Roger Fenton. Frutas. 1860 Graham Clarke. A foto. Oxford, 1997

A Enciclopédia de Fotografia de Fred e Gloria McDarr define a palavra "natureza morta" da seguinte forma: " Termo geral para fotografias de objetos inanimados, produtos e bens, muitas vezes para uso em publicidade.” Quando pequenos objetos são colocados na superfície de uma mesa, a fotografia de natureza morta é às vezes chamada de fotografia de “mesa”. Com exceção do último esclarecimento, esta definição é bastante consistente com a utilizada em relação à pintura. Curiosamente, o próprio termo apareceu muito depois da imagem e remonta ao início do século XIX. A combinação francesa nature morte (natureza morta ou mortificada) difere da natureza morta inglesa e do stilleben alemão (vida calma e tranquila) não apenas na ortografia, mas também no significado. Na Holanda, não existia um termo único: cada especialização (café da manhã, buquês de flores, naturezas mortas de peixes) tinha seu próprio nome.

Objetos inanimados estão presentes em obras de arte desde o Paleolítico. EM tempo diferente eles têm seu próprio papel e significado. As obras de Hans Holbein, Caravaggio ou Johannes Vermeer não são naturezas mortas, mas nas suas obras é dado um lugar especial tanto artística como semanticamente. Como gênero independente a natureza morta apareceu apenas no século XVII.

A fotografia, que emprestou quase todos os gêneros da pintura, não abriu exceção para a natureza morta. Como mostra a história da fotografia, era a natureza morta a menos representada na arte fotográfica, embora esta história na verdade tenha começado com ela. Entre os primeiros experimentos heliográficos de Nicéphore Niépce estava uma natureza morta composta por uma garrafa, uma faca, uma colher, uma tigela e um pedaço de pão sobre uma mesa. Hippolyte Bayard fez uma composição a partir de moldes de gesso em 1839, Jacques-Louis Daguerre fez várias naturezas mortas com moldes de gesso, pequenas esculturas, pinturas e fragmentos de frisos antigos, Henry Fox Talbot - com conchas e fósseis. Vale ressaltar que naturezas mortas com atributos de arte também foram encontradas nas pinturas de Jean Baptiste Chardin.

Os fotógrafos frequentemente repetiam a composição e usavam os mesmos temas que os artistas. A afirmação de Henry Fox Talbot de que "a escola holandesa de pintura é a nossa fonte autorizada na representação de objetos da vida cotidiana" parece não ter passado despercebida, como evidenciado, por exemplo, pelo trabalho de Roger Fenton, William Lake Price e Drew Diamond . Os principais temas dessas naturezas mortas eram flores, frutas ou caça morta. Na França, o trabalho de Adolphe Braun era semelhante a uma versão fotográfica do trabalho de Jean-Baptiste Oudry, um popular pintor da corte do século XIX sobre a caça real de Luís XV.

As naturezas-mortas geralmente eram filmadas em ambientes fechados, mas havia exceções. Devido à fraca fotossensibilidade dos primeiros materiais fotográficos, vários fotógrafos preferiram trabalhar no jardim ou no jardim da frente. Foram utilizados quaisquer materiais disponíveis (escadas, ancinhos, carrinhos de mão, baldes, etc.), que muitas vezes eram misturados com utensílios domésticos trazidos, flores frescas, árvores adjacentes a objetos inanimados. Tais são, por exemplo, as naturezas mortas de Louis-Rémy Robert, Hippolyte Bayard e Richard Jones.

Naturezas-mortas fotográficas baseadas no tema Vanitas (latim para “fantasmagórico”, “vaidade”), cujo atributo integrante é o crânio, aparecem em meados do século XIX, por exemplo, por Louis Jules Duboc-Soleil, e aparecem de tempos em tempos no século 20 - Alfred Stieglitz, Irving Penn, Robert Mapplethorpe, etc.

No início do século XX, a fotografia procurava novas formas e objetos para incorporar o gênero natureza morta. Simplesmente capturar objetos organizados juntos não é mais suficiente. Ângulos complexos, fotografia em close-up, fotogramas, paixão pela forma e textura do objeto - tudo isso dá um novo visual ao antigo gênero. A gama de objetos está se expandindo: junto com utensílios domésticos banais como garfos ou copos, aparecem objetos industriais (ferramentas, peças de máquinas e máquinas-ferramentas). Pesquisas semelhantes foram realizadas por Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, fotógrafos da Bauhaus, Edward Weston, William Underhill e outros.

O mundo das coisas comuns floresce novamente em meados do século com as naturezas mortas de Josef Sudek. A luz difusa suave confere a uma flor comum em um copo um clima lírico e melancólico.

Na segunda metade do século passado, a natureza morta é cada vez mais procurada na indústria publicitária. A feliz união do comércio e da arte está materializada nas naturezas mortas de Irving Pena. Clássico, estiloso, irônico, mas sempre simples e sofisticado. Graças a este mestre, pela primeira vez em 1944, uma natureza morta fotográfica apareceu na capa de uma revista de moda.

Entre os fotógrafos russos da segunda metade do século XX que trabalharam neste gênero, um lugar especial pertence a Boris Smelov. Suas naturezas-mortas clássicas de objetos da vida antiga de São Petersburgo se distinguiam pela composição ideal e técnica impecável. Joel-Peter Witkin é um mestre insuperável da natureza morta “chocante”. A tradução do francês “natureza morta”, neste caso, reflete com precisão as predileções do autor - várias partes corpo humano sozinhos (“Torso”) ou emoldurados por flores e frutas (“Cabeça de Mulher”, “Festa dos Tolos”, etc.).

Em termos quantitativos, a natureza morta fotográfica é muito inferior a outros gêneros, aparecendo apenas esporadicamente na obra de um ou outro autor. Folheando livros sobre história da fotografia e catálogos de coleções principais museus, a chance de encontrar uma seção separada dedicada à natureza morta é praticamente zero.

trabalho de graduação

1. História do desenvolvimento da natureza morta

Nas artes plásticas, uma natureza morta (do francês natur morte - “natureza morta”) é geralmente chamada de imagem objetos inanimados, unidos em um único grupo composicional. Para muitos, a versão alemã ou inglesa da designação natureza morta e ainda leben (vida tranquila) é mais familiar. Em holandês, a designação deste gênero soa como stilleven, ou seja, “vida tranquila”, na opinião de muitos artistas e críticos de arte esta é a expressão mais precisa da essência do gênero, mas tal é a força da tradição que “natureza morta” é um nome bem conhecido e enraizado. Uma natureza morta pode ter um significado independente e ser parte integral composições de uma pintura de gênero. Uma natureza morta expressa a atitude de uma pessoa em relação ao mundo ao seu redor. Revela a compreensão da beleza inerente ao artista como homem de sua época.

A natureza morta como gênero independente surgiu na Flandres e na Holanda na virada dos séculos XVI e XVII, alcançando rapidamente uma perfeição extraordinária na transmissão da diversidade de objetos do mundo material. O processo de desenvolvimento de naturezas mortas ocorreu mais ou menos da mesma maneira em muitos países. Europa Ocidental. Mas se considerarmos a história da arte como um todo, então a primeira etapa no desenvolvimento da natureza morta remonta ao período Paleolítico. Existem duas técnicas principais usadas pelos artistas antigos: naturalismo e ornamentação. Então essas duas tendências começam a se aproximar e surge uma natureza morta “semiconsciente”, uma imagem de partes individuais de um objeto. Um objeto inteiro genuíno só pode ser encontrado em Idade do Bronze. Esta segunda fase no desenvolvimento da natureza morta atinge o seu auge na arte egípcia. Os objetos são sempre representados isolados uns dos outros. Pela primeira vez é introduzido o motivo floral, tema das plantas cortadas. Proporções correlativas aparecem em obras de arte do Egeu. Os objetos são representados em três quartos, dispostos em grupos. As tradições da pintura do Egeu continuaram em Cultura grega. Podemos julgar esse gênero de arte pelos vasos. Os objetos não ficam mais suspensos no ar, mas têm seus próprios “ lugar real"no espaço: um escudo encostado a uma árvore, um manto jogado sobre um galho - a chamada natureza morta “pendurada”. também em esquetes escolares Uma natureza morta “musical” é frequentemente retratada. Pode-se distinguir mais um tipo de natureza morta grega: “antiga”. Artistas criam imagens de oficinas: pedaços de estátuas, uma serra, um martelo, esboços. É quase impossível encontrar imagens de flores e animais em vasos gregos.

Na arte medieval, como resultado da fragmentação da composição, da divisão da pintura em registros únicos, o objeto passa a ser um atributo, e não o objeto da imagem. O ornamento também continua a desempenhar um papel importante, especialmente usado ativamente em vitrais. catedrais católicas. A arte dura e intensamente ascética de Bizâncio, criando imagens imortais, monumentalmente generalizadas e sublimemente heróicas, usava imagens de objetos individuais com extraordinária expressividade.

Na pintura de ícones russos antigos, um grande papel também foi desempenhado pelos poucos objetos que o artista introduziu em suas obras estritamente canônicas. Eles trouxeram espontaneidade, vitalidade e às vezes pareciam uma expressão aberta de sentimento em uma obra dedicada a uma trama mitológica abstrata.

A natureza morta desempenhou um papel ainda maior nas pinturas artistas XV-XVI séculos durante o Renascimento. O pintor, que pela primeira vez prestou muita atenção ao mundo que o rodeava, procurou indicar o lugar e determinar o valor de cada coisa que serve ao homem. Os utensílios domésticos adquiriram a nobreza e o significado orgulhoso de seu dono, aquele a quem serviam. Nas grandes telas, a natureza morta costumava ocupar um lugar muito modesto: um vaso de vidro com água, um elegante vaso de prata ou delicados lírios brancos em hastes finas, muitas vezes amontoados no canto da imagem. Porém, na representação dessas coisas havia tanto amor poético pela natureza, seu significado era tão altamente espiritualizado que aqui já se podem ver todas as características que mais tarde determinaram o desenvolvimento independente de todo o gênero.

Objetos e elementos materiais ganharam um novo significado nas pinturas do século XVII - na era do gênero desenvolvido de natureza morta. Em composições complexas com enredo literário eles ocuparam seu lugar junto com outros heróis da obra. Analisando as obras dessa época, percebe-se o importante papel que a natureza morta passou a desempenhar na pintura. As coisas começaram a aparecer nessas obras como personagens principais, mostrando o que um artista pode alcançar dedicando sua habilidade a esse tipo de arte.

Objetos feitos por mãos hábeis, trabalhadoras e sábias trazem a marca dos pensamentos, desejos e inclinações de uma pessoa. Eles o servem, deleitam-no e inspiram-lhe um legítimo sentimento de orgulho. Não é à toa que aprendemos sobre épocas que há muito desapareceram da face da terra a partir daqueles cacos de pratos, utensílios domésticos e objetos rituais que se tornam páginas dispersas da história humana para os arqueólogos.

Perscrutando o mundo que o rodeia, penetrando nas suas leis com uma mente curiosa, desvendando os fascinantes mistérios da vida, o artista reflete-o de forma mais completa e abrangente na sua arte. Ele não apenas retrata o mundo ao seu redor, mas também transmite sua compreensão, sua atitude em relação à realidade.

A história da formação e desenvolvimento dos diversos gêneros de pintura é um testemunho vivo de um trabalho incansável consciência humana, esforçando-se por abraçar a infinita variedade de atividades e compreendê-las esteticamente. O gênero da natureza morta manifestou-se de maneira especialmente clara na pintura proto-renascentista holandesa. Ainda faz parte do interior, mas o amor dos artistas pelos detalhes cria pequenas naturezas mortas incríveis: pratos, uma mesa de trabalho, sapatos no chão. Tudo isso é retratado com o mesmo amor que as figuras de pessoas e santos. Na Itália, a natureza morta aparece no cenário. Posteriormente, o objeto recebe uma espécie de atividade independente e torna-se participante da ação. Desde o proto-Renascimento, o mundo objectivo tornou-se cada vez mais realista, por vezes até quase tangível. Deixa de ser um adereço, mas passa a ser cotidiano. No século XVI, os artistas Renascença do Norte Eles começam a expor objetos, arrancando suas capas (por exemplo, pele de animais).

A natureza morta é um gênero relativamente jovem. Ganhou significado independente na Europa apenas no século XVII. A história do desenvolvimento da natureza morta é interessante e instrutiva. A natureza morta floresceu de forma especialmente plena e brilhante na Flandres e na Holanda. A natureza morta é finalmente estabelecida como um gênero independente de pintura. O seu surgimento está relacionado com aqueles acontecimentos históricos revolucionários, pelos quais estes países, tendo conquistado a independência, entraram no caminho do desenvolvimento burguês no início do século XVII. Para a Europa daquela época, este era um fenómeno importante e progressivo. Novos horizontes se abriram para a arte. As condições históricas e as novas relações sociais direcionaram e determinaram solicitações criativas e mudanças na resolução dos problemas enfrentados pelo pintor. Sem representar diretamente eventos históricos, os artistas deram uma nova olhada no mundo, encontraram novos valores no homem. A vida, a vida cotidiana, apareceu diante deles com um significado e uma plenitude até então desconhecidos. Eles foram atraídos pelas peculiaridades da vida nacional, natureza nativa, coisas que trazem a marca de trabalhos e dias pessoas comuns. Foi a partir daqui, de um interesse consciente e profundo pela vida das pessoas, motivado pelo próprio sistema, que surgiram gêneros separados e independentes de pintura cotidiana, paisagem e natureza morta.

A arte da natureza morta, que se desenvolveu no século XVII, determinou as principais qualidades deste gênero. Pintura, dedicado à paz coisas, falou sobre as propriedades básicas inerentes aos objetos que cercam uma pessoa, revelou a atitude do artista e contemporâneo em relação ao que é retratado, expressou a natureza e a plenitude do conhecimento da realidade. O pintor transmitiu a existência material das coisas, seu volume, peso, textura, cor, valor funcional dos utensílios domésticos, sua ligação viva com a atividade humana. A beleza e a perfeição dos utensílios domésticos eram determinadas não apenas pela sua necessidade, mas também pela habilidade do seu criador. A natureza morta da era revolucionária da burguesia vitoriosa refletia o respeito do artista pelas novas formas de vida nacional dos seus compatriotas e o respeito pelo trabalho.

Formuladas no século XVII, as tarefas do gênero em linhas gerais existiu na escola europeia até meados do século XIX século. No entanto, isso não significa que os artistas não se proponham novas tarefas, repetindo mecanicamente soluções já prontas.

Ao longo das épocas, não só os métodos e métodos de pintar uma natureza morta mudaram, mas a experiência artística acumulou-se e, no processo de formação, desenvolveu-se uma visão de mundo mais complexa e constantemente enriquecedora.

Criação de detalhes criativos e brilhantes no quarto das crianças, feitos na técnica batik

Batik é um desenho aplicado de forma especial. É sobre sobre a maneira original decorar o tecido aplicando padrões com cera derretida e depois pintar as áreas do tecido que ficaram descobertas...

Características tecnológicas de execução de natureza morta em gráficos

A história dos gráficos como forma de arte remonta a vários milhares de anos. A arte gráfica é a mais antiga de todas as artes plásticas...

Tradições e inovações na arte dos artistas impressionistas

Até meados do século XIX, os pintores franceses faziam parte do sistema, experimentando a influência de uma instituição profissional complexa que tinha departamentos em todos os principais tipos de arte...

Cultura artística França Clássica

Para entender por que esse movimento artístico se originou e ganhou tanta popularidade na França, voltemos à história desse estado. início do XVII século. Após o assassinato do rei Henrique IV em 1610, oficialmente até 1614...

Animação japonesa

O surgimento do anime Os primeiros filmes de animação japoneses surgiram em 1917. Eram pequenos filmes com duração de um a cinco minutos, feitos por artistas individuais...

Minimalismo japonês em design

Os primeiros primórdios do minimalismo na Europa foram encontrados já no século XVIII: em 1777, o maior poeta, filósofo e artista alemão Johann Wolfgang Goethe ergueu uma escultura única no jardim da sua casa de verão em Weimar...

A natureza morta na pintura é uma imagem de objetos inanimados estáticos combinados em um único conjunto. Uma natureza morta pode ser apresentada como uma pintura independente, mas às vezes passa a fazer parte da composição de uma cena de gênero ou de uma pintura inteira.

O que é natureza morta?

Essa pintura se expressa na atitude subjetiva de uma pessoa em relação ao mundo. Isso mostra a compreensão inerente da beleza ao mestre, que se torna a personificação dos valores sociais e do ideal estético da época. A natureza morta na pintura gradualmente se transformou em uma natureza separada gênero significativo. Esse processo levou centenas de anos, e cada nova geração de artistas entendia as telas e as cores de acordo com as tendências da época.

O papel da natureza morta na composição de uma pintura nunca se limita a uma simples informação, um acréscimo aleatório ao conteúdo principal. Dependendo das condições históricas e das exigências sociais, os objetos podem ter um papel mais ou menos ativo na criação de uma composição ou de uma imagem individual, obscurecendo um ou outro objetivo. A natureza morta na pintura como gênero independente é projetada para transmitir de forma confiável a beleza das coisas que cercam uma pessoa todos os dias.

Às vezes, um detalhe ou elemento separado adquire repentinamente um significado profundo, recebe seu próprio significado e som.

História

Como um gênero antigo e reverenciado, a pintura de naturezas mortas teve seus altos e baixos. Severo, ascético e minimalista ajudou a criar imagens imortais, monumentais, generalizadas e sublimemente heróicas. Os escultores apreciaram a imagem com extraordinária expressividade objetos individuais. Tipos de naturezas mortas na pintura e todo tipo de classificações surgiram durante a formação da crítica de arte, embora as telas já existissem muito antes de o primeiro livro ser escrito.

Tradições iconográficas e naturezas mortas

Na antiga pintura de ícones russos, um grande papel foi desempenhado por aquelas poucas coisas que o artista ousou introduzir no estrito laconicismo das obras canônicas. Contribuem para a manifestação de tudo o que é imediato e demonstram a expressão de sentimentos em obras dedicadas a um tema abstrato ou mitológico.

Tipos de natureza morta na pintura existem separadamente das pinturas de ícones, embora o cânone estrito não proíba a representação de alguns objetos inerentes ao gênero.

Natureza morta renascentista

No entanto, as obras dos séculos XV-XVI desempenham um papel importante durante o Renascimento. O pintor primeiro chamou a atenção para o mundo que o rodeava e procurou determinar o significado de cada elemento ao serviço da humanidade.

A pintura moderna e a natureza morta como gênero popular e querido tiveram origem no período Tricento. Os objetos do cotidiano adquiriam certa nobreza e significado do proprietário a quem serviam. Em telas grandes, a natureza morta, via de regra, parece muito modesta e contida - jarra de vidro com água, a prata de um vaso elegante ou delicados lírios em caules finos, mais frequentemente amontoados num canto escuro do quadro, como parentes pobres e esquecidos.

No entanto, havia tanto amor na imagem das coisas belas e próximas em forma poética que a pintura moderna, a natureza morta e o seu papel nela já eram timidamente visíveis através das frestas das paisagens e das pesadas cortinas das cenas de gênero.

Momento crucial

Os temas ganharam um elemento real nas pinturas e um novo significado no século XVII - uma época em que a natureza morta com flores era predominante e dominante. Pinturas deste tipo conquistaram numerosos adeptos entre a nobreza e o clero. Em composições complexas com pronunciada literatura enredo as cenas ganharam seu lugar junto com os personagens principais. Analisando as obras da época, é fácil perceber que o importante papel da natureza morta se manifestou de forma semelhante na literatura, no teatro e na escultura. As coisas começaram a “agir” e a “viver” nessas obras - elas eram mostradas como personagens principais, demonstrando os melhores e mais vantajosos aspectos dos objetos.

Objetos de arte feitos por artesãos talentosos e trabalhadores carregam a marca pessoal de pensamentos, desejos e inclinações. pessoa específica. pintar é o melhor testes psicológicos ajudar a monitorar o estado psicoemocional e alcançar harmonia e integridade internas.

As coisas servem fielmente a uma pessoa, assumindo seu encanto pelos objetos do cotidiano e inspirando seus donos a adquirirem novas coisinhas lindas e elegantes.

Renascença Flamenga

As pessoas não aceitaram imediatamente a pintura a guache e a natureza morta como gênero. A história do surgimento, desenvolvimento e implementação generalizada de várias ideias e princípios serve como um lembrete do constante desenvolvimento do pensamento. A natureza morta tornou-se famosa e elegante em meados do século XVII. O gênero começou na Holanda, na alegre e festiva Flandres, onde a própria natureza convida à beleza e à diversão.

A pintura a guache e a natureza morta floresceram numa época de tremendas mudanças, uma mudança completa nas instituições políticas, sociais e religiosas.

Corrente de Flandres

A direção burguesa do desenvolvimento na Flandres tornou-se uma novidade e um progresso para toda a Europa. Alterações em vida politica levou a inovações semelhantes na cultura - os horizontes que se abriram aos artistas não eram mais limitados por proibições religiosas e não eram apoiados por tradições relevantes.

A natureza morta tornou-se o carro-chefe de uma nova arte que glorificou tudo o que é natural, brilhante e belo. Os rígidos cânones do catolicismo não restringiram mais o vôo da imaginação e da curiosidade dos pintores e, portanto, junto com a arte, a ciência e a tecnologia começaram a se desenvolver.

Coisas e objetos comuns do cotidiano, antes considerados vis e indignos de menção, subitamente ascenderam ao nível de objetos de estudo minucioso. Pintura decorativa, naturezas mortas e paisagens tornaram-se um verdadeiro espelho da vida - rotina diária, dieta, cultura, ideias sobre beleza.

Propriedades de gênero

Foi a partir daqui, a partir de um estudo consciente e aprofundado do mundo circundante, que se desenvolveu um gênero separado de pintura cotidiana, paisagem e natureza morta.

A arte, que adquiriu certos cânones no século XVII, determinou a principal qualidade do gênero. Uma pintura dedicada ao mundo das coisas descreve as propriedades básicas inerentes aos objetos que cercam uma pessoa, mostra a atitude do mestre e do seu hipotético contemporâneo perante o que é mostrado, expressa a natureza e a plenitude do conhecimento sobre a realidade. O artista transmitiu necessariamente a existência material das coisas, seu volume, peso, texturas, cores, a finalidade funcional dos utensílios domésticos e sua ligação vital com a atividade humana.

Tarefas e problemas de natureza morta

A pintura decorativa, a natureza morta e as cenas do cotidiano absorveram as novas tendências da época - um afastamento dos cânones e ao mesmo tempo mantendo o naturalismo conservador da imagem.

A natureza morta da era revolucionária durante a vitória completa da burguesia reflete o respeito do artista pelas novas formas de vida nacional de seus compatriotas, o respeito pelo trabalho dos artesãos comuns, a admiração por belas imagens beleza.

Os problemas e tarefas do gênero como um todo, formulados no século XVII, não foram discutidos em Escolas europeias até meados do século XIX. Enquanto isso, os artistas estabeleciam constantemente novas e novas tarefas e não continuavam a reproduzir mecanicamente soluções composicionais e esquemas de cores prontos.

Telas modernas

Fotos de naturezas mortas para pintura, preparadas em ateliês modernos, demonstram claramente a diferença entre a percepção do mundo por um contemporâneo e por uma pessoa da Idade Média. A dinâmica dos objetos hoje excede todos os limites concebíveis, e a natureza estática dos objetos era a norma naquela época. As combinações de cores do século XVII distinguem-se pelo brilho e pureza da cor. Tons ricos se encaixam harmoniosamente na composição e enfatizam as intenções e ideias do artista. A ausência de quaisquer cânones da melhor maneira possível influenciou naturezas mortas dos séculos 20 e 21, às vezes atingindo a imaginação com sua feiúra ou variedade deliberada.

Os métodos para resolver problemas de natureza morta mudam rapidamente a cada década, os métodos e técnicas não acompanham a imaginação de mestres reconhecidos e não tão reconhecidos;

O valor das pinturas atuais reside na expressão da realidade através do olhar dos artistas contemporâneos; através da incorporação na tela, surgem novos mundos que poderão contar muito sobre seus criadores às pessoas do futuro.

Influência impressionista

O próximo marco na história das naturezas mortas foi o impressionismo. Toda a evolução da direção se refletiu nas composições através das cores, da técnica e da compreensão do espaço. Os últimos românticos do milênio transferiram a vida como ela é para a tela - traços rápidos e brilhantes e detalhes expressivos tornaram-se os pilares do estilo.

Pintura, naturezas mortas artistas contemporâneos certamente carregam a marca de suas inspirações impressionistas através de cores, métodos e técnicas de representação.

Um afastamento dos cânones padrão do classicismo - três planos, uma composição central e heróis históricos- permitiu aos artistas desenvolver a sua própria percepção da cor e da luz, bem como demonstrar ao público de forma clara e clara a livre fuga das emoções.

As principais tarefas dos impressionistas são a mudança técnica de pintura e o conteúdo psicológico da imagem. E hoje, mesmo conhecendo a situação daquela época, é difícil encontrar a resposta correta para a questão de por que as paisagens impressionistas, tão alegres e ingênuas quanto a poesia, evocaram forte rejeição e rude ridículo por parte de críticos exigentes e do público esclarecido.

A pintura impressionista não se enquadrava na estrutura geralmente aceita, de modo que naturezas mortas e paisagens eram percebidas como algo vulgar, indigno de reconhecimento, juntamente com outros desperdícios de arte erudita.

Uma exposição de arte que se tornou uma espécie de atividade missionária para artista famoso daquela época, foi capaz de atingir os corações e demonstrar beleza e graça. Imagens de objetos e objetos por todos os meios disponíveis tornaram-se comuns mesmo dentro dos muros de instituições formidáveis ​​​​que professam apenas princípios. arte clássica. A procissão triunfal das naturezas mortas não parou desde finais do século XIX, e a variedade de géneros e técnicas permite hoje não ter medo de quaisquer experiências com cores, texturas e materiais.

O que é natureza morta?

A natureza morta é um gênero de pintura que retrata natureza inanimada. O gênero teve origem no século XVII.

A natureza morta é, antes de tudo, surpreendente e interessante porque faz com que as pessoas vejam beleza e harmonia no cotidiano, coisas chatas que nos cercam constantemente, mas não chamam nossa atenção.

O gênero não é tão simples quanto parece à primeira vista: na maioria dessas pinturas, os artistas usam a alegoria - experimentam um determinado conjunto de objetos, sua disposição, cores selecionadas, composição geral diga algo importante às pessoas, transmita o que as preocupa, conte-lhes sobre seus sentimentos e pensamentos.

Apesar da tradução sombria de "natureza morta", as telas costumam ser coloridas cores brilhantes, encantam o espectador com sua originalidade e peculiaridade, despertam o desejo de viver e admirar o mundo ao seu redor, de ver a beleza nele.

Existem muitos tipos e subtipos de natureza morta, por exemplo, enredo temático, criativo, educacional-criativo, educacional. Também são divididos de acordo com as cores utilizadas, iluminação, coloração, tempo de execução, localização, etc.

Os fundadores da natureza morta como gênero independente foram os holandeses e Artistas flamengos. Inicialmente, as pinturas surgiram para uso religioso. Também na era do nascimento do gênero, pinturas de cunho sombrio e profundo significado filosófico E tons escuros, no centro da composição, que incluía caveiras, velas e alguns outros atributos. Então, desenvolvendo-se gradualmente, o gênero absorveu cada vez mais novas direções e tornou-se cada vez mais difundido em todos os círculos da sociedade. Flores, livros, verduras e frutas, frutos do mar, pratos e outros utensílios domésticos - tudo se reflete na arte. Alguns dos mais famosos artistas de naturezas mortas foram Ambrosius Buschaert, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aalst, Cornelis Briese.

Cézanne, Paulo. Natureza morta com romã e peras. 1885-1890
Cézanne, Paulo. Ainda vida com maçãs e laranjas. 1895-1900

Na Rússia, o gênero surgiu em início do XVIII século, mas ninguém o estudou seriamente; No início do século XX, a pintura de naturezas mortas atingiu o seu maior florescimento; artistas criaram suas obras-primas, estabeleceram novos objetivos para si próprios e alcançaram picos incalculáveis ​​de habilidade, usaram técnicas incomuns, selecionou novas imagens. A natureza morta russa, ao contrário das ocidentais, não se desenvolveu gradualmente, mas em ritmo acelerado. Trabalhando neste gênero, artistas russos como K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov e muitos outros.

I. Levitano I. Levitano

Na pintura moderna, a natureza morta está passando por uma nova ascensão e agora ocupa firmemente o seu devido lugar entre outros gêneros de belas-artes. Agora esta é uma das áreas mais populares da pintura. Tendo um grande número de oportunidades de autorrealização na criatividade, os artistas pintam uma grande variedade de naturezas mortas. E o espectador, por sua vez, compra pinturas, decora seus interiores com elas, animando sua casa e trazendo conforto e alegria para ela. Os museus são constantemente reabastecidos com naturezas mortas, cada vez mais novas exposições são inauguradas em várias cidades e países, que atraem multidões de espectadores interessados ​​​​em arte. Vários séculos depois, tendo percorrido um longo e completo caminho de desenvolvimento, a natureza morta ainda é relevante e não perdeu seu significado na pintura mundial.

Instruções

A natureza morta como gênero não surgiu imediatamente; por muito tempo, pinturas representando flores e utensílios domésticos foram usadas como moldura para outras pinturas, bem como como decoração em portas de móveis. As primeiras pinturas independentes surgiram por volta do século XVII. Então imagens de objetos começaram a ser usadas como alegorias, e cada objeto passou a ter um significado simbólico adicional. Mais tarde, a natureza morta tornou-se popular entre os artistas, mas foi considerada um gênero inferior.

Existem vários tipos de natureza morta, uma das primeiras e mais comuns é a natureza morta em flor, a próxima mais popular é a natureza morta de uma mesa posta. A natureza morta simbólica também continua a existir. Outro tipo que apareceu há relativamente pouco tempo é a natureza morta abstrata neste estilo, os objetos não são representados de forma realista, as formas são esquemáticas e as cores carecem de transições suaves;

Se você se interessa por desenho, provavelmente já fez muitos desenhos e pinturas desse gênero. Para desenhar uma natureza morta, você não precisa perder tempo e esforço procurando objetos interessantes para desenhar; boa composição de itens que estão sempre à mão. Use cortinas como fundo; um pequeno pedaço de tecido servirá perfeitamente. Organize os objetos de forma que você obtenha vários planos, lembre-se que os objetos tamanho grande aqueles que são menores devem ficar em segundo plano e na frente deles. Coloque uma fonte de cor lateral adicional, isso dará volume aos objetos. A prática regular com essas configurações permitirá que você aprimore suas habilidades de desenho.

Vídeo sobre o tema

Fontes:

• Composição em natureza morta
• O que é natureza morta

Bom natureza morta nasce muito antes de você pegar a tinta e o pincel. O sucesso depende de como você escolhe os objetos que vai desenhar e como os organiza no espaço.

Instruções

Crie um tema para sua natureza morta. Claro, você pode colocar todos os itens na mesa de uma vez, mas os componentes unidos por uma história, adivinhados pela personalidade de seu dono, ou pelo menos estilisticamente, parecerão muito mais lógicos.

Classifique todos os componentes por forma. É aconselhável que seja variado - encontre objetos altos e baixos, largos e estreitos. Caso contrário, a monotonia das formas na imagem fará com que tudo se misture em uma massa e os objetos simplesmente “caiam” do campo de visão.

Certifique-se de que não consiste em produtos e coisas que não combinem em cores. Se você achar difícil determinar isso a olho nu, use uma roda de cores. Inscreva nele um triângulo equilátero. Seus ângulos indicarão três cores primárias que combinam bem. Como cores adicionais, você pode escolher tonalidades que ficam nas laterais das principais.

Escolha um fundo adequado. Você pode expor a natureza morta em uma cortina ou superfície descoberta. É importante que seja de cor neutra (se as tonalidades dos objetos estiverem saturadas) ou que combine com toda a composição. Em qualquer caso, o fundo não deve ocupar a maior parte da atenção do espectador.