A pérola operística da Itália: La Scala. As melhores casas de ópera e festivais da Itália Óperas da Itália do século XX
Convidamos você a mergulhar na cultura italiana! Como? Conheça as mais belas casas de ópera do país.
Em contato com
A Itália possui mais de 60 casas de ópera em funcionamento. Além do mundialmente famoso La Scala de Milão, do Fenice de Veneza e Napolitano São Carlos, que são reconhecidas obras-primas da arquitetura, na Itália existem dezenas de teatros com uma longa história, dando um contributo significativo para a ópera nacional e europeia.
Academia Nacional de Santa Cecília em Roma
A Academia Nacional de Santa Cecília de Roma é uma das instituições musicais mais antigas do mundo, fundada em 1585 pelo Papa Sisto V, cuja companhia de concertos e sinfónica é reconhecida internacionalmente.
No século XIX, além de músicos, poetas, dançarinos, musicólogos, filólogos, fabricantes de violinos, reinantes e embaixadores como patronos das artes.
A Academia incluiu como membros honorários os principais personagens da cena musical europeia: Cherubini, Morlacchi, Mercadante, Donizetti, Mayer, Rossini, Pacini, Paer, Paganini, Spohr, Auben, Adam, Bayo, Liszt, Mahler, Kramer, Thalberg, Czerny , Moshales, Mendelssohn, Berlioz, Thomas, Halévy, Gounod, Meyerbeer; as dançarinas Maria Taglioni, Fanny Cerrito, a atriz Adelaide Ristori, os libretistas Jacopo Ferretti e Carlo Pepoli. Entre as pessoas reinantes: a Rainha Vitória da Inglaterra com seu marido Alberto, o Rei Guilherme IV da Prússia com sua esposa Elizabeth Louise, os reis napolitanos Fernando II com sua esposa Maria Teresa Isabel da Áustria.
A Academia evoluiu para Estado atual, quando é composto por 70 membros titulares e 30 honorários - os melhores músicos italianos e estrangeiros, Orquestra Sinfónica e um coro mundialmente famoso.
Desde 2005, o maestro da orquestra é Antonio Pappano. A Academia está sediada no Parco della Musica, criado por um dos maiores arquitetos do século XX, Renzo Piano.
Arena de Verona
A Arena de Verona é um anfiteatro romano perfeitamente preservado, o terceiro maior da Itália, símbolo de Verona.
Foi construído entre os séculos I e III dC. e foi usado, como o Coliseu, para receber diversas apresentações, incluindo circo e lutas de gladiadores.
A história da Arena como casa de ópera começa em 1913, quando Aida foi apresentada aqui no dia 10 de outubro. A escolha da ópera coube ao tenor veronese Giovanni Zenatello em homenagem ao centenário de nascimento do compositor Giuseppe Verdi.
Desde então, todos os verões a Arena recebe 6.000 espectadores durante 50 dias, oferecendo de 5 a 6 óperas sucessivamente, nas quais os melhores cantores de ópera No mundo todo.
Quem teve a sorte de assistir à ópera na Arena nota a grandiosidade do cenário, que muda rapidamente durante a ação. Tamanho incrível poço da orquestra, acomodando até 150 músicos, e a quantidade de artistas envolvidos: além da orquestra, há um coral de 200 pessoas, 100 bailarinos e bailarinas e 200 figurantes!
Teatro Esferistério em Macerata
Sferisterio é uma estrutura única em termos de arquitetura e acústica. A construção do teatro começou em 1820 por iniciativa dos habitantes de Macerata, e a inauguração ocorreu em 1829. Por mais de um século, o Spheristerio acolheu uma grande variedade de apresentações dentro de seus muros; Acolhe feriados, desfiles de cavalos, eventos políticos e esportivos.
A primeira ópera foi apresentada lá em 1921. Era a Aida de Verdi. Após a Segunda Guerra Mundial, o teatro dirigido por Carlo Perucci fortaleceu sua posição e suas temporadas de ópera ganharam fama mundial. Os melhores intérpretes se apresentaram em seu palco, incluindo Mario del Monaco, Luciano Pavarotti, Katia Ricciarelli, Renato Bruzon, Montserrat Caballe, Placido d'Amigo.
Desde 2012, o tradicional festival dirigido por Francesco Michelli recebe o nome de “Festival de Ópera de Macerata”.
Teatro alla Scala em Milão
O La Scala é sem dúvida um dos teatros mais famosos do mundo, bem como o símbolo da cidade de Milão.
O teatro deve seu nome à igreja de Santa Maria alla Scala, que, por sua vez, recebeu o nome da filantropa que financiou sua construção, Regina della Scala. No século XVIII, a igreja foi demolida para dar lugar à construção de um teatro, inaugurado em 3 de agosto de 1778 com a ópera "Europa Reconhecida", de Antonio Salieri.
Desde 1812, o La Scala tornou-se um reduto do melodrama italiano, graças à produção de obras de Rossini. O repertório evoluiu até se transformar em forma moderna. O teatro está associado principalmente ao nome do compositor Giuseppe Verdi. A sua ópera patriótica Nabucco, apresentada no palco do La Scala em 1842, durante a luta pela unificação da Itália, foi um sucesso fenomenal, fortalecendo a posição do ópera nacional no palco italiano.
A história do teatro no século XX está associada a nomes de artistas famosos. É preciso citar também os diretores artísticos do teatro, como Arturo Toscanini, Claudio Abbado, Riccardo Muti e Daniel Barenboim. Artistas como Maria Callas, Renata Tebaldi, Leila Jenser, Giulietta Simionato, Mirella Freni, Shirley Verrett, Mario del Monaco, Giuseppe Di Stefano, Carlo Bergonzi, Luciano Pavarotti, Placido d'Amingo, Nikolai Ghiaurov, Piero Cappuccili colaboraram com o teatro; os diretores Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Pier Luigi Pizzi, Luca Ronconi, grandes coreógrafos e dançarinos Leonid Massine, George Balanchine, Rudolf Nureyev, Carla Fracci, Luciana Savignano.
Teatro Carlos Felice V Génova
A construção do Teatro Carlo Felice começou em 1825 segundo projeto do arquiteto genovês Carlo Barabino. A inauguração do teatro ocorreu em 7 de abril de 1828 na presença dos governantes do Reino da Sardenha, Carlo Felice e Regina Maria Cristina, com a Ópera Savoy Vincenzo Bellini"Bianca e Fernando."
Durante a Segunda Guerra Mundial, a maior parte do teatro foi destruída e foram necessárias décadas para restaurá-lo. Em 1991, ocorreu uma nova descoberta. Os restauradores preservaram ao máximo os elementos antigos e o interior foi totalmente atualizado.
O teatro acolhe temporadas de ópera e balé, concertos sinfônicos e performances do autor.
Teatro Comunale em Bolonha
O Teatro Comunale foi fundado em 1756 segundo projeto do arquiteto Antonio Galli da Bibbien, que instalou o novo teatro da cidade no prédio do Palazzo Bentivoglio.
A inauguração do teatro ocorreu em 1763 com a apresentação da ópera “O Triunfo de Clélia” baseada no libreto de Pietro Metastasio. A música da ópera foi escrita por Gluck.
Foi neste teatro que teve lugar a estreia italiana da ópera “Lohengrin” de Wagner em 1871, “Tannhäuser” (1872), “ Holandês Voador"(1877), "Tristão e Isolda" (1888), "Parsifal" (1914). Por sua amizade com Wagner, Bolonha foi chamada de “cidade de Wagner”, e o próprio compositor tornou-se seu cidadão honorário.
No século XIX, 20 óperas de Gioachino Rossini e 7 das 10 óperas de Vincenzo Bellini foram encenadas aqui. Diretores artísticos do teatro em tempo diferente havia Mariani, Toscanini, Furtwängler, von Karajan, Gavazzeni, Celibidache, Solti, Delman e, no passado recente, Muti, Abbado, Shelley, Thielemann, Sinopoli, Gatti e Jurowski.
A maioria dos grandes cantores do século XIX colaboraram com o Teatro Comunale, incluindo Stignani, Scipa, Gigli, Di Stefano, Christophe, Tebaldi, Del Monaco, bem como Pavarotti, Freni, Bruzon, Horn, Ludwig, Anderson.
Teatro Musical da Cidade de Florença e Festival Musical de Maio de Florença
A construção do teatro da cidade de Florença não foi uma tarefa fácil e demorou mais de um século, de 1861 a 1968. O primeiro edifício ocupou o anfiteatro aberto "Politeama di Barbano", inaugurado em 1862 para cerca de 7.000 espectadores.
Cerca de um ano após a inauguração, ocorreu um incêndio durante um baile, destruindo o palco, danificando o prédio e causando vítimas. A reconstrução do teatro começou segundo projeto do engenheiro Giulielmo Galanti. Após a conclusão da obra, o teatro voltou a trabalhar intensamente. Só em 1896, foram realizadas 70 apresentações, incluindo óperas como “Honor Rusticana”, “Zanetto”, “Pagliacci”, “La Traviata”, “Il Trovatore”, “The Pearl Fishers”.
Durante a Primeira Guerra Mundial, o prédio do teatro foi usado como armazém de uniformes. Os trabalhos de restauração e reconstrução continuaram após a Segunda Guerra Mundial, durante a qual o teatro foi danificado por bombardeios. O incêndio destruiu o palco, mas o resto do edifício permaneceu intacto.
O teatro é o coração do prestigiado festival anual de ópera "Maio Musical em Florença", fundado em 1933 pelo patrono das artes Luigi Ridolfi Wei e pelo músico Vittorio Gui. Durante o festival são apresentadas óperas, concertos, balés e peças de teatro.
Colaboraram com o teatro: nomes famosos mundo musical como Vittorio Gui, Bruno Walter, Wilhelm Furtwängler, Dimitri Mitropoulos, Zubin Mehta, von Karajan, Riccardo Muti, Maria Calla, Pietro Mascagni, Richard Strauss, Paul Hindemith, Bela Bartok, Igor Stravinsky, Luigi Dallapiccola, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen , Luciano Berio e outros. Entre os diretores, destacamos Max Reinhart, Gustav Grundgens, Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Luca Rononi, Bob Wilson, Giorgio De Chirico e Oscar Kokoschka.
A Itália, que deu ao mundo grandes compositores como Paganini, Vivaldi, Rossini, Verdi, Puccini, é um país música clássica. A Itália também inspirou muitos estrangeiros: por exemplo, Richard Wagner criou o seu Parsifal em Ravello, que trouxe fama internacional à cidade, que hoje acolhe um famoso festival de música. Temporadas musicais abrem, dependendo do teatro, de novembro a dezembro e são um importante evento italiano e internacional vida musical. A TIO.BY e a Agência Nacional de Turismo Italiana prepararam uma seleção de quais dos muitos teatros italianos escolher. Anexamos um link para a programação de cada teatro.
Teatro La Scala em Milão
Um dos teatros mais famosos é sem dúvida o La Scala de Milão. A cada ano a abertura de sua temporada se torna um evento de grande destaque com a participação de personalidades do mundo da política, da cultura e do show business.
O teatro foi criado por vontade da rainha austríaca Maria Teresa após o incêndio que destruiu a cidade em 1776 Teatro Real Régio Ducal. As temporadas do La Scala são um dos eventos mais significativos vida cultural Milão. A programação alterna ópera e balé, além de nomes de compositores italianos e estrangeiros.
O programa da temporada está disponível aqui.
Teatro La Fenice em Veneza
Não muito atrás do La Scala fica a ópera veneziana La Fenice, construída no Campo San Fantin, no bairro de San Marco. Traduzido do italiano, o teatro se chama “Phoenix” - justamente porque foi revivido duas vezes após incêndios, como pássaro fada Fênix, das cinzas. Última restauração concluído em 2003. 
Abriga um importante salão de ópera e Festival internacional música contemporânea, bem como o anual Concerto de ano novo. Cada temporada é rica e interessante, e sua programação combina obras de música clássica e repertório moderno. Antes de visitar, leia o programa da temporada.
Teatro Real em Torino
O Teatro Real do Teatro Reggio de Torino foi construído por vontade de Victor Amadeus de Sabóia. Fachada do prédio Século XVIII, juntamente com outras residências da dinastia Sabóia, é reconhecido como monumento da UNESCO.
A temporada de ópera e balé começa em outubro e termina em junho, e todos os anos no programa você encontra todo tipo de eventos musicais: concertos de música coral e sinfônica, noites de música de câmara, produções no teatro Piccolo Reggio destinadas a novos públicos e para visualização em família, bem como o festival “MITO - Setembro Musical”.
Roma também oferece aos amantes da ópera e do balé muitos encontros com a beleza. O centro mais importante da música clássica é a Ópera Romana, também conhecida como Teatro Costanzi, em homenagem ao seu criador, Domenico Costanzi. Convidado frequente deste teatro, assim como diretor artístico da temporada 1909-1910, foi Pietro Mascagni. Os amantes do balé ficarão interessados em saber que em 9 de abril de 1917, aconteceu aqui a estreia italiana do balé “O Pássaro de Fogo” de Igor Stravinsky, interpretado por membros da trupe de Balé Russo de Sergei Diaghilev.
O programa do teatro inclui muitas apresentações de ópera, mas também é dada muita atenção ao balé.
Enquanto as temporadas de inverno da Ópera Romana acontecem no antigo prédio da Piazza Beniamino Gigli, desde 1937 o local das temporadas de verão ao ar livre é o impressionante complexo arqueológico das Termas de Caracalla. .
As apresentações de ópera realizadas neste palco fazem grande sucesso entre o público, principalmente entre os turistas, que ficam encantados com a combinação deste maravilhoso lugar com apresentações de ópera.
Teatro San Carlo em Nápoles
O teatro mais importante da região da Campânia é, obviamente, o Teatro San Carlo de Nápoles, construído em 1737 por vontade do rei Carlos da dinastia Bourbon, que pretendia criar um novo teatro representando o poder real. São Carlos assumiu pequeno teatro San Bartolomeo, e o projeto foi confiado ao arquiteto Coronel do Exército Real Giovanni Antonio Medrano e ao ex-diretor do Teatro San Bartolomeo Angelo Carazale. Dez anos depois da construção do teatro, na noite de 13 de fevereiro de 1816, o edifício foi destruído por um incêndio, que deixou intactas apenas as paredes exteriores e uma pequena extensão. O que vemos hoje é uma reconstrução seguida de redesenvolvimento.
Este maravilhoso teatro acolhe sempre os amantes da ópera com uma programação riquíssima, que muitas vezes representa uma viagem à tradição operística napolitana e o regresso de grandes clássicos do repertório sinfónico, incluindo aqueles lidos através do prisma de uma nova percepção e com a participação do mundo. celebridades. A cada temporada, estreias brilhantes e retornos maravilhosos acontecem no palco da casa de ópera mais antiga da Europa.
Claro, é simplesmente impossível descrever todo o esplendor da Itália teatral. Mas queremos recomendar mais alguns teatros com programas que merecem atenção.
Teatro Filarmônico de Verona; programa da temporada no link.
Teatro Comunale em Bolonha; programas para temporadas de ópera, música e balé.
Teatro Carlo Felice em Gênova; programas de temporadas musicais, de ópera e de balé.
Teatro Real de Parma; programa da temporada aqui
Teatro Municipal de Treviso; programa da temporada aqui
Ópera Giuseppe Verdi em Trieste; programa da temporada aqui
Auditório da sala de concertos no Parque da Música em Roma; programa da temporada
O conteúdo do artigo
TEATRO ITALIANO. A arte teatral da Itália tem origem em rituais e jogos folclóricos, carnavais, cantos e danças de culto associados ao ciclo natural e ao trabalho rural. Rico em canções e ação dramática houve jogos de maio , acontecendo ao redor de uma fogueira acesa, simbolizando o sol. De meados do século XIII. Lauda aparece na Úmbria (lauda) , um tipo único de espetáculo público, -cantos religiosos de louvor, que gradualmente adquiriram forma dialógica. Os temas dessas apresentações foram predominantemente cenas gospel - a Anunciação, o nascimento de Cristo, os feitos de Cristo... Entre os escritores de laudas, destacou-se o monge toscano Jacopone da Todi (1230–1306). Sua obra mais famosa O lamento de Madonna. As Laudas serviram de base para o surgimento das performances sagradas (sacre rappresentazioni), que se desenvolveram nos séculos XIV-XV. (originalmente também no centro da Itália), gênero próximo do mistério, comum nos países do norte da Europa. O conteúdo das representações sagradas baseava-se nos enredos do Antigo e do Novo Testamento, aos quais foram acrescentados motivos de contos de fadas e realistas. As apresentações aconteceram em um pódio instalado na praça da cidade. O palco foi construído de acordo com o cânone aceito - abaixo está o “inferno” (a boca aberta do dragão), no topo está o “paraíso”, e entre eles estão outros locais de ação - “Montanha”, “Deserto” , “Palácio Real”, etc. Um dos mais autores famosos deste gênero foi Feo Belkari - O conceito de Abraão e Isaque (1449), São João no deserto(1470), etc. O governante de Florença, Lorenzo Medici, também compôs performances sagradas.
Em 1480, o jovem poeta da corte e especialista em antiguidade Angelo Poliziano (1454-1494), encomendado pelo cardeal Francesco Gonzaga, escreveu um drama pastoral baseado no enredo mito grego antigo O Conto de Orfeu. Este foi o primeiro exemplo de recurso a imagens do mundo antigo. Com a peça de Poliziano, permeada de um sentimento alegre e alegre, iniciou-se o interesse pelas peças mitológicas e um fascínio geral pela antiguidade.
O drama literário italiano, com o qual começa a história do drama renascentista da Europa Ocidental, baseava-se em sua estética na experiência do drama antigo. As comédias de Plauto e Terêncio determinaram para os dramaturgos humanistas italianos os temas de suas obras, o elenco de personagens e estrutura composicional. Grande importância Houve produções de comédias latinas feitas por crianças em idade escolar e estudantes, especialmente em Roma, sob a direção de Pomponio Leto, na década de 1470. Usando enredos tradicionais, eles introduziram novos personagens, cores modernas e avaliações em suas obras. Eles fizeram da vida real o conteúdo de suas peças e das pessoas contemporâneas como seus heróis. O primeiro comediante dos tempos modernos foi o grande poeta do final do Renascimento italiano, Ludovico Ariosto. Suas peças estão repletas de pinturas realistas e esboços satíricos nítidos. Ele se tornou o fundador da comédia nacional italiana. Dele vem o desenvolvimento da comédia em duas direções - puramente divertida ( Kalandria Cardeal Bibiena, 1513) e satírico, representado por Pietro Aretino ( Moral da corte, 1534, Filósofo, 1546), Giordano Bruno ( Castiçal, 1582) e Nicolau Maquiavel, que criou a melhor comédia da época - Mandrágora(1514). No entanto, em geral, as obras dramáticas dos escritores de comédia italianos eram imperfeitas. Não é por acaso que todo o movimento recebeu o nome de “Comédia Científica” (commedia erudita).
Junto com a comédia literária, também aparece a tragédia. A tragédia italiana não trouxe grandes sucessos. Muitas peças desse gênero foram compostas, continham histórias terríveis, paixões criminosas e uma crueldade incrível. Eles foram chamados de "tragédias de terror". A obra de maior sucesso do gênero - Sofonisba G. Trissino, escrito em verso branco (1515). A experiência de Trissino foi desenvolvida muito além da Itália. A tragédia de P. Aretino também teve algumas vantagens Horácio (1546).
O terceiro - o mais bem-sucedido e animado - gênero do drama literário italiano do século XVI. tornou-se uma pastoral, que rapidamente se difundiu nos tribunais da Europa (). O gênero adquiriu um caráter aristocrático. Seu local de nascimento é Ferrara. O famoso poema de G. Sannazzaro Arcádia(1504), que glorificou a vida rural e a natureza como um “local de relaxamento”, marcou o início do movimento. As obras mais famosas do gênero pastoral foram Aminta Torquato Tasso (1573), obra repleta de verdadeira poesia e simplicidade renascentista, além de Pastor Fiel D.-B. Guarini (1585), que se distingue pela complexidade e intriga, e linguagem poética, portanto é classificado como maneirismo.
A separação do drama literário do público não contribuiu para o desenvolvimento do teatro. A arte cênica nasceu na praça - nas apresentações de bufões medievais (giullari), herdeiros dos mímicos da Roma Antiga, em alegres apresentações farsas. A farsa (farsa) foi finalmente formada no século XV. e adquire todos os signos da representação popular - eficácia, bufonaria, concretude cotidiana, livre-pensamento satírico.Os acontecimentos da vida real, tornando-se tema de farsa, transformaram-se em anedota. De forma brilhante e grotesca, a farsa ridicularizou os vícios das pessoas e sociedade. Farsa renderizada grande influência no desenvolvimento do teatro europeu, e na Itália contribuiu para a criação de um tipo especial de arte cênica - a comédia improvisada.
Até meados do século XVI. Não havia teatro profissional na Itália. Em Veneza, que foi pioneira na criação de todo o tipo de espetáculos, já na viragem dos séculos XV para XVI. Havia várias comunidades teatrais amadoras. Estiveram presentes artesãos e pessoas de classes instruídas. Aos poucos, grupos de semiprofissionais começaram a surgir desse ambiente. A etapa mais significativa no nascimento do teatro profissional está associada ao ator e dramaturgo Angelo Beolco, apelidado de Ruzzante (1500-1542), cujas atividades prepararam o surgimento da commedia dell'arte. Suas peças Anconitanka, Moschetta, Diálogos estão incluídos no repertório do teatro italiano até hoje.
Em 1570, estavam determinados os principais componentes artísticos do novo teatro: máscaras, dialetos, improvisação, bufonaria. Também foi estabelecido seu nome, commedia dell'arte, que significa “teatro profissional”. O nome "comédia de máscaras" é de origem posterior. Os personagens deste teatro, os chamados. tipos permanentes (tipi fissi) ou máscaras. As máscaras mais populares eram Pantalone, o comerciante veneziano, o Doutor, o advogado bolonhês, desempenhando os papéis dos servos do zanni Brighella, Arlequim e Pulcinella, além do Capitão, Tartaglia, a criada Servette e dois pares de Amantes. Cada máscara tinha seu traje tradicional e falava seu dialeto, apenas os Amantes não usavam máscaras e falavam o italiano correto. Os atores representavam suas peças de acordo com o roteiro, improvisando o texto à medida que a peça avançava. As apresentações sempre continham muita preguiça e bufonaria. Normalmente, o ator da commedia dell'arte usou apenas sua máscara durante toda a vida. As trupes mais famosas são Gelosi (1568), Confidenti (1574) e Fedeli (1601). Entre os artistas estavam muitos grandes atores - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolò Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli, etc. foi admirado como V estratos superiores sociedade e as pessoas comuns. A Comédia das Máscaras teve grande influência na formação dos teatros nacionais na Europa. O declínio da commedia dell'arte começou na segunda metade do século XVII e no final do século XVIII. deixa de existir.
O desenvolvimento da tragédia, da comédia e da pastoral exigiu um edifício especial para sua execução. Novo tipo prédio de teatro fechado com palco de camarote, auditório e camadas foi criada na Itália com base no estudo da arquitetura antiga. Ao mesmo tempo, no teatro italiano do século XVII. As pesquisas no campo da cenografia foram realizadas com sucesso (em particular, foram criados cenários promissores), a maquinaria teatral foi desenvolvida e melhorada. Tanto nos séculos XII como XIII. teatros, os chamados, foram construídos em todo o país. Italiano (tudo"italiana), que depois se espalhou pela Europa ().
Apesar do seu atraso económico e político, a Itália era rica e diversificada vida teatral. No século 18 A Itália tinha o melhor teatro musical do mundo, no qual se distinguiam dois tipos - a ópera séria e a ópera cômica (ópera buffa). Havia um teatro de fantoches e apresentações de commedia dell'arte eram apresentadas em todos os lugares. No entanto, a reforma do teatro dramático vem fermentando há muito tempo. Na Era do Iluminismo, a comédia improvisada não atendia mais às exigências da época. Era necessário um teatro literário novo e sério. A comédia de máscaras não poderia existir na sua forma anterior, mas as suas realizações tiveram que ser preservadas e cuidadosamente transferidas para novo teatro. Isso foi feito por Carlo Goldoni. Ele realizou a reforma com cuidado. Ele começou a introduzir textos totalmente escritos e literários de papéis e diálogos individuais em suas peças, e o público veneziano aceitou sua inovação com entusiasmo. Ele usou esse método pela primeira vez na comédia Momolo, a vida da festa(1738). Goldoni criou um teatro de personagens, abandonando máscaras, roteiros e improvisações em geral. Os personagens do seu teatro perderam o conteúdo convencional e tornaram-se pessoas vivas - gente da sua época e do seu país, a Itália do século XVIII. Goldoni realizou sua reforma em uma luta feroz com seus adversários. Segunda metade do século XVIII. entrou na história da Itália como uma época de guerras teatrais. O abade Chiari, dramaturgo medíocre e portanto inofensivo, opôs-se a ele, mas o seu principal adversário, igual a ele em termos de talento, foi Carlo Gozzi. Gozzi defendeu o teatro de máscaras, estabelecendo a tarefa de reavivar a tradição da comédia improvisada. E em algum momento parecia que ele conseguiu. E embora Goldoni tenha deixado espaço para a improvisação em suas comédias, e o próprio Gozzi tenha eventualmente escrito quase todas as suas obras dramáticas, a disputa foi cruel e intransigente. Já que o principal nervo do confronto entre os dois grandes venezianos é a sua incompatibilidade cargos públicos, em diferentes visões do mundo e do homem.
Goldoni em suas obras foi um expoente das ideias do terceiro estado, um defensor de seus ideais e morais. Toda a dramaturgia de Goldoni é dominada pelo espírito de egoísmo razoável e praticidade - os valores morais da burguesia. Gozzi foi o primeiro a se manifestar contra a propaganda de tais pontos de vista no palco. Escreveu dez contos poéticos para o teatro, os chamados. fiaba (fiaba/conto de fadas). O sucesso dos contos teatrais de Gozzi foi impressionante. E o público veneziano, inesperadamente, perdeu rapidamente o interesse em seu recente favorito, Goldoni. Exausto pela luta, Goldoni admitiu a derrota e deixou Veneza. Mas isso não mudou nada no destino do palco italiano - a reforma teatro nacional nessa altura já tinha terminado. E o teatro italiano seguiu esse caminho.
Do final do século XVIII. Na Itália começa a era do Risorgimento - a luta pela independência nacional, pela unificação política do país e pelas transformações burguesas - que durou quase um século. No teatro, a tragédia torna-se o gênero mais importante. O maior autor de tragédias foi Vittorio Alfieri. O nascimento da tragédia do repertório italiano está associado ao seu nome. Ele criou uma tragédia civil quase sozinho. Patriota apaixonado que sonhava em libertar sua pátria, Alfieri se opôs à tirania. Todas as suas tragédias estão imbuídas do pathos heróico da luta pela liberdade.
A era do Risorgimento deu origem a um novo movimento artístico - o romantismo. Formalmente, o seu aparecimento coincidiu com a restauração do domínio austríaco. O chefe e ideólogo do romantismo foi o escritor Alessandro Manzoni. A originalidade do romantismo teatral na Itália reside na sua orientação política e nacional-patriótica. O classicismo foi considerado uma expressão da orientação austríaca, uma direção que significava não apenas o conservadorismo, mas também um jugo estrangeiro, e o romantismo uniu a oposição. Quase todos os criadores do teatro italiano em vida seguiram os ideais que proclamavam: foram verdadeiros mártires da ideia - lutaram nas barricadas, sentaram-se nas prisões, sofreram na pobreza, viveram longos períodos no exílio. Entre eles estão G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari e outros.
O herói do romantismo é uma personalidade forte, um lutador pela justiça e pela liberdade, e não tanto pela liberdade pessoal, mas pela liberdade universal - a liberdade da Pátria. A tarefa da época era unir todos os italianos na luta por uma causa comum. É por isso Problemas sociais desaparecem no fundo e passam despercebidos. Os românticos italianos também estavam muito menos interessados nas questões da forma real. Por um lado, rejeitaram as regras estritas do classicismo, proclamando um compromisso com as formas livres; por outro lado, na sua obra os românticos ainda eram muito dependentes da estética classicista. A principal fonte de inspiração dos dramaturgos românticos é a história e a mitologia; os enredos foram interpretados do ponto de vista de hoje, de modo que as performances geralmente assumiam conotações políticas agudas. As melhores tragédias são Caio Graco V. Monti (1800), Armínia I.Pindemonte (1804), Ájax U.Foscolo (1811), Conde de Carmagnolla(1820) e Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni da Prócida(1830) e Arnold Breshiansky(1843) DB Nicollini, Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. As peças foram criadas em muitos aspectos de acordo com modelos classicistas, mas estão cheias de alusões políticas e pathos de luta contra os tiranos. O maior sucesso veio da tragédia de Silvio Pellico Francisca da Rimini (1815).
Na segunda metade do século, a tragédia heróica deu lugar ao melodrama. Junto com a comédia, o melodrama foi usado grande sucesso do espectador. O primeiro dramaturgo foi Paolo Giacometti (1816-1882), autor de cerca de 80 obras para teatro. Suas melhores jogadas: Isabel, Rainha da Inglaterra (1853), Judite(1858) e um dos melodramas de maior repertório do século XIX. Morte civil(1861). A dramaturgia de Giacometti já está completamente liberta do classicismo, suas peças combinam livremente os traços da comédia e da tragédia, têm personagens delineados de forma realista, têm papéis, por isso os teatros os assumiram de boa vontade para a produção. Entre os comediantes, também se destacou Paolo Ferrari (1822-1889), prolífico dramaturgo e continuador das tradições de Carlo Goldoni. Suas peças só saíram de cena no final do século. Sua melhor comédia Goldoni e dezesseis de suas novas comédias(1853) continua a ser apresentado na Itália.
Na década de 1870, um novo movimento artístico, o verismo, emergiu numa Itália vitoriosa e unida. Os teóricos do verismo Luigi Capuana e Giovanni Verga argumentavam que o artista deveria retratar apenas fatos, mostrar a vida sem embelezamento, ser imparcial e abster-se de avaliações e comentários. A maioria dos dramaturgos seguiu essas regras com muito rigor, e talvez tenha sido isso que privou suas criações da verdadeira vida. Melhores trabalhos pertencem à pena de D. Verga (1840-1922), ele mais frequentemente do que outros violou as prescrições da teoria. Duas de suas peças Honra do país(1884) e She Wolf(1896) ainda hoje fazem parte do repertório dos teatros italianos. As peças são feitas com maestria. O gênero é uma tragédia da vida popular. Eles se distinguem por um poderoso nervo dramático, rigor e contenção de meios expressivos. Em 1889 P. Mascagni escreveu uma ópera Honra do país.
No final do século XIX. surge um dramaturgo cuja fama ultrapassa as fronteiras da Itália. Gabriele D'Annunzio escreveu uma dúzia de peças, que chamou de tragédias. Todas elas foram traduzidas para Línguas europeias. Na virada do século, D'Annunzio era um dramaturgo muito popular. Seu drama é geralmente classificado como simbolismo e neo-romantismo, embora também tenha características do neoclassicismo. Combina motivos verísticos com esteticismo.
Em geral, porém, as realizações da dramaturgia foram mais do que modestas; Italiano do século 19 permaneceu na história do teatro como uma era de atuação. A grande tragédia não produziu grandes obras dramáticas. Mas o tema trágico ainda soou no teatro, foi ouvido e recebido reconhecimento global. Isso aconteceu na ópera (Giuseppe Verdi) e na arte dos grandes trágicos italianos. Seu aparecimento foi precedido por uma reforma teatral.
O tipo de ator próximo ao classicismo permaneceu por muito tempo no teatro italiano: a arte performática permaneceu cativa da declamação, da retórica, das poses e dos gestos canônicos. Uma reforma das artes cênicas, de igual importância à reforma de Carlo Goldoni, foi realizada em meados do século pelo brilhante ator e diretor teatral Gustavo Modena (1803-1861). Em muitos aspectos ele estava à frente de seu tempo. Modena trouxe ao palco um homem com todos os seus traços, fala natural, “sem verniz, sem coturnos”. Ele criou um novo estilo de atuação, cujas principais características eram a simplicidade e a verdade. Em seu teatro, foi declarada guerra ao cargo de primeiro-ministro, havia uma tendência a se afastar de papéis rígidos e, pela primeira vez, surgiu a questão de um conjunto de atuação. A influência de Gustavo Modena sobre os seus contemporâneos e colegas foi enorme.
Adelaide Ristori (1822–1906) não foi aluna de Modena, mas se considerava próxima de sua escola. A primeira grande atriz trágica cuja arte foi reconhecida fora da Itália, ela foi uma verdadeira heroína de seu tempo, expressando seu pathos patriótico revolucionário. Na história do teatro ela permaneceu intérprete de vários papéis trágicos: Francesca ( Francisca da Rimini Pellico), Mirra ( Mirra Alfieri), Lady Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Medeia ( Medeia Legure), Maria Stuart ( Maria Stuart Schiller). Ristori sentiu-se atraído por personagens fortes, íntegros, heróicos e cheios de grandes paixões. A atriz chamou seu estilo de realista, propondo o termo “realismo colorido”, que significa “fervor italiano”, “expressão ardente de paixões”.
O oposto de Ristori foi Clementina Cazzola (1832-1868), uma atriz romântica que criou imagens de lirismo sutil e profundidade psicológica, ela era capaz de personagens complexos. Ela se opôs a Ristori, que sempre trazia à tona o traço principal do personagem. No teatro italiano, Cazzola é considerado o antecessor de E. Duse. Seus melhores papéis incluem Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Margarita Gauthier ( Senhora com camélias Dumas), Adrienne Lecouvreur ( Adriene Lecouvreur Escriba), bem como o papel de Desdêmona ( Otelo Shakespeare), que interpretou junto com o marido, T. Salvini, o grande trágico.
Tommaso Salvini, aluno de G. Modena e L. Domeniconi, um dos mais destacados representantes do classicismo cênico. O ator não está interessado uma pessoa comum, mas um herói cuja vida é dedicada a um objetivo elevado. Ele valorizava a beleza acima da verdade mundana. Ele elevou a imagem de um homem. Sua arte combinou organicamente o grande e o comum, o heróico e o cotidiano. Ele sabia com maestria como controlar a atenção do público. Ele era um ator de temperamento poderoso, equilibrado por uma vontade forte. Imagem de Otelo ( Otelo Shakespeare) é a criação suprema de Salvini, “um monumento, um memorial, uma lei para a eternidade” (Stanislavsky). Ele interpretou Otelo durante toda a sua vida. Os melhores trabalhos do ator também incluem papéis principais em peças teatrais. Aldeia, Rei Lear, Macbeth Shakespeare, bem como o papel de Corrado na peça Morte civil Giacometti.
A obra de outro trágico brilhante, Ernesto Rossi (1827-1896), representa uma etapa diferente no desenvolvimento da arte cênica italiana. Ele foi o aluno mais querido e consistente de G. Modena. Em cada personagem, Rossi tentou ver não um herói ideal, mas apenas uma pessoa. Ator psicológico extremamente sutil, ele conseguia mostrar habilmente o mundo interior e transmitir as menores nuances do caráter do personagem. As tragédias de Shakespeare são a base do repertório de Rossi, ele dedicou 40 anos de sua vida a elas e as interpretou até o último dia. Estes são os principais papéis nas peças Aldeia, Romeu e Julieta, Macbeth, Rei Lear, Coriolano, Ricardo III, Júlio César, O mercador de Veneza. Ele também atuou nas peças de Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille, e atuou nas pequenas tragédias de Pushkin, e Ivan, o Terrível, no drama de A.K. Tolstoi. Artista realista, mestre da transformação, não aceitou o verismo, embora ele próprio se preparasse para o seu aparecimento com toda a sua arte.
O verismo, como fenômeno artístico, foi mais plenamente expresso no palco por Ermette Zacconi (1857–1948). O repertório de Zacconi é principalmente uma peça moderna. Com grande sucesso, ele atuou nas obras de Ibsen, A. K. Tolstoy, I. S. Turgenev, Giacometti... Uma figura importante foi também seu contemporâneo mais velho, Ermette Novelli (1851-1919), um ator de amplo espectro, um comediante brilhante. Seu estilo criativo incluía tudo, desde a comédia de arte até a alta tragédia e o naturalismo.
A atriz trágica mais importante da virada do século foi a lendária Eleonora Duse. A atriz psicológica mais sutil, cuja arte parecia ser algo mais do que a arte da transformação.
século 19 – o apogeu da cultura dialetal. É mais desenvolvido na Sicília, Nápoles, Piemonte, Veneza e Milão. O teatro dialetal é ideia da commedia dell'arte, da qual adotou muito: o caráter improvisado de atuar segundo um roteiro pré-compilado, o amor pela pastelão, pelas máscaras. As apresentações foram realizadas no dialeto local. Na segunda metade do século XIX. a dramaturgia dialetal estava apenas começando a adquirir sua base literária. O teatro dialetal da época era, antes de tudo, um teatro de atuação. O siciliano Giovanni Grasso (1873-1930), um “trágico primitivo”, um ator de temperamento elementar, um brilhante intérprete de melodramas sangrentos, era bem conhecido não só na Itália, mas também no exterior. O nortista Edoardo Ferravilla (1846–1916), brilhante ator cômico, autor e intérprete de seus textos, obteve enorme sucesso. Antonio Petito (1822-1876) é a figura mais lendária do teatro napolitano, um improvisador brilhante que trabalhou na técnica da commedia dell'arte e um intérprete insuperável da máscara de Pulcinella. Seu aluno e seguidor Eduardo Scarpetta (1853–1925), ator brilhante, “rei dos comediantes”, criador de sua máscara Felice Scioshamocchi, famoso dramaturgo. Sua melhor comédia é Os pobres e a nobreza (1888).
século 20.
Início do século 20 entrou na história das artes cênicas como a época da revolução teatral. Na Itália, os futuristas assumiram o papel de inovadores da cena. Seu objetivo é criar a arte do futuro. Os futuristas rejeitaram o teatro acadêmico e os gêneros teatrais existentes, tentaram abandonar o ator ou reduzir seu papel a um fantoche, e também abandonaram a palavra, substituindo-a por composições plásticas e cenografia. Eles consideravam o teatro tradicional estático, acreditando que na era da civilização das máquinas o principal é o movimento. As figuras mais proeminentes do futurismo foram FT Marinetti (1876–1944) e AJ Bragaglia (1890–1961). Seus manifestos teatrais: Manifesto do teatro de variedades(1913) e Manifesto do Teatro Sintético Futurista(1915) ainda não perderam seu significado. A dramaturgia dos Futuristas é composta principalmente pelas obras de Marinetti, chamadas sínteses ( esquetes curtos, realizado com mais frequência sem palavras). O maior interesse é a cenografia: em teatro futurista Os melhores artistas da época trabalharam: G. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). O teatro futurista não fez sucesso entre o público: as apresentações muitas vezes causavam indignação e muitas vezes envolviam escândalos. O papel dos futuristas ficou claro mais tarde - na segunda metade do século: foi então que suas ideias receberam maior desenvolvimento. Juntamente com os chamados “Dramaturgos grotescos” e dramaturgos de “Crepúsculo”, os Futuristas prepararam o aparecimento da maior figura do teatro do século XX. L. Pirandello. As atividades de diretores estrangeiros também foram de grande importância em 1920-1930: foram produções de M. Reinhardt, VI Nemirovich-Danchenko, bem como de emigrantes russos que viveram permanentemente na Itália - atores e diretores Pyotr Sharov (1886-1969) e Tatyana Pavlova (1896–1975), que apresentou aos italianos a escola de teatro russa e os ensinamentos de Stanislávski.
Luigi Pirandello começou a escrever para o teatro em 1910. Nas suas primeiras peças, dedicadas à vida na Sicília e escritas no dialecto siciliano, sente-se claramente a influência do verismo. Os principais temas de sua obra são ilusão e realidade, rosto e máscara. Ele parte do fato de que tudo no mundo é relativo e não existe verdade objetiva.
Outros atores importantes da época incluem Ruggero Ruggeri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) e as irmãs Gramatica: Irma (1870–1962) e Emma (1875–1965). Entre os dramaturgos, Sem Benelli (1877–1949), autor de uma peça de repertório, ficou famoso Piadas de jantar(1909) e Ugo Betti (1892–1953), cuja melhor peça Corrupção no Palácio da Justiça(1949).
Entre as duas guerras mundiais, o teatro dialetal ocupou um lugar significativo na cultura italiana (embora a política do estado fascista visasse a supressão dos dialetos). O teatro napolitano teve um sucesso particular. Em 1932, começou a funcionar o Teatro Humorístico dos Irmãos De Filippo. No entanto, a maior figura da época foi Raffaele Viviani (1888–1950), um homem com “rosto sofredor e olhos brilhantes de vagabundo”, criador de seu próprio teatro, ator e dramaturgo. As peças de Viviani falam sobre a vida dos napolitanos comuns e contêm muita música e cantos. Suas melhores comédias incluem Rua Toledo à noite(1918), Aldeia napolitana (1919), Pescadores (1924), O último vagabundo da rua (1932).
O período da Resistência e os primeiros anos após a Segunda Guerra Mundial entraram na história da Itália como o segundo Risorgimento - tão decisivas e irreversíveis foram as mudanças que ocorreram em todas as esferas da vida e da arte. Depois de muitos anos de estagnação social, tudo começou a mudar e exigia mudanças. E se durante os anos da ditadura fascista o teatro foi literalmente sufocado pela falsidade, retórica e pompa (esta era a linha da arte oficial), agora finalmente falou em linguagem humana e dirigiu-se a uma pessoa viva. A arte da Itália do pós-guerra surpreendeu o mundo com sua sinceridade. A vida chegou às telas e aos palcos como é, com toda a sua pobreza, lutas, vitórias e derrotas e simples sentimentos humanos. Após a guerra, o teatro desenvolveu-se em consonância com o neorrealismo, um dos movimentos artísticos mais democráticos e humanistas do século XX. O teatro dialetal está ganhando nova vida. O napolitano Eduardo De Filippo recebe reconhecimento nacional e seu drama conquista rapidamente os palcos do mundo. Ele chamava suas peças de “dramatizações da vida real”. Em suas tristes comédias estamos falando sobre sobre a vida, sobre as relações familiares, sobre a moralidade e o propósito do homem, sobre os problemas da guerra e da paz.
A profissão de diretor, que surgiu no teatro europeu na virada do século, só se consolidou na Itália na segunda metade do século. O primeiro realizador no sentido europeu da palavra foi Luchino Visconti (1906-1976), um artista realista com um apurado sentido de beleza, um antifascista e humanista convicto, que trabalhou tanto no teatro como no cinema. No Teatro Visconti, a performance é entendida como um todo, subordinada a um único conceito, a guerra é declarada ao primeiro-ministro e os atores aprendem a trabalhar em conjunto. Maioria trabalho significativo Visconti no Teatro Dramático: Crime e punição Dostoiévski (1946), O zoológico de vidro (1946), Desejo de bonde T. Williams (1949), Rosalind, ou como você gosta (1948), Troilo e Créssida Shakespeare, Orestes Alfieri (1949), Estalajadeiro Goldoni (1952), Três irmãs (1952), Tio Ivan (1956), O pomar de cerejeiras(1965) Tchekhov.
Nos primeiros anos do pós-guerra, começou na Europa um movimento por um teatro folclórico acessível e compreensível. Na Itália, fundiu-se com a luta pelos teatros estacionários, denominados Stabile (estáveis/permanentes). O primeiro Stabile foi o Piccolo Teatro de Milão, fundado em 1947 por P. Grassi e G. Strehler. O teatro de arte ao serviço da sociedade - esta é a tarefa que o Piccolo Teatro se propôs. Na obra de Strehler, várias linhas de pensamento europeu cultura teatral: tradição nacional commedia dell'arte, a arte do realismo psicológico e do teatro épico.
Nas décadas de 1960 e 1970, o teatro europeu viveu um boom.Uma nova geração de diretores e atores veio para o teatro italiano. Os jovens, mais conscientes do esgotamento da linguagem tradicional do palco, começaram a dominar o novo espaço, a trabalhar de forma diferente com a luz e o som e a procurar novas formas de relacionamento com o público. Naqueles anos, Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasilico, Leo De Berardinis trabalharam ativamente. Porém, as figuras mais significativas da geração dos anos sessenta: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Todos eles fizeram muito para enriquecer linguagem teatral, suas descobertas são amplamente utilizadas na prática teatral.
Dario Fo é o representante mais proeminente do teatro político. Fo está interessado no homem como um tipo social, com traços brilhantes, pontiagudos e exagerados, colocado numa situação aguda, ridícula e paradoxal. Ele usa amplamente técnicas de teatro folclórico como improvisação e pastelão.
Carmelo Bene (n. 1937) é o reconhecido chefe da vanguarda italiana da segunda metade do século XX. Bene é considerado um grande ator. Ele mesmo escreve, dirige e desempenha os papéis principais em suas obras. Sua obra existe na unidade inextricável de autor, ator e diretor. Bene é autor de diversas performances, principalmente baseadas em obras da literatura e do teatro mundial: Pinóquio Callodi (1961), Fausto e Margarita (1966), Salomé Selvagem (1972), Nossa Senhora Turca Bene (1973), Romeu e Julieta (1976), Ricardo Sh (1978), Otelo(1979), Manfred Byron (1979), Macbeth (1983), Aldeia(definir repetidamente), etc. Estas são todas composições originais de Bene, baseadas em trabalho famoso e lembra muito vagamente eles. Bene recusa a forma dramática tradicional: em suas performances não há acontecimentos construídos no princípio de causa e efeito, não há enredo e diálogo no sentido usual, a palavra às vezes é substituída pelo som e a imagem literalmente se desfaz, torna-se um objeto inanimado ou desaparece completamente. Requiem for a Man - assim se poderia definir o conteúdo principal de sua arte.
Entre os mais jovens que trabalham com sucesso no teatro italiano, podemos citar o diretor Federico Tiezzi (1951), o diretor e ator Giorgio Barberio Corsetti (1951), o diretor Mario Martone (1962), que durante vários anos dirigiu o teatro romano " Stabile" , que apresentou uma série de apresentações muito interessantes, incluindo a peça de enorme sucesso Dez Mandamentos R. Viviani (2001).
Na segunda metade do século XX. O teatro italiano, tendo-se tornado teatro de encenadores, não deixou de ser um teatro de grandes atores. Os melhores atores do país sempre trabalharam nas produções dos maiores diretores. Isto aplica-se a Eduardo de Filippo, Giorgio Strehler e Luchino Visconti, bem como aos realizadores dos anos sessenta que vieram ao teatro na sequência do protesto. O núcleo da trupe de Visconti era o casal Rina Morelli e Paolo Stoppa, sutis atores psicológicos que atuaram em todas as suas apresentações no teatro dramático. Vittorio Gassman também teve enorme sucesso nas apresentações de Visconti (especialmente nas apresentações Orestes Alfieri e Troilo e Créssida Shakespeare). Após deixar Visconti, Gassman tocou muito no repertório clássico; suas obras mais notáveis foram em peças Otelo E Macbeth Shakespeare.
De acordo com a longa tradição do teatro italiano, a trupe geralmente era agrupada em torno de um grande ator (ou atriz), e as apresentações geralmente eram encenadas com base na atuação da estreia. Nesse grupo de teatro, o primeiro ator, o ator estrela (chamado na Itália de divo ou mattatore), estava frequentemente rodeado de atores muito fracos.
Durante várias décadas (até agora), os atores muito populares Giorgio Albertazzi e Anna Proklemer atuaram nos palcos dos teatros italianos, desempenhando os papéis principais principalmente em peças do repertório clássico mundial. Muitos atores muito famosos e queridos pelo público italiano trabalharam muito no teatro gerações diferentes, incluindo Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, cujo nome hoje leva o nome de um dos teatros de Milão. Parenti também trabalhou no Piccolo Teatro com Giorgio Strehler. Atores maravilhosos sempre atuaram no Teatro Strehler. Este é Tino Buazzelli, o famoso intérprete do papel de Galileu na peça Vida de Galileu B. Brecht. Tino Carraro, que desempenhou papéis principais nas peças de Shakespeare durante muitos anos ( Rei Lear, Tempestade), Brecht, Strindberg e outros. Uma destacada intérprete de papéis femininos no teatro do diretor foi Valentina Cortese, entre os ápices de cujo trabalho estava o papel de Ranevskaya em Pomar de Cerejeiras(produção 1974). Entre os mais jovens, destaca-se Pamella Villoresi, maravilhosa intérprete de personagens femininas nas comédias de Carlo Goldoni, nas peças de Lessing, Marivaux e outros. último período No trabalho criativo do diretor, sua musa foi a atriz Andrea Jonasson, que desempenhou papéis dramáticos em produções de Brecht, Lessing, Pirandello e outros. Lugar especial Entre os atores do Piccolo Teatro estão dois grandes intérpretes da máscara Arlequim - Marcello Moretti e Ferruccio Soleri na lendária performance Arlequim baseado na comédia de Goldoni Servo de dois senhores.
Luca Ronconi também reúne ao seu redor um grupo de seus atores. São, em primeiro lugar, duas atrizes da geração mais velha, Franca Nuti e Marisa Fabbri, que protagonizaram produções do diretor como Bacantes Eurípides (1978), Fantasmas Ibsen, Últimos dias humanidade Kraus e outros, Mariangela Melato, que atuou no melhores trabalhos diretor como Furioso Roland E Oresteia. Trabalhou muito com Ronconi e Massimo de Francovich, entre cujos maiores sucessos estava o papel de Lear na peça Rei Lear, bem como o jovem Massimo Popolizio, um ator de grande alcance, que consegue lidar com os ritmos do drama e da comédia (seu papel como dois irmãos na comédia de Goldoni lhe trouxe enorme sucesso Gêmeos venezianos).
É especialmente necessário destacar os atores da escola napolitana. Entre os mais famosos estão a geração mais velha de atores Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo e Pupella Maggio, que trabalharam muito no teatro Eduardo de Filippo. Os atores mais jovens incluem Mariano Rigillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone e outros.
Segunda metade do século XX. entrou para a história do teatro italiano como uma época de renascimento na arte da cenografia. Os melhores artistas sempre trabalharam com os melhores diretores do país. As figuras mais marcantes são Luciano Damiani e Ezio Frigerio; seus nomes aparecem nos cartazes de todas as melhores performances de Strehler. E também este – Enrico Jobe, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.
Maria Skornyakova
Teatro La Scala - Teatro tudo escala(MILÃO)
Pérola do mundo cultura musical. É difícil imaginar um teatro com uma história mais brilhante que o famoso La Scala. Ao longo de mais de 300 anos de existência, estas paredes viram muito, mas conseguiram preservar, talvez, o mais importante para o teatro - o seu encanto e mistério únicos. A temporada de concertos no La Scala vai de dezembro a junho (os concertos sinfônicos acontecem em seu palco no outono). A abertura da temporada é especialmente solene. É sempre dia 7 de dezembro - dia de Santo Ambrósio, padroeiro de Milão. Infelizmente, os ingressos às vezes esgotam com seis meses de antecedência, então reserve com antecedência. Custo aproximado do ingresso - ópera/ballet: plateias 260/150; anfiteatro 80-260/125; varanda 40-105/30-80 euros
Anfiteatro – Arena di Verona(VERONA)
O antigo anfiteatro romano é famoso pelas óperas e concertos ali realizados. Construído no século I aC. O tamanho do edifício feito de pedra rosa de Verona perde apenas para o Coliseu Romano. Nos tempos antigos, eram realizadas lutas de gladiadores e, na Idade Média, torneios de cavaleiros. Nos séculos XVI e XVII. As arquibancadas foram totalmente reconstruídas e a atual Arena é um grandioso auditório com 25 mil lugares, em cujo palco são apresentadas encantadoras apresentações de ópera ao ar livre. Tem uma acústica de edifício excepcional. Hoje em dia, geralmente há quatro produções teatrais diferentes realizadas a cada ano entre junho e agosto. Em meados de julho, as apresentações acontecem quase todos os dias. Durante os meses de inverno, ópera e balé apresentam apresentações na Filarmônica Acadêmica.
Custo aproximado dos bilhetes para estreias na Filarmónica: bancas de ópera/ballet - 90/60 euros; anfiteatro ópera/ballet - 70/50; Ópera/balé de Benoir - 60/35; varanda ópera/balé -55/40. O custo dos bilhetes para espectáculos repetidos é de aproximadamente menos 10 euros. Preços dos bilhetes para a Arena: rés-do-chão 220 euros, anfiteatro 95, varanda 40. Não são permitidas crianças menores de 4 anos.
San Carlo – Teatro de San Carlo(NÁPOLES)
A Ópera de Nápoles foi construída por ordem de Carlos III para substituir o dilapidado Teatro San Bartolomeo. Inaugurado em 1737, naquela época a sala do teatro acomodava até 3.300 espectadores, tornando o teatro o mais espaçoso do mundo.
Custo aproximado dos bilhetes para estreias: bancas de ópera/ballet - 170/130 euros; anfiteatro ópera/ballet - 110/100; Ópera/balé de Benoir - 90/50; varanda ópera/balé -60/40. O custo dos bilhetes para espectáculos repetidos é de aproximadamente menos 10 euros. .
Teatro La Fenice(VENEZA)
O coração da vida musical de Veneza. Um teatro inusitado com cais aquático e um passeio elegante. O teatro, construído em 1792, sobreviveu a dois incêndios e a cada vez, justificando o seu nome, como um pássaro Fênix, renasceu das cinzas. Depois de um terrível abraço final de chamas que destruiu quase completamente o teatro, o novo e restaurado La Fenice abriu suas portas ao público em 14 de dezembro de 2003.
Custo aproximado dos bilhetes para estreias: bancas de ópera/ballet - 190/140 euros; anfiteatro ópera/ballet - 160/100; Ópera/balé de Benoir - 110/90; varanda ópera/balé -70/50. O custo dos bilhetes para espectáculos repetidos é de aproximadamente menos 10 euros.
Opera House – Teatro dell’Opera di Roma(ROMA)
Uma das maiores casas de ópera da Europa, que pode acomodar até dois mil e duzentos amantes da música. Aí vem a ópera e apresentações de balé em produções de diretores mundialmente famosos. Foi na Ópera de Roma que teve lugar a estreia mundial de “Tosca” de Puccini e de várias óperas de Mascagni, incluindo “Honor Rusticana”, “Iris”, “Masques”. Amelita Galli-Curci, dona da mais famosa soprano coloratura do início do século passado, cantou em seu palco os tenores Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa.
No verão, apresentações de ópera são realizadas ao ar livre nas Termas de Caracalla. Eles já foram conhecidos como a oitava maravilha do mundo. No verão de 1990, nas ruínas das Termas de Caracalla, aconteceu um lendário concerto de três tenores - Plácido Domingo, José Carreras e Luciano Pavarotti.
Custo aproximado dos bilhetes para estreias: bancas de ópera/ballet - 160/90 euros; anfiteatro ópera/ballet - 130/80; Ópera/balé de Benoir - 60/35; ópera/balé de varanda - 35/30. O custo dos bilhetes para espectáculos repetidos é de aproximadamente menos 20 euros.
Teatro italiano
Após a criação da commedia dell'arte na Itália, durante 200 anos os italianos não introduziram cultura mundial contribuição significativa. A Itália durante este período foi significativamente enfraquecida pela luta política interna.
Os antigos monumentos italianos eram conhecidos na Europa, ali, junto com as antiguidades romanas, existiam obras de arte criadas durante o Renascimento. Mas não houve mais um aumento da cultura na Itália; os italianos demonstraram com mais frequência as conquistas de seus ancestrais.
Durante este período, Veneza era a cidade mais atraente da Itália. Embora o estado estivesse dividido entre várias potências estrangeiras, Veneza permaneceu uma cidade independente sob domínio republicano. É claro que as receitas anteriores do comércio exterior não existiam mais, mas os venezianos não deixaram nem a Itália nem a Europa esquecerem a sua existência.
Esta cidade tornou-se um centro de entretenimento: o carnaval veneziano durou seis meses. Para isso funcionaram na cidade vários teatros e muitas oficinas de produção de máscaras. As pessoas que vieram para esta cidade queriam conhecer a Itália dos bons velhos tempos.
A Comédia das Máscaras tornou-se nada mais do que um espetáculo de museu, pois os atores mantiveram suas habilidades, mas atuaram sem o antigo entusiasmo do público. As imagens da comédia de máscaras não combinavam Vida real e não carregava ideias modernas.
No próprio início do XVIII século em público e vida politica As mudanças estão em andamento na Itália. Algumas reformas burguesas ocorreram e, após a expansão do comércio, a economia e a cultura começaram gradualmente a crescer. A ideologia iluminista começou a adquirir uma posição bastante forte e penetrou em todas as áreas da vida espiritual.
O teatro italiano precisava criar uma comédia literária de costumes. Com a sua ajuda, os educadores puderam defender o seu ponto de vista sobre a vida, preservando a riqueza luminosa das cores familiares ao público italiano. produções teatrais. Mas não foi tão fácil.
Pelo que foi dito anteriormente, sabe-se que os atores da Comédia das Máscaras eram improvisadores e não sabiam memorizar um texto literário pré-escrito. Além disso, cada ator usou a mesma máscara durante toda a vida e não sabia criar outras imagens. Na comédia de máscaras, cada personagem falava em seu dialeto, e a comédia de costumes assumia uma linguagem literária. Isto, como todos acreditavam, era um meio de unificação cultural da nação e do estado.
Goldoni
A primeira reforma do teatro italiano foi realizada por Carlo Goldoni (1707-1793) ( arroz. 54). Ele nasceu em uma família inteligente, na qual todos se interessavam por teatro há muito tempo. Já aos 11 anos compôs sua primeira peça e aos 12 apareceu pela primeira vez no palco. Como disse o próprio Goldoni, aos 15 anos começou a pensar que eram necessárias reformas no teatro. Ele começou a pensar sobre isso depois de ler a comédia Mandrake, de Maquiavel.
Arroz. 54. Carlos Goldoni
O próprio Carlo não pôde realizar tais reformas, porque seus pais primeiro queriam que ele fosse médico e depois o enviaram para a universidade, onde estudou para se tornar advogado. Aos 24 anos, Goldoni concluiu os estudos e três anos depois, enquanto trabalhava como advogado, passou a escrever constantemente peças para a trupe de Giuseppe Imera, que trabalhava no Teatro San Samuele, localizado em Veneza. Isso continuou de 1734 a 1743. Os cinco anos seguintes foram áridos em termos literários, ou seja, Carlo não escreveu quase nada. Nesse período, tentou se firmar como advogado, ou seja, adquiriu um grande escritório em Pisa.
Ao mesmo tempo, chegou até ele um mensageiro do empresário Giloramo Medebak com uma oferta de emprego. E Goldoni não resistiu à tentação. Fez um acordo com Medebak, segundo o qual deveria escrever 8 peças por ano para o Teatro Veneziano de Sant'Angelo durante cinco anos.
Goldoni deu conta dessa tarefa. Além disso, quando o teatro passou por uma temporada difícil, ele escreveu 16 comédias para melhorar sua difícil situação! Depois disso, ele pediu um aumento salarial a Medebak. Mas o mesquinho empresário recusou o dramaturgo. Por conta disso, Goldoni, após o término do contrato, foi para o Teatro San Luca, onde trabalhou de 1753 a 1762.
Goldoni decidiu realizar a reforma teatral de forma rápida e decisiva. A essa altura ele já tinha alguma experiência dramática. No entanto, ele realizou as mudanças com bastante cuidado e prudência.
Para começar, ele criou uma peça em que apenas um papel foi escrito na íntegra. Foi a comédia "A Socialite, ou Momolo, a Alma da Sociedade". A produção ocorreu em 1738. Depois disso, em 1743, Goldoni encenou uma peça em que todos os papéis já estavam escritos. Mas este foi apenas o começo da reforma. Como não havia atores que soubessem interpretar papéis pré-escritos, o dramaturgo teve que treinar ou reensinar toda uma geração de novos atores. Para Goldoni isso não era grande coisa, pois era um excelente professor de teatro e uma pessoa incansável. Ele completou a tarefa que ele mesmo estabeleceu, embora tenha demorado vários anos.
O dramaturgo italiano seguiu o esquema de reforma que inventou. Em 1750, foi criada a peça “Teatro Cômico”, cujo enredo era a visão do autor sobre a dramaturgia e Artes performáticas. Goldoni falou em seu ensaio sobre a necessidade de agir com persistência, mas com cuidado, nas mudanças que planejou. Ao influenciar atores e espectadores, os seus gostos e desejos devem ser levados em conta.
Na vida real, o dramaturgo agiu exatamente da mesma forma. Suas primeiras peças foram com máscaras antigas, os personagens falavam em dialeto. Então as máscaras começaram gradualmente a desaparecer ou a mudar quase completamente; se a improvisação permaneceu em algum lugar, foi substituída por um texto escrito; a comédia foi gradualmente traduzida do dialeto para a linguagem literária. Junto com essas inovações, a técnica de atuação também começou a mudar.
O sistema de Goldoni não exigia de forma alguma a rejeição completa das tradições da comédia de máscaras. Este sistema propunha desenvolver antigas tradições, desenvolvê-las muito rapidamente, mas não em todas as áreas. O dramaturgo reviveu e passou a usar tudo o que havia de realista na comédia de máscaras. Com esse gênero ele aprendeu a habilidade da intriga e da pungência. Mas, ao mesmo tempo, tudo o que era fantástico e bufonaria não o interessava em nada.
Goldoni em suas comédias pretendia retratar e criticar os costumes existentes, ou seja, queria que suas obras se tornassem uma espécie de escola de moralidade. Nesse sentido, chamou suas criações de “comédias do meio ambiente” ou “comédias coletivas”, em vez de chamá-las de comédias de costumes. Essa terminologia específica refletiu muito, à sua maneira, nos teatros de Goldoni.
O dramaturgo não gostava de peças em que a ação fosse transferida de um lugar para outro. Ele era fã de Molière. Mesmo assim, Goldoni acreditava que a harmonia da produção não deveria se transformar em estreiteza. Às vezes ele construía no palco um cenário muito complexo e multifacetado.
Segue uma descrição do cenário da comédia “Coffee Room”, encenada em 1750, disponível na literatura: “O palco é uma rua larga de Veneza; ao fundo existem três lojas: a do meio é um café, à direita um cabeleireiro, à esquerda uma casa de jogo; acima dos bancos encontram-se salas pertencentes ao banco inferior, com janelas voltadas para a rua; à direita, mais perto do público (do outro lado da rua), a casa da bailarina; à esquerda está o hotel.”
Nesse ambiente, ocorre a ação rica e fascinante da peça. As pessoas vão e vêm, brigam, fazem as pazes, etc. Nessas comédias, como acreditava Goldoni, não deveria haver personagens principais, ninguém deveria ter preferência. A tarefa do dramaturgo é diferente: ele deve mostrar a real situação da época.
O dramaturgo mostra com entusiasmo cenas da vida urbana em suas obras e retrata o cotidiano de pessoas de diferentes classes. Após sua primeira peça, seguiu rigorosamente os princípios da comédia coletiva em obras como “Coffee Shop”, “New Apartment”, “Kyojin Skirmishes”, “Fan” e muitas outras. Sobre situação especial houve uma peça “Kyojin Skirmishes”, porque ninguém jamais havia mostrado a vida de camadas tão baixas da sociedade. Foi uma comédia muito engraçada da vida dos pescadores.
Goldoni também teve obras em que traiu seus princípios. E então um herói apareceu na comédia tão brilhante que ofuscou todos ao seu redor. Por exemplo, numa das suas primeiras comédias, “O Servo de Dois Mestres”, escrita em 1749, o dramaturgo criou uma imagem simplesmente excelente de Truffaldino, com muitas possibilidades cómicas. Este personagem tornou-se o primeiro no caminho da crescente complexidade das imagens da commedia dell'arte. À imagem de Truffaldino, Goldoni combinou dois Zanis - uma doninha esperta e um trapalhão simplório. O personagem deste herói revelou-se cheio de contradições.
Essa combinação de opostos mais tarde tornou-se a base para uma representação mais franca de personagens internamente contrastantes, cheios de surpresas e ao mesmo tempo consistentes nas comédias já maduras de Goldoni. A melhor dessas personagens é Mirandolina na comédia “A Dona da Pousada” (1753). Esta é uma menina simples, liderando um jogo corajoso, talentoso e não desprovido de cálculos com o conde de Albafiorita, cujo título foi adquirido, o marquês de Forlipopoli e o cavalheiro de Ripafratta. Vencida a partida, Mirandolina casa-se com o criado Fabrice, homem de seu círculo. Este papel é um dos mais famosos e celebrados do repertório cômico mundial.
Os críticos de teatro consideram Goldoni o crítico mais observador e imparcial da moral. Ele, como ninguém, soube perceber tudo de engraçado, indigno e estúpido em uma pessoa pertencente a qualquer estrato da sociedade. Mesmo assim, o principal objeto de seu ridículo era a nobreza, e esse ridículo não era de forma alguma bem-humorado.
As atividades não só de Goldoni, mas também de outros educadores italianos, a sua propaganda da igualdade de classes, a luta contra o antigo modo de vida e a pregação da razão encontraram uma resposta viva fora da Itália. A importância da cultura italiana aumentou novamente.
Em 1766, Voltaire escreveu: “Há vinte anos eles foram à Itália para ver estátuas antigas e ouvir nova música. Agora você pode ir lá ver gente que pensa e odeia preconceito e fanatismo.”
O tipo de comédia de costumes criada por Carlo Goldoni revelou-se única no meados do século 18 século. Isto explica o reconhecimento pan-europeu que as obras de Goldoni receberam durante a sua vida. Mas em sua cidade natal ele fez alguns inimigos bastante sérios. Eles competiram com ele, escreveram paródias e panfletos sobre ele. Goldoni, claro, não ficou indiferente a tais ataques. Mas como ele foi o primeiro comediante da Itália, ele não conseguia levar a sério essas maquinações.
No entanto, em 1761, a sua posição aparentemente inabalável foi ligeiramente abalada. A produção do conto de fadas teatral (fiaba) de Carlo Gozzi “O Amor por Três Laranjas” foi um grande sucesso. Goldoni viu nisso uma traição a si mesmo por parte do público veneziano. Ele concordou com a oferta para ocupar o lugar de dramaturgo do Teatro Comédia italiana em Paris e em 1762 deixou Veneza para sempre.
Mas o dramaturgo logo teve que se desfazer deste teatro. A razão para isso foi que a direção do teatro exigia que ele produzisse roteiros de commedia dell'arte. Em outras palavras, ele foi obrigado a apoiar o gênero contra o qual lutava em sua terra natal. Goldoni não conseguiu se conformar com esse estado de coisas e começou a procurar outra ocupação.
Por algum tempo ele ensinou italiano. Seus alunos, entre outros, foram as princesas, filhas de Luís XV, o que lhe permitiu receber uma pensão real. Ensinando aos outros o seu língua materna, Goldoni aprendeu francês perfeitamente.
Em 1771, na celebração do casamento do Delfim, o futuro rei Luís XVI, a comédia de Goldoni “O Benfeitor Mal-humorado”, escrita em francês, foi encenada no teatro Comedie Française. Ela foi recebida de forma simplesmente maravilhosa, mas este foi o último sucesso teatral de Goldoni.
Em 1787, ele escreveu e publicou suas Memórias em três volumes. Esta obra continua a ser uma fonte de informação muito valiosa sobre os teatros italianos e franceses do século XVIII.
Durante os tempos revolução Francesa A pensão real de Goldoni foi retirada. A Convenção decidiu posteriormente devolver a sua pensão de acordo com um relatório da dramaturga francesa Marie Joseph Chénier. Mas Goldoni nunca soube disso, pois faleceu no dia anterior.
Carlos Gozzi (1720-1806) ( arroz. 55) iniciou sua rivalidade com Goldoni com as paródias que escreviam juntos grupo literário chamada "Academia de Granellesques". Este nome palhaço se traduz como “academia de faladores ociosos”.
Arroz. 55. Carlos Gozzi
Gozzi foi categoricamente contra a reforma teatral de Goldoni, porque viu nela (e não sem razão) um ataque às visões existentes sobre a arte e aos fundamentos mundo moderno. Gozzi, com toda a sua alma, era a favor do antigo modo de vida feudal, que cada uma das camadas da sociedade ocupasse o seu devido lugar. Nesse sentido, as comédias folclóricas de Goldoni pareciam-lhe completamente inaceitáveis, especialmente porque nelas ele descrevia as classes mais baixas da sociedade.
Gozzi não era apenas um oponente do culto da razão iluminista. As emoções em seus pontos de vista e ações desempenharam um papel muito maior do que uma mente fria e sóbria.
Gozzi nasceu em um velho patrício, que já foi muito rico, mas de família empobrecida. Naturalmente, ele viveu no passado. Ele odiava a França e os franceses porque estavam à frente do Iluminismo. Ao mesmo tempo, ele odiava aqueles de seus compatriotas que não queriam viver da maneira antiga.
Ele próprio nunca seguiu nenhuma moda - nem em seus pensamentos, nem em seu modo de vida, nem em roupas. Ele amava sua cidade natal - Veneza - porque, ao que parecia, nela viviam os espíritos do passado. Estas palavras não foram para ele uma frase vazia, porque acreditava firmemente na existência do outro mundo e, na sua velhice, atribuiu todos os seus problemas ao facto de os espíritos se vingarem dele, o homem que tinha aprendido e contou aos outros seus segredos.
Membros da Academia de Granellesques publicaram folhas de paródia nas quais exibiam um humor sofisticado. Mas esse tipo de atividade logo deixou de satisfazer Gozzi. No início de 1761, ele teve a oportunidade de se opor ao seu rival como dramaturgo. E Gozzi não perdeu essa chance.
Sua obra “O Amor por Três Laranjas” foi interpretada com muito sucesso pela trupe de Antonio Sacchi. A paródia foi transferida para o palco e Goldoni foi condenado ao ostracismo no palco veneziano, que, ao que parecia, havia sido conquistado por ele para sempre. Mas o significado desta performance foi muito maior do que o quadro de uma simples polêmica literária.
No fundo, Gozzi era um retrógrado. É por isso que ele defendeu o passado com tanto zelo. Mas ele tinha um talento enorme e um amor sincero pelo teatro. Tendo escrito meu primeiro fyaba ( conto de fadas teatral), ele lançou as bases para uma direção nova e bastante fecunda na arte.
Em 1772, o dramaturgo publicou uma coletânea de suas obras com um prefácio bastante extenso. Nele ele escreveu: “A menos que os teatros fechem na Itália, a comédia improvisada nunca desaparecerá e suas máscaras nunca serão destruídas. Vejo na comédia improvisada o orgulho da Itália e vejo-a como entretenimento, nitidamente diferente das peças escritas e deliberadas.
De certa forma, Gozzi estava, claro, certo. Afinal, as tradições da commedia dell'arte revelaram-se de facto muito fecundas e tenazes. As peças de Gozzi não eram exemplos da commedia dell'arte tradicional. Ele contribuiu não para a estagnação, mas para o desenvolvimento do gênero. O dramaturgo queria apaixonadamente limpar a comédia de máscaras das inovações propostas por Goldoni e novamente fazer do teatro “um lugar de entretenimento inocente”. Mas nada deu certo para ele. Em vez disso, Gozzi criou um novo gênero teatral, que tinha relação com a comédia de máscaras, mas era muito diferente dela, pois a comédia não era improvisada, mas escrita. A partir de agora, personagens muito diferentes estavam escondidos sob as máscaras, às vezes não havia nenhuma máscara em primeiro plano. Gozzi queria limpar o teatro de novas tendências estéticas, mas elas já haviam se enraizado tanto que ele só poderia tentar aproveitá-las.
O dramaturgo odiava tanto os educadores que não queria perder tempo com eles e entender suas ideias. Parecia-lhe que defendia dos iluministas os melhores ideais da humanidade: honra, honestidade, gratidão, abnegação, amizade, amor, abnegação. Mas, em geral, eles não tiveram divergências. Em muitas das obras de Gozzi havia apelos à lealdade às tradições da moralidade popular, ou seja, nesse sentido, Carlo fez o mesmo que seus inimigos - os iluministas. Um exemplo disso é o conto de fadas “The Deer King”, escrito em 1762. Andiana, que o rei Deramo escolheu como esposa, não deixou de amá-lo mesmo quando sua alma reencarnou no corpo de um mendigo. Esta obra foi escrita em homenagem à elevada espiritualidade e ao amor devotado e altruísta.
Algumas peças, independentemente da vontade do autor, foram lidas de forma completamente diferente do que ele desejava. Por exemplo, no conto de fadas “O Pássaro Verde”, Gozzi atacou muito os educadores, mas seus ataques não atingiram o objetivo, pois nenhum dos educadores era culpado de pregar o egoísmo e a ingratidão, dos quais ele os acusou. Mas acabou sendo um conto de fadas maravilhoso sobre crianças ingratas e mimadas que, depois de muitas dificuldades na vida, aprenderam empatia, gratidão e honestidade.
Gozzi queria criticar desde o palco a moral humana e os falsos, ao que lhe parecia, ensinamentos da época. E se ele não pudesse fazer nada com os ensinamentos, então simplesmente conseguiu criticar a moral. Nos seus contos de fadas, ele faz muitas observações mordazes e maliciosas sobre a burguesia. Por exemplo, ele chamou o fabricante de salsichas Truffaldino do conto de fadas “O Pássaro Verde” de traficante, canalha e falador maluco.
O dramaturgo utilizou muitos efeitos de encenação ao encenar suas peças. Posteriormente, passou a atribuir o sucesso de suas peças à moralidade estrita, às paixões intensas e à atuação séria. E isso foi bastante justo. Às vezes escrevia parábolas inteiras, às vezes era cativado pela lógica das imagens, às vezes usava magia, às vezes preferia motivações muito reais. Uma coisa que ele nunca mudou foi sua imaginação inesgotável. Manifestou-se de diversas formas, mas sempre esteve presente em todos os seus contos de fadas.
Em termos de fantasia, a dramaturgia de Gozzi revelou-se um excelente complemento à dramaturgia vital, inteligente, mas muito seca dos seus rivais. Foi esta fantasia que floresceu no palco do Teatro San Samuele de Veneza, onde foram apresentadas as primeiras peças de Gozzi.
As fraudes de Gozzi tiveram grande sucesso em seu país, mas não foram realizadas fora da Itália. Tendo escrito dez contos de fadas em 5 anos, o dramaturgo abandonou o gênero. Ele escreveu por vários anos depois disso, mas não teve mais a mesma inspiração. Em 1782, a trupe de Sacchi se desfez e Gozzi deixou completamente o teatro. Gozzi morreu aos 86 anos, abandonado e esquecido por todos.
As peças de Goldoni logo reconquistaram o palco veneziano. As obras de Gozzi foram trazidas de volta à vida por Schiller e por muitos dos românticos que o consideravam seu antecessor. A sua obra continha todos os pré-requisitos para as tendências românticas, que naquela época começaram a se espalhar pela Europa.
Do livro História Popular do Teatro autor Galperina Galina AnatolevnaTeatro italiano Depois que a commedia dell'arte foi criada na Itália, durante 200 anos os italianos não deram uma contribuição significativa à cultura mundial. A Itália durante este período foi significativamente enfraquecida pela luta política interna.
Do livro Vida Diária de um Harém Oriental autor Kaziev Shapi MagomedovichTeatro italiano Embora depois da Primeira Guerra Mundial a Itália estivesse entre os vencedores, estes acontecimentos exacerbaram as contradições internas que existiam no país. Crise económica, inflação, desemprego, declínio Agricultura tornou-se a razão do desenvolvimento
Do livro Cinema da Itália. Neorrealismo autor Bogemsky Georgy DmitrievichTeatro Quando a arte teatral penetrou na Turquia junto com as tendências europeias, as damas do harém usaram todas as suas habilidades para convencer o Sultão da necessidade de abrir seu próprio teatro no serralho.Aparentemente, o próprio Sultão não era contra novas diversões, já que
Do livro Vida Cotidiana na Califórnia Durante a Corrida do Ouro por Creta LilianGiuseppe De Santis. Para a paisagem italiana O significado da paisagem, a sua utilização como principal meio de expressão, dentro do qual as personagens deverão viver, como se carregassem vestígios da sua influência, como foi o caso dos nossos grandes pintores quando queriam especialmente
Do livro Música na Linguagem dos Sons. O caminho para uma nova compreensão da música autor Harnoncourt Nikolaus Do livro Chechenos autor Nunuev S.-Kh. M.Estilo italiano e estilo francês Nos séculos XVII e XVIII, a música ainda não era a arte internacional e universalmente compreendida que era, graças a ferrovias, aviões, rádio e televisão - desejou e pôde se tornar hoje. Absolutamente formado em diferentes regiões
Do livro Alexandre III e seu tempo autor Tolmachev Evgeny Petrovich Do livro Daily Life of Moscow Sovereigns in the 17th Century autor Chernaya Lyudmila Alekseevna Do livro Geniuses of the Renaissance [Coleção de artigos] autor Biografias e memórias Equipe de autores -Teatro O primeiro teatro da corte, que existiu em 1672-1676, foi definido pelo próprio czar Alexei Mikhailovich e seus contemporâneos como uma espécie de “diversão” e “frescura” moderna à imagem e semelhança dos teatros dos monarcas europeus. O teatro da corte real não apareceu imediatamente. Russos
Do livro Tradições Folclóricas da China autor Martyanova Lyudmila MikhailovnaTeatro Seria bastante estúpido começar com alguma data de fundação, origem, descoberta deste tipo de arte, ou melhor, de uma das facetas da existência humana. O teatro nasceu junto com este mundo, pelo menos com o mundo que conhecemos agora, e portanto é possível
Do livro Itália Russa autor Nechaev Sergey YurievichTeatro É preciso mencionar que inicialmente a tragédia serviu como meio de limpeza da alma, oportunidade de alcançar a catarse que liberta a pessoa das paixões e dos medos. Mas na tragédia há necessariamente não só pessoas com os seus sentimentos mesquinhos e egoístas, mas também
Do livro O Demônio da Teatro autor Evreinov Nikolai Nikolaevich Do livro Favoritos. Jovem Rússia autor Gershenzon Mikhail Osipovich
