"Jogadores de cartas"

Autor

Paul Cézanne

País França
Anos de vida 1839–1906
Estilo pós-impressionismo

O artista nasceu no sul da França na pequena cidade de Aix-en-Provence, mas começou a pintar em Paris. O verdadeiro sucesso veio a ele depois de uma exposição individual organizada pelo colecionador Ambroise Vollard. Em 1886, 20 anos antes de sua partida, mudou-se para os arredores de sua cidade natal. Jovens artistas chamavam as viagens a ele de "uma peregrinação a Aix".

130x97cm
1895
preço
US$ 250 milhões
vendido em 2012
em leilão privado

O trabalho de Cezanne é fácil de entender. A única regra do artista era a transferência direta do assunto ou enredo para a tela, para que suas pinturas não causem perplexidade ao espectador. Cézanne combinou em sua arte duas principais tradições francesas: classicismo e romantismo. Com a ajuda da textura colorida, ele deu à forma dos objetos uma plasticidade incrível.

Uma série de cinco pinturas "Card Players" foi escrita em 1890-1895. O enredo é o mesmo - várias pessoas estão jogando poker com entusiasmo. As obras diferem apenas no número de jogadores e no tamanho da tela.

Quatro pinturas são mantidas em museus da Europa e da América (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation e Courtauld Institute of Art), e a quinta, até recentemente, era um adorno da coleção particular do O armador bilionário grego George Embirikos. Pouco antes de sua morte, no inverno de 2011, ele decidiu colocá-lo à venda. Os potenciais compradores do trabalho "gratuito" de Cézanne foram o negociante de arte William Aquavella e o dono da galeria mundialmente famoso Larry Gagosian, que ofereceu cerca de US$ 220 milhões por ele. Como resultado, a pintura foi para a família real do estado árabe do Catar por 250 milhões. O maior contrato de arte da história da pintura foi fechado em fevereiro de 2012. Isso foi relatado à Vanity Fair pela jornalista Alexandra Pierce. Ela descobriu o custo da pintura e o nome do novo proprietário, e então a informação penetrou na mídia ao redor do mundo.

O Museu Árabe abriu no Qatar em 2010 arte contemporânea e o Museu Nacional do Qatar. Agora suas coleções estão crescendo. Talvez a quinta versão de The Card Players tenha sido adquirida pelo sheik para esse fim.

A maioriafoto carano mundo

Proprietário
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

A dinastia al-Thani governa o Catar há mais de 130 anos. Cerca de meio século atrás, enormes reservas de petróleo e gás foram descobertas aqui, o que instantaneamente tornou o Catar uma das regiões mais ricas do mundo. Graças à exportação de hidrocarbonetos, este pequeno país registrou o maior PIB per capita. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani assumiu o poder em 1995, enquanto seu pai estava na Suíça, com o apoio de familiares. O mérito do atual governante, segundo especialistas, está em uma estratégia clara para o desenvolvimento do país, criando uma imagem de sucesso do Estado. O Catar agora tem uma constituição e um primeiro-ministro, e as mulheres ganharam o direito de votar nas eleições parlamentares. Aliás, foi o Emir do Qatar que fundou o canal de notícias Al Jazeera. As autoridades do estado árabe dão muita atenção à cultura.

2

"Número 5"

Autor

Jackson Pollock

País EUA
Anos de vida 1912–1956
Estilo expressionismo abstrato

Jack the Sprinkler - tal apelido foi dado a Pollock pelo público americano por sua técnica de pintura especial. O artista abandonou o pincel e o cavalete e derramou a tinta na superfície da tela ou do papelão durante o movimento contínuo ao redor e dentro deles. Desde tenra idade, ele gostava da filosofia de Jiddu Krishnamurti, cuja mensagem principal é que a verdade é revelada durante um "derramamento" livre.

122x244cm
1948
preço
US$ 140 milhões
vendido em 2006 ano
no leilão Sotheby's

O valor do trabalho de Pollock não está no resultado, mas no processo. O autor não chamou acidentalmente sua arte de "pintura de ação". Com o seu mão leve tornou-se o principal ativo da América. Jackson Pollock misturou tinta com areia vidro quebrado, mas escrevia com um pedaço de papelão, uma espátula, uma faca, uma colher. O artista era tão popular que na década de 1950 havia até imitadores na URSS. A pintura "Número 5" é reconhecida como uma das mais estranhas e caras do mundo. Um dos fundadores da DreamWorks, David Geffen, comprou-o para uma coleção particular e, em 2006, vendeu-o na Sotheby's por US$ 140 milhões ao colecionador mexicano David Martinez. No entanto, em breve escritório de advocacia emitiu um comunicado de imprensa em nome de seu cliente afirmando que David Martinez não era o proprietário da pintura. Só uma coisa é certa: o financista mexicano de fato colecionou recentemente obras de arte contemporânea. É improvável que ele tenha perdido um "peixe grande" como o "Número 5" de Pollock.

3

"Mulher III"

Autor

Willem de Kooning

País EUA
Anos de vida 1904–1997
Estilo expressionismo abstrato

Natural da Holanda, emigrou para os Estados Unidos em 1926. Em 1948, ocorreu uma exposição pessoal do artista. Os críticos de arte apreciaram as composições complexas e nervosas em preto e branco, reconhecendo em seu autor um grande artista modernista. Durante a maior parte de sua vida ele sofreu de alcoolismo, mas a alegria de criar uma nova arte é sentida em cada trabalho. De Kooning se distingue pela impulsividade da pintura, traços largos, razão pela qual às vezes a imagem não cabe dentro dos limites da tela.

121x171cm
1953
preço
US$ 137 milhões
vendido em 2006 ano
em leilão privado

Na década de 1950, mulheres com olhos vazios, seios volumosos e feições feias aparecem nas pinturas de De Kooning. "Mulher III" tornou-se trabalho mais recente desta série, licitação.

Desde a década de 1970, a pintura foi mantida no Museu de Arte Moderna de Teerã, mas após a introdução de regras morais rígidas no país, eles tentaram se livrar dela. Em 1994, a obra foi retirada do Irã e, 12 anos depois, seu proprietário David Geffen (o mesmo produtor que vendeu o "Número 5" de Jackson Pollock) vendeu a pintura ao milionário Stephen Cohen por US$ 137,5 milhões. É interessante que em um ano Geffen começou a vender sua coleção de pinturas. Isso deu origem a muitos rumores: por exemplo, que o produtor decidiu comprar o Los Angeles Times.

Em um dos fóruns de arte, foi expressa uma opinião sobre a semelhança de "Mulher III" com a pintura de Leonardo da Vinci "Dama com Arminho". Por trás do sorriso cheio de dentes e da figura disforme da heroína, o conhecedor da pintura discerniu a graça de uma pessoa de sangue real. Isso também é evidenciado pela coroa mal traçada coroando a cabeça de uma mulher.

4

"Retrato de AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

País Áustria
Anos de vida 1862–1918
Estilo moderno

Gustav Klimt nasceu na família de um gravador e foi o segundo de sete filhos. Três filhos de Ernest Klimt se tornaram artistas, e apenas Gustav se tornou famoso em todo o mundo. Ele passou a maior parte de sua infância na pobreza. Após a morte de seu pai, ele era responsável por toda a família. Foi nessa época que Klimt desenvolveu seu estilo. Diante de suas pinturas, qualquer espectador congela: sob as finas pinceladas de ouro, o erotismo franco é claramente visível.

138x136cm
1907
preço
US$ 135 milhões
vendido em 2006 ano
no leilão Sotheby's

O destino da pintura, que é chamada de "Mona Lisa austríaca", pode facilmente se tornar a base de um best-seller. A obra do artista se tornou a causa do conflito de todo o estado e de uma senhora idosa.

Assim, o “Retrato de Adele Bloch-Bauer I” retrata um aristocrata, a esposa de Ferdinand Bloch. Sua última vontade foi transferir a pintura para a Galeria Estatal Austríaca. No entanto, Bloch cancelou a doação em seu testamento, e os nazistas expropriaram a pintura. Mais tarde, a galeria mal comprou a Golden Adele, mas depois apareceu a herdeira - Maria Altman, sobrinha de Ferdinand Bloch.

Em 2005, começou o julgamento de alto perfil "Maria Altman contra a República da Áustria", como resultado do qual a foto "deixou" com ela para Los Angeles. A Áustria tomou medidas inéditas: foram negociados empréstimos, a população doou dinheiro para comprar o retrato. O bem nunca venceu o mal: Altman elevou o preço para US$ 300 milhões. Na época do julgamento, ela tinha 79 anos e entrou para a história como a pessoa que mudou o testamento de Bloch-Bauer em favor de interesses pessoais. A pintura foi comprada por Ronald Lauder, proprietário da New Gallery em Nova York, onde permanece até hoje. Não para a Áustria, para ele Altman reduziu o preço para US$ 135 milhões.

5

"Gritar"

Autor

Edvard Munch

País Noruega
Anos de vida 1863–1944
Estilo expressionismo

A primeira pintura de Munch, que se tornou famosa em todo o mundo, "The Sick Girl" (existe em cinco exemplares) é dedicada à irmã do artista, que morreu de tuberculose aos 15 anos. Munch sempre se interessou pelo tema da morte e da solidão. Na Alemanha, sua pintura pesada e maníaca até provocou um escândalo. No entanto, apesar das tramas deprimentes, suas pinturas têm um magnetismo especial. Pegue pelo menos "Scream".

73,5x91 cm
1895
preço
US$ 119,992 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

O nome completo da pintura é Der Schrei der Natur (traduzido do alemão como “o grito da natureza”). O rosto de uma pessoa ou de um alienígena expressa desespero e pânico - o espectador experimenta as mesmas emoções ao olhar para a imagem. Um de obras-chave o expressionismo alerta para os temas que se tornaram agudos na arte do século XX. De acordo com uma versão, o artista o criou sob a influência de um transtorno mental, que sofreu durante toda a vida.

A pintura foi roubada duas vezes de diferentes museus, mas foi devolvida. Ligeiramente danificado após o roubo, O Grito foi restaurado e estava pronto para ser exibido novamente no Museu Munch em 2008. Para os representantes da cultura pop, o trabalho tornou-se uma fonte de inspiração: Andy Warhol criou uma série de cópias-cópias, e a máscara do filme "Scream" foi feita à imagem e semelhança do herói da imagem.

Para um enredo, Munch escreveu quatro versões da obra: a de uma coleção particular é feita em pastel. O bilionário norueguês Petter Olsen colocou-o em leilão em 2 de maio de 2012. O comprador foi Leon Black, que não poupou valor recorde para o "Scream". Fundador da Apollo Advisors, L.P. e Lion Advisors, L.P. conhecido por seu amor pela arte. Black é patrono do Dartmouth College, do Museu de Arte Moderna, do Lincoln Art Center e do Metropolitan Museum of Art. Possui a maior coleção de pinturas de artistas contemporâneos e mestres clássicos dos séculos passados.

6

"Nu contra o fundo de um busto e folhas verdes"

Autor

Pablo Picasso

País Espanha, França
Anos de vida 1881–1973
Estilo cubismo

De origem é espanhol, mas em espírito e residência é um verdadeiro francês. Picasso abriu seu próprio estúdio de arte em Barcelona quando tinha apenas 16 anos. Então ele foi para Paris e passou a maior parte de sua vida lá. É por isso que há um duplo estresse em seu sobrenome. O estilo inventado por Picasso baseia-se na negação da opinião de que o objeto representado na tela pode ser visto de apenas um ângulo.

130x162cm
1932
preço
US$ 106,482 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Christie's

Durante seu trabalho em Roma, o artista conheceu a dançarina Olga Khokhlova, que logo se tornou sua esposa. Ele pôs fim à vadiagem, mudou-se com ela para um apartamento luxuoso. A essa altura, o reconhecimento encontrou um herói, mas o casamento foi destruído. Um dos mais pinturas caras O mundo foi criado quase por acaso - por grande amor, que, como sempre com Picasso, durou pouco. Em 1927, interessou-se pela jovem Marie-Therese Walter (ela tinha 17 anos, ele 45). Secretamente de sua esposa, ele partiu com sua amante para uma cidade perto de Paris, onde pintou um retrato representando Marie-Therese na imagem de Daphne. A pintura foi comprada pelo negociante de Nova York Paul Rosenberg e vendida em 1951 para Sidney F. Brody. Os Brodys mostraram a pintura ao mundo apenas uma vez, e apenas porque o artista tinha 80 anos. Após a morte do marido, a Sra. Brody colocou a obra em leilão na Christie's em março de 2010. Em seis décadas, o preço subiu mais de 5.000 vezes! Um colecionador desconhecido comprou por US$ 106,5 milhões. Em 2011, uma “exposição de uma pintura” foi realizada na Grã-Bretanha, onde viu a luz pela segunda vez, mas o nome do proprietário ainda é desconhecido.

7

"Oito Elfos"

Autor

Andy Warhole

País EUA
Anos de vida 1928-1987
Estilo
arte pop

“Sexo e festas são os únicos lugares onde você precisa aparecer pessoalmente”, disse o artista cult de pop art, diretor, um dos fundadores da revista Interview, o designer Andy Warhol. Ele trabalhou com Vogue e Harper's Bazaar, desenhou capas de discos e desenhou sapatos para a I.Miller. Na década de 1960, surgiram pinturas representando os símbolos da América: a sopa de Campbell e a Coca-Cola, Presley e Monroe - o que o tornou uma lenda.

358x208cm
1963
preço
US$ 100 milhões
vendido Em 2008
em leilão privado

Os anos 60 de Warhol - a chamada era da pop art na América. Em 1962, trabalhou em Manhattan no Factory Studio, onde se reunia toda a boemia de Nova York. Seus representantes mais brilhantes: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e outras personalidades famosas do mundo. Ao mesmo tempo, Warhol experimentou a técnica de serigrafia - múltiplas repetições de uma imagem. Ele também usou esse método ao criar "Eight Elvises": o espectador parece ver quadros de um filme onde a estrela ganha vida. Tudo o que o artista tanto amava está aqui: uma imagem pública ganha-ganha, cor prata e uma premonição de morte como mensagem principal.

Há dois marchands promovendo o trabalho de Warhol no mercado mundial hoje: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. A primeira em 2008 gastou US$ 200 milhões para comprar mais de 15 obras de Warhol. O segundo compra e vende seus quadros como cartões de Natal, só que mais caros. Mas não foram eles, mas o humilde consultor de arte francês Philippe Segalo que ajudou o conhecedor de arte romano Annibale Berlinghieri a vender os Oito Elvis para um comprador desconhecido por US$ 100 milhões, o recorde de Warhol.

8

"Laranja,Vermelho amarelo"

Autor

Mark Rothko

País EUA
Anos de vida 1903–1970
Estilo expressionismo abstrato

Um dos criadores da pintura de campo de cores nasceu em Dvinsk, Rússia (agora Daugavpils, Letônia), em grande família farmacêutico judeu. Em 1911 eles emigraram para os EUA. Rothko estudou no departamento de arte da Universidade de Yale, conseguiu uma bolsa de estudos, mas os sentimentos antissemitas o forçaram a abandonar seus estudos. Apesar de tudo, os críticos de arte idolatravam o artista e os museus o perseguiam por toda a vida.

206x236cm
1961
preço
US$ 86,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Christie's

As primeiras experiências artísticas de Rothko foram de orientação surrealista, mas com o tempo ele simplificou o enredo para manchas coloridas, privando-as de qualquer objetividade. No início, eles tinham tons brilhantes e, na década de 1960, foram preenchidos com marrom, roxo, engrossando para preto na época da morte do artista. Mark Rothko advertiu contra procurar qualquer significado em suas pinturas. O autor quis dizer exatamente o que disse: apenas a cor que se dissolve no ar, e nada mais. Ele recomendou olhar as obras a uma distância de 45 cm, para que o espectador seja "arrastado" para dentro da cor, como em um funil. Atenção: ver de acordo com todas as regras pode levar ao efeito da meditação, ou seja, a consciência do infinito vem aos poucos, imersão completa em si mesmo, relaxamento, purificação. A cor em suas pinturas vive, respira e tem um forte impacto emocional (às vezes diz-se que cura). O artista disse: "O espectador deveria chorar olhando para eles" - e realmente houve casos assim. De acordo com a teoria de Rothko, neste momento as pessoas vivem a mesma experiência espiritual que ele teve no processo de trabalhar no quadro. Se você conseguiu entendê-lo em um nível tão sutil, não se surpreenda que essas obras de abstração sejam frequentemente comparadas pelos críticos com ícones.

A obra "Orange, Red, Yellow" expressa a essência da pintura de Mark Rothko. Seu custo inicial no leilão da Christie's em Nova York é de 35 a 45 milhões de dólares. Um comprador desconhecido ofereceu um preço duas vezes a estimativa. O nome do feliz proprietário da pintura, como costuma acontecer, não foi divulgado.

9

"Tríptico"

Autor

Francis Bacon

País
Grã Bretanha
Anos de vida 1909–1992
Estilo expressionismo

As aventuras de Francis Bacon, homônimo completo e, além disso, descendente distante do grande filósofo, começaram quando seu pai o deserdou, incapaz de aceitar as inclinações homossexuais do filho. Bacon foi primeiro a Berlim, depois a Paris, e então seus rastros se confundem por toda a Europa. Mesmo durante sua vida, suas obras foram exibidas nos principais centros culturais do mundo, incluindo o Museu Guggenheim e a Galeria Tretyakov.

147,5x198 cm (cada)
1976
preço
US$ 86,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

Museus de prestígio se esforçavam para possuir pinturas de Bacon, mas o público inglês empertigado não tinha pressa em desembolsar tal arte. A lendária primeira-ministra britânica Margaret Thatcher disse dele: "O homem que pinta esses quadros horríveis".

O período inicial em seu trabalho, o próprio artista considerou o período pós-guerra. Retornando do serviço, ele voltou a pintar e criou as principais obras-primas. Antes da participação de "Tríptico, 1976" no leilão, a obra mais cara de Bacon foi "Estudo para um retrato do Papa Inocêncio X" (52,7 milhões de dólares). No "Tríptico, 1976" o artista retrata a trama mítica da perseguição de Orestes pelas fúrias. Claro, Orestes é o próprio Bacon, e as fúrias são seus tormentos. Por mais de 30 anos, a pintura esteve em uma coleção particular e não participou de exposições. Este facto confere-lhe um valor especial e, consequentemente, aumenta o custo. Mas o que são alguns milhões para um conhecedor de arte e até generoso em russo? Roman Abramovich começou a criar sua coleção na década de 1990, nisso ele foi significativamente influenciado por sua namorada Dasha Zhukova, que se tornou uma galerista da moda na Rússia moderna. Segundo dados não oficiais, o empresário possui obras de Alberto Giacometti e Pablo Picasso, compradas por valores superiores a US$ 100 milhões. Em 2008, ele se tornou o proprietário do Triptych. A propósito, em 2011, outra obra valiosa de Bacon foi adquirida - "Três esboços para um retrato de Lucian Freud". Fontes ocultas dizem que Roman Arkadievich voltou a ser o comprador.

10

"Lagoa com nenúfares"

Autor

Claude Monet

País França
Anos de vida 1840–1926
Estilo impressionismo

O artista é reconhecido como o fundador do impressionismo, que "patenteou" esse método em suas telas. O primeiro trabalho significativo foi a pintura "Café da manhã na grama" (a versão original da obra de Edouard Manet). Em sua juventude, ele desenhou caricaturas, e pintura real assumiu durante suas viagens ao longo da costa e ao ar livre. Em Paris, ele levou um estilo de vida boêmio e não o deixou, mesmo depois de servir no exército.

210x100cm
1919
preço
US$ 80,5 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's

Além do fato de Monet ser um grande artista, ele também se dedicava com entusiasmo à jardinagem, adorava a vida selvagem e as flores. Em suas paisagens, o estado de natureza é momentâneo, os objetos parecem borrados pelo movimento do ar. A impressão é reforçada por grandes traços, de uma certa distância eles se tornam invisíveis e se fundem em uma imagem texturizada e tridimensional. Na pintura do falecido Monet, um lugar especial é ocupado pelo tema da água e da vida nela. Na cidade de Giverny, o artista tinha seu próprio lago, onde cultivava nenúfares a partir de sementes trazidas especialmente por ele do Japão. Quando suas flores desabrocharam, ele começou a pintar. A série Nenúfares é composta por 60 obras que o artista pintou ao longo de quase 30 anos, até sua morte. Sua visão se deteriorou com a idade, mas ele não parou. Dependendo do vento, da estação e do clima, a vista do lago mudava constantemente, e Monet queria capturar essas mudanças. Através de um trabalho cuidadoso, uma compreensão da essência da natureza veio a ele. Algumas das pinturas da série são mantidas nas principais galerias do mundo: Museu Nacional de Arte Ocidental (Tóquio), Orangerie (Paris). A versão do próximo "Lago com nenúfares" chegou às mãos de um comprador desconhecido por um valor recorde.

11

Estrela falsa t

Autor

Jasper Johns

País EUA
Ano de nascimento 1930
Estilo arte pop

Em 1949, Jones entrou na escola de design em Nova York. Junto com Jackson Pollock, Willem de Kooning e outros, é reconhecido como um dos principais artistas do século XX. Em 2012, ele recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta condecoração civil dos Estados Unidos.

137,2 x 170,8 cm
1959
preço
US$ 80 milhões
vendido em 2006 ano
em leilão privado

Como Marcel Duchamp, Jones trabalhou com objetos reais, retratando-os em tela e em escultura em plena conformidade com o original. Para suas obras, ele usou objetos simples e compreensíveis para todos: uma garrafa de cerveja, uma bandeira ou mapas. Não há composição clara na imagem False Start. O artista parece estar brincando com o espectador, muitas vezes assinando “incorretamente” as cores do quadro, virando o próprio conceito de cor de cabeça para baixo: método." Sua pintura mais explosiva e "insegura", segundo os críticos, foi adquirida por um comprador desconhecido.

12

"Sentadonuno sofá"

Autor

Amedeo Modigliani

País Itália, França
Anos de vida 1884–1920
Estilo expressionismo

Modigliani estava muitas vezes doente desde a infância, durante um delírio febril, ele reconheceu seu destino como artista. Estudou desenho em Livorno, Florença, Veneza, e em 1906 partiu para Paris, onde floresceu sua arte.

65x100cm
1917
preço
US$ 68,962 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Sotheby's

Em 1917, Modigliani conheceu Jeanne Hebuterne, de 19 anos, que se tornou sua modelo e mais tarde sua esposa. Em 2004, um de seus retratos foi vendido por US$ 31,3 milhões, o último recorde antes da venda de Seated Nude on a Sofa em 2010. A pintura foi comprada por um comprador desconhecido pelo preço máximo de Modigliani no momento. As vendas ativas de obras começaram somente após a morte do artista. Ele morreu na pobreza, sofrendo de tuberculose, e no dia seguinte, Jeanne Hebuterne, grávida de nove meses, também cometeu suicídio.

13

"Águia em um pinheiro"

Autor

Qi Baishi

País China
Anos de vida 1864–1957
Estilo guohua

O interesse pela caligrafia levou Qi Baishi a pintar. Aos 28 anos, tornou-se aluno do artista Hu Qingyuan. O Ministério da Cultura da China concedeu-lhe o título de "Grande Artista do Povo Chinês", em 1956 recebeu o Prêmio Internacional da Paz.

10x26cm
1946
preço
US$ 65,4 milhões
vendido em 2011
no leilão Guardião da China

Qi Baishi estava interessado nessas manifestações do mundo circundante, às quais muitos não dão importância, e essa é sua grandeza. Um homem sem educação tornou-se professor e um notável criador da história. Pablo Picasso disse sobre ele: "Tenho medo de ir ao seu país, porque há Qi Baishi na China". A composição "Eagle on a Pine Tree" é reconhecida como a maior obra do artista. Além da tela, inclui dois pergaminhos hieroglíficos. Para a China, o valor pelo qual o produto foi comprado é recorde - 425,5 milhões de yuans. Apenas o pergaminho do antigo calígrafo Huang Tingjian foi vendido por 436,8 milhões de dólares.

14

"1949-A-#1"

Autor

Clifford Still

País EUA
Anos de vida 1904–1980
Estilo expressionismo abstrato

Aos 20 anos, ele visitou o Metropolitan Museum of Art em Nova York e ficou desapontado. Mais tarde, ele se inscreveu em um curso da liga de artes para estudantes, mas saiu 45 minutos após o início da aula - acabou sendo "não dele". A primeira exposição pessoal causou ressonância, o artista se viu, e com isso o reconhecimento

79x93cm
1949
preço
US$ 61,7 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

Todas as suas obras, que são mais de 800 telas e 1600 obras em papel, ainda são legadas à cidade americana, onde será inaugurado um museu com o seu nome. Denver tornou-se uma cidade assim, mas apenas a construção foi cara para as autoridades, e quatro obras foram leiloadas para completá-la. É improvável que as obras de Still sejam leiloadas novamente, o que aumentou seu preço antecipadamente. A pintura "1949-A-No.1" foi vendida por um valor recorde para o artista, embora os especialistas previssem a venda de um máximo de 25 a 35 milhões de dólares.

15

"Composição suprematista"

Autor

Kazimir Malevich

País Rússia
Anos de vida 1878–1935
Estilo Suprematismo

Malevich estudou pintura na Escola de Arte de Kyiv, depois na Academia de Artes de Moscou. Em 1913, ele começou a pintar pinturas geométricas abstratas em um estilo que chamou de Suprematismo (do latim “dominância”).

71 x 88,5 cm
1916
preço
US$ 60 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

A pintura foi mantida no museu da cidade de Amsterdã por cerca de 50 anos, mas após uma disputa de 17 anos com os parentes de Malevich, o museu a entregou. O artista pintou esta obra no mesmo ano que O Manifesto do Suprematismo, então a Sotheby`s, mesmo antes do leilão, anunciou que não entraria em uma coleção particular por menos de US$ 60 milhões. E assim aconteceu. É melhor olhar de cima: as figuras na tela lembram uma vista aérea da terra. Aliás, alguns anos antes, os mesmos parentes expropriaram outra "composição suprematista" do Museu MoMA para vendê-la na Phillips por US$ 17 milhões.

16

"Banhos"

Autor

Paul Gauguin

País França
Anos de vida 1848–1903
Estilo pós-impressionismo

Até os sete anos, o artista morou no Peru, depois voltou para a França com a família, mas as lembranças da infância o empurravam constantemente para viajar. Na França, começou a pintar, era amigo de Van Gogh. Ele até passou vários meses com ele em Arles, até que Van Gogh cortou sua orelha durante uma briga.

93,4x60,4cm
1902
preço
US$ 55 milhões
vendido em 2005
no leilão Sotheby's

Em 1891, Gauguin organizou a venda de suas pinturas para usar os lucros para ir fundo na ilha do Taiti. Lá ele criou obras nas quais se pode sentir a sutil conexão entre a natureza e o homem. Gauguin morava em uma cabana de palha e um paraíso tropical florescia em suas telas. Sua esposa era uma Tahitian Tehura de 13 anos, o que não impediu que o artista se envolvesse na promiscuidade. Tendo contraído sífilis, partiu para a França. No entanto, Gauguin estava apertado lá e voltou para o Taiti. Esse período é chamado de "segundo taitiano" - foi então que a pintura "Banhos" foi pintada, uma das mais luxuosas de sua obra.

17

"Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa"

Autor

Henri Matisse

País França
Anos de vida 1869–1954
Estilo Fauvismo

Em 1889, Henri Matisse teve um ataque de apendicite. Quando ele se recuperou da operação, sua mãe comprou tintas para ele. Primeiro, por tédio, Matisse copiou cartões postais coloridos, depois - as obras de grandes pintores que ele viu no Louvre, e no início do século 20 ele criou um estilo - o fauvismo.

65,2x81 cm
1911
preço
US$ 46,4 milhões
vendido em 2009
no leilão Christie's

A pintura "Narcisos e uma toalha de mesa em tons de azul e cores rosa"Por muito tempo pertenceu a Yves Saint Laurent. Após a morte do costureiro, toda a sua coleção de arte passou para as mãos de seu amigo e amante Pierre Berger, que decidiu colocá-la em leilão na Christie's. A pérola da coleção vendida foi o quadro "Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa", pintado em uma toalha de mesa comum em vez de tela. Como exemplo do Fauvismo, é preenchido com a energia da cor, as cores parecem explodir e gritar. Da conhecida série de pinturas de toalhas de mesa, hoje esta obra é a única que está em coleção particular.

18

"Menina Adormecida"

Autor

RoyLee

chtenstein

País EUA
Anos de vida 1923–1997
Estilo arte pop

O artista nasceu em Nova York e, após se formar na escola, foi para Ohio, onde fez cursos de arte. Em 1949, Liechtenstein recebeu seu mestrado belas-Artes. O interesse por quadrinhos e a capacidade de ser irônico fizeram dele um artista cult do século passado.

91x91cm
1964
preço
US$ 44,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

Uma vez, chiclete caiu nas mãos de Liechtenstein. Ele redesenhou a imagem da inserção na tela e ficou famoso. Este enredo de sua biografia contém toda a mensagem da pop art: o consumo é o novo deus, e não há menos beleza em uma embalagem de chiclete do que em Mona Lisa. Suas pinturas lembram quadrinhos e desenhos animados: Lichtenstein simplesmente ampliou a imagem finalizada, desenhou rasters, usou serigrafia e serigrafia. A pintura "Sleeping Girl" pertenceu aos colecionadores Beatrice e Philip Gersh por quase 50 anos, cujos herdeiros a venderam em leilão.

19

"Vitória. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

País Holanda
Anos de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo

Seu nome verdadeiro - Cornelis - o artista mudou para Mondrian quando se mudou para Paris em 1912. Junto com o artista Theo van Doesburg, fundou o movimento neoplástico. A linguagem de programação Piet recebeu o nome de Mondrian.

27x127cm
1944
preço
US$ 40 milhões
vendido em 1998
no leilão Sotheby's

O mais "musical" dos artistas do século 20 ganhava a vida com naturezas-mortas em aquarela, embora tenha se tornado famoso como artista neoplástico. Ele se mudou para os EUA na década de 1940 e passou o resto de sua vida lá. Jazz e Nova York - isso é o que mais o inspirou! Pintura "Vitória. Boogie Woogie é o melhor exemplo disso. Quadrados puros "marcados" foram obtidos com o uso de fita adesiva - o material preferido de Mondrian. Na América, ele foi chamado de "o imigrante mais famoso". Nos anos sessenta, Yves Saint Laurent produziu os mundialmente famosos vestidos "Mondrian" com uma grande estampa xadrez colorida.

20

"Composição nº 5"

Autor

ManjericãoKandinsky

País Rússia
Anos de vida 1866–1944
Estilo vanguarda

O artista nasceu em Moscou e seu pai era da Sibéria. Após a revolução, ele tentou cooperar com poder soviético, mas logo percebeu que as leis do proletariado não foram criadas para ele, e emigrou para a Alemanha não sem dificuldades.

275x190cm
1911
preço
US$ 40 milhões
vendido em 2007
no leilão Sotheby's

Kandinsky foi um dos primeiros a abandonar completamente a pintura de objetos, pela qual recebeu o título de gênio. Durante o nazismo na Alemanha, suas pinturas foram classificadas como "arte degenerada" e não foram exibidas em nenhum lugar. Em 1939, Kandinsky tomou a cidadania francesa, em Paris participou livremente de processo artístico. Suas pinturas “soam” como fugas, razão pela qual muitas são chamadas de “composições” (a primeira foi escrita em 1910, a última em 1939). “Composition No. 5” é uma das obras-chave desse gênero: “A palavra “composition” soou como uma oração para mim”, disse o artista. Ao contrário de muitos seguidores, ele planejava o que iria retratar em uma tela enorme, como se estivesse escrevendo notas.

21

"Estudo de uma mulher de azul"

Autor

Fernand Léger

País França
Anos de vida 1881–1955
Estilo cubismo-pós-impressionismo

Léger recebeu educação arquitetônica, e depois foi aluno da Escola de Belas Artes de Paris. O artista se considerava um seguidor de Cézanne, era um apologista do cubismo e, no século 20, também teve sucesso como escultor.

96,5x129,5cm
1912-1913
preço
US$ 39,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

David Normann, presidente da Sotheby's International Impressionism and Modernism, acredita que a enorme quantia paga por A Dama de Azul é inteiramente justificada. A imagem se refere coleção famosa Leger (o artista pintou três pinturas em um terreno, hoje em mãos particulares - o último deles. - Aprox. Ed.), E a superfície da tela foi preservada em sua forma original. O próprio autor deu esta obra à galeria Der Sturm, depois foi parar na coleção de Hermann Lang, um colecionador alemão de modernismo, e agora pertence a um comprador desconhecido.

22

"Cena de rua. Berlim"

Autor

Ernst LudwigKirchner

País Alemanha
Anos de vida 1880–1938
Estilo expressionismo

Para o expressionismo alemão, Kirchner tornou-se um marco. No entanto, as autoridades locais o acusaram de adesão à "arte degenerada", o que afetou tragicamente o destino de suas pinturas e a vida do artista, que se suicidou em 1938.

95x121cm
1913
preço
US$ 38,096 milhões
vendido em 2006 ano
no leilão Christie's

Depois de se mudar para Berlim, Kirchner criou 11 esboços de cenas de rua. Ele foi inspirado pela turbulência e nervosismo cidade grande. Na pintura, vendida em 2006 em Nova York, a ansiedade do artista é especialmente aguda: as pessoas em uma rua de Berlim parecem pássaros - graciosos e perigosos. Ela foi a última obra da famosa série, vendida em leilão, as demais estão guardadas em museus. Em 1937, os nazistas trataram Kirchner com brutalidade: 639 de suas obras foram apreendidas em galerias alemãs, destruídas ou vendidas no exterior. O artista não poderia sobreviver a isso.

23

"Em repousodançarino"

Autor

Edgar Degas

País França
Anos de vida 1834–1917
Estilo impressionismo

A história de Degas como artista começou com o fato de ter trabalhado como copista no Louvre. Ele sonhava em se tornar "famoso e desconhecido", e no final conseguiu. No final da vida, surdo e cego, Degas, de 80 anos, continuou a frequentar exposições e leilões.

64x59cm
1879
preço
US$ 37,043 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

“Bailarinas sempre foram para mim apenas uma desculpa para retratar tecidos e capturar movimento”, disse Degas. As cenas da vida das bailarinas parecem espreitadas: as meninas não posam para o artista, mas simplesmente passam a fazer parte da atmosfera captada pelo olhar de Degas. Resting Dancer foi vendido por US$ 28 milhões em 1999, e menos de 10 anos depois foi comprado por US$ 37 milhões - hoje é o trabalho mais caro do artista já colocado em leilão. Degas prestou muita atenção aos quadros, ele mesmo os projetou e proibiu alterá-los. Gostaria de saber qual moldura está instalada na pintura vendida?

24

"Quadro"

Autor

Juan Miró

País Espanha
Anos de vida 1893–1983
Estilo arte abstrata

Durante a Guerra Civil Espanhola, o artista esteve do lado dos republicanos. Em 1937, fugiu do poder fascista para Paris, onde viveu na pobreza com sua família. Durante este período, Miro pinta a pintura "Ajude a Espanha!", Chamando a atenção de todo o mundo para o domínio do fascismo.

89x115cm
1927
preço
US$ 36,824 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

O segundo nome da pintura é "Estrela Azul". O artista escreveu no mesmo ano em que anunciou: “Quero matar a pintura” e zombou impiedosamente das telas, arranhando a tinta com pregos, colando penas na tela, cobrindo o trabalho com lixo. Seu objetivo era desmascarar os mitos sobre o mistério da pintura, mas, tendo lidado com isso, Miro criou seu próprio mito - uma abstração surreal. Sua "Pintura" refere-se ao ciclo de "quadros-sonhos". Quatro compradores lutaram por ela no leilão, mas um telefonema incógnito resolveu a disputa, e "Pintura" se tornou a pintura mais cara do artista.

25

"Rosa Azul"

Autor

Yves Klein

País França
Anos de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática

O artista nasceu em uma família de pintores, mas estudou línguas orientais, navegação, o ofício de dourador de molduras, zen-budismo e muito mais. Sua personalidade e travessuras insolentes eram muitas vezes mais interessantes do que pinturas monocromáticas.

153x199x16cm
1960
preço
US$ 36,779 milhões
vendido em 2012
no leilão da Christie

A primeira exposição de obras sólidas em amarelo, laranja e rosa não despertou o interesse do público. Klein se ofendeu e na próxima vez apresentou 11 telas idênticas, pintadas com ultramarino misturado com uma resina sintética especial. Ele até patenteou esse método. A cor ficou na história como o "Azul Klein Internacional". O artista também vendia o vazio, criava pinturas expondo papel à chuva, incendiando papelão, fazendo impressões de um corpo humano em tela. Em uma palavra, eu experimentei o melhor que pude. Para criar a "Rosa Azul" usei pigmentos secos, resinas, pedrinhas e uma esponja natural.

26

"À procura de Moisés"

Autor

Sir Lawrence Alma Tadema

País Grã Bretanha
Anos de vida 1836–1912
Estilo neoclassicismo

O próprio Sir Lawrence adicionou o prefixo "alma" ao seu sobrenome para aparecer primeiro nos catálogos de arte. Na Inglaterra vitoriana, suas pinturas eram tão procuradas que o artista foi premiado com o título de cavaleiro.

213,4x136,7cm
1902
preço
US$ 35,922 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

O tema principal da obra de Alma-Tadema era a antiguidade. Nas pinturas, ele tentou retratar a era do Império Romano nos mínimos detalhes, para isso ele até estudou escavações arqueológicas na península dos Apeninos, e em sua casa em Londres reproduziu o interior histórico daqueles anos. Histórias mitológicas tornaram-se outra fonte de inspiração para ele. O artista foi muito requisitado durante sua vida, mas depois de sua morte foi rapidamente esquecido. Agora o interesse está revivendo, como evidenciado pelo custo da pintura "Em busca de Moisés", sete vezes maior do que a estimativa de pré-venda.

27

"Retrato de um funcionário nu dormindo"

Autor

Lucian Freud

País Alemanha,
Grã Bretanha
Anos de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa

O artista é neto de Sigmund Freud, pai da psicanálise. Após o estabelecimento do fascismo na Alemanha, sua família emigrou para o Reino Unido. As obras de Freud estão na Wallace Collection em Londres, onde nenhum artista contemporâneo expôs anteriormente.

219,1 x 151,4 cm
1995
preço
US$ 33,6 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's

Enquanto os artistas da moda do século 20 criavam "manchas coloridas na parede" positivas e as vendiam por milhões, Freud pintava pinturas extremamente naturalistas e as vendia por ainda mais. “Eu capto os gritos da alma e o sofrimento da carne murcha”, disse ele. Os críticos acreditam que tudo isso é o "legado" de Sigmund Freud. As pinturas foram tão ativamente expostas e vendidas com sucesso que os especialistas tiveram uma dúvida: elas têm propriedades hipnóticas? Vendido em leilão, "Retrato de um oficial nu dormindo", segundo o Sun, foi adquirido pelo conhecedor de beleza e bilionário Roman Abramovich.

28

"Violino e Guitarra"

Autor

Xum gris

País Espanha
Anos de vida 1887–1927
Estilo cubismo

Nasceu em Madrid, onde se formou na Escola de Artes e Ofícios. Em 1906 mudou-se para Paris e entrou no círculo dos artistas mais influentes da época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, também trabalhou com Sergei Diaghilev e sua trupe.

5x100cm
1913
preço
US$ 28,642 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Christie's

Gris, em suas próprias palavras, estava engajado em "arquitetura plana e colorida". Suas pinturas são pensadas com precisão: ele não deixou um único traço acidental, o que torna a criatividade relacionada à geometria. O artista criou sua própria versão do cubismo, embora tivesse grande respeito por Pablo Picasso, o fundador do movimento. O sucessor até dedicou sua primeira obra cubista, Tributo a Picasso, a ele. A pintura "Violino e Violão" é reconhecida como destaque na obra do artista. Durante sua vida, Gris era conhecido, favorecido por críticos e historiadores de arte. Suas obras estão expostas nos maiores museus do mundo e são mantidas em coleções particulares.

29

"RetratoCampos de Eluard»

Autor

Salvador Dalí

País Espanha
Anos de vida 1904–1989
Estilo surrealismo

“O surrealismo sou eu”, disse Dali quando foi expulso do grupo surrealista. Com o tempo, ele se tornou o artista surrealista mais famoso. O trabalho de Dali está em toda parte, não apenas nas galerias. Por exemplo, foi ele quem criou a embalagem do Chupa-Chups.

25x33cm
1929
preço
US$ 20,6 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

Em 1929, o poeta Paul Eluard e sua esposa russa Gala vieram visitar o grande provocador e brigão Dali. O encontro foi o início de uma história de amor que durou mais de meio século. A pintura "Retrato de Paul Eluard" foi pintada justamente durante esta visita histórica. “Senti que me foi confiado o dever de capturar o rosto do poeta, de cujo Olimpo roubei uma das musas”, disse o artista. Antes de conhecer Gala, ele era virgem e estava enojado com a ideia de fazer sexo com uma mulher. O triângulo amoroso existiu até a morte de Eluard, após o que se tornou o dueto Dali-Gala.

30

"Aniversário"

Autor

Marc Chagall

País Rússia, França
Anos de vida 1887–1985
Estilo vanguarda

Moishe Segal nasceu em Vitebsk, mas em 1910 emigrou para Paris, mudou de nome e se aproximou dos principais artistas de vanguarda da época. Na década de 1930, quando os nazistas tomaram o poder, ele partiu para os Estados Unidos com a ajuda de um cônsul americano. Ele voltou para a França apenas em 1948.

80x103cm
1923
preço
US$ 14,85 milhões
vendido em 1990
no leilão da Sotheby's

A pintura "Jubileu" é reconhecida como uma das melhores obras do artista. Tem todas as características de sua obra: as leis físicas do mundo são apagadas, o sentimento de um conto de fadas é preservado no cenário da vida pequeno-burguesa e o amor está no centro da trama. Chagall não atraiu as pessoas da natureza, mas apenas da memória ou da fantasia. A pintura "Jubileu" retrata o próprio artista com sua esposa Bela. A pintura foi vendida em 1990 e não foi licitada desde então. Curiosamente, o MoMA do Museu de Arte Moderna de Nova York mantém exatamente o mesmo, apenas sob o nome "Aniversário". By the way, foi escrito mais cedo - em 1915.

rascunho preparado
Tatiana Palasova
classificação compilada
de acordo com a lista www.art-spb.ru
revista tmn №13 (maio-junho de 2013)

17.3 pintura europeia século 19

17.3.1 pintura francesa . duas primeiras décadas do século XIX. na história da pintura francesa são designados como classicismo revolucionário. Seu representante proeminente foi J.L. Davi (1748- 1825), cujas principais obras foram criadas por ele no século XVIII. Obras do século XIX. - está trabalhando em pintor da corte Napoleão- "Napoleão no Passo de São Bernardo", "Coroação", "Leonidas nas Termópilas". David também é autor de excelentes retratos, como o retrato de Madame Recamier. Ele criou uma grande escola de alunos e predeterminou os traços artístico do estilo Império.

O aluno de David foi J.O. Ingres (1780- 1867), que transformou o classicismo em arte acadêmica e por muitos anos oposição românticos. Ingres é o autor do verdadeiro afiado retratos (“L. F. Bertin”, “Madame Rivière”, etc.) classicismo acadêmico ("A Apoteose de Homero", "Júpiter e Themis").

Romantismo da pintura francesa na primeira metade do século XIX- estas são as telas de T. Géricault (1791 - 1824) ("A Jangada da Medusa" e "Derby em Epsom e outros") e E. Delacroix (1798-1863), autor do famoso quadro A liberdade guiando o povo.

A tendência realista da pintura na primeira metade do século é representada pelas obras de G. Courbet (1819- 1877), o autor do termo "realismo" e das pinturas "Stone Crushers" e "Funeral in Ornan", bem como as obras de J. F. Millet (1814 - 1875), escritor da vida camponesa e ("Os Coletores de Orelhas", "O Homem da Enxada", "O Semeador").

Um importante fenômeno da cultura européia na segunda metade do século XIX. foi o estilo artístico do impressionismo, que se difundiu não só na pintura, mas na música e ficção. E, no entanto, surgiu na pintura.

Nas artes temporais, a ação se desenrola no tempo. A pintura, por assim dizer, é capaz de capturar apenas um único momento no tempo. Ao contrário do cinema, sempre tem um “quadro”. Como transmitir movimento nele? Uma dessas tentativas de capturar o mundo real em sua mobilidade e variabilidade foi a tentativa dos criadores da direção na pintura, chamada de impressionismo (da impressão francesa). Essa direção reuniu vários artistas, cada um dos quais pode ser caracterizado da seguinte forma. Impressionistaé um artista que transmite direto impressão da natureza, vê nela a beleza da variabilidade e da impermanência, cria uma sensação visual de sol forte, o jogo de sombras coloridas, usando uma paleta de cores puras e sem mistura, das quais o preto e o cinza são banidos.

Nas pinturas de impressionistas como C. Monet (1840-1926) e O. Renoir (1841-1919), no início dos anos 70 do século XIX. a matéria do ar aparece, possuindo não apenas uma certa densidade que preenche o espaço, mas também mobilidade. A luz do sol flui, vapores sobem da terra úmida. Água, neve derretida, terra arada, grama balançando nos prados não têm um contorno claro e congelado. Movimento, que antes era introduzido na paisagem como a imagem de figuras em movimento, como consequência da ação forças naturais - o vento, perseguindo nuvens, balançando árvores, agora é substituído pela paz. Mas essa paz da matéria inanimada é uma das formas de seu movimento, que se transmite pela própria textura da pintura - pinceladas dinâmicas de cores diversas, não constrangidas pelas linhas rígidas do desenho.

O novo estilo de pintura não foi imediatamente aceito pelo público, que acusou os artistas de não saberem desenhar, jogando na tela a tinta raspada da paleta. Assim, as catedrais cor-de-rosa de Monet de Rouen pareciam implausíveis tanto para o público quanto para outros artistas.- o melhor da série pictórica do artista ("Manhã", "Com os primeiros raios do sol", "Meio-dia"). O artista não é procurou representar em tela a catedral em tempo diferente dias- competiu com os mestres do gótico para absorver o espectador com a contemplação de efeitos mágicos de luz e cor. A fachada da Catedral de Rouen, como a maioria das catedrais góticas, esconde um espetáculo místico de x da luz do sol dos vitrais coloridos do interior. A iluminação dentro das catedrais varia dependendo de qual direção o sol está brilhando, tempo nublado ou claro. Os raios do sol, penetrando através do intenso azul e vermelho dos vitrais, são pintados e depositados com destaques coloridos no chão.

Uma das pinturas de Monet deve sua aparência à palavra "impressionismo". Esta tela foi de fato uma expressão extrema da inovação do método pictórico emergente e foi chamada de “Sunrise at Le Havre”. O compilador do catálogo de pinturas de uma das exposições sugeriu que o artista o chamasse de outra coisa, e Monet, tendo riscado “em Le Havre”, colocou a “impressão”. E alguns anos após o aparecimento de suas obras, eles escreveram que Monet "revela uma vida que ninguém antes dele conseguiu pegar, sobre a qual ninguém sabia". Nas pinturas de Monet, eles começaram a perceber o espírito perturbador do nascimento de uma nova era. Assim, em seu trabalho apareceu "serial" como novo fenômeno quadro. E chamou a atenção para o problema do tempo. A pintura do artista, como observado, arranca um "quadro" da vida, com toda a sua incompletude e incompletude. E isso deu impulso ao desenvolvimento da série como tiros sucessivos. Além das “Catedrais de Rouen”, Monet cria a série “Gare Saint-Lazare”, na qual as pinturas se interligam e se complementam. No entanto, era impossível combinar as “molduras” da vida em uma única fita de impressões na pintura. Essa se tornou a tarefa do cinema. Os historiadores do cinema acreditam que o motivo de seu surgimento e ampla distribuição não foram apenas descobertas técnicas, mas também uma necessidade artística urgente de uma imagem em movimento. E as pinturas dos impressionistas, em particular de Monet, tornaram-se um sintoma dessa necessidade. Sabe-se que uma das tramas da primeira sessão de cinema da história, arranjada pelos irmãos Lumière em 1895, foi "A Chegada do Trem". Locomotivas a vapor, estação, trilhos foram o tema de uma série de sete pinturas "Gare Saint-Lazare" de Monet, exibidas em 1877.

O. Renoir foi um notável artista impressionista. Para suas obras (“Flores”, “Um jovem passeando com cachorros na floresta de Fontainebleau”, “Vaso de flores”, “Banho no Sena”, “Lisa com guarda-chuva”, “Dama de barco”, “ Cavaleiros no Bois de Boulogne” , “Baile no Le Moulin de la Galette”, “Retrato de Jeanne Samary” e muitos outros) as palavras do artista francês E. Delacroix “A primeira dignidade de qualquer quadro é bastante aplicável- ser um feriado m para os olhos. Nome Renoir- sinônimo de beleza e juventude, aquela época da vida humana, quando o frescor espiritual e o florescimento da força física estão em completa harmonia. Vivendo em uma época de agudos conflitos sociais, ele os deixou fora de suas telas, concentrando-se acordar nos lados bonitos e brilhantes da existência humana. E nesta posição ele não estava sozinho entre os artistas. Mesmo duzentos anos antes dele, o grande artista flamengo Peter Paul Rubens pintou quadros de um enorme começo de afirmação da vida (“Perseu e Andrômeda”). Imagens como esta dão esperança às pessoas. Toda pessoa tem direito à felicidade, e o significado principal da arte de Renoir reside no fato de que cada uma de suas imagens afirma a inviolabilidade desse direito.

No fim século 19 o pós-impressionismo foi formado na pintura européia. Seus representantes- P. Cézanne (1839-1906), W. Van Gogh (1853-1890), P. Gauguin (1848 - 1903), substituindo impressionistas pureza da cor, pesquisado primórdios permanentes do ser, generalizando métodos pictóricos, aspectos filosóficos e simbólicos da criatividade. Pinturas de Cézanne- são retratos ("Fumante"), paisagens ("Bancos do Marne"), naturezas-mortas ("Natureza morta com uma cesta de frutas").

pinturas de Van Gogh- "Cabanas", "Após a chuva", "Passeio dos prisioneiros".

Gauguin tem as características do romantismo ideológico. Nos últimos anos de sua vida, cativado pela vida das tribos polinésias, que, em sua opinião, conservavam sua pureza e integridade primitivas, parte para as ilhas da Polinésia, onde realiza diversas pinturas baseadas na forma primitiva, desejo de se aproximar das tradições artísticas dos nativos (“Mulher segurando uma fruta”, “Pastoral do Taiti”, “Fonte maravilhosa”).

Grande escultor do século XIX foi O. Rodin (1840- 1917), combinando em sua obra impressionista romantismo e expressionismo realista pesquisas. Vitalidade das imagens, drama, expressividade de uma vida interior tensa, gestos continuando no tempo e no espaço (o que você está fazendo? não é possível colocar esta escultura em música e balé), capturando a instabilidade do momento- tudo isso junto cria uma imagem essencialmente romântica e inteiramente impressionista visão. O desejo de generalizações filosóficas profundas ("A Idade do Bronze", " Cidadãos de Calais”, uma escultura dedicada ao herói da Guerra dos Cem Anos, que se sacrificou para salvar a cidade sitiada, trabalhar para as Portas do Inferno, incluindo O Pensador) e o desejo de mostrar momentos de absoluta beleza e felicidade (“ Eterna Primavera”, “Pas de -de”)– as principais características da obra deste artista.

17.3.2 Pintura inglesa. Belas artes da Inglaterra na primeira metade do século XIX.é uma pintura de paisagem, brilhante representantes que foram J. Constable (1776 - 1837), predecessor inglês impressionistas("The Hay Cart Crossing the Ford" e "The Rye Field") e U. Turner (1775 - 1851), cujas pinturas como "Chuva, Vapor e Velocidade" "Naufrágio", distingue a predileção por montanhas coloridas de fantasia.

Na segunda metade do século, F.M. Brown criou suas obras (1821- 1893), que foi justamente considerado o "Holbein do século XIX". Brown é conhecido por suas obras históricas ("Chaucer in the court of Edward III" e "Lear and Cordelia"), bem como pinturas no ato tópicos cotidianos (“Last look at England”, “Labour”).

A associação criativa "Irmandade Pré-Rafaelita" ("Pré-Rafaelitas") surgiu em 1848. Embora o núcleo unificador fosse a paixão pelas obras de artistas do início da Renascença (antes de Rafael), cada membro dessa irmandade tinha seu próprio tema e credo artístico. O teórico da irmandade foi o culturólogo e esteticista inglês J. Ruskin, que delineou o conceito de romantismo em relação às condições da Inglaterra em meados do século.

Ruskin, ligando a arte em suas obras ao nível geral de cultura do país, vendo a arte como manifestação de fatores morais, econômicos e sociais, procurou convencer os britânicos de que os pré-requisitos para a beleza são modéstia, justiça, honestidade, pureza e despretensão .

Os pré-rafaelitas criaram pinturas sobre temas religiosos e literários, livros artisticamente desenhados e arte decorativa desenvolvida, buscando reviver os princípios do artesanato medieval. Entendendo a tendência perigosa para as artes decorativas- sua despersonalização pela produção mecanizada, artista, poeta e figura pública inglesa W. Morris (1834 - 1896) organizou oficinas artísticas e industriais para a fabricação de tapeçarias, tecidos, vitrais e outros utensílios domésticos, para os quais são utilizados desenhos ele mesmo e os artistas pré-rafaelitas completaram.

17.3.3 Pintura espanhola. Goya . A obra de Francisco Goya (1746- 1828) pertence a dois séculos - XVIII e XIX. Foi de grande importância para a formação do romantismo europeu. nós criativos A senhoria do artista é rica e variada: pintura, retratos, gráficos, afrescos, gravuras, águas-fortes.

Goya usa os temas mais democráticos (ladrões, contrabandistas, mendigos, participantes de brigas de rua e jogos- os personagens de suas pinturas). Tendo recebido em 1789 título do anúncio um pintor famoso, Goya realiza um grande número de retratos: o rei, a rainha, os cortesãos (“A Família do Rei Carlos IV”). A deterioração da saúde do artista causou uma mudança no assunto das obras. Assim, as pinturas, distinguidas pela fantasia divertida e bizarra ("Carnaval", "Blind Man's Bluff"), são substituídas por cheio de tragédia telas ("Tribunal da Inquisição", "Casa dos Lunáticos"). E são seguidas por 80 gravuras "Capriccios", nas quais o artista trabalhou por mais de cinco anos. O significado de muitos deles permanece obscuro até hoje, enquanto outros foram interpretados de acordo com as exigências ideológicas de seu tempo.

Em uma linguagem simbólica e alegórica, Goya pinta um quadro aterrorizante do país na virada do século: ignorância, superstição, pessoas limitadas, violência, obscurantismo, maldade. Gravura "O sono da razão produz monstros"- monstros terríveis cercam uma pessoa adormecida, morcegos, corujas e outros espíritos malignos. O próprio artista dá a seguinte explicação de sua obra: "Convicto de que a crítica humanovíciosedelírios, Apesarepareceno campo da oratória e da poesia, também pode ser objeto de uma descrição viva, o artista escolheu para sua obra entre as muitas loucuras e absurdos inerentes a qualquer sociedade civil, bem como entre os preconceitos e superstições do povo, legitimados pelo costume, ignorância ou interesse próprio, aqueles que ele considerava especialmente adequados para o ridículo e ao mesmo tempo para o exercício da imaginação.

17.3.4 Moderno – final estilo europeu quadro XIX dentro . pelo mais trabalho famoso criado na pintura européia do século XIX. no estilo Art Nouveau, foram as obras do artista inglês O. Beardsley (1872– 1898). EleilustradotrabalharO. selvagem ("Salomé"), criadaelegantegráficofantasias, encantadotodogeraçãoeuropeus. ApenasPretoebranconós estamosFerramentaspor exemplosobre o trabalho: uma folha de papel branco e um frasco de tinta preta e uma técnica semelhante à das mais finas rendas (“The Mysterious Rose Garden”, 1895). As ilustrações de Beardsley são influenciadas por estampas japonesas e rococó francês, bem como pelo maneirismo decorativo da Art Nouveau.

Estilo Art Nouveau, originado por volta de 1890– 1910 gg., caracterizadopresençaenrolamentolinhas, reminiscentecachoscabelo, estilizadofloreseplantas, línguaschama. Estiloistofoilargodifundidoedentroquadroedentroarquitetura. istoilustraçõesinglêsserrdsli, cartazes e outdoors do tcheco A. Mucha, pinturas do austríaco G. Klimt, luminárias e produtos de metal de Tiffany, arquitetura do espanhol A. Gaudi.

Outro fenômeno notável da modernidade fin-de-siècle– norueguêspintorE. Mastigar (1863 – 1944). famosoquadroMastigar« Grito (1893)– compostopapelseufundamentalciclo"Frisovida", acima dequepintortrabalhadograndesanos. Subseqüentementetrabalhar"Gritar"Mastigarrepetidodentrolitografias. Quadro"Gritar"transmitedoençaextremoemocionalVoltagemhumano, ela érostoscria o desespero de uma pessoa solitária e seu grito de socorro, que ninguém pode fornecer.

O maior artista da Finlândia A. Galen-Kallela (1865– 1931) dentroestilomodernoilustradoépico"Kalevaly". NoLínguaempíricorealidadeé proibidodizersobre o lendário velho– ferreiroIlmarinene, que oforjadocéu, bateu juntosfirmamento, acorrentadoa partir deincêndioáguia; cerca demãesLemminkäinen, ressuscitadoseumortofilho; cerca decantorVäinämöinien, que o"zumbidouradoÁrvore de Natal", Gallel- Callelagerenciouentregarbelicheum poder das antigas runas da Carélia na linguagem moderna.

Arte da Europa Ocidental primeira metade do século XIX.

História do século 19 abre não o ano civil de 1801, mas o 1789º. A Grande Revolução Francesa (1789-99), que aboliu a monarquia e estabeleceu a república, determinou por muito tempo o desenvolvimento da cultura europeia. Liberdade, Igualdade e Fraternidade. No entanto, menos de cinco anos depois, a liberdade se transformou em despotismo, a ideia de igualdade levou a execuções em massa e guerras agressivas foram desencadeadas em nome da irmandade de todos os povos. E, no entanto, a principal descoberta do século foi a percepção do valor único da pessoa humana.

Na arte da primeira metade do século XIX. duas tendências competiram neoclassicismo e romantismo. Ascensão do neoclassicismo caiu nos anos da Revolução Francesa e no período do reinado de Napoleão I. Este estilo dominou a arquitetura, as artes plásticas e decorativas durante as três primeiras décadas do século XIX. para as pessoas daquela época, a vida dos antigos gregos e romanos não era apenas um ideal de beleza, mas também um modelo do mundo que eles tentavam construir. Uma nova direção na cultura europeia - romantismo(Romantismo francês) - expressou as opiniões da geração mais jovem na virada dos séculos XVIII-XIX, experimentado desapontamento com as verdades comuns do Iluminismo. O mundo dos românticos é misterioso, contraditório e ilimitado; o artista teve que incorporar sua diversidade em seu trabalho. Principal em trabalho romântico- sentimentos e imaginação do autor. Para um artista romântico, havia e não poderia haver leis na arte: afinal, tudo o que ele criou nasceu no fundo de sua alma. A única regra que ele respeitava era a lealdade a si mesmo, a sinceridade da linguagem artística. Muitas vezes, as criações dos românticos chocavam a sociedade com uma completa rejeição dos gostos predominantes, negligência e incompletude.

Arquitetura

Na primeira metade do século XIX, um planejamento urbano em escala sem precedentes se desenvolveu na Europa. A maioria das capitais europeias - Paris, São Petersburgo, Berlim - adquiriu sua aparência característica; em seus conjuntos arquitetônicos, o papel dos edifícios públicos aumentou. Neoclassicismo na primeira metade do século XIX. experimentou uma floração tardia. Em meados do século, o principal problema da arquitetura européia era a busca pelo estilo. Devido ao fascínio romântico pela antiguidade, muitos mestres tentaram reviver as tradições da arquitetura do passado - é assim que neogótico, neo-renascentista, neobarroco . Os esforços dos arquitetos muitas vezes levaram a ecletismo - conexão mecânica de elementos de diferentes estilos, antigos com novos.

arquitetura francesa

Durante os anos da Revolução Francesa, nem uma única estrutura durável foi construída na França. Esta foi a era das construções temporárias. Na arte da França napoleônica, o papel dominante permaneceu com o neoclassicismo, ao mesmo tempo em que as formas arquitetônicas adquiriram uma pompa e solenidade especiais, e a escala de construção tornou-se grandiosa. O neoclassicismo dos tempos de Napoleão I foi chamado de Império (império francês - "império"). Era para simbolizar a grandeza e o poder do estado criado pelo general Bonaparte. O principal evento de Napoleão no campo da arquitetura foi a reconstrução de Paris.

Gabriel Jacques Ange (1698-1782) - o maior arquiteto da França do século XVIII. Um dos fundadores do neoclassicismo.

Place Louis XV (Place de la Concorde) em Paris. 1753-75

Petit Trianon em Versalhes. 1762-64

Castelo de Compiègne. 1751-88

Escola militar em Paris. 1751-75

Souflot Jacques Germain (1713-1780) arquiteto francês.

representante do neoclassicismo.

Jean Leper, Jacques Gonduin – arquitetos franceses.

A coluna triunfal na Place Vendôme foi erguida por ordem de Napoleão em homenagem à vitória tropas francesas perto de Austerlitz. A princípio, foi chamado assim - "Austerlitskaya", depois foi renomeado como "Coluna das Vitórias" e, mais tarde, como "Coluna do Grande Exército".

Coluna triunfal na Place Vendôme em Paris.

1806-10 Altura 44 m; largura da base 3,67 m

Igreja de St. Genevieve (Panteão) em Paris. 1757-90

Arquitetura da Inglaterra

Na arquitetura da Inglaterra na primeira metade do século XVIII. O estilo neogótico foi estabelecido. Um de seus exemplos mais impressionantes foi o Parliament Ensemble em Londres (de 1840-1868), arquiteto Sir Charles Barry (1795-1860)

Parlamento, 1840-68.

Arquiteto Jean François Chalgrin .

Arco do Triunfo na Praça do Carrossel em Paris.

1806-07 (17,6 x 10 x 14,6 m (comprimento, profundidade, altura)).

Arquitetos Ch. Persier, P.F.L. Fontaine.

Arco do Triunfo na Place Charles de Gaulle em Paris.

1806-37 Altura 50 m, largura 45 m

O Arco do Triunfo na Praça do Carrossel, também conhecido como portão de entrada do Palácio das Tulherias, foi erguido por ordem de Napoleão para comemorar as grandes vitórias das armas francesas. Os relevos que decoram o arco retratam cenas das vitórias do exército napoleônico em Ulm e Austerlitz. Até 1815, o arco era coroado com uma carruagem de bronze da Vitória, que anteriormente adornava a fachada da Catedral de San Marco em Veneza, depois foi substituída por uma quadriga do escultor F.J. Bosio.

O arco triunfal do Grande Exército foi colocado no centro da futura Praça Zvezda (agora Praça Charles de Gaulle) por ordem de Napoleão em homenagem à vitória do imperador francês na batalha de Austerlitz (1805) sobre as tropas combinadas de Áustria e Rússia. Seus postes nos anos 30. século 19 foram decorados com relevos escultóricos; incluindo a famosa composição Francisco Ruda (1784-1855) "Discurso dos Voluntários em 1792 (Marselhesa)" (1833-36). Desde 1921, sob a abóbada do arco, existe o túmulo do Soldado Desconhecido - um participante da Primeira Guerra Mundial.

arquitetura alemã O maior centro de arquitetura da Alemanha na primeira metade do século XIX. era Berlim. O desenvolvimento da escola de arquitetura alemã deste período determinou em grande parte o trabalho de dois mestres - Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) e Leo von Klenze (1784-1864).

Museu antigo. 1824-28 Arco. K.F. Shinkel.

Berlin Drama Theatre.1819.Arch.K.F.Shinkel.

Nova guarita.1816-18. Arco. K.F. Shinkel.

Igreja Vender. 1824 Em Berlim. arquiteto K.F. Shinkel.

Escultura europeia no início do século XIX.

A escultura europeia do início do século XIX experimentou período curto auge. Mas já nos anos 20. deu lugar ao declínio e à estagnação. Dominante e mais frutífero estilo era o neoclassicismo. O interesse pela arte da Grécia Antiga e da Roma Antiga era generalizado, a posse de famosas obras-primas antigas tornou-se uma questão importante na política internacional da época.

O romantismo trouxe para a escultura o interesse pelo indivíduo; Numerosos monumentos a grandes personalidades do passado, erguidos em várias cidades europeias nos anos 20-30, testemunham a sua influência. século 19 Em geral, a escultura com sua generalização linguagem artística não podia conter toda a variedade de impressões da vida, que estava mudando literalmente diante de nossos olhos. A pintura tornou-se a principal arte do século XIX, e a escultura teve que seguir o caminho do naturalismo mesquinho e maçante por muito tempo, até os anos 80. o mestre francês Auguste Rodin não retornou seu alto destino.

Canova Antonio (1757-1822) -escultor e pintor italiano.

Thorvaldsen Bertel (1768/1770-1844)- Escultor dinamarquês.

Schadow Johann Gottfried (1754-1850) Escultor alemão, representante do neoclassicismo.

Dédalo e Ícaro. 1777-79

Quadriga com a figura da Vitória no Portão de Brandemburgo, em Berlim. 1793

Monumento a Nicolau Copérnico em Varsóvia. 1829-30

Teseu e o Minotauro. 1781-83

Ganimedes alimentando a Águia de Zeus. 1817

Princesa Frederica. 1795

pintura espanhola Depois de florescer no século XVII, a pintura espanhola estava em declínio. Seus artistas trabalhavam sob a influência das tradições italianas e francesas, e suas telas eram fracas e imitativas. Na segunda metade do século XVIII. A Espanha mudou. O rei Carlos III (1759-88) da dinastia Bourbon francesa mantinha visões progressistas para seu tempo. Seus conselheiros, tentando transformar o país no espírito das idéias do Iluminismo, realizaram reformas que limitaram o poder da Igreja. Nessa época, o talento foi formado Francisco Goya (1746-1828) -pintor espanhol

Retrato da Duquesa de Alba. 1797

Vendedor de talheres. 1778

Família do rei Carlos IV. 1800

Pintura da França

Na primeira metade do século XIX. a escola francesa de pintura fortaleceu sua primazia na arte da Europa Ocidental. Theodore Géricault e Eugene Delacroix aceitaram criativamente sua maneira e cor livres, preparando o nascimento do impressionismo e, assim, todo o pintura moderna. Até o início do século XIX. O líder geralmente reconhecido entre os artistas franceses foi Jacques Louis David (1748-1825) - o representante mais consistente do neoclassicismo na pintura e um cronista sensível de seus tempos turbulentos. O trabalho de David tem uma orientação jornalística pronunciada, o artista procura expressar ideais heróicos através das imagens da antiguidade

Géricault Theodore (1791-1824) - Pintor e artista gráfico francês.

O fundador da tendência romântica nas artes visuais.

Oficial dos cavaleiros da guarda imperial,

indo ao ataque. 1812

Balsa "Medusa". 1818-19

Delacroix Eugene (1798-1863) - Pintor e artista gráfico francês. Chefe da tendência romântica nas artes visuais.

Fanáticos de Tânger. 1837-38

Freedom Leading the People (Liberdade nas Barricadas). 1830

David Jacques Louis (1746-1825) - Pintor francês. Na era pré-revolucionária na França maior representante o chamado classicismo "revolucionário".

Juramento dos Horácios. 1784

Napoleão cruzando São Bernardo. 1800

Ingres Dominique (1780-1867) - Pintor, desenhista e músico francês. representante do neoclassicismo francês. Ingres é um mestre brilhante do gênero retrato. Além de retratos, ele criou pinturas sobre temas bíblicos, mitológicos, alegóricos e literários.

Gros Jean Antoine (1771-1835) - Pintor e artista gráfico francês. O pintor oficial de Napoleão I, o cronista da epopéia napoleônica, capturando seus marcos mais importantes. Ele criou retratos e pinturas de batalha, abanados pelo espírito do heroísmo.

Napoleão no campo de batalha de Eylau. 1808

Condessa d'Ossonville. 1845

Princesa de Brogli. 1851-53

Pintura da Alemanha

Alemanha no início do século XIX experimentou um recrudescimento social e político. Resistência às conquistas de Napoleão e guerra de libertação 1813 tornou o patriotismo alemão universal, e os súditos de trezentos estados anões alemães tornaram-se conscientes de si mesmos. pessoas unidas. Naqueles anos, havia uma forte paixão pela Idade Média na Alemanha, e o interesse pela história e cultura nacional aumentou. A Alemanha desempenhou um papel excepcional na história do romantismo - uma tendência na cultura europeia final do XVI II - a primeira metade do século XIX.

Runge Philipp Otto (1777-1810) - Pintor, artista gráfico e teórico da arte alemão. Um dos fundadores e o maior mestre do romantismo na pintura alemã.

Descanse no voo para o Egito. 1805-06

Retrato da esposa do artista. 1807

Retrato dos pais do artista com seus netos. 1806

Friedrich Gaspar David (1774-1840) - Pintor, desenhista e gravador alemão. representante do romantismo. Pintor paisagista.

Montanhas gigantes. 1835

A morte de "Nadezhda" no gelo. 1824

Nuvens flutuantes. Por volta de 1820

pintura de Biedermeier Biedermeier (alemão Biedermeier) é um estilo na arte da Alemanha e da Áustria, que se desenvolveu nos anos 10-40. século 19 O nome foi dado a ele por poemas humorísticos paródicos de L. Eichrodt e A. Kussmaul, publicados em 1855-57. em uma das revistas de Munique. Seu autor fictício, o professor Gottlieb Biedermeier, é um leigo modesto: benevolente, sentimental, azarado, amador vida calma e conforto. A pintura de Biedermeier caracteriza-se por um pequeno formato de telas, uma escrita cuidadosa e delicada, via de regra, a ausência de ação nas cenas retratadas e uma predileção pelos pequenos detalhes. Biedermeier dominava a experiência artística do romantismo com sua visão poética do mundo, às vezes colorida de ironia, mas ao mesmo tempo suavizava os extremos desse estilo, “domesticando-o” de acordo com a natureza livre de conflitos do leigo. Os mestres Biedermeier experimentaram retratos, paisagens e outros gêneros, mas a pintura cotidiana tornou-se a expressão mais clara do estilo.

Waldmüller Ferdinand Georg (1793-1865) pintor austríaco. Um dos maiores mestres da pintura europeia de meados do século XIX. Um representante típico do Biedermeier.

Buquê em uma antiga cratera. Por volta de 1840

Paisagem montanhosa perto de Mödling. 1859

Nazarenos ( Alemão Nazareno), oficial União de São Lucas (alemão) Lukasbund)

- agrupamento pintores românticos alemães e austríacos do século 19 que tentaram reviver o estilo dos mestres da Idade Média e do Renascimento, que foram guiados pela arte do século XV. A maioria de suas pinturas são pinturas sobre temas cristãos, históricos ou alegóricos, seu estilo é um legado do classicismo e uma reação a ele sob a influência da ideologia do romantismo. As principais figuras do movimento foram Friedrich Overbeck e Peter Cornélio.

Johann Friedrich Overbeck ( 1789 - 1869 ) - Artista, artista gráfico e ilustrador alemão.

Ciclo afresco para a Casa de Bartholdi em Roma

Peter Joseph von Cornélio ( 1783 - 1867 ) - Artista alemão.

Virgens sábias e tolas. OK. 1813

Taberna, por volta de 1820

pintura inglesa

Na pintura inglesa, a escola acadêmica, cujas bases foram lançadas em século XVIII Joshua Reynolds, o primeiro presidente da Royal Academy of Arts, manteve uma posição dominante ao longo da primeira metade do século XIX. No entanto, o fenômeno mais perceptível naqueles anos foi a paisagem, que no meio acadêmico era percebida como um gênero menor, insignificante. Por um lado, o desejo de uma reflexão real do mundo, a afirmação do valor intrínseco das simples paisagens rurais e, por outro, a natureza como mundo de paixões e experiências violentas - tudo isso encontrou uma expressão viva no obra de artistas ingleses. A arte da Inglaterra entrou na era do romantismo.

William Blake (1757-1827) -Poeta, pintor, ilustrador inglês. Uma personalidade complexa e ambígua, Blake foi uma figura icônica para seu tempo, a personificação do espírito do romantismo.

Criador do universo.

Frontispício do poema "Europa". 1794

Uma pena. Por volta de 1795

Condestável João (1776-1837) - Pintor inglês. Constable retratou o campo comum em todo o seu frescor e imediatismo, recriando a trepidação ambiente de luz.

carroça de feno. 1821

Cavalo branco. 1819

William Turner (1775-1851) - o pintor inglês voltou-se para assuntos bíblicos, mitológicos e históricos, revelando uma propensão à fantasia romântica, à personificação da luta dramática das forças naturais, à transferência de efeitos de iluminação inusitados.

Toupeira em Calais. Os franceses preparam-se para ir ao mar: chega um navio de passageiros inglês. 1803

Navio negreiro. 1840

A última viagem do navio "Brave". 1838

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Excelente artistas estrangeiros

XIV (século XIV) XV (século XV) XVI (século XVI) XVII (século XVII) XVIII (século XVIII) XIX (século XIX) XX (século XX)

Artistas estrangeiros

Lorenzetti Ambrogio
(1319-1348)
País: Itália

As pinturas de Lorenzetti combinavam harmoniosamente as tradições da pintura de Siena com seu lirismo e a generalização das formas e a perspectividade da construção espacial característica da arte de Giotto. Embora o artista utilize temas religiosos e alegóricos, as características da vida contemporânea aparecem claramente nas pinturas. A paisagem condicional, característica das pinturas dos mestres do século XIV, é substituída por Lorenzetti com paisagens toscanas reconhecíveis. Muito realista, escreve vinhas, campos, lagos, portos marítimos, rodeados de rochas inexpugnáveis.

Eik Wang
País: Holanda

A terra natal dos irmãos Van Eyck é a cidade de Maaseik. Poucas informações foram preservadas sobre o irmão mais velho Hubert. Sabe-se que foi ele quem começou a trabalhar no famoso altar de Ghent na igreja de St. Bavo em Ghent. Provavelmente, o projeto composicional do altar pertencia a ele. A julgar pelas partes arcaicas preservadas do altar - "Adoração do Cordeiro", figuras de Deus Pai, Maria e João Batista, - Hubert pode ser chamado de mestre da transição. Seu trabalho estava muito mais próximo das tradições do gótico tardio (interpretação abstrato-mística do tema, convencionalidade na transferência de espaço, pouco interesse expresso pela imagem de uma pessoa).

Artistas estrangeiros

Albrecht Dürer
(1471-1528)
País: Alemanha

Albrecht Dürer, o grande artista alemão, o maior representante da cultura renascentista na Alemanha. Nasceu em Nuremberg na família de um ourives, natural da Hungria. Inicialmente, estudou com o pai, depois com o pintor de Nuremberg M. Wohlgemut (1486-89). Durante os anos de estudo e durante os anos de peregrinação no sul da Alemanha (1490-94), durante uma viagem a Veneza (1494-95) absorveu a herança do século XV, mas a natureza tornou-se sua principal professora.

Bosch Jerônimo
(1450-1516)
País: Alemanha

Hieronymus Bosch, o grande pintor holandês. Nasceu em Herzogenbosch. Seu avô, irmão do avô e todos os cinco tios eram artistas. Em 1478 Bosch casou-se com um rico patrício Aleid van Merwerme, cuja família pertencia à mais alta aristocracia. Não havia filhos desse casamento, e ele não estava particularmente feliz. No entanto, ele trouxe bem-estar material ao artista e, ainda não tendo se tornado suficientemente famoso, Bosch podia se dar ao luxo de pintar do jeito que queria.

Botticelli Sandro
(1445-1510)
País: Itália

Nome real - Alessandro da Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, o grande pintor italiano do Renascimento. Nascido em Florença na família de um curtidor. Inicialmente, foi enviado para estudar com um certo Botticelli, um ourives, de quem Alessandro Filipepi recebeu seu sobrenome. Mas o desejo de pintar obrigou-o em 1459-65 a estudar com o famoso artista florentino Fra Philippe Lippi. Os primeiros trabalhos de Botticelli ( Adoração dos Magos, Judite e Holofernes e especialmente madonas - Corsini Madonna, Madonna com uma rosa, Madonna com dois anjos) foram escritos sob a influência deste último.

Verrocchio Andrea
(1435-1488)
País: Itália

Nome real - Andrea di Michele di Francesco Choni, um notável escultor italiano. Nasceu em Florença. Ele era um famoso escultor, pintor, desenhista, arquiteto, joalheiro e músico. Em cada gênero, ele se estabeleceu como um mestre inovador, não repetindo o que seus antecessores fizeram.

Carpaccio Vittore
(c. 1455/1465 - c. 1526)
País: Itália

Carpaccio Vittore (c. 1455 / 1465 - c. 1526) - pintor italiano. Nasceu em Veneza. Ele estudou com Gentile Bellini, foi fortemente influenciado por Giovanni Bellini e em parte por Giorgione. Observando atentamente os acontecimentos da vida moderna, este artista conseguiu saturar suas composições religiosas com uma narrativa viva e muitos detalhes de gênero. De fato, ele criou uma enciclopédia da vida e dos costumes de Veneza no século XV. Dizem de Carpaccio que esse mestre "ainda está em casa, em Veneza". E até a própria ideia de Veneza está inseparavelmente ligada à memória do esverdeado, como se fosse visível através da água do mar, fotos do brilhante desenhista e colorista.

Leonardo da Vinci
(1452 - 1519)
País: Itália

Um dos maiores artistas italianos O renascentista Leonardo da Vinci também foi um notável cientista, pensador e engenheiro. Durante toda a sua vida ele observou e estudou a natureza - os corpos celestes e as leis de seu movimento, as montanhas e os segredos de sua origem, a água e os ventos, a luz do sol e a vida das plantas. Como parte da natureza, Leonardo também considerava uma pessoa cujo corpo está sujeito às leis físicas e ao mesmo tempo serve como “espelho da alma”. Ele mostrou seu amor inquisitivo, ativo e inquieto pela natureza em tudo. Foi ela quem o ajudou a descobrir as leis da natureza, colocou suas forças a serviço do homem, foi ela quem fez de Leonardo o maior artista, capturando com igual atenção uma flor desabrochando, um gesto expressivo de uma pessoa e uma neblina que envolve montanhas distantes.

Michelangelo Buonarroti
(1475 - 1564)
País: Itália

“Ainda não nasceu um homem que, como eu, estivesse tão inclinado a amar as pessoas”, escreveu sobre si mesmo o grande escultor, pintor, arquiteto e poeta italiano Michelangelo. Criou obras brilhantes e titânicas e sonhava em criar outras ainda mais significativas. Um dia, quando o artista estava trabalhando em desenvolvimentos de mármore em Carrara, ele decidiu esculpir uma estátua de uma montanha inteira.

Rafael Santi
(1483 - 1520)
País: Itália

Raphael Santi, grande pintor e arquiteto renascentista italiano. Nascido em Urbino na família de J. Santi - pintor da corte e poeta do Duque de Urbino. Ele recebeu suas primeiras aulas de pintura de seu pai. Quando morreu, Rafael mudou-se para o ateliê de T. Viti. Em 1500 mudou-se para Perugio e ingressou na oficina de Perugino, primeiro como aluno e depois como assistente. Aqui ele aprendeu as melhores características do estilo da escola de pintura da Úmbria: o desejo de uma interpretação expressiva do enredo e a nobreza das formas. Logo ele trouxe sua habilidade ao ponto de se tornar impossível distinguir uma cópia do original.

Ticiano Vecellio
(1488- 1576)
País: Itália

Nascido em Pieve di Cadoro - cidade pequena na fronteira das possessões venezianas nos Alpes. Ele veio da família Vecelli, muito influente na cidade. Durante a guerra entre Veneza e o imperador Maximiliano, o pai do artista prestou grandes serviços à República de São Marcos.

Artistas estrangeiros

Rubens Pedro Paulo
(1577 - 1640)
País: Alemanha

Rubens Peter Paul, o grande pintor flamengo. "Rei dos pintores e pintor dos reis" eram chamados os contemporâneos do Fleming Rubens. Em um dos recantos mais bonitos de Antuérpia, ainda está localizado Rubens Hughes - a casa do artista, construída de acordo com seu próprio projeto, e uma oficina. Cerca de três mil pinturas e muitos desenhos maravilhosos saíram daqui.

Goyen Jan Wang
(1596-1656)
País: Holanda

Goyen Jan van é um pintor holandês. A paixão pela pintura se manifestou muito cedo. Aos dez anos, Goyen começou a estudar desenho com os artistas de Leiden I. Swanenburg e K. Schilperort. O pai queria que seu filho se tornasse um pintor de vidro, mas o próprio Goyen sonhava em ser um pintor de paisagens, e ele foi designado para estudar com o medíocre pintor de paisagens Willem Gerrits na cidade de Goorn.

Segers Hércules
(1589/1590 - c. 1638)
País: Holanda

Seghers Hercules é um pintor de paisagens e artista gráfico holandês. Ele estudou em Amsterdã com G. van Coninxloo. De 1612 a 1629 viveu em Amsterdã, onde foi aceito na guilda de artistas. Visitou a Flandres (c. 1629-1630). A partir de 1631 viveu e trabalhou em Utrecht, e a partir de 1633 - em Haia.

Frans Hals
(c. 1580-1666)
País: Holanda

O papel decisivo na formação da arte nacional em um estágio inicial do desenvolvimento da escola de arte holandesa foi desempenhado pela obra de Frans Hals, seu primeiro grande mestre. Ele era quase exclusivamente um retratista, mas sua arte significou muito não apenas para o retrato da Holanda, mas também para a formação de outros gêneros. Na obra de Hals, três tipos de composições de retratos podem ser distinguidos: um retrato de grupo, um retrato individual feito sob medida e um tipo especial imagens de retrato, de natureza próxima à pintura de gênero, cultivada por ele principalmente nos anos 20 - início dos anos 30.

Velásquez Diego de Silva
(1559-1660)
País: Espanha

Nasceu em Sevilha, um dos maiores centros de arte da Espanha no final do século XVI - início do século XVII. O pai do artista veio de uma família portuguesa que se mudou para a Andaluzia. Ele queria que seu filho se tornasse advogado ou escritor, mas não impediu Velázquez de pintar. Seu primeiro professor foi o Pe. Herrera, o Velho, e depois - F. Pacheco. A filha de Pacheco tornou-se esposa de Velázquez. Na oficina de Pacheco Velasquez estava envolvido em pintar cabeças da natureza. Aos dezessete anos, Velasquez recebeu o título de mestre. A carreira de um jovem pintor desenvolveu-se com sucesso.

País: Espanha

El Greco
(1541-1614)
País: Espanha

El Greco, nome verdadeiro - Domenico Theotokopuli, o grande pintor espanhol. Nascido em uma família pobre, mas esclarecida, em Candia, Creta. Creta naquela época era uma possessão de Veneza. Ele estudou, muito provavelmente, com pintores de ícones locais, que ainda preservavam as tradições da época medieval. arte bizantina. Por volta de 1566 mudou-se para Veneza, onde ingressou na oficina de Ticiano.

Caravaggio Michelangelo Merisi
(1573-1610)
País: Itália

Caravaggio Michelangelo Merisi, um notável pintor italiano. O nome de Caravaggio está associado ao surgimento e florescimento da tendência realista em pintura italiana final do século XVI - início do século XVII. A obra deste notável mestre desempenhou um papel enorme na vida artística não apenas da Itália, mas também de outros países europeus. A arte de Caravaggio nos atrai com grande expressividade artística, profunda veracidade e humanismo.

Carracci
País: Itália

Carracci, uma família de pintores italianos de Bolonha no início do século XVII, os fundadores do academismo na pintura europeia. Na virada dos séculos XVI para XVII na Itália, como reação ao maneirismo, uma tendência acadêmica na pintura tomou forma. Seus principais princípios foram estabelecidos pelos irmãos Carracci - Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) e Annibale (1560-1609).

Brueghel Pedro, o Velho
(entre 1525 e 1530-1569)
País: Holanda

Quem leu o maravilhoso romance de Charles de Coster, A lenda de Thiel Ulenspiegel, sabe que todo o povo participou da revolução holandesa, da luta contra os espanhóis pela independência, uma luta cruel e impiedosa. Assim como Ulenspiegel, Peter Brueghel, o Velho, um dos fundadores da arte realista holandesa e flamenga, também foi testemunha e participante desses eventos.

Van Dyck Anthony
(1599- 1641)
País: Holanda

Van Dyck Anthony, um notável pintor flamengo. Nascido em Antuérpia na família de um rico empresário. Inicialmente estudou com o pintor de Antuérpia Hendrick van Balen. Em 1618 ingressou na oficina de Rubens. Ele começou seu trabalho copiando suas pinturas. E logo se tornou o principal auxiliar de Rubens na realização de grandes encomendas. Recebeu o título de mestre da Guilda de São Lucas em Antuérpia (1618).

Poussin Nicolas
(1594-1665)
País: França

Nicolas Poussin (1594-1665), um notável pintor francês, um dos principais representantes do classicismo. Nascido na aldeia de Andely na Normandia na família de um pequeno proprietário de terras. Inicialmente, ele estudou em sua terra natal com um artista errante pouco conhecido, mas bastante talentoso e competente, K. Varen. Em 1612 Poussin foi para Paris, e lá J. Aalleman tornou-se seu professor. Em Paris, tornou-se amigo do poeta italiano Marine.

XVII (século XVII)

Artistas estrangeiros

Cabo Albert Gerrits
(1620-1691)
País: Holanda

Cape Albert Gerrits foi um pintor e gravador holandês.

Estudou com o pai, o artista J. Keip. Seu estilo artístico foi influenciado pela pintura de J. van Goyen e S. van Ruysdael. Trabalhou em Dordrecht. As primeiras obras de Cuyp, próximas às pinturas de J. van Goyen, são monocromáticas. Ele pinta paisagens montanhosas, estradas rurais que se estendem ao longe, cabanas de camponeses pobres. As pinturas são na maioria das vezes feitas em um único tom amarelado.

Ruisdael Jacob van
(1628/1629-1682)
País: Holanda

Ruisdal Jacob van (1628/1629-1682) - pintor de paisagens holandês, desenhista, gravador. Provavelmente estudou com seu tio, o pintor Salomon van Ruysdael. Visitou a Alemanha (1640-1650). Ele viveu e trabalhou em Haarlem, em 1648 tornou-se membro da guilda dos pintores. A partir de 1656 viveu em Amesterdão, em 1676 recebeu o grau de doutor em medicina no Tesouro e entrou na lista dos médicos de Amesterdão.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn
(1606-1669)
País: Holanda

Nascido em Leiden na família de um moleiro. Os negócios do pai durante este período estavam indo bem, e ele foi capaz de dar ao filho uma educação melhor do que as outras crianças. Rembrandt entrou na escola latina. Ele estudava mal e queria pintar. No entanto, ele terminou a escola e entrou na Universidade de Leiden. Um ano depois, começou a ter aulas de pintura. Seu primeiro professor foi J. van Swanenburg. Depois de permanecer em seu estúdio por mais de três anos, Rembrandt foi para Amsterdã para pintor histórico P. Lastman. Ele teve uma forte influência sobre Rembrandt e lhe ensinou a arte da gravura. Seis meses depois (1623) Rembrandt retornou a Leiden e abriu sua própria oficina.

Terborch Geraldo
(1617-1681)
País: Holanda

Terborch Gerard (1617-1681), famoso pintor holandês. Nascido em Zwolle em uma rica família burguesa. Seu pai, irmão e irmã eram artistas. Os primeiros professores de Terborch foram seu pai e Hendrik Averkamp. Seu pai o fez copiar muito. Ele criou seu primeiro trabalho aos nove anos de idade. Aos quinze anos, Terborch foi para Amsterdã, depois para Haarlem, onde ficou sob forte influência do Pe. Khalsa. Já nessa época ele era famoso como mestre gênero doméstico, mais voluntariamente pintou cenas da vida dos militares - os chamados "quartos da guarda".

Canalletto (Canale) Giovanni Antonio
(1697-1768)
País: Itália

O primeiro professor de Canaletto foi seu pai, o decorador de teatro B. Canale, a quem ele ajudou a projetar performances em teatros em Veneza. Trabalhou em Roma (1717-1720, início da década de 1740), Veneza (desde 1723), Londres (1746-1750, 1751-1756), onde realizou obras que formaram a base de sua obra. Pintou veduts - paisagens urbanas, retratou ruas, prédios, canais, barcos deslizando nas ondas do mar.

Manasco Alessandro
(1667-1749)
País: Itália

Alessandro Magnasco (1667-1749) foi um pintor italiano, pintor de gênero e paisagista. Estudou com seu pai, o artista S. Magnasco, depois com o pintor milanês F. Abbiati. Seu estilo foi formado sob a influência dos mestres da escola de pintura genovesa, S. Rosa e J. Callo. Viveu e trabalhou em Milão, Florença, Génova.

Watteau Antoine
(1684-1721)
País: França

Watteau Antoine, um notável pintor francês, cuja obra está associada a uma das etapas significativas do desenvolvimento da pintura cotidiana na França. O destino de Watteau é incomum. Nem na França nem nos países vizinhos havia nos anos em que ele escreveu suas melhores coisas, nem um único artista capaz de competir com ele. Os titãs do século XVII não viveram para ver a idade de Watteau; aqueles que, seguindo-o, glorificaram o século XVIII, tornaram-se conhecidos do mundo somente após sua morte. De fato, Fragonard, Quentin de La Tour, Perronneau, Chardin, David na França, Tiepolo e Longhi na Itália, Hogarth, Reynolds, Gainsborough na Inglaterra, Goya na Espanha - tudo isso é o meio ou mesmo o final do século XVIII .

Lorrain Claude
(1600-1682)
País: França

Lorrain Claude (1600-1682) - pintor francês. jovem trabalhou em Roma como servo de A. Tassi, depois se tornou seu aluno. O artista começou a receber grandes encomendas na década de 1630, seus clientes eram o Papa Urbano VIII e o Cardeal Bentivoglio. Desde aquela época, Lorrain tornou-se popular entre os conhecedores de arte romana e francesa.

XVIII (século XVIII)

Artistas estrangeiros

Gainsborough Thomas
(1727- 1788)
País: Inglaterra

Gainsborough Thomas, um notável pintor inglês, criador do tipo nacional de retrato. Nascido em Sudbury, Suffolk, filho de um comerciante de tecidos. Os arredores pitorescos da cidade, localizada no rio Stour, atraíram Gainsborough desde a infância, retratando-os interminavelmente em seus esboços de infância. A paixão do menino pelo desenho era tão grande que seu pai, sem hesitar por muito tempo, enviou seu filho de treze anos para estudar em Londres, que naquela época já havia se tornado o centro da vida artística.

Turner Joseph Mallord William
(1775-1851)
País: Inglaterra

Turner Joseph Mallord William - pintor de paisagens, pintor, desenhista e gravador inglês. Ele teve aulas de pintura de T. Molton (c. 1789), em 1789-1793. estudou na Royal Academy em Londres. Em 1802, Turner era um acadêmico e, em 1809, um professor nas aulas acadêmicas. O artista viajou extensivamente pela Inglaterra e País de Gales, visitou França e Suíça (1802), Holanda, Bélgica e Alemanha (1817), Itália (1819, 1828). Seu estilo artístico foi formado sob a influência de K. Lorrain, R. Wilson e pintores marinhos holandeses.

Jan Vermeer de Delft
(1632-1675)
País: Holanda

Jan Vermeer de Delft é um grande artista holandês. Quase não há informações sobre o artista. Nasceu em Delft na família de um burguês dono de um hotel. Ele também se dedicava à produção de seda e negociava em pinturas. Talvez seja por isso que o menino se interessou pela pintura desde cedo. Mestre Karel Fabricius tornou-se seu mentor. Vermeer logo se casou com Katherine Bolney, filha de um rico burguês, e já em 1653 ele foi admitido na guilda de São Lucas.

Goya e Lucientes Francisco Hosse
(1746-1828)
País: Espanha

Um dia, o pequeno Francisco, filho de um pobre dourador de altar de uma aldeia perto da cidade espanhola de Saragoça, pintou um porco na parede de sua casa. Um estranho que passava viu um talento genuíno no desenho de uma criança e aconselhou o menino a estudar. Esta lenda sobre Goya é semelhante àquelas que são contadas sobre outros mestres do Renascimento, quando os verdadeiros fatos de sua biografia são desconhecidos.

Guardi Francesco Lazzaro
(1712-1793)
País: Itália

Guardi Francesco Lazzaro - pintor e desenhista italiano, representante escola veneziana quadro. Ele estudou com seu irmão mais velho, o pintor Giovanni Antonio, em cujo estúdio trabalhou com seu irmão mais novo Niccolò. Pintou paisagens, pinturas de temas religiosos e mitológicos, composições históricas. Trabalhou na criação de decorações decorativas para os interiores dos teatros Manin e Fenice em Veneza (1780-1790).

Vernet Claude Joseph
(1714-1789)
País: França

Vernet Claude Joseph - artista francês. Ele estudou primeiro com seu pai A. Vernet, depois com L. R. Viali em Aix e B. Fergioni, a partir de 1731 - em Avignon com F. Sovan, e mais tarde na Itália com Manglar, Pannini e Locatelli. Em 1734-1753. trabalhou em Roma. No período romano, dedicou muito tempo ao trabalho da natureza em Tivoli, Nápoles, às margens do Tibre. Pintou paisagens e vistas para o mar (“Litoral perto de Anzio”, 1743; “Vista da ponte e castelo de Santo Ângelo”, “Ponte Rotto em Roma”, 1745 - ambos no Louvre, Paris; “Cachoeira em Tivoli”, 1747; "Manhã em Castellammare", 1747, Hermitage, São Petersburgo; "Villa Pamphili", 1749, Museu Pushkin, Moscou; "Porto italiano", "Costa marítima com rochas", 1751; "Rochas perto do mar", 1753 - todos no Hermitage, São Petersburgo). Estas obras surpreendem pelo seu virtuosismo na transmissão da luz e do ar ambiente e iluminação, fiabilidade e boa observação.

Vernet Horácio
(1789-1863)
País: França

Vernet Horace é um pintor e artista gráfico francês. Estudou com seu pai, Carl Vernet. Escrevendo na época do apogeu da arte do romantismo, o artista utiliza em suas obras os meios inerentes aos românticos. Ele está interessado no homem no poder elementos naturais, em situações extremas. Vernet retrata guerreiros lutando ferozmente em batalhas, furacões e naufrágios (“Batalha no Mar”, 1825, Hermitage, São Petersburgo).

Delacroix Eugene
(1798 - 186)
País: França

Nascido em Charenton na família do prefeito. Recebeu uma excelente educação. Ele estudou pintura primeiro na Escola de Belas Artes de Paris, depois na oficina de P. Guerin (1816-22), cuja habilidade fria teve menos influência sobre ele do que a arte apaixonada do romântico T. Géricault, com quem se tornou fechar na Escola. Um papel decisivo na formação do estilo pictórico de Delacroix foi desempenhado pela cópia das obras de antigos mestres, especialmente Rubens, Veronese e D. Velasquez. Em 1822 ele fez sua estréia em Talon com uma pintura "Torre Dante"(“Dante e Virgílio”) baseado no enredo da primeira música de “Inferno” (“A Divina Comédia”).

Géricault Theodore
(1791-1824)
País: França

Nascido em Rouen em uma família rica. Estudou em Paris no Liceu Imperial (1806-1808). Seus professores foram K. J. Berne e P.N. Guerin. Mas eles não influenciaram a formação de seu estilo artístico - na pintura de Géricault, são traçadas as tendências da arte de A. J. Gros e J. L. David. O artista visitou o Louvre, onde fez cópias de obras de antigos mestres, admirando especialmente sua pintura de Rubens.

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Hiroshige Ando
(1797-1858)
País: Japão

Nascido em Edo (agora Tóquio) na família de um pequeno samurai Ando Genemon. Seu pai era o capataz do corpo de bombeiros da cidade, e a vida da família era bastante segura. Graças à educação precoce, ele aprendeu rapidamente a entender as propriedades do papel, pincel e tinta. Nível geral educação da época era bastante elevada. Teatros, gravuras, ikeba-fa faziam parte do cotidiano.

Hokusai Katsushika
(1760-1849)
País: Japão

Hokusai Katsushika é um pintor e desenhista japonês, mestre em xilogravuras coloridas, escritor e poeta. Estudou com o gravador Nakayama Tetsuson. Ele foi influenciado pelo artista Shunsho, em cuja oficina trabalhou. Pintou paisagens nas quais a vida da natureza, sua beleza estão intimamente ligadas à vida e às atividades do homem. Em busca de novas experiências, Hokusai viajou muito pelo país, fazendo esboços de tudo o que via. O artista buscou refletir em sua obra o problema da relação entre o homem e a natureza ao seu redor. Sua arte é permeada pelo pathos da beleza do mundo e pela consciência do princípio espiritualizado introduzido pelo homem em tudo com que entra em contato.

Artistas estrangeiros

Bonington Richard Parkes
(1802-1828)
País: Inglaterra

Bonington Richard Parkes é um pintor e artista gráfico inglês. A partir de 1817 viveu na França. Estudou pintura em Calais com L. Francia, a partir de 1820 frequentou a Escola de Belas Artes de Paris, onde A. J. Gros foi seu professor. A partir de 1822 começou a expor suas pinturas nos Salões de Paris, e a partir de 1827 participou de exposições da Society of Artists of Great Britain e da Royal Academy of Arts em Londres.

Ensor James
(1860-1949)
País: Bélgica

Ensor James (1860-1949) pintor e artista gráfico belga. O artista nasceu e cresceu na cidade portuária de Ostende, onde passou quase toda a sua vida. A imagem desta cidade litorânea com ruas estreitas habitadas por pescadores e marinheiros, com carnavais anuais de carnaval e a atmosfera única do mar aparece frequentemente em muitas de suas pinturas.

Van Gogh Vicente
(1853- 1890)
País: Holanda

Van Gogh Vincent, o grande pintor holandês, representante do pós-impressionismo. Nascido na aldeia de Brabante de Groot Zundert na família de um pastor. A partir dos dezesseis anos trabalhou para a Painting Company e depois como assistente de professor em uma escola particular na Inglaterra. Em 1878 ele conseguiu um emprego como pregador em uma área de mineração no sul da Bélgica.

Anker Mikael
(1849-1927)
País: Dinamarca

Anker Mikael é um artista dinamarquês. Estudou na Academia de Belas Artes de Copenhague (1871-1875), bem como na oficina do artista dinamarquês P. Kreyer. Mais tarde, em Paris, estudou no estúdio de Puvis de Cha-vannes, mas esse período não se refletiu em seu trabalho. Junto com sua esposa Anna, trabalhou em Skagen, em pequenas vilas de pescadores. Nas suas obras, o mar está indissociavelmente ligado às imagens dos pescadores da Jutlândia. O artista retrata as pessoas nos momentos de seu trabalho árduo e perigoso.

Modigliani Amedeo
(1884-1920)
País: Itália

Quão sutil e elegante Anna Akhmatova falou sobre Amedeo Modigliani! Ainda - ela era uma poetisa! Amedeo teve sorte: eles se conheceram em 1911 em Paris, se apaixonaram, e esses sentimentos se tornaram propriedade do mundo da arte, expressos em seus desenhos e em seus poemas.

Eakins Thomas
(1844-1916)
País: EUA

Estudou na Academia de Belas Artes de Filadélfia (Pensilvânia) e na Escola de Belas Artes de Paris (1866-1869). Sobre a formação de seu estilo artístico grande influência teve a obra dos antigos mestres espanhóis, que estudou em Madrid. Desde 1870, o pintor morava em sua terra natal, na Filadélfia, onde exercia atividades docentes. Já no primeiro trabalho independente Eakins mostrou-se realista (Max Schmitt in a Boat, 1871, Metropolitan Museum of Art, Nova York; On a Sailboat, 1874; Sailing Boats on the Delaware, 1874).

Kent Rockwell
(1882-1971)
País: EUA

Kent Rockwell é um pintor de paisagens americano, desenhista, artista gráfico e escritor. Estudou com um representante da escola plein air do artista William Merritt Chase em Shinnecock em Long Island, depois com Robert Henry na School of Art em Nova York, onde também frequentou as aulas de Kenneth Miller.

Homer Winslow
(1836-1910)
País: EUA

Homer Winslow é um pintor e desenhista americano. Ele não recebeu uma educação sistemática, tendo dominado apenas o ofício de litógrafo em sua juventude. Em 1859-1861. frequentou uma escola de desenho à noite em Academia Nacional artes em Nova York. A partir de 1857 fez desenhos para revistas, em guerra civil(1861-1865) colaborou no semanário ilustrado Harper's Weekly, para o qual fez desenhos realistas de cenas de batalha, distinguidos por formas expressivas e estritas. Em 1865 tornou-se membro da Academia Nacional de Artes.

Bonnard Pierre
(1867-1947)
País: França

Bonnard Pierre - pintor francês, desenhista, litógrafo. Nasceu nos arredores de Paris. Em sua juventude, estudou direito enquanto desenhava e pintava na École des Beaux-Arts e na Académie Julian. Ele gostava de gravura japonesa. Juntamente com os artistas E. Vuillard, M. Denis, P. Serusier, formaram o núcleo de um grupo que se autodenominava "Nabi" - da palavra hebraica "profeta". Os membros do grupo eram partidários de um simbolismo menos complexo e literário que o simbolismo de Gauguin e seus seguidores.

Casamento Georges
(1882-1963)
País: França

Casamento Georges - pintor, gravador, escultor francês. Em 1897-1899. estudou na École des Beaux-Arts em Le Havre, depois na Academia de Amber e na École des Beaux-Arts em Paris (1902-1903). Seus primeiros trabalhos são marcados pela influência dos fauvistas, especialmente A. Derain e A. Matisse. Foi nesse período que o artista mais frequentemente se voltou para o gênero paisagem: ele pinta portos, baías marítimas com barcos e edifícios costeiros.

Gauguin Paul
(1848-1903)
País: França

Gauguin Paul (1848-1903), notável pintor francês. representante do impressionismo. Nasceu em Paris. Seu pai era funcionário do jornal Nacional de cunho republicano moderado. Uma mudança no curso político obrigou-o a deixar sua terra natal em 1849. Em um navio com destino à América do Sul, ele morreu repentinamente. Gauguin passou os primeiros quatro anos de sua vida em Lima (Peru) com os parentes de sua mãe. Aos 17-23 anos, serviu como marinheiro, foguista, timoneiro na marinha mercante, navegou para o Rio de Janeiro e outras cidades distantes.

Degas Edgar
(1834-1917)
País: França

Edgar Degas era uma pessoa contraditória e estranha à primeira vista. Nascido na família de um banqueiro em Paris. Descendente de uma família aristocrática (seu nome real foi de Ha), ele abandonou o prefixo nobre desde sua juventude. Ele mostrou interesse em desenhar quando criança. Recebeu uma boa educação. Em 1853 ele passou nos exames de bacharelado e começou a estudar jurisprudência. Mas já naquela época ele estudou com o pintor Barrias, depois com Louis Lamothe. Assim como Édouard Manet, ele estava sendo preparado para uma carreira brilhante, mas abandonou a faculdade de direito pela Escola de Belas Artes.

Deren André
(1880-1954)
País: França

Derain Andre - pintor francês, ilustrador de livros, gravador, escultor, um dos fundadores do fauvismo. Ele começou a pintar em Shatu em 1895, seu professor era um artista local. Em 1898-1900. estudou em Paris na Career Academy, onde conheceu A. Matisse, J. Puy e A. Marquet. Muito em breve, Deren deixou a academia e começou a estudar por conta própria.

Daubigny Charles François
(1817-1878)
País: França

Daubigny Charles Francois - pintor paisagista francês, artista gráfico, representante da escola Barbizon. Estudou com seu pai, o artista E. F. Daubigny, depois com P. Delaroche. Influenciado por Rembrandt. No Louvre, copiou as pinturas dos mestres holandeses, suas obras de J. Ruisdal e Hobbema eram especialmente atraentes. Em 1835-1836. Daubigny visitou a Itália e em 1866 foi para a Holanda, Grã-Bretanha e Espanha. Mas essas viagens praticamente não se refletiram na obra do artista, quase todas as suas obras são dedicadas às paisagens francesas.

Dufy Raoul
(1877-1953)
País: França

Dufy Raoul - pintor e artista gráfico francês. Estudou em Le Havre, nas aulas noturnas da Escola Municipal de Arte, onde ensinou Luye (1892-1897). Aqui Dufy conheceu O. J. Braque e O. Friesz. Nesse período, pintou retratos de familiares, além de paisagens semelhantes às de E. Boudin.

Isabel Louis Gabriel Jean
(1803-1886)
País: França

Isabey Louis Gabriel Jean (1803-1886) - pintor romântico francês, aquarelista, litógrafo. Estudou com o pai, o miniaturista J.-B. Isabel. Ele foi influenciado pela pintura dos pintores marinhos ingleses e dos holandeses menores do século XVII. Trabalhou em Paris. Em busca de novas experiências, Isabel visitou Normandia, Auvergne, Bretanha, sul da França, Holanda, Inglaterra e acompanhou uma expedição à Argélia como artista.

Courbet Gustavo
(1819-1877)
País: França

Courbet Gustave é um notável pintor francês, um mestre maravilhoso do retrato realista. "... nunca pertenceu a nenhuma escola, a nenhuma igreja... a nenhum regime, mas apenas ao regime da liberdade."

Manet Edouard
(1832-1883)
País: França

Edouard MANET (1832-1883), notável artista francês que repensou as tradições da pintura narrativa realista. “A brevidade na arte é tanto uma necessidade quanto uma elegância. Uma pessoa que se expressa brevemente faz você pensar; uma pessoa prolixa fica entediada.

Marche Albert
(1875-1947)
País: França

Marquet Albert (1875-1947) - pintor e artista gráfico francês. Em 1890-1895. estudou em Paris na Escola de Artes Decorativas, e de 1895 a 1898 - na Escola de Belas Artes na oficina de G. Moreau. Pintou retratos, interiores, naturezas-mortas, paisagens, entre as quais vistas do mar, imagens de portos e portos. Nas paisagens criadas pelo artista no final da década de 1890 - início de 1900. visivelmente forte influência dos impressionistas, em particular A. Sisley ("Árvores em Billancourt", ca. 1898, Musée des Arts, Bordeaux).

Monet Claude
(1840-1926)
País: França

Monet Claude, pintor francês, fundador do impressionismo. "O que eu escrevo é um momento." Nascido em Paris na família de um merceeiro. Ele passou sua infância em Le Havre. Em Le Havre, ele começou a fazer desenhos animados, vendendo-os em uma papelaria. E. Boudin chamou a atenção para eles e deu a Monet as primeiras aulas de pintura ao ar livre. Em 1859, Monet ingressou na Escola de Belas Artes de Paris e depois no atelier Gleyer. Após uma estada de dois anos na Argélia no serviço militar (1860-61), ele retornou a Le Havre e conheceu Jonkind. As paisagens de Ionkind, cheias de luz e ar, impressionaram-no profundamente.

Pierre Auguste Renoir
(1841-1919)
País: França

Pierre Auguste Renoir nasceu na família de um alfaiate pobre com muitos filhos, e desde primeira infância aprendeu a "viver feliz para sempre" mesmo quando não havia pão em casa. Aos treze anos já dominava o ofício - pintava xícaras e pires em uma fábrica de porcelanas. A blusa de trabalho manchada de tinta estava nele mesmo quando chegou à Escola de Belas Artes. No ateliê de Gleyre, ele pegou tubos de tinta vazios jogados por outros alunos. Espremendo-os até a última gota, ele ronronou algo descuidadamente alegre sob sua respiração.

Redon Odilon
(1840-1916)
País: França

Redon Odilon - pintor, desenhista e decorador francês. Em Paris, estudou arquitetura, mas não concluiu o curso. Por algum tempo ele frequentou a Escola de Escultura em Bordeaux, depois estudou em Paris no estúdio de Jerome. Como pintor, formou-se sob a influência da arte de Leonardo da Vinci, J. F. Corot, E. Delacroix e F. Goya. O botânico Armand Claveau desempenhou um papel importante em sua vida. Tendo uma rica biblioteca, ele introduziu jovem artista com as obras de Baudelaire, Flaubert, Edgar Allan Poe, assim como com a poesia indiana e a filosofia alemã. Junto com Clavo Redon estudou o mundo das plantas e microorganismos, que mais tarde se refletiu em suas gravuras.

Cézanne Paul
(1839-1906)
País: França

Até agora, um dos participantes da primeira exposição no Boulevard des Capucines, o mais silencioso dos visitantes do café Gerbois, Paul Cezanne, permaneceu nas sombras. É hora de se aproximar de suas pinturas. Comecemos pelos autorretratos. Vamos dar uma olhada mais de perto no rosto desse homem barbudo de bochechas altas, que parece um camponês (quando está usando um boné) ou um sábio escriba (quando sua testa íngreme e poderosa é visível). Cézanne era uma coisa e outra, combinando a teimosa laboriosidade do camponês com a mente perscrutadora de um cientista pesquisador.

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de
(1864-1901)
País: França

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de, um notável artista francês. Nasceu em Albi, no sul da França, em uma família que pertencia à maior família aristocrática, que outrora liderou as cruzadas. Ele mostrou talento como artista desde a infância. No entanto, ele começou a pintar depois de cair de um cavalo (aos quatorze anos), o que o tornou deficiente. Logo depois que seu pai o apresentou a Prensto, Henri começou a ir constantemente ao estúdio na Rue Faubourg Saint-Honoré. Por horas ele podia ver o artista desenhar ou pintar.

Artistas estrangeiros

Dalí Salvador
(1904-1989)
País: Espanha

Dalí Salvador, o grande artista espanhol, o maior representante do surrealismo. Nasceu em Figueres (Catalunha) na família de um famoso advogado. Aos dezesseis anos, Dali foi enviado para um colégio católico em Figueres. A família Pichot teve uma enorme influência na formação de sua personalidade. Todos os membros da família possuíam instrumentos musicais concertos organizados. Ramon Pichot é um pintor que trabalhou em Paris e conheceu P. Picasso de perto. Na casa de Pichotov, Dali estava envolvido no desenho. Em 1918, sua primeira exposição ocorreu em Fegueras, favoravelmente notada pela crítica.

Kalninsh Eduardas
(1904-1988)
País: Letônia

Kalninsh Eduardas - pintor marinho letão. Nascido em Riga na família de um simples artesão, começou a desenhar cedo. O primeiro professor de Kalnins foi o artista Yevgeny Moshkevich, que abriu em Tomsk, para onde a família do menino se mudou no início da Primeira Guerra Mundial, um estúdio para pintores iniciantes. Depois de 1920 Kalniņš retornou a Riga com seus pais e em 1922 ingressou na Academia Letã de Artes. Vilhelme Purvitis, aluno de AI Kuindzhi, tornou-se seu professor.

Classicismo, um estilo artístico na arte europeia do século XVII e início do século XIX, uma das características mais importantes do qual era o apelo às formas Arte antiga como padrão estético e ético ideal. O classicismo, que se desenvolveu em interação fortemente polêmica com o barroco, tornou-se um sistema estilístico integral na cultura artística francesa do século XVII.

O classicismo do século XVIII - início do século XIX (na história da arte estrangeira é frequentemente chamado de neoclassicismo), que se tornou um estilo europeu comum, também se formou principalmente no seio da cultura francesa fortemente influenciado pelas ideias do Iluminismo. Na arquitetura, foram determinados novos tipos de uma mansão requintada, um grande edifício público, uma praça aberta (Gabrielle Jacques Ange e Souflo Jacques Germain), a busca por novas formas de arquitetura desordenadas, o desejo de simplicidade dura no trabalho de Ledoux Claude Nicolas antecipou a arquitetura do estágio tardio do classicismo - Império. Pathos cívico e lirismo combinados em plástico (Pigalle Jean Baptiste e Houdon Jean Antoine), paisagens decorativas (Robert Hubert). O drama corajoso das imagens históricas e do retrato é inerente às obras do chefe do classicismo francês, o pintor Jacques Louis David. No século XIX, a pintura do classicismo, apesar das atividades de grandes mestres individuais, como Jean Auguste Dominique Ingres, degenera em uma arte de salão apologética oficial ou pretensamente erótica. Roma tornou-se o centro internacional do classicismo europeu nos séculos XVIII e XIX, onde predominavam as tradições do academismo, com sua característica combinação de nobreza de formas e idealização fria (pintor alemão Anton Raphael Mengs, escultores: italiano Canova Antonio e Dane Thorvaldsen Bertel ). A arquitetura do classicismo alemão caracteriza-se pela severa monumentalidade dos edifícios de Karl Friedrich Schinkel, pelo clima contemplativo-elegíaco da pintura e das artes plásticas – retratos de August e Wilhelm Tischbein, escultura de Johann Gottfried Schadow. No classicismo inglês, destacam-se as antiguidades de Robert Adam, os parques palladianos de William Chambers, os desenhos primorosamente austeros de J. Flaxman e a cerâmica de J. Wedgwood. Variantes próprias do classicismo desenvolvidas na cultura artística da Itália, Espanha, Bélgica, países escandinavos, EUA; um lugar de destaque na história da arte mundial é ocupado pelo classicismo russo das décadas de 1760-1840.

No final do primeiro terço do século XIX, o protagonismo do classicismo estava quase universalmente desaparecendo, sendo substituído por várias formas de ecletismo arquitetônico. Ficar vivo tradição artística classicismo no neoclassicismo do final do século XIX - início do século XX.

Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - artista francês, líder geralmente reconhecido do academicismo europeu do século XIX.
Na obra de Ingres - a busca da pura harmonia.
Estudou na Academia de Belas Artes de Toulouse. Depois de se formar na academia, mudou-se para Paris, onde em 1797 se tornou aluno de Jacques-Louis David. Em 1806-1820 estudou e trabalhou em Roma, depois mudou-se para Florença, onde passou mais quatro anos. Em 1824 voltou a Paris e abriu uma escola de pintura. Em 1835 voltou a Roma novamente como diretor da Academia Francesa. De 1841 até o fim de sua vida viveu em Paris.

Academismo (fr. academisme) é uma tendência na pintura europeia dos séculos XVII-XIX. A pintura acadêmica surgiu durante o desenvolvimento das academias de arte na Europa. A base estilística da pintura acadêmica no início do século XIX foi o classicismo, na segunda metade do século XIX - o ecletismo.
O academicismo cresceu seguindo as formas externas da arte clássica. Os seguidores caracterizaram este estilo como uma reflexão sobre a forma de arte da antiguidade antiga e do Renascimento.

Entradas Retratos da família Riviere. 1804-05

Romantismo

Romantismo- um fenômeno gerado pelo sistema burguês. Como visão de mundo e estilo de criatividade artística, reflete suas contradições: a lacuna entre o próprio e o real, o ideal e a realidade. A consciência da irrealização dos ideais e valores humanistas do Iluminismo deu origem a duas posições alternativas de visão de mundo. A essência do primeiro é desprezar a realidade básica e fechar-se na casca dos ideais puros. A essência da segunda é reconhecer a realidade empírica, descartar todo raciocínio sobre o ideal. O ponto de partida da cosmovisão romântica é uma rejeição aberta da realidade, o reconhecimento de um abismo intransponível entre os ideais e o ser real, a irracionalidade do mundo das coisas.

Caracteriza-se por uma atitude negativa em relação à realidade, pessimismo, interpretação das forças históricas como estando fora da realidade cotidiana real, mistificação e mitologização. Tudo isso levou à busca de resolução de contradições não no mundo real, mas no mundo da fantasia.

A cosmovisão romântica abrangeu todas as esferas da vida espiritual - ciência, filosofia, arte, religião. Ele veio em duas versões:

O primeiro - nele o mundo apareceu como uma subjetividade cósmica infinita, sem rosto. A energia criativa do espírito atua aqui como o começo que cria a harmonia mundial. Esta versão da cosmovisão romântica é caracterizada por uma imagem panteísta do mundo, otimismo e sentimentos elevados.

A segunda é que nela a subjetividade humana é considerada individual e pessoalmente, é entendida como o mundo interior autoprofundo de uma pessoa que está em conflito com o mundo exterior. Essa atitude é caracterizada pelo pessimismo, uma atitude liricamente triste em relação ao mundo.

O princípio inicial do romantismo era "dois mundos": comparação e oposição dos mundos real e imaginário. O simbolismo era a maneira de expressar esse mundo dual.

O simbolismo romântico representava uma combinação orgânica do mundo ilusório e real, que se manifestava no aparecimento de metáforas, hipérboles e comparações poéticas. O romantismo, apesar de sua estreita ligação com a religião, caracterizou-se pelo humor, ironia, devaneio. O romantismo declarou que a música era o modelo e a norma para todas as áreas da arte, nas quais, segundo os românticos, soava o próprio elemento da vida, o elemento da liberdade e o triunfo dos sentimentos.

O surgimento do romantismo foi devido a uma série de fatores. Primeiro, sócio-político: a Revolução Francesa de 1769-1793, as guerras napoleônicas, a guerra pela independência da América Latina. Em segundo lugar, econômico: a revolução industrial, o desenvolvimento do capitalismo. Em terceiro lugar, foi formado sob a influência da filosofia clássica alemã. Em quarto lugar, foi formado com base e no quadro dos estilos literários existentes: iluminismo, sentimentalismo.

O auge do romantismo cai no período 1795-1830. - o período das revoluções europeias e movimentos de libertação nacional, e o romantismo foi especialmente pronunciado na cultura da Alemanha, Inglaterra, Rússia, Itália, França, Espanha.

A corrente romântica teve grande influência no campo humanitário, e a positivista nas ciências naturais, técnicas e práticas.

Jean Louis André Theodore Géricault (1791-1824).
Um estudante por um curto período de C. Vernet (1808-1810), e depois P. Guerin (1810-1811), que estava chateado por seus métodos de transferência da natureza não de acordo com os princípios da escola de Jacques-Louis David e vício em Rubens, mas depois reconheceu a racionalidade das aspirações de Géricault.
Servindo nos mosqueteiros reais, Géricault escreveu principalmente cenas de batalha, mas depois de viajar para a Itália em 1817-19. ele executou uma grande e complexa pintura "A Jangada da Medusa" (localizada no Louvre, Paris), que se tornou uma negação completa da tendência davídica e um sermão eloquente de realismo. A novidade do enredo, o drama profundo da composição e verdade vital Essa obra magistralmente escrita não foi imediatamente apreciada, mas logo foi reconhecida até pelos adeptos do estilo acadêmico e trouxe ao artista fama de inovador talentoso e corajoso.

Trágica tensão e drama Em 1818, Géricault trabalhou na pintura A Balsa da Medusa, que marcou o início do romantismo francês. Delacroix, que posou para o amigo, assistiu ao nascimento de uma composição que rompe com todas as ideias usuais sobre a pintura. Delacroix lembrou mais tarde que, quando viu a pintura pronta, "deleitado correu para correr como um louco e não conseguiu parar até chegar à casa".
O enredo da imagem é baseado em um incidente real que aconteceu em 2 de julho de 1816 na costa do Senegal. Então, nas águas rasas de Argen, a 40 léguas da costa africana, naufragou a fragata Medusa. 140 passageiros e tripulantes tentaram escapar embarcando na jangada. Apenas 15 deles sobreviveram e no décimo segundo dia de suas andanças foram apanhados pelo brigue Argus. Os detalhes da viagem dos sobreviventes chocaram os modernos opinião pública, e o próprio acidente tornou-se um escândalo no governo francês devido à incompetência do capitão do navio e à insuficiência das tentativas de resgate das vítimas.

solução figurativa
A tela gigantesca impressiona com seu poder expressivo. Géricault conseguiu criar uma imagem vívida, combinando os mortos e os vivos, a esperança e o desespero em uma imagem. O quadro foi precedido por um enorme trabalho preparatório. Géricault fez numerosos esboços dos moribundos nos hospitais e dos cadáveres dos executados. A Balsa da Medusa foi a última das obras concluídas de Géricault.
Em 1818, quando Géricault trabalhava na pintura “A Balsa da Medusa”, que marcou o início do romantismo francês, Eugene Delacroix, posando para o amigo, assistiu ao nascimento de uma composição que rompe com todas as ideias usuais sobre a pintura. Delacroix lembrou mais tarde que, quando viu a pintura pronta, "deleitado correu para correr como um louco e não conseguiu parar até chegar à casa".

Reação do público
Quando Géricault expôs A Balsa da Medusa no Salão em 1819, a pintura despertou a indignação do público, pois o artista, contrariando as normas acadêmicas da época, não utilizou um formato tão grande para retratar um tema heróico, moralizante ou clássico.
A pintura foi adquirida em 1824 e atualmente está na Sala 77 do 1º andar da Galeria Denon no Louvre.

Eugene Delacroix(1798 - 1863) - Pintor e artista gráfico francês, chefe da corrente romântica na pintura europeia.
Mas o Louvre e a comunicação com o jovem pintor Theodore Géricault tornaram-se as verdadeiras universidades de Delacroix. No Louvre, ficou fascinado com as obras dos antigos mestres. Naquela época, era possível ver muitas pinturas, capturadas durante as Guerras Napoleônicas e ainda não devolvidas aos seus proprietários. Acima de tudo, o artista iniciante foi atraído pelos grandes coloristas - Rubens, Veronese e Ticiano. Mas a maior influência sobre Delacroix foi Theodore Géricault.

Em julho de 1830, Paris se rebelou contra a monarquia Bourbon. Delacroix simpatizava com os rebeldes, e isso se refletiu em sua "Liberdade guiando o povo" (também conhecemos essa obra como "Liberdade nas barricadas"). Exposta no Salão de 1831, a tela causou uma tempestade de aprovação do público. O novo governo comprou a pintura, mas ao mesmo tempo ordenou imediatamente que ela fosse removida, seu pathos parecia muito perigoso.