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- Caro Dmitry Yuryevich, breves informações biográficas sobre você podem ser encontradas na Internet, mas vamos começar de novo: com sua família, desde a infância. Como e onde começou sua introdução ao mundo da música, da voz e do teatro de ópera?

Nasci e cresci em Sverdlovsk. Meus pais, e todos os meus parentes em geral, são inteiramente físicos e matemáticos. Mamãe é professora de matemática superior na Ural State University, papai é físico, ele era diretor de um grande instituto de pesquisa, seu tio também é físico, sua tia é algebrista, seu irmão é o chefe. Departamento de Matemática da Academia, agora em Yekaterinburg. Os primos espalhados pelo mundo são todos matemáticos.

Então sou a única exceção, como dizem, na família não sem... um músico!

Mas, ao mesmo tempo, todos estudaram música na infância: tanto o pai quanto o irmão. Mas de alguma forma eu “demorei” nisso. Ele se formou na escola de música em piano e ingressou no GITIS para estudar na Faculdade de Estudos Teatrais. E aí meu pianismo acabou sendo muito útil, convivi com ele, acompanhando os vocalistas. Ou seja, foi uma espécie de “troca” - aprendi vocais com amigos e conhecidos e os “retribuí” tocando árias, romances no piano e aprendendo novas obras com eles. Eu realmente queria cantar na minha juventude, mas meus pais, sendo pessoas sérias, me aconselharam a procurar primeiro uma especialidade mais confiável, então me formei na faculdade como especialista em teatro, com especialização em ópera, e depois me formei na pós-graduação.

Infelizmente, não conheci um professor de canto de verdade que acreditasse em mim e me desse um impulso. Talvez não houvesse qualidades pessoais suficientes para uma carreira de cantor-solista, e graças a Deus percebi isso a tempo. Tudo o que não é feito é para melhor. Em geral, comecei a cantar decentemente bem tarde, aos 30 anos. Naquela época muitas pessoas já me conheciam mundo da ópera em uma capacidade diferente. A situação era delicada - no Sindicato dos Trabalhadores do Teatro eu “comandava” o teatro musical. Foi uma associação de curta duração no final da União Soviética, organizando grandes festivais e competições com orçamentos milionários e boas intenções...

No início dos anos 90, fui para a Bélgica para me aprimorar como professor de canto, e quando me ofereceram um contrato como cantor com uma agência bastante grande, de repente percebi que era tarde demais, como dizem, “todo o vapor se foi”, ou melhor, fui na outra direção – para ensinar.

- Mas há exemplos históricos de carreiras vocais tardias - o tenor Nikandr Khanaev, que começou aos 36 anos, o baixo Boris Gmyrya - aos 33 anos, Antonina Nezhdanova estreou-se no palco profissional apenas aos 29.

Em primeiro lugar, viveram no início e meados do século XX; quanto mais próximos estão dos seus contemporâneos, mais difícil é encontrar cantores que comecem aos 30 anos e, depois, cada um tem a sua própria “margem de segurança” na perseverança. em alcançar seus objetivos.

Quando tudo desmoronou União Soviética, organizamos um concerto e agência de atuação “sobre as ruínas” do STD, que teve bastante sucesso. Lembro-me daqueles dias com especial gratidão, porque pela primeira vez aos 28 anos comecei a viajar para o estrangeiro por algum motivo antes não me tinham permitido ir para o estrangeiro; Isto proporcionou uma enorme experiência auditiva, a oportunidade de conhecer as melhores produções de óperas em palcos mundiais e avaliar vozes ao vivo. cantores famosos. Eu descobri novo Mundo, onde cantavam completamente diferentes dos nossos, com raras exceções.

Tive que quebrar algumas ideias em mim mesmo, porque minha audição estava “turva” pela tradição da ópera soviética, tanto no bom quanto no mau sentido da palavra. Fui reconstruído técnica e estilisticamente, meu gosto mudou. Não foi fácil, às vezes fiz coisas estúpidas. Por algum tempo estudei com os caras por interesse, nem me lembro de receber dinheiro para aulas.

E então fui convidado para dar aulas de canto na Escola Gnessin, no departamento de atores de teatro musical. Para mim, levaram o único aluno especialmente para a admissão adicional - Rodion Pogosov. Ele tinha 16 anos na época, nunca havia cantado e geralmente sonhava em se tornar um ator dramático. Mas em universidades de teatro ele não foi aceito e “de luto” entrou na escola e acabou comigo. Já aos 19 anos, no 3º ano, estreou-se como Papageno na Ópera Novaya, e aos 21 tornou-se o mais jovem participante do programa juvenil do Metropolitan, e assim por diante. Agora Rodion é um artista internacional muito procurado.

- Bom, nem a “primeira panqueca” ficou grumosa para você!

Sim, trabalhar com meu primeiro aluno exigiu de mim muita força e energia. Eu o forcei a praticar vocais o tempo todo, em parceria com sua mãe. Não eram aulas normais, duas vezes por semana, durante 45 minutos, mas aulas quase todos os dias. Simplificando, eu o persegui, superando a resistência e a relutância em aprender. Você pode entender completamente rapaz jovem, que também não acreditava em suas capacidades vocais. Ele até riu dos cantores; o próprio processo de canto acadêmico lhe parecia ridículo.

- Acontece que você teve que estudar do zero! E tem-se a impressão de que os alunos de Vdovin - sabemos mais sobre os formandos da Academia Coral - já são rapazes preparados desde a infância, cantando dos 6 aos 7 anos, músicos muito competentes.

Agora dizem sobre mim que levo a nata da cultura, as melhores vozes, para as minhas aulas. Devemos pegar os ruins? Ou tenho que provar algo para alguém? Qualquer artista normal (artista, mestre) escolhe sempre o melhor. Sim, agora os jovens vêm até mim, vendo o resultado do meu trabalho, e tenho a oportunidade de escolher. E no começo eles me deram alunos diferentes. Então passei pela escola de retirar alunos difíceis. programa completo, e acho que isso é necessário para um jovem professor.

- Houve alguma opção completamente desesperadora? Para uma pessoa perder completamente a voz, ou abandonar a carreira vocal, mesmo que não seja sua culpa?

A idade extremamente jovem dos actuais recém-chegados é também um dos problemas. Anteriormente, as pessoas começavam a estudar canto profissionalmente aos 23-25 ​​anos, principalmente os homens, ou seja, pessoas fisicamente desenvolvidas, fortes não só no corpo, mas também no espírito, que escolheram significativamente a sua profissão. Agora, jovens de 15 a 16 anos vêm para as escolas e para a Academia do Coro da minha turma - aos 17 anos.

Acontece que aos 22 anos já são formados. Eu tinha um cara, um baixista muito bom, ele ganhava competições. Ele foi imediatamente aceito em um programa para jovens em um dos países europeus, depois para o teatro. E é isso - faz muito tempo que não ouço nada sobre ele, ele desapareceu. Os chamados contratos de festival em teatros de repertório são especialmente arriscados para vocalistas muito jovens. Isso significa cantar tudo, seja adequado ou não à sua voz. Hoje - Rossini, amanhã - Mussorgsky, depois de amanhã - Mozart, e assim por diante, até Bernstein e a opereta. Veja bem, nem alguns anos se passaram e, em vez de uma voz, há resquícios de antigas belezas.

- Mas na tradição russo-soviética, uma variedade de estilos e nomes na peça sempre se alternavam, e os principais solistas também cantavam não 6-7 “La Traviata” ou “Pikovykh”, como agora no Ocidente, mas 4-5 das mais diversas funções por mês.

Acredito que as companhias de tempo integral e o teatro de repertório estão ultrapassados, fazem mal a todos: artistas, maestros, público. Em primeiro lugar, sempre faltam ensaios para manter os títulos atuais em boa forma. Não há ensaios suficientes, mesmo em companhias poderosas como a Metropolitan Opera de Nova York ou a Staatsoper de Viena. Portanto, não pense que tudo está ruim conosco, e eles estão completamente prósperos lá. Lembro-me de como minha aluna estreou no Met no papel principal mais difícil, sem um único ensaio de palco! Então ela saiu e cantou, o toca-discos travou e ela começou a ária nos bastidores.

Portanto, não sou um defensor do sistema de repertório em nosso país, considero-o uma relíquia dos tempos soviéticos, não relacionado à arte, mas ligado apenas à legislação trabalhista, à ideologia, etc. Então agora estamos em um beco sem saída e não sabemos o que fazer. Os cantores não têm certeza do futuro, mas, aliás, da profissão artista de ópera Em geral é bastante arriscado, a voz é um instrumento muito frágil, em caso de dúvida pode e deve inicialmente escolher outro campo. Os maestros não estão felizes porque o cantor não pode interpretar Mozart hoje e Prokofiev amanhã de forma igualmente convincente. O público hoje também é mimado e precisa de estrelas ou de novos nomes. E resultam compromissos que são prejudiciais à arte.

Numa situação de free lanser, os cantores líderes têm sempre mais chances de dominar o repertório que lhes convém, de conhecer regentes interessantes, parceiros de igual nível, etc. E com que cuidado tudo pode ser ensaiado no caso de uma equipe de produção para um projeto específico!

- Mas então, numa situação em que não há nem 5-6, mas às vezes 12 apresentações consecutivas do mesmo título, os artistas não experimentam o efeito do automatismo, como os solistas nos musicais? Tenho dificuldade em entender como é possível trabalhar centenas de apresentações seguidas na Broadway com um dia de folga, muitas vezes sem reposição, retratando sentimentos, risos e lágrimas no palco...

Ao contrário da Broadway, na ópera os atores não aparecem todas as noites (exceto em emergências, há sempre um ou dois dias de descanso); E as performances raramente são realizadas mais de cinco vezes em um bloco de produção. Os melhores teatros, como o Metropolitan, estão tentando se reunir ao redor do mundo melhores desempenhos esta ópera para hoje. E acredite, em um ambiente de alto profissionalismo e perfeição de cada detalhe, fica muito mais fácil para o artista se concentrar na imagem.

O exemplo do Met também é interessante para o público, pois em uma semana é possível ouvir obras dos mais variados estilos na melhor performance. Não é segredo que visitantes e turistas tendem a ir à ópera com mais frequência do que os “nativos”. Assim, estando em Nova York em janeiro deste ano, em poucos dias visitei a talentosa compilação barroca “A Ilha Encantada”, vi o sensacional “Fausto”, depois “Tosca” e “A Filha do Regimento”. E para os “locais” lentos, os títulos de maior sucesso são repetidos após cerca de seis meses, como “Ana Bolena”, que abriu a atual temporada de ópera.

Em geral, o tema das várias tradições da existência da ópera é incrivelmente interessante e difícil. Cada país tem seus aspectos racionais que podem ser combinados para sempre, basta conhecê-los e saber fazê-lo;

- Para você pessoalmente, especialmente no início atividade pedagógica, sua falta de experiência de palco atrapalhou?

No começo, claro, sim, foi um estorvo! Naturalmente, quando assisto a uma master class com minha amada Elena Vasilievna Obraztsova, simplesmente me deleito com suas comparações e seu discurso figurativo. Sua vasta experiência, trabalho com mestres excepcionais, além de sua rica imaginação artística pessoal - tudo junto é fascinante! Ao trabalhar um fragmento de uma ópera ou de um romance que conhece bem, ela constrói todo um mundo, criado a partir do conhecimento e do talento juntos, no qual há não apenas um elemento de atuação, mas também um elemento de diretor, e até de maestro.

Estou aprendendo o tempo todo! Estudei enquanto trabalhava com a inesquecível Irina Konstantinovna Arkhipova, agora ao lado de Obraztsova, com Evgeniy Evgenievich Nesterenko, com os professores do nosso Programa Juvenil. Revejo os riffs de novas peças e produções, inclusive estrangeiras, com meus alunos. Tudo isso é busca, escola, enriquecimento da prática pessoal. Tive sorte em termos de tempo; comecei a ensinar ativamente na idade em que cantores de ópera geralmente ocupados apenas consigo mesmos e com suas carreiras. Tive a oportunidade de mergulhar profunda e amplamente nos problemas pedagógicos - de ganhar experiência pedagógica, de trabalhar com todos os tipos de vozes, de estudar diferentes repertórios.

- Deixe-me fazer aqui uma comparação um tanto inesperada. Existe a opinião de que os melhores obstetras são os homens, porque não conseguem compreender ou imaginar as dores do parto e agem com mais decisão e calma.

Sim, talvez o momento do meu distanciamento do desempenho como tal possa ser benéfico. Pensei muito sobre isso e cheguei à conclusão de que canto de ópera e pedagogia vocal são duas profissões diferentes, semelhantes em alguns aspectos, claro, mas não em tudo.

Assim como existem, se recorrermos à medicina, um cirurgião e um diagnosticador. Um excelente cirurgião com “mãos de ouro” pode ser fraco no diagnóstico e vice-versa. Essas profissões exigem conhecimentos diferentes.

Nosso pedagógico é bastante estreito quando se trata apenas de técnica vocal e exige uma amplitude de visão enorme quando surgem questões de repertório, conhecimento da profissão do cantor por todos os lados. Sim, não canto no palco, mas faço isso o tempo todo nas aulas, mostrando com a voz. Não toco piano em público, mas consigo acompanhar bem os alunos. Eu era gestor, então posso falar aos alunos sobre as armadilhas dos contratos, sobre as más e boas condições de desempenho. Só que não fui eu quem dirigiu ou encenou a ópera, mas, mais uma vez, desempenho essas funções nos ensaios.

- E com tudo isso, você, Dmitry, é uma exceção à regra - um professor de canto de sucesso que não se apresentou no palco. Existem outros colegas com destino semelhante?

Posso citar Svetlana Grigorievna Nesterenko (homônima do nosso grande baixo), trabalhamos juntas no Programa Juvenil do Teatro Bolshoi, ela chefia o departamento vocal da Academia Coral. VS Popova. Entre seus alunos estão Alexander Vinogradov, Ekaterina Lyokhina, Dinara Aliyeva e muitos outros cantores dignos. E o público em geral não conhece muitos professores ocidentais de destaque como cantores. E em geral, nós, professores de canto, somos lutadores na frente invisível.

E apesar de todas as reclamações, o nível geral de cantores no mundo é hoje bastante elevado, há até um certo excesso de oferta deles, mas a escassez de professores vocais sérios e que valham a pena é constante, pois era uma profissão fragmentada, e continua assim. . Esse é o paradoxo.

No início do trabalho, comentários de vocalistas experientes de que eu, dizem, não sou cantor, não senti cheiro de maquiagem, não experimentei isso e aquilo, doeram, não muito, mas me arranharam. E agora eu absolutamente não me importo. Me acalmei nesse sentido, tenho tantas tarefas, e tanta responsabilidade por dezenas de meus alunos de sucesso que estão espalhados pelo mundo. Precisamos evitar que eles cometam erros, que tentem interferir no seu repertório, precisamos escrever para eles, ligar, convencê-los. Até o ponto de conflito - isso é raro, mas já aconteceu que terminou em briga e separação (não da minha parte). Todos querem ser adultos e ao mesmo tempo todos são vulneráveis, como as crianças! Às vezes eles não entendem que seu bom canto é meu profundo interesse, e não que eu seja um tirano com um chicote, vim a uma peça ou show para criticá-los duramente.

- Um professor muito velho e sábio de uma escola de música sempre logo após um concerto apenas elogiava os alunos e adiava o “debriefing” para o dia seguinte. Como o palco é adrenalina, eles ainda não entenderão as críticas a sério na euforia dos aplausos, mas as asas e a vontade da criança de tocar música podem ser interrompidas com um comentário contundente.

Nesse sentido, tenho um caráter difícil. Sei que estou agindo errado, sendo uma pessoa emotiva e durona, mas nem sempre consigo me conter, embora tente.

Recentemente houve um concerto que não teve muito sucesso. Foi assim que aconteceu - uma situação difícil, poucos ensaios, mau contato com a orquestra. No final, fui até a galera e simplesmente citei E.V Obraztsova novamente: “Camaradas, hoje não tivemos um teatro, mas um clube com o nome de Tsuryupa”. Todos, claro, ficaram muito tristes, mas isso não impediu que o segundo show do dia seguinte fosse muito melhor!

Às vezes, é claro, você machuca seus alunos. Mas ao mesmo tempo eu digo: gente, mas eu também me machuquei e me ofendi com comentários, não culpo vocês por tudo, esses são nossos erros comuns, eu mesmo não durmo à noite, sofro, analiso .

- Professor que não repreende é o mesmo médico que não trata!

Existem também questões de diferenças mentais. Uma de minhas colegas, uma pianista muito famosa e uma professora maravilhosa na América, certa vez levantou a voz com raiva e jogou as notas para um aluno. Tem investigação, polícia, escândalo... Portanto, nos EUA não foi fácil para mim me acostumar a trabalhar nesse sentido: bom, às vezes eu quero adicionar emoções, levantar a voz para o aluno, mas isso é impossível lá.

Mas os alunos de lá são diferentes! Fiquei chocado na minha primeira visita à master class em Houston. Um bom e jovem barítono veio até mim e me mostrou a ária de Eletsky. Ofereci-lhe uma aula extra à noite, depois de todos os outros. Ele queria passar pela Cavatina de Figaro desde Sevilha. Mas às 18 horas, minuto a minuto, a pianista levantou-se e saiu - a jornada de trabalho acabou, tudo era rigoroso. Eu mesmo percebi que ficaria muito perdido no acompanhamento bravura de Rossini e disse: “Você gostaria de cantar Yeletsky de novo?” Ele concordou prontamente e me surpreendeu - nas poucas horas que se passaram desde a aula da manhã, ele consertou tudo! Todos os meus comentários sobre fraseado, pronúncia, entonação, atuação - tudo foi levado em consideração!

"Como você está fazendo isso?" - Pergunto-lhe. “Maestro, sentei-me, olhei as notas durante 15 minutos, ouvi a gravação da nossa aula, compreendi o que você disse - e a ária já está pronta.”

Foi um choque alegre para mim! Voltando a Moscou - como ele censurou seus alunos nativos por esse incidente, até que você diga a eles vinte vezes, eles não farão isso! Eles chegam às aulas sem gravador, às vezes até sem lápis e uma cópia extra da partitura para fazer anotações. O que posso dizer? Você tem que ser duro.

- Também tem meninas na sua turma. Existe diferença nas abordagens?

Até certo ponto, é mais fácil para mim com rapazes, mas sem meninas na classe seria simplesmente chato! É claro que a voz de uma mulher exige que eu tenha uma abordagem diferente da realidade vocal e maior concentração. Material diferente e, consequentemente, ferramentas diferentes. Requer mais reflexão, mais esforço e até mesmo conhecimento técnico e experiência. Mas, como a vida tem mostrado, em geral, e com nas vozes das mulheres Eu posso fazer isso. E na sala de aula, a presença de diferentes gêneros dá uma enorme vantagem em termos de repertório e podem ser executados duetos;

- Existe uma crise geral na voz mundial no final do século XX e início do século XXI? comparado, por exemplo, com os anos 60-70 do século 20 e, em caso afirmativo, por quê?

Se você pensar dessa forma, então a crise sempre existiu. Durante o apogeu de Callas e Del Monaco, houve quem falasse com saudade dos tempos de Ponselles, Gigli e Caruso, e assim por diante, remontando ao fundo do tempo, ao início do século XIX, até completamente nomes lendários. Isto é da série: “O céu estava mais azul e a grama mais verde”.

Em princípio, a escola tornou-se melhor e mais igualitária em países diferentes, porque passamos a viver num único espaço de informação, tivemos a oportunidade de ouvir muitas vezes ao vivo ou numa gravação muito recente tudo o que há de melhor no mundo cenas de ópera. Para muitos amantes da música, embarcar num avião e em poucas horas estar em qualquer capital da música tornou-se uma realidade acessível.

Na minha opinião, a crise está noutro lado. Existem agora muitos profissionais fortes, o número de desempregados está a aumentar entre os quadros intermédios, mas há muito poucas vozes extraordinárias e notáveis. E não tanto em beleza, mas em potência e volume de som.

- Associo-me inteiramente a vocês - posso reconhecer poucos dos melhores cantores de ópera de hoje sem um anúncio no rádio, embora os “velhos” - instantaneamente, com duas notas!

E estes são também os custos da tecnologia! Todos começaram a cantar igualmente bem. Muitos antigos grandes nomes eram reconhecíveis, extraordinários e belos não só pelos seus méritos, mas também pelas suas “irregularidades divinas”, como os incomparáveis ​​Callas. Faltam não apenas timbres brilhantes, mas sobretudo individualidade, com raras exceções. Em parte porque os cantores tornaram-se agora extremamente dependentes dos ditames do diretor e a sua profissão não está na primeira linha em termos de importância para o teatro de ópera.

- Ah, nosso tópico favorito sobre o “diretor”! Como você se sente em relação a ela?

Agora é um período do teatro musical que todos estamos vivenciando, como doença ou mau tempo. Lembra quando estudamos a história da música e falamos sobre a “queda da ópera” na época barroca, sobre o “concerto fantasiado”? Em meados do século XX, junto com Callas, Luchino Visconti reinou nos palcos mundiais, a ópera começou a se fundir com o mundo do drama, do cinema, a desenhar imagens da pintura e, de certa forma, a ascender; nível artístico. Mas, como resultado, a ópera foi para o outro extremo, o maneirismo. Isto é especialmente radical na Alemanha, tanto que Peter Stein já disse em algum lugar quando se tratava de direção de ópera alemã: “Desculpe, mas neste contexto não me sinto confortável em me chamar de diretor alemão, não me considero um .”

Mas é interessante que durante séculos se tenha falado sobre a morte da ópera. Ela sempre se entrega a alguns extremos. Mas quando, ao que parece, tudo acabou, de repente ela consegue encontrar novos meios e reaparecer com toda a sua beleza.

- Sim Sim! É por isso que produções de fantasias tradicionais, como “Werther” em 2010 na Opéra Bastille em Paris, “Adrienne Lecouvreur” na temporada passada em Covent Garden, ou o mais recente “The Enchanted Island” no Met, arrancam aplausos desde a primeira abertura do cortina.

Mas eu não gostaria de parecer completamente ortodoxo, retrógrado e conservador nesta situação. Existem produções de ópera modernas surpreendentemente sutis e profundas.

Cada um determina o grau de persuasão e talento do próprio diretor, e também desenvolvi uma opinião pessoal sobre o assunto. Acredito que se a produção tiver uma lógica profunda, se cada “arma disparar”, então a produção é um sucesso. E se o diretor simplesmente reuniu em uma peça todas as imagens e metáforas que economizou de anos anteriores de inatividade, e não conseguiu sobreviver, e nós sentamos e não entendemos - então por que isso acontece? Em teoria, literalmente “andar sobre a cabeça” pode ser convincente, como demonstrou Nathalie Dessay em Ariadne auf Naxos.

- Mas o mestre vocal Vdovin não pode falar que andar de cabeça para baixo enquanto canta é difícil e não fisiológico, para defender seus alunos?

Não, infelizmente não posso dizer nada, embora às vezes fique indignado com muitas coisas. No teatro, todas as pessoas são dependentes e devem ser fiéis ao plano do diretor. Às vezes vejo que as pessoas ficam envergonhadas ao ponto de ficarem envergonhadas no palco em algum arranjo de diretor. De que persuasão artística estamos falando aqui! E o mais triste é que, tirando o egoísmo e o capricho, às vezes isso não faz o menor sentido. Mas, por outro lado, concordo que é possível mostrar um artista mesmo de uma forma feia, se houver nisso um propósito artístico verdadeiramente profundo.

Sou um especialista em teatro por formação, cujo primeiro diretor foi Pavel Aleksandrovich Markov, e cujo principal mestre foi Inna Natanovna Solovyova, ótimas pessoas. Vivi bons momentos no teatro - fui a apresentações de A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, e houve tantas turnês em Moscou...

- Existem alunos que não querem “dobrar-se” à tirania dos encenadores e imaginar-se apenas no género puro de concerto de câmara?

Conheci uma dessas pessoas, embora ele não fosse meu aluno. Ele tem tudo para se tornar um fenômeno marcante do nosso tempo - este é o baixo Dmitry Beloselsky. Deixou o coral e por muito tempo cantou apenas cantatas-oratório e concertos. Eu não queria ir à ópera. Só recentemente, aos 34 anos, ele mudou de ideia, veio para o Teatro Bolshoi e, graças a Deus, é assim. Nessa idade ele tem mais chances de não gozar. antes do previstoà distância, com inteligência e compreensão, construir um longo carreira de sucesso. Dmitry agora tem um sucesso incrível onde quer que atue. Do Metropolitano ao Bolshoi. Mas "puro" cantor de concerto Infelizmente, é difícil sobreviver financeiramente; a profissão de intérprete de câmara está praticamente morrendo. Infelizmente!

- O conceito de “russo” faz sentido hoje em dia? escola vocal"? A esse respeito, no concerto de formatura do Programa Juvenil do Teatro Bolshoi na primavera passada, que você, Dmitry, dirige, foi desagradavelmente surpreendente como os jovens cantores lidam melhor e mais convincentemente com a música ocidental e como é problemático para eles se apresentarem. Russo.

A escola russa existe sem dúvida porque existe uma enorme herança da ópera e língua russa. E como componente - tradição teatral. O próprio repertório russo dita uma abordagem técnica diferente das obras de italiano, francês, Música alemã. O problema, na minha opinião, é que a nossa música é pensada principalmente para vozes muito fortes, para cantores maduros. Já que a maioria das óperas foram escritas para os dois Teatros Imperiais, que sempre foram famosos por suas vozes poderosas e profundas. A questão de onde encontrar o verdadeiro Herman ou Marfa para “Khovanshchina” hoje está se tornando cada vez mais difícil de resolver...

Aliás, na América Tatiana é considerada uma faixa etária mais forte do que Lisa em “Spade”. E Yeletsky é mais forte que o conde em As Bodas de Fígaro. Lensky e Onegin também não são considerados papéis juvenis, como é costume aqui, apenas porque Pyotr Ilyich escreveu suas cenas líricas para estudantes do Conservatório de Moscou. Mas há uma orquestração muito densa e uma tessitura vocal complexa, com grandes saltos para o topo e para o fundo da gama, o que, acredite, como professor, nem todos os jovens cantores conseguem fazer. E considerando o quão problemática é a acústica em muitas salas, e o quão barulhentas as orquestras gostam de ser, você precisa ter vozes muito poderosas e fortes para suportar tudo isso. Desculpe, mas acho que a Cavatina de Antonida de Glinka, por exemplo, é tão difícil de escrever, por isso Boa performance Preciso imediatamente dar uma medalha para a soprano nos bastidores! Outro ponto delicado é que os compositores russos, apesar de toda a sua genialidade, nem sempre dominavam as sutilezas da escrita vocal. E isso é compreensível - ela mesma tradição operística na Rússia não é tão antigo, e muitos dos seus representantes aprenderam isso sozinhos.

Mais sobre Glinka, em conexão com a sensacional última estreia de “Ruslan”, agora estou falando apenas do lado vocal, porque houve declarações na imprensa de que, dizem, não há ninguém realmente para cantar em comparação com o produção anterior do Teatro Bolshoi na década de 70 por B.A. Direi como testemunha viva e ouvinte - sim, naquela apresentação estavam os brilhantes Ruslan - Evgeniy Nesterenko, Lyudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir. Mas entre a abundância de personagens (e a performance foi realizada em 2 a 3 elencos), houve cantores que, por motivos desconhecidos, apareceram no palco do Teatro Bolshoi, e, não é segredo que houve apresentações, ao ir ao qual se poderia perder para sempre o interesse pela ópera como tal.

Deixe-me voltar à divisão de gêneros - existem cantores maravilhosos que são únicos nas óperas de Mozart, e isso é tudo. E outros deveriam cantar exclusivamente música russa - este é o seu ponto forte. Mas quando eles começam a cantar isso e aquilo, é pior para Mozart, Glinka e para os ouvintes.

- Infelizmente, nem todos os cantores têm uma mente analítica sóbria e vontade de recusar projetos aventureiros, como o seu Dmitry Korczak, que já foi oferecido para cantar Herman!

Sim, o Dima é ótimo nesse sentido, mas o fato de haver tão pouca música russa no repertório dele, porque a voz dele é muito leve, é uma pena, ele faz isso muito bem. E Vasily Ladyuk, aliás, também. Lembro-me da noite em que ele apresentou romances russos - embora não goste de obras de câmara orquestradas, Mikhail Pletnev fez-o espantosamente bem, foi um dos melhores concertos para compreender o significado da música!

Em geral, para cantar bem a música russa, é preciso trabalhar muito para se livrar de um grande número de clichês próprios, para não perder a sensação de frescor. Às vezes, os estrangeiros apresentam novos tons incríveis, e às vezes inconscientemente percebemos a tradição como um urtexto, clichê da gravação de um clássico reconhecido da cena russa de muito tempo atrás.

- Sobre “ouvir” gravações antigas. Há muito que ficou gravada na minha alma a afirmação de Svyatoslav Teofilovich Richter de que os jovens modernos, estragados pela disponibilidade de equipamentos de gravação, se acostumam a se controlar constantemente de fora, após a apresentação. E as gerações anteriores de músicos, privados deste benefício da civilização, desenvolveram a chamada “pré-audição”, ou seja, a capacidade de sentir antecipadamente a próxima frase musical, com o ouvido interno.

Ao ponto. Recentemente ouvi uma gravação de áudio do Met - “As Bodas de Fígaro”. E durante os conjuntos, às vezes eu não conseguia entender, sentado sem notas, quem estava soando agora - a Condessa, Suzanne ou Cherubino. Porque todos os três, desculpe, são pequenos Renee Flemings! Claro, a disponibilidade de gravações sonoras de tudo e de todos, You Tube, etc. deixe sua marca artistas contemporâneos, e a interpretação clichê vem daqui.

- Mas você pessoalmente permite que os alunos usem a tecnologia nas aulas e apresentações?

Eu permito, sim. Como pessoa de teatro, entendo que quando você começa a montar tarefas com a galera, procurando a origem disso ou daquilo imagem musical, causas e consequências - então os clichês desaparecem, a pressão sobre as gravações de áudio e vídeo de outras pessoas desaparece.

- Os cantores precisam de contexto histórico, conhecimento sobre a época e local de atuação de seu herói, sobre a biografia do autor?

Bem, claro! Um artista ou cantor de ópera deve ser uma pessoa educada! Para preencher o trabalho, o texto com significado - mesmo em língua maternaé preciso entender não só as palavras, mas também toda a situação em torno do personagem, enredo, conexões históricas, se esse for o material. É terrível quando os jovens não sabem os nomes dos poetas que escreveram as letras dos romances, ou ficam sem saber onde fica a Flandres, que é cantada na ária de Don Carlos. Ou não percebe que a ária é dirigida a um parceiro e, essencialmente, trata-se de um dueto.

O mais importante é desenvolver a imaginação artística do cantor, fazê-lo ver e compreender o que está no fundo e nas entrelinhas.

- Em parte uma pergunta provocativa: o que você prefere - os vocais brilhantes do cantor combinados com talento artístico limitado e aparência indefinida, ou, pelo contrário, talento artístico brilhante com vocais muito moderados?

Pessoalmente, prefiro agora ficar em casa numa situação destas! Mas, falando sério, na ópera, um talento artístico brilhante combinado com vocais medíocres é inadequado; um vocalista pode não ser excelente em termos de força ou timbre, mas deve dominar totalmente seu instrumento. Caso contrário, de forma alguma, uma figura esbelta, traços faciais corretos e habilidades de atuação não irão salvá-lo se você perder completamente as notas - o que fazer, um gênero sintético.

É por isso que valorizamos tanto os mais raros exemplos da harmonia de tudo: uma voz fenomenal, musicalidade, enorme temperamento de atuação combinado com uma beleza brilhante e muito corajosa - assim foi Vladimir Andreevich Atlantov, que reinou no palco do Teatro Bolshoi. Tive a sorte de me comunicar com ele anos de estudante. Atlantov, provavelmente, não foi um exemplo de escola vocal ideal e refinada, mas me deu muito em termos de compreensão do processo do canto lírico, do que um verdadeiro Artista deveria ser.

Entrevistado por Tatyana Elagina

Vale ressaltar que em três óperas, apresentada no festival ROF deste ano, as partes principais do tenor serão executadas por cantores da Rússia, todos alunos do professor Dmitry Yuryevich Vdovin.

Os meses de verão, ao que parece, deveriam trazer um declínio na intensidade das paixões teatrais, mas isso não acontece. Apenas no verão acontecem inúmeras competições e festivais difíceis e de muito prestígio. Entre o grande número de festivais, um lugar especial pertence ao ROF - Rossinievsky Festival de Ópera, realizada anualmente na cidade de Pesaro, na Itália, cidade natal de Gioachino Rossini. A abertura deste festival acontecerá no dia 10 de agosto.

A programação do ROF-2017 será aberta com a apresentação da ópera “O Cerco de Corinto” de G. Rossini, com o tenor Sergei Romanovsky no papel principal. No dia seguinte, 11 de agosto, será apresentada a ópera Touchstone de G. Rossini com a participação do tenor Maxim Mironov. A ópera “Torvaldo e Dorliska” de G. Rossini será apresentada no dia 12 de agosto, e nela cantará o tenor Dmitry Korczak. Todos eles são alunos de Dmitry Vdovin.

- Qual é o segredo do “fenômeno escolar Vdovin”?

Uma pergunta que não é fácil de responder, pois é um tanto “fanfarra” por natureza. E, como você sabe, “com alarde” você pode trovejar. (risos) Mas por outro lado, não vou mentir, há resultados e os cantores com quem trabalhei ocupam um lugar definido e sério no teatro de ópera mundial. É interessante que na minha adolescência me interessei muito por Rossini. Isto se deveu às gravações de “O Barbeiro de Sevilha” e “Mulher Italiana na Argélia”. Foram feitas em russo, o que também desempenhou um papel importante; eu era muito jovem e, talvez, atuar em italiano não me cativasse tanto. Fiquei cativado pela teatralidade de Rossini, pelo seu humor, pela sua espantosa generosidade melódica e pelo seu hedonismo vital. E para mim, que vivi no clima rigoroso dos Urais e nas condições não menos adversas da URSS, não só a sua música, mas também toda a sua história (estava a ler “A Vida de Rossini” de Stendhal) parecia uma espécie de mundo extraordinário e festivo. O que eu só poderia fazer como um humilde proprietário de discos de vinil.

Mas aconteceu que no início do meu trabalho docente chegaram até mim três tenores com uma pequena lacuna no tempo, que se tornaram especialistas no repertório de Rossini. É verdade que nem tudo funcionou de forma tão simples. Maxim Mironov, de 18 anos, imediatamente, sem dúvida, pelas especificidades de sua voz invulgarmente aguda e muito móvel, foi considerado por mim um tenor de Rossini. A primeira ária que dei a ele foi Languir per una bella de An Italian Woman in Algiers, e depois O come mai non senti de Othello. E hoje ele é um dos melhores Lindors e Rodrigos.

Sergei Romanovsky... Nos primeiros meses e até um ano, provavelmente trabalhei mais com ele em Don Ottavio, Nemorino, Lensky. Embora não, logo começamos a cantar “Cinderela”, e lembro como Mironov a ouviu pela primeira vez, me ligando, como se outra pessoa cantasse Rossini. Foi Romanovsky! Mas a abordagem séria de Serezha a Rossini ocorreu quando decidi fazer uma apresentação semi-palco de “Journey to Reims” em Moscou. É preciso dizer que esta história de 10 anos atrás apresentou muitas pessoas tanto à profissão quanto ao mundo Rossini. Mas ela deu muito especialmente a Romanovsky, que era o único conde Libenskof. Esta é a parte mais difícil, mais virtuosa, e graças a ela atraiu a atenção de especialistas, muitos dos quais vieram especialmente a Moscou naquela época para nossa atuação praticamente estudantil. Logo depois, estreou-se nesse papel na Itália, em Treviso e Jesi, e logo descobriu-se que em uma série de apresentações no La Scala, Libenskoff cantou sucessivamente Korczak e Romanovsky. Foi um momento muito arriscado, era cedo para estrear num teatro tão importante tão jovem. Mas, mesmo assim, tudo seguiu em frente. Mironov cantou seu primeiro Rossini em La Fenice em Veneza (Mahomet II), este foi seu primeiro contrato no Ocidente após a competição Neue Stimmen, onde no final da ária de Lindor ele assumiu o Mi bemol estratosférico superior. A propósito, devo dizer que no início dos anos 2000 não havia tantos tenores Rossini como agora. A concorrência aumentou visivelmente.

Dmitry Korczak, que considerei mais como um tenor de Mozart, da ópera lírica francesa e do repertório russo (e acredito até hoje que estes são os seus mais forças), no entanto, Rossini começou a cantar muito. Suas excelentes habilidades musicais atraíram a atenção de grandes maestros (Muti, Chailly, Maazel, Zedda), bem como de Ernesto Palacio, ex-tenor Rossini muito proeminente, mais tarde mentor de Juan Diego Flores, e agora a primeira pessoa no mundo Rossini. , diretor do festival, e agora da Academia de Pesaro, terra natal de Rossini. Foi ele, Maestro Palacio, quem reuniu este ano os nossos três tenores, dos quais não posso deixar de me orgulhar.

Existem três tenores no ROF-2017, e todos eles são seus alunos. Estes são Korczak, Mironov, Romanovsky. São diferentes, claro, mas o que os une como seus alunos?

Eles são talentosos, muito inteligentes, cada um à sua maneira, e muito trabalhadores. Não suporto pessoas preguiçosas. Proprietários preguiçosos lindas vozes- para mim, são filisteus da arte, uma espécie de rentistas mentalmente barrigudos de suas habilidades vocais. Esses três não são nada disso. Artistas muito responsáveis, sérios e atenciosos. Isto é o que os une

Vdovin Dmitry Yurievich
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Ocupação:	intérprete de ópera, professor de canto
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Crianças:	Erro Lua no Módulo:Wikidata na linha 170: tentativa de indexar o campo "wikibase" (um valor nulo).
Prêmios e prêmios:
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Dmitry Yuryevich Vdovin(b.) - Figura de ópera russa e professor de canto, Artista Homenageado da Federação Russa, professor da Academia de Artes Corais.

Diretor artístico do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi da Rússia.

Biografia

Nasceu 17 de abril 1962 em Sverdlovsk (agora Yekaterinburg). Graduado Instituto Estadual Artes Teatrais (agora RATI) em Moscou, e depois estudou na escola de pós-graduação desta universidade sob a orientação da professora Inna Solovyova como crítica de teatro (ópera), publicada nos principais jornais e revistas centrais. Posteriormente, passou por uma reciclagem e se formou na Academia de Artes Corais. V. S. Popova como vocalista e professora de canto. De 1987 a 1992 - funcionário responsável por trabalhos na área de teatro musical do Sindicato dos Trabalhadores do Teatro da URSS. Formada como professora de canto no ECOV - Centro Europeu de Ópera e arte vocal na Bélgica sob a direção do chefe do departamento vocal do Curtis Institute of Music da Filadélfia, Michael Elisen (1992-1993). Em 1992, Dmitry Vdovin tornou-se diretor artístico do Centro de Música e Teatro de Moscou, uma agência de arte que participou de projetos criativos conjuntos com grandes teatros, festivais e organizações musicais internacionais. Desde 1996, D. Vdovin colaborou com a grande cantora russa I. K. Arkhipova como professora e líder dela Escola de Verão, co-apresentadora de sua televisão e programas de concertos. De 1995 - professor, de 2000 a 2005. - Chefe do departamento vocal da State Medical University em homenagem. Gnesins, em 1999-2001 - professor da Academia Russa de Música. Gnesins, desde 2001 - professor associado, chefe (até 2003) do departamento cantando sozinho Academia de Arte Coral em homenagem. V. S. Popova, desde 2008 - professor da AHI. D. Vdovin ministrou master classes em muitas cidades da Rússia, bem como nos EUA, México, Itália, Letônia, França, Polônia e Suíça. Ele foi professor convidado regular no Programa Juvenil da Houston Grand Opera (HGO Studio). De 1999 a 2009 - diretor artístico e professor do Moscow Escola Internacional domínio vocal, que possibilitou que os maiores professores e especialistas de ópera da Rússia, EUA, Itália, Alemanha e Grã-Bretanha viessem a Moscou para trabalhar com jovens cantores

Membro do júri de vários concursos vocais de prestígio - o Concurso Internacional que leva o seu nome. Glinka, 1º e 2º totalmente russo competições musicais, Concurso Internacional Le voci verdiane (Vozes de Verdi) em Busseto, Concurso Internacional Vocal. Viotti e Pavarotti (Itália), Competições internacionais em Paris e Bordéus (França), Competizione dell'opera Italiana no Teatro Bolshoi, Competição internacional em Montreal (Canadá), competição do canal de TV "Cultura" "Grand Opera", competição vocal em Izmir (Turquia), Competições Internacionais com o seu nome. Moniuszko em Varsóvia, "Die Meistersinger von Nürnberg" em Nuremberg, Opera de Tenerife na Espanha.

Desde 2009 - um dos fundadores e diretor artístico do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi da Rússia. Desde 2015 - professor convidado do International estúdio de óperaÓpera de Zurique. Master classes no Metropolitan Opera, Nova York (Lindemann Young Artist Development Program).

Consultor musical do filme de Pavel Lungin " rainha de Espadas" (2016).

Além disso, D. Yu. Vdovin foi vice-gerente das equipes criativas da trupe de ópera do Teatro Bolshoi (2013-2014).

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Notas

Ligações

http://gazetaigraem.ru/a21201406

Trecho caracterizando Vdovin, Dmitry Yurievich

- Não, Isidora. Você sabe o que significa a palavra Franks? – balancei a cabeça negativamente. “Franks” significa simplesmente grátis. E os merovíngios eram o norte da Rússia que vieram ensinar aos francos livres a arte da guerra, do governo do país, da política e da ciência (assim como foram para todos os outros países, nascendo para o ensino e benefício de outras pessoas vivas). E eles foram chamados corretamente - Meravingli (nós-Ra-in-Inglia; nós, os filhos de Ra, trazendo Luz para nossa Inglaterra Primordial natal). Mas, claro, então esta palavra, como muitas outras, foi “simplificada”... e começou a soar como “Merovíngios”. Assim foi criada uma nova “história”, que dizia que o nome Merovíngios veio do nome do rei franco - Meróvia. Embora este nome não tenha nada a ver com o rei Meróvio. Além disso, o rei Merovius já era o décimo terceiro dos reis merovíngios. E seria mais lógico, naturalmente, nomear toda a dinastia com o nome do primeiro dos reis reinantes, não seria?
Assim como a outra lenda estúpida sobre o “monstro marinho” que supostamente deu origem à dinastia merovíngia, esse nome, naturalmente, também não teve nada a ver com isso. Aparentemente, os Pensadores das Trevas realmente queriam que as pessoas não soubessem o verdadeiro significado do NOME da dinastia Frank governante. Portanto, eles tentaram renomeá-los rapidamente e transformá-los em reis “fracos, azarados e patéticos”, mentindo mais uma vez sobre a história do mundo real.
Meravingli foi uma dinastia brilhante, inteligente e talentosa do norte da Rússia que voluntariamente deixou sua grande pátria e misturaram seu sangue com as mais altas dinastias da então Europa, para que desta nascesse uma nova e poderosa Família de mágicos e guerreiros, que poderiam governar com sabedoria os países e povos que habitavam a Europa semi-selvagem daquela época.
Eles eram mágicos e guerreiros maravilhosos, podiam curar os sofredores e ensinar os dignos. Sem exceção, todos os Meravigli usavam roupas muito cabelo longo, a quem eles não concordaram em cortar em nenhuma circunstância, uma vez que extraíram Poder Vivo através deles. Mas, infelizmente, isso também era conhecido pelos Pensadores das Trevas. É por isso que o mais castigo terrível A última família real Meravingl foi tonsurada à força.
Após a traição do tesoureiro real judeu, que com mentiras e astúcia colocou irmão contra irmão, filho contra pai nesta família, e então facilmente jogou com o orgulho e a honra humanos... Então, pela primeira vez na família real de Meravingley, a antiga fortaleza foi abalada. E a fé inabalável na unidade da Família deu a primeira rachadura profunda... A guerra centenária dos Meravingleys com o clã adversário começou a chegar ao seu triste fim... O último verdadeiro rei desta maravilhosa dinastia - Dagobert II, foi, novamente, morto traiçoeiramente - ele morreu enquanto caçava nas mãos de um assassino subornado que o esfaqueou nas costas com uma lança envenenada.

Foi aqui que terminou (ou melhor, foi exterminada) a dinastia mais talentosa da Europa, que trouxe luz e força ao povo europeu não esclarecido. Como vocês podem ver, Isidora, covardes e traidores em todos os momentos, não ousaram lutar abertamente, sabendo com certeza que nunca tiveram e não teriam, nem a menor chance de vencer honestamente. Mas com mentiras e baixezas derrotaram até os mais fortes, usando a sua honra e consciência a seu favor... sem se preocuparem com a sua própria alma “perecendo na mentira”. Assim, tendo destruído os “iluminados interferentes”, os Pensadores das Trevas criaram uma “história” que lhes convinha. E as pessoas para quem tal “história” foi criada aceitaram-na imediatamente, sem sequer tentar pensar... Esta, novamente, é a nossa Terra, Isidora. E estou sinceramente triste e magoado por não conseguir fazê-la “acordar”...
Meu coração de repente doeu amargamente e dolorosamente... Então, afinal, em todos os momentos houve coisas brilhantes e pessoas fortes, que lutou corajosamente, mas desesperadamente, pela felicidade e pelo futuro da humanidade! E todos eles, via de regra, morreram... Qual foi o motivo de tão cruel injustiça?.. Qual foi o motivo de mortes tão repetidas?

No dia 17 de abril de 2017, um dos professores de ópera mais famosos do mundo, Dmitry Vdovin, comemora seu aniversário - o maestro completa 55 anos.

Seus alunos venceram os concursos de maior prestígio, ele trabalha em os melhores teatros, mas permaneceu fiel ao Bolshoi por mais de trinta anos.

O chefe do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi, Artista Homenageado da Federação Russa, Professor Dmitry Vdovin, falou abertamente sobre as complexidades de seu trabalho e a rapidez com que o mundo da ópera está mudando (e o que fazer a respeito) em uma entrevista exclusiva para Rádio Orfeu.

– Você voltou recentemente do Metropolitan Opera, onde deu master classes. Quais são as principais diferenças entre programas juvenis e cantores?

– Existem mais semelhanças do que diferenças. Conheci programas para jovens nos Estados Unidos e comecei a trabalhar lá. Quando inauguramos o Programa Jovem no Bolshoi, aproveitei essa experiência e fez sentido: por que abrir uma bicicleta? Quanto ao nível dos cantores, seria um tanto imodesto se eu dissesse que o nível dos nossos cantores é mais elevado. Mas, claro, existem diferenças.

Não somos tão cosmopolitas e internacionais como os nossos colegas de Nova Iorque, Londres ou Paris. Nesse sentido, eles, claro, têm mais oportunidades. Para trabalhar no Teatro Bolshoi e morar em Moscou em geral, você precisa falar russo, e isso não é fácil para os estrangeiros. Temos muitos deles, mas na maioria das vezes são cidadãos de repúblicas ex-URSS– convidamos cantores do círculo de língua russa.

Em segundo lugar, os nossos colegas do Ocidente grandes teatrosàs vezes um orçamento mais significativo. Mas me parece que o nosso programa, mais que outros, trabalha justamente no desenvolvimento do artista. Vamos chamar as coisas pelos seus nomes: em muitos teatros o principal objetivo desses programas é utilizar jovens artistas em pequenos papéis no repertório atual.

– Um cantor novato não tem a oportunidade de cantar com uma orquestra de verdade ou atuar em uma ópera. Os teatros da capital estão superlotados, onde podemos conseguir essa experiência necessária?

– Esse foi o ponto de criação do Programa Juventude no Teatro Bolshoi. O sistema educacional para vocalistas na Rússia é muito arcaico. Temos intervenções inovadoras no geral sistema educacional, mas às vezes são mal concebidos, absurdos e nem sempre se harmonizam com as nossas tradições e mentalidade. Foi o caso do Exame Estadual Unificado, que causou rejeição na sociedade e uma enorme onda de emoções negativas.

É claro que são necessárias mudanças no sistema de educação vocal. Este sistema é antigo, desenvolveu-se há 100-150 anos, quando foram criados os primeiros conservatórios. Hoje devemos compreender que o teatro de ópera tornou-se em grande parte um teatro de encenação. E quando o sistema existente foi criado, o teatro era puramente vocal, em Melhor cenário possível- condutor. Muito mudou desde entao. O diretor hoje é uma das principais figuras de um cantor, não só a voz é importante, mas também a atuação e a componente física.

Em segundo lugar, se há 30 anos no nosso país a ópera era apresentada em russo, agora tudo é apresentado na língua original. Além disso, as demandas por textos musicais aumentaram. Hoje em dia já não é possível cantar tão livremente como cantavam os nossos grandes cantores há 30 anos. E o cantor deve ter um preparo adequado para isso. Deve haver sempre um ajustamento pedagógico ao tempo atual e às suas tendências complexas.

Se você ouve um cantor dos anos 70, precisa entender que algumas coisas não podem ser feitas hoje. A própria estrutura da ópera e do negócio da ópera mudou. Não basta um cantor conhecer apenas o teatro russo; ele precisa conhecer as tendências do teatro mundial, conhecer as inovações que os artistas, maestros e encenadores trazem, e elas já mudaram muito na percepção da ópera.

– Não bastam apenas dois programas de ópera para um país tão cantante como o nosso?

– Não se esqueça que ainda existe o Centro Galina Vishnevskaya de Canto de Ópera. Provavelmente, muitas casas de ópera têm grupos de estagiários.

O programa juvenil, tal como existe nos grandes teatros, é um empreendimento muito caro. Se este é realmente um programa para jovens, e não uma espécie de grupo de estágio, quando as pessoas são colocadas em período probatório e decidem se vão continuar com ele ou não.

E o programa juvenil inclui professores, treinadores (pianistas-tutores), línguas, formação de palco e atuação, aulas e instalações, e uma determinada componente social. Tudo isso custa muito dinheiro. Nossos teatros não são ricos, acho que eles simplesmente não têm dinheiro para isso.

Mas na nossa amigável Arménia, abriram recentemente um programa e, a meu ver, as coisas estão a melhorar para eles. Quanto às casas de ópera russas, não noto muito interesse da parte delas no que fazemos. Com a possível exceção de Yekaterinburg.

– Por que outros teatros não sabem? Talvez eles devessem enviar um boletim informativo?

- Todo mundo sabe tudo perfeitamente. Mas os parceiros estrangeiros estão interessados ​​no que fazemos no Teatro Bolshoi. A nossa estreita cooperação internacional começou com a Ópera de Washington, temos uma cooperação constante com a Academia La Scala e outros programas de ópera na Itália, com a ajuda da Embaixada Italiana e o generoso apoio do Sr. David Yakuboshvili, pelo qual lhe agradecemos muito. .

Estamos estabelecendo uma cooperação ativa com a Ópera de Paris e o Metropolitano. Além disso, cooperamos com os concursos Queen Sonja em Oslo e com o concurso de Paris, que promovem ativamente os seus artistas. Isto acontece não só porque batemos à sua porta, é um interesse de parceria mútua.

– Um jovem cantor na Rússia é muitas vezes obrigado a fornecer provas extraordinárias de que tem voz. É preciso cantar com um som tão alto que as paredes tremam. Você está vivenciando isso ou não?

– Encontro esses custos do gosto todos os dias. Há várias razões para isso. A tradição se desenvolveu de tal forma que nosso público exige canto alto. O público adora quando está alto, quando tem muitas notas altas, aí o cantor começa a aplaudir. Acontece que nossas orquestras também tocam bem alto. É uma espécie de mentalidade de desempenho.

Lembro-me muito bem quando cheguei ao Metropolitan, foi o “Tannhäuser” de Wagner por um minuto, fiquei maravilhado - a orquestra sob a direção de James Levine tocava muito baixinho! Esse é o Vagner! Meus ouvidos estão acostumados a um som completamente diferente, a uma dinâmica mais rica. Isso me fez pensar: todos os cantores eram perfeitamente audíveis em qualquer tessitura, sem problemas de equilíbrio sonoro, nenhum dos cantores forçou nada. Ou seja, o problema não está apenas nos cantores que cantam alto, mas no fato de que o sistema, o gosto e a mentalidade de todos os participantes da apresentação, inclusive do público, se desenvolveram dessa forma.

Além disso, existem sérios problemas acústicos na maioria das nossas salas. Muitos teatros têm uma acústica muito seca que não suporta cantores. Outro fator importante: os compositores de ópera russos pensavam muito grande, escrevendo principalmente para os dois grandes teatros imperiais com orquestras e coros poderosos, vozes maduras e poderosas de solistas.

Por exemplo, no Ocidente, a parte de Tatiana em “Eugene Onegin” de Tchaikovsky é considerada extremamente forte. Alguns dos meus colegas acreditam que este é um partido mais forte do que o de Lisa em A Dama de Espadas. Existem algumas razões para isso - a densidade da orquestra, a tessitura tensa e a expressividade da parte vocal (especialmente na cena da escrita e no dueto final). E, ao mesmo tempo, “Onegin” não é a ópera russa mais poderosa e de som épico quando comparada com outras óperas de Tchaikovsky, bem como com as obras de Mussorsky, Rimsky-Korsakov, Borodin.

Tudo se junta aqui: condições históricas, tradições nacionais e mentalidades de canto, regência e escuta. Quando a URSS se abriu e começámos a receber informações do Ocidente, onde muitas coisas eram diferentes, a nossa tradição era uma actuação algo “ampla”, sem diferenças dinâmicas e com especial delicadeza na abordagem. O abuso desse tipo de canto causou o colapso das carreiras de muitos artistas proeminentes.

É preciso dizer que não estamos totalmente sozinhos aqui - nos EUA eles também cantam alto, já que lá seus enormes salões precisam ser cobertos. Os professores americanos repetem como um feitiço: “Não empurre!” (não force!), mas os cantores costumam empurrar-empurrar. Mas ainda assim, não existe lá na mesma medida em que existiu e às vezes continua a existir conosco.

– Como trabalhar a volúpia do som?

– O mais importante é substituir a força pela habilidade. Este é o significado da escola do bel canto, que proporciona a projeção do som na sala sem esforço visível e com diferentes dinâmicas sonoras (inclusive no piano e no pianíssimo). Isso é individual para cada um e escolas nacionais ainda diferem. Se você apostar representante típico Escola americana, francesa, italiana e russa, você ouvirá uma grande diferença em tecnologia, mesmo agora, quando tudo está bastante confuso e globalizado.

As diferenças se devem ao idioma. A linguagem não é apenas fala, a linguagem é a estrutura do aparelho, características articulatórias e fonéticas. Mas o som ideal do canto, ou seja, o resultado da escola, é semelhante em muitos países. Se falamos de soprano, muitos não só cantores russos, mas também estrangeiros, querem cantar como Anna Netrebko. Quantos tenores existem que imitam Kaufman e Flores?

– Este é um grande ponto negativo para o cantor.

– Sempre foi assim. Por que menos? Se um cantor não tem ninguém com quem aprender, mas escolhe a orientação vocal certa para si mesmo, isso pode ajudar. Mas o que fazer se você tem um tipo de voz, mas o ponto de referência é o oposto? Isso acontece com frequência e é repleto de desastres. Por exemplo, um baixo, adequado a um repertório grave e profundo, imita um baixo cantante e canta um repertório agudo, mas isso só o prejudica e vice-versa. Existem inúmeros exemplos aqui.

– Nossa escola vocal é baseada em baixo baixo. O que são graves agudos? Infelizmente, esse tipo de voz é classificada como barítono...

– Em geral, as pessoas aqui não sabem da existência de certos tipos de vozes que realmente existem. Sem levar em conta essas categorias vocais, que podem ser chamadas de papel vocal ou tipo de voz ou, como é habitual na comunidade operística, “fach”, é impossível ensinar. Até recentemente, muitos não sabiam o que era uma mezzo-soprano lírica. Todos os mezzos tiveram que cantar Lyubasha em vozes profundas e sombrias. Se não conseguissem dar voz ao repertório dramático, eram simplesmente transferidos para soprano. Isso não levou a nada de bom.

O mezzo-soprano lírico não é uma voz limítrofe, é um tipo de voz independente com um repertório extenso e estritamente definido. Existem tenores dramáticos e líricos, e o mezzo-soprano também possui classificações (dramático, lírico). Além disso, os próprios mezzos líricos podem ser diferentes devido a questões estilísticas e características técnicas. O mezzo lírico pode ser handeliano, rossini, mozartiano, ou talvez com maior viés para a ópera lírica francesa, que também tem muitos papéis para essa voz.

O mesmo vale para o baixo-barítono. Tínhamos baixos-barítonos maravilhosos na Rússia: Baturin, Andrei Ivanov, Savransky, agora Ildar Abdrazakov, Evgeny Nikitin, Nikolai Kazansky. Se você abrir a lista de artistas do Met, uma das maiores seções da lista de cantores são os baixos-barítonos. Isso é muito importante, porque o baixo-barítono é ideal para muitos papéis nas óperas de Handel e Mozart, e na ópera russa há papéis para baixo-barítonos - Demônio, Príncipe Igor, Galitsky, dentro deste papel vocal pode haver Ruslan , e Shaklovity, e Tomsky, e até Boris Godunov.

Se o cantor começar a ser puxado para cima ou para baixo, os problemas começam. Se o cantor é baixo-barítono, isso não significa que o cantor tenha uma voz curta (ou seja, sem notas agudas ou graves extremas, pelo contrário, na maioria das vezes tem um alcance muito amplo); Mas esse tipo de voz tem uma cor diferente e um repertório básico diferente dos barítonos ou baixos. Especialistas em ópera - maestros, pianistas-tutores, diretores de elenco, críticos e, claro, acima de tudo, professores devem conhecer todas essas sutilezas, distingui-las e ouvi-las nas vozes dos cantores.

Nossa área (canto lírico) exige, como convém a qualquer gênero acadêmico, enorme conhecimento, compreensão da tradição, insatisfação, crescimento constante, trabalho contínuo sobre si mesmo e o estudo das tendências de performance em constante mudança.

Se você perdeu o interesse no autoaperfeiçoamento, se retirou para seu mundinho pessoal ou, pior ainda, de repente decidiu que alcançou a perfeição e está completamente satisfeito consigo mesmo, isso significa que você se tornou uma pessoa de arte e imediatamente preciso sair desse negócio. Cada um de nós que ensina deve aprender constantemente. O mundo da ópera está se movendo rapidamente em uma determinada direção, pode-se argumentar se é melhor ou não, mas está mudando. E se você não quer saber dessas mudanças, não quer vê-las, entendê-las e cumpri-las, então adeus, você é um personagem ultrapassado, e seus alunos não estão preparados para a realidade do cenário moderno .

Os jovens exigem este conhecimento, por vezes estão muito mais bem informados graças à Internet e às suas capacidades. Qualquer aluno pode abrir master classes, por exemplo, de Joyce DiDonato ou Juan Diego Flores, observar e comparar o que é exigido dele no conservatório ou na escola e o que esses artistas muito inteligentes e, o mais importante, de mentalidade muito moderna exigem. Isto não significa que o que exigimos seja mau e que haja uma boa procura, mas por vezes as diferenças são significativas. Você precisa estar ciente desses detalhes.

Em geral, a comparação é uma coisa ótima; é na comparação que nasce um profissional. Quando um cantor começa a comparar vozes, suas características, a individualidade dos artistas e suas interpretações, bem como as interpretações de diferentes maestros, diretores, professores, artistas, músicos, etc., então ele forma seu próprio pensamento, método e o que é mais importante no gosto artístico-artístico.

– Agora dizem que diploma não tem importância. É importante como você canta. Isto é verdade?

– Isso não é totalmente verdade agora. Quando faço parte do júri de concursos e audições e leio currículos de cantores, raramente vejo pessoas que estudaram apenas em particular. Anteriormente, muitos, especialmente Cantores italianos não estudaram em conservatórios, tiveram aulas com professores particulares e iniciaram imediatamente a carreira. Agora que os requisitos para cantores são tão amplos e não se limitam apenas à voz, há menos deles. Bem como maravilhosos professores particulares na Itália e em qualquer outro lugar.

– As competições decidem alguma coisa agora? Quais competições valem a pena ir? para o jovem cantor?

– Quando você vai para uma competição, você deve entender o que quer dela. Há várias razões possíveis para isto. O motivo – o sucesso, a vontade de vencer, está implícito em todos os casos, isso faz parte da vida do artista, que é a competição diária. Existem cantores ditos de “competição” que têm uma paixão especial, e entre os meus alunos também existem. Eles adoram as provas competitivas como tal, deleitam-se com o clima de competição, com essa adrenalina, simplesmente florescem ali, enquanto muitos de seus colegas ficam traumatizados com isso.

Razão Um. Experimente. Entenda o grau inicial de suas capacidades, que se chama “olhar para as pessoas e mostrar-se”. Competições não são adequadas aqui alto nível– local, de baixo orçamento. É uma boa ideia que cantores muito jovens comecem com eles para treinar e construir músculos (não apenas vocais, mas também músculos nervosos e de combate).

Se você é um jovem cantor e quer apenas experimentar, não precisa ir aos maiores concursos como o concurso Francisco Viñas em Barcelona, ​​​​Operalia de Plácido Domingo, New Voices na Alemanha, BBC em Cardiff, o Concurso Rainha Sonja em Oslo ou Rainha Elizabeth em Bruxelas.

Razão dois. Para encontrar um emprego. Pode ser um concurso em que o júri seja composto por diretores de teatro, agentes e outros empregadores, ou um concurso apreciado pelos agentes. O júri de concursos como “Belvedere” (competição Hans Gabor) ou “Competizione dell’opera italiana” (Hans-Joachim Frey) é composto em grande parte por agentes e administradores de elenco. Embora os acima também difiram nisso.

Essas competições são para quem precisa de agentes, precisa de trabalho, e esses são a maioria dos cantores. Este é um tipo diferente de competição. Se você é um artista iniciante, não tem experiência competitiva, não precisa ir a essas grandes competições, onde vão cantores mais experientes, com prática de canto com orquestra, que, além de tudo, possuem habilidades bem treinadas nervosismo.

Razão três. Dinheiro. Bem, não há necessidade de filosofar especial aqui, estas são quaisquer competições com um alto fundo de bônus. Muitos bons cantores sul-coreanos, que não têm muito trabalho em sua terra natal, passam de competição em competição, ganham e ganham prêmios o tempo todo, e assim ganham bem.

O nosso concurso Tchaikovsky é um concurso para diversas especialidades, não só vocais. Aconteceu, infelizmente, que os vocalistas nunca foram o centro das atenções. Talvez apenas o IV concurso, onde Obraztsova, Nesterenko, Sinyavskaya venceram e Callas e Gobbi passaram a fazer parte do júri, tenha trazido atenção especial à seção vocal.

Não sei qual é o motivo, para mim é muito estranho e incompreensível. No Concurso Tchaikovsky, nós, vocalistas, somos uma espécie de outsiders, talvez isso se deva ao facto de cantar em russo ainda criar uma certa barreira à chegada de participantes estrangeiros. Esta competição sempre foi difícil para os nossos colegas estrangeiros. Em parte devido à nossa natureza fechada, talvez devido ao facto de não terem comparecido agentes e diretores de teatro suficientes para fornecer trabalho. O regime de vistos também cria problemas, e problemas consideráveis.

Ainda competição vocal Tchaikovsky, se falarmos da sua representatividade internacional, é de natureza local. Anteriormente, também dependia da forma como o júri funcionava. A convite de Irina Konstantinovna Arkhipova, fui secretário executivo do júri em 1998, o que me causou uma impressão bastante difícil. Espero que isso tenha mudado agora. Mas, ao mesmo tempo, também houve vitórias na competição Tchaikovsky, o que deu um grande impulso à minha carreira.

Usando o exemplo de Albina Shagimuratova, vencedora em 2007, vi como os olhares de pessoas importantes no mundo da ópera se voltaram imediatamente para ela. Para ela, este foi um grande trampolim em sua vida profissional. Mas para muitos vencedores não teve o mesmo efeito.

É muito difícil para um cantor se avaliar corretamente. Isto é muito difícil e, para dizer a verdade, raramente dá certo. Além disso, junto com a auto-estima inflada, existe o perigo de auto-humilhação. Muitas vezes nossa auto-estima é menosprezada e esmagada por aqueles que nos rodeiam. Esta é a nossa mentalidade pedagógica russa, tanto na família como na escola, no sentido amplo da palavra. E eu tive esses casos no meu trabalho.

Amo meus alunos e os aprecio, mas às vezes me parece que esse cantor ainda não está pronto para a competição, que ainda não está pronto. E o próprio cantor decide ir, e quando venho para a competição e o vejo, fico surpreso com a forma como ele é montado e como soa. Também é importante que os professores observem o que você está fazendo de fora. Tem outras situações em que acho um cantor ótimo e ele não ganha. Então vejo por mim mesmo que foi justo. Tudo na nossa profissão é instável, mutável, às vezes subjetivo...

– Na sua página do Facebook você postou informações sobre as audições do NYIOP, que são organizadas por David Blackburn. Por que você fez isso?

– Pessoas que se formam em uma instituição de ensino precisam de trabalho. Qualquer tipo de audição é uma forma de conseguir um emprego. Como tenho muitos assinantes, penso não só nos meus alunos, mas também naqueles que vivem nas províncias e não têm contactos e simplesmente informação suficientes. Acredito que devo ajudá-los e escrever sobre tudo que possa ser do seu interesse.

Recentemente publiquei informações sobre o Programa Juvenil da Ópera de Tenerife. Este teatro foi construído pelo grande arquiteto espanhol Calatrava e tem 2.000 lugares. O teatro tem uma gestão maravilhosa; este programa é liderado pelo meu colega, o pianista italiano Giulio Zappa, que trabalha conosco em Moscou. O programa é curto, apenas alguns meses, mas durante esse tempo eles conseguem produzir a produção. Esta também é uma oportunidade para muitos.

– Vou lhe contar um segredo - num futuro próximo, juntamente com parceiros russos e asiáticos, pretendo criar um grande projeto internacional“Casa da Cultura Russo-Asiática”. O que você acha disso?

– Qualquer esforço de intercâmbio cultural vale muito. Este é um assunto importante. A Ásia não é apenas um mercado económico em crescimento, mas também um enorme trampolim cultural em crescimento. Incluindo ópera. Para eles, a Rússia pode ser um importante corredor de ligação entre o Ocidente e o Oriente.

Acredito que também deveríamos convidar mais esses cantores; às vezes faltam suas vozes grandes e bem treinadas; E cada vez mais novos estão abrindo constantemente na Ásia salas de concerto E casas de ópera. Nós, do Programa Juventude, também gostaríamos de cooperar com a China, que construiu lindos teatros e salas de concerto. Existem muitos grandes cantores asiáticos, eles são pessoas muito inteligentes e trabalhadoras. Eu ouvi em competições bons cantores da China, Japão, Índia, Sri Lanka, Filipinas, Taiwan. Os cantores sul-coreanos são alguns dos melhores do mundo. Por que não os convidamos, colaboramos, atuamos juntos?

– O que mais te atrai na vida além da ópera?

– Ainda adoro viajar, embora não com tanta paixão como há 20-30 anos. E eu realmente valorizo ​​a comunicação humana. Devido ao trabalho, infelizmente, sinto falta disso. Gostaria de passar mais tempo com a família e amigos. Quando comecei a trabalhar no Bolshoi, comecei a perder essas conexões. O teatro também é um redemoinho. Agora voltei aos meus sentidos. Passei por algumas mudanças difíceis em minha vida e percebi com particular pungência como a família e os amigos são importantes.

A música também é uma grande felicidade, a música pode ser um consolo para pessoas que perdem entes queridos, que têm problemas, que não são jovens. E a música nunca trai. Acho que tenho um carácter difícil, mas dá-me muita alegria ajudar os jovens, apoiá-los nas fases mais difíceis vida criativa. E você não precisa esperar uma resposta adequada, gratidão ou mesmo fidelidade. Se estiver lá, ótimo; se não estiver, não há necessidade de insistir nisso.

Outro equívoco dos jovens é ver a carreira e o sucesso como o sentido absoluto da vida. Parece-me que mais cedo ou mais tarde esta ideia se transforma numa grande decepção. Olhar para pessoas que amam apenas a fama me deixa desconfortável. É claro que na primeira metade da vida é importante atingir uma certa altura, porque então outras oportunidades maiores se abrem para você. Mas devemos compreender que uma boa reputação profissional é apenas uma ferramenta. E a reputação ou, mais precisamente, o sucesso não deve ser o objetivo principal, caso contrário você acaba sozinho.

Também percebi com o tempo que você precisa ser capaz de deixar as pessoas irem. Não diga adeus a eles, mas deixe-os ir. Às vezes pode ser fácil dizer, mas difícil de aceitar. Mas de alguma forma eu aprendi. Tenho muitos alunos, então ficou difícil para mim manter todos esses inúmeros tópicos (risos).

Amo muito a grande maioria dos meus alunos, observo como eles avançam na vida e se precisarem de alguma coisa fico sempre feliz em vê-los de volta, feliz em ajudá-los. Embora às vezes me incomode quando nosso trabalho é esquecido, as pessoas começam a cantar algo que não combina com sua voz, começam a fazer outras coisas estúpidas, ficam com preguiça, param de crescer ou até simplesmente se degradam. Mas esta também é a natureza humana e as leis do darwinismo a ela associadas. Esta é a seleção natural.

Anteriormente, se algo acontecesse, eu assumia total responsabilidade por quaisquer problemas dos meus atuais e ex-alunos. Claro que às vezes a culpa é nossa, dos professores. Mas há outras razões - problemas de saúde para a nossa profissão, decisões erradas, ganância, estupidez, superestimação de nós mesmos. Portanto, a vida me forçou a aceitar o fato de que nós, professores, não somos onipotentes. Agora estou gostando do processo. Não creio que esse aluno deva necessariamente vencer todas as competições mundiais e cantar no Metropolitan. O que eu tinha antes...

- O que foi isso? Vaidade ou perfeccionismo?

– As pessoas que se dedicam à arte são ambiciosas. Eles querem ser os primeiros e não pode ser de outra forma. Com o tempo, uma carreira se torna uma ferramenta com a qual você pode encontrar os parceiros certos, trabalhar com os melhores artistas, maestros, diretores em melhores cenas. Estou feliz por pertencer ao Teatro Bolshoi, que adoro desde os 14 anos, quando o país inteiro comemorou seu 200º aniversário e entrei pela primeira vez neste salão incrível.

Aos 17 anos vim para o Bolshoi como estagiário, para mim foi teatro especial. E estou feliz que agora tenhamos essa atmosfera no teatro e que haja respeito e apoio mútuos. Estou rodeado de artistas talentosos e estou muito interessado nas pessoas que tomam decisões aqui. Muitas vezes, quando parto para outros países e lugares (e nada mal!), penso: gostaria de poder voltar o mais rápido possível. É uma felicidade querer voltar para casa. Entro no avião e estou entusiasmado - amanhã verei este, faremos esta ária com este, darei material novo a este...

– O que mais você quer aprender na vida? O que você está perdendo?

– Estou faltando alguns mais importantes. línguas estrangeiras. Conheço alguns dos princípios básicos, mas não concluí o estudo a tempo. Agora não há tempo para isso - passo de 10 a 12 horas no teatro. Se eu conhecesse essas línguas perfeitamente! Mas lembre-se, como Raikin - deixe tudo estar lá, mas falta alguma coisa! (risos).

Meus alunos venceram concursos de prestígio, trabalhei nos melhores teatros do mundo e fiz parte do júri de grandes competições. O que mais um professor poderia sonhar? Agora posso trabalhar mais com a galera e pensar menos em mim. Posso apenas sentar e trabalhar. O mais incrível é que vivi um momento tal que não penso: “Ah! Eles vão me ligar? Eles não me ligaram... E agora finalmente me ligaram!” Não, claro, fico lisonjeado e satisfeito quando sou chamado para algum lugar, mas essa alegria é de boa natureza profissional, nem mais nem menos.

Tenho muita sorte de ter tido professores e mentores maravilhosos em minha vida. Sinto muita falta deles. Alguns, graças a Deus, estão com boa saúde. Lembro-me de perguntar a Irina Konstantinovna Arkhipova o que há de mais interessante na profissão de cantora para você? Ela disse que obtém mais satisfação ao superar coisas difíceis. Quando lhe era atribuído um novo papel ou um material difícil de aprender e desempenhar, ela experimentava uma enorme euforia criativa ao superar essas dificuldades.

Agora eu a entendo. Recentemente houve um caso: tenho um aluno talentoso, mas há muito tempo ele teve problemas com as notas de cabeça. Eu entendo que ele tem essas notas no seu alcance, mas ele estava com medo de acertá-las. De alguma forma, não durou muito tempo. E então fiquei com raiva de mim mesmo e dele e mergulhei nesse problema. Bem, temos que resolver isso, no final! Esse cantor, na minha opinião, ficou até com medo da minha pressão. E de repente essas notas começaram a chegar! Era como se tivessem inserido algo novo no registro superior.

Experimentei uma felicidade, provavelmente muito maior do que a dele. Eu estava voando como se tivesse asas com a sensação de que ainda ontem o cantor estava cantando um por um, e hoje cheguei na aula e ouvi que ele fez um grande avanço, que conseguimos! Claro que é legal quando seu aluno ganha um concurso ou faz sua estreia em um bom teatro, mas o que é ainda mais importante é esse mesmo processo de trabalho, o processo de superação.