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Que pintura estranha é - uma natureza morta: faz você admirar uma cópia dessas coisas, cujos originais você não admira.

Blaise Pascal

Na verdade, você já olhou para a fruta da mesa da cozinha? Bem... exceto quando você estava com fome, certo? Mas uma foto com uma composição de frutas ou um luxuoso buquê de flores pode ser admirada por horas. Esta é a magia especial da natureza morta.

Traduzido do francês, natureza morta significa "natureza morta"(natureza morta). No entanto, esta é apenas uma tradução literal.

Na verdade natureza morta- esta é uma imagem de objetos imóveis e congelados (flores, legumes, frutas, móveis, tapetes, etc.). As primeiras naturezas-mortas são encontradas nos afrescos da Grécia Antiga e da Roma Antiga.

Natureza morta (fresco de Pompeia) 63-79, Nápoles, galeria Nacional Capodimonte. Autor desconhecido.

Quando um amigo vinha visitar um romano, as regras de boas maneiras exigiam que o dono da casa mostrasse o melhor de seus talheres. Esta tradição é vividamente refletida em uma natureza morta do túmulo de Vestorius Prisca em Pompéia.

No centro da composição há um vaso para misturar vinho e água, a encarnação do deus da fertilidade Dionísio-Liber. Em ambos os lados da mesa dourada estão colocadas simetricamente jarras, colheres, chifres para vinho.

No entanto, uma natureza morta não é apenas frutas, legumes e flores, mas também ... um crânio humano, projetado para refletir a transitoriedade vida humana. É assim que os adeptos do gênero Vanitas, representantes do estágio inicial do desenvolvimento da natureza-morta, representavam a natureza-morta.

Um exemplo notável é uma natureza morta alegórica de um artista holandês Willem Klas Heda, onde ao lado do crânio há um cachimbo - um símbolo da elusividade dos prazeres terrenos, um vaso de vidro - um reflexo da fragilidade da vida, chaves - um símbolo do poder de uma dona de casa que administra estoques. A faca simboliza a vulnerabilidade da vida, e o braseiro, em que as brasas mal brilham, significa sua extinção.

Vaidade. Vanitas, 1628, por Willem Claesz Heda.

Willem Heda é justamente chamado "Mestre do Café da Manhã" Com a ajuda de um interessante arranjo de comida, pratos e utensílios de cozinha, o artista transmitiu surpreendentemente com precisão o clima das pinturas. E sua habilidade em retratar o brilho da luz em superfícies perfeitamente lisas de tigelas de prata e taças de vidro surpreendeu até os eminentes contemporâneos do artista.

É incrível como Kheda conseguiu transmitir com precisão e delicadeza cada pequena coisa: o jogo de luz, as características da forma, as cores dos objetos. Em todas as pinturas do holandês - mistério, poesia, admiração sincera pelo mundo dos objetos.

Naturezas-mortas de artistas famosos

Ainda a vida era muitas vezes afeiçoada artista famoso. É sobre os mestres do pincel e seus deliciosos trabalhos que vou contar mais adiante.

Pablo Picasso é o artista mais caro do mundo

Único e inimitável - assim é chamado o notável artista espanhol do século XX. Pablo Picasso. Cada obra do autor é um conjunto de design original e genialidade.

Natureza morta com um buquê de flores, 1908

Natureza morta com lâmpadas, 1908

Além de tradicionalmente perfeitos realistas, cheios de luz e cores brilhantes, ou sombrio, feito em tons cinza-azulados de naturezas-mortas, Picasso gostava cubismo. O artista dispôs os objetos ou personagens de suas pinturas em pequenas formas geométricas.

E embora os críticos de arte não reconhecessem o cubismo de Picasso, agora suas obras são bem vendidas e pertencem aos colecionadores mais ricos do mundo.

Guitarra e partituras, 1918

Excêntrico Vincent van Gogh

Junto com a famosa "Noite Estrelada", uma série de pinturas com girassóis se tornou um símbolo único da obra de Van Gogh. O artista planejava decorar sua casa em Arles com girassóis para a chegada de seu amigo Paul Gauguin.

“O céu é de um azul delicioso. Os raios do sol são amarelo pálido. Esta é uma combinação suave e mágica de tons de azul celeste e amarelo das pinturas de Vermeer de Delft... Van Gogh disse condenadamente. Talvez seja por isso que o artista pintou girassóis inúmeras vezes.

Vaso com 12 girassóis, 1889

O amor infeliz, a pobreza e a rejeição de seu trabalho incentivam o artista a atos loucos e prejudicam gravemente sua saúde. Mas sobre pintura artista talentoso teimosamente escreveu: "Mesmo que eu caia noventa e nove vezes, ainda me levantarei pela centésima vez."

Natureza morta com papoilas e margaridas vermelhas. Auvers, junho de 1890.

Íris. Saint-Rémy, maio de 1890

Naturezas-mortas abrangentes de Paul Cezanne

"Quero devolver a eternidade à natureza",- gostava de repetir o grande artista francês Paul Cezanne. O artista retratou não um jogo aleatório de luz e sombra, sem mudança, mas as características constantes dos objetos.

Em um esforço para mostrar os objetos de todos os lados, ele os descreve de tal forma que o espectador admira a natureza morta, como se de diferentes ângulos. Vemos a mesa de cima, a toalha e as frutas de lado, a caixa na mesa de baixo e o jarro de lados diferentes ao mesmo tempo.

Pêssegos e Peras, 1895

Natureza morta com cerejas e pêssegos, 1883-1887

Naturezas-mortas de artistas contemporâneos

Uma paleta de cores e uma ampla variedade de tons permitem que os atuais mestres da natureza morta alcancem realismo e beleza incríveis. Você quer admirar as impressionantes pinturas de contemporâneos talentosos?

Britânico Cecil Kennedy

É impossível tirar os olhos das pinturas deste artista - suas ervas são tão encantadoras! Mmm... Acho que já consigo sentir o cheiro dessas flores incrivelmente lindas. E você?

Cecil Kennedy é legitimamente considerado o artista britânico mais notável do nosso tempo. Vencedor de vários prêmios de prestígio e um favorito de muitos " os poderosos do mundo isso, "Kennedy, no entanto, tornou-se famoso apenas quando tinha mais de 40 anos.

Artista belga Julian Stappers

As informações sobre a vida do artista belga Julian Stappers são escassas, o que não pode ser dito sobre suas pinturas. Alegres naturezas-mortas do artista estão nas coleções das pessoas mais ricas do mundo.

Gregório Van Raalte

Artista americano contemporâneo Gregory Van Raalte Atenção especial baseia-se no jogo de luz e sombra. O artista está convencido de que a luz não deve cair diretamente, mas através da floresta, folhas de árvores, pétalas de flores ou refletida na superfície da água.

O talentoso artista mora em Nova York. Ele gosta de desenhar naturezas-mortas na técnica de aquarela.

Artista iraniano Ali Akbar Sadehi

Ali Akbar Sadeghi é um dos artistas iranianos de maior sucesso. Em suas obras, ele combina habilmente composições de pinturas tradicionais iranianas, mitos culturais persas com pintura de ícones e arte em vitrais.

Naturezas-mortas de artistas ucranianos modernos

O que quer que você diga, mas nos mestres ucranianos do pincel - sua própria visão única da natureza morta de Sua Majestade. E agora eu vou provar isso para você.

Sergei Shapovalov

As pinturas de Sergei Shapovalov estão cheias de raios de sol. Cada uma de suas obras-primas está repleta de luz, bondade e amor terra Nativa. E o artista nasceu na aldeia de Ingulo-Kamenka, distrito de Novgorodkovsky, região de Kirovograd.

Sergey Shapovalov é um Artista Homenageado da Ucrânia, membro da União Nacional dos Artistas.

Igor Derkachev

O artista ucraniano Igor Derkachev nasceu em 1945 em Dnepropetrovsk, onde ainda vive. visitado por vinte e cinco anos estúdio de arte Casas de cultura dos alunos. Y. Gagarin, primeiro como aluno e depois como professor.

As pinturas do artista são permeadas de calor, amor pelas tradições nativas e presentes da natureza. Esse calor especial através das pinturas do autor é transmitido a todos os admiradores de sua obra.

Victor Dovbenko

Segundo o autor, suas naturezas-mortas são um espelho de seus próprios sentimentos e humores. Em buquês de rosas, em ramalhetes de centáureas, ásteres e dálias, em pinturas florestais "perfumadas" - um aroma único de verão e presentes inestimáveis ​​da rica natureza da Ucrânia.

Introdução……………………………………………………………………………….5

Capítulo 1. Referência do histórico gênero "natureza morta"……………………………….6

1.1. A história do desenvolvimento da natureza morta…………………………………………6

1.2. Natureza morta como gênero de pintura…………………………………12

Capítulo 2. Características, formas e meios do gênero escolhido……………………..14

2.1. Características do gênero selecionado …………………………………..14

2.2. Objetos retratados em natureza morta………………………………….16

2.3. Recursos de composição natureza morta………………………….18

2.4. Cor na pintura…………………………………………………………..20

Capítulo 3. Descrição da técnica escolhida para escrever a produção…………..24

3.1 História do pastel………………………………………………………..24

3.2 Técnica de desenho a pastel………………………………………….25

Capítulo 4. Trabalhando em uma natureza morta ……………………………………………28

4.1. Progresso do trabalho …………………………………………………………….28

Conclusão ………………………………………………………………………29

Lista de referências ………………………………………………30

Apêndice

Introdução

A principal tarefa da arte e da pintura é despertar o belo em uma pessoa, fazê-la pensar, sentir, a tarefa do artista é atrair a atenção do espectador, despertar nele um sentimento de pertencimento às experiências expressas no imagem, para fazê-lo olhar de uma nova maneira para o mundo ao seu redor, para ver em objetos familiares, uma essência extraordinária... A arte da natureza morta tem sua própria bela e longa história. A natureza morta nos apresenta ao mundo que cerca o artista, torna possível olhar para trás vários séculos atrás, sentir empatia com o mestre os motivos que ele ama especialmente. o conhecimento do mundo ao redor. Há muitos séculos, os artistas tentam expressar sua compreensão do mundo, seus pensamentos e interesses com a ajuda das coisas ao seu redor, e cada criador faz isso à sua maneira, cada obra é individual. Em algumas naturezas-mortas, a realidade prevalece, em outras, a habilidade. Mais importantes são os primórdios expressivos da pintura. Cada pintor tem sua própria visão do mundo.

Os principais requisitos para isso trabalho de conclusão de cursoé um:

Conhecimento das ilustrações dos grandes artistas do passado;

Pesquisa composicional baseada em esboços;

Procure um centro composicional;

Construção estrutural de objetos de natureza morta;

Transferência de cor e material;

Criação de expressividade emocional.

Capítulo 1. Antecedentes históricos do gênero "natureza morta"

1.1. A história do desenvolvimento da natureza morta

"Natureza morta" - a palavra francesa na tradução literal significa "natureza morta". Em holandês, a designação desse gênero soa como stilleven, ou seja, “ vida calma”, na opinião de muitos artistas e críticos de arte, essa é a expressão mais precisa da essência do gênero, mas tamanha é a força da tradição que é “natureza morta” que é um nome conhecido e enraizado. natureza morta como gênero independente, originou-se na Flandres e na Holanda na virada dos séculos XVI e XVII, alcançando rapidamente uma perfeição extraordinária na transferência da variedade de objetos do mundo material. O processo de se tornar uma natureza morta ocorreu mais ou menos da mesma maneira em muitos países. Europa Ocidental. Os períodos de seu desenvolvimento tiveram suas contexto histórico. Cada século apresentou seus mestres da natureza morta. Suas obras são incorporadas ideais artísticos tempo, a originalidade e expressividade dos meios plásticos inerentes a uma determinada época e a individualidade de cada pintor. A formação da natureza morta na Holanda foi marcada por duas etapas, na primeira só poderia existir na forma de uma imagem mais ou menos independente no verso do plano pictórico do quadro, ou na forma de acessórios no parte frontal da imagem.

O próximo estágio na formação do gênero natureza morta foram as obras em que a natureza morta e os temas religiosos mudaram de lugar. A imagem de objetos inanimados agia como parte de um único processo ativo de domínio abrangente de uma pessoa do mundo real, sua compreensão artística.

Ele atingiu um florescimento poderoso na Flandres e entrou para a história sob o nome de natureza morta flamenga. A época de seu apogeu foi associada aos nomes grandes artistas Flandres, incluído na história das belas artes na Europa Ocidental: Frans Snyders e seu aluno Jan Veit. Outra escola poderosa de natureza morta é conhecida como a "Natureza Morta Holandesa". semelhança destinos históricos os povos da Holanda e da Flandres e a mesma arte do passado, da qual ambas as escolas tiraram experiência artística, deram origem a muitos traços comuns em sua pintura. O tipo mais promissor e progressivo de natureza morta holandesa foi o gênero "café da manhã" que surgiu em Haarlem.

No gênero da natureza morta (os autores dessas obras foram os pintores de Haarlem Voplem Claes Heda e Pieter Claes) - eles criaram um tipo especial de versão holandesa democrática de "café da manhã". Os "personagens" de suas naturezas-mortas eram poucos e, via de regra, muito modestos na aparência, objetos da vida cotidiana da casa.

Uma conquista muito importante dos mestres do "café da manhã" do Harlem foi a descoberta do papel do ambiente claro-ar e um único tom de cor como o principal meio de transmitir uma rica variedade de qualidades texturais das coisas e, ao mesmo tempo, , revelando a unidade do mundo objetivo.

Com a democratização ainda maior do gênero natureza-morta, houve uma disseminação do tipo de “natureza morta de cozinha”, tanto na Flandres quanto na Holanda. Uma característica dessa variedade na representação de objetos era a grande atenção às características espaciais do ambiente. No final do século XVII, as tendências decorativas ganham nas naturezas-mortas holandesas. Ao lado das naturezas-mortas da Holanda e da Flandres, a natureza-morta alemã do século XVII ocupa um lugar secundário. Os sucessos da natureza-morta alemã do século XVII estão intimamente arte holandesa. Na natureza-morta alemã do século XVII coexistiam quase sem se tocar duas tendências: a naturalista e a decorativa.

ainda vida em pintura italiana era incomparavelmente mais rico e mais puro que o alemão, embora não alcançasse nem o poder dos flamengos, nem a versatilidade e profundidade dos holandeses. Um novo impulso poderoso para o desenvolvimento da natureza morta na Itália foi dado por Caravaggio. Ele foi um dos primeiros grandes mestres que se voltou para o gênero da natureza-morta pura e criou uma imagem plástica e monumental da "natureza morta".

A natureza morta italiana do século XVII desenvolveu-se à sua maneira e acabou adquirindo uma série de qualidades que a distinguem de outras escolas nacionais.

A natureza morta espanhola caracteriza-se pelo rigor sublime e pelo significado especial da imagem das coisas, que se manifesta de forma especialmente clara na obra do mestre espanhol F. Zurbaran.

COM final do XVII séculos na natureza-morta francesa, as tendências decorativas da arte da corte triunfaram. O auge da natureza-morta francesa e ocidental do século XVII foi obra de J.B.S. Chardin. Ficou marcado pelo rigor e liberdade de composição, pela subtileza das soluções de cor. Um pouco mais de atenção foi dada à natureza morta do romance. O romantismo não criou um conceito original significativo da natureza morta. O tema principal da natureza-morta romântica eram flores e troféus de caça.

No século XVII, o destino da natureza morta foi determinado pelos principais mestres da pintura, que trabalharam em vários gêneros e envolveram a natureza morta na luta visões estéticas e ideias artísticas. Por exemplo, o realista francês Gustave Courbet formulou novo conceito, definindo a relação direta da natureza morta com a natureza, devolvendo-lhe vitalidade, suculência e profundidade.

Os impressionistas criaram sua própria composição de naturezas-mortas, transferindo para esse gênero o princípio do plein air, desenvolvido por eles no campo da paisagem. Reconhecendo na natureza morta apenas luz e ar, eles transformaram os objetos em um simples portador de reflexos luz-ar.

A nova ascensão das naturezas-mortas foi associada à atuação dos mestres do pós-impressionismo, para quem o mundo das coisas se torna um dos principais temas característicos da obra de P. Cézanne e Van Gogh.

Desde o início do século 20, a natureza morta tornou-se uma espécie de laboratório criativo pintura. Na França, os mestres do fomismo A. Matisse e outros seguem o caminho da elevada identificação das possibilidades emocionais, decorativas e expressivas da cor e da textura, e os representantes do cubismo J. Braque, P. Picasso e outros, usando o possibilidades analíticas inerentes às especificidades da natureza morta, esforçam-se por aprovar novas formas de transmitir espaço e forma. A natureza morta também atrai mestres de outros movimentos.

Na arte russa, a natureza morta apareceu no século XVII junto com o estabelecimento da pintura secular, refletindo o pathos cognitivo da época e o desejo de transmitir com verdade e precisão o mundo objetivo. A articulação e a natureza ilusória dessas naturezas-mortas deram razão para chamá-las de "enganos". Desenvolvimento adicional A natureza morta russa por um tempo considerável teve um caráter episódico. Sua ascensão na primeira metade do século XIX, marcada por nomes como F. ​​P. Tolstoy, A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky, está associada ao desejo de ver a beleza no pequeno e no comum.

Na segunda metade do século XIX, a natureza morta começou a ganhar força semântica, no entanto, a princípio apenas nos corredores da composição de P. Fedotov, V. Petrov, V. Makovsky, V. Polenov e outros pintores de uma direção democrática. A natureza-morta nas pinturas de gênero desse círculo de autores revelou e fortaleceu a orientação social de suas obras, caracterizando a época.

Uma decisão independente de um estudo de natureza morta aumenta em virada do XIX e XX nas obras de M. A. Vrubel e V. Borisov-Masutov. O auge da natureza morta russa cai no início do século 20. A arte caracteriza-se por buscas no campo da cor, da forma, da construção espacial. O desejo de expandir as possibilidades da linguagem visual incentiva os artistas a se voltarem para as tradições da antiga arte russa e popular, a cultura do Oriente, herança clássica West, às realizações da pintura francesa moderna.

Os melhores exemplos desse período incluem as obras impressionistas de K. A. Korovin, I. E. Grabar; as obras de artistas do “Mundo das Artes” de A. Ya. Golovin e outros que jogam justamente com a natureza histórica e cotidiana das coisas; acentuadamente decorativo P. V. Kuznetsova, N. N. Sapunova, S. Yu. Sudeikin, M. S., Saryan e outros pintores do círculo Blue Roses; Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, A. V. Lentulov e outros.

Nas décadas de 1920 e 1930, a natureza morta também incluía uma compreensão filosófica da modernidade nas obras de K. S. Petrov-Vodkin, aguçada na composição. Eles diferem na originalidade da cor e na construção da perspectiva. Os objetos são escritos neles não de um ponto de vista, mas de vários. Tal método de construção do espaço expandiu os meios visuais do artista, ajudando a transmitir as formas e o volume dos objetos e contribuindo para uma exibição mais precisa de sua relação no plano. A natureza-morta teve um lugar importante na obra de Yu. E Pimenov. O assunto em suas naturezas-mortas é dotado de grande expressividade emocional.

Enriquecido com novos temas, imagens e técnicas artísticas, a natureza morta russa no início do século 20 desenvolveu-se de forma incomumente rápida: em uma década e meia, percorre um caminho difícil do impressionismo à criação de formas abstratas, desempenhando um papel importante no desenvolvimento da arte do nosso século. Nunca antes ocupou um lugar tão proeminente na história da pintura russa.

A natureza-morta, por assim dizer, estava destinada a se tornar para muitos artistas, e mesmo para a pintura russa do início do século XX, uma espécie de laboratório em busca de uma nova linguagem pictórica. Mas, é claro, não apenas a chamada linguagem formal da pintura, mas também seu conteúdo, seu método e os princípios de seu sistema figurativo foram mudando e, em geral, enriquecidos à sua maneira.

Devemos à natureza morta desta época uma extraordinária expansão de seus limites gênero fino. A personalidade humana dessa era complexa se revela nela de muitas maneiras. Nesta natureza morta, o espectador não sente apenas as especificidades de um determinado modo de vida, mas também as características únicas que são inerentes a uma determinada individualidade. A essência profunda do fenômeno do mundo circundante é agora revelada de forma mais completa4.

O conceito de beleza na natureza morta tornou-se mais diversificado; o artista vê uma riqueza de formas e cores onde antes não havia encontrado nada notável. O círculo de fenômenos que encontram sua imagem na natureza morta expandiu-se imensamente.

1.2. Natureza morta como gênero de pintura

Natureza morta (fr. nature morte - “natureza morta”) é um gênero Artes visuais, que retrata os objetos ao nosso redor que têm uma conexão semântica entre si. Esse tipo de arte atrai com suas grandes possibilidades visuais, que contribuem para o desenvolvimento de habilidades composicionais e construção de cores.

A natureza morta nos transmite certas imagens e símbolos do mundo ao nosso redor. Envolve-nos no mundo da comunicação dos objetos, dando-nos a oportunidade de estar no papel de interlocutor. Um verdadeiro artista organiza uma oportunidade para o espectador ver o significado secreto dos objetos ao nosso redor. Ao pré-selecionar e construir certos atributos em uma determinada composição, que carrega uma tarefa semântica específica.

A natureza morta se originou na Europa durante os séculos XVI e XVII, mas sua pré-história surgiu muito antes. A par com gênero cotidiano a natureza morta por muito tempo não conseguiu assumir uma posição de liderança na pintura. Uma vez que se considerava impossível transmitir as principais ideias sociais através deste tipo de pintura. Graças aos grandes mestres, esse gênero foi reconhecido como bastante capaz de transmitir várias condições sociais, afetando várias virtudes sociais. Com a ajuda de vários atributos, uma ou outra imagem foi criada, refletindo o significado da ideia principal. Utensílios domésticos, classificados status social, o modo de vida de seu proprietário, que foi significativo para a transmissão de imagens de estratos sociais.

Voltando à cronologia da história da arte, pode-se traçar a sucessão da ascensão e queda de um gênero tão peculiar como a natureza morta.

« A formação da natureza morta como gênero independente de pintura deveu-se ao trabalho dos holandeses e flamengos artistas do XVII século. O século XVII na Europa é marcado como o auge da natureza morta. Durante este período, todas as principais variedades de natureza morta foram criadas.

O desenvolvimento progressivo da natureza morta na pintura da Europa Ocidental do século XVII pode ser amplamente explicado pelas peculiaridades da situação cultural e ideológica geral, em particular, a diluição final e, ao mesmo tempo, a personificação mútua de categorias como material e o espiritual, o individual e o universal. Na natureza morta, afirmava-se artisticamente a mais concreta de todas as especificidades deste mundo - uma coisa, produto de uma atividade humana muito específica, ao mesmo tempo, essas coisas terrenas feitas pelo homem eram dotadas de um significado alegórico, emblemático , percebidos como sinais de valores imateriais, espirituais, como meditação personificada sobre o sentido da vida humana. Uma coisa, tendo perdido seu significado alegórico, deixa de ser um objeto de grande arte. O gênero da natureza morta começa a se tornar gradualmente obsoleto.

Seu renascimento ocorre no final do século XIX - início do século XX. Devido ao seu enredo e, em certa medida, esterilidade semântica, a natureza morta nessas décadas tempestuosas para o desenvolvimento da arte acaba sendo especialmente conveniente para a experimentação criativa. Uma das mais conservadoras, em termos de iconografia, uma das mais bem estabelecidas em termos de composição, a natureza morta permitiu aos artistas realizar as mais ousadas, às vezes paradoxais violações das leis do gênero, mantendo-se dentro dele. A maioria dos experimentos nessa área teve como tarefa a mais completa trama e dissociação figurativa das coisas.

As coisas, por assim dizer, ultrapassam seus limites, perdem sua auto-significação, deixam de ser iguais a si mesmas. Eles ou se dissolvem em luz e cor, se dispersam na radiação de energias, ou se condensam em aglomerados de matéria, formando combinações dos mais simples volumes, ou se desintegram em muitos fragmentos - e de todo esse novo extra-substancial ou, inversamente, super- coisas substanciais são criadas na tela. Como nas pinturas do século XVII, elas têm um significado alegórico, mas, ao contrário das naturezas-mortas clássicas, o papel dos elementos primários nesses criptogramas pictóricos é desempenhado não tanto pelos objetos em si, mas por suas características individuais, sendo suas qualidades saturadas com o aumento da tensão semântica.

Nos primeiros anos do século 20, houve não apenas uma indefinição das fronteiras das coisas dentro da natureza morta, mas também uma indefinição significativa das fronteiras do próprio gênero. Nas telas abertas de Matisse, os objetos que compõem a natureza morta, permeados pelos ritmos orgânicos da natureza, fundem-se com a paisagem ou se transformam em paisagem, superando a barreira entre o mundo dos vivos e o mundo do inanimado. . Nas paisagens cubistas construídas de Picasso, a própria natureza é objetivada, adquire as características de ser feita, a materialidade, a paisagem é comparada a uma natureza morta. .

“A natureza morta também ocupou um lugar de destaque na obra de artistas impressionistas franceses (Manet, Cézanne, Monet, etc.). Eles buscaram em suas obras encarnar o primeiro novas impressões a partir do que você vê. Para suas naturezas-mortas, assim como para a pintura dos impressionistas em geral, eles são caracterizados por: a harmonia de cores puras percebidas diretamente na natureza, a naturalidade e vitalidade da composição.

Um de os melhores artesãos ainda a vida era famosa artista francês Chardin, que conseguiu penetrar vida íntima as coisas mais corriqueiras, aproximam-nas do espectador, e isso é em grande parte facilitado pela cor suave de suas pinturas, profundamente pensada e advinda da observação da vida, simplicidade e naturalidade na disposição dos objetos.

Nas naturezas-mortas de Chardin, não há esquemas rígidos desenvolvidos pela escola holandesa, monotonia em técnicas de composição, a escolha dos objetos, a paleta de cores. .

Na Rússia, a natureza morta, como gênero independente de pintura, apareceu em início do XVIII século. A ideia dele foi originalmente associada à imagem das dádivas da terra e do mar, o mundo diversificado das coisas que cercam uma pessoa. Até final do XIX natureza morta do século, em contraste com o retrato e imagem histórica, era visto como um gênero "inferior". Existia principalmente como ambiente educacional e foi permitido apenas em um sentido limitado como pintar flores e frutas.

O início do século 20 foi marcado pelo florescimento da pintura russa de natureza morta, que pela primeira vez ganhou igualdade entre outros gêneros. O desejo dos artistas de ampliar as possibilidades da linguagem pictórica foi acompanhado de buscas ativas no campo da cor, da forma e da composição. Tudo isso é especialmente evidente na natureza morta. Enriquecida com novos temas, imagens e técnicas artísticas, a natureza morta russa desenvolveu-se de forma incomumente rápida: em uma década e meia ela vai do impressionismo à criação de formas abstratas.

Nos anos 30-40 do século 20, esse desenvolvimento parou, mas desde meados dos anos 50, a natureza morta vem experimentando pintura soviética um novo surto e a partir desse momento, finalmente e firmemente se eleva a par com outros gêneros.

Nas artes visuais, uma natureza morta (do francês natur morte - “natureza morta”) é geralmente chamada de imagem de objetos inanimados combinados em um único grupo composicional. Para muitos, a versão alemã ou inglesa da designação ainda vida e ainda leben (vida tranquila) é mais familiar. Em holandês, a designação desse gênero soa como stilleven, ou seja, “vida tranquila”, na opinião de muitos artistas e historiadores da arte, essa é a expressão mais precisa da essência do gênero, mas essa é a força da tradição que “natureza morta” é um nome bem conhecido e enraizado. Uma natureza morta pode ter um significado independente e ser parte integral composições Pintura de gênero. A natureza morta expressa a relação do homem com o mundo ao seu redor. Revela a compreensão do belo, inerente ao artista como homem de seu tempo.

A natureza morta, como gênero independente, surgiu na Flandres e na Holanda na virada dos séculos XVI e XVII, alcançando rapidamente uma extraordinária perfeição na transmissão da diversidade de objetos do mundo material. O processo de formação da natureza morta ocorreu mais ou menos da mesma maneira em muitos países da Europa Ocidental. Mas se tomarmos a história da arte em conjunto, então o primeiro estágio no desenvolvimento da natureza morta se refere ao período paleolítico. Existem duas técnicas principais usadas pelos artistas antigos: naturalismo e ornamentalidade. Então essas duas correntes começam a convergir cada vez mais, e uma natureza morta “semiconsciente” aparece, uma imagem de partes individuais de um objeto. Um objeto completo genuíno já pode ser encontrado apenas em idade do bronze. Este segundo estágio no desenvolvimento da natureza morta recebe seu apogeu na arte do Egito. Os objetos são sempre representados isolados uns dos outros. Pela primeira vez, é introduzido o motivo de uma flor, o tema das plantas cortadas. Correlação de proporções aparece nas obras de arte do mar Egeu. Os objetos são representados em três quartos dispostos em grupos. As tradições da pintura do Egeu encontraram sua continuação em cultura grega. Podemos julgar este gênero de arte pelos vasos. Os itens não ficam mais no ar, mas têm seu próprio " lugar real"no espaço: um escudo encostado em uma árvore, um manto jogado sobre um galho - a chamada natureza morta "pendurada". também em cenas da escola uma natureza morta "musical" é frequentemente retratada. Mais um tipo de natureza morta grega pode ser distinguido - "antigo". Artistas criam imagens de oficinas: pedaços de estátuas, uma serra, um martelo, placas de desenho. É quase impossível encontrar imagens de flores e animais em vasos gregos.

V arte medieval como resultado da fragmentação da composição, da divisão da tela pictórica em registros peculiares, o sujeito torna-se um atributo, e não um objeto da imagem. O ornamento também continua a desempenhar um papel importante, especialmente usado ativamente em vitrais. catedrais católicas. A arte severa e intensamente ascética de Bizâncio, criando imagens imortais, monumentais-generalizadas, sublimemente heróicas, usava imagens de objetos individuais com extraordinária expressividade.

Na pintura de ícones russos antigos, aqueles poucos objetos que o artista introduziu em suas obras estritamente canônicas também desempenharam um papel importante. Traziam espontaneidade, vitalidade, às vezes pareciam ser uma expressão aberta de sentimentos em uma obra dedicada a uma trama mitológica abstrata.

A natureza morta desempenhou um papel ainda maior nas pinturas artistas XV-XVI séculos durante o Renascimento. O pintor, que primeiro prestou atenção ao mundo ao seu redor, procurou indicar o lugar, determinar o valor de tudo o que serve a uma pessoa. Utensílios domésticos adquiriram a nobreza e o orgulhoso significado de seu dono, aquele a quem serviam. Em grandes telas, a natureza-morta geralmente ocupava um lugar muito modesto: um vaso de vidro com água, um elegante vaso de prata ou delicados lírios brancos em hastes finas, muitas vezes amontoados no canto do quadro. No entanto, na representação dessas coisas havia tanto amor poético pela natureza, seu significado é tão altamente espiritualizado que aqui você já pode ver todas as características que determinaram o desenvolvimento independente de todo o gênero no futuro.

Objetos, um elemento material, receberam um novo significado nas pinturas no século XVII - na era do gênero natureza morta desenvolvida. Em composições complexas com enredo literário eles tomaram seu lugar junto com outros heróis da obra. Analisando as obras dessa época, pode-se perceber o importante papel que a natureza morta passou a desempenhar no quadro. As coisas começaram a aparecer nessas obras como o principal personagens, mostrando o que um artista pode alcançar dedicando sua habilidade a esse tipo de arte.

Objetos feitos por mãos hábeis, industriosas e sábias trazem a marca dos pensamentos, desejos e inclinações de uma pessoa. Eles o servem, deleitam, inspiram um sentimento legítimo de orgulho. Não é à toa que aprendemos sobre épocas que há muito desapareceram da face da terra daqueles cacos de pratos, utensílios domésticos e objetos rituais que se tornam para os arqueólogos páginas dispersas da história da humanidade.

Perscrutando o mundo circundante, penetrando suas leis com uma mente inquisitiva, desvendando os fascinantes mistérios da vida, o artista o reflete em sua arte cada vez mais plenamente e de várias maneiras. Ele não apenas retrata o mundo ao seu redor, mas também transmite sua compreensão, sua atitude em relação à realidade.

A história da formação e desenvolvimento de vários gêneros de pintura é uma evidência viva de um trabalho incansável consciência humana esforçando-se para abraçar a infinita variedade de atividades, para compreendê-la esteticamente. O gênero da natureza morta foi especialmente pronunciado em pintura holandesa proto-renascentista. Ainda faz parte do interior, mas, ao mesmo tempo, o amor dos artistas pelos detalhes cria pequenas naturezas-mortas incríveis: pratos, uma mesa de trabalho, sapatos no chão. Tudo isso é retratado com o mesmo amor que as figuras de pessoas e santos. Na Itália, a natureza morta emerge da paisagem. No futuro, o objeto recebe uma espécie de atividade independente, torna-se participante da ação. Desde o proto-renascimento, o mundo objetivo tornou-se cada vez mais realista, às vezes até quase tangível. Deixa de ser uma farsa, mas torna-se vida cotidiana. No século XVI, os artistas do Renascimento do Norte começaram a expor objetos, arrancar suas capas (por exemplo, a pele de animais).

Natureza morta é um gênero relativamente jovem. Valor independente na Europa, ele recebeu apenas no século XVII. A história do desenvolvimento da natureza morta é interessante e instrutiva. A natureza morta floresceu especialmente plena e vividamente na Flandres e na Holanda. A natureza morta finalmente toma forma como um gênero independente de pintura. A sua emergência está ligada a esses acontecimentos históricos revolucionários, em resultado dos quais estes países, tendo conquistado a independência, no início do século XVII, enveredaram pelo caminho do desenvolvimento burguês. Para a Europa da época, esse era um fenômeno importante e progressivo. Novos horizontes se abriram antes da arte. Condições históricas, novas relações sociais dirigidas e determinadas demandas criativas, mudanças na resolução dos problemas enfrentados pelo pintor. Sem retratar diretamente os eventos históricos, os artistas lançaram um novo olhar sobre o mundo, encontraram novos valores no homem. A vida rotineiramente aparecia diante deles com significado e plenitude até então desconhecidos. Eles foram atraídos pelas peculiaridades da vida nacional, natureza nativa, coisas que guardam a marca dos trabalhos e dias das pessoas comuns. Foi a partir daqui, de um interesse consciente, profundo e instigado pela vida das pessoas, que nasceram os géneros separados e independentes da pintura quotidiana, da paisagem e da natureza morta.

A arte da natureza morta, que se desenvolveu no século XVII, determinou as principais qualidades desse gênero. O quadro, dedicado ao mundo das coisas, falava das propriedades básicas inerentes aos objetos que cercam uma pessoa, revelava a atitude do artista e contemporâneo ao que é retratado, expressava a natureza e a completude do conhecimento da realidade. O pintor transmitia a existência material das coisas, seu volume, peso, textura, cor, valor funcional dos utensílios domésticos, sua conexão viva com a atividade humana. A beleza e a perfeição dos utensílios domésticos eram determinadas não apenas por sua necessidade, mas também pela habilidade de seu criador. A natureza morta da era revolucionária da burguesia vitoriosa refletia o respeito do artista pelas novas formas de vida nacional de seus compatriotas, o respeito pelo trabalho.

Formulado no século XVII, as tarefas do gênero em em termos gerais existia em escola europeia até meados do século dezenove século. No entanto, isso não significa que os artistas não se impuseram novas tarefas, repetindo mecanicamente soluções prontas.

Ao longo das épocas, não só os métodos e formas de pintar uma natureza morta mudaram, mas a experiência artística acumulada, no processo de formação desenvolveu-se uma visão de mundo mais complexa e cada vez mais enriquecedora.

Nas artes visuais, o termo "natureza morta" refere-se a um gênero específico de pintura, incluindo a disposição livre de objetos da vida cotidiana sobre a mesa:

• flores de corte, especialmente rosas,
• utensílios de cozinha,
• coisas de casa,
• frutas, legumes, frutas,
• Comida,
• peixes,
• comida cozida.

O termo é uma tradução direta da palavra holandesa "Silleven", que tem sido usada desde 1656 para descrever o gênero de pinturas. Anteriormente, essas telas eram chamadas simplesmente de “Fruta”, “Flor”, “Rosas”, “Café da manhã”, “Banquete” ou pronk (ostentação).

Na era barroca, imagens alegóricas com conotações religiosas receberam a designação Vanitas ("vaidade"). O atributo obrigatório e o principal acento nas pinturas era a caveira.

Tipos

Convencionalmente, as naturezas-mortas são divididas em quatro grupos principais, incluindo:

• floral;
• pequenos-almoços ou banquetes;
• emocional;
• simbólico.

Alguns trabalhos são feitos para demonstrar o virtuosismo técnico do desenho e a habilidade do artista, ou para demonstrar emoção.

• emocional;
• luxuoso;
• telas de ilusão.

As famosas pinturas de natureza morta continham mensagens simbólicas complexas expressas no tipo de objetos. Ao estudar a composição de uma natureza morta, cada elemento exibido era um símbolo e introduzia um certo significado na imagem. Como resultado, o gênero natureza morta, como a paisagem, geralmente não contém formas humanas, mas é capaz de transmitir uma mensagem política, moral ou espiritual. Embora os defensores da arte acadêmica considerem a natureza morta como o mais simples entre os cinco gêneros principais.

caricatura na pintura

As telas simbólicas são uma categoria ampla para qualquer tipo de natureza morta com um caráter religioso. Um exemplo concreto desse simbolismo é a pintura de Vanitas, que floresceu entre 1620 e 1650 e continha imagens simbólicas de caveiras, velas, rosas, ampulhetas, cartas de baralho, borboletas e outros itens que devem lembrar o espectador da transitoriedade e trivialidade da vida terrena. Imagens simbólicas nas pinturas são abertamente religiosos - pão, vinho, água e outros.

As principais características das pinturas

A magia da natureza morta está na capacidade de mostrar sua própria percepção itens comuns em volta de nós. O arranjo particular e a representação de objetos usando tinta, tinta, pastéis ou qualquer outro meio dão aos objetos um significado totalmente novo.

Os temas escolhidos para as telas têm um significado especial a nível pessoal, cultural, social, religioso ou filosófico. Os temas que envolvem as obras de arte provocam introspecção e reflexão sobre o estado de espírito do espectador. Portanto, os objetos retratados evocam uma ampla gama de emoções, dependendo da localização, escolha da cor, iluminação.

A alegoria como gênero na pintura

O assunto nas pinturas de natureza morta é definido pelos objetos representados. O estudo do simbolismo permite penetrar no significado da imagem.
emoções e eventos poça, que se baseia nas qualidades materiais de cor ou textura. Os temas são graciosamente tecidos na imagem de belos objetos, mas nem todos conseguem ver o significado dentro da estrutura de uma obra.

História

A imagem da comida era praticada em mundo antigo, mas foi revivido na história da arte como um gênero independente no século XVI. Independentemente da formação do nome do gênero, a natureza morta se desenvolveu ativamente no norte da Europa - na Holanda e na Flandres entre os artistas do fim Renascença do Norte. Escolas de natureza morta aparecem em Nápoles, Espanha e França.

Historicamente, as pinturas de natureza morta foram imbuídas de significado religioso e mitológico.
Por volta do século 16 a sociedade estava mudando. A ciência e o mundo natural começaram a substituir a religião nas pinturas.
Em meados do século 19, o mundo natural e as rosas saíram de moda. Nas obras dos pintores, havia interesse em estudar nosso mundo interior, humores e emoções.

No século 20, naturezas-mortas se dissolveram em geometria. No final do milênio, objetos em pinturas começaram a se mover para os movimentos de pop art e fotorrealismo. As pinturas hoje incluem uma gama ilimitada de objetos contemporâneos, de mictórios a latas de cerveja vazias.

pintura religiosa

Natureza morta do Renascimento do Norte e realismo holandês após 1517

A rica sociedade burguesa da Holanda é caracterizada por uma exibição materialista de consumo ostensivo. Mas foi na pintura da Europa Ocidental que o simbolismo cristão esotérico e sua Lingua dificil durante a Idade Média e o Renascimento.

A natureza morta começou a ser chamada de "natureza morta ou natureza", e as pinturas continham ênfase em conotações simbólicas inanimadas. O simbolismo desenvolvido no maneirismo abstrato e metafísico da Itália, Espanha no século XVII:

Trompley ou malandragem

No século 18

Na pintura francesa, J. B. Chardin (1699-1779) foi um mestre de muitos tipos de naturezas-mortas, desde modestos objetos de cozinha a alegorias únicas e a transmissão poética de emoções pelo simples arranjo de frutas e rosas. As suas obras distinguem-se pelo realismo pelo jogo de cores e pela transmissão artística da iluminação.

Anna Coster (1744-1818) foi uma seguidora de Chardin. Seu trabalho é muitas vezes confundido com o do mestre. Mas as composições de Koster são mais delicadas e reproduzem objetos muito estranhos.
As coleções extravagantes de corais e conchas na prateleira de pedra surpreendem com precisão quase fotográfica.

No século 19

Até meados do século XIX, a natureza morta era considerada um gênero inferior com potencial limitado para expressar um tema. A filosofia do realismo e da pintura pura de Courbet (1819-1877) foi considerada um veículo independente para forma, cor e pintura. Os pintores ignoraram a atitude zombeteira em relação ao gênero.

pintura mitológica

A revolução na pintura liderada por Manet, Renoir (1841-1919), Cézanne (1839-1906), C. Monet (1840-1926) e Van Gogh (1853-1890) encerrou para sempre o tema desta discussão. Os admiradores reconheceram que a natureza morta é um gênero eloquente, poético e "nobre" de belas artes.

No século 20

Objetos inanimados na nova natureza morta expressam o mistério do mundo através da correspondência entre formas e espaço.

Todos admiravam o prato de ostras de Manet, os crânios e relógios de Cézanne ou o vaso de íris de Van Gogh como interpretações maravilhosas do mundo ao seu redor.

Cézanne retrata uma maçã como uma mulher ou uma montanha, e J. Braque (1882-1963) retrata uma maçã como um conjunto de faces geométricas sobrepostas.

A transformação da forma e do conteúdo nos elementos mais puros da geometria, das cores e do simbolismo é visível nas composições de G. Chirico (1888-1976) e S. Dali (1904-1989) - este é o início do século XX.

O misterioso G. Morandi (1890-1964) trouxe à pintura um estilo próprio - plasticidade com uma paleta limitada, reminiscente da pintura romana.

Pastoral na pintura

O gênero foi explorado ao máximo por Pablo Picasso (1881-1973), impressionando com formas inconcebíveis e uma ampla gama de permutações estilísticas.

A famosa arte pop de Andy Warhol transforma um objeto cotidiano em uma imagem colossal.
Artistas do século 20 usaram a natureza morta como laboratório para descobrir novas técnicas e testar novas ideias conceituais. Fizeram-no em formatos representativos e abstratos, expandindo-se para outros gêneros, misturando pintura com escultura, colagem, fotografia, vídeo e hologramas, em obras classificadas como naturezas-mortas. Nas telas de hoje você pode ver as diferenças.