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Teatro inglês

No século XIX, o teatro, como todas as outras esferas da cultura inglesa, recebeu um novo desenvolvimento. A direção romântica na arte teatral foi personificada pelo talentoso ator trágico Edmund Kean (1787-1833).

Edmundo Kean ( arroz. 58) nasceu em uma família de atores. Seus pais morreram quando ele ainda era criança. Forçado a ganhar a vida, o jovem viajou com uma trupe itinerante pelas cidades e vilarejos ingleses. Essas andanças tornaram-se uma boa escola para o jovem artista, que aos vinte anos já havia visitado vários lugares da Inglaterra. Quando questionado sobre o que é preciso fazer para se tornar um grande ator, Keane, já famoso, respondeu: “Ser capaz de morrer de fome”.

Arroz. 58. Keane como Shylock

Viajando com um teatro itinerante, Edmund experimentou uma variedade de papéis e peças de vários gêneros.

Criado na pobreza, o ator sentia desprezo pelos aristocratas e governantes ociosos que pouco se importavam com seu próprio povo. O credo de vida do jovem Keane foi expresso nas palavras: “Odeio todos os senhores, exceto Lord Byron”. Alta sociedade não conseguia perdoar tal atitude em relação a si mesmo e constantemente perseguia Keane, chamando-o de ator da multidão.

Tendo se tornado famoso no cenário provinciano, em 1914 o ator recebeu o convite para se apresentar em Londres, no Drury Lane Theatre, que passava por momentos difíceis naqueles anos. Sua estreia no teatro da capital foi o papel de Shylock em O Mercador de Veneza, de Shakespeare. A direção de Drury Lane, apostando em um ator provinciano, tomou a decisão certa: com sua magnífica atuação, Keane simplesmente cativou o mimado público londrino.

Shakespeare se tornou o dramaturgo favorito de Keane. O ator foi atraído por ele pelas qualidades que ele próprio possuía: uma visão trágica, um elevado senso de injustiça, rejeição de um mundo onde alguns levam uma existência miserável, enquanto outros se banham no luxo.

Foi Shakespeare quem trouxe fama a Edmund. O ator incorporou as imagens de Shylock, Ricardo III, Romeu, Macbeth, Hamlet, Otelo, Iago, Lear. Os críticos consideraram sua magnífica atuação o melhor comentário sobre a obra do famoso dramaturgo, e o poeta Coleridge argumentou: “Assistir à atuação de Kean é como ler Shakespeare no relâmpago”.

A imagem de Shylock criada por Kean em O Mercador de Veneza, de Shakespeare, causou uma grande impressão no público inglês. Seu herói combina surpreendentemente uma atitude irônica em relação às pessoas ao seu redor e um amargo sentimento de solidão, profunda melancolia e ódio dilacerante escondido por trás da humildade externa. “O Mercador de Veneza”, encenado em Drury Lane, trouxe ao provinciano de ontem a fama de melhor ator da Inglaterra.

Keene considerou seus trabalhos mais significativos os papéis de Hamlet e Otelo. Seu príncipe dinamarquês, triste e melancólico, entende que é impossível lutar contra o mal que reina no mundo. Excepcionalmente confiante, sincero e íntegro por natureza, Otelo coloca o amor acima de tudo e, portanto, sua morte significa para ele o colapso total de todas as suas aspirações.

O grande sucesso de Keane veio do papel do agiota Overrich na peça " Nova maneira pagar dívidas antigas" por F. Messinger. O público, cativado pela atuação do ator, não conseguiu conter as lágrimas. Dizem que Byron, que assistiu à apresentação, ficou tão chocado que desmaiou.

Para alcançar a compreensão do público, Keene trabalhou cuidadosamente e por muito tempo em cada função. Ele praticou todos os seus movimentos e expressões faciais em frente ao espelho, voltou repetidamente aos episódios mais difíceis, aprimorou os mínimos detalhes o papel dele. As atividades esportivas o ajudaram a alcançar uma plasticidade extraordinária (Keane era considerado um dos melhores esgrimistas da Inglaterra da época).

O último trabalho do grande ator foi o papel de Otelo. Ao pronunciar a frase: “O trabalho de Otelo está concluído”, o ator de 46 anos perdeu a consciência e caiu. Três semanas depois ele se foi. A morte de Keane marcou o fim da tendência romântica em Teatro inglês.

O filho de Edmund Kean, Charles Kean (1811-1868), também foi ator, atuando principalmente em melodramas.

A era vitoriana trouxe vida cultural A Inglaterra tem seus próprios ajustes. Para a literatura, esses anos foram a época da formação do realismo crítico (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

O nome do escritor Charles Dickens (1812-1870) está associado à transição do teatro inglês do classicismo para o drama moderno. Peças melodramáticas foram escritas para o teatro (Village Coquettes, 1836; The Lamp Man, publicada pela primeira vez em 1879, etc.).

A excêntrica comédia “The Strange Gentleman”, escrita com base em um dos enredos do ensaio “Sketches of Boz”, trouxe grande sucesso ao dramaturgo Dickens. Todas as peças de Dickens, exceto The Lampman, foram apresentadas no St. James's Theatre na temporada 1836-1837. Além deles, o escritor criou uma dramatização de seu romance “Grandes Esperanças”, mas a peça não foi encenada.

As peças de Dickens eram populares não apenas na Inglaterra, mas também no exterior. Os enredos de vários de seus romances são a base de diversas óperas.

Em 1951, o escritor abriu um teatro amador, cujo repertório incluía música clássica e obras modernas. Muitos jovens dramaturgos ingleses começaram a sua atividade criativa deste mesmo teatro. Dickens, que tinha excelentes habilidades de atuação, desempenhou o papel de Shallow em The Merry Wives of Windsor em seu teatro. O escritor também ganhou grande fama como um excelente leitor que apresentava suas próprias obras no palco.

Contemporâneo de Dickens, o poeta e dramaturgo inglês Robert Browning (1812-1889) começou a trabalhar no teatro aos 22 anos. Sua primeira peça, Paracelsius, foi publicada em 1835. Depois vieram os dramas históricos Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor e King Charles (1842), escritos para o Covent Garden Theatre. Os principais papéis nessas produções foram interpretados pelo ator W. Macready.

Em 1843, Covent Garden encenou a peça de Browning, The Spot on the Coat of Arms. E em 1853, outra peça deste autor, “O Aniversário de Colombo”, foi encenada em seu palco.

As obras românticas de Browning, assim como suas peças históricas, estão enraizadas nas tradições do drama poético de J. G. Byron e P. B. Shelley. Numa época em que o melodrama dominava o palco inglês, Browning procurou atrair a atenção do público para uma performance séria e significativa. Incompreendido por seus contemporâneos, o escritor passou gradativamente do drama cênico para o gênero da chamada peça de leitura.

A obra de Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), escritor e dramaturgo inglês, que também foi uma figura política famosa, também se destaca pela sua proximidade com o teatro realista moderno. Seus gêneros favoritos eram romances e dramas com temas históricos. Ao mesmo tempo, motivos melodramáticos e métodos de ostentação externa privaram as obras de Bulwer-Lytton de um historicismo genuíno.

Os dramas “A Beleza de Lyon” (1838) e “Richelieu” (1839) trouxeram grande fama ao dramaturgo. Politicamente relevantes e ao mesmo tempo divertidas, teatrais e cheias de dinâmica, estas peças atraíram de imediato a atenção dos principais encenadores ingleses da época. “Richelieu”, dirigido por Henry Irving, não saiu dos palcos do Lyceum Theatre da capital por muito tempo. E nas décadas de 1840-1860, os espectadores russos puderam ver o drama de Bulwer-Lytto (os personagens principais foram interpretados pelos atores V.V. Samoilov e N.K. Miloslavsky).

Edward Bulwer-Lytton sentiu-se atraído não apenas por peças históricas, mas também por comédias que satirizavam os costumes da sociedade vitoriana - Não Somos tão Maus quanto Parecemos e Dinheiro (1840). Embora o dramaturgo não tenha se aprofundado na crítica social, o realismo de suas obras atraiu a atenção do público. Comédias de Bulwer-Lytton longos anos estavam nos repertórios dos teatros ingleses.

O romance histórico "Rienzi" de Bulwer-Lytton interessou ao famoso Compositor alemão Richard Wagner, que baseou seu enredo na ópera de mesmo nome, apresentada ao público em 1840.

No final do século XIX, o famoso escritor, prosaico e dramaturgo inglês George Bernard Shaw (1856-1950) iniciou sua atividade criativa ( arroz. 59). Ele nasceu em Dublin, na família de um funcionário pobre. Aos vinte anos, Shaw mudou-se para Londres, onde se tornou um dos fundadores da Fabian Society. Trabalhando musicalmente e crítico de teatro, Bernard escreveu vários romances obscuros. Sua primeira peça, The Widower's House, foi publicada em 1892. A peça abordou importantes questões sociais e éticas, criticando duramente os proprietários que alugam casas em favelas. O dramaturgo convocou seus leitores ao autoaperfeiçoamento e à mudança do mundo ao seu redor. O público cumprimentou com frieza a peça “A Casa do Viúvo”, encenada no Teatro Independente, e após apenas duas apresentações ela foi retirada do palco.

Arroz. 59. George Bernard Shaw

Nos seis anos seguintes, o dramaturgo escreveu nove peças (incluindo uma peça de um ato). O triste drama "Heartbreaker" (1893), contando sobre um casamento lucrativo que terminou colapso completo, não foi aceito para produção em nenhum teatro da capital. Em 1894, apareceu o drama “Homem e Armas”, expondo a desumanidade e a crueldade da guerra. Em 1897, foi criada a peça “O Discípulo do Diabo” e, em 1898, foi publicada uma coleção de dois volumes “O Agradável e o Desagradável”, que incluía peças de diferentes anos (“A Profissão da Sra. Warren”, 1894; “Homem e Armas”, “Candida”, 1897; “O Escolhido do Destino”, 1897; A peça “A Profissão da Sra. Warren”, que levantou o tema da prostituição, foi proibida pelos censores, mas mais tarde, quando finalmente foi autorizada a ser encenada, só saiu dos palcos em 1902. Candida foi um enorme sucesso em Nova York em 1903. E em sua terra natal, Shaw ainda não gozava de popularidade. O verdadeiro reconhecimento do público inglês veio a ele em 1904, quando ele, junto com sua esposa, além do ator e diretor Harley Grenville-Barker, alugou o prédio do Royal Court Theatre. As peças de Shaw foram dirigidas por Grenville-Barker e John Vedrenne. Das 988 apresentações realizadas na Corte Real entre 1904 e 1907, mais de setecentas foram baseadas nas obras de Shaw.

Entre melhores trabalhos a peça do dramaturgo “Man and Superman” (1905) é uma comédia filosófica que apresenta ao espectador a atitude do autor em relação à religião, ao casamento e à família. A evolução da sociedade humana é mostrada através das disputas entre Don Juan, que se viu no submundo, e o diabo.

A peça mais famosa de Shaw foi Pigmalião (1913), uma comédia anti-romântica escrita especificamente para a atriz Patrick Campbell. Após a morte do dramaturgo, Frederick Lowe e Alan Jay Lerner basearam-no no musical My Fair Lady.

As peças posteriores de Shaw incluem Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), o drama histórico Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) e outros.

Shaw, que se tornou a personificação da inteligência inglesa, criou mais de 50 obras para o teatro. Quando o grande dramaturgo morreu, os teatros de muitos países ao redor do mundo apagaram as luzes em sinal de pesar.

O escritor Oscar Wilde (1854-1900) deu uma contribuição significativa para o desenvolvimento do teatro inglês. Assim como Shaw, ele nasceu em Dublin, filho de um famoso cirurgião. Educado na Universidade de Oxford. As primeiras obras de Wilde foram o poema "Ravenna" (1878) e a coleção "Poemas" (1881).

O escritor ficou famoso por suas histórias líricas e contos de fadas (“ Garoto estrela", etc.), romance filosófico "O Retrato de Dorian Gray". Para o teatro, Wilde criou uma série de peças com orientação socialmente crítica (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). Sobre Francês Foi escrita a peça “Salomé”, publicada na Inglaterra em 1894, traduzida por Alfred Douglas com ilustrações do artista Aubrey Beardsley. Esta peça serviu de base para a famosa ópera homônima de Richard Strauss (1904).

No final do século XIX, o dramaturgo inglês Henry Arthur Jones (1851-1929) começou a escrever para teatro. Vindo de uma família camponesa pobre, ganhava a vida como ator.

Não tendo conquistado fama como ator, Jones voltou-se para o drama, mas suas primeiras peças também não trouxeram o sucesso desejado. Os teatros recusaram-se a aceitar suas obras, e somente em 1878 a peça de Jones, “It’s Just Around the Corner”, foi aceita para produção em um dos teatros provinciais.

O tão esperado sucesso chegou ao dramaturgo depois que seu “Silver King” foi encenado no Princess Theatre. Entre os mais trabalho significativo As peças de John incluem Santos e Pecadores, Dançarina, Susanna Rebelde, Triunfo dos Intolerantes, Michael e Seu Anjo Perdido e A Defesa da Sra. Muitos dos dramas de Jones expõem moralidade hipócrita Sociedade vitoriana (“Liars”, 1897; “Lies”, 1914), embora o fascínio pelas técnicas do melodrama reduza um pouco o seu significado. Mas, apesar disso, pode-se afirmar com segurança que a obra de Jones teve impacto na formação da direção realista na arte teatral da Inglaterra no final do século XIX. Jones colaborou com Bernard Shaw, e este último valorizou seus trabalhos.

A arte cênica inglesa do final do século XIX está associada ao nome do ator e empresário Arthur Voucher (1863-1927). Em 1884, o jovem ator, que estudou em Eton e depois em Oxford, tornou-se um dos fundadores da Sociedade Dramática da Universidade de Oxford. Em seu palco, ele atuou em peças de Shakespeare (Henrique IV, Noite de Reis, As Alegres Comadres de Windsor, Júlio César).

A estreia de Voucher foi o papel de Jacques na comédia de Shakespeare As You Like It, apresentada em 1889 no palco profissional em Wolverhampton. A atuação trouxe fama ao ator, e em 1889-1894 ele atuou em vários teatros ingleses e americanos.

Em 1895-1896, Voucher dirigiu o Royal Theatre, e sua esposa, E. Vanbrugh, foi uma atriz principal, desempenhando papéis principais em comédias e farsas. De 1900 a 1906, Voucher atuou como diretor artístico do Garrick Theatre. Nessa época, ele desempenhou vários papéis em peças de Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. Em 1910, o ator ingressou na trupe Beerbohm Tree (His Majestys Theatre), onde encarnou as imagens de Henrique VIII e da Fundação nas peças de Shakespeare Henrique VIII e Um Sonho em noite de Verão" Artista muito temperamental e emocional, Voucher foi especialmente bem-sucedido em interpretar papéis de personagens brilhantes (John Silver em “Ilha do Tesouro”, baseado no romance de R. L. Stevenson).

No final do século XIX, o ator e empresário Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) iniciou sua carreira no teatro. Estreou-se como Fritz na peça “The Old Jew” de Grnadi, encenada em 1895 no Garrick Theatre. No mesmo ano, juntou-se à trupe Beerbohm Tree e saiu em turnê com ela pelos EUA. Em 1899-1901, ele visitou novamente a América, desta vez com a famosa atriz inglesa Patrick Campbell.

Os trabalhos teatrais mais significativos do ator nessa época foram os papéis de Sandford Cleve em The Famous Mrs. Ebbsmith e Capitão Ardale em The Second Mrs. Em 1902, Du Maurier tornou-se empresário da trupe de Charles Froman (Duke of York Theatre), onde criou com grande sucesso os personagens de Ernest Wooller (The Admirable Crichton de J. Barry), Hook e Darling (Peter Pan do mesmo autor).

Du Maurier teve maior sucesso em papéis cômicos. A capacidade de se comportar com naturalidade, sinceridade e simplicidade ajudou o ator a conquistar o amor do público. Seus melhores trabalhos foram as imagens de Montgomery Brewster em Brewster's Millions, de McCutcheon, e Hugh Drummond em Bulldog Drummond, uma dramatização do romance de McNeil.

No período de 1910 a 1925, Du Maurier, junto com F. Curzon, dirigiu o Windham's Theatre, e de 1925 a 1929, junto com G. Miller, dirigiu o St. A produção teatral da peça de Lonsdale " Últimos dias Sra. Cheney" (1925). Posteriormente, Du Maurier encenou várias outras apresentações em vários teatros (“The Ringer” de Wallace, 1926, “Windham's Theatre”; “The Letter” de Maugham, 1927, “Playhouse Theatre”; “Alibi” de Morton baseado no romance de Christie, 1928, teatro “Prince of Wells”; “Doctor Pygmalion” de Owen, 1932, “Playhouse theatre”, etc.).

Uma figura proeminente no teatro inglês do final do século XIX e primeira metade do século XX foi o ator, diretor e famoso professor Frank Robert Benson (1858-1939). Desde muito jovem participou ativamente de todos os tipos de apresentações amadoras. Seu primeiro palco profissional foi o London Lyceum Theatre, dirigido por G. Irving. Um ano depois, o jovem ator abriu seu próprio teatro itinerante, que apresentou apresentações não só em Londres, mas também em Stratford, bem como em outras cidades do interior.

O dramaturgo favorito de Benson era Shakespeare. Em poucos anos, o diretor encenou quase todas as peças do grande dramaturgo, com as únicas exceções sendo “Titus Andronicus” e “Troilus and Cressida”. De 1886 a 1919, a companhia, liderada por Benson, tocou no Shakespeare Memorial Theatre em Stratford-on-Avon. Na terra natal de Shakespeare, com sua participação, eram realizados festivais anuais de peças de Shakespeare.

Ator e diretor maravilhoso, Benson também foi um professor talentoso que treinou muitos artistas maravilhosos. Ele é autor de uma obra sobre atuação. Benson também escreveu um livro de memórias. Nos últimos anos de sua vida se dedicou à cinematografia.

O famoso ator, diretor e dramaturgo inglês Harley Grenville-Barker (1877-1946) iniciou sua carreira teatral como ator. Em 1891 juntou-se à trupe S. Thorne em Margate. No ano seguinte, Grenville-Barker já se apresentou no London Comedy Theatre.

De 1904 a 1907, junto com o dramaturgo Bernard Shaw, Grenville-Barker dirigiu o Royal Court Theatre, parte do movimento “teatro livre”, que se concentrava no drama realista sério.

Grenville-Barker, que promoveu o realismo cênico, sonhava em abrir um teatro nacional com repertório permanente, mas, infelizmente, a tentativa de criá-lo não foi coroada de sucesso.

Entre as obras de Grenville-Barker, as performances baseadas nas peças de Shakespeare ocupam um lugar importante. O diretor publicou uma obra de 5 volumes, “Prefácio a Shakespeare”, na qual examinou detalhadamente as peças de Shakespeare mais difíceis de encenar e deu conselhos práticos sobre como encená-las no teatro moderno. As peças de Grenville-Barker “The Marriage of Anna Lyth” (1902), “The Voysey Inheritance” (1905), “Madras House” (1910), “Weather in Han” e outras tornaram-se amplamente conhecidas.

Após a Primeira Guerra Mundial, a Inglaterra recebeu várias colônias alemãs e parte das terras do Oriente Médio que pertenciam à Turquia. A economia inglesa, prejudicada pela guerra, começou a renascer, mas isso não durou muito. Já em 1921, iniciou-se o crescimento inflacionário e o declínio do padrão de vida da população.

Em 1924, o governo trabalhista chegou ao poder, mas, apesar de todos os seus esforços, a situação económica e política do país não mudou, e os conservadores que substituíram os trabalhistas pioraram ainda mais a situação. Em maio de 1924, começou uma greve geral na Inglaterra. As fábricas e fábricas pararam completamente, as ferrovias e as minas pararam de funcionar. O governo conseguiu aliviar a tensão no país por algum tempo, mas já em 1929 eclodiu uma grave crise económica.

A década de 1930 também foi conturbada. Hitler chegou ao poder na Alemanha e na Inglaterra, com a conivência de Baldwin e Chamberlain que o substituíram, a União Britânica de Fascistas lançou as suas atividades.

Quando surgiu o Segundo Guerra Mundial, descobriu-se que a Inglaterra estava completamente despreparada para isso. Após a derrota em Dunquerque, a força expedicionária inglesa deixou o continente. Tendo ocupado a França, os nazistas já se preparavam para lançar uma invasão das Ilhas Britânicas, mas foram impedidos pela Batalha da Grã-Bretanha, vencida por aeronaves britânicas, e depois pela eclosão das hostilidades contra a URSS.

Em 26 de maio de 1942, a Inglaterra e a URSS assinaram um acordo sobre uma aliança militar e cooperação em tempos de paz, mas por algum tempo Churchill atrasou a abertura de uma segunda frente. No final da Segunda Guerra Mundial, as políticas dos Conservadores desiludiram completamente o povo e, nas eleições de 1945, os Trabalhistas obtiveram uma vitória esmagadora.

A situação social do país não poderia deixar de afetar o drama inglês da primeira metade do século XX. Durante esses anos, escritores famosos como Somerset Maugham e John Boynton Priestley trabalharam no país.

Arroz. 60. Somerset Maugham

Escritor inglês William Somerset Maugham (1874-1965) ( arroz. 60) nasceu em Paris, na família de um consultor jurídico da embaixada inglesa. Aos dez anos ficou sem pais e foi criado na Inglaterra por parentes. Depois de adoecer com tuberculose, Maugham estabeleceu-se no sul da França e depois mudou-se para a Alemanha, onde se tornou estudante na Universidade de Heidelberg. Na Alemanha futuro escritor tornou-se próximo de Ibsen

e Vagner. Foram as peças de Ibsen que despertaram o desejo de Maugham de se tornar dramaturgo.

Retornando à Inglaterra, Maugham começou a estudar medicina. Durante três anos trabalhou como paramédico numa ambulância, o que lhe deu conhecimento da vida das pessoas comuns (no âmbito da sua profissão, Somerset visitou as zonas mais pobres de Londres). Seu romance Lisa of Lambeth, escrito em 1897, conta a história das favelas de Londres. Ele trouxe ao jovem escritor sua primeira fama. Posteriormente, Maugham criou uma série de romances que fornecem um amplo panorama da vida da sociedade inglesa (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

O teatro sempre atraiu Maugham, mas alcançar o sucesso nesta área não foi fácil. O desejo de um reflexo realista da realidade às vezes afastava os empresários do escritor. A produção de sua peça “Man of Honor” (1903) não contribuiu para a popularidade do escritor na arte comercial.

Finalmente, em 1907, Maugham conseguiu encenar a comédia Lady Frederick, que foi recebida com alegria pelo público. Depois disso, os teatros londrinos abriram suas portas ao dramaturgo e, no mesmo ano, 1907, surgiram mais três apresentações baseadas em suas peças.

O dramaturgo criou um tipo de peça que chamou de “inteligente”. A realidade contemporânea de suas obras é mostrada por meio de um confronto de personagens, e a ação muitas vezes é interrompida para que os personagens possam discutir a situação. Ao criar suas peças, Maugham costuma usar técnicas características das obras de Shaw e Ibsen, mas na maioria das vezes recorre à comédia inglesa da era da Restauração. É da dramaturgia da segunda metade do século XVI – início do século XVIII que surge a arte do caráter e da intriga presente nas obras de Maugham. Em muitas de suas peças há também interesse pelas tradições do teatro francês.

Escrito no estilo de uma comédia de sala de estar primeiras jogadas"Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw" de Maugham, encenada nos palcos dos teatros de Londres em 1907. Posteriormente, o dramaturgo afastou-se da sátira leve e voltou-se para dramas sérios e realistas sobre “pessoas que sabem tudo”. Em 1913, apareceu “A Terra Prometida”, contando sobre o destino da pobre menina Nora. Criada em um ambiente burguês inglês, ela acaba no Canadá, com o irmão fazendeiro. Inadaptada para o trabalho e tentando se comportar como uma dama, ela desperta a indignação da esposa do irmão. Mas, tendo se tornado esposa de um fazendeiro vizinho, Nora muda gradativamente e, quando lhe é dada a oportunidade de retornar à sua antiga vida em Londres, ela recusa, percebendo que não poderá mais viver entre pessoas ociosas e sem valor. .

A peça “The Hearth and the Beautiful Wife” (1919) é dedicada ao tema da vida inglesa do pós-guerra. A Primeira Guerra Mundial terminou e o major, que todos consideravam morto, voltou para casa. Sua esposa Victoria se casou com seu amigo, também major. Amigos competem na nobreza, dando um ao outro o direito de ficar com a bela Victoria, mas ela se divorcia dos dois e se torna esposa de um especulador que enriqueceu com suprimentos militares. Este saco de dinheiro que escapou da frente dirige um Cadillac e tem a capacidade de conseguir qualquer comida. Ambos ex-marido A incomparável Victoria afirma que eles sempre adivinharam sua maldade e ganância. Este é o lar pelo qual os britânicos lutaram na guerra.

O tema do casamento na sociedade burguesa é continuado pela famosa peça de Maugham “The Circle” (1919). Elizabeth, esposa de um jovem político, está decepcionada com o marido e admira a mãe dele, que ela nunca viu: na juventude fugiu do marido com o amigo dele, Lord Proteus, que concorria ao cargo de primeiro-ministro . Mas depois de tal ato, os amantes foram impedidos de entrar na sociedade, e apenas Elizabeth os convidou secretamente para sua casa. Imagine sua decepção quando, em vez de um casal romântico, ela viu uma jovem velha e um velho mal-educado e malvado. Muito ficou claro para a jovem, mas ela não desistiu de seu amor e deixou a casa de seu próspero marido para ir com um jovem oficial colonial para a distante Malásia.

Em 1928-1933, mais quatro peças de Maugham apareceram: “The Sacred Flame” (1928), “The Family Breadwinner” (1930), “For Merit in Battle” (1932) e “Sheppie” (1933). O advogado provincial do drama “Pelo Mérito Militar” acredita que a justiça e a prosperidade reinam na sociedade, embora a sua própria família esteja a morrer sob a pressão das circunstâncias.

O filho Sidney voltou cego da guerra e uma das irmãs cuida dele, embora isso a sobrecarregue e atormente. Ela sonha em unir seu destino ao de um homem que também voltou recentemente do front, mas seu noivo, incapaz de se encontrar nesta sociedade, tira a própria vida, e a infeliz menina enlouquece. Sua irmã se torna esposa de um oficial desmobilizado - um homem arrogante e mal-educado. O destino da terceira filha também é trágico. Tentando escapar da situação sombria, ela foge de casa com um especulador rico que enriqueceu por meio de transações sujas. A guerra quebrou o destino de todos os membros da família. As palavras de Sidney estão cheias de amargura: “Sei que todos acabamos como fantoches nas mãos de tolos medíocres que governaram os nossos países. Eu sei que todos nós fomos sacrificados à sua vaidade, ganância e estupidez. E o pior é que, pelo que entendi, eles não aprenderam nada.”

A história do personagem principal do drama “Sheppey” é triste. Sheppey, um cabeleireiro de meia-idade, foi o feliz vencedor de uma grande vitória.

Ele sonha em ajudar quem precisa, mas sua filha e o noivo acreditam que esse dinheiro os ajudará a entrar grande política, e fazer com que Sheppie seja declarado louco.

A produção de Sheppie, não destinada à arte comercial, fracassou, e Maugham decidiu deixar a dramaturgia e nunca mais voltar a trabalhar no teatro.

Arroz. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( arroz. 61) nasceu na cidade de Bradford (Yorkshire), na família de um professor. Em 1914 tornou-se estudante na Universidade de Cambridge, mas com a eclosão da Primeira Guerra Mundial ofereceu-se como voluntário para o front. Priestley completou seus estudos na Universidade após o fim da guerra. Ele logo ganhou fama como escritor de ensaios, além de estudioso e crítico literário. O romance Bons Companheiros, escrito em 1929, apresentou ao leitor a vida de atores viajantes e trouxe grande sucesso a Priestley. Primeiro e incomum experiência de sucesso A contribuição do escritor para a dramaturgia foi a peça "Dangerous Turn", encenada em 1932.

Assim como Maugham, Priestley sabia como transmitir com precisão os tipos humanos e criar intriga. Ao mesmo tempo, suas peças são mais problemáticas que as obras de Maugham e Shaw.

Em "Dangerous Turning" Priestley, como Maugham, revela o que está escondido por trás bem-estar externo vida. O que aparece por trás das camadas de mentiras e enganos é verdadeiramente assustador. O dramaturgo constrói suas peças com base no princípio de um “detetive de sala fechada”. Um assassinato foi cometido em um pequeno círculo de conhecidos próximos, todos estão sob suspeita e, ao mesmo tempo, todos se tornam detetives amadores.

Uma cadeia de revelações se desenrola gradualmente, começando com palavras deixadas acidentalmente em uma festa na editora Robert Kaplan, que descobre que seu amado irmão Martin era um maníaco sexual e não cometeu suicídio, como se acreditava oficialmente, mas foi morto por uma mulher. Quase todos os seus parentes estiveram envolvidos em sua morte. Tendo aprendido a terrível verdade, Robert tirou a própria vida. Mas esta é apenas uma versão hipotética dos acontecimentos. A escuridão que se segue se dissipa e o cenário do primeiro ato aparece novamente diante dos olhos do espectador. Os personagens mantêm a mesma conversa, e a frase que serviu de início da revelação não é desenvolvida. A “virada perigosa” foi superada com sucesso e a festa continua. Mas o que realmente está escondido por trás do fluxo calmo da vida já é conhecido do espectador.

Em 1937, apareceu a peça Time and the Conway Family, de Priestley, na qual o autor usa a técnica da reviravolta. A ação começa em 1919 com férias em família. Uma família rica e amigável comemora o aniversário de Kate. A menina completa vinte e um anos, está cheia de esperanças de um futuro feliz e sonha em se tornar escritora.

O segundo ato remonta a 1937. Os personagens são os mesmos, mas são todos infelizes. A festa, realizada há muitos anos, tornou-se um acontecimento que virou a vida da família num rumo que levou todos os seus membros a um triste resultado.

O terceiro ato volta a 1919, mas agora para o espectador, que soube do ocorrido muitos anos depois, a festa de família não parece divertida e feliz.

Priestley também se voltou para o tema do tempo em suas peças subsequentes: “I've Been Here Before” (1937), “Music at Night” (1938), “Johnson Beyond the Jordan” (1939). Para aprofundar as características de seus personagens, o escritor os coloca em um ambiente inusitado, no qual se revela algo que antes estava escondido não só dos outros, mas também de si mesmos.

Em várias peças, Priestley usa experimentos ousados. Assim, no drama “From Heavenly Times” (1939), que se passou nos palcos de vários teatros países europeus, os atores entram no personagem bem na frente do público e até trocam de papéis.

O dramaturgo inglês valorizou muito o trabalho de Chekhov. Sua influência é mais evidente na peça Eden End (1934). "Eden End", em seu clima que lembra o "de Chekhov" O pomar de cerejeiras", conta a história de uma mulher que fugiu da casa dos pais há muitos anos para se tornar atriz. Agora ela voltou para a casa tranquila e confortável do pai, sonhando em se sentir feliz novamente. Mas o passado não pode ser devolvido, e os personagens da peça, por mais que gostem, não podem começar uma nova vida.

A comédia ocupa um lugar importante na dramaturgia de Priestley. Neste gênero, o escritor criou uma série de obras extraordinariamente espirituosas que criticam a vida da sociedade. Suas comédias gozaram de extraordinária popularidade nos países europeus, mas não trouxeram muito sucesso ao dramaturgo em sua terra natal.

A comédia “Rakita Grove” (1933) tornou-se amplamente conhecida. O modesto e comum proprietário de um pequeno armazém de papelaria de repente admite para sua família que na verdade é o chefe de uma gangue de falsificadores. Os parentes, ao ouvirem falar disso, demonstram-lhe todo o respeito, embora antes o tratassem com desdém. Todos acreditam que ele não é pior do que os grandes magnatas financeiros que o arruinaram durante crise econômica e se transformou em um criminoso.

Algumas comédias indicam o interesse de Priestley pela vida de representantes de determinadas profissões ("Amor pela Luz de Júpiter", 1936; "Boa noite, crianças", 1941).

Destaca-se um pouco a peça “Abelhas a bordo de um navio” (1936), que o próprio autor chamou de “uma tragédia farsa em dois atos” e “uma sátira política em forma de farsa”. A tripulação, deixada num transatlântico abandonado pelos seus proprietários à mercê do destino durante a crise económica, tenta salvar o seu navio de todo o tipo de ataques. No final, o navio morre em uma explosão organizada pela empresa proprietária do transatlântico.

O drama utópico de Priestley, “They Came to the City” (1943), inspirado em romance utópico Artista e escritor inglês William Morris “News from Nowhere, or the Age of Happiness” (1891). Os heróis da peça de Priestley vivem em uma cidade onde não existe propriedade privada, são felizes e alegres. Utilizando a técnica do “time shift”, o autor introduz na peça personagens de diferentes estratos da sociedade inglesa moderna, que percebiam de forma diferente a cidade inusitada e seus habitantes.

Mais duas peças de Priestley foram recebidas com grande interesse pelo público: “The Inspector Came” (1945) e “The Linden Family” (1947).

Na primeira peça, o dramaturgo utiliza novamente sua técnica preferida de “mudança de tempo”. A família do industrial Berling vai comemorar o noivado da filha. De repente, um inspetor de polícia aparece na casa, investigando o suicídio de uma garota chamada Eva Smith. Acontece que todos os membros da família são culpados pela morte dela. Birling a demitiu de seu empreendimento, sua filha garantiu que Eva fosse expulsa da loja e seu noivo seduziu e abandonou a infeliz. Para completar, a esposa de Birling, que tinha influência na instituição de caridade, garantiu que a ajuda fosse negada à menina.

Ao saber de tudo, o inspetor vai embora, e a família Birling, surpresa por suas ações se referirem à mesma menina, começa a chamar o hospital e a polícia. Eles ficam sabendo que não houve suicídios e que um inspetor com esse nome não trabalha na polícia. Os Birlings se acalmaram, mas, no fim das contas, foi cedo demais. De repente, tocou um telefonema e o chefe da família foi informado de que uma menina que já havia trabalhado em sua fábrica havia morrido no hospital e um inspetor de polícia estava vindo até eles para saber as circunstâncias da morte.

Na década de 1950, Priestley continuou a trabalhar no teatro, mas não conseguiu mais escrever nada significativo.

O poeta Thomas Stearns Eliot (1888-1965) deu uma grande contribuição para o desenvolvimento do drama inglês. (Fig. 62), que sonhava em criar um novo drama poético baseado nas tradições da arte antiga e medieval.

Arroz. 62. Thomas Stearns Eliot

Eliot nasceu nos EUA. Em 1910 veio para a Europa para estudar na Sorbonne. Sua formação como escritor se deu sob a influência dos movimentos modernistas surgidos no início do século. Insatisfeito com a cultura burguesa moderna, em sua busca Eliot recorreu ao neoclassicismo, baseado nas tradições da antiguidade e da Idade Média.

A transição de Eliot da poesia para o drama está associada ao seu desejo ardente de transmitir a “verdadeira espiritualidade” e os ideais do humanismo a mais pessoas. Este objetivo é perseguido por todas as suas peças que apareceram nas décadas de 1930, e depois nas décadas de 1940 e 1950 (“Assassinato na Catedral”, 1935; “Convenção da Família”, 1938; “Coquetel”, 1949; “Secretário Privado”, 1953; “O Velho Estadista”, 1958).

A questão da responsabilidade pessoal de uma pessoa por tudo o que acontece no mundo é levantada pela peça “Assassinato na Catedral”, que é um exemplo marcante da tragédia poética de Eliot. Criando sua obra em tempos de paz, o dramaturgo parecia ter um pressentimento da guerra mundial que se aproximava, que ainda estava a cinco anos de distância.

"Murder in the Cathedral" deveria ser exibido no Festival de Canterbury, onde foram apresentadas outras obras contando o destino de Thomas Becket, Arcebispo de Canterbury, que viveu no século XII. Becket ajudou Henrique II a lutar por uma monarquia centralizada, mas mais tarde tornou-se inimigo do rei, pelo que pagou com a vida. Após sua morte, o arcebispo foi canonizado pela igreja. A personalidade de Becket ainda causa polêmica entre historiadores e escritores. Eliot apresentou seu herói como um homem cujas ações foram motivadas pelo desejo de elevada espiritualidade, razão pela qual ele lutou contra os interesses básicos do monarca e de seus asseclas. Tendo aceitado o martírio, Becket assumiu sobre si os pecados da humanidade e abriu o caminho para as pessoas ao humanismo e à verdade.

A peça, em que a linguagem poética se alia à linguagem prosaica, baseia-se não só em material histórico, mas também na realidade da década de 1930. Assim, os discursos dos cavaleiros que mataram o arcebispo são muito semelhantes aos discursos da extrema direita com ameaças de “noite das facas longas” a todos os que não concordam com as suas ideias.

Os maiores representantes do drama radical de esquerda inglês foram o poeta Whiston Hugh Auden (1907-1973) e o romancista Christopher Isherwood (nascido em 1904), que tentaram criar um drama poético moderno baseado nas tradições do music hall inglês.

Em 1933, Auden escreveu a peça Danse Macabre, que previa o fim da sociedade burguesa moderna. Em 1936, foi encenado pelo diretor Rupert Doone no Group Theatre de Londres. Posteriormente, o dramaturgo trabalhou em colaboração com Isherwood.

A peça de Auden e Isherwood, The Dog Under the Skin (1935), encenada em 1936, foi recebida com interesse. Esta obra, que incluía elementos de paródia, alta poesia, agitprop, contos de fadas e expressionismo, tinha ao mesmo tempo uma unidade de estilo.

Todos os anos, os aldeões de Pressen Embo enviam um dos seus jovens em busca de Sir Francis, o herdeiro da propriedade que desapareceu repentinamente. Foi a vez de Alan Norman, um homem honesto e simples. O cachorro Francisco, que mora em uma família ou outra, viaja com ele. Os viajantes visitaram muitos países e encontraram-se com pessoas diferentes, mas o herdeiro nunca foi encontrado. Alan já havia decidido abandonar novas buscas quando descobriu que seu cachorro era o procurado Sir Francis. A pele de um cachorro o ajudou a aprender muito, a entender como estavam podres os alicerces sociais. Ao regressar à sua aldeia, Francisco viu que as ideias do fascismo nela prevaleceram sobre todas as outras. Junto com um grupo de jovens, o herdeiro parte para lutar contra a injustiça e o mal.

Também de grande interesse é a peça “On the Border” (1938), de Auden e Isherwood, cheia de simbolismo, que conta a história de duas famílias que vivem no mesmo quarto. Entre eles existe uma linha invisível que os transformou em dois lados em guerra. Entre os personagens da peça estão jovens amantes pertencentes a essas famílias, unidas somente após a morte, o Cínico, que explica a natureza do fascismo (o chefe do truste do aço), e o Líder, um demagogo que é alimentado pelo Cínico.

Posteriormente, Auden e Isherwood se afastaram de suas ideias anteriores. Em 1966, a história de Isherwood "Goodbye Berlin" (1939), que fala sobre a Alemanha antes da chegada dos nazistas ao poder, foi adaptada para o musical "Cabaret" e, em 1972, para o famoso filme de mesmo nome.

A Primeira Guerra Mundial e o período que a precedeu destruíram o sistema de empreendimentos teatrais formado no século 19, liderado pelos atores G. B. Tree, G. Irving e J. Alexander. O teatro comercial do West End ganhou destaque na vida teatral da Inglaterra, oferecendo às pessoas cansadas da guerra espetáculos engraçados e espetaculares. Farsas, melodramas, comédias leves e shows musicais eram extremamente populares.

A situação no mundo do teatro não mudou nos anos do pós-guerra. Os gêneros leves ainda reinavam no palco, e peças sérias de Strindberg, Ibsen e Chekhov só podiam ser vistas nos palcos de pequenos teatros londrinos (Everyman, Barnes) e clubes de teatro. O crítico americano T. Dickinson escreveu sobre o teatro inglês da época: “As Ilhas Britânicas estão politicamente isoladas. O teatro inglês encontra-se num isolamento semelhante. Na década de 1920, o teatro britânico revelou-se em grande parte incapaz de responder aos impulsos profundos que guiavam o teatro no continente.”

Jovens ingleses que rejeitaram tradições era vitoriana e lutando por um modo de vida americanizado, Shakespeare estava entediado, cujos dramas desapareceram dos palcos do West End.

As apresentações do Cambridge Festival Theatre, liderado por Terence Gray em 1926-1933, tornaram-se verdadeiras paródias do grande Shakespeare. Assim, em O Mercador de Veneza, Portia proferiu seu famoso monólogo sobre misericórdia com um olhar entediado, uma voz completamente inexpressiva, e os juízes sentados à sua frente bocejaram. Os nobres de Henrique VIII, de Gray, estão vestidos como valetes e rainhas, e alguns dos personagens são substituídos por maquetes de cartas de baralho.

É interessante que, embora rejeitando os clássicos, os diretores ingleses da época muitas vezes se voltassem para a comédia da era da Restauração. Entre eles estava o famoso ator, diretor e proprietário do Lyric Theatre de Londres, Nigel Playfair, que encenou diversas comédias de época. No palco Lírico também ocorreram apresentações interpretadas no espírito da época a partir de peças de comediantes do século XVIII. Por exemplo, a Ópera do Mendigo de John Gay, que há três anos não saía do palco lírico, perdeu sua orientação satírica e se transformou em um espetáculo leve e alegre. Na interpretação de Playfair, a peça de Gay representava uma época despreocupada e alegre, cuja atmosfera foi ajudada a transmitir a atmosfera pelas velas acesas nos lustres do auditório, pelas perucas dos músicos da orquestra de teatro, bem como pela música de Handel e Purcell. N. Marshall descreveu com muita precisão as habilidades de estilização do diretor Playfair: “No teatro inglês sem estilo da época, ele deu um exemplo de estilo de palco elegante e holístico”.

A estrela do Teatro Lírico foi a atriz Edith Evans (1888-1976), que começou interpretando jovens heroínas nas comédias da Restauração. Um enorme sucesso em 1924 foi trazido a ela pela imagem de Milliment na peça “Isso é o que eles fazem no mundo”, baseada na peça de Congreve. Milliment, assim como Sullen em “O Plano Astuto dos Almofadinhas” de Farquer, é uma criatura extraordinariamente alegre e graciosa, ansiosa para experimentar todas as alegrias da vida.

As peças de Bernard Shaw, apresentadas nos palcos do West End e em pequenos teatros experimentais, tiveram grande sucesso entre o público inglês na década de 1920. “Santa Joana”, encenada no Teatro Novo, trouxe aos criadores um grandioso sucesso comercial. A apresentação não saiu do palco por muito tempo, durando mais de duzentas e quarenta apresentações. O papel de Jeanne foi interpretado pela famosa atriz trágica Sybil Thorndike (1886-1976).

O papel de Jeanne foi destinado a Sybil Thorndike pelo próprio Bernard Shaw. Ele ensaiou com ela e os outros atores, tentando incutir neles a ideia de que estavam representando uma peça moderna, e não um drama de fantasia dedicado ao passado. Sybil Thorndike interpretou uma heroína cujas principais características não eram o romance, mas uma mente sóbria e força moral. Olhando para Jeanne, o público entendeu que essa simples camponesa, que provou seu valor em batalhas antigas, poderia se tornar a heroína da moderna Primeira Guerra Mundial.

No final da década de 1920 em círculos teatrais Surgiu a ideia de realizar festivais anuais com as peças de Bernard Shaw na pequena cidade de Malvern. O primeiro Festival de Malvern aconteceu no início de 1929 e abriu com a peça de Shaw, The Apple Cart. O papel do personagem principal desta peça foi interpretado pela atriz Edith Evans. O festival existiu até a eclosão da Segunda Guerra Mundial.

Barry Jackson (1879-1961), que dirigiu o Birmingham Repertory Theatre, desempenhou um papel importante na organização do Festival Malvern. Este teatro foi inaugurado em 1913, na mesma época que os teatros de repertório de Bristol, Manchester e Liverpool. Ao contrário dos comerciais, tinham uma trupe permanente e encenavam peças sérias e problemáticas. No palco do Birmingham Repertory Theatre houve apresentações baseadas nas obras de D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser e, claro, B. Shaw. Em 1923, Barry Jackson encenou sua pentalogia “Back to Methuselah”, na qual atores famosos de Londres, incluindo Edith Evans, atuaram junto com representantes da trupe do Birmingham Theatre. Shaw também participou dos ensaios.

Em 1925, em Londres, a trupe de Barry Jackson apresentou Hamlet (dirigido por G. Ayliffe). Nunca antes o público de Londres ficou tão surpreso: Hamlet estava vestido com um agasalho, Laertes com calças Oxford subiu ao palco com uma mala com um adesivo brilhante: “Passageiro para Paris”. Polônio usava um fraque e Cláudio uma túnica de seda escarlate. Os cortesãos do rei jogavam bridge e bebiam uísque. O reino dinamarquês transformou-se na Inglaterra moderna com as suas tradições bem estabelecidas. Hamlet entrou neste velho mundo hipócrita com a sua verdade, trazida das trincheiras da Primeira Guerra Mundial.

Na década de 1920, as peças de Chekhov apareceram no repertório dos teatros ingleses. Um papel significativo na introdução das obras de Chekhov ao público inglês foi desempenhado pelo diretor Fyodor Komissarzhevsky (1882-1954), convidado em 1925 pelo empresário Philip Ridgeway para o Barnes Theatre. A primeira peça encenada por um diretor russo no palco Barnes foi Ivanov ( papel principal foi realizado por R. Farkerson). Em seguida, foi encenada “Três Irmãs” (1926), interpretada por Komissarzhevsky como um espetáculo poético romanticamente elevado e incomum. O diretor usou luz brilhante e efeitos de cores incomuns no estilo de Chekhov. No mesmo ano de 1926, os telespectadores de Barnes assistiram a mais dois dramas de Chekhov - Uncle Vanya e The Cherry Orchard.

Naqueles anos As peças de Tchekhov foram encenados apenas em pequenos teatros e somente na década de 1930 puderam ser vistos por quase todo o público inglês. Ao mesmo tempo, toda uma galáxia de atores talentosos apareceu no país. Junto com as estrelas da década de 1920 (Sybil Thorndike, Edith Evans, etc.), Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness brilharam no palco inglês. Eles podiam ser vistos tocando principalmente no Old Vic Theatre e no Gielgud's Repertory nos New and Queens Theatres.

Localizado na Waterloo Road, o Old Vic foi inaugurado no século 19, mas tornou-se amplamente conhecido antes da Primeira Guerra Mundial. Em 1918-1923, foram encenadas em seu palco as peças de Shakespeare, nas quais atuaram os melhores atores ingleses, que recusaram taxas altas West End para arte de verdade. Edith Evans foi convidada para todos os teatros do West End, mas preferiu um pequeno salário no Old Vic. Ela desempenhou muitos papéis nas peças de Shakespeare, incluindo Catharina, Viola e Rosalind.

Shklovsky Viktor Borisovich

autor Vasiliev, (crítico de arte) Alexander Alexandrovich

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Prefácio do tradutor para inglês Documentos históricos que explicam os conceitos básicos associados ao bushido (o conceito de "bushido", como "samurai", entrou nas línguas ocidentais como um empréstimo que significa "o espírito nacional, especialmente militar, do Japão; tradicional

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Melange inglesa Vim pela primeira vez a Londres em 1983. Naquela época havia alguns punks assassinos vagando pela King's Road em Chelsea folhas de outono misturados com a chuva cantavam algo de Britten para nós, ônibus vermelhos de dois andares ecoavam o telefone vermelho e classicamente monótono

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Teatro O primeiro teatro da corte, que existiu em 1672-1676, foi definido pelo próprio czar Alexei Mikhailovich e seus contemporâneos como uma espécie de “diversão” e “frescura” moderna à imagem e semelhança dos teatros dos monarcas europeus. O teatro da corte real não apareceu imediatamente. Russos

Do livro 5 horas e outras tradições da Inglaterra autor Pavlovskaya Anna Valentinovna

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Rostock sociedade civil: Clube Inglês “Concordia et laetitia” Foi durante a era de Catarina que surgiu o Clube Inglês em Moscou, isso aconteceu em 1772. Como os clubes são um fenômeno vida pública na Rússia foram o resultado de influência exclusivamente ocidental, então

O primeiro teatro de Londres, chamado Theatre, foi inaugurado em 1577 pelo ator James Burbage em Shoreditch. Alguns meses depois, um segundo teatro chamado Cortina foi inaugurado nas proximidades. Logo Burbage e seu filho Thomas, que ficou mais famoso que seu pai, organizaram o Black Brothers Theatre - em homenagem à ordem monástica dominicana, já que o palco foi montado no refeitório do antigo mosteiro. No entanto, todos os teatros eram constantemente atacados pelas autoridades de Londres, que amaldiçoavam estas instituições como um demônio e uma fonte de infortúnio, um lugar de ociosidade e libertinagem, uma reunião de pessoas cruéis excitadas pela visão de rapazes em roupas femininas - em ou seja, um lugar para quem prefere acompanhar o som de uma trombeta correndo para assistir a uma peça, em vez de ir ouvir um sermão enquanto o sino toca.

Em Southwark os atores tinham mais liberdade do que na cidade, onde a vida dos teatros era severamente limitada pelas regras estabelecidas pelas autoridades. Além disso, Tula pode ser facilmente alcançada por barco ou ponte. Durante o encerramento dos mosteiros, parte de Southwark, que anteriormente pertencia ao mosteiro de Bermondsey e ao mosteiro da Bem-Aventurada Virgem Maria, tornou-se propriedade do rei. Em 1550 foi vendido à cidade por cerca de mil libras. Apenas dois terrenos que permaneceram fora da jurisdição da cidade não foram vendidos. Em um havia uma prisão, o outro se chamava (“Jardim de Paris”); Foi nestes dois locais que durante o reinado da Rainha Elizabeth surgiram teatros, livres das proibições e censura de Londres. O Rose Theatre, construído em 1587, foi onde as peças de Marlowe foram encenadas pela primeira vez, e o talento de Edward Alleyn floresceu neste palco. Depois surgiram os teatros “Swan” (em 1596), “Globe” (em 1599; um décimo dele pertencia a Shakespeare) e, em 1613, “Hope”.

Os londrinos foram atraídos para estes e outros teatros por trombetas barulhentas e bandeiras agitadas. O dinheiro dos visitantes era recolhido diretamente no teatro e colocado em uma caixa especial, que era então trancada em uma pequena sala - a caixa (na “caixa”). O público sentou-se em cadeiras dispostas em fileiras ao redor do palco, ou em bancos diretamente no palco, e a apresentação começou acompanhada de aplausos. Os atores representavam seus papéis e o público os interrompia com gritos, insultos ou elogios indignados ou de aprovação. Isso continuou até o final do ato, após o qual o palco ficou lotado de dançarinos, malabaristas e acrobatas; vendedores ambulantes com bandejas e cestos espremidos pelos corredores entre as poltronas dos espectadores, vendendo tortas, frutas, remédios fitoterápicos e livrinhos; os homens eram bons com as mulheres. Os trabalhadores do teatro fumavam frequentemente, o ar estava cheio de fumaça de tabaco, as cadeiras de madeira muitas vezes pegavam fogo e o público corria para as portas. queimou no ano em que Nadezhda foi inaugurada; Apenas uma pessoa ficou ferida - suas calças pegaram fogo, mas ele rapidamente apagou derramando cerveja de uma garrafa.

Perto dos teatros havia jardins com ursos, arenas para atrair touros amarrados com cães, locais para brigas de galos, que atraíam um público diversificado - ricos e pobres, nobres e plebeus. Depois de ter apreciado a actuação de “Otelo” ou “Eduardo II”, no dia seguinte o público foi ver o urso, que foi envenenado por cães no Jardim de Paris, e os galos de briga, que, soltando as esporas, cobriram a areia da arena com sangue e penas, nos cães que voavam para longe dos golpes dos touros enlouquecidos (os cães eram apanhados em armadilhas de vime para não se ferirem ao cair e pudessem continuar a lutar), nas pessoas cortando com espadas, cortando ouvidos e dedos uns dos outros para a alta aprovação da multidão.

Teatros do West End

A aparência das ruas do West End mudou dramaticamente. Muitos edifícios do século XVIII. foram reconstruídas tanto por fora como por dentro de acordo com o gosto da época. Assim, na Grafton Street (hoje Salão Elena Rubinstein), a Sra. Arthur James exibiu sua riqueza com uma impressionante reforma de uma casa projetada na década de 1750. Senhor Robert Taylor.

Muitos edifícios georgianos, regenciais e vitorianos abrigaram novos teatros, como o Duke of York's Theatre, o New Theatre, o Scala, o Palladium, o Gaiety, o Her Highness's Theatre, o London Pavilion e o Palace, Apollo, Windhams, Hippolrom,. Strand, Aldwych, Globe, Queen's e Coliseu. Todos eles foram construídos durante os últimos dez anos do reinado da Rainha Vitória e os nove anos do reinado do próprio Eduardo.

Centenas de prédios antigos foram demolidos para dar lugar a lojas, grandes galerias comerciais com opulentas vitrines de vidro e portas de mogno incrustadas em latão. Em 1901, as paredes de terracota da loja de departamentos Harrods em Brompton Road começaram a ser erguidas. Seguindo-o, rapidamente começaram a ser construídas na rua novas lojas de estilo barroco exagerado, por exemplo, Wearing and Gillows (1906), de dimensões colossais, como, em particular, o majestoso edifício que o comerciante começou a construir em 1909 a partir de Wisconsin Harry Selfridge.

Quando a loja da Selfridge foi concluída, a Regent Street havia mudado completamente; O Aldwych Loop cruzava um labirinto de ruas ao norte de Strand, em frente à Somerset House, com fileiras de edifícios monumentais aparecendo nele, e o Kingsway se estendia para o norte em direção a Holborn.

Os britânicos são uma nação de frequentadores de teatro e, no país que nos deu Shakespeare, você pode facilmente visitar os mais produções diferentes em teatros reconhecidos como alguns dos mais espetaculares do mundo. Abaixo apresentamos o melhor deles, além de algumas dicas que permitirão que você economize na sua compra...

West End de Londres

Você pode assistir a apresentações impressionantes e musicais vibrantes no histórico bairro teatral de Londres - Theatreland, em cujas ruas 40 teatros lutam arduamente pelos espectadores. Grande parte da cena cultural do West End está centrada na Shaftesbury Avenue, com os limites aproximados do distrito sendo Strand ao sul, Oxford Street ao norte, Regent Street ao oeste e Kingsway ao leste.
Muitas produções teatrais do West End saem em turnê após sua primeira apresentação no Theatreland, com ingressos para shows fora de Londres custando muito menos. Uma lista completa de todas as produções e performances de Londres pode ser encontrada no site oficial do London Theatre Guide, mantido e mantido pela London Theatre Society. A Sociedade oferece ingressos com desconto para algumas apresentações e também opera quiosques em Leicester Square e Brent Cross, onde os ingressos podem ser adquiridos com desconto. Muitos teatros em todo o Reino Unido oferecem ingressos com desconto para estudantes, crianças e adolescentes menores de 18 anos.

Globe Theatre de Shakespeare em Londres

Edifício moderno aberto (sem telhado) do famoso Teatro Shakespeare A época elisabetana foi restaurada a partir do projeto do primeiro Globe Theatre, construído no século 16 e situado na margem sul do Tâmisa, em Southwark. Assistir a uma produção no Globe é uma experiência inesquecível: o teatro utiliza apenas luz natural e, comprando ingressos em pé, é possível assistir a atuação dos atores a poucos passos do palco.

A temporada de teatro vai de abril a outubro, mas se você não puder assistir a uma produção, ainda poderá visitar o teatro e sua exposição informativa.

O Teatro Nacional está localizado em outra área de Londres, separada do West End pelo Tâmisa. Sob a cobertura do Teatro Nacional existem 3 auditórios, em cujos palcos melhores atores os países desempenham papéis em produções dramáticas modernas e clássicas, incluindo produções das obras de Shakespeare. Na manhã de cada apresentação, cerca de 30 ingressos baratos são vendidos na bilheteria do teatro, mas é preciso chegar cedo para adquiri-los!
Royal Opera House e English National Opera em Londres
Os fãs da ópera tradicional podem desfrutar de luxo árias clássicas em real ópera, localizado em Covent Garden.
Aqueles que preferem apresentações de ópera mais modernas em língua Inglesa, pode visitar a Ópera Nacional Inglesa, localizada nas proximidades de St Martin's Lane.

Sadler's Wells Theatre em Londres

O Sadler's Wells Theatre é especializado em dança e é o lugar no Reino Unido onde o público pode se divertir e se divertir shows de dança, elaborado pelos melhores coreógrafos com a participação dos melhores bailarinos. Os locais deste teatro acolhem frequentemente as primeiras exibições de produções mundialmente famosas, como “ Lago de cisnes”Em uma interpretação ousada de Matthew Bourne. No palco do Sadler's Wells você pode assistir a uma grande variedade de apresentações de música e dança, do flamenco ao hip-hop.
Teatros da Royal Shakespeare Company em Stratford-upon-Avon, Londres e Newcastle
Os principais teatros da Royal Shakespeare Company estão localizados na cidade natal de William Shakespeare, Stratford-upon-Avon, e aqui você pode assistir tanto a produções de peças de autores modernos quanto a apresentações das melhores obras do grande dramaturgo. Deliciosas apresentações teatrais podem ser vistas em quatro teatros localizados em Stratford, no Duke of York's Theatre e no Hampstead Theatre em Londres e Newcastle. Os teatros também realizam passeios em outras cidades do país.

Teatro Royal Exchange em Manchester

O Royal Exchange Theatre em Manchester está instalado em um magnífico edifício que anteriormente foi ocupado pela Cotton Exchange. O palco, localizado no centro da sala do teatro, tem formato redondo e é cercado em todos os lados por fileiras ascendentes de assentos para que a atenção de qualquer visitante do teatro permaneça voltada para a ação teatral.
O teatro apresenta peças de vanguarda e apresentações clássicas, inclusive aquelas baseadas nas obras de Shakespeare.

Edimburgo

A capital da Escócia é famosa em todo o mundo graças ao Festival anual de Edimburgo, durante o qual a cidade está imersa na atmosfera de um vibrante festival dedicado às artes. No entanto, você pode visitar Edimburgo em qualquer época do ano e encontrará teatros internacionais atuando em alguns dos melhores locais do Reino Unido.

O Edinburgh Festival Theatre é especializado em apresentar uma impressionante variedade de ópera, balé, dança, música e teatro. O palco do teatro é maior do que qualquer outro teatro no Reino Unido e abriga alguns dos espetáculos mais populares e importantes. Teatro Real Instalado em um elegante edifício eduardiano, abriga produções dramáticas de qualidade e um festival anual de pantomima. O Royal Lyceum Theatre é um teatro tradicional construído em estilo vitoriano e apresenta principalmente as apresentações mais populares. O Traverse Theatre é especializado na produção de obras emocionantes e ousadas de dramaturgos escoceses e internacionais.

Glasgow

Glasgow é um verdadeiro centro artes teatrais, a cidade abriga a Ópera Escocesa, o Ballet Escocês e o Teatro Nacional da Escócia. O City Theatre oferece drama contemporâneo inovador, enquanto os teatros Tron e Tramway são conhecidos por suas produções instigantes. O Royal Theatre irá deliciar os fãs de produções dramáticas populares e também abriga a Ópera Escocesa.

Millennium Center Cardiff

Se você estiver em Cardiff, definitivamente deveria visitar o Millennium Centre. Este edifício, que sempre atrai a atenção de todos os turistas, oferece locais para apresentações de todos os tipos - desde programas itinerantes de musicais do West End até produções de balé e espetáculos de dança moderna. Mesmo que você não tenha tempo para assistir a um dos shows, pare nesta obra-prima da arte moderna e faça um tour pelos bastidores ou faça uma pausa em um bar local. Concertos gratuitos são organizados diariamente no lobby do Millennium Center.

A arte dramática apareceu na Grã-Bretanha há muito tempo. Origina-se de apresentações de rua que aconteciam nos feriados religiosos e serviam como uma espécie de ensinamento moral. Durante o Renascimento, todas as áreas da arte tornaram-se de natureza mais secular e afastaram-se dos temas religiosos. Foi nessa época que surgiu o então teatro revolucionário, onde o agora mundialmente famoso W. Shakespeare encenou peças.

O desenvolvimento moderno do teatro prima pelo realismo extremo em todas as suas esferas, repensando até mesmo histórias clássicas. Agora, os teatros da Inglaterra surpreendem não apenas com apresentações interessantes, mas também arquitetura original, bem como decisões incomuns de direção.

Se você está planejando uma viagem a Londres, não deixe de visitar o Piccadilly Theatre. Existe há mais de oito décadas e encanta os conhecedores da arte teatral não só com produções clássicas modernas, mas também tradicionais.

Um dos teatros mais antigos de Londres é o Aldwych Theatre, que reúne toda a cidade há mais de um século. Atores famosos como Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone e outros já se apresentaram em seu palco.

Para fãs de brilhante apresentações musicais O New London Theatre merece uma visita. Foram os musicais que trouxeram o suficiente para o jovem teatro nas décadas de 70-80 do século passado, verdadeira fama entre os jovens. Até agora, encanta o público com produções de classe mundial, com performances de palco vibrantes e boa música.

Outro teatro londrino famoso por apresentações de estilo musical e peças de comédia é o Shaftesbury Theatre. Não faz muito tempo que celebrou o seu centenário - o trabalho do teatro não parou nem durante a Segunda Guerra Mundial. A construção deste teatro merece atenção especial devido ao seu design antigo incomum.

Entre teatros modernos O Pincock Theatre de Londres se destaca. Concorre adequadamente com teatros antigos devido à sua abordagem inovadora ao drama clássico. Elementos modernos são frequentemente usados ​​no palco. dança de rua e até performances acrobáticas para aumentar o efeito da peça.

O edifício da Grand Opera House em Belfast impressiona pela sua beleza. Construído no século XIX, não é apenas um marco arquitetônico de estilo oriental, mas também encanta os fãs de teatro com repertório clássico e excelente acústica.

O Royal Drury Lane Theatre é considerado o principal centro de arte dramática da Grã-Bretanha. Está localizado em Londres e desempenhou um papel importante no desenvolvimento do teatro no país. Durante a sua existência, muitos atores famosos conseguiram visitar o seu palco.

Outro monumento arquitetônico da Grã-Bretanha é o Teatro de Sua Majestade. O teatro foi criado no início do século XVIII e no final do século XIX mudou-se para um grande edifício novo, onde ainda se encontra. Representa um enorme valor histórico e valor cultural, e o repertório clássico irá agradar a todos os amantes desta forma de arte. Este teatro está localizado em Londres, no oeste de Westminster.

Londres é famosa pelos seus museus, edifícios históricos e restaurantes ultramodernos. Se apenas vida teatral, que domina a cidade, a distingue das demais cidades. Se uma peça fizesse sucesso em Londres, repetiria o sucesso em outros lugares.

O único concorrente de Londres pode ser Nova York com a Broadway, mas mesmo ela não pode se orgulhar de ter edifícios de teatro com um grande e história rica. A parte central da cidade, os bairros West End, South Bank e Victoria surpreendem com uma concentração especial de teatros - desde pequenos estúdios para 100 espectadores até grandes templos de Melpomene. Oferecemos uma visão geral dos dez maiores teatros de Londres.

O Shaftesbury Theatre, localizado próximo à Holborn Street, está listado entre os edifícios britânicos de valor arquitetônico e histórico. Graças a um pequeno acidente ocorrido com a cobertura do prédio em 1973, foi dada atenção a ele. Desde 1968, o famoso musical “Hair” foi exibido em seu palco 1998 vezes. O show, que promovia o movimento hippie, foi posteriormente encerrado. Quando o musical foi exibido pela primeira vez no palco do West End, o censor de teatro Lord Cameron Fromentil "Kim" Baron Cobbold o proibiu. Os produtores pediram ajuda ao Parlamento, que deu permissão emitindo um projeto de lei que anulava completamente a proibição do barão. Este acontecimento sem precedentes na história da arte teatral pôs fim à censura teatral na Grã-Bretanha - nada mal para um teatro com capacidade para 1.400 espectadores.

A poucos quarteirões de Shaftesbury fica o Palace Theatre, que também pode acomodar 1.400 espectadores. Sua especialidade são musicais, como Singin' in the Rain ou Spamalot. O teatro foi inaugurado em 1891 e ficou conhecido como Royal English Opera House sob o patrocínio de Richard d'Oyly Carte. Recentemente, além de óperas, musicais, filmes e outros espetáculos foram exibidos no palco. Ao longo da década de 1960, o musical “. The Sound of Music” foi exibido no teatro 2.385 vezes. O teatro foi incluído na lista de edifícios da Grã-Bretanha com valor arquitetônico e histórico. Junto com ele, outros edifícios da região foram incluídos na lista.

O Teatro Adelphi comemorou recentemente seu 200º aniversário. Apesar do tamanho modesto do prédio, o teatro pode acomodar 1.500 espectadores. Ele é conhecido por produções como Chicago e Joseph e o Amazing Technicolor Dreamcoat. O edifício Art Déco de 1930 fica ao lado do Strand Palace Hotel. Este é o quarto edifício em toda a história do teatro desde 1809. Uma placa na parede de um bar próximo culpa o teatro pela morte do ator, que já foi apoiado pelo grande Terriss. Mas, na verdade, o príncipe Richard Archer, um ator fracassado que perdeu popularidade e decência devido ao vício do alcoolismo, se declarou culpado do assassinato de seu mentor Terriss em estado de loucura e foi enviado para tratamento compulsório a um hospital psiquiátrico, onde foi liderou a orquestra da prisão até sua morte. Dizem que o fantasma do não vingado Terriss, chateado com a sentença branda imposta ao seu protegido e assassino, ainda vagueia pelo prédio do teatro à noite.

Alguns shows estão no palco do West End de Londres há décadas, e o Victoria Palace oferece constantemente um repertório novo, como o musical Billy Elliott. Embora esteja no palco desde 2005, o que é muito, como dizem espectadores regulares. O teatro tem uma longa história, que começou em 1832, quando era apenas uma pequena sala de concertos. Hoje o prédio, construído em 1911, tem capacidade para 1.517 espectadores. Está equipado com um teto deslizante, que se abre nos intervalos para ventilar o salão. O teatro apresentou muitos espetáculos memoráveis, mas o mais memorável deles foi a peça patriótica de 1934, Young England, que recebeu muitas críticas negativas. Durou apenas 278 apresentações.

O Prince Edward Theatre está localizado no coração do Soho e tem capacidade para 1.618 pessoas. Tem o nome do herdeiro do trono da Coroa Britânica, Eduardo VIII, um rei que esteve no trono apenas alguns meses e o abandonou em nome do amor. Tradicionalmente, shows e performances românticas acontecem no palco, por exemplo, “Show Boat”, “Mamma Mia”, “West Side Story”, “Miss Saigon”. O teatro tem uma longa história, que remonta a 1930, quando era apenas cinema e salão de dança. Só em 1978 foi inaugurado o teatro, programado para coincidir com a sua inauguração com a estreia do musical "Evita" sobre o mundo mulher famosa, esposa do presidente da Argentina. A peça teve 3.000 apresentações, e a atriz Elaine Page, que interpretou Evita, teve um início brilhante em sua carreira teatral e se tornou uma estrela.

Apesar da remodelação da Tottenham Court Road, em Londres, para criar um melhor entroncamento rodoviário, uma coisa permanece inalterada: a estátua gigante de Freddie Mercury com a mão levantada enquanto canta "We Will Rock You" em frente ao Dominion Theatre. O espetáculo está nos palcos desde 2002 e, apesar das críticas negativas da crítica, foi um sucesso de público. O teatro, construído em 1929 no local de uma antiga cervejaria londrina, tem capacidade para 2.000 espectadores. O prédio também abriga a Igreja Dominical Australiana, que utiliza o palco e a iluminação do teatro durante as missas.

Este é um dos maiores teatros de Londres. As colunas que adornam a entrada central datam de 1834, e o próprio edifício foi reconstruído em 1904 em estilo rococó. Ao longo da história da sua existência, que remonta a 1765, teve de tudo menos um teatro, por exemplo, durante 50 anos acolheu jantares da Secret Beef Steak Society. Em 1939, quiseram fechar o prédio, mas com o início da construção da estrada ele foi salvo. Há 14 anos, a peça “O Rei Leão” é encenada no palco do teatro, e a dramatização da Disney parece já estar instalada aqui há muito tempo e traz boas receitas de bilheteria.

Não é por isso que o Theatre Royal, que pode acomodar 2.196 espectadores, é considerado o principal teatro de Londres. Desde 1663, existem vários teatros neste local, e a própria Drury Lane é considerada uma rua teatral. Como muitos outros teatros, o Royal trabalhou sob a direção de Andrew Lloyd Webber, autor dos musicais Evita e Cats. Outras produções que já apareceram no palco incluem Oliver, que virou filme musical de mesmo nome, Os Produtores, Shrek e Charlie e a Fábrica de Chocolate, que ainda está em cartaz. Além de musicais e atores, o teatro é famoso por seus fantasmas, como o fantasma de um homem vestido de terno cinza e chapéu armado. Segundo a lenda, ele foi morto no prédio do teatro nos séculos XVIII e XIX. Outro fantasma é Joseph Grimaldi, um palhaço que supostamente ajuda atores nervosos no palco.

O London Paladium Theatre é famoso não só em Londres, mas em todo o mundo. Fica a poucos passos da Oxford Street. Ele se tornou popular graças ao show noturno “Sunday Night at the London Palladium”, que durou de 1955 a 1967. Milhões de espectadores conheceram o palco giratório e ações cênicas de vários tipos. Em 1966, os proprietários do edifício tentaram vendê-lo para posterior reconstrução, mas foi salvo graças a investidores teatrais e ao facto de, além do teatro, em 1973 ter sido inaugurada ali uma sala de concertos para actuações do grupo de rock “Slade ”. As constantes multidões com ingressos esgotados e as ações ativas dos fãs da banda quase causaram o desabamento da varanda do salão. Em 2014, o show de talentos “The X Factor: The Musical” foi inaugurado na sala do teatro.

Se o teatro Appollo Victoria não for o mais popular de Londres, então pode ser reconhecido com segurança como o mais alto. Está localizado a poucos metros do Victoria Palace e tem capacidade para 2.500 espectadores. Vários teatros da crítica apresentada estão localizados nas proximidades e criam uma espécie de “país teatral”. Apollo Victoria foi inaugurado em 1930. O edifício foi projetado em estilo art déco com temática náutica, com fontes e conchas como decoração. Demorou 18 anos para construir a ferrovia do musical “Starlight Express”, para que o trem circulasse pelo perímetro do auditório conforme o roteiro. Outro musical popular apresentado no teatro é “Wicked”. A receita de bilheteria da estreia foi de 761 mil libras e, ao longo de 7 anos, a receita da performance é estimada em 150 milhões. Os amantes do cinema afirmam que o teatro irá desaparecer num futuro próximo, mas as estatísticas relacionadas com o número de espectadores de cada musical e a quantidade de receitas de bilheteira indicam o contrário. O cheiro de ruge e cal, o barulho do auditório nunca desaparecerão.
No entanto, a arquitetura moderna não é de forma alguma inferior à beleza e elegância dos edifícios históricos dos teatros.