul e, por outro, desenhos infantis.

Em geral, a alegre expectativa de mudança, associada ao rápido desenvolvimento da indústria na França, foi rapidamente substituída pelo cansaço do ritmo que a vida havia adquirido.

Já no final do século XIX, o movimento de "retorno às origens" era generalizado.

Na pintura, como escrevi anteriormente, foi Gauguin, com seu tema "taitiano", imagem plana e rico simbolismo.

Paul Gauguin, Velhos Tempos, 1892

O movimento que defendia a simplificação da arte tomou várias formas. Por exemplo, as obras do famoso pintor austríaco e principal membro da sociedade da Secessão de Viena, Gustav Klimt (1862-1918), são muito mais refinadas e decorativas do que as do mesmo Gauguin. Klimt adorava ornamentos, cores bronze e ouro, roupas ricamente decoradas. Com a mesma simplicidade de linha e bidimensionalidade da imagem, o primitivismo de Klimt é luxuoso.

Gustav Klimt, Expectativas, 1909

Gustav Klimt, macieira, 1912

Gustav Klimt, Garota com um leque, 1918

No entanto, aqueles que são considerados os fundadores do primitivismo no século 20 viveram na França. Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () e Henri Derain (1880-1954) também admiravam a arte africana e compartilhavam a paixão pelas cores ricas, como nas obras de Van Gogh. Eles também estavam ligados ao holandês pela convicção de que as emoções na imagem são mais importantes do que o objeto retratado.

O resultado da combinação da simplicidade da arte tribal e cores ricas e puras, eles criaram obras incrivelmente brilhantes e alegres. Neles, a cor é uma forma de transmitir uma emoção, e não de descrever um objeto real.

Maurice de Vlaminck, Pomar, 1905

Maurice de Vlaminck, Ponte em Chatou, 1907

André Derain, Estac, 1905

André Dören, Charing Cross Bridge, 1906

Henri Matisse, Laço Vermelho, 1906

Henri Matisse, Harmonia em Vermelho, 1908

"Traduzi para a linguagem da cor o que vi instintivamente sem nenhum método para dizer a verdade não como artista, mas como pessoa. Apertando até o fim, quebrando tubos de água-marinha e cinábrio" - assim descreve Maurice de Vlaminck sua obras desse período. De fato, é a cor que logo se tornará cartão de chamada esta trindade de artistas. Eles decidiram expor no Salão de 1905. Como sempre, as críticas foram ferozes. Louis Vossel (um crítico influente da época) brincou que as pinturas foram pintadas por "animais selvagens" (les fauves fr.)

E embora nem Matisse, nem Vlaminck, nem Derain fossem se vincular à estrutura de qualquer direção, eles gostavam da palavra.

O fauvismo estava em ação direta e figurativamente um flash brilhante no céu da arte. De fato, essa ideia de usar grandes manchas de cor não diluída dentro de uma moldura de forma simples encontrou sua continuação lógica no trabalho de muitos artistas do século XX.

Friedensreich Hundertwasser, Way to you, 1966

Roy Lichtenstein, Natureza morta com vaso de cristal, 1973

Willem de Kooning, Sem título 5, 1983

No entanto, em 1905, o público ainda não havia se recuperado dos neo-impressinistas, e então Matisse chegou a tempo com sua famosa "Mulher de chapéu".

Henri Matisse, Mulher com chapéu, 1905

Não sei se Madame Matisse ficou feliz naquele momento por ter se casado com o artista, porque o retrato acabou sendo polêmico. Um rosto amarelo-esverdeado reduzido a algumas pinceladas simples e toques alaranjados de cabelo não agrada a todos. No entanto, foi do gosto de Leo Stein, colecionador e patrono dos artistas contemporâneos. Comprou A mulher do chapéu e menos de um ano depois comprou A alegria da vida, outra pintura famosa do período fauvista de Matisse.

Henri Matisse, Alegria da Vida, 1906

Inspirado em cenas pastorais, Matisse pintou grupos de pessoas entregando-se a vários prazeres: música, dança, amor. E novamente o personagem principal é a cor. As figuras das pessoas são pintadas de forma descuidada e bidimensional, embora a composição em si seja construída de forma ordenada e harmoniosa.

O enredo em si não é tão novo quanto a maneira de escrever.

Agostinho Caracci, Amor mútuo, 1602

O contraste dessas duas obras revela o quanto mudou a percepção do artista. Tem-se a impressão de que Matisse está se entregando, flertando com o espectador. Sua alegria de viver não está tanto no enredo, mas na própria pintura: linhas, cores.

Matisse, por sua própria admissão, sonhava que a arte deveria ser como "uma boa espreguiçadeira". Mesmo quando o fauvismo permaneceu no passado, o artista continuou trabalhando com o mesmo princípio. A propósito, uma garota de Tomsk, Lydia Deliktorskaya, que permaneceu com ele até o fim de sua vida e depois apresentou várias pinturas (deixadas por Matisse para ela para uma velhice confortável) tornou-se sua musa, namorada e companheira para ele. Museu Pushkin e o Eremitério.

Vou me afastar um pouco: recentemente, a crítica de arte do início do século 20 que li me fez olhar um pouco diferente para as telas de Matisse. Além de avanços no campo técnico, essa época também foi de estagnação nas relações sociais. As formas habituais de vida são obsoletas. A imagem de um burguês bem alimentado de fraque, que era o principal cliente, farto do artista.

O desejo de quebrar tornou-se a principal força motriz. Os cubistas, é claro, incorporaram mais claramente esse princípio, literalmente desmoronando a aparência usual das coisas.

Mas outros artistas, como uma membrana captando o que está acontecendo, refletiam seu descontentamento na pintura. Mudaram tudo o que era familiar ao leigo, destruíram o mundinho pequeno-burguês em suas telas. Voluntária ou involuntariamente, o artista protestou contra as convenções que estavam se tornando obsoletas. Talvez os contrastes fauvistas não sejam uma afirmação da alegria de ser, mas o mesmo desafio à realidade?

Daí os rostos verdes das mulheres, um desenho descuidado/condicional. Deste ponto de vista, a pintura de Matisse "A Alegria da Vida" é bastante ironia ou sátira ao hedonismo da burguesia europeia, cujo prazer na vida se resume ao amor carnal, canções e danças. Um mundo de doces com figuras parecidas com doces justos. Mas este ponto de vista não é muito popular. Ainda mais frequentemente a obra de Matisse é interpretada como uma expressão da alegria e brilho do ser.

A arte como deleite para os olhos e para o coração é um princípio que esteve próximo não só de Matisse. E se ele teve que fazer um esforço para desenhar com facilidade infantil, então Henri Rousseau (1844-1910) o fez porque simplesmente não podia fazer diferente.

Henri Rousseau, autorretrato, 1890

Henri Rousseau é um funcionário da alfândega, um analfabeto que decidiu começar a pintar aos 40 anos sem receber nenhuma educação e formação profissional. Caseiro, não adepto de festas boêmias e distante da comunidade artística, tornou-se um dos artistas mais famosos do estilo primitivismo. Rousseau era simplório e ingênuo, talvez por isso seu trabalho tenha a simplicidade dos desenhos infantis. Claro, o público e a crítica a princípio riram do artista.

Henri Rousseau, Noite de Carnaval, 1886

O encanto da simplicidade e da infantilidade parecia ao então espectador uma banal incapacidade de desenhar, nada mais. No entanto, a falta de técnica de Rousseau é mais do que compensada pela clareza, característica, mais uma vez, da gravura japonesa. O artista iniciante foi muito ajudado pela absoluta imunidade à crítica, o que lhe permitiu continuar fazendo o que amava.

Henri Rousseau

É claro que suas obras não podem ser comparadas em execução com os mestres do passado ou contemporâneos talentosos. Rousseau levou outros. Seus enredos descomplicados fascinaram muitos do mundo artístico da época. Entre os admiradores estava, por exemplo, Picasso, dono frase famosa: "Eu posso desenhar como Raphael, mas vou levar uma vida inteira para aprender a desenhar como uma criança." Rousseau foi quem fez isso. Picasso até comprou sua pintura "Retrato de uma mulher", que, segundo o espanhol, simplesmente o fascinou.

Henri Rousseau, Retrato de uma mulher, 1895

A obra de Rousseau, por assim dizer, já tem um pé no surrealismo. Eles realmente fascinam não tanto com sua ingenuidade quanto com o subtexto, a ambiguidade, o alegorismo. É como aqueles momentos em filmes de terror quando os balanços em um playground vazio balançam um pouco, como se estivesse ao vento... Ou não? Rousseau deixa essa questão para o espectador.

A maneira de Rousseau era admirada não apenas por Pablo Picasso. Entre seus fãs estava também o escultor romeno Constantin Brancusi (Bryncusi) É verdade que, ao contrário de Rousseau, a comunidade artística de Paris o aceitou com um estrondo. Brancusi escolheu o papel de artista-plebeu: barba larga, tamancos e camisa de linho. Os materiais com os quais o escultor trabalhou foram combinados - madeira e pedra. O mármore não impressionou particularmente o mestre.

Brancusi foi por algum tempo um aprendiz na oficina de Rodin, mas suas abordagens ao trabalho acabaram sendo completamente diferentes.

Auguste Rodin, O Beijo, 1886

Constantin Brancusi, O Beijo, 1912

As imagens falam mais alto do que qualquer explicação. Brancusi acreditava que na escultura se poderia prescindir da modelagem preliminar, trabalhando diretamente com o material. Ele tentou preservar ao máximo a forma original da rocha, deixando sua textura. Sem curvas românticas, linhas simples, sem elementos decorativos, as esculturas de Brancusi são apreciadas justamente por sua simplicidade e originalidade de execução. No início do século XX, este foi mais um desafio à tradição.

Ele foi seguido por outros escultores primitivistas: Modigliani (sim, ele tentou-se na escultura, e com bastante sucesso), Giacometti, Hepworth ..

Amadeo Modigliani, Chefe, 1910

Giacometti, Homem que Anda 1, 1960

Barbara Hepworth, Single Form, 1964

Na Rússia, este é o escultor Vadim Sidur. Na minha opinião, muito legal.

Vadim Sidur

Vadim Sidur

Na Rússia, a propósito, um dos primeiros primitivistas na pintura foram Mikhail Larionov e Natalya Goncharova, que trabalharam na técnica "lubok". Este é um tipo de gráfico caracterizado pela simplicidade e um padrão plano. Goncharova foi inspirado por ícones russos. Em seus trabalhos, ela usou um elemento característico da pintura de ícones - sliders - linhas brancas verticais.

Mikhail Larionov, Vênus judaica, 1912

Natalia Goncharova, cortadores de grama, 1911

Como podemos ver, simplicidade, ordem e estrutura tornaram-se conceitos e objetivos fundamentais dos artistas, começando pelos pós-impressionistas. No entanto, essas aspirações aparentemente inofensivas também tinham potencial destrutivo. Afinal, qualquer desejo de encaixar o mundo em uma estrutura tem um lado negativo - a criação de um sistema rígido. E como a prática tem mostrado, as tentativas de subordinar todas as coisas vivas à lógica rígida subjetiva levam à morte e à destruição. Outros eventos do século 20 são uma vívida confirmação disso.

Continua)

E um pós-escrito.

Uma americana maravilhosa - Granny Moses - uma artista amadora, representante do primitivismo da segunda metade do século 20, simplesmente conquistou meu coração. Ela até me lembrou de alguma forma os holandeses com suas aconchegantes cenas domésticas da vida rural. Por exemplo:

Vovó Moses, início da primavera na fazenda, 1945

Pieter Brueghel, o Velho, Censo, 1566

P.S obrigado a todos que lêem e que estão interessados. Postei esse post atrasado - estava saindo - tive que fazer uma pausa)

10 de janeiro de 2016 marca o 109º aniversário do nascimento do famoso artista de Kuzbass Ivan Yegorovich Selivanov.

Ele foi chamado de Pirosmani siberiano e Van Gogh, e isso é, em muitos aspectos, uma verdadeira comparação. Por algum tempo, patronos, críticos de arte e admiradores se enrolaram em torno de ambos - no entanto, Pirosmani e Selivanov morreram sozinhos, ganhando fama póstuma.

Andou longo e duro

O famoso artista primitivo de Kuzbass Ivan Egorovich Selivanov nasceu em 10 de janeiro de 1907. “Nasci na província de Arkhangelsk, no distrito de Shenkur, no conselho da vila de Eden, na vila de Vasilyevskaya, em uma família pobre de camponeses pobres”, lembrou ele mesmo.

Mais tarde, ele escreveu: “Nasci de minha mãe Tatyana Egorovna não por muito dinheiro, não por uma vida luxuosa, mas apenas pela vida, como qualquer outra. criatura na natureza. Ele foi criado entre a classe pobre. Toda a minha vida, todo o meu trabalho foi em vão, mas por que - eu não sei. Existem realmente essas pessoas que vão engolir meu trabalho como um crocodilo ganancioso, ou jogá-lo fora? As gerações futuras não vão elogiar essas pessoas.”

“Meu pai morreu cedo, em 1912. Minha mãe deixou três filhos de meu pai: o irmão mais velho nasceu em 1904, eu, em 1907, e o mais novo, em 1912. Minha mãe e meu irmão Sergei e eu imediatamente após a morte de meu pai tivemos que ir buscar esmolas por causa de Jesus Cristo. Em 1922, fui para a aldeia vizinha de Ivanovsk para me tornar um pastor. Era impossível para nossa mãe e nós três irmãos morarmos em nossa aldeia, por falta de terra. Deixei minha terra natal - a vila em 1924 em 5 de fevereiro. Compartilhar e felicidade foi difícil para mim no lado estrangeiro, também havia mendicância ... "

Ivan Yegorovich em sua vida tentou muitas vários trabalhos. Trabalhou como ferreiro, serralheiro, foguista, fabricante de fogões, vigia, vivia duro e pobre. Ele dominou a arte do fogão com perfeição, colocando tantos fogões finos em sua consciência que ele poderia viver um século em honra e contentamento, mas sua alma estava esperando por algo, ele não podia sentar em um só lugar.

E então a vida ficou assim: por muitos anos ele vagou. Visitei muitas cidades. Ele foi para canteiros de obras em Murmansk, Arkhangelsk, Onega, Sverdlovsk, Zaporozhye. Aqui ele escolheu sua esposa Varvara Illarionovna para todo o caminho da vida. Junto com ela, partiu para Leningrado, onde foram apanhados pela Grande Guerra Patriótica. Foi de lá que Ivan Yegorovich foi evacuado para Kuzbass em 1941. Primeiro, ele mora em Novokuznetsk, Mundybash, trabalha como martelador, carregador, mecânico, gesseiro. Nunca pensei em arte, não havia tempo...

E em 1943 ele se mudou para Prokopyevsk.

Na cidade dos mineiros, decidiu estrada de ferro rastejante. Eles moravam na aldeia de Golubevka. E o lugar onde mais tarde, em 1951, Ivan Yegorovich construiu uma casa para si, chamava-se Marte. Exalava exotismo, romance, espaço. Não é à toa que Ivan Yegorovich sentava-se na varanda da casa nas noites de verão e olhava para as estrelas acima de sua cabeça.

Não imediatamente Selivanov teve a ideia de pintar. Em 1946, ele viu uma pintura em uma loja. O colorido do palheiro o surpreendeu, enervando sua alma. Em suas próprias palavras, “aconteceu uma revolução na vida, uma tempestade se ergueu em todo o organismo, como no mar”. Eu queria me desenhar.

E em seu primeiro desenho em sua vida, Selivanov retratou um pardal. A essa altura, ele tinha quase 40 anos. Então, já na idade adulta, ele começou a desenhar. Primeiro - a lápis, depois - dominou a pintura a óleo.

Amigos e parentes riram: “O que você achou, excêntrico, estudar aos quarenta anos! E o que? Alguma ninharia, desenho. A esposa também ficou indignada: “Seria melhor se ele colocasse o fogão!”. Mas nasci teimoso, o que pensei, de repente, e vou fazer ”, lembrou Selivanov sobre o início de seu trabalho. Como os especialistas consideram mais tarde, sua persistência é inerente ao próprio sobrenome: vem do nome masculino canônico Selivan (do latim silvanus - “deus das florestas”).

Tudo o que era visto, experimentado, exigia repensar, encarnação visível. Assim, aparentemente, nascem poetas, músicos, escritores, artistas. Uma centelha de talento brilha intensamente entre as pessoas talentosas, independentemente do tempo e da idade...

Por acaso, ele viu no jornal um anúncio para a admissão de artistas amadores na Universidade de Artes do Povo de Correspondência de Moscou em homenagem a N.K. Krupskaya (ZNUI). Ivan Yegorovich enviou documentos e um desenho de um pardal para a Universidade do Povo. E logo ele recebeu um aviso de inscrição, Yulia Ferapontovna Luzan foi nomeada como professora-consultora.

Ivan Yegorovich acabou sendo um estudante teimoso e promissor. Foi notado professores experientes, pintores. Eles fizeram de tudo para passar seus conhecimentos para ele.

“Comecei a estudar arte-criatividade em setembro de 1947. Estudei sem limites de tempo sob o pretexto do que vai acontecer e do que vai acontecer. Ainda desenho a pedido do meu professor Aksenov Yu.G. para ilustrações para livros didáticos e literatura, que tem um grande importância não só para a Correspondence University of the Arts, mas para todo o país, e não gaguejo meu salário para ninguém. Não combina com meu rosto. Mais cedo ou mais tarde, as pessoas entenderão meu inestimável - colossal trabalho ”, lembra I.E. Selivanov mais tarde.

Tornando-se um artista

Depois de entrar na ZNUI, a vida de Ivan Egorovich foi preenchida com novos conteúdos, criatividade alegre. “A arte não era um fim em si mesmo para ele, mas uma maneira de se desenvolver e responder à dor do mundo”, lembrou seu segundo professor, Yuri Grigorievich Aksyonov, que foi nomeado para ele após a morte de Yu.F. Luzan. De Yu.G. Aksenov, o artista consultou e correspondeu por 40 anos.

Os primeiros trabalhos de Selivanov foram desenhos coloridos com aquarela ou lápis de cor. No centro de sua obra está um objeto, um animal ou uma pessoa como fenômeno autossuficiente.

Os instrutores do curso que ensinaram Selivanov, é claro, adivinharam o enorme talento que espreitava seu aluno Prokopiev. Mas quando em 1956 ele lhes enviou o retrato de uma menina, até eles ficaram maravilhados. Foi o insight de Selivanov, sua "melhor hora".

Especialistas imediatamente chamaram a "menina" de "amadora Gioconda", vendo nela, de acordo com Yu.G. Aksyonova, "conto étnico de um artista sobre seu norte natal. Na coloração dourada e ensolarada desta obra, um olhar atento viu uma discreta paisagem setentrional, que permaneceu para sempre a memória mais preciosa do artista.”

Desde então, Ivan Yegorovich tem trabalhado muito: ele faz autorretratos, retratos, naturezas-mortas, paisagens, trabalhos animalescos, ele também retrata sua pobre economia: um gato, uma galinha, um galo.

Todas as obras - e já existem cerca de 400 delas - são imediatamente enviadas para Moscou: "para a posteridade, para as novas gerações", muitas de suas obras estão guardadas na capital até hoje. Foi Moscou que "descobriu" Selivanov. Filmes sobre ele, exposições - tudo foi concebido e organizado aqui. Autoridades locais e representantes da "inteligência criativa", "profissionais" não reconheceram o artista.

Selivanov recusou-se a vender suas obras. Durante sua vida, apenas duas pinturas foram vendidas: "Auto-retrato" - em Suzdal, e um dos dois retratos do diretor M.S. Litvyakov - para o Museu de Arte Popular da União. Ivan Yegorovich não concorda mais em vender suas obras, ele se esforça para garantir que elas estejam todas em um só lugar (em Moscou).

Ivan Yegorovich costumava realizar suas obras com base em impressões de filmes. Foi assim que ele criou cerca de 50 obras, e as obras que ele doou ao Museu de Belas Artes de Novokuznetsk em 1978 foram feitas de acordo com as impressões do cinema: Spartak, Anka the Machine Gunner, Pavka Korchagin.

Em seus desenhos "Napoleão", "Lomonosov", "Copernicus", "Robespierre" impressiona-se por uma estrita semelhança com a imagem original e algum tipo de facilidade ingênua de manuseio. Como uma releitura de um texto clássico em suas próprias palavras. O desenho "Spartacus" o artista pintou sem ler o romance de Giovagnoli. Como observam os especialistas, "ele a escreveu simultaneamente com a clareza antiga, a inocência e a gentileza eslavas".

As obras de Ivan Yegorovich foram recomendadas para exibição em grandes exibições de arte. Eles recebem as críticas mais elogiosas. O artista Robert Falk, ao ver sua “Garota”, colocou brevemente: “Cuide-se”, significando tanto a imagem quanto o autor. E o historiador de arte Mikhail Alpatov escreveu na revista Creativity: “E podemos nos orgulhar de artistas amadores. Entre eles estão aqueles que podem ser colocados ao lado de Niko Pirosmani e Henri Rousseau, que merecidamente ocuparam seus lugares nos museus de arte”.

Pinturas de Ivan Yegorovich foram exibidas em muitas cidades do nosso país e no exterior: em Paris, Londres, Praga, Berlim, Bonn, Budapeste, Montreal, Nova York. Académico de pintura Georgy Nissky e artista americano Anton Refregier.

Mas o próprio Ivan Yegorovich por muito tempo não sabia de sua grande popularidade e fama, embora de vez em quando fosse cordialmente parabenizado e informado sobre as críticas que artistas e críticos fazem sobre seu trabalho. Ele não era vaidoso. Ele foi oferecido para vender uma das obras no exterior por muito dinheiro, mas ele recusou categoricamente: "Tudo o que foi feito pertence apenas à minha Rússia soviética". E, no entanto, glória é glória. Ele sentiu satisfação, uma onda de força mental e física, inspiração e alegria.

Em 1969, o famoso documentarista Mikhail Litvyakov fez o filme "Povo da Terra de Kuznetsk", um dos contos dedicado a Ivan Selivanov. E em 1984 saiu Longa metragem dirigido por Viktor Prokhorov "Seraphim Polubes e outros habitantes da Terra", que foi baseado na biografia de Selivanov, suas obras foram mostradas. O filme conta a história de um artista autodidata da aldeia, o chamado pintor "ingênuo". A atenção do público foi literalmente rebitada pelos quadros em que as obras do artista foram mostradas. Cão. Vaca. Galo. A menina está alimentando as galinhas. Gato. Auto-retrato. As pinturas surpreendem pela pureza do olhar da criança atônita e pela maturidade da caligrafia do mestre.

A propósito, quando a estreia deste filme foi no cinema central de Prokopyevsk, ninguém prestou atenção ao velho, que foi trazido por dois professores. Assim, a estréia do filme ocorreu para o próprio Selivanov.

Um dos lugares centrais na obra de Ivan Egorovich Selivanov é ocupado por animais e pássaros. O talento natural do artista revelou ao público "Menina com galinhas", "Leão na floresta", "Paisagem com lobo", "Puma", "Cão", "Família do galo", "Cervo", "Gato" , "Paisagem. (Vacas)." Ele os retrata com muita imaginação, com cuidado, amor, dotando-os de astúcia, inocência, como se humanizasse suas imagens: os olhos grandes, pensativos e tristes de “Selivanov” nos olham a partir dos desenhos do artista de um cachorro, uma vaca e um pássaro.

Embora relações oficiais com a universidade popular encerrada, Selivanov envia suas pinturas para lá há quase quatro décadas. Ele enviou Yu.G. Aksyonov um grande número de parábolas e entradas de diário, chamando-os de "rabisco para o desenvolvimento de um sistema cerebral pessoal". Esses são sentimentos incrivelmente nus e “desajeitados” na linguagem dos pensamentos queridos de Selivanov sobre a vida, o trabalho e a arte.

Aqui estão alguns deles: “Eu amo muito os animais. Eu posso desenhar quem você quiser de memória. A natureza nos dá um clima, uma sensação de beleza. Sem isso, não pode haver artista”.

O artista acompanhou a paisagem “Minha Pátria, Minha Casa” com as seguintes palavras: “Eu te amo, terra russa, depois da escuridão da noite, quando o sol nasce. Tudo respira, tudo ri, olha nos olhos. Seu coração se alegra, sua alma dança. Como você é bom, terra russa, minha pátria!

Confissão

NO os melhores trabalhos ah ie Selivanova - e estes são principalmente retratos - mostrou o dom de uma compreensão viva da natureza. Em vinte anos ele fez quarenta retratos de sua esposa. Nos retratos, Selivanov consegue transmitir a "penetração" do olhar. Este olhar é como ícones antigos, não deixa o espectador, o "conduz", não importa para onde ele olhe na foto. Um dos melhores trabalhos de Selivanov costuma ser impressionante - seu "Auto-Retrato". Um velho barbudo que conhece seu próprio valor, uma espécie de sábio feiticeiro do folclore russo, portador de verdades eternas, um andarilho encantado que busca a verdade, olha para o espectador quase à queima-roupa com olhos brilhantes. O próprio Ivan Yegorovich na vida é uma pequena estatura, com olhos azuis celestiais, uma pessoa completamente terrena com suas preocupações práticas, paixões e ambições.

Quando sua esposa, Varvara Illarionovna, que compartilhava dificuldades e alegrias com ele, morreu, a casa em Marte ficou em silêncio. SUL. Aksyonov lembra que “em meados da década de 1970, Ivan Yegorovich de repente ficou em silêncio: não havia pacotes com obras, nem cartas dele. Preocupado, aconteceu alguma coisa? E de repente, um ano depois, surge uma foto: o gato de Selivanov, Vasya, está sentado na neve com olhos tristes. Ficou claro: um infortúnio havia acontecido. A sombra azul do gato com seu azul penetrante arrepiou as almas da platéia, enfatizando o abandono da figura encolhida. Os olhos do gato pareciam gritar: "Por que todos vocês se esqueceram de mim, coitado?" Este é um sentimento de terrível solidão, quando lhe parece que em todo o Universo, escuro e sem forma, só você existe. Para Ivan Yegorovich, este foi um ano de depressão severa.

Em 1985, Ivan Yegorovich entrou na casa de repouso de Insk para idosos e deficientes, localizada às margens do reservatório de Belovsky, perto da cidade de Belovo. Ele recebia apoio do Estado, recebendo, como dizia, um salário-pensão. Duas salas foram alocadas para ele, uma delas para uma oficina. Ele passava todas as horas do dia no cavalete. Ele evocou aqueles ao seu redor vários sentimentos. A personalidade é misteriosa e significativa para os residentes do internato, incomum. Em torno de seu nome começaram a nascer lendas, às vezes absurdas. Pessoas invejosas enegreceram seu trabalho, comparando-o com o iso-hack do bazar, falando com desprezo sobre sua vida fora das paredes desta casa.

Em Kuzbass, Ivan Selivanov abriu ao público em geral apenas em 1986. Então, após o artigo de Vladimir Dolmatov no jornal "Rússia Soviética" "Gato azul na neve branca", o nome de Ivan Yegorovich foi ouvido em quase todo o país. No mesmo ano, duas exposições pessoais do artista foram realizadas uma após a outra em Kemerovo e Novokuznetsk.

Dizer que o público ficou chocado é dizer muito pouco. Antes que o público abriu o nosso bem conhecido para nós e ao mesmo tempo uma realidade completamente nova. Novo Universo. A platéia andou e, chocada, torturou uns aos outros, por que o coração dói ao ver um macaco triste, e o que fascina a “Família do Galo”? O próprio Ivan Yegorovich, pequeno e despretensioso, em botas de lona novas, e ele reconheceu apenas botas de feltro e botas de lona, ​​uma jaqueta e boné incomuns, não explicavam nada. Ele olhou com sabedoria e astúcia, como se não estivesse envolvido na excitação que explodiu ao seu redor. E só quando ele estava ao lado de seus autorretratos, ficou claro - era tudo dele. Neles, Selivanov sempre se retratou como poderoso, cheio de força interior. Havia poder mais do que suficiente nele.

E isso apesar do fato de seu talento nos círculos de especialistas ser reconhecido há muito tempo como um tesouro nacional. Em carta a I. E. Selivanov Membro Correspondente da Academia de Artes S.M. Nikireev escreve: “Para mim, você é um artista de talento enorme e raro, que a terra russa raramente dá à luz. Você é um talento incrível. Desejo que você seja saudável e confiante de que é uma pepita de peso e brilho extraordinários.

A última exposição vitalícia de I.E. Selivanova aconteceu em 1987 - o ano do 80º aniversário do artista. Ivan Yegorovich cumpriu seu 80º aniversário com um famoso artista amador Federação Russa. No território do internato Insk, ele escreveu seu últimas pinturas: "Auto-retrato" e "Retrato de mãe".

Foi Yuri Grigoryevich Aksyonov quem sugeriu que ele pintasse um retrato de sua mãe. Ivan Yegorovich pensou seriamente sobre isso e começou a lembrar que tipo de mãe permanecia em sua memória. Ele não a via desde os vinte anos, ela morreu em 1937. E agora o rosto de um verdadeiro nortista da vila de Vasilyevsky, distrito de Shenkursky, província de Arkhangelsk, aparece na foto. Olhos claros, cabelos claros e exuberantes, habitualmente presos em um coque, um simples rosto russo. Uma camponesa, cujas mãos fiavam, teciam, amassavam a massa, cultivavam um pedacinho de terra. Uma mulher de destino amargo, deixada sem marido com três filhos e forçada a enviá-los, crescidos, arrancando-os do coração, "para as pessoas". Suprema simplicidade, até santidade neste rosto. Você teve que viver tanto tempo e vida difícil, que Ivan Yegorovich viveu para compreender a imagem da mãe e ver em seus traços nativos um vislumbre do eterno.

... Ivan Yegorovich morreu em 1 de março de 1988 sozinho. Ele foi enterrado na vila de Inskoy, distrito de Belovsky, região de Kemerovo, no cemitério local. Ele não viveu apenas cinco dias antes do dia em que exibiram um documentário sobre sua vida, no qual considerou "santidade trabalhar até os últimos dias de sua vida".

Amigos e admiradores o deixaram, filosofando sobre cada centímetro de sua pintura, sobre cada palavra que ele escreveu. Mas I. E. Selivanov deixou-nos uma palavra profética: "Uma pessoa vive enquanto goza a vida". Deixou escritos-contos incompletamente avaliados, a história que começara sobre dois meninos de Arkhangelsk.

Seu nome está incluído na "World Encyclopedia of Naive Art", que foi publicada no Reino Unido. Seu trabalho recebeu três Grandes Prêmios em Exposições internacionais em Paris. Por quatro décadas de atividade criativa, o artista I.E. Selivanov deixou centenas de pinturas e esboços. Alguns deles são mantidos no Museu Prokopyevsk do Conhecimento Local.

Em 1990, a editora "Jovem Guarda" publicou um livro de I.E. Selivanova e N. G. Kataeva "E havia vida ...". O livro contém reproduções de pinturas do artista e seus diários. Neles, ele falou sobre a tragédia, a dor e a beleza da vida russa.

... Tanto o artista georgiano Pirosmani quanto Selivanov, em primeiro lugar, têm o mesmo destino. Ambos sabiam sobre seu grande dom. Ambos eram sem-teto e pobres. Por algum tempo, patronos, críticos de arte e admiradores rodearam ambos. No entanto, tanto Pirosmani quanto Selivanov morreram sozinhos, ganhando fama após a morte. A imagem da Rússia de Ivan Selivanov é paciência e vontade, sofrimento, força e auto-sacrifício. Trabalho extremamente contido, rigoroso, intenso. Ele era o mesmo em palavras. E lá, e aqui - poder ascético e absoluta simplicidade de expressão.

O sol da glória nem sempre ilumina os artistas originais do povo. Portanto, é tão desejável que este nome simples, gentil, honesto e nobre - Ivan Yegorovich Selivanov, mais de uma vez glorificado Arte folclórica em exposições em nosso país e no exterior, não foi esquecido. Porque o trabalho deste artista do povo é nosso riqueza nacional que precisa ser preservado.

Baseado em materiaisInternet

Em suas obras vive a severidade e a espiritualidade do norte russo - sua pátria. Outra característica distintiva de Selivanov é sua filosofia peculiar, refletida nas anotações do diário que o artista manteve por muitos anos.

estilo colorido vivo discurso popular, imagens vívidas de memórias e sonhos, declarações aforísticas - tudo isso torna a herança do diário de Selivanov não menos valiosa do que suas obras de arte.

“Você não pode descobrir por si mesmo sem a ajuda de outros. Talvez seja uma peculiaridade? Poder diabólico em meu cérebro? .. ”- essas palavras de Selivanov poderiam ser colocadas como epígrafe para todo o estudo da arte ingênua.

Criatividade I.E. Selivanova, descoberta pelos moscovitas em exposições nos chamados clubes da intelectualidade criativa - TsDRI, TsDL, Conselho do Sindicato dos Artistas do Gogol Boulevard - foi percebida como uma lufada de ar fresco, como prova de que a arte popular ainda está viva, apesar dos anos de exploração e perversão do Estado.

Foi com o trabalho de Selivanov e vários outros artistas originais “descobertos” naqueles anos que começou uma onda de entusiasmo geral pela arte ingênua, que atingiu seu auge na década de 1970.

O primeiro professor de Selivanov na Universidade de Artes do Povo por Correspondência de Moscou em homenagem a N.K. Krupskaya (ZNUI) Yulia Ferapontovna Luzan, em 1947, teve uma ideia feliz: pedir a um aluno que desenhasse animais de frente e de perfil. Os personagens de seus desenhos nesse período eram uma vaca, um cachorro, um gato, um galo, eram verdadeiros amigos e “interlocutores” do artista até o fim de sua vida.

Mais tarde, quando Yu.G. Aksenov, as obras de Selivanov apareceram elefante, leão, corça. O artista recorreu a Aksenov com um pedido para ajudar a "compreender palavras incompreensíveis em toda a literatura... Escrever, como prometido, o que é arte não-objetiva, estética, dogmática... Estou enviando quatrocentas palavras no total".

Ivan Selivanov e o mundo cultural com o qual entrou em contato falavam línguas diferentes. Ele estudou cuidadosamente o álbum "Russian Portrait", mas isso não teve efeito em seus próprios retratos.

Nenhum dos vizinhos quis posar para o artista. Ele retratou sua esposa, professores, heróis de filmes populares - Spartacus, Cleópatra. Os mais significativos são seus autorretratos. Selivanov tinha a aparência característica de um camponês russo - uma barba espessa, um chapéu de cabelo grosso cortado "sob a panela", olhar penetrante com astúcia.

Ele atraiu a atenção de jornalistas de TV, cineastas, eles escreveram sobre ele na imprensa local e central. Mas ainda assim, o círculo de pessoas que se comunicavam diretamente com o artista não possuía um nível educacional suficientemente alto para interpretar adequadamente sua arte.

Seu trabalho até hoje não foi descrito em detalhes na linguagem Ciência moderna. Um filósofo camponês original, um estranho no mundo do "socialismo desenvolvido", Ivan Yegorovich Selivanov projetou em seu trabalho imagens de uma ordem mundial harmoniosa - uma casa com jardim, amigos, professores, heróis e todas as criaturas de Deus.

Exposições pessoais de I.E. Selivanova:

Casa Central dos Escritores, Moscou, 1971;

Em homenagem ao 70º aniversário do I.E. Selivanova, Moscou, 1977; Em homenagem ao 80º aniversário do I.E. Selivanova, Museu de Belas Artes, Região de Kemerovo, 1986;

Museu de Belas Artes de Novokuznetsk, 1986;

Sala Central de Exposições da filial de Moscou da União dos Artistas da RSFSR, Moscou, 1987.

Exposições com a participação de obras do artista:

Exposição de obras de artistas amadores, alunos de cursos ensino à distância TsDNT eles. N.K. Krupskaya, Casa Central das Artes, Moscou, 1965;

Exposição de obras de artistas amadores em toda a Rússia, Moscou, 1960;

Exposições de artistas amadores em Moscou: 1967, 1970, 1974, 1977, 1985;

Exposição "100 obras de artistas originais", Moscou, Salão da União dos Artistas no Gogol Boulevard, 1971;

Exposição de aniversário de obras de alunos da Faculdade de Belas Artes em homenagem aos 50 anos da ZNUA no Centro Hall de exibição União de Artistas da RSFSR em Podolsk, 1983-1984;

Naifs sovietiques (França), 1988;

Exposição de toda a Rússia de obras de artistas amadores em homenagem ao 40º aniversário da Vitória do povo soviético na Grande Guerra Patriótica, Museu de Arte Popular de Toda a Rússia, Moscou, 1985;

"Sonho Dourado", 1992;

Maçãs do Paraíso, 2000;

"Festnaiv-04".

Coleções de pinturas de I.E. Selivanova são armazenados:

Casa Estadual de Arte Popular;

Museu-Reserva Vladimir-Suzdal;

Museu "Tsaritsyno", Moscou.

Filmografia:

"Povo da terra de Kuznetsk", dir. M. Litvyakov, Estúdio de Cinema Documentário de Leningrado, 1969;

“Eles desenham desde a infância”, dir. K. Revenko, Televisão Central, filme para TV, 1979;

"Kuzbass Pirosmanashvili", Kemerovo Television Studio, 1981;

"Serafins Polubes e Outros Habitantes da Terra" (filme, onde foram utilizadas as obras de Selivanov), dir. V. Prokhorov, Mosfilm, 1984;

Gato azul na neve branca, dir. V. Lovkova, TSSDF, 1987.

Literatura:

Shkarovskaya N. Folk arte amadora. L., 1975;

Enciclopédia Mundial de Arte Naive. Londres, 1984. P. 529;

Ivan Selivanov - pintor. Ensaios sobre o artista. Kemerovo, 1988;

Selivanov I.E., Kataeva N.G. E havia vida... M., 1990;

Exposição de obras de artistas amadores, alunos de cursos a distância TsDNT-los. N.K. Krupskaya, Casa Central das Artes, Moscou, 1965.

Catálogo de artigos na mídia impressa:

Alpatov M. Direta e sinceramente // Criatividade. 1966. Nº 10;

Gerchuk Yu. Os primitivos são primitivos? // Criação. 1972. Nº 2;

Baldina O. Segunda chamada. M., 1983;

Aksenov Y. Veja com seus próprios olhos // Artista. 1986. Nº 9;

Shkarovskaya N. Atração de amor à natureza // Ogonyok. 1987. Nº 36;

Amador arte// Criatividade artística amadora: Ensaios sobre a história dos anos 1960-1990. SPb., 1999.

UM ARTISTA MENDIGO - É DESTINO?! ALGUNS FATOS DA VIDA DE IVAN SELIVANOV

O nome do prokopchanin Ivan Selivanov está incluído na Enciclopédia da Arte Naive, publicada na Grã-Bretanha. No exterior, Ivan Yegorovich foi chamado de russo Pirosmani e Van Gogh, ele entrou no top ten artistas ingênuos Rússia.

Suas obras foram levadas para Londres e Nova York, vendidas ilegalmente e ele viveu na pobreza. Por 45 anos, Selivanov escreveu centenas de pinturas e esboços, mas seus diários com suas próprias visões filosóficas não são menos interessantes. O museu de história local de Prokopievsk tem uma pequena coleção de suas obras, cerca de cem - em Moscou, na Casa Estatal Russa de Arte Popular.

Estou mentalmente doente... Por que me encontrei em tais condições? Cada baba baba se livra de mim! Afeta todo o corpo, o sistema cerebral ... Esta é uma citação do filme “Ivan Selivanov. Fragmentos da Vida"

No Hospital Central da Cidade. Gogol Salon "Artista" realizou uma noite em memória de Ivan Selivanov. O site da biblioteca tem livro eletronico dedicado a um artista original de Prokopevsk. Inclui artigos sobre Selivanov, fotografias inéditas e reproduções de pinturas. Há 20 anos, a historiadora de arte Galina Stepanovna Ivanova vem coletando pouco a pouco o material para o livro.

Em abril de 1986, o artista foi convidado para o cineclube "Diálogo", visitou o Museu Dostoiévski e a fortaleza de Kuznetsk. Na oficina de Vitaly Karmanov, para onde foi levado, ficou surpreso que um artista pudesse ter tantos tubos de tinta.

Admiradores do trabalho de Selivanov guardaram os cartazes de sua exposição individual, que aconteceu em 22 de outubro de 1986 no Museu de Arte de Novokuznetsk.

Selivanov passou seus últimos anos em uma casa de repouso para idosos e deficientes na aldeia. Inskoy. Ele experimentou sua posição de não-liberdade, se autodenominando uma pessoa burocrática que, por causa de uma desordem da alma, não pode trabalhar.

- Estou mentalmente doente... Por que me encontrei em tais condições? Cada baba baba se livra de mim! Afeta todo o corpo, o sistema cerebral…

Ele não viveu muito tempo em sua própria casa, para onde foi transferido um ano antes de sua morte. Em 5 de março de 1988, Selivanov foi enterrado.

Em uma de suas visitas a Selivanov, Galina Ivanova (a pedido do artista) trouxe a Ivan Yegorovich um prato e uma frigideira. Então descobriu-se que ele usou este prato em vez de uma paleta.
Ele cobriu a frigideira com um jornal, colocou uma caneca de solvente e só então começou a escrever. Nos últimos anos, trabalhou em óleos.

Em Novokuznetsk, o Teatro Lenkom fez uma turnê, e os atores Nikolai Karachentsov e Oleg Yankovsky vieram ao nosso estúdio (gabinete de fotografia de filmes KMK). Literalmente no dia anterior, um conhecedor de pintura e colecionador Yankovsky visitou Selivanov para uma visita, sem suspeitar da disposição excêntrica do proprietário.

Eu sou um famoso ator Oleg Yankovsky, - começou no limiar de Lenkom.

O ator popular não teve escolha a não ser seguir o conselho do velho. Ele viu as obras do artista de pepitas mais tarde - no documentário de S. Shakuro e V. Skoda. Nikolai Karachentsov olhou com admiração genuína para um pequeno (altura 154 cm!), camponês barbudo, todos ficaram surpresos:

Que personagem completo!

No dia seguinte, Nikolai Petrovich trouxe toda a trupe para a exibição...

Quando você lê seus pensamentos, você pensa que este é um verdadeiro filósofo:

“Uma pessoa não nasce sozinha, ela vem a este mundo por algum motivo desconhecido e está conectada com todas as coisas vivas.
Se uma pessoa é honesta sobre seu trabalho e seus companheiros, então ela cumpre a lei do trabalho social justo.

"Para passar o dia com verdade verdadeira na terra, você tem que trabalhar duro de manhã à noite em si mesmo. Para que o coração e a alma em sua pureza sejam iguais ao âmbar ou aos raios do sol.

“Considero uma benção ser independente dos outros, comer pão de centeio com batatas em uniforme descascado e um pouco de sal, misturado com água. Que fique desconfortável e sujo na minha cabana, não importa. Pela importância, vou considerá-lo quente no inverno em minha cabana. Há muitos velhos como eu, moças e velhas por toda a crosta terrestre.

IVAN SELIVANOV: VIDA E DESTINO

« Eu nasci por minha mãe... não por muito dinheiro, não por uma vida luxuosa, mas apenas pela vida, como qualquer criatura viva na natureza". Assim pensou e escreveu o herói do nosso artigo, um artista e pensador russo único, Ivan Yegorovich Selivanov (1907-1988).

Não, oficialmente ele não era um "artista do povo" - ele não recebeu nenhum título acadêmico e regalia do estado. Mas ele era um verdadeiro "artista do povo" da era soviética. Junto com Niko Pirosmani e Efim Chestnyakov, ele é propriedade da humanidade. E seus diários, em termos de conteúdo e profundidade, podem ser chamados de reais Sabedoria popular… Vamos falar hoje sobre ele, seu destino e pensamentos.

Este artigo não é um esboço biográfico, não nos propusemos a cobrir pelo menos um pouco a trajetória de vida de Ivan Selivanov, mas ainda não podemos prescindir de uma breve introdução. Aqui está o que a historiadora local, pesquisadora de sua vida e obra Nina Grigoryevna Kataeva escreve:

« O artista me encontrou em uma casa construída no território de um internato para veteranos do trabalho na vila de Inskoy, distrito de Belovsky, região de Kemerovo. A casa foi construída de acordo com o tipo de cabana em que Selivanov viveu por trinta e quatro anos. A velhice, a enfermidade e a solidão obrigaram-nos a separar-nos dela, e depois de um ano de triste existência no conforto de um quarto de asilo velho pintor finalmente senti o cuidado dos líderes locais comigo».

O professor de Selivanov, este artista original, um fabricante de fogões da aldeia, Yuri Grigorievich Aksyonov, da Universidade de Artes do Povo por Correspondência de Moscou, falou dele assim: “A única coisa que o salvou da vida foi do campo. Todo o resto era." E o resto? Aliás, tudo. Acusações injustas, fome, frio, pobreza, solidão, vagar sem trabalho. Mas, talvez, foi graças a tal destino que o artista conseguiu permanecer cristalino até seu último suspiro.

Um crítico de arte da Polônia, tendo ouvido em uma noite de cinema em Moscou, no Ministério da Cultura da RSFSR, que um abrigo digno ainda não havia sido encontrado para a herança de Selivanov, exclamou surpreso:

- Sim, se encontrássemos um artista como seu Ivan Yegorovich, daríamos a ele o melhor museu de Varsóvia!

Bem, os poloneses, talvez, teriam dado. Não há profeta em seu próprio país.

A solidão de um corredor de longa distância

O próprio Selivanov tratou as vicissitudes do destino não tanto estoicamente, mas humildemente, como uma inevitabilidade. Ele não se considerava um artista em tudo.

- Eu sou um homem que pinta quadros entre as tarefas domésticas, ele disse. E ele se referiu repetidamente a Leo Tolstoy, que, quando perguntado por que ele tinha condes e príncipes sólidos em seus personagens, respondeu:

"Porque eles podem controlar a história."

Selivanov também acreditava que os pobres não poderiam influenciar o curso dos eventos históricos. E quando tentaram convencê-lo, dizendo: “Você é um criador e não pode deixar de influenciar o curso da vida!”, - repetiu o seu: "Não, eu sou um mendigo".

E fez o mesmo com o dinheiro. Quando o fraudador o atraiu para fora de tudo o que conseguiu para as exposições, ele apenas deu de ombros: “Bem, ela parece precisar de mais…”.

Ivan Yegorovich deixou para trás muitos cadernos de diário - aqui e " Sonhos proféticos artista”, e “Onde está você, felicidade?”, E “Contos e parábolas” ... E ele considerou esse caderno especialmente significativo para ele, com o qual agora vamos nos familiarizar parcialmente.

"Afeta a todos"

É assim que - "Afeta a todos" - Selivanov intitulou um de seus cadernos de diário. E não em vão, é claro - era sobre muitas coisas importantes. Por exemplo, sobre o inútil, em sua opinião, sistema soviético de educação e educação (“Nem sei qual das pessoas alfabetizadas pode assumir a importante tarefa de educar uma pessoa. Enquanto todos olham para esse assunto com frieza, isso não diz respeito a ninguém. . Não é por isso que há tantos buracos no nosso estado? E há todos os tipos de "camadas", e aqueles que gozam de privilégios na vida?").

E Selivanov escreve sobre escritores corruptos e sobre o trabalho como base da vida e sobre Moscou, que sofreu tanto, mas permaneceu Moscou ... Selivanov escreve muito sobre o amor.

« Eu não traí minha esposa Varenka. Trair sua esposa significa o mesmo que trair sua pátria. Eu desprezo tais homens sempre e em todos os lugares. NO tempo de guerra aqueles que traíram sua pátria foram colocados contra a parede. E por traição, que bala merece um marido?».

Selivanov chama a si mesmo "o capitão que perdeu o controle do navio". Mas ele orgulhosamente escreve que “serve o povo por comida modesta, por um pedaço de pão”.

Delineando seus pensamentos sobre a moral, ele reflete dolorosamente sobre questões eternas, sobre os principais mistérios do ser, sobre o que vem de Immanuel Kant, - “ o céu estrelado acima de nós e a lei moral dentro de nós". Ivan Yegorovich, é claro, não se refere a Kant, mas seu “céu estrelado” de Selivanov é uma natureza infinitamente mutável que recompensa as pessoas de diferentes maneiras: a quem "o instinto de roubar", e para quem "para boas ações."

Seu registro de diário de 1982 é muito característico: “ Vá para o banco alto íngreme. O horizonte se expandirá diante de você. Você vai admirar o que vê. No momento de sua reflexão, uma enorme massa de pessoas aparecerá por trás do horizonte - as pessoas. Essas pessoas estão algemadas e mal se movem. Onde? E o sistema harmonioso de seus pensamentos perderia imediatamente o equilíbrio a pedido de seu coração. Você pensaria - o que é isso? Para onde ir, para onde correr? De uma massa tão grande de pessoas algemadas? Há tantas pessoas neste mar humano... Por que eles estão acorrentados em grilhões de ferro? Eu pediria a cada um deles de coração ... Sim, você não pode infringir a lei, você não pode abordá-los».

Poucos entre outros

Assim ele era, Ivan Yegorovich Selivanov, um artista, poeta e sábio. As pessoas que o conheciam às vezes ficavam maravilhadas - uma educação muito modesta e um discurso cheio de dignidade! Por exemplo, Selivanov disse: Rembrandt é um fenômeno excepcional, existem poucos artistas como Rembrandt no mundo. Talvez dez pessoas. Ao contrário do resto, eles têm uma expressão da realidade". Mas essas palavras também podem ser atribuídas ao próprio Ivan Yegorovich. Existem poucas pessoas como ele no mundo...

Andrey Bystrov,

) em suas expressivas obras arrebatadoras conseguiu preservar a transparência da neblina, a leveza da vela, o balanço suave do navio nas ondas.

Suas pinturas surpreendem pela profundidade, volume, saturação, e a textura é tal que é impossível tirar os olhos delas.

Simplicidade quente Valentina Gubareva

Artista primitivo de Minsk Valentin Gubarev não perseguindo a fama e apenas fazendo o que ama. Seu trabalho é incrivelmente popular no exterior, mas quase desconhecido para seus compatriotas. Em meados dos anos 90, o francês se apaixonou por seus esboços cotidianos e assinou um contrato com o artista por 16 anos. As pinturas, que, ao que parece, deveriam ser compreensíveis apenas para nós, os portadores do "encanto modesto do socialismo subdesenvolvido", foram apreciadas pelo público europeu, e as exposições começaram na Suíça, Alemanha, Grã-Bretanha e outros países.

Realismo sensual de Sergei Marshennikov

Sergei Marshennikov tem 41 anos. Ele vive em São Petersburgo e cria nas melhores tradições da escola clássica russa de pintura de retrato. As heroínas de suas pinturas são ternas e indefesas em suas mulheres seminuas. Muitas das pinturas mais famosas retratam a musa e esposa do artista, Natalia.

O mundo míope de Philip Barlow

NO era moderna imagens de alta resolução e a ascensão do hiper-realismo, o trabalho de Philip Barlow atrai imediatamente a atenção. No entanto, é necessário um certo esforço do espectador para se forçar a olhar as silhuetas borradas e os pontos brilhantes nas telas do autor. Provavelmente, é assim que as pessoas que sofrem de miopia veem o mundo sem óculos e lentes de contato.

Coelhinhos ensolarados de Laurent Parcelier

A pintura de Laurent Parcelier é mundo maravilhoso em que não há tristeza nem desânimo. Você não encontrará nele imagens sombrias e chuvosas. Em suas telas há muita luz, ar e cores brilhantes, que o artista aplica com traços característicos reconhecíveis. Isso cria a sensação de que as pinturas são tecidas a partir de milhares de raios de sol.

Dinâmica urbana nas obras de Jeremy Mann

Óleo sobre painéis de madeira do artista americano Jeremy Mann pinta retratos dinâmicos de uma metrópole moderna. “Formas abstratas, linhas, contraste de pontos claros e escuros – tudo cria uma imagem que evoca a sensação que uma pessoa experimenta na multidão e agitação da cidade, mas também pode expressar a calma que vem da contemplação da beleza tranquila”, diz o artista.

O mundo ilusório de Neil Simon

Nas pinturas do artista britânico Neil Simone (Neil Simone) nem tudo é o que parece à primeira vista. “Para mim, o mundo ao meu redor é uma série de formas, sombras e limites frágeis e em constante mudança”, diz Simon. E em suas pinturas tudo é realmente ilusório e interligado. As fronteiras são lavadas e as histórias fluem umas para as outras.

O drama amoroso de Joseph Lorasso

O artista americano contemporâneo nascido na Itália Joseph Lorusso transfere para a tela as cenas que viu na vida cotidiana pessoas comuns. Abraços e beijos, impulsos apaixonados, momentos de ternura e desejo preenchem suas imagens emocionais.

Vida na aldeia de Dmitry Levin

Dmitry Levin é um mestre reconhecido da paisagem russa, que se estabeleceu como um talentoso representante da escola realista russa. A fonte mais importante de sua arte é seu apego à natureza, que ele ama com ternura e paixão e da qual se sente parte.

Bright East Valery Blokhin