Leonardo da Vinci "Madonna e o Menino" (Madonna Litta), 1490 - 1491, têmpera sobre tela. 42x33 cm, Museu Hermitage do Estado, São Petersburgo

A pintura foi obviamente executada em Milão, para onde o artista se mudou em 1482. É uma das obras cujo aparecimento marcou novo palco na arte renascentista - o estabelecimento do estilo da Alta Renascença. Uma bela mulher alimentando um bebê aparece como a personificação do amor materno como o maior valor humano.

A composição do quadro é lacônica e equilibrada. As figuras de Maria e do menino Cristo são modeladas com o mais fino claro-escuro. As aberturas das janelas simétricas revelam uma paisagem montanhosa sem fim, que lembra a harmonia e a grandeza do universo. A própria figura de Nossa Senhora parece iluminada por uma luz que vem de algum lugar à sua frente. A mulher olha para a criança com ternura e reflexão. O rosto de Madonna é retratado de perfil, não há sorriso em seus lábios, apenas uma certa imagem dela se esconde nos cantos.

O bebê olha distraidamente para o espectador, segurando o peito da mãe com a mão direita. Na mão esquerda a criança segura um pintassilgo.

A imagem vívida da obra é revelada em pequenos detalhes, que nos dizem muito sobre mãe e filho. Vemos o bebê e a mãe no momento dramático do desmame. A mulher está vestindo uma camisa vermelha com gola estreita. Possui fendas especiais através das quais é conveniente amamentar o bebê sem tirar o vestido. Ambas as incisões foram suturadas cuidadosamente (ou seja, foi tomada a decisão de desmamar a criança). Mas o corte certo foi rasgado às pressas - os pontos de cima e um pedaço de linha são claramente visíveis. A mãe, por insistência da criança, mudou de ideia e adiou esse momento difícil.

A pintura chegou em 1865 da coleção milanesa do duque Antonio Litta, a cujo nome está associado o seu título.
O desenho preparatório da pintura do Hermitage está guardado no Louvre.

Antes de entrar em l'Hermitage em 1865, a “Madonna Litta” fazia parte da coleção da família do duque Antoine Litta em Milão, daí o seu nome. A conservação da pintura foi tão deficiente que teve de ser imediatamente transferida da madeira para a tela. Esta tecnologia única, que permitiu salvar a tela, foi inventada pelo carpinteiro do Hermitage Sidorov, pelo qual recebeu uma medalha de prata.

A polêmica não diminui em torno de uma das mais belas imagens pitorescas da Mãe de Deus com o Menino. A autoria de Leonardo é questionada e, embora seus papéis contenham esboços da pintura, alguns a consideram fruto do trabalho dos alunos do maestro (pelo menos no que diz respeito ao vestuário e ao design de interiores; ainda assim, são poucos os que negariam que a rosto da Mãe de Deus pertence ao pincel de Leonardo). A data de sua criação também é desconhecida. Embora a imagem seja geralmente atribuída a Período milanês A vida de Da Vinci, mas também há datas posteriores, à época em que Leonardo viveu em Roma - há hipóteses sobre este assunto. Vale a pena contar um deles.

Não faz muito tempo, mais precisamente, na década de noventa do século passado, o cientista e arqueólogo religioso russo O. G. Ulyanov estudou afrescos nas catacumbas de Santa Priscila, em Roma. Este lugar é conhecido por fontes antigas como a “Senhora das Catacumbas” porque 7 dos primeiros papas foram enterrados lá, incluindo o mártir Papa Marcelino e seu sucessor, o Papa Marcelo. De acordo com os últimos dados arqueológicos, remonta ao século II dC.

Entre os afrescos das catacumbas está a imagem da Virgem Maria com o Menino, que é, aparentemente, a imagem mais antiga da Mãe de Deus na pintura mundial. O cientista russo ficou impressionado com a sua coincidência com a composição da “Madonna Litta”. Assim como Leonardo, a criança que se alimenta se vira e olha para o espectador.

As catacumbas, descobertas por acaso no final do século XV, tornaram-se o local de passeio preferido dos artistas e pensadores que viviam em Roma. Leonardo chegou à Cidade Eterna em 1513 e lá viveu três anos. Claro que ele, interessado em tudo, principalmente em tudo inusitado, simplesmente não pôde deixar de descer às catacumbas, onde viu um antigo afresco que o impressionou tanto que o repetiu em sua pintura. Ou seja, a criação da “Madonna Litta” deve ser atribuída ao período entre 1513 e 1517. Porém, o interessante desta hipótese não é a nova datação, mas a própria possibilidade daquele impulso espiritual que foi transmitido do pintor desconhecido do século II ao gênio do Renascimento.

Artista: Leonardo da Vinci


Tela, têmpera.
Tamanho: 42 × 33 cm

Breve história da criação

Descrição e análise

O Hermitage abriga duas obras de Leonardo representando a Mãe de Deus - “Madonna Litta” e “ Madonna Benoit" Alguns críticos de arte e os historiadores da arte tendem a acreditar que estas duas pinturas famosas estão intimamente relacionadas. Existem várias opiniões sobre este tema. De acordo com uma teoria, de autoria do pesquisador sênior do Hermitage Mikhail Anikin, a “Madona Benoit” ilustra a natureza divina de Jesus Cristo, enquanto a “Madonna Lita” deve ser considerada um reflexo da essência humana de Cristo. Este emparelhamento de duas obras-primas é uma ilustração da afirmação da Igreja Cristã de que em Cristo os princípios divinos e humanos estão unidos. Como confirmação desta versão, pode-se considerar a ausência de auréolas, simbolizando o princípio divino, ao redor das cabeças de Maria e do bebê na “Madonna Litta”, enquanto estão presentes na “Madona Benois”. Esta interpretação da relação entre as duas pinturas também poderia ser uma prova incondicional da autoria de Leonardo, uma vez que os críticos de arte não têm dúvidas de que a “Madona de Benois” foi o seu pincel.

Merece destaque especial a paisagem, à qual Leonardo atribui sempre um papel especial nas suas obras. E ao comparar duas pinturas, também pode ser considerado uma confirmação do seu emparelhamento. Se em “Madonna Benois” o espectador desfruta da pureza cristalina e da clareza do céu, então em “Madonna Litta” o artista retratou uma paisagem montanhosa, simbolizando a beleza do mundo terreno.

A teoria proposta sobre a relação entre duas pinturas famosas de Leonardo não obteve reconhecimento unânime, mas em qualquer caso, é interessante porque permite um olhar completamente novo sobre grandes obras de arte que há muito se tornaram conhecidas.

Descrição da pintura “Madonna e o Menino” de Leonardo da Vinci

Artista: Leonardo da Vinci
Título da pintura: “Madonna Litta”
A pintura foi pintada: 1490-1491.
Tela, têmpera.
Tamanho: 42 × 33 cm

Esta pintura de Leonardo da Vinci é uma das obras cujo aparecimento marcou uma nova etapa na arte renascentista - o estabelecimento do estilo da Alta Renascença. A bela mulher retratada na tela alimentando um bebê é a personificação do amor materno como o maior valor humano. A pintura leva o nome de seu antigo proprietário, o duque Antoine Litta.

Breve história da criação

Ainda há polêmica em torno de uma das mais belas imagens da Mãe de Deus com o Menino, tema principal que é de autoria de Leonardo. Alguns historiadores da arte tendem a considerá-lo fruto do trabalho dos alunos do maestro (com exceção do rosto da Mãe de Deus, que poucos ousam negar pertencer ao pincel de Leonardo). A data de criação da pintura também é desconhecida. Segundo a versão oficial, costuma ser atribuído ao período milanês da vida de Da Vinci. No entanto, também existem opiniões sobre datas posteriores que remontam ao período da residência de Leonardo em Roma.

Descrição e análise

A pintura “Madonna and Child” é uma das renomadas obras-primas da coleção Hermitage, causando constante deleite e reverência entre os espectadores. A composição da imagem é equilibrada e lacônica. As figuras de Maria e do menino Cristo são modeladas com o melhor claro-escuro. Nas aberturas das janelas simetricamente localizadas, uma paisagem montanhosa se abre ao olhar do observador, como se lembrasse a harmonia de todo o universo. A chamada Madonna Litta é retratada pelo mestre como uma mulher séria e atenciosa. Ela tem o tipo de beleza preferido da artista - testa alta e limpa, nariz levemente alongado, boca com cantos dos lábios mal levantados (o famoso “sorriso leonardiano”) e cabelos levemente avermelhados. Esta imagem é o epítome da perfeição linda mulher. No entanto, ele não é desapaixonado. Porém, todos os sentimentos vivenciados pela mulher retratada no quadro são profundamente escondidos pela artista para não perturbar a clara harmonia de sua aparência. Eles aparecem ligeiramente apenas na expressão de tristeza oculta e em um meio sorriso misterioso e deslizante. O bebê retratado também parece triste e sério além da idade. O bebê de cabelos dourados olha distraidamente para o espectador, segurando o peito da mãe com a mão direita. Em sua mão esquerda está um pintassilgo - um símbolo da alma cristã. A figura de Nossa Senhora é representada de tal forma que seus contornos são claramente visíveis contra o fundo da parede. A iluminação da silhueta feminina, contrariamente à lógica habitual, não provém de janelas situadas simetricamente atrás, mas sim de algum ponto à frente e à esquerda, modelando suavemente rostos e corpos.

O significado principal da obra, como em trabalho anterior mestres, a humanidade permanece, o respeito pelos sentimentos genuínos e profundos. Uma mãe amamenta seu filho, olhando para ele com um olhar pensativo e terno. O bebê, transbordando de energia vital saudável, gira nos braços dela, movendo as pernas. Ele se parece com sua mãe com sua pele escura e cabelos dourados. A mulher admira o bebê, imersa em seus pensamentos, concentrando nele todo o poder de seus sentimentos. O artista alcançou expressividade excepcional em sua representação da Madona com o Menino.

Porém, se você analisar como Leonardo consegue essa expressividade, verá que o maestro usa métodos de representação bastante generalizados e lacônicos. O rosto da Madonna está virado de perfil. O observador vê apenas um olho, enquanto sua pupila não é desenhada. Os lábios também não podem ser chamados de sorriso claro; apenas uma sombra no canto da boca sugere um sorriso; Ao mesmo tempo, a própria inclinação da cabeça, as sombras deslizando pelo rosto, o olhar levemente adivinhador criam aquele sentimento único de espiritualidade que Leonardo amava e sabia retratar. Completando a etapa de busca de longo prazo na arte do Renascimento, o artista, a partir da concretização exata do visível, cria uma imagem repleta de poesia, na qual tudo o que é aleatório e pequeno é descartado e ficam aquelas características que criam um ideia sublime e emocionante de uma pessoa. Assim, o mestre reúne os esforços díspares de seus antecessores e contemporâneos e, significativamente à frente deles, eleva a arte italiana a um novo patamar.

9 de novembro de 2011 em Londres galeria Nacional Em escala inédita, foi inaugurada a grandiosa exposição “Leonardo da Vinci: Artista da Corte de Milão”, que já foi considerada a melhor exposição do ano. A cerimônia de inauguração da exposição, no dia 8 de novembro, junto com o filme de Tim Marlow e Mariella Frostrup, foi transmitida ao vivo pelo canal a cabo Sky Arts 1 e por quarenta cinemas da Inglaterra, onde todos os ingressos foram esgotados (ver vídeo). Claro, porque pela primeira vez os britânicos verão oito obras-primas do grande mestre, nunca antes expostas em Foggy Albion.

Fiel ao título da exposição, apresenta quase todas as obras executadas pelo grande artista italiano no período de 1482 a 1499, durante o seu trabalho em Milão para o duque Ludovico Sforza. Os curadores coletaram a exposição inédita por quase 5 anos: durante todo esse tempo, as negociações estavam em andamento com os principais museus do mundo, o Louvre de Paris, o Hermitage de São Petersburgo e a Pinacoteca do Vaticano compartilhavam seus fundos; Alguns dos desenhos foram doados à galeria pela Rainha Elizabeth II da Inglaterra, que possui um acervo impressionante, um dos melhores do mundo.

Como resultado do trabalho árduo dos curadores da Galeria Nacional, os visitantes da exposição poderão ver nove pinturas do próprio Leonardo da Vinci das quinze que sobreviveram até hoje - as pinturas “Madonna Litta” do Ermida do Estado, “Retrato de um Músico”, “Dama com Arminho”, guardado em Museu Nacional Cracóvia (a sua exposição em Londres esteve em dúvida até ao último minuto), “São Jerónimo” da Pinacoteca do Vaticano, “Retrato de um Músico” de Milão, “Bela Ferroniere” do Louvre e outras obras. O restante da exposição é composto por mais de 50 desenhos do mestre, nunca antes exibidos em nenhuma exposição, e obras de seus alunos.

Antes da exposição em Londres pinturas Era impossível ver Leonardo juntos - eles estão em museus diferentes. O maior número as pinturas são propriedade do Louvre e da Galeria Florentina Uffizi; duas pinturas estão no Hermitage - esta é a “Madonna Litta” apresentada em Londres e a “Madonna Benois”. “Este é um evento sem precedentes. Tal exposição provavelmente nunca mais acontecerá desta forma, então agora todos juntos temos a oportunidade de entender melhor Leonardo”, disse o curador Luke Syson, que preparou a exposição, na exibição para a imprensa. Segundo ele, esta é a primeira exposição desta envergadura que se concentra especificamente na pintura, na formação do estilo de da Vinci, e não o estuda como filósofo, cientista, artista gráfico ou escultor.

A galeria não conseguiu organizar uma viagem a Londres para La Gioconda, que está exposta no Louvre. Para consolar o público, serão exibidas duas versões da “Madona das Rochas” ao mesmo tempo - uma, recentemente restaurada, da National Gallery de Londres, a outra (1483-1486) do Louvre ( veja ilustração.). Versão londrina, anteriormente considerada uma cópia de estúdio, mas depois reconhecida como posterior trabalho original mestre, foi adquirido pela Galeria Nacional no final do século XIX. Ambas as “Madonnas” ficarão na mesma sala como uma exibição separada dentro da exposição. O curador Luke Syson acredita que mesmo Da Vinci provavelmente não viu essas duas obras no mesmo espaço.

O diretor da Galeria Nacional, Dr. Nicholas Penny, disse: “Estamos extremamente satisfeitos e muito gratos aos nossos colegas do Louvre pela oportunidade de emprestar sua célebre pintura. Estou confiante de que a exibição conjunta destas obras-primas causará uma impressão duradoura.” O diretor do Louvre, Henri Loyrette, por sua vez, confirmou: “Esta colaboração única entre a Galeria Nacional de Londres e o Louvre permitiu uma histórica exposição conjunta de duas versões conhecidas da Madonna das Rochas e de Santa Ana com o Madonna and Child de Leonardo da Vinci, que tem sido o sonho de gerações inteiras de historiadores da arte.”

Recordemos que em 1483 Leonardo da Vinci recebeu uma encomenda da “Madona das Rochas”, que deveria decorar o altar de uma das catedrais de Milão. Os cientistas discutem sobre este trabalho há décadas, uma vez que existe em duas versões diferentes, e ainda não está claro se pertencem a ambos os pincéis. artista genial. Uma das opções está no Louvre, e a sua originalidade é apoiada pelo facto de esta pintura em particular ter pertencido ao rei francês, que por sua vez poderia tê-la recebido do próprio artista. Quanto à versão londrina, vários historiadores da arte atribuem-na ao pincel do aluno de Leonardo, Ambrogio di Predis, reconhecendo apenas os rostos da Madonna e do anjo como obra de Leonardo. No entanto, foi a versão londrina que foi pendurada na Catedral de Milão em 1508.

Em 2005, especialistas da Galeria Nacional de Londres, usando radiação infravermelha para analisar a famosa pintura de Leonardo, “Madona das Rochas”, descobriram sob a camada externa da tinta um desenho representando uma mulher ajoelhada com a mão estendida. Outra descoberta foi feita durante a preparação da exposição em Londres, quando os restauradores conseguiram identificar um tipo de pigmento vermelho que era conhecido por fontes escritas, mas nunca antes havia sido identificado com precisão.

Além disso, a pintura recentemente descoberta "Salvator Mundi" - "Salvador do Mundo" - está exposta na exposição. Esta pintura data de cerca de 1500 e retrata Jesus Cristo enviando uma bênção com a mão direita e segurando uma esfera transparente com a esquerda. A existência da pintura a óleo era conhecida, mas especialistas por muito tempo não conseguiu determinar sua localização e presumiu que havia sido destruído. Antigamente, em meados do século XVII, esta obra fazia parte da coleção do rei Carlos I, mas os seus vestígios estão perdidos. Segundo relatos, em 1763 a pintura foi colocada em leilão pelo filho do duque britânico de Buckingham. A próxima vez que o “Salvator Mundi” apareceu foi em 1900, quando foi parar nas mãos do colecionador britânico Sir Frederick Cook, após várias tentativas frustradas de restauração. Então era impossível dizer com certeza que se tratava de uma pintura de Da Vinci. Talvez seja por isso que os descendentes de Cook colocaram a pintura em leilão em 1958 por inimagináveis ​​​​45 libras para tal mestre - Leonardo foi para as mãos de negociantes de arte americanos. Em 2010, após um complexo programa de restauração, um exame confirmou a autenticidade de Da Vinci. A pintura está agora avaliada em £ 120 milhões.

O tema do dinheiro em relação às obras-primas reunidas em um só lugar é um dos principais, mas, surpreendentemente, não o principal. Claro, a exposição é segurada por um valor único - US$ 2,5 bilhões (o mesmo valor pode ser alocado Governo do Reino Unido em caso de qualquer incidente criminal ou força maior: http://rublev-museum.livejournal.com/48291.html), mas o pessoal da Galeria Nacional espera que não sejam necessários pagamentos: todas as medidas possíveis foram tomadas para garantir a segurança. Eles afetarão parcialmente o público da exposição: 180 pessoas poderão entrar na galeria em 30 minutos, em vez das 230 habituais.

Esta exposição já é considerada uma das mais populares da história da Galeria Nacional - está esgotada número recorde ingressos. A procura é efectivamente enorme: os bilhetes para a exposição que estão à venda já estão esgotados até meados de Dezembro; os organizadores, porém, afirmaram que mais 500 ingressos serão vendidos diariamente nas bilheterias. Além disso, o horário de funcionamento da galeria foi aumentado e os fins de semana foram parcialmente aproveitados – espera-se que estas medidas aumentem o público da exposição em 20%. Pois bem, Hollywood decidiu fazer do artista o herói de um blockbuster: a Universal anunciou planos de fazer um filme de aventura sobre o grande pintor.

A exposição de Leonardo da Vinci na National Gallery de Londres vai até 5 de fevereiro de 2012, e no dia 29 de março as pinturas do brilhante Mestre italiano será exibido em Paris como parte da exposição “Santa Ana de Leonardo da Vinci”. A exposição no Louvre vai até 25 de junho. Também contará com ambas as versões de Madonna of the Rocks. Mas “A Dama com Arminho” provavelmente não será visto em Paris. Infelizmente, não foi relatado se o Hermitage conseguiu realizar a exibição de pelo menos parte da exposição de Londres na Rússia, numa base de paridade, emitindo"Madona Litta" 4 vezes no exterior ( 1962 - Paris, 1990 - Milão e Madrid, 2003-2004 - Roma e Veneza) . No entanto, não nos acostumamos com isso há muito tempo:

“Esta obra de pequeno porte (42 x 33 cm) surpreende pela grandiosidade íntima da composição (é oportuno citar o ditado de Leonardo de que “um espaço apertado que pode conter a imagem de todo o universo... direciona a reflexão humana para o contemplação do Divino” - C.A. 345 v.), causou polêmica que continua até hoje desde a sua entrada na coleção de l'Hermitage. Em fevereiro de 1865, a pintura “Madonna Litta” foi comprada para o Hermitage Imperial da coleção da família do Duque Antoine Litta em Milão pelo diretor do Hermitage S. A. Gedeonov e pelo conselheiro acadêmico Barão von Koehne, autor da primeira publicação sobre o pintura (Arquivo do Estado Hermitage. F. 1. Op. V, 1865, pp. 1-10; B. V. von Koehne. Pinturas de Leonardo da Vinci. Mesmo ano devido à má conservação a pintura foi transferida da madeira para a tela pelo restaurador Alexander Sidorov, que recebeu uma medalha de prata pela tradução bem-sucedida (Arquivos da Universidade Estadual. F. 1. Inv. V, 1865, D. 3. L. 142-143) .

Em 1543, a “Madonna até a cintura, meia figura, amamentando um bebê” de Leonard foi mencionada na coleção do filósofo veneziano Pietro Contarini. Por fim, entre os desenhos do próprio Leonardo está o estudo da cabeça da “Madonna Litta”, feito com lápis de prata sobre papel verde (Louvre, nº 2376, ca. 1490). Segundo Demon, que propôs a sua própria datação da “Madonna Litta” de 1491-1494, este esboço foi repetido sem alterações na pintura, em particular, a posição de três quartos da cintura escapular, formando um ângulo de 45º com a superfície da parede, foi completamente transferida do desenho para a pintura (Demosts L. Les Dessins de Leonardo da Vinci. R. 14, plat.

Particularmente digna de nota é a opinião de Rinaldi, que datou a pintura em 1507-1508. baseado em desenhos do Codex Arundel de Leonard (Coleção Arundell), armazenados em Museu Britânico Londres, onde em L. 253 v. e256 rublos. há esboços de um bebê amamentando (A. de Rinaldis. Storia dell'opera pittorica di Leonardo da Vinci. Bolonha, 1926. P. 238-239. Para uma datação semelhante, ver: L.H. Heydenreich. Leonardo da Vinci. Londres-Nova York-Basel, 1954. R. 12, 180). O Códice Arundel tem uma data precisa de 1508, que está indicada no folha de rosto(Ir. M. I r).

No entanto, a literatura histórica da arte ainda adere à datação de Sir Clarke, que, por comparação com um desenho da Biblioteca de Windsor (W. 12276 v.), atribuiu a criação da "Madonna Litta" ao final do primeiro século. . Período florentino, antes de Leonardo partir para Milão em 1482 (Clark K. Um Catálogo dos desenhos de Leonardo da Vinci na coleção de H. Majestade o Rei no Castelo de Windsor. Cambridge, 1935. Vol. II. R. 1. Dos trabalhos mais recentes nós vamos mostrar : Zwijnenberg R. Os escritos e desenhos de Leonardo da Vinci: ordem e caos no pensamento moderno. 1999). Entretanto, esta datação está bastante desatualizada - basta apontar para o desenho “A Virgem com o Menino” da mesma coleção (W. 12568), feito por Leonardo em giz vermelho, e ter em conta dados modernos que antes de 1490 na obra de Leonardo trabalhar com desenhos de giz vermelho desconhecidos. Não se deve esquecer que o álbum de desenhos hoje guardado em Windsor foi compilado pelo Aretine Pompeo Leoni, filho de um ex-aluno de Michelangelo Buonarroti, a partir de ilustrações dispersas para o Codex Atlanticus, parte do qual originalmente pertencia à Coleção Arundell (sic! - Leonardo da Vinci. Obras selecionadas: traduções, artigos, comentários. Em 2 vols. São Petersburgo, 1999. P. 383-385). Não menos interessante é a semelhança da cabeça do leão que ruge no mesmo desenho de Windsor (W. 12276 v.) com a cabeça do leão na pintura de Leonardo “St. Jerônimo" (Pinacoteca do Vaticano), descoberta em Roma pelo Cardeal Joseph Fesch c. 1820

Deveria estar bem. 1495, a pintura “Madonna Litta” foi totalmente reescrita por um artista milanês, talvez Ambrogio de Predis, como acreditava, por exemplo, V.N. Lazarev (Lazarev V.N. Leonardo da Vinci. M., 1952. S. 28-29). Este artista, de facto, colaborou com Leonardo, em particular, sob um contrato com a Confraria Milanesa da Imaculada Conceição na pintura “Madona das Rochas”. Segundo a opinião geralmente aceita, na Madonna Litta o próprio Leonardo fez a disposição geral das figuras, completou a cabeça da Mãe de Deus e pintou completamente algumas partes do corpo do Menino.

No âmbito do nosso tema, é de particular interesse a colaboração de Leonardo com Ambrogio de Predis na versão tardia da Madonna das Rochas, agora mantida na Galeria Nacional Britânica. Assim como em Madonna Litte, as cores em Madonna of the Rocks são suaves, fazendo com que rostos e corpos pareçam à primeira vista cobertos por uma palidez mortal. Quando a pintura da Madonna das Rochas foi liberada após a Segunda Guerra Mundial, alguns críticos de arte acharam as cores tão opacas que acusaram a Galeria Nacional Britânica de não monitorar a segurança da obra-prima.

No entanto, uma maior limpeza revelou a verdadeira intenção de Leonardo: todas as cores não foram deliberadamente enfatizadas, pareciam ter perdido completamente o seu efeito decorativo e foram utilizadas apenas para expressar a ideia do artista. Reflete os resultados das longas reflexões de Leonardo, sua pesquisa no campo do claro-escuro e a busca por um método “como tornar plásticas as figuras”. Como resultado, a cor afeta principalmente não a visão, mas diretamente a mente.

Leonardo iniciou a segunda versão da “Madona das Rochas” novamente em 1506 em Milão, onde foi chamado aos 54 anos pelo vice-rei francês Charles d'Amboise por instruções do rei Luís XII, que queria ter “vários pequenas imagens de Nossa Senhora” de Leonardo. Esta circunstância é de particular interesse para o nosso tópico. Em primeiro lugar, deve-se levar em conta a semelhança de cores do manto azul com forro amarelo na Madona das Rochas e na Madona de Litta. Como sabem, na versão londrina da “Madona das Rochas” Leonardo teve que levar em conta os desejos da Irmandade Milanesa da Imaculada Conceição e acrescentar uma cruz alongada às mãos do menino João Batista, à qual o bênção da Criança Divina é dirigida.

Leonardo desenvolveu um tema semelhante no mesmo período (1503-1508) na pintura “Madonna com uma roda de fiar”, onde um detalhe tão cotidiano como a roda de fiar, que o Divino Infante alcançou, ganhou uma semelhança com uma cruz, que simbolizava, segundo o plano do artista, a vindoura Paixão do Senhor. A configuração da cintura escapular da Virgem Maria na Madonna da Roca, principalmente no esboço de 1501 da Coleção Windsor, feito com giz vermelho sobre papel rosa, lembra uma técnica de composição semelhante na Madonna Litte. Vale ressaltar também que no Hammer Codex (antigo Leicester Codex), compilado por Leonardo entre 1506 e 1508, há um esboço de uma figura feminina de costas (Hammer 20), que lembra muito o giro da cabeça em direção ao espectador, a mesma característica da imagem do Deus Menino na pintura “ Madonna Litta."

Igualmente significativa é a coincidência do posicionamento da perna esquerda do Divino Infante na “Madonna Litte” com detalhe semelhante na segunda versão da pintura “S. Ana com Maria e o Menino Jesus”, encomendada pelos monges Servitas do Mosteiro da Anunciação, em Florença. Leonardo retratou a Virgem, Santa Ana e a Virgem Maria tentando montar um cordeiro de tal forma que “todas as figuras sejam desenhadas em tamanho natural, mas são colocadas em um papelão relativamente pequeno, porque estão sentadas ou curvadas, e cada um está localizado um em frente ao outro, da direita para a esquerda”, segundo o testemunho que nos chegou do enviado da Marquesa Isabelle d'Este sobre a primeira exposição deste cartão em março-abril de 1501 (Wallace R. O Mundo de Leonardo M., 1997. P. 122).

A todas estas comparações, entre outras coisas, correta e cronologicamente, deve-se acrescentar que um estudo científico de radiografia da pintura “Madonna Litta” em l'Hermitage permitiu estabelecer a semelhança indubitável da “Madonna Litta” com o “Gioconda” (1503, 1514-1515) como nos contornos gerais, bem como todo o caráter do desenho do autor revelado em radiografias (Gukovsky M. A. Madonna Litta. L.-M., 1959. P. 56). Com base nisso, seria bastante justificado neste estudo atribuir o início dos trabalhos da “Madonna Litta” ao segundo período milanês da obra de Leonardo, que deu continuidade à criação de sua pequena obra-prima em Roma.

Neste sentido, assume particular importância o interesse do artista neste período pela paleta vermelho-azul dominante, que aproxima a “Madonna Litta” da “Última Ceia”, criada em 1495-1498. para o mosteiro dominicano de Santa Maria del Grazie em Milão. Em seu último trabalho, Leonardo usou pela primeira vez a têmpera, para a qual precisou inventar uma composição especial de resina e aroeira para fortalecer o solo (deve-se destacar que antes de Leonardo, cola especial feita de pergaminho de cabra raspado, que era usado para a têmpera azul devido à sua transparência cristalina, foi mencionada apenas em obras do século XIV de Cennino Cennini).

Cattedrale tomba di Baldassare Turrini (1481-1543), Pescia

Com base neste contexto, você deve prestar muita atenção fato importante, dado na biografia de Leonardo compilada por George Vasari: “Nesta época pintou para o mestre Baldassari Turini de Pesci, datarius do Papa Leão, um pequeno quadro representando Nossa Senhora com o Menino nos Braços e escrito com infinito cuidado e habilidade. No entanto, seja por culpa de quem o preparou, ou por sua própria misturas complexas de primers e tintas, atualmente está bastante danificado. Em outra pequena pintura ele retratou uma criança de incrível beleza e graça. Ambas as pinturas estão atualmente em Pesci na casa de Messer Giulio Turini" Infelizmente, até agora nenhum dos pesquisadores notou o quão estreitamente esta informação única de Vasari concorda com a composição da pintura “Madonna Litta”, onde a Mãe de Deus é retratada por Leonardo com o Menino de Deus nos braços (sic!) , imagem igual coincide com a descrição da preservação e características tecnológicas da “Madonna Litta” de l'Hermitage” (Para a publicação completa do artigo, ver: Ulyanov O.G. Pintura “Madonna Litta” de Leonardo da Vinci e a imagem mais antiga do Mãe de Deus nas catacumbas de Santa Priscila (Roma) (ao 550º aniversário do nascimento do artista) // Arte do Mundo Cristão Edição 7. M., 2003. pp. 336-348).

Entrevista com Oleg Germanovich Ulyanov Strana.ru No dia 15 de dezembro de 2003, no âmbito da exposição em Roma, na Sala Bandiera do Palácio Quirinale (residência do Presidente da República), de uma obra-prima da coleção da Ermida do Estado - a pintura "Madonna Litta" de Leonardo da Vinci, programado para coincidir com a visita do presidente Vladimir Putin à Itália, veja: http: //www.nesusvet.narod.ru/ico/books/ulyanov/

Para novas descobertas ao estudar a famosa pintura de Leonardo da Vinci “Madonna Litta” veja: http://www.neofit.ru/modules.php?name=bs&file=displayimage&album=51&pos=-246

Veja também o artigo de O.G. Ulyanov sobre Leonardo “O Mito da Arte ou a Arte do Mito”: http://religion.ng.ru/art/2004-01-21/7_freyd.html

Madonas de Leonardo da Vinci e Raphael Santi

M a d o n s

Leonardo da Vinci e Rafael Santi

Leonardo da Vinci- um dos maiores representantes da arte da Alta Renascença, exemplo de “homem universal”.

Foi artista, escultor, arquiteto, cientista (anatomista, naturalista), inventor, escritor, músico.
O nome completo dele é Leonardo de ser Piero da Vinci, traduzido de Língua italiana significa "Leonardo, filho do Sr. Piero de Vinci".
No sentido moderno, Leonardo não tinha sobrenome - "da Vinci" significa simplesmente "(originalmente) da cidade de Vinci".
Nossos contemporâneos conhecem Leonardo principalmente como um artista.

Mona Lisa – 1503-1506 Leonardo da Vinci

Quem não conhece "La Gioconda" - obra-prima famosa Leonardo da Vinci?! O rosto de Gioconda é conhecido em todo o mundo; a sua imagem ainda é a imagem mais reproduzida. No entanto, apesar da sua popularidade e circulação, La Gioconda permanece um mistério para nós.

Esta imagem está envolta em mistério, e cada vez que olhamos para ela, experimentamos uma sensação incrível de descobrir algo novo, até então inexplorado - assim como redescobrimos uma paisagem bem conhecida do verão, vendo-a num outono imersa em uma misteriosa neblina nebulosa ...

Certa vez, Vasari afirmou que “Mona Lisa” (abreviação de “Madonna Lisa”) foi pintada pela terceira esposa de um homem rico florentino chamado Francesco di Bartolomee del Giocondo, daí o segundo nome da pintura, “La Gioconda”.

O “sfumato” típico do estilo de pintura de Leonardo da Vinci enfatiza aqui o poder misterioso da natureza, que uma pessoa só pode ver, mas não pode compreender com a mente.

Este conflito entre o visível e o existente dá origem a um vago sentimento de ansiedade, intensificado pelo desamparo perante a natureza e o tempo: a pessoa não sabe para onde ir, porque a sua vida - como aquela estrada sinuosa da paisagem sombria atrás da Mona Lisa - surge do nada e corre para lugar nenhum...

Leonardo preocupa-se com a questão do lugar do homem neste mundo, e parece que expressa uma das respostas possíveis no sorriso da incomparável Mona Lisa: este sorriso irónico é um sinal de plena consciência da curta duração da existência humana em terra e submissão à ordem eterna da natureza. Esta é a sabedoria de Gioconda.

Como observou o filósofo alemão Karl Jaspers (1883-1969), La Gioconda “alivia a tensão entre personalidade e natureza, e também confunde os limites entre a vida e a morte”.

Escrita na Itália, La Gioconda permaneceu para sempre na França - provavelmente como uma espécie de bônus pela hospitalidade demonstrada ao seu autor.

Leonardo da Vinci: Madonna Litta

Litta - Família aristocrática milanesa dos séculos XVII-XIX. A pintura esteve na coleção particular desta família durante vários séculos - daí o seu nome. O título original da pintura era “Madonna and Child”. A Madonna foi adquirida pelo Hermitage em 1864.
Acredita-se que a pintura tenha sido pintada em Milão, para onde o artista se mudou em 1482.
Seu surgimento marcou uma nova etapa na arte renascentista - o estabelecimento do estilo da Alta Renascença.
O desenho preparatório da pintura do Hermitage está guardado em Paris, no Louvre.

"Madona das Rochas" (1483-1486) Árvore transferida para óleo sobre tela. Louvre (Paris) 199x122 cm.

Madonna na Gruta

“Madona na Gruta” é a primeira obra de Leonardo da Vinci que remonta ao período milanês de sua obra. Esta pintura foi originalmente destinada a adornar o altar da Capela da Confraria da Imaculada Conceição na Catedral de San Francesco Grande, em Milão, e é um excelente testemunho do domínio incomparável de Leonardo da Vinci na arte. modelagem de corte figuras e espaço.

Leonardo da Vinci: Dama com Arminho

Leonardo da Vinci:Madonna Benois

Leonardo da Vinci: Ginevra de' Benci

La Belle Ferroniere é o retrato de uma mulher no Louvre, que se acredita ser obra de Leonardo da Vinci ou de seus alunos.

“Madona do Cravo” é uma pintura que muitos historiadores da arte atribuem ao jovem Leonardo da Vinci. Presumivelmente, foi criado por Leonardo quando era seu aluno na oficina de Verrocchio. 1478-1480

Esta coleção contém o que há de mais pinturas famosas Rafael, dedicado à imagem da Mãe de Deus (Madonna).

Seguindo seu professorArtista Perugino Rafael Santos(1483-1520) criou uma extensa galeria de imagensMaria e criança , que são muito diversos técnicas composicionais e interpretações psicológicas.

As primeiras Madonas de Rafael seguem modelos conhecidosPintura da Úmbria Quatrocento . As imagens idílicas não são isentas de restrições, secura e hieraticidade. A interação das figuras das Madonas do período florentino é mais direta. Eles são caracterizados por complexos paisagem fundos. As experiências universais da maternidade vêm à tona - o sentimento de ansiedade e ao mesmo tempo de orgulho de Maria pelo destino de seu filho. Essa beleza da maternidade é a principal ênfase emocional nas Madonas feitas após a mudança da artista para Roma. O pico absoluto é considerado "Madona Sistina "(1514), onde o deleite triunfante e as notas de ansiedade desperta estão harmoniosamente entrelaçadas.

Madonna e Criança" (Madonna di Casa Santi) é o primeiro apelo de Rafael à imagem que se tornará a principal na obra do artista. A pintura data de 1498. O artista tinha apenas 15 anos na época da pintura. A pintura está agora no Museu Rafael Cidade italiana Urbino.

"Madonna Conestabile" foi pintada em 1504 e mais tarde recebeu o nome do proprietário da pintura, o Conde Conestabile. A pintura foi comprada Imperador Russo Alexandre II. Agora "Madonna Conestabile" está em l'Hermitage (São Petersburgo). "
Madonna Conestabile" é considerada último emprego, criado por Rafael na Úmbria, antes de se mudar para Florença.

"Madonna e o Menino com os Santos Jerônimo e Francisco" (Madonna col Bambino tra i santi Girolamo e Francesco), 1499-1504. A pintura está agora na Galeria de Arte de Berlim.

"Pequena Madonna de Cowper" (Piccola Madonna Cowper) foi escrita em 1504-1505. A pintura recebeu o nome de seu proprietário, Lord Cowper. A pintura está agora em Washington (National Gallery of Art).

"Madonna Terranuova" foi escrita em 1504-1505. A pintura recebeu o nome de um dos proprietários - o duque italiano de Terranuva. A pintura está agora na Galeria de Arte de Berlim.

A pintura de Rafael Familia sagrada debaixo da palmeira" (Sacra Famiglia con palma) é datada de 1506. Como na pintura anterior, retrata a Virgem Maria, Jesus Cristo e São José (desta vez com uma barba tradicional). A pintura está na Galeria Nacional de Escócia em Edimburgo.

"Madonna in Greenery" (Madonna del Belvedere) remonta a 1506. A pintura está agora em Viena (Kunsthistorisches Museum). Na pintura, a Virgem Maria segura o menino Cristo, que agarra a cruz de João Batista.

"Madonna Aldobrandini" data de 1510. A pintura leva o nome dos proprietários - a família Aldobrandini. A pintura está agora na Galeria Nacional de Londres.

"Madonna com Candelabros" (Madonna dei Candelabri) data de 1513-1514. A pintura retrata a Virgem Maria com o Menino Jesus rodeado por dois anjos. A pintura está em Museu de Arte Walters em Baltimore (EUA).

A Madonna Sistina é datada de 1513-1514. A pintura retrata a Virgem Maria com o menino Cristo nos braços. À esquerda da Mãe de Deus está o Papa Sisto II, à direita está Santa Bárbara. A Madona Sistina está na Galeria dos Velhos Mestres em Dresden (Alemanha).

"Madonna em uma poltrona" (Madonna della Seggiola) é datada de 1513-1514. A pintura retrata a Virgem Maria com o menino Cristo nos braços e João Batista. A pintura está na Galeria Palatina, em Florença.

Postagem original e comentários em

Leonardo da Vinci é um dos maiores representantes da arte da Alta Renascença, um exemplo do “homem universal”.

Foi artista, escultor, arquiteto, cientista (anatomista, naturalista), inventor, escritor, músico.
O nome completo dele é Leonardo de ser Piero da Vinci, traduzido do italiano significa “Leonardo, filho do Sr. Piero de Vinci”.
No sentido moderno, Leonardo não tinha sobrenome - "da Vinci" significa simplesmente "(da) cidade de Vinci".
Nossos contemporâneos conhecem Leonardo principalmente como um artista. Existem 19 pinturas conhecidas de Leonardo.

Suposto autorretrato de Leonardo da Vinci
Os historiadores da arte não podem afirmar com certeza que o famoso retrato de um velho seja um autorretrato. Talvez este seja apenas um estudo da cabeça do apóstolo para a Última Ceia.
Do vasto patrimônio artístico e científico de Leonardo da Vinci (1452-1519), neste artigo consideraremos apenas as imagens pitorescas das Madonas.

"Madona do Cravo" (1478)

Madeira, óleo. 42x67 cm. Antiga Pinacoteca (Munique)
Acredita-se que esta pintura tenha sido pintada pelo jovem Leonardo da Vinci enquanto era aluno da oficina do escultor e pintor italiano Verrocchio, um dos professores de Leonardo.

Descrição da imagem

Madonna é retratada com uma aparência quase imperceptível de sorriso nos lábios. Não há mais nenhum sentimento refletido em seu rosto.
Seu traje combina com a bizarra cordilheira ao fundo. Madonna é retratada com uma recepção esfumar. Esta técnica foi desenvolvida por Leonardo da Vinci. Consiste no fato de os contornos das figuras e objetos serem suavizados pelo ar que os envolve (sfumato (italiano sfumato - sombreado, literalmente: “desaparecendo como fumaça”).
O Menino Jesus, ao contrário, é representado em movimentos vigorosos. Com as mãos ainda desajeitadas ele tenta agarrar o cravo vermelho que sua Mãe segura na mão graciosa. O bebê apoia a perna direita no travesseiro e a perna esquerda fica levantada em tensão. Ele realmente quer chegar à flor!
Existe a opinião de que se trata apenas de uma cópia do original, ainda desconhecido.

"Madonna Benois" (ou "Madonna com uma Flor"), 1478-1480

Lona (traduzida de madeira), óleo. 48x31,5 cm. Museu Estatal Hermitage (São Petersburgo)
Esta imagem também se aplica a trabalhos iniciais Leonardo. É considerado inacabado. O título da pintura não é do autor. Em 1914, o Hermitage adquiriu-o de Maria Alexandrovna Benois, esposa do arquiteto da corte Leonty Nikolaevich Benois, Arquiteto e professor russo. A pintura de Leonardo da Vinci foi dada a ele por seu sogro, um rico comerciante de peixes de Astrakhan.

Descrição da imagem

A Madona e o Menino são retratados em uma sala mal iluminada. A única fonte de luz é uma janela dupla localizada nas profundezas. É a luz desta janela que destaca as figuras da pintura e a anima com o jogo do claro-escuro.
A artista retrata Madonna como uma jovem comum, uma mãe, olhando com amor para seu filho, que faz suas primeiras tentativas de explorar o mundo olhando para uma flor. Madonna está vestida com um traje usado pelos contemporâneos de Leonardo. E ela tinha o cabelo penteado à moda daqueles anos.
O simbolismo da imagem é indicado pela flor crucífero. Este é um símbolo da crucificação. Mas para uma criança neste momento é apenas um brinquedo inocente.
“Madona da Flor”, de Leonardo da Vinci, já foi amplamente conhecida pelos artistas da época. Outras obras foram concluídas sob sua influência artista famoso, incluindo Rafael.
Mas durante séculos a pintura de Leonardo foi considerada perdida.

"Madona Litta" (1490-1491)

Tela, têmpera. 42x33 cm. Museu Estatal Hermitage (São Petersburgo)

Litta- Família aristocrática milanesa dos séculos XVII-XIX. A pintura esteve na coleção particular desta família durante vários séculos – daí o seu nome. O título original da pintura era “Madonna and Child”. A Madonna foi adquirida pelo Hermitage em 1864.
Acredita-se que a pintura tenha sido pintada em Milão, para onde o artista se mudou em 1482.
Seu surgimento marcou uma nova etapa na arte renascentista - o estabelecimento do estilo da Alta Renascença.
O desenho preparatório da pintura do Hermitage está guardado em Paris, no Louvre.

Desenho no Louvre

Descrição da imagem

Mulher jovem e bonita alimentando um bebê representa amor de mãe como o maior valor humano.
A composição da imagem é simples e harmoniosa. As figuras de Maria e do menino Cristo são enfatizadas por um claro claro-escuro. A harmonia nas relações entre os personagens do quadro é enfatizada pela paisagem montanhosa nas janelas simétricas, evocando uma sensação de grandiosidade do universo.
O rosto de Madonna é retratado de perfil com um sorriso sutil nos cantos da boca. O bebê está concentrado em sua ocupação, olhando distraidamente para o público. Mão direita ele segura o peito da mãe e à sua esquerda segura um pintassilgo.

"Madona das Rochas"

Leonardo da Vinci criou duas pinturas de composição semelhante. Um deles foi pintado anteriormente e está atualmente em exposição no Louvre (Paris). Outro (escrito antes de 1508) está exposto na Galeria Nacional de Londres.

"Madona das Rochas" (1483-1486)

Árvore transferida para óleo sobre tela. Louvre (Paris) 199x122 cm.
Esta versão foi criada para a capela da Igreja de San Francesco Grande em Milão. No século 18 foi comprado pelo artista inglês Gavin Hamilton e trazido para a Inglaterra. Depois esteve em várias coleções particulares até ser comprado pela Galeria Nacional em 1880.
Em 2005, um estudo infravermelho descobriu outra pintura abaixo desta, levando alguns pesquisadores a acreditar que Leonardo planejou originalmente pintar uma adoração ao menino Jesus.

"Madona das Rochas" Galeria Nacional de Londres

Descrição das pinturas

Ambas as pinturas retratam a Virgem Maria ajoelhada com a mão na cabeça do pequeno João Batista. À direita está o menino Jesus sendo segurado por um anjo. Jesus levantou a mão para abençoar. A cena da relação entre os personagens retratados e o fundo da paisagem contrasta: por um lado há paz e ternura, por outro há uma sensação alarmante da paisagem agreste. O artista utiliza sua técnica preferida (sfumato) para suavizar os contornos de rostos e objetos.

"Madona do Fuso" (por volta de 1501)

O original desta pintura foi perdido. Mas existem três exemplares, dois dos quais foram criados em 1501 por Leonardo da Vinci (ou alunos de sua escola). Outra cópia foi criada em 1510.

Galeria Nacional da Escócia
Uma cópia está atualmente na Galeria Nacional da Escócia, em Edimburgo, e a outra em uma coleção particular em Nova York.
Os contemporâneos de Leonardo gostaram desta pequena pintura de uma muito jovem Madona com o Menino. Portanto, cópias foram feitas.

"Madona do Fuso" (1501)
Madeira, óleo. 48,3 x 36,9 cm. Coleção privada
Mas é bem possível que esta não seja uma cópia, mas uma nova versão, criado no mesmo 1501 do original.

"Madona com Fuso" (1510)
Óleo sobre tela sobre madeira, 50,2x36,4 cm. Coleção particular (Nova York)
A elevada qualidade da pintura prova que foi executada na oficina de Leonardo da Vinci, possivelmente sob a sua supervisão.

Descrição da imagem

A pintura retrata a jovem Virgem Maria e o menino Cristo segurando um fuso em forma de crucifixo - um símbolo ao mesmo tempo lareira e casa e a cruz. Na mitologia clássica, o fuso simbolizava o destino humano.
Toda a figura de Maria expressa amor pela criança. Parece que ela quer distrair a criança do fuso. Mas nem mesmo a Mãe pode impedir a Crucificação, que está destinada a Cristo.
E a criança volta-se completamente para o símbolo da sua futura Paixão e afasta-se do olhar amoroso da Mãe.