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Syktyvkar, Rússia

(da experiência de trabalho)

anotação

Este artigo discutea possibilidadede aquarelacomo uma artetecnologiae métodosestilomotivo, como um método deformandoo futurocriatividadedo artista.

O autor analisa otécnicotruques ejeitos de trabalharemaquarelas edireitos autoraissão oferecidosrecomendaçõespara o implementação deesboços em aquarelaresistirgraficamenteexpressivoestilo detrabalhar.

Palavras-chave:

aquarela, pinturatecnologia, técnicas, meio de expressão, ar limpoaquarela, aquarelaesboço; artistapontas;

O curso académico de “pintura” no sistema de formação profissional visa o domínio das técnicas das diversas tecnologias da pintura no processo de estudo da teoria da ciência da cor e da colorística. EM ensino clássico Foi aconselhável iniciar a “pintura acadêmica” com o estudo da tecnologia da aquarela e, portanto, na prática docente, os alunos começaram a perceber a “aquarela” como uma tecnologia de pintura e, consequentemente, o treinamento está sendo construído para praticar o domínio das técnicas de pintura. Inicie o curso de masterização técnicas de pintura de dominar a tecnologia das tintas aquarela, não é popular hoje, pois a tecnologia exige paciência, perseverança e atenção dos alunos, o que nem sempre é fácil para os alunos e é difícil de dominar em processo educacional. No entanto, a aquarela, utilizada no processo de ensino da pintura, pode moldar a forma de pensamento criativo dos alunos se incluída no curso de formação objetivos de aprendizado, permitindo interpretar o pitoresco técnicas de aquarela em pontos e linhas graficamente expressivos que realçam o conteúdo da imagem “motivo”.

Artur Fonvizin.

Bibliografia

1.Aquarela mágica de Arthur Fonvizin. Código de acesso

Aplicativo

Torlopova N.G. Casa de gengibre. 2007, bum. aquarela

Torlopova N.G. Bétula velha. 2007, bum. aquarela

Torlopova N.G. IZBA. 2013, bum. aquarela

Torlopova N.G. Obyachevsky deu 2007, boom. aquarela

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Natalia Gennadievna Torlopova

Syktyvkar, Rússia

INTERPRETAÇÃO GRÁFICA DE UM ESTUDO DE ÁGUA

(da experiência de trabalho)

anotação

O artigo discute as possibilidades da aquarela como tecnologia artística e as formas de estilizar um motivo como método que molda a criatividade de um futuro artista.

O autor do artigo analisa as técnicas e métodos técnicos de trabalho em aquarela e oferece as recomendações do autor para a realização de um esboço em aquarela, permitindo manter o estilo graficamente expressivo da obra.

Este artigo discute a possibilidade da aquarela como tecnologia artística e métodos de estilização do motivo, como forma de formar a futura criatividade do artista.

O autor analisa o truques técnicos e formas de trabalhar em aquarela e direitos autorais são oferecidas recomendações para a implementação de esboços em aquarela para resistir ao estilo de trabalho graficamente expressivo.

Palavras-chave: aquarela; tecnologia de pintura; técnica; meios de expressão; aquarela ao ar livre; esboço em aquarela; conselho do artista;

aquarela, tecnologia de pintura, técnicas, meios de expressão, aquarela plein air, esboço em aquarela;artista pontas;

O curso académico de “pintura” no sistema de formação profissional tem como objetivo o domínio das técnicas das diversas tecnologias da pintura no processo de estudo da teoria da ciência da cor e da colorística. No ensino clássico de “Pintura Acadêmica”, era aconselhável começar pelo estudo da tecnologia da aquarela e, portanto, na prática docente, os alunos começaram a perceber a “aquarela” como uma tecnologia de pintura e, nesse sentido, a formação foi construída na prática de dominar técnicas de pintura. Não é comum hoje iniciar um curso de domínio de técnicas de pintura dominando a tecnologia das aquarelas, pois a tecnologia exige paciência, perseverança e atenção dos alunos, o que nem sempre é fácil para os alunos e é de difícil assimilação no processo educacional. . No entanto, a aquarela utilizada no processo de ensino da pintura pode formar os modos de pensamento criativo dos alunos se o curso de formação incluir tarefas educacionais que lhes permitam interpretar o pitoresco das técnicas da aquarela em pontos e linhas graficamente expressivos que realçam o conteúdo do “ imagem do motivo”.

Aquarela é uma tecnologia artística interessante, mas complexa. Usando aquarelas, você pode criar esboços pictóricos maravilhosos que transmitem leves nuances de cor e têm transições suaves de uma cor para outra. As técnicas clássicas de pintura em aquarela permitem transmitir sutilmente o espaço pictórico e esculpir o volume dos objetos retratados com uma transferência ilusória de materialidade.

A aquarela era originalmente uma tecnologia gráfica: servia para ilustrar manuscritos e livros, projetos arquitetônicos e esboços produtos artísticos. E hoje é popular entre os artistas gráficos para criar ilustrações e folhas gráficas de cavalete. Na prática artistas contemporâneos Ao trabalhar com aquarelas, não é tão comum ver uma solução pictórica para um esboço, que representa tecnicamente uma variedade de tonalidades e nuances de cores da mancha plástica. Para fazer um esboço parecer pitoresco, os artistas costumam usar a técnica “crua”, que permite que as tintas fluam livremente sobre o papel, fluam e se misturem aleatoriamente, criando suavidade e maior associatividade da cor utilizada. Mas não é fato que só o papel úmido ajuda a resolver problemas de pintura. Na história da aquarela há um exemplo de abordagem diferente. Estas são obras em aquarela de um notável artista russoArtur Fonvizin.“Alguns artistas e historiadores da arte acreditam que Fonvizin pintou suas aquarelas na superfície molhada do papel. Isso não é verdade. O artista não trabalhava em papel pré-umedecido, quando dependia inteiramente dos caprichos da tinta espalhada sobre o papel molhado.” Apesar de o artista ter trabalhado na técnica da aquarela seco sobre seco, que envolvia pensar cuidadosamente na sequência de aplicação das camadas de tinta, o resultado foi que a cor era fresca e sonora, o imediatismo da execução e a aparente leveza do mancha de aquarela foram preservadas. Alguma natureza inacabada de suas obras dá a impressão de especial laconicismo e expressividade.

O trabalho artístico em aquarela exige alta qualidade de execução e exige do artista virtuosismo e coragem no domínio do material artístico. Para muitos artistas, a aquarela continua sendo a tecnologia favorita para realizar o potencial criativo. Se no processo educativo com os alunos utilizamos a aquarela não só o seu potencial pictórico, mas também as suas reais capacidades gráficas, estabelecendo nos esboços educativos a tarefa de interpretar uma mancha pictórica numa imagem graficamente expressiva dos elementos do “motivo” representado, então isso nos dá maneiras reais de formar a criatividade dos alunos. Estas poderiam ser tarefas: limitar a paleta de cores a 3 cores; tendo em conta as características associativas da forma da mancha colorida; tendo em conta a tonalidade do local e a sua posição para resolver planos territoriais; resolver o esboço com linhas que diferem na execução técnica e na natureza da pressão, ou linhas que variam dependendo da natureza do equipamento utilizado (pincel, cutucão, espátula, escova de cerdas, pente...), etc.

Entre os artistas da nossa república podem ser citados vários nomes que, claro, dão preferência na sua atividade criativa desta tecnologia e utilizar as suas capacidades técnicas de acordo com o seu método de interpretação pessoal. Estes são Vladimir Kokachev, Tatyana Vasilyeva e Vitaly Trofimov. Assim, as obras de V. Kokachev, feitas na técnica “crua”, dão a impressão de plasticidade suave, leveza e são invulgarmente alegres, porque o autor não tem medo de introduzir cores puras na imagem. Trabalhos em aquarela As pinturas de Tatyana Vasilyeva são poéticas e sutis em nuances de cores, contendo o original da autora: interpretação suave, lírica e feminina. As paisagens em aquarela de Vitaly Trofimov são enérgicas, poderosas com seus preenchimentos úmidos e ao mesmo tempo ricos elementos de cores, habilmente organizados em uma cor norte contida, transmitindo a impressão de monumentalidade e significado determinado pela paleta limitada de cores que o artista utiliza. O que torna suas aquarelas tão poderosas é que elas incorporam o tema favorito do artista: a paisagem circumpolar única. Todo artista sabe encontrar técnicas de aquarela adequadas que correspondam à sua percepção pessoal do mundo que o rodeia. Suas obras vivem na fronteira entre os tipos de “pintura” e “gráfico”.

Para que um artista ganhe experiência prática em aquarela, além de trabalhar em uma oficina de formação, pode ser mais útil sair ao ar livre. O ambiente de luz em rápida mudança limita o tempo para completar um esboço, durante o qual se concentram a experiência e o conhecimento do artista, que guiam intuitivamente a mão do artista e interpretam instantaneamente o que é observado em imagem artística. Graças à sua fluidez imprevisível, plasticidade, leveza de tom, aliadas a uma variedade de técnicas técnicas e a uma variedade de equipamentos, é possível realizar um esboço tanto por meio da coloração pictórica quanto resolver sua imagem por meio de esboço gráfico . Uma ficha gráfica também pode ser criada de memória em uma oficina a partir de um esboço pictórico em aquarela realizado ao ar livre, o que permitirá pensar a composição da obra, o curso de sua execução, por assim dizer, direção e construção a imagem".

Os esboços em aquarela, que realizamos ao ar livre, podem ser definidos como um gênero de “gráficos de reportagem”. Esboços rápidos registrar uma paisagem ou motivo arquitetônico, estado de luz ou riqueza de cores do ambiente natural, quase semelhante a “reportagens fotográficas” da cena. Mas quase todos os motivos, criados no processo de observação do estado natural e executados com aquarelas, trazem sua própria experiência pessoal e emocional. Um álbum com esboços e esboços preserva na memória o que o observador atento viu: paisagens e arquitetura, pontos de referência e características da paisagem. Num esboço, o artista pode captar a impressão momentânea da hora do dia ou da época do ano, que pode ser expressa pela escolha de uma paleta de cores, pela cor ou pela natureza das manchas das imagens, ou suas combinações. Além disso, o estado e o conteúdo da obra são influenciados pelo impulso emocional que o artista experimenta ao perceber esta ou aquela paisagem através da qual ele este momento, viaja. O estado de iluminação do ambiente muda tão rapidamente que ao ar livre não há necessidade de se esforçar para fazer longos estudos. Não é necessário que no processo de execução de um esboço em aquarela nos esforcemos para transmitir apenas uma “cópia” exata do fenômeno observado ou do motivo paisagístico selecionado, ou da cor do ambiente. No processo de trabalho em um esboço, ocorre uma interpretação simultânea do que é visto na imagem da folha. A forma e configuração das manchas realçam a imagem artística que o artista cria. A sua escolha de cores e soluções tonais, a variedade ou, pelo contrário, as tonalidades limitadas, realçam e concretizam o que é retratado. O contorno formado de combinações de cores e manchas traz estética ao esboço finalizado. O tempo de execução do estudo é o mais reduzido possível, é realizado em 20 a 30 minutos e, portanto, requer concentração máxima de atenção do intérprete durante a observação. Depois de preencher com cor os pontos principais do motivo, a primeira camada tem a oportunidade de secar. Os detalhes são acabados a seco, alterando o tamanho e a natureza do pincel, ou são utilizados outros equipamentos (faca de paleta, cerdas secas). A técnica descrita para a execução do estudo reflete nosso estilo individual e autoria estilo de atuação em estudos de aquarela plein air. Tal solução não surge do nada; requer experiência técnica e criativa acumulada em aquarela.

A formação de seu próprio estilo gráfico de aquarela foi auxiliada por inúmeras experiências para consolidar os princípios da teoria da ciência da cor e um estudo meticuloso dos meios composicionais e técnicas de audiência na execução de diversas naturezas mortas.

Tentaremos neste artigo revelar a sequência e algumas técnicas de trabalho com aquarela na criação de um esboço de um motivo paisagístico, estilisticamente generalizado em uma folha gráfica e oferecer algumas recomendações para que os alunos dominem tal experiência.

O que determina nossos esboços em aquarela, como imagens gráficas? Os meios de expressividade da arte gráfica são um ponto tonal, uma linha e uma forma de compartilhamento de linha para obter um ponto, que depende muito do temperamento do artista. As imagens em uma folha gráfica possuem gradações tonais expressivas e silhuetas ou contornos claramente visíveis. No processo de escrita de um motivo paisagístico, é muito importante o momento inicial de pensar na ordem de aplicação das manchas coloridas: grandes e médias, que determinam as grandes relações tonais do retratado. Em seguida, assume-se a escala dos elementos, a sua forma e dinâmica das silhuetas, a disposição das combinações de manchas num determinado formato, para que se obtenha o seu equilíbrio estável. E só depois começamos a esboçar. O desenho deve ser completo e suficientemente detalhado. Resolvemos problemas imediatamente composição geral motivo, tendo em conta a escala das grandes massas da paisagem: céu, terra, objetos e imagens panorâmicas, elementos que definem centro de composição e a ideia de motivo. Ao trabalhar em um desenho de paisagem, você não deve usar ativamente uma borracha, pois danifica a superfície da folha. Ao realizar um esboço longo e multisessões, é melhor fazer um papelão pré-trabalhado em papel fino e transferi-lo cuidadosamente para o tocha. Se o esboço for realizado em uma sessão, recomendamos que o desenho seja feito com ultramarino diluído com pincel fino.

Antes de começar a trabalhar com tintas, é necessário umedecer toda a superfície da folha com água e uma esponja para tirar o excesso de cola, poeira ou ressecamento excessivo do maçarico. O trabalho em cores deve começar com os tons mais claros e terminar com cores escuras, quentes e densas e pincéis semi-secos.

Para cada trabalho individual limitamo-nos a um grupo de tintas, a chamada paleta de cores: é melhor limitar-se a 4 a 5 cores. Tintas que, graças à sua mistura variada, permitem criar riqueza tonal e combinar holisticamente os elementos do motivo na cor necessária e unificada. Para conseguir uma riqueza de contrastes de cores e realçar os acentos composicionais do motivo, o grupo de cores selecionado contém sempre cores de tons quentes e frios.

Ao trabalhar com aquarelas, é muito importante seguir a tecnologia de mistura das tintas e a sequência de aplicação na planilha. Cada camada subsequente é aplicada após a anterior estar completamente seca. Levamos de vinte minutos a uma hora para completar o esboço de um motivo paisagístico; a pressa no trabalho, paradoxalmente, não é necessária e até prejudicial. Por que é tão importante que o iniciante acompanhe a cadeia tecnológica da aquarela? Isso se deve, em primeiro lugar, às características técnicas da aquarela e à preservação de sua principal propriedade - a transparência.

Tradicionalmente, começamos a trabalhar em um esboço de paisagem preenchendo o céu, enquanto tentamos criar imediatamente possíveis gráficos de nuvens, se houver. Ou, com um pincel largo cheio de cor, brincamos e espalhamos dinamicamente a cor pela superfície, que definimos como o céu. Embora a tinta deslize livremente no papel úmido, é possível complicar a cor adicionando outras cores, como ocre ou rosa. Ao trabalhar em um ponto do céu, você deve usar o pincel com rapidez e cuidado, para que em alguns lugares deixe áreas de papel branco para resolver a luz, o padrão ou os destaques de algumas áreas das nuvens e do céu.

Ao trabalhar em um esboço, deve-se levar em consideração também as características espaciais dos tons quentes e frios, que ajudam a resolver corretamente os problemas tonais dos planos pictóricos. Portanto, você pode aguentar muito com seu pincel de cor azul(ultramarino, FC, cerélio ou cobalto, dependendo do estado do dia) e enquanto o papel estiver úmido, contorne a linha de fundo com um traço horizontal dinâmico. Detalhes não são necessários aqui, o importante aqui é conseguir o contraste entre o céu e a linha do solo.

O estilo gráfico do esboço também se caracteriza pela forma ou pelas técnicas que introduzimos manchas coloridas no espaço do formato desenvolvido. Perspectiva aérea requer o uso competente das qualidades espaciais da cor: o desenvolvimento tonal dos planos requer o uso de tintas azuis e cores diluídas em água na imagem de fundo; e imagens quentes de elementos grandes com fortes contrastes de cores ao representar o primeiro plano do esboço. As silhuetas dos elementos do motivo que retratamos são claramente reveladas pela utilização de manchas planas e estilizadas, sem transmitir a ilusão de volume. A cor do ponto nos esboços nunca será uniforme e monocromática, porque... A própria aquarela, que é fluida e em movimento, não permitirá que você faça isso. Na primeira etapa de cadastro preenchemos o formato por completo, com tons e cores mais claros, o que nos permitirá inserir os elementos de primeiro plano na etapa seguinte, conforme bloco de cores previamente escrito. Uma das características importantes das aquarelas se manifesta na obtenção de uma mancha colorida bem visível no papel, mesmo com baixa saturação de cor. Portanto, não é necessário atingir a tonalidade e cor realmente observadas dos objetos representados (você pode escolher alguns tons mais claros ou, inversamente, mais escuros). Mas as relações tonais claros entre os grandes elementos da paisagem e na transmissão da iluminação e do volume dos detalhes devem ser observadas com a maior precisão possível.

Depois de determinar grandes relações cor-tonais, quando praticamente não restam áreas de papel branco, iniciamos uma elaboração mais detalhada de silhuetas expressivas individuais: são introduzidos os detalhes mais expressivos e característicos do motivo paisagístico: casas, árvores, grama, etc. . (ver “Bétula Velha”). Suas manchas não precisam necessariamente ter um plano denso e uniforme; a cor pode ser distribuída do claro ao escuro, ou vice-versa. O spot em si pode ser preenchido com uma variedade de tonalidades, mas com um único tom. Não devemos esquecer que a cor do desenho é relativa. Tudo isso permite correlacionar este ponto com uma imagem específica, por exemplo, a copa de uma árvore pode ter um ponto que é enriquecido vários tons de maneira livre “a la prima” em uma única etapa, mas não mais que 2-3 cores. Nesta fase do trabalho, somos auxiliados pela organização previamente pensada da composição da folha: o direcionamento dos principais elementos e detalhes, a seleção dos detalhes importantes e característicos. O trabalho é feito com pincéis de tamanho médio. Os preenchimentos são feitos quando estão mais ricos e quando estão mais transparentes. A tonalidade da cor de um objeto é obtida pela mistura de várias tintas ou pelo uso de cores puras diluídas em quantidades variadas de água. Isso é aceitável em gráficos. Você pode introduzir com muito cuidado soluções de fuligem gasosa, pois esta tinta permite abafar o tom muito brilhante do ponto ou levá-lo para as profundezas do espaço do esboço. Para esclarecer as relações espaciais em um esboço, é útil usar tintas ultramarinas diluídas ou esmeraldas, que têm a qualidade subjetiva de aprofundar a imagem no formato e possuem qualidades de esmalte.

Para formar as massas tonais dos elementos da paisagem, diversos potencialidades técnicas devem ser utilizadas na obra. pincéis de arte e equipamento. Para o céu e a terra: escovas largas de flauta ou grandes e redondas. Para detalhes - os primeiros números de fios mais finos de “brancos” e “colunas”, leque ou até mesmo escovas de cerdas. Para esboços de grande formato você também pode usar uma esponja. Para grafismo e detalhamento de elementos, pode-se utilizar as seguintes técnicas: “pulverizar”, “cutucar”, “arranhar” com pente, faca, dorso de pincel ou espátula; Para criar uma textura ou um design gráfico único, utiliza-se a técnica de “gravação”: quando um fragmento de materiais texturizados (malhas, papelão ondulado, couro, etc.) é aplicado sobre uma superfície colorida úmida. A escolha da técnica não é fundamental; é motivada pelo nosso estado emocional no trabalho e no material em questão.

Para completar o esboço, pode-se mais uma vez prestar atenção à elaboração gráfica linear dos detalhes para dar à paisagem uma completude gráfica estilística. O trabalho é feito com pincéis finos. Você também pode desenhar linhas que esclarecem a forma e caracterizam alguns pequenos detalhes das imagens. A abertura da imagem pode ser sugerida pelo próprio preenchimento da silhueta ou pelo contorno dos principais elementos da imagem da paisagem. A introdução desta técnica suaviza o contraste excessivo da silhueta e confere suavidade e plasticidade ao design. O acabamento de um esboço, portanto, é típico de trabalhos realizados em diversas sessões.

Em alguns trabalhos omitimos esta etapa. Isso acontece quando, durante o desenvolvimento inicial das relações cor-tonais, obtêm-se quase imediatamente manchas de cores lacônicas e características, delineando claramente os elementos necessários do motivo e caracterizando-os com precisão. Tais esboços refletem o método “a la prima” conhecido na prática da pintura. Nesse caso, desenhar com pincéis pequenos é adequado para trabalhar os detalhes do primeiro plano.

Com base na experiência prática descrita, várias recomendações podem ser feitas. Um esboço em aquarela de uma paisagem de forma gráfica é, sem falta, uma solução para os seguintes problemas:

1. observação de objetos de imagem, destacando o que neles é característico e típico;

2. criação de planos espaciais claros (distante, médio e primeiro plano);

3. cumprimento da cadeia tecnológica no trabalho com aquarelas;

4. obtenção de uma silhueta bonita e expressiva com preenchimento de aquarela;

5. praticar a técnica de preencher um ponto da silhueta de um objeto de imagem, criando uma combinação de pontos de cor fina e transparência;

6. refinamento gráfico - linhas de desenho do motivo e elementos, feitos com pincéis finos.

Bibliografia

1. Aquarela mágica de Arthur Fonvizin. Código de acesso http://mizrah.ru/post155983442/

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Para fazer perguntas.

Quando a palavra “pátria” foi pronunciada na frente de Berg, ele sorriu. Ele não entendeu o que isso significava. A pátria, a terra dos pais, o país onde nasceu - afinal, importa onde a pessoa nasceu. Um de seus camaradas nasceu no oceano, em um navio cargueiro entre a América e a Europa.

Onde fica a terra natal dessa pessoa? - Berg se perguntou. - O oceano é realmente essa planície monótona de água, negra pelo vento e oprimindo o coração com ansiedade constante?

Berg viu o oceano. Quando estudou pintura em Paris, visitou as margens do Canal da Mancha. O oceano não era parecido com ele.

Terra dos pais! Berg não sentiu qualquer apego nem à sua infância nem à pequena cidade judaica no Dnieper, onde o seu avô ficou cego ao usar areia e um furador de sapato.

Sempre me lembrei da minha cidade natal como um quadro desbotado e mal pintado, coberto de moscas. Ele foi lembrado como a poeira, o cheiro doce dos lixões, os choupos secos, as nuvens sujas sobre a periferia, onde os soldados - defensores da pátria - treinavam nos quartéis.

Durante guerra civil Berg não percebeu os locais onde teve que lutar. Ele encolheu os ombros zombeteiramente quando os lutadores, com uma luz especial nos olhos, disseram que em breve recuperariam seus lugares de origem dos brancos e dariam água aos seus cavalos com água de seu Don nativo.

Conversa! - Berg disse sombriamente. - Pessoas como nós não têm e não podem ter pátria.

Eh, Berg, você quebra a alma! - responderam os soldados com forte reprovação. - Que tipo de lutador e criador de uma nova vida você é quando não ama a terra, excêntrico. E também um artista!

Talvez seja por isso que Berg não era bom em paisagens. Preferiu retratos, gêneros e, por fim, cartazes. Ele tentou encontrar o estilo de sua época, mas essas tentativas foram cheias de fracassos e ambigüidades.

Os anos passaram sobre o país soviético como um vento forte - anos maravilhosos de trabalho e superação. Ao longo dos anos, acumulamos experiência e tradições. A vida estava girando, como um prisma, com uma nova faceta, e nela antigos sentimentos foram refratados de maneira nova e às vezes não muito compreensível para Berg - amor, ódio, coragem, sofrimento e, finalmente, um sentimento de pátria.

Um dia, no início do outono, Berg recebeu uma carta do artista Yartsev. Ele o chamou para ir às florestas de Murom, onde passou o verão. Berg era amigo de Yartsev e, além disso, não saiu de Moscou por vários anos. Ele foi.

Numa estação remota atrás de Vladimir, Berg mudou para um trem de bitola estreita.

Agosto foi quente e sem vento. O trem cheirava a pão de centeio. Berg sentou-se no estribo da carruagem, respirando avidamente, e teve a impressão de que não estava respirando ar, mas uma luz solar incrível.

Gafanhotos gritavam nas clareiras cobertas de cravos brancos e secos. Em Tsolustanki havia o cheiro de flores silvestres imprudentes.

Yartsev morava longe da estação deserta, na floresta, às margens de um lago profundo de águas negras. Ele alugou uma cabana de um guarda florestal.

Berg foi levado ao lago pelo filho do guarda florestal, Vanya Zotov, um menino curvado e tímido.

A carroça bateu nas raízes e rangeu na areia profunda.

Orioles assobiava tristemente nos bosques. Uma folha amarela ocasionalmente caía na estrada. Nuvens rosadas erguiam-se altas no céu, acima dos topos dos pinheiros.

Berg estava deitado na carroça e seu coração batia forte e fraco.

“Deve ser do ar”? - pensou Berg.

O Lago Berg de repente viu através do matagal de florestas ralas.

Estava obliquamente, como se subisse em direção ao horizonte, e atrás dele, através da névoa fina, eram visíveis matagais de bétulas douradas. Uma névoa pairava sobre o lago devido aos recentes incêndios florestais. Em preto como alcatrão, água limpa folhas caídas flutuavam.

Berg morou no lago por cerca de um mês. Ele não pretendia trabalhar e não levou consigo. pinturas à óleo. Trouxe apenas uma caixinha com uma aquarela francesa de Lefranc, preservada da época parisiense. Berg valorizava muito essas tintas.

Durante dias inteiros ele ficou deitado nas clareiras e olhou com curiosidade as flores e ervas. Ele ficou especialmente impressionado com o euonymus - suas bagas pretas estavam escondidas em uma corola de pétalas carmim.

Berg coletou roseiras bravas e zimbros perfumados, longas agulhas de pinheiro, folhas de álamo tremedor, onde manchas pretas e azuis estavam espalhadas pelo campo de limoeiros, líquenes frágeis e cravos murchados. Ele examinou cuidadosamente as folhas de outono de dentro para fora, onde o amarelo era levemente tocado por uma leve geada plúmbea.

Besouros nadadores verde-oliva corriam no lago, peixes brincavam com relâmpagos fracos e os últimos lírios jaziam na superfície tranquila da água, como se estivessem em vidro preto.

Nos dias quentes, Berg ouvia um tremor silencioso na floresta.

O calor ressoou, grama seca, besouros e gafanhotos tocaram. Ao pôr do sol, bandos de guindastes sobrevoavam o lago ao sul, e Vanya dizia a Berg todas as vezes:

Parece que os pássaros estão nos jogando fora, voando para os mares quentes.

Pela primeira vez, Berg sentiu um insulto estúpido - os guindastes pareciam-lhe traidores. Abandonaram sem pesar esta região deserta, arborizada e solene, cheia de lagos sem nome, matagais intransponíveis, folhagens secas, o zumbido medido dos pinheiros e um ar com cheiro de resina e musgos do pântano.

Estranhos! - observou Berg, e o sentimento de ressentimento pelas florestas ficarem vazias a cada dia não lhe parecia mais engraçado e infantil.

Certa vez, Berg conheceu a vovó Tatyana na floresta. Ela veio de longe, de Zaborye, para colher cogumelos.

Berg vagou com ela pelos matagais e ouviu as histórias descontraídas de Tatyana. Com ela ele aprendeu que a região deles - o deserto - era famosa desde os tempos antigos por seus pintores. Tatyana contou-lhe os nomes de artesãos famosos que pintaram colheres de madeira e pratos de ouro e cinábrio, mas Berg nunca tinha ouvido esses nomes e corou.

Berg falou pouco. Ocasionalmente, ele trocava algumas palavras com Yartsev. Yartsev passou dias inteiros lendo, sentado na margem do lago. Ele também não queria conversar.

Começou a chover em setembro. Eles farfalhavam na grama. O ar ficou mais quente com eles, e os matagais costeiros tinham um cheiro selvagem e pungente, como pele molhada de animal.

À noite, as chuvas farfalhavam lentamente pelas florestas ao longo de estradas remotas que levavam a ninguém se sabe onde, ao longo do telhado de tábuas da pousada, e parecia que estavam destinadas a chuviscar durante todo o outono sobre este país arborizado.

Yartsev preparou-se para partir. Berg ficou com raiva. Como alguém poderia partir no meio deste outono extraordinário? Berg agora sentia o desejo de Yartsev de partir da mesma forma que sentiu uma vez a fuga dos guindastes - foi uma traição. Por que? Berg dificilmente poderia responder a esta pergunta. Uma traição às florestas, aos lagos, ao outono e, finalmente, um céu quente e chuvoso frequente.

“Eu vou ficar”, disse Berg rispidamente. - Você pode correr, isso é problema seu, mas quero escrever neste outono.

Yartsev saiu. No dia seguinte, Berg acordou com o sol.

Não houve chuva. Sombras claras de galhos tremiam no chão limpo e um azul suave brilhava atrás da porta.

Berg encontrou a palavra “radiância” apenas nos livros de poetas; ele a considerou pomposa e desprovida de significado claro. Mas agora ele entendeu com que precisão essa palavra transmite aquela luz especial que vem do céu e do sol de setembro.

A teia voou sobre o lago, cada Folha amarela na grama ela brilhava com luz, como um lingote de bronze. O vento carregava os cheiros amargos da floresta e das ervas murchas.

Berg pegou tintas e papel e, sem nem tomar chá, foi para o lago. Vanya o transportou para a outra margem.

Berg estava com pressa. As florestas, iluminadas obliquamente pelo sol, pareciam-lhe pilhas de minério de cobre leve. Assobiando pensativamente no ar azul últimos pássaros, e as nuvens se dissolveram no céu, subindo ao zênite.

Berg estava com pressa. Ele queria dar todo o poder das cores, toda a habilidade de suas mãos e olhar aguçado, tudo o que tremia em algum lugar de seu coração a este papel, para retratar pelo menos uma centésima parte do esplendor dessas florestas, morrendo majestosamente e simplesmente.

Berg trabalhava como um homem possuído, cantando e gritando. Vanya nunca o tinha visto assim. Ele observou cada movimento de Berg, trocou a água da tinta e entregou-lhe xícaras de porcelana com tinta de uma caixa.

Um crepúsculo sombrio passou como uma onda repentina pela folhagem. O ouro estava desaparecendo. O ar escureceu. Um murmúrio distante e ameaçador varreu de ponta a ponta das florestas e congelou em algum lugar acima das áreas queimadas. Berg não se virou.

A tempestade está chegando! - Vânia gritou. - Precisamos ir para casa!

“Uma tempestade de outono”, Berg respondeu distraidamente e começou a trabalhar ainda mais febrilmente.

O trovão cortou o céu, a água negra tremeu, mas os últimos reflexos do sol ainda vagavam pelas florestas. Berg estava com pressa.

Vanya puxou a mão dele:

Olhe para trás. Olha, que medo!

Berg não se virou. De costas, ele sentiu que a escuridão selvagem e a poeira vinham de trás - as folhas já voavam como uma chuva e, fugindo da tempestade, pássaros assustados voavam baixo sobre a pequena floresta.

Berg estava com pressa. Restavam apenas alguns golpes.

Vânia agarrou sua mão. Berg ouviu um rugido forte, como se os oceanos estivessem vindo em sua direção, inundando as florestas.

Então Berg olhou para trás. A fumaça preta caiu no lago. O andaime balançou. Atrás deles, como uma parede de chumbo, a chuva rugia, cortada por raios. A primeira gota pesada bateu na minha mão.

Berg rapidamente escondeu o desenho em uma gaveta, tirou o paletó, enrolou-o na gaveta e pegou uma caixinha de aquarelas. Os jatos de água atingiram meu rosto. As folhas molhadas rodopiaram como uma tempestade de neve e cegaram meus olhos.

Um raio partiu um pinheiro próximo. Berg ficou surdo. Uma chuva torrencial caiu do céu baixo e Berg e Vanya correram para a nave.

Molhados e tremendo de frio, Berg e Vanya chegaram ao alojamento uma hora depois. Na portaria, Berg descobriu uma caixa de aquarelas desaparecida. As cores se perderam – as magníficas cores de Lefranc. Berg procurou por eles durante dois dias, mas, claro, não encontrou nada.

Dois meses depois, em Moscou, Berg recebeu uma carta escrita em letras grandes e desajeitadas.

“Olá, camarada Berg”, escreveu Vanya. - Escreva o que fazer com suas tintas e como entregá-las a você. Depois que você saiu, procurei por eles por duas semanas, procurei em tudo até encontrá-los, mas só peguei um forte resfriado - por isso já estava chovendo, mas agora posso andar, embora ainda esteja muito fraco. Papai disse que tive inflamação nos pulmões. Então não fique com raiva.

Envie-me, se possível, um livro sobre nossas florestas e todos os tipos de árvores e lápis de cor - quero muito desenhar. A neve já caiu e derreteu, e na floresta, embaixo de uma certa árvore, você olha e tem uma lebre sentada. Estaremos ansiosos para vê-lo em nossos lugares de origem no verão.

Eu continuo sendo Vanya Zotov.”

Junto com a carta de Vanya trouxeram um aviso sobre a exposição - Berg deveria participar dela. Ele foi solicitado a dizer quantas de suas coisas ele exporia e sob que nome.

Berg sentou-se à mesa e escreveu rapidamente:

“Estou exibindo apenas um esboço em aquarela que fiz neste verão - minha primeira paisagem.”

Era meia-noite. A neve desgrenhada caía no parapeito da janela e brilhava com um fogo mágico - o reflexo das lâmpadas da rua. No apartamento ao lado, alguém tocava uma sonata de Grieg ao piano.

O relógio da Torre Spasskaya batia de forma constante e distante. Depois começaram a tocar “Internationale”.

Berg ficou sentado por um longo tempo, sorrindo. Claro, ele dará as tintas de Lefranc para Vanya.

Berg queria rastrear por quais maneiras indescritíveis um sentimento claro e alegre de sua terra natal aparecia nele. Amadureceu durante anos, décadas de anos revolucionários, mas o impulso final foi dado pela orla da floresta, pelo outono, pelos gritos dos guindastes e de Vanya Zotov. Por que? Berg não conseguiu encontrar a resposta, embora soubesse que sim.

Eh, Berg, você quebra a alma! - lembrou-se das palavras dos lutadores. - Que tipo de lutador e criador de vida nova você é quando não ama sua terra, excêntrico!

Os lutadores estavam certos. Berg sabia que agora estava conectado com seu país não apenas com sua mente, não apenas com sua devoção à revolução, mas com todo seu coração, como artista, e que o amor por sua pátria tornava sua vida inteligente, mas árida, quente e alegre e cem vezes mais bonito do que antes.

As técnicas de aquarela são bastante diversas, mas também complexas. As tintas precisam ser diluídas em água, por isso ficam mais móveis. Por sua vez, isso permite que você use várias técnicas: trabalhar detalhes finos, realizar preenchimentos amplos, despejar um traço no outro.

Ao aprender a desenhar, é útil fazer esboços em aquarela. É muito importante ver a obra de forma holística e sentir o ambiente pitoresco.

1. Não tenha medo de desenhar. Qualquer pessoa pode pintar vegetais, frutas ou paisagens; o principal é acreditar em si mesmo e encontrar inspiração dentro de si.
2. A qualidade desempenha um papel importante; o resultado final depende disso. Você precisa experimentar todos os tipos de folhas disponíveis para escolher o papel ideal para você. É necessário fazer anotações nas folhas (a gramatura do papel, seu tipo e qual foi o resultado).
3. Ao visitar um parque ou outro lugar pitoresco, você precisa levar uma câmera com você. Afinal, as fotografias do futuro poderão inspirar a criação de novos trabalhos. Ao começar a criar novos esboços em aquarela, são as imagens que vão te lembrar como deveriam ficar.
4. Para remover o excesso de umidade dos pincéis, você precisará de guardanapos ou toalhas de papel.

Esboços em aquarela: frutas e vegetais

Educação Pintura aquarelaé realizado em etapas. Eles começam com tarefas mais simples e só depois passam para tarefas mais complexas. Para começar, você pode usar qualquer fruta ou vegetal da natureza. a tarefa principal neste caso, trata-se da transferência de tons e do desenho do volume dos objetos utilizando o fundo e as sombras caindo.

Na primeira fase, você precisa desenhar os contornos usando um simples lápis. É melhor não usar borracha, mas simplesmente desenhar uma linha esclarecedora fina e ligeiramente perceptível. Para não se esquecer das sombras, você pode sombrear levemente as áreas necessárias.

A seguir, deixando os destaques nos lugares certos, toda a superfície da imagem é preenchida com o tom mais claro. Quando o substrato úmido estiver pronto, comece a escrever o vegetal ou fruta selecionado. O primeiro deve ser um meio-tom, depois, a partir dele, escrevem sombras e luz. Por fim, resta esclarecer as soluções tonais.

Depois de dominar os esboços de vegetais, a aquarela não será mais um problema, e então você poderá passar a representar vários vegetais ou frutas, depois uma jarra e uma natureza morta.

Como pintar uma paisagem em aquarela

A atmosfera dos esboços em aquarela é apenas um momento, um estado de natureza fugaz que o aquarelista conseguiu captar.

Começando a desenhar esboços, primeiro você precisa imaginar isso em sua cabeça. O artista deve determinar quanto espaço na folha será ocupado pelo céu e quanto pela terra. Freqüentemente, a linha do horizonte desce um pouco abaixo do meio, e isso é correto em termos de composição. Um esboço em aquarela começa a ser retratado do céu, principalmente se o artista escolheu uma técnica úmida.

Na segunda etapa, são desenhados planos de paisagem. Os tons das áreas escuras são realçados. Nesta fase é necessário concentrar-se não só nos aviões, mas também nos detalhes individuais. A última etapa é trabalhar com pincéis finos, que servem para desenhar pequenos detalhes e completar o quadro.

Esboços de flores em aquarela

Quando um artista iniciante começa a desenhar um buquê de flores, a primeira coisa que vê são muitos pequenos galhos e flores. Contudo, não fique perplexo. Ao começar a trabalhar, a primeira coisa que você precisa fazer é organizar as flores harmoniosamente na ordem certa. O fundo é criado por pequenas flores, elas são representadas mais abaixo e devem ser menores.

Você precisa recuar 3-4 cm das bordas da folha - esta será uma moldura que você não poderá ultrapassar. A imagem preliminar precisa ser esboçada com um lápis, mas não pressione para não deformar o papel. A composição deve ser como figura geométrica(triângulo ou oval).

Ao trabalhar com tintas, é necessário preparar uma seleção dos tons frios e quentes necessários na paleta que estarão presentes na imagem. Comece a trabalhar em segundo plano, inicialmente trabalhando com cores claras e depois escurecendo as áreas com sombra.

Em seguida, eles passam a desenhar flores. Inicialmente, são delineados tons claros e, em seguida, sombras são adicionadas às pétalas com uma fina camada de esmalte. Você precisa prestar atenção para garantir que muitos pequenos detalhes não apareçam no fundo.

Os esboços em aquarela devem ser pintados de maneira geral, é melhor fazê-los “crus”, para que uma cor transite suavemente para outra. É assim que tons únicos são criados e o desenho fica vivo. Basta pintar as pequenas pétalas e caules com um pincel fino.

A aquarela é muito parecida com o guache, então podem ser usadas juntas. A diferença entre essas tintas é a transparência. A aquarela é mais transparente que o guache. É esta propriedade que determina o resultado final. No entanto, essas duas técnicas são baseadas em técnicas semelhantes.

Ao criar estudos em aquarela, você precisa controlar a quantidade de água na qual deseja diluir a tinta. O líquido não só dissolve a tinta e a torna mais transparente, mas também determina o grau de clareza do desenho futuro. Portanto, a melhor forma de aprender a técnica da aquarela é determinar a quantidade necessária de água.

Uma das coisas mais maravilhosas do Maine são suas praias rochosas, repletas dos mais várias formas, cores e tamanhos. Este ano finalmente decidi capturar esta pedra multicolorida em aquarela. E foi isso que eu consegui...

Quer saber como consegui criar aquelas texturas interessantes nas rochas e aquela moldura ondulada? Leia e descubra tudo!

Uma noite, durante a maré baixa, meu amigo e eu fomos à praia fazer alguns esboços.

Enquanto meu amigo me desenhava diligentemente, concentrei-me na pilha de pedras sob meus pés.

Primeiro, esbocei os contornos gerais das pedras a lápis.

Então tracei o desenho caneta tinteiro com tinta preta e apliquei a primeira camada de aquarela sobre a úmida.

Procurei obter variedade de cores, alternando tons mais escuros com tons claros e contrastantes.

Em alguns casos, esperei a tinta secar um pouco e acrescentei um pouco mais de tons um pouco mais escuros. Foi assim que ficaram as manchas, com as quais depois poderei criar textura nas pedras.

Foi só isso que tive tempo na praia. O sol estava se pondo e eu precisava preparar o jantar, então arrumei minhas coisas e fui para casa.

Em casa, no estúdio, continuei trabalhando no desenho e me concentrei em criar texturas. Molhei levemente o paralelepípedo cinza no canto superior esquerdo e peguei alguns tons de aquarela terrosos escuros, preto. lápis aquarela e pulverizador de tinta. Segurando o pulverizador sobre a pedra, esfreguei um pouco a grafite, como um ralador, para que as partículas de pigmento entrassem no desenho.

Molhados um pouco, grudaram no papel e começaram a ficar com a textura do granito.

(Quando o papel estiver seco, o excesso de partículas de pigmento pode ser removido virando a folha com o desenho voltado para baixo e batendo levemente no verso)

Usei a mesma técnica na pedra cinza no canto inferior esquerdo da imagem, mas dessa vez peguei um pincel redondo e toquei levemente nas migalhas do lápis em alguns lugares para suavizar um pouco o efeito e dar personalidade à pedra.

Quando quis dar um aspecto manchado a uma pedra, fiz manchas como esta aplicando a ponta de um pincel redondo no papel...

E então espalhei um pouco a tinta com o dedo para que as manchas não ficassem tão ordenadas.

Este método é muito eficaz para criar uma textura manchada.

À medida que avançava, adicionei mais camadas de aquarela sobre a camada base seca para aprofundar as cores e definir as sombras. Apliquei um pouco de sal em alguns lugares.

Depois que o sal secou, ​​​​criou uma textura distinta, perfeita para a pedra de granito.

Era assim que o desenho parecia no início, quando comecei a adicionar texturas...

Quando eu queria adicionar textura a uma pedra, mas estava preocupado com a possibilidade de a tinta cair nas pedras adjacentes, usei uma película de máscara para isolá-la.

Cortei um pedaço de filme (cerca de 2cm maior que a pedra de cada lado), coloquei sobre a área que ia trabalhar e, com um cortador, cortei com cuidado o filme ao redor da pedra (cuidado para não cortar o papel).

Em seguida, removi o pedaço recortado de filme daquela área.

Cobri as partes circundantes da folha com tiras de papel. Agora que todo o papel ao redor está protegido, você pode adicionar textura da maneira que desejar. Por exemplo, aqui apliquei tinta com filme plástico amassado...

Salpiquei a tinta neste paralelepípedo e depois apaguei alguns dos respingos para torná-los mais claros e deixar outros intocados.

Quando todas as bordas estão cobertas com filme, fica fácil aplicar tinta nas pedrinhas com uma esponja.

Assim que terminei com a esponja e o spray, retirei o filme.

Quando fiquei satisfeito com as texturas e sombras nas rochas, adicionei sombras projetadas. Quando tirei a foto para desenhar na praia, o sol já estava se pondo e as sombras projetadas eram muito expressivas. Agora resolvi me permitir um pouco de liberdade criativa e voltei no tempo, deixando as sombras mais curtas. (Desculpas, esqueci de tirar uma foto da etapa da sombra).
As etapas finais foram adicionar rachaduras e ranhuras em algumas pedras.

e salpicos de aquarela branca opaca nesta pedra.

Com tinta branca opaca diluída em água, pintei veios claros em uma das grandes pedras. eu não queria pintura branca destacou-se muito do contexto geral.

A pintura está concluída! A coisa mais difícil estava pela frente: eu tinha que decidir o que fazer com o espaço em branco ao redor.

Resolvi fazer uma moldura com fita de papel. Rasguei os pedaços de fita verde longitudinalmente em duas metades para que as bordas ficassem irregulares e onduladas.

Em seguida, colei pedaços de fita adesiva a cerca de 5 mm do desenho, com as bordas voltadas para fora, de modo que se cruzassem nos cantos. (Antes de usar fita adesiva, certifique-se de aplicá-la em algum tecido algumas vezes, isso a tornará menos pegajosa e evitará que você rasgue o papel se precisar retirá-lo).

Cortei a camada superior da fita nos cantos usando um cortador em um ângulo de 45 graus.

Em seguida, cortei o pedaço extra de fita que sai da borda.

Acabou sendo um canto legal.

É hora de pintar o espaço restante nas bordas. Como ia escrever molhado, coloquei papel toalha embaixo dessa folha para proteger o álbum da tinta. Depois de misturar as mesmas tonalidades que foram usadas nas pedras, comecei a aplicar tinta generosamente nas bordas do desenho.

Foi muito importante manter a consistência correta. As cores devem fluir suavemente de uma para outra, mas não se misturar completamente. Procurei um efeito tal que todos os tons fossem claramente distinguíveis e ecoassem as cores das pedras, e não se fundissem em uma bagunça suja.

Depois que as bordas secaram, retirei a fita adesiva e descobri que em alguns lugares dos cantos a tinta ainda havia escorredo por baixo dela. Caramba!

Não entrar em pânico! Peguei um pouco da tinta com pincel seco e o que não consegui retirar, simplesmente pintei com aquarela branca opaca.

Agora poderíamos continuar trabalhando no design da moldura. Para facilitar o trabalho, precisei de um pedaço de malha grossa de janela. Simplesmente coloquei-o sobre o papel e desenhei linhas retas ao longo dele com um lápis, divergindo do centro da folha para as bordas a uma distância de cerca de 5 mm uma da outra.

Este método é conveniente para marcar linhas paralelas sem medições longas e meticulosas.

O único problema foi que uma vez quebrei o lápis na grade, mas de qualquer forma foi muito mais rápido do que se eu tivesse usado uma régua.

Tracei cada linha com uma caneta-tinteiro...

As linhas nos cantos foram desenhadas à mão.

Tudo parece ótimo, mas decidi ir mais longe. Como sempre!

Coloquei uma tira de fita adesiva a 1 cm da borda do papel para usar como guia.

Em seguida, desenhei linhas da fita até a borda do papel, entre as linhas que já havia desenhado para escurecer a borda nas bordas.

Trabalho concluído!

Fiquei tentado a adicionar mais detalhes (desenhar outra linha fina ao redor do desenho), mas decidi deixar mais espaço. Tive que me lembrar que espaço livre para respirar é sempre uma coisa boa. Não é necessário preenchê-lo com nada.

Quando olho para esta pintura colorida, ela me transporta de volta ao Maine. Estou lembrado horas felizes, passado na praia, conversando com um amigo, o som suave das ondas batendo na praia e uma sensação de calma absoluta. Desenhar me permite vivenciar o momento em que estou no processo e me leva de volta àqueles momentos maravilhosos quando olho para trabalho feito. Muitas lembranças agradáveis ​​encontraram abrigo entre as páginas dos meus álbuns.